Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. y a todo el equipo del CCEBA. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. músicos. de interrogar. de inseguridad. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. afortunadamente. No nos podemos quejar. Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. 5 . y las respuestas. también surgió de una duda. de aprender. No es fácil. Vivir en ese estado permanente de expectación. eso es lo bueno de este trabajo. Eso es lo bueno de ser extranjero. ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. que la pregunta es necesaria. de intuiciones. siempre son polifónicas. La muestra que el CCEBA presenta hoy . tan frágiles. un espacio geográfico. de dudar. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. como siempre. aportaron respuestas. que la pregunta es generadora. pero tan endebles. de asombro. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. sin embargo. Tulio de Sagastizábal. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. ya lo sabemos y. Ana Gallardo. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. de sorprenderse. al lado de tantos artistas. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. existan o no. Belén Gache. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. de miradas que. no es fácil y. de duda. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. ARTE ABSTRACTO (HOY) .¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). ¡es cierto!. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina.

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y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador.ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. y medios. La noción de originalidad cae de su pedestal. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. 7 . y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. Se inventan nuevas definiciones. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. Hasper. entre otros. de los grandes eventos. Kacero y Siquier. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. Gradowczyk I. ARTE ABSTRACTO (HOY) . paradojicamente. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. o si. el vademecum es inmenso. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. el pintar. Ballesteros. a la polémica Habermas-Lyotard. de los medios. casi inconmensurable. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. resulta ser un tema abierto. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. prácticas. con el predominio de la globalización. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. Frente a la presión actual del mercado. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. del que se ha ocupado. Patricio Lóizaga3. entre otros. Cuatro artistas que participan de esta muestra. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. que niega los logros de las vanguardias modernistas. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. del gigantismo. es decir.

por ejemplo. “fragilidad” y “resiliencia”. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. se expresa por la suma simbólica de dos componentes.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. donde por resiliencia. Se limitan A triángulos rectángulos. sus anticipaciones en un recorrido temporal. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. más trasgresoras. mecanismos de “resiliencia”. Es decir. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. que las neutralicen. con el mórbido y austero sombrero castellano. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. Polaridad que . con chis teras cuadradas. Conos. que caracterizan prácticas contemporáneas. denominación tomada de la física5. sus cruces.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . menos estrictas. Mirando al techo. integrado dentro de la sociedad. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. sinuosidades. Si intentasen romboides. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. donde el arte abstracto para el instante t=hoy. por ejemplo.

en el plano de la cultura. el intertexto. ante el título elegido para esta muestra. se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. por ejemplo. vidrio. Cabría entonces. resina. el uso del buscador Google. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). la tempera. las interconexiones. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. papel. y un tercer grupo. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. el grafito. Pero hay más. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. y trasgresiones7. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. las líneas de fuga. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. Le toca ahora al visitante recorrerla.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. fotografías. cintas engomadas. fórmica. formular las siguientes preguntas adicionales. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. el acrílico. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. impresoras. madera. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. la acuarela. telas. no precisamente para contestarlas. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. videos. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. Algunos también incursionan en lo figurativo. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. símbolos. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. sin privilegiar una visión respecto de las otras. aluminio. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . 9 .

y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. Esto implicaría: primero. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. que artistas. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. Según lo señalado por Andrew Benjamin. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. sería necesario. para esta época. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. Este resurgimiento de la abstracción. su editor. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. Además. segundo. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. a modo de justificación. Baer agrega. el que se traslada al quehacer contemporáneo. expresada en 1983. 10 . por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10. II. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. más que lamentarse por lo que no fue. tercero. Esta afirmación. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen.sus artistas. preparada por Cippolini. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que. Como ejemplo. Filósofos. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora.

compartida por muchos artistas contemporáneos. utilizada como arma por los centros de poder. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. transa con ellos o los esquiva.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. Barr (Jr. 11 . mientras otros hacen cola para entrar. poder y prestigio. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. los primeros abstractos. perdura porque establece una jerarquía inmutable. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. Destaco que Peter Richter. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. como ocurriera con la Documenta de Catherine David. de diferencia y de ruptura”14. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. acaso. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. críticos. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . pintora norteamericana. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). una ilusión o un puente filosófico. cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. en muchos casos el texto y el discurso. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. pese a las críticas recibidas16. Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . Además. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. como señala Lydia Dona.

Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. Además. por la acción del mercado. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones. Jacoby e Inés Katzenstein. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . el problema de la actualidad de la pintura. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. no ya desde el sitial del juez que dictamina. Allí el artista visual vive. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. en un “francotirador”. los marchantes. y con qué alimentarlo. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. 12 . entre otros temas. en un “resistente”. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. noviembre 2004). y esa falta de contacto lo convierte al artista. Joan Carol Urquhart. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. publicada en ramona (Nº 47. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. realiza sus cruces. creando un percepto llamado Impresionismo. en muchos casos. La música popular. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. desarrollar su apetito emocional. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. los curadores-vedettes. como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. como lo señala Deleuze. qué es lo que desean transmitir. actitud difícil de concebir. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. Una artista canadiense. sino desde el banquillo del artista. el cine.

16 x 16 cm.Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. (Montaje 30 x 30cm). avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 13 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

.1 cm. avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. (Medidas máximas).ARTE ABSTRACTO (HOY) . 27 x 36.

Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. 40 x 40 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 15 .

16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 34 x 28 cm.

5 cm.¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 17 . 29 x 34.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. 46 x 33.5 cm. .

5 x 46 cm. 19 . 77. tela y papel sobre madera.Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. piso de goma. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. 20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 60 x 60 cm. Colección privada.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. 21 . 35 x 46 x 3 cm.

22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64 x 90 cm. .

A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. 23 .5 x 29 cm. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) . 41.

. Colección privada.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel. 70 x 90 cm.

percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. 25 . III. independientemente de los objetos que viste”22. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. Una década más tarde tarde. el poeta escribía. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. en lo ondulante. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. en lo fugitivo y en el infinito”. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21. en el movimiento. piensa en sí mismo. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846.

se ordenan. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. el poseedor del “ojo”. espectador advertido. por el otro. es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. esto es. Necesidad que se explica. se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. el receptor. o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. Y si incluyo el devenir en esta consideración. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. su obra y el receptor (y su devenir). en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. ya que plantean un tema central que liga al artista. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . Más no podemos hacer”27. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. contenidos que ansía asimilar. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. en la obra. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. visitante. en su muy citada conferencia de Jena. En el caso de la pintura. Así. al tiempo que éste encuentra. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. años más tarde. Al final. La introducción del espacio imaginario de contemplación. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. Empezamos en la Bauhaus. asimilador). mágica a fuerza de ingenuidad”23. Paul Klee. una percepción aguda. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. 26 . por un lado. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24.

pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. asimilador). que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. El artefacto producido por el artista. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. simplificación que ignora otros factores (variables) claves.imaginativa del receptor. su devenir. espectador advertido. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. museos. El aura del artefacto. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. tienden a agruparse en torno de él”30. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. por ejemplo. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. El tiempo. como ocurre con las mega-exhibiciones. En consecuencia. Se trata de un espacio móvil. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. el aura del artefacto. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. esto es. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. ya que los diarios. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. 27 . Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. galerías. articulado sobre el eje temporal. conferencias. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. libre de toda connotación subjetiva. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. según el análisis de Georges Didi-Huberman. en la cosa misma. en lo sucesivo. libre de todo componente emocional. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. En ese caso particular. el receptor. Existen otras escalas temporales. su aura. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. Sobre la polaridad de esas miradas. por ejemplo. realizado a mano. múltiple. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto. ubicado en un espacio físico predeterminado. al ser mirado. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. Es que el objeto. “se adueña de nosotros”. Sin embargo. esto es. con la libertad de un niño. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. se trata de una operación doble. . Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. la dimensión característica. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”.ARTE ABSTRACTO (HOY) . el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. lo concerniente a este nuevo artista. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor.

mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En ese momento. Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. sueño. un mero ser de sensación”35.IV. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. 29 . y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. Me siento coloreado por los matices del infinito. Klee. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. sino por haber contribuido al discurso estético. y en sus entrevistas. Bacon. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. También Kandinsky. Estamos en un caos iridiscente. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. y nada más: existe en sí”34. de matices indecisos. se podría analizar la situación de conflicto. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. extraer un bloque de sensaciones. espacio de niebla informe”. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). un cerebro. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. Y no sólo por sus pinturas. divago”36. Si se continua debajo de este paragüas. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. yo y mi pintura somos uno. En su correspondencia con Emil Bernard. de tonos.

Primero. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. descontrolados. la marca del gesto del pintor. en realidad caóticos. o de existencia. lo fortuito”. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. de la personalidad. es necesario poner en juego fuerzas41. Entre estos dos extremos: el caos total. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. el valor del vacío. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. aparecen en dos oportunidades. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. en la que se manifiesta el contenido auréatico. Para poder expresar las sensaciones. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. En términos espirituales. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. Segundo. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. 30 . o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. se dibuja este esquema de la saga modernista. En este contexto. el que tiende a volverse “informativo”. sino el de capturar estas fuerzas. hacerlo visible. libre de toda referencia con el mundo exterior. En otras palabras. En términos psicoanalíticos. Se trata de un sistema muy complejo. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”.

de corte y de tiempo”42. navegan por otras aguas. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. artistas como Gerhard Richter. de rotación. con la legitimidad de un único color. 31 . es necesariamente incompleta. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. si se examina la práctica contemporánea. en cada trazo. por ejemplo: fuerzas de gravedad. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. de punzonamiento. de plegado. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. de germinación. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. de capilaridad. sobrepasan el canon modernista. químicas. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. entre otros.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. sin forma o fondo. o por líneas contínuas y figuras geométricas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En consecuencia. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. como toda enumeración. de expansión. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. de explosión. Por otra parte. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. poblada de planos de colores uniformes. sin interior o exterior. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. sin interior o exterior. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. volcando sus afectos. o por líneas que cambian constantemente de dirección.

la enseñanza. como diría Klee. Algunos desarrollan. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Este es el gran desafío. El artista crea bloques de perceptos y afectos. por ejemplo. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. a esas líneas. la obra de arte no valdría nada. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. es decir. a esos planos. como el dios Moloc. darle vida a esas formas. por ejemplo. 32 . En este sentido. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. Ya que de no ser así. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. esas sensaciones. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. ARTE ABSTRACTO (HOY) . a esas figuras. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. alcanzar una materialización que transmita. es deber de cada artista saturar el átomo46. por ejemplo. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. Parafraseando a Virginia Woolf. obliga a muchos artistas a instrumentar. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. el rótulo. todo devenir descansa en el movimiento. son imanentes al acto de la creación. en forma efectiva. La obra de arte es ante nada génesis. además. los artistas hoy utilizan. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. Es que.

si se desea. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. ¿Y los trabajos de Siquier. 33 . el que responde a afinidades estilísticas. Pombo o Marina de Caro. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. homogéneos. Por otra parte. al juego de fuerzas puesto en juego. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. Marcaccio. como lo remarcara Barnett Newman47. abiertos. donde convivan. Esto daría lugar. Sugiero recorrer las salas lentamente. exhiben alto grado de gestualidad. en lo posible. Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. sus obras y el visitante interesado (receptor. indiferenciados. desiertos). en los casos de artistas que son vistos por primera vez. como ocurre con Prior.V. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. donde no existen direcciones preestablecidas. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. sin estridencias. sin cercos ni alambrados. Además. Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. que también realizan paisajes y trabajos figurales. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”.

Si se desea descartar su sentido negativo. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. remarcan este acto de repetición y de diferencia. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. es decir. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. Perversa paradoja. Se trata de un arte auréatico. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). Por su parte. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. Por ejemplo. No es casual que Laren se interese por Xul Solar.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. ARTE ABSTRACTO (HOY) . la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. Harte y Pombo están ahí. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. los une esa capacidad . escribe libretos y letras de canciones. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. Kuitca. esta reescritura. según sus propias afirmaciones. Luis Benedit. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. disponibles cuando se le cruzan. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. en uno de sus trabajos. realiza “clips”. las cosas de Cándido López.

y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). Como los concretos. 126. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. procedimiento que explica en la pág. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). su humor sorprende. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. homenajea a Víctor Vasarely. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. sus obras son objetos.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. montada luego sobre una hoja de aluminio. No escapará al visitante que Laren. ARTE ABSTRACTO (HOY) . distinción propuesta por Alois Riegl. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. y resuelve el problema plástico en el plano real. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. Laren no dibuja. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. ensaya una suerte de parodia posmoderna. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. agita y perturba. • Vilela. podría decirse. descree de la abstracción como fenómeno filosófico. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. en este caso el vidrio actúa como soporte. 35 . cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. En otras palabras.

por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. los Madís. gestuales. Al tiempo que extiende el campo. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. Arp. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. amorfos. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. Tatlin. realizados por artistas tan diversos como Picasso. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. desde su encierro voluntario. el título adoptado por Guagnini la refuerza. Esteban Lisa. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. a veces perturbadores. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. • Nicolás Guagnini. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. Torres-García. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. después de la segunda guerra mundial. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. y que culmina. como el caucho. o “telgopor”.• Los relieves. Schwitters. compartido por otros artistas invitados. Strezminski. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. ARTE ABSTRACTO (HOY) . que en ocasiones flexiona. algunas veces denominados formas planas. 36 . Kenneth Kemble y Luis Wells. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. entre otros. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. y destinados a una visión frontal. la pared. ameboidal. realizada con chapa de fibrofácil. De esto trata la obra de Carla Bertone. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido.

70 x 100 cm. 37 .Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. 101. nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) .7 x 66.2 cm. 38 Ensayo para tricolor.

101. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 39 .Ensayo para tricolor.2 cm. nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.7 x 66.

40 x 60 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela.

Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela. 41 . 30 x 40 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

Colección Delmiro Méndez e hijo S. . 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 20 x 20 cm.A.

20 x 20 x 5 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colección Orly Benzacar. 43 .Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela. 140 x 200 cm.

45 .Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 150 x 150 cm.

telas e hilos sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 110 x 180 cm. 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colección privada. 150 x 170 cm. 47 .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela.

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . medidas variables. 48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón.

49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . que él perturba. que Prior dibuja con leve traza. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. en series. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. fragmentos. su práctica no exhibe fronteras discernibles. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. Que el arte también es juego. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. Como si fuera una travesura. surcadas por líneas caóticas. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. realizadas bajo influencia hindú. Las pinturas de Prior. telas sostenidas por elementos tridimensionales. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. pocas veces geométrico. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. y luego enderezadas.• Se examina primero la obra de Prior. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. o en escalas casi microscópicas. responden a esa espacialidad táctil. y Prior trabaja en esa dirección. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. ya había sido anunciado por Baudelaire. el carácter táctil de sus pinturas. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. entre otros. a estas obras. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. De dilatada trayectoria. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. Sus superficies rugosas. o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. Abstracto o figurativo. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. En cambio.

vaciados. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. óleo. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. capacidad de almacenamiento. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. la pared o el piso. como lo hace Pablo Siquier. él expande los límites modernistas. Por otra parte. y está en fase con el deseo de Marcaccio.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. tiempo y costo. símbolos y signos. una tabla horizontal. etc. Los materiales utilizados por el artista. se ha propuesto ir más allá. gel. tal como el propio artista apunta en su texto. 50 .. fragmentado y contaminado. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. telas impresas. cortes. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. impresoras de gran tamaño. incrustaciones. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. según el relato de Balzac. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. realizando luego las tareas de impresión en extramuros. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. lineas. tela. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. acumulaciones. no soy consciente de lo que estoy haciendo. líneas que se pierden. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. Yo intento dejarla que aparezca”. porque la pintura tiene vida propia. figuras. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. No tengo miedo de hacer cambios. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. quiebres. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. destruir la imagen. Es que Marcaccio.

51 . Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. influído quizá por el solitario paisaje castellano.ritmo. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas. es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. Se inspira en las fuentes precolombinas. jugetonas. se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. Más conocida por sus esculturas flexibles. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. trabajadas en tela. Uno podría estar tentado a preguntarse. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. es la definición que propone Marina de Caro. sus fortalezas devienen palimpestos. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. y crear una imagen”l. en la nada de un tela o un papel en blanco. • “Abstracción. como recorte de la realidad. pero no menos efectivas. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos.

En este caso. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. Creo que la respuesta es otra.. es decir una pintura sin centros de interés. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura. en un punto. Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. proceso que él describe en la pág. Pablo Siquier. para volver a empezar. a la prueba y error.por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. no resulta necesario incluirlos en la representación. Registra escrupulosamente ambas cantidades. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. Beto De Volder y Emiliano López. Graciela Hasper. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. • Ballesteros traza líneas con lápiz. 86. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. tal como ella lo apunta en su texto. muchas veces de dirección caótica. 52 . Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . una bajada a tierra donde. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. caos o miasma. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. los planos monocromos. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución.. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. como lo muestran Ernesto Ballesteros. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. al gesto exacerbado. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. Las imágenes de los que juegan están ausentes. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. un campo liso monocromo. la pintura de campos. según el artista norteamericano “El plano es. Marcelo Pombo. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto.

Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. adquiere espacialidad arquitectónica. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. Sus referencias a Kandinsky. Marcaccio. con sus escorzos de formas espaciales. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo.que puede ser expandida en todas las direcciones. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. Los minúsculos excedentes de la pintura. para que puedan concretar esas aspiraciones. Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. y Pollock. • Para analizar las obras de Sergio Avello. y marcas que se repiten una y otra vez. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. telas. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. Mondrian. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. Siquier y otros más. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. 53 . y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. el hacer artesanal. limitadas previamente por un encintado. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. blancos y celestes. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. que es registrado por el ojo del observador. Prior. dentro de un grupo más amplio. plantas. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. Este fenómeno. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. hilos. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas.

se ha transformado en la pantalla de una computadora. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. de sus diseños. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. Por su parte. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. Jawlenski y Esteban Lisa. De pronto. utilizado como plano de composición. 54 . pero para quien las observa desde el cielo.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. expectantes. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. lo que muestra una lógica racional. los sombreados perfectos. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. planos de antiguas fortalezas. ya que lo que pinta son “sombras”. Siquier entrampa sus ensoñaciones. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. Es difícil precisarlos. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. y se repiten. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. el desierto. produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. jardines desarmados. Solo que en este último caso el cartón o la tela. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. a la manera de artistas tan diversos como Popova. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. • Pablo Siquier. controladora. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. por su parte. se percibe la existencia de otros mundos. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. La variable tiempo t juega un papel crucial. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica.

Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. hay que cooptarla. reinterpretarla. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. según su autor.insistencia de los cantos de sirenas. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. La estética del “kitsch”. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. porque así percibo a sus arabescos. forma parte de contemporaneidad. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. Actos peligrosos. Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. que se ejercen más que sobre la propia obra. 55 . Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. si se desea. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). En trabajos más recientes. a la manera de una Agnes Martin. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. a gozar con ella. librarse de la mecánica minimalista. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. violentos. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. esas extrañas formas onduladas planas poseen. andamios o encofrados que nunca serán construídos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . sobre sí mismo. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. amplificadas varias veces. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). aprender a convivir y. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. Por otra parte. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. tragedia. muerte.

con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. el erotismo. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. de colores negro y marrón oscuro. en suma. como lo sugieren sus títulos. las tardes de verano. pero también es juego. Pero hay más. el arte puede contener un bacilo perturbador. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . ARTE ABSTRACTO (HOY) . La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. eclipses. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. Sus bordes son rectos. la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. insiste en trabajar el vidrio como soporte. Son formas ascéticas.• Lucio Dorr. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. por su parte. con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. Sin embargo. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. que él visualiza como coronas mortuorias. la presencia de la maciza y espléndida mesa. encastrados a la perfección. una metafísica de la voluptuosidad. titulados (1-0) y (0-1).

57 . Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. son lo que son”. Este artefacto. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. Como antes lo hicieran los Madís. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. nudos que habrá que desatar algún día. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. mejor dicho. un juego sobre lo real absoluto. como fetos pretéritos. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. sobre un soporte horizontal. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. concretas. es una obra con posibilidades visuales infinitas. que lleva a imaginarla. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. o en vena metafórica. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa.uso de la añeja simetría especular. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. como los juguetes de Torres-García. Si el observador voltea la cabeza. distiende y amortigua. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. al artefacto expuesto. admiten total libertad. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. en algunas obras. • De Volder parte del dibujo. según la voluntad del observador. como el de De Volder. contenedora. ya sea como una galaxia ensoñadora. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. con formas estáticas. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. Se trata de asociarlo. una cosmovisión.

están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . una combinación de geometrías imposibles. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. ya que se la podrá apreciar lateralmente. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. en escorzo. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. Primero. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. y también desean. Por el contrario. en otras palabras. a veces con cierta dosis de cinismo. VI. como aquellos maestros. Cuarto.• Por último. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. según lo explica Deleuze. en su imaginación. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. Segundo. instrumentan mecanismos que las neutralicen. Pero las diferencias son sustanciales. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. Tercero. 58 . así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. esa visión utópica epitomizada por Mondrian. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. El observador podrá construir. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. desde ángulos diferentes. Así se extiende el ángulo de visión del observador. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor.

Ya la modernidad. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . pero salvo en las obras de Gutman. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag.consumo. Por su parte. modificar su propia estructura de clase. Este sector “ilustrado” no se propone. El ser artista deviene en una profesión liberal más. o la polémica entre Berni y Pettoruti. microcósmicas. esta relación está cambiando. como apunta Clement Greenberg. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. Por otra parte. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. Si los artistas de la vanguardia. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. 59 . 104). donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. con ello. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. es un eco que se acalla. Guagnini. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. es decir. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. si se entra en consideraciones moleculares. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. no se advierten referencias directas. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy.

su visión crítica. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. 3. Buenos Aires. Publicado originariamente en la revista ramona. The New Press. Extractos de un boceto. medios. su capacidad de resiliencia. p. Parafaseando a Klee. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. Buenos Aires. Graciela Hasper. editado por Hal Foster.de un proyecto de emancipación social?59. Fabio Kacero y Pablo Siquier. publicado en The Anti-Aesthetic. NOTAS 1. 5. Emecé. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 503. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. 2. Pero algunos evitan dar respuestas. “Postmodernism and Consumer Society”. Hal Foster. No se nutren de ensueños. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. La melancolía y la nostalgia están ausentes. su resistencia. Pero lo que logran no es poco. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). 1998. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. abril/mayo de 2000. 60 Adriana Hidalgo Editora. 11. ibidem. New York. Último manifiesto argentino del siglo XX”. Cippolini. 2003. p. Democracia. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. “más no pueden hacer”. Nº 1.Essays on Posmodern Culture. Políticas de lo visual. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. xiii. 2000. Mantienen viva su creatividad. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. 4. “El imperio del cinismo. . versión tomada de R. “Introduction”. p. conviviendo con ella. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. 143. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. Manifiestos argentinos. arte. “Manifiesto frágil. Fredric Jameson. firmado por Ernesto Ballesteros. p.

61 .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. 50 x 50 x 1 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

medidas variables.Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 65 .

. 30 x 30 x 3.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. 1999 (rojo) y 0-1. (Par de obras que funcionan como una sola). 66 1-0.4 cm.

Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Par de obras que funcionan como una sola). 55 x 35 x 14 cm. 67 .

100 x 100 cm. 68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. .ARTE ABSTRACTO (HOY) .

69 . 100 x 100 cm.Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (otra disposición).

70 “E. plásticos. parvex. 66. telas. Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. gomaespuma.4 x 133 x 16 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . (instalación).

(otra disposición). Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. parvex. 71 . gomaespuma. ARTE ABSTRACTO (HOY) . plásticos.“E. telas.4 x 133 x 16 cm. 66.

35 x 35 x 3.ARTE ABSTRACTO (HOY) .5 cm. . 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela.

“Six Significant Landscapes”./ Cones. H. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. a la que le sigue “Esteban Lisa. Journal of Philosophy and the Visual Arts. Por su parte. Modern Art: 19 and 20th Centuries. 14. 16. wearing square hats. George Braziller. 7. Cubism and Abstract Art. 1995. Lausanne. Ver Le peintre de la vie moderne. / Looking at the floor. “Reluctance. 73 . Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. October 1983. January 1937. una mirada desde el Sur. Barr. “Abstraction. 1979. waving lines. pp. New York. p. 10). the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. Frascina. reimpreso en M. Valencia. for example. Buenos Aires. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. año 7. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. / Think. 13. Alfred H. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. septiembre-octubre 2002. Marxist Quarterly. Mondrian y Torres-García. New York. pp. “I am not an abstract artist”. . 9. p. Ambivalence and the Infra-Language”. 1985. 94. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. 90-91. Jo Baer.185-211. The Critical Debate. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. / Looking at the ceiling.6. 1956. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. 10. 1999. op. editado por F. Museum of Modern Art. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. Wallace Stevens. pp. Lydia Dona. Revista Archivos del Presente. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. 1 N 1. 11. 7.” vol. “The Nature of Abstract Art. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. p.) 8. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. Nº 26. London. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. cit. 410./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. Amsterdam. New York. Nº 5. Schapiro. 12. 1936.. Selected Papers. Stedelijk Museum. Andrew Benjamin. (M. in square rooms. pp. p. reproducido en Jo Baer. Madrid. Nº 71. Academy Group. Revista ramona. 15. 77-98. Gradowczyk y Nelly Perazzo). Nº 28. Art in America. reimpreso en Curiosités esthétiques. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. ellipses—/.As. 136-37. 2002. Schapiro. Generalidad Valenciana y Telefónica. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. ibídem. un mundo construido. Harper & Row. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. 18. Paintings 1960-1998. Éditions del’oeil. Museo Colecciones ICO. p.

Guattari. Frankfurter Allgemeine. Conversations avec Cézanne. Buenos Aires. 27. M. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. publicado en Critical Terms for Art History. p. On Modern Art. avec Claire Parnet” (1996).. 28. Un caso emblemático es el Franz Kafka. p. 1855 Beaux-Arts. Paul Klee. 36. tomado de Internet. P. 26. Chicago. y. NR 47. “Exposition Universelle”..z…t)= 0. Lausanne. 112. 29. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. Charles Baudelaire. p. tomado de Georges Didi-Huberman. 1997. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor.17. 22. 23. Conversations avec Cézanne. p. Para el caso de una escultura. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. 35.y. por Roberto Jacoby. Baudelaire. cit. 127. Éditions de l’Oeil. Walter Benjamin. . Baudelaire. p. Dee Reynolds. 11. 37. 338. … t son variables independientes. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”.…t) 30. donde x. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. p. On Modern Art. 19. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. 165. Deleuze y F. Fue su albacea. Benjamin. Michael Camille. 412. W. 1997. Conversations avec Cézanne. Doran. ibídem. 114. 1966-87. Manifiestos argentinos. cit. . Barcelona. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. Véase R. Klee. p. editado por John P. p. op. 33. 1989. 1995. Discursos interrumpidos I. 21 de noviembre de 2004. pionero del arte abstracto. C. Buenos Aires. S. London. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. Sur quelques thèmes baudelairiens. Taurus. lo que nos mira..z. p. En general. Barnett Newman. z. Farber and Farber. 74 32. Paris. 1993. 220. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. Macula. Cambridge University Press. p. Sites of imaginary space. publicó El proceso y America. pág. 24. “Un arte de los medios de comunicación”. Cippolini. 95. Cambridge. 41. el escritor Max Brod. “Simulacrum”. 31. 25. Anagrama. 1978. ARTE ABSTRACTO (HOY) . C. Una función implicita es de la forma f (x. Manantial. ibídem. 21. Buenos Aires. “Salon de 1846”. Symbolist aesthetics and early abstract art. y publicado por primera vez en 1967. p. Nelson y R. Lo que vemos. 55. 1956. editado por R. reimpreso en Curiosités esthétiques. “The Plasmic Image” (1945). op. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. 18. Chicago University Press. 1966. p. op. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. Selected Writings and Interviews. publicado en Barnett Newman. 20. 34. p. G. Eduardo Costa y Raúl Escari. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor.28. Sonntagszeitung. 26. Shiff. cit. ibidem. editada por P. ¿Qué es la filosofía?.

22-23. Art in Latin America: the Modern Era. The Hayward Gallery. University of California Press. Yale University Press. p.55 metros de diámetro. 39. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. G. Gradowczyk. Alfredo Prior. Bielefeld. Antiguo: asemejar. H. 64. Michael Fehr. p. 38. 1989. op. p. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. por lo común de propia autoridad. October 2003. Apropiación: (Del latín appropiare). 1981 (reimpreso en 1996). Wurmfeld. 45. Mons. edición. 38-39 51. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Francis Bacon. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. London. 3. p. Madrid. editada por John P. 8-28. figurado. The Artist’s Studio. Martin Hentschel. cit. Nas sau. Pretextos. Logique de la sensation. Kerber Verlag. Gradowczyk. Mil Mesetas. Gradowczyk. 54. 1998. Picasso. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. Elsevier. . 146-169. 39. 2003 (inédito). catálogo de la exposición. Valencia. Capitalismo y esquizofrenia. Deleuze y F. Gumier Maier. editado por K. 42. 200. 185. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. haciéndose dueño de ello. publicado en Sanford Wurmfeld. Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. Pablo Picasso. p. “Hybrid Networks”. Barnett Newman Selected Writings and Interviews. Hacer propio de alguno cualquier cosa. Berkeley. Amsterdam. p. 53. cit. 324. 2001. 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. “Color in Abstract Painting”. 1992). Tomado de Michael FitzGerald. Ibídem. 2.169. 40. Bélgica. Hungría y Escocia. 1988. cit. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. revista Concepts. p. p. Éditions de la Différence. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”.O’Neill. H. 46. O’Neill. 48. hors série Gilles Deleuze 2. S. M. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. H. 4. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. (Tomado del Diccionario de la lengua española. 47. pp. Gradowczyk. op. 52. p. Paris. Guattari. p. M. 50. Tomado de Dawn Ades. 2000. 1991. 55. ¿Qué es la filosofía?. “You have to want to see!”. 140. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1820-1980. New Haven y Londres. Berkeley. 49. University of California Press. G. Neuer Folkwang Verlag. 1992. Tomar para sí alguna cosa. 27 de marzo de 1963.60 metros del suelo una longitud de 26. 88. 44. Deleuze.. Sils Maria Éditions. Tulio de Sagastizábal. 41. 178. 43. p. H. 2000.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. M. en Color for Science. Art and Technology. Cyclorama 2000. Citado por Deleuze y Guattari. 21 a. New York University. 5. M. op. pp.

Clement Greenberg. Cambridge. Perceptions and Judgements. 1939-1944. I. Fondo Nacional de las Artes. Silvana Lacarra. 2004. S. tomado de The New Art-The New Life. 1988. Tomado del capítulo 8 del libro de T. The Collected Essays and Criticism. Thierry de Duve. España. ARTE ABSTRACTO (HOY) . editado por H. Buenos Aires. 2001. de Duve. p. Holtzman y M. MIT press. Da Capo. “Arqueología de la modernidad práctica”. The collected Writings of Piet Mondrian. P. Revista Acto. Kant after Duchamp. editado por John O’Brian. Mondrian. New York. “Avant-garde and Kitsch” (1939). reimpreso en Clement Greenberg. 11. 76 . Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). 59. 1996. 57. Chicago University Presss.56.p. Vol. 1993. Chicago. 278 58. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). James.

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poesía. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. diseños. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en contraposición al orbe de la representación. por su presentación. 79 . programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. al responder cinco preguntas con seriedad. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. en sí de la obra. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. marcas. Abstracción. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. fondos. hito donde se respira la libertad en un presente. intersticios. humor. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. símbolos. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. fundación de una nueva categoría sensible.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. fragmentos. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. desparpajo. Los testimonios. irritación o compromiso. instalación en un ideal universo cerrado. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. desafío. conciencia de la materialidad de lo real. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. nuevo salón abstracto con estos invitados que. despojamiento de toda significación extravisual. dentro de un campo ya centenario. Así. limpidez sin historia. manchas.

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o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra.. motivaciones. Adjetívelos. tecnología. ciencias. ARTE ABSTRACTO (HOY) ..CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. pensamientos. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. soporte. tema.. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. símbolos. materiales). estados de ánimo. 81 . referencias... para. colores. de modo que. a partir de este guión: Abstracción. sin.. 3. Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas. 4. tamaño.. 5. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. citas.. Cite a tres artistas que lo nutran. caligrafía.

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Brasil). Pero no lo es. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas.SERGIO AVELLO Mar del Plata. Unas tramas de telas. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. Con colores. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). Pero a la punta del pino. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Como decir: que buen atardecer. Dibujé un perro atado a un pino. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. total. Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. A veces no las hice porque se me acabó la tela. circulitos. Que sensación genial. Dabbah-Torrejón (SEMANA). 2. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). En ese momento yo era figurativo. Una caja de colores. 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). C. Sé que puede sonar a mariconada. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo. 83 . Es así. 1. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. Sí.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. en mi niñez fui figurativo. Un riel.

Hubo una época en la que dejé de pintar.up. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. la imaginación te lleva mucho más allá. Hacía make . 3. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. Verde sapo.Si no le ponés nada. 84 . Todo es parte del mismo proceso. Una chica me dijo que era una perversión. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. “Me pone tan contento pintar un cuadro. Hago algo para distraer ese minimal. el camino contrario. El nombre de los colores. Tengo que seguir. Lo mínimo es máximo. Un minimal italianizado. Sí: de per versus. Lo mío es un mínimo preciosista. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Los nombres de los óleos son bárbaros. Un cachito de cielo o de vegetal. Siempre fui el perverso. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Cada uno tiene su genialidad. Me disparan. O lo presento en un lugar que no es el convencional. la vida me parece tan genial”. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Como si lo último fuera una perla. O no voy a la mejor galería. Los materiales siempre aparecen. Tengo una predilección por todos los colores. me cambia tanto el ánimo. Esa perla es el humor.

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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No trabajo con temas. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. 88 . El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. De todas formas. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . Seleccionada para Estudio Abierto 2004. Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. para qué). ¿Crear? Sí siempre abstracción. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. Participa en diversos premios y muestras colectivas.CARLA BERTONE Buenos Aires. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. desde que comencé a pintar. cómo. 2. y lo abandoné hace tres años más o menos. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. 1. etc. cualquier representación es siempre una abstracción. por qué. el instante de la duda (qué. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas.

5. color y textura de las diversas piezas. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. etéreo. sabio. 3. para que luego pueda ser otra cosa. Es precisa. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos. Es necesario saber qué es. lo que es no se ve y lo que se dice no se toca.transformable.flexible . Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. 4. cómo es. Definir para extender los límites de lo que es. también sus momentos sutiles. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. un suceso.admiro y disfruto. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). es ARTE ABSTRACTO (HOY) . me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. Henri Matisse: sutil. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. un objeto. inteligente. en qué condiciones.. 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). delicado. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. poética. . un concepto. etc. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. también placentera. las superficies y el volumen. delicioso. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra. simple. ser mutable . contundente.

Sobre el tema o contenido de las obras. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . rectángulos. C. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. Y. círculos. Rojas. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. una hermosa escultura. Annina Nosei Gallery. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. Participó de muestras colectivas en Argentina. 2. Nueva York y Dabbah-Torrejón. es decir. llegar a la abstracción a partir de la figuración. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. México. etc. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. una gran película. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993.FABIÁN BURGOS Buenos Aires. 90 . decía el poeta. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. C. 1. seguidas por otras en el C. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. C. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. Fundación Antorchas. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. EEUU y Francia. “sólo la verdad es bella”. En cuanto a si siempre abstracción. y éstos son siempre formas geométricas. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. triángulos. copiando naturalezas muertas. Recoleta.

a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró.L. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. De todos modos. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Godard.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso. sin embargo. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. sus caracteristicas y particularidades. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. 3. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. J. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. Con la pintura sucede lo mismo. 91 . en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. 5. incluso en retrospectiva. Jesús Soto. en especial a Malevitch. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. 4. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20. Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos. Son: Policastro. aunque las definiciones siempre limitan. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más.

Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. Me interesa más hacer algo estético. España) y diversas muestras colectivas. creo que puedo mostrar las emociones. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. los aspectos geométricos de una ciudad. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. a partir de los que voy armando mis pinturas. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. planos. las sensaciones. 92 . obsesión y repetición. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. cuadriculas. monocromos y policromos. Universidad del Salvador. también hago fotografía. aluminio y acrílico. De todos modos. entre otros. tramas y series. Bahía Blanca. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Pinto porque es mi modo de expresión. cantidad. son “más” o “menos” complejas. número.). acero. las cosas dramáticas me las guardo para mí. Sala Caja de Extremadura (Cáceres.. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. etc. Siempre me sentí atraída por los planos. son componentes que se reflejan en mi labor. y el tercer premio de pintura.. son imágenes abstractas. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. 2001. tramas. 2. siempre parto de la vida real. Series de distintos espacios. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. a veces. lienzo. elementos que han influido mucho en mi pintura y. Recoleta. puntos. que devienen en: orden. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. C. trayectos. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. 1. las experiencias de forma abstracta. mención especial del jurado. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. A través del juego construyo recorridos.. Seriación. no tengo otro que no sea éste. En mi trabajo no hay representación figurativa. para documentar esas imágenes. secuencias que se mezclan. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. C. Museo de Arte Contemporáneo. Me siento cómoda en ese campo.. cuadrículas. la arquitectura. Bienal de arte de Bahía Blanca..

el cuadro es.. que es la forma perfecta. No hay nada más intenso y. un sistema narrativo. en sí mismo. Con el cuadrado. episodios que cuentan mi relación con la pintura. una saga. le sumo otros elementos. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. Está el cuadrado y lo intervengo. Distintas formas de organización. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. un sistema narrativo. cambios. más simple. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas. se trata siempre con él y dentro de él. Kasimir Malevitch. Ross Bleckner. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio..3. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. 4. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. 5. inquietudes que logran romper la estabilidad. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados. un sistema de pensamiento. distintos elementos que van contando nuevos episodios. las tramas. ARTE ABSTRACTO (HOY) .... 93 . movimientos. Jonathan Lasker. a la vez. Abstracción. algo así.

no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. Praxis de Buenos Aires. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Warum: “la rosa es sin por qué. Van Riel. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas. ¿y si partimos de considerar la pintura. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 94 . El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. Juan Martín (México D.). 1. establece una distancia que creo quiero salvar. Radicado en Madrid desde 1991. aquello otro sin nada de mi. entre otras. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. lo que se ve no es lo que se ve. ¿Por qué entonces. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. una acción como cualquier otra? una elección accidental. (Madrid) y el 1er. Premio de Pintura Todisa. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. Ha participado en numerosas muestras colectivas. lo cierto ya no está. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. En esa huida de lo puramente plástico. es decir. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. la repetición infinita de un gesto. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. el ojo ha sido desplazado. sin por qué. lo que permanece y se dilata. Muestras en Galerías Centoira. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. florece porque florece. En su última conferencia. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. F. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. no se inquieta por ella misma. de la mirada diría. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. toda vez que acaba. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él.

me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. Así. trata de impedir la quietud en los ojos. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar.2. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. 95 . Así. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. Celan. Salah Stétié. otro tránsito: de la observación a la experiencia. el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . surge así una conducta de negación. siempre antes del acto de pintar. 3. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. “Habla. Es cierto que los temas abundan y me rodean. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. Leer sobre él. El espacio de mis pinturas. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. se manifiesta. Una vez más. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. dale sombra” Estas palabras de P. llenas de un temblor necesario. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad.

de una manera brusca. Las sedas de B. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Cage para piano de juguete y orquesta. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. . Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. La poesía de P. más bien las redes que se establecen entre sus obras. con este grado de relaciones. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. complejidades. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. 4. promete un sueño. La obra de B. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. Knoebel. *En la reciente exposición retrospectiva de V. Grippo en el Malba. También la música de Scelsi. Nancarrow casi mecánicas o las de J. Celan en su lenguaje casi quebrado. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. 96 5. Creo que lo que más me nutre no es un artista. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Pienso ahora en R. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. Las piezas de piano de C. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. El atlas de G. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa.

Texto tejido. Tejido de punto. entre otros). Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. pero de cualquier manera no es mi caso. permeables y de memoria inmediata. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. hacerla realidad. programa de cooperación y confrontación entre artistas. Una idea. C. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. Un ovillo de hilado. serie. C. Hilo: principio y final. una geometría y un imaginario. Tejido plano: Trama y urdimbre. 2. Todo lo que sucede en el plano. Un hilo se teje. Una máquina de tejer. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. 1. Un dibujo. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. F. de fragilidad. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. El tejido construye un espacio.MARINA DE CARO Mar del Plata. dos hilos entrecruzados. galeria Gara y Alberto Sendros. La línea sólo tiene existencia en la hoja. de lo efímero y de desgaste en su uso. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. 97 . La textil carga con la idea de no-permanencia. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. El hilado y el tiempo. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama. Borges. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. El encuentro. El tejido y la memoria. sucesión continua. Klemm. El textil y el cuerpo receptores de cambios. Lele de Troya. La obra textil. El acto repetido como mantra. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción.

Para la realización en tejido de las obras. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. El dibujo es una manera de constatar las ideas. simplemente me siento y tejo. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. Issey Myake y otros tantos. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Una posibilidad es desglosar un dibujo. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. tengo varios mecanismos. 98 5. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. no es contemplativo. . Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Abstracción como recorte de la realidad. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. un encuadre personal. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. hecho de manera espontánea. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. doblarlas y guardarlas. de buscar nuevas situaciones en la obra. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. en ese caso. antes que nada es mi amiga. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. comportamiento.al espectador un acercamiento a la obra. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. 4. 3. es mi forma de pensar y proyectar como artista. formas livianas frágiles. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación.

Luis F. lo otro. y es inevitable. 1. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. ferias y eventos internacionales. sobre tela en gran tamaño. Por eso quizás. bien mirado. Galería Sara Garcia Uriburu. De lo imprevisto. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. pero siempre estoy pintando en realidad. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. sobre tela y papel. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. Y pinto. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA).Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. que son comunes antes de describirse en formas. Dibujo y pinto. lo común son la necesidad y el deseo. la pintura. de lo que se comparte. como lo abstracto. Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. y muchas otras cosas. y más lentamente. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. pero lo hago como . Ha participado en diversas bienales. antes de darse a conocer a los demás.As. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. y tapo todo y vuelvo a rehacer. Contemporáneo de B. Lo inagotable. Participo de la Beca Kuitca. Noé y Roberto Páez. nacen de allí. y menos importante. lo común no es la forma narrativa. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. esas son experiencias particulares. 99 2. cuando estoy pintando. pues cambio mucho de dirección. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. Rubbers y con Diana Lowenstein. una experiencia imprevista. como si fuera conociéndose a sí misma. el temor. o dibujo. De las prefiguraciones y las tentativas. pues dibujo con pinceles. Muestras individuales en el Museo de A. si dibujara. como no lo es lo que se consume. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es magia. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. de los deslizamientos y las anticipaciones. probablemente.

ni pretende ser imagen de uno mismo. en la nada de un tela o un papel en blanco. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. Siguiendo la línea del entusiasmo. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. 4. 3. Que no pretende ser imagen del mundo. Tiempo después. Y de Philip Guston. está en el cómo. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. otras. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. Así. de los aprendizajes. ser un pintor. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. su propio melancólico conocimiento del mundo. Todo saber aburre y se revela escaso. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. tan sorprendentes cuando las conocí. y crear una imagen. . de lo inesperado. para el que relata particularmente. Desde hace mucho mi consigna es la deriva. Todos descubrimos alguna vez que. aunque tal vez no deseaban eso. vivir es vivir para contarlo. Tener un método. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo.que sea así. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. como para Scherezade. 5. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Dialogo con ellos. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. y no desaparecer en la aridez del mundo. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. ser un pintor abstracto es ante todo. Así. y nos animan a continuar sin saber. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) .

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 101

LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
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4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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. Graham. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. Oiticica. sin salvo honrosas excepciones.. de modo que puede. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación.estados de ánimo euforia. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. anarco. es más bien actuado. En general el arte como producción humana no actúa. Godard. contemplación. Idealmente suprimirlos. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí.. 5. humanista....despertarse a la realidad de su futilidad. que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) . furia. Lecciones del neoconcretismo brasileño. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. 4. y se anule la distinción sujeto-objeto. 3. manierista. 104 . por la condición de insignificancia en la que se encuentra.

cuando veo una obra abstracta me pasa eso. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. 105 . Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. cuando veía una mancha en el mosaico. la olla. lo más funcional: la silla. emisarias esquivas. eran para mí presencias raras. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. o miraba una nube. ICI. o ramitas. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. Espacio Giesso. 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. Centro Cultural de España en Córdoba. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Ahora. en pinturas cuyos motivos se me escapan. Belleza y Felicidad. Por ejemplo. Probablemente esto sea propio de todos los niños. Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003.

Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. como abstracto es el pensamiento. generalmente de uso cotidiano. . una migración. Cito trabajos de quienes admiro. un “viaje de la mirada”. La percepción subjetiva que realizo en una obra. 4. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. de un modo u otro. 2. igual que el arte. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. exige un desplazamiento. por lo tanto. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . en Artes Visuales (IUNA). pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. 1. siempre las obras son abstractas. 3. Como Gauguin. Actualmente cursa la Lic. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. Su temprana muerte. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. cualquiera sea el soporte. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. Participa en muestras colectivas desde 1996. pienso también que “el arte es una abstracción”. 106 de catálogos.2. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”.

como la vida. de sus teorías.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. 107 . Dijo: “El arte. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos. está más allá del gusto. porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. 5.

El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. Rojas. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Manuel Espinosa. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). 108 2. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. Fondo Nacional de la Artes. Galería Ruth Benzacar. y en el C C. C.Helio Oiticica. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. Alfred Jensen. Julio Le Parc. ignorándose así a los artistas abstractos y. C. Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. . y en Chinati Foundation en Texas). La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con. la abstracción norteamericana. galería Annina Nosei en New York. Balthus. Gego. 1. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. C.GRACIELA HASPER Buenos Aires. Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. Bridget Riley. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. pero no derivada de. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. NY. Blinky Palermo . Ricardo Rojas). produjo Proyecto Sala 2 en el C. Lygia Clark. a finales de los años ‘40. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. otredad y universalidad como una caja de Pandora. Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. tanto que privó a los artistas de todo apoyo.

Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación.3. por otro. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. 109 . no para representar sino para derivar una operación pictórica. Uso la forma como un transporte de contenido. como un instrumento de aprendizaje y acción. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. 4. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. La pintura. creo. de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. y la obra se basa en esa relación. tamaño edificio). en su historia. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 5. Los significados varían en los casos. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. y por usar otros medios como la fotografía.

Galería Kravets-Wehby. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. La Abstracción en bloque como otro ready made. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. sino en la historia. El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. editado por Galería Ruth Benzacar. mímesis. Brasil. modelos. 110 . También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. Venezuela. Habré dicho "operación despojo". 2004. Ha publicado su libro “nemebiax”. en el ICI. Japón. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de lastre. como invariante. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. compartiendo rasgos de familia. de retórica. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras. México. Habré dicho en su lugar "operación tamices". y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. afinidades por temperamento. no uno encontrado en la calle o en el desván. Borges y en Ruth Benzacar.FABIO KACERO Buenos Aires. (La asignación de una potencia a lo inanimado. Nueva York. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. Como formas históricas. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. escencias. C. como quién se aligera de habilidades. El provecho post mortem). descripción. como quien filtra el resplandor del mundo. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). sus controversias se han secado. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno. C.

habré dicho “música”. distante en las colinas. Ambar. la última. en Dock Sud. Pero ésta ya no concierne al tema). Restos de luz. Doug Musto. Lubomir Bourdev. la que atraviesa la ola. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. hielos. Susan Gile. Paul George. ¿De las influencias? Paul Asente. Ted Alspach. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. Pierre Louveaux. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. rodeándolo. Takashi Morifusa. la pelusilla. Steve Schiller. Vermeer. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. Chris Scott. Christine Taylor. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. la vertical. En las pantallas… en los cuadros. Colaboradores. solar. pliegues de luz. sideral. Rick Boyce. Tampoco hubo nunca una tensión interna. Makiko Sashiki. lo importante es lo que está en el centro. anillos. Grace Ge. Iam Mougy. la primera. con muchos. sobre cada hoja. con los ojos abiertos. ¿Quiénes son? Creadores de soft. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Theresa Johnston. Icaza. con los ojos entrecerrados. David Holloway. Moldeando cúpulas. (Y sobrevolando las anteriores también. “operación já já”. en los cursos de agua. carrocerías. Hiromi Watanabe. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Michael Abbott. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. sobre los rostros. transportes de luz. Dave Burkett. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. Satoski Komiyama. John Moyer. Teri Pettit. Karen Tanner. Dave Lazarony. Chardin. la retirada en la penumbra. Darin Tomack. Canaletto. orla de luz resplandeciente en una nube gris. la indolente. mercurial. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. En todo caso. Chris Quartetti. en los árboles.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. Rob Sargent. Ning-ju Nan. Lorrain… . Frank Guinan. Carlos M. monumental. Dan Clarck. sanguínea. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. en las ventanas cuando atardece. dispersa en el aire. Barry Hills. rayos. la directa. la reflejada. dorada. rosa. Leon Brown. dinteles. 111 . en Castelar. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. flotando en una habitación. John Nash. íntima. el humo. en Monserrat. Y lo que está en el centro es la luz. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. estelas. Asako Yoshimura. Y también. gris perla. navegación. Lunar. Rocky Sloan. Jeff Bradley.

etc. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro.provienen. que me dicen no existe. . y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. Michael Nada. Sau Tam. Silvia Todos. Mark Hamburg.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Jean Batiste Nadie. Del artista humilde -si no pudoroso. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. les correspondería: Thomas Knoll. incluso abstracto. sólo una forma del tiempo. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. en algún momento no hubo arte en lo absoluto. cuanto menos. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico. Conforme pasa el tiempo me vacío. Stephanie Schaefer. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. luego casi nada o una pamplina. a la conformidad al yo. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. incluso a las manieras. Seetharaman Narayanan. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). que en otro momento lo fue casi todo y. Mark Pawliger. y de ellos es. Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. Del artista orgulloso. parafraseando una frase de Rimbaud. paradójicamente. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. 112 mencionar. supongo. Una podrá decir que. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. parte del crédito. y luego un artista humilde.

. 1 / 2. postulando su completa autonomía. Marina Abramovich: cruda. sintético. Se sustrae de todo indicio representacional. resistencia. Lo que busco es “exponerlo”. Centro Cultural Borges. 5. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. sólido. concentrado. Lo contrario a disimularlo. contundente. Goethe Institut. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. 4. Richard Long: poético. su color. bestial. Características que. todas ellas. su peso. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Palais De Glace. 3. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. frontal. expuesta. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. su falta de flexibilidad. inducen y provocan mi trabajo. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. La fórmica es un material industrial. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. espesor. A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom.SILVANA LACARRA Bragado. 113 . rotundo. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. sensorial. no hay pintura posible. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. También Participó en diferentes muestras colectivas. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. y en el Fondo Nacional de las Artes. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. Mondrian: potente. As. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. El color de la fórmica es el color de la obra.

1962 Técnico Químico. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. 1. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. El resultado es más que magnífico. Expone a partir de 1991 en el C. Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo.BENITO LAREN San Nicolás. es espectacularen. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. liso y brillante. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. 2. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. Galerías Gara. en muchas capas. letras de canciones o guiones para TV. C. Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Ricardo Rojas. La pintura se aplica del lado de atrás. ICI. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. 114 .000. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. y así tengo todo el día para mirar TV. Consulado Argentino en Nueva York. 4. 3. Residió en Nueva York y en Paraguay. Pintor y escritor autodidacta. Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. por ser puro. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. Fundador de “POP O H ART”. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo.

115 . recomendando las de manteca. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. en lo que se refiere a las predicciones. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. Sí. ya que las de grasa enturbian las visiones. El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. sobre todo cuando como pizza. modestia a parte. Yo. el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. 5. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. También me siento identificado con Cándido López. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar.

Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. C. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. Participó de varias muestras colectivas.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. etc. Por otro lado. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico). Estudió con Luis A. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse.obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-. ARTE ABSTRACTO (HOY) . otra Virtual e ilusionista. El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. 1. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad . La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. 116 2.EMILIANO LÓPEZ Quilmes. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. Borges. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C.) . las referencias son una constante. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. en mis pinturas. Wells y es ayudante de Gyula Kosice.

Me convertí en una especie de fan de R. Llega a la esencia con elementos mínimos. Según la propuesta de la obra.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°. Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice. más recientemente. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). logra una unidad en la diversidad de su obra.Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. 4. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes. las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. 117 . capaz de abarcar en una mirada: Pasado . por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. no hace falta nombrarlas. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala. éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva.Presente Futuro. Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. ARTE ABSTRACTO (HOY) . dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar. Una vez entelado y dada la base. La citas se ven en la obra. 3.

Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. 118 . Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir.5. La vida no responde a leyes fijas.

FABIÁN MARCACCIO Rosario. 119 5. 1963 Nacido en Argentina. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. expandiendo la abstracción. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. cicatrizar su corte. 2. 3. “Paintant Stories” en Colonia. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. integrando otros medios. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1. Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. La raíz de mi trabajo es la abstracción. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que . la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. pasando por lo informal hacia lo transformal. Desde la pintura. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. 4. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. Crear un pasaje más allá del collage. Fabián Marcaccio. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. Pintar sí. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica.

histórico. (Fundación Antorchas). No considero que haya un límite entre un campo y el otro. que siempre se acumula. No quiero dar al mundo basura. Movimiento centrípeto. Residencias en centros de arte españoles. como pintar una casa. sucede. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). la pantalla de la computadora. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. pura materia. 1973 Diseñadora gráfica UBA. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. y que toda abstracción es representativa. al infinito. expandirse. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil.JULIA MASVERNAT Buenos Aires. mover los brazos es intervenir en el espacio... Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. Elijo la abstracción. porque me interesa trabajar con el material como imagen. 120 . Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) . tal vez en diversos grados. viscosa. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús.Pintar un paisaje es como pintar un objeto.. sino expandir miradas. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido. la escritura. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. . que es como pintar una línea. Juana de Arco y en Braga Menéndez. No la impongo. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. multiplicarse y generar resonancias. Los materiales traen su propio sentido de uso. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad.” Javiera Neral. 1. La pintura es pastosa.. Entonces. 2. Y creo que siempre tiene reminiscencias. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. Creo que pintar siempre implica abstracción. Podría decir que toda representación es abstracción. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. para construir desde el color y la forma. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. social y sus referencias. Subsidio para un proyecto multimedia. como pintar una persona.

En mi trabajo. constelaciones. el hormigón en los edificios. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. los intersticios.org”. combinaciones. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. intento proponer otro modo de relación con cada medio. los bordes del arte. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. las casas construidas con lo que se encuentra. las pinturas y esculturas de Tony Smith. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en las pinturas de Roberto Aizenberg. madera. los afiches callejeros. pesados y livianos a la vez. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. luz.lugar las cosas. los umbrales. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. Romper y reconstruir de otro modo. Los bordes de las cosas. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. otros lenguajes. por lo tanto. de Brian Mackern. el silencio en los paisajes artificiales. 4. Ritmo. la relación con el medio en “no-content. de Robert Morris. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. el espacio alrededor. tanto en los objetos como en el campo digital. etc. la escena final de la película Zabriskie Point. 5. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. 3. Movimiento expansivo. de Michelangelo Antonioni. En el diálogo con éste. Descontextualizar y recontextualizar. 121 . otros sentidos. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. Formaciones centrífugas. sonido. Agrupaciones. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. una percepción diferente a la habitual. agrupamientos. Y esto funciona como motor de la obra.

Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. Idea mucho más estimulante. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). Ruth Benzacar. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. gallinas. . 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Kandinsky. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. lo fortuito.MARCELO POMBO Buenos Aires. California. Fullerton Art Museum. que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. Rojas. ICI (con M. R. C. la mayor seducción proviene de Japón. V. Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo. ya sea como resultado de la voluntad de invención. y si se quiere radical. Participó de exposiciones colectivas en Argentina. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. 122 esenciales. Nueva York. San Bernardino University. Brasil. ómnibus. cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. Luego se suceden en el C. 2. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. Huarte). California y Marvelli Gallery. fotografía aérea. microscopio electrónico y todo lo demás. Santa Monica. 1. As. Para mí.

fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. épocas y fronteras naturales. sin duda. entre las cosas que me inspiran. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. a la camisa estampada. 123 . a la superficie pulida de la ágata. al diseño digital. Hoy. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. al muro de Sol Lewitt. 4. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. una lista tan interminable como la opulencia del mundo. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. ARTE ABSTRACTO (HOY) . que tanto me atrae.3. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. En fin. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. al ala de la mariposa. Pero. está el inmenso caudal de pinturas decorativas.

. No pienso mi pintura como un “trabajo”. Ensor: anestorésico. Museo Nacional de Bellas Artes (1998). Costa Rica. Perú. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Ecuador. 1988. Museo de Arte Moderno (2003). Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. 1. Brasil. 1997). Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. 1995. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. Venezuela. Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. 2. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. 124 5. EEUU y Europa. Abstracción con la legitimidad de un único color. Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colombia. 1993. 4. 1990). ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. entonces. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. de método. Por lo tanto. Centro Cultural Recoleta (2000). Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). el artista no debe tomarse demasiado en serio. Según un tratado de pintura chino. 3. Carezco. Turner: rumoroso.ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina.

Colombia. en la FADU de la UBA. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). composición. que la construcción sea correcta. en ese sentido no soy muy moderno. Brasil. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. Bueno no. que sea verdad. en el ICI de Buenos Aires. 125 . y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. soporte etc. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. en el Fondo Nacional de las Artes. Pero. (en dos oportunidades). 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. de la Vega. No. ARTE ABSTRACTO (HOY) . la palabra abstracción no me dice demasiado.). Venezuela. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Ay no. Costa Rica. con envidia y tristeza. 4. no son adjetivos. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. creo. Annina Nosei (Nueva York). no sé. Francia y los EEUU. 3. 5.PABLO SIQUIER Buenos Aires. Me siento como un artista de posguerra. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. Flaubert. Ramis Barquet (Monterrey). 1. con materia y gesto me digo. A mí el que me enseñó todo fue de la Vega. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. contención emocional. materiales. en realidad nunca pensé en ella. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. en las galerías Ruth Benzacar. Steely Dan gracia y aburrimiento. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. mientras estoy así concentrado.

126 . una entrega física considerable. hasta podría decirse primitivas. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. Siempre fui un enamorado de las tautologías. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. El grafito. un papel o una tela sin textura. a diferencia de las producciones que. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. 2.MARIANO VILELA Buenos Aires. Por lo tanto. Sin embargo.Torrejón. como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. 1. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. sin que deba entenderse a esta última como figuración. Obtuvo una Mención Especial del Jurado. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. en los últimos años. el dibujo. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. implican un salto hacia la tridimensionalidad. a fin de reducir la desproporción. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. Becario Kuitca en la Fundación Proa. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. más precisamente. al tomar contacto con el arte. en este caso la pintura o. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. en las que es posible verificar su formación.

Albers. El corte forma parte del discurso”. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. Stella. 5. la obra imaginada. F. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. Este terreno huérfano de certeza. 4. 127 . Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. etc. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. J. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. Malevitch. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. Robert Ryman por su sed de absoluto. En su mayoría. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable. Lo táctil se sobrepone a lo cromático.3. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. una intimidad. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. todas son versiones y cada una un original absoluto. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas.

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Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. D. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Braga Menendez Arte Contemporáneo. de Caro. Siquier y Vilela. Gutman. Bertone. Pombo. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. Lacarra. Burgos. López. Curador: Mario H. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . Laren. Fotografiía: Oscar Balducci. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. Guagnini. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Ballesteros. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. Cacchiarelli. Corujeira. Masvernat. de Sagastizábal. Prior.Embajada de España Sr. Kacero. Gradowczyk. Dorr. Marcaccio. De Volder. Artistas: Avello. Gumier Maier. Hasper.

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© 2005 Copyright de los textos: sus autores. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 131 .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA.

pág. 11.La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. abril/mayo de 2000. .

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