Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. como siempre. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. ya lo sabemos y. sin embargo. No es fácil. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. y a todo el equipo del CCEBA. ¡es cierto!. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. afortunadamente. también surgió de una duda. eso es lo bueno de este trabajo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . existan o no. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. de aprender. tan frágiles. No nos podemos quejar. un espacio geográfico. Tulio de Sagastizábal. Belén Gache. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. de miradas que. aportaron respuestas. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. de dudar. Ana Gallardo. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. no es fácil y. siempre son polifónicas. músicos. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. de sorprenderse. de asombro. Eso es lo bueno de ser extranjero. de inseguridad. de interrogar. Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. de intuiciones. y las respuestas. La muestra que el CCEBA presenta hoy . siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. Vivir en ese estado permanente de expectación. que la pregunta es generadora. al lado de tantos artistas. pero tan endebles. 5 . que la pregunta es necesaria. de duda.

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Cuatro artistas que participan de esta muestra. del gigantismo. resulta ser un tema abierto. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. ARTE ABSTRACTO (HOY) . entre otros. La noción de originalidad cae de su pedestal.ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. prácticas. Patricio Lóizaga3. Hasper. 7 . Gradowczyk I. paradojicamente. con el predominio de la globalización. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. el vademecum es inmenso. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. entre otros. Kacero y Siquier. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. Se inventan nuevas definiciones. casi inconmensurable. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. el pintar. del que se ha ocupado. y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. es decir. Ballesteros. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. o si. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. que niega los logros de las vanguardias modernistas. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. y medios. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. de los medios. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. Frente a la presión actual del mercado. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. a la polémica Habermas-Lyotard. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. de los grandes eventos.

se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. con el mórbido y austero sombrero castellano. Si intentasen romboides. Es decir. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. menos estrictas. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. por ejemplo. donde el arte abstracto para el instante t=hoy.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . que caracterizan prácticas contemporáneas. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. Polaridad que . por ejemplo. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. mecanismos de “resiliencia”. con chis teras cuadradas. Mirando al techo. Conos. Se limitan A triángulos rectángulos. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. denominación tomada de la física5. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. sus anticipaciones en un recorrido temporal. más trasgresoras. sinuosidades. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. sus cruces. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. “fragilidad” y “resiliencia”. que las neutralicen. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. integrado dentro de la sociedad. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. donde por resiliencia.

el uso del buscador Google. fotografías. impresoras. y trasgresiones7. no precisamente para contestarlas. la tempera.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. aluminio. vidrio. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . madera. Pero hay más. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. el intertexto. formular las siguientes preguntas adicionales. en el plano de la cultura. la acuarela. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. telas. 9 . se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. Cabría entonces. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. sin privilegiar una visión respecto de las otras. el grafito. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). por ejemplo. las líneas de fuga. resina. el acrílico. símbolos. papel. videos. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. fórmica. Algunos también incursionan en lo figurativo. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. cintas engomadas. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. ante el título elegido para esta muestra. y un tercer grupo. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. Le toca ahora al visitante recorrerla. las interconexiones. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples.

por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. Esto implicaría: primero. para esta época. el que se traslada al quehacer contemporáneo. a modo de justificación. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. que artistas. más que lamentarse por lo que no fue. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10. sería necesario. Este resurgimiento de la abstracción. preparada por Cippolini. Como ejemplo. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. Esta afirmación. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. Según lo señalado por Andrew Benjamin. tercero. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. Baer agrega. expresada en 1983. Filósofos. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. II. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. 10 . Además. segundo. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. su editor.sus artistas. Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que.

mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . acaso.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. de diferencia y de ruptura”14. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. transa con ellos o los esquiva. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. como señala Lydia Dona. cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. una ilusión o un puente filosófico. Además. perdura porque establece una jerarquía inmutable. Destaco que Peter Richter. 11 . en muchos casos el texto y el discurso. mientras otros hacen cola para entrar. poder y prestigio. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica).el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. compartida por muchos artistas contemporáneos. como ocurriera con la Documenta de Catherine David. pintora norteamericana. de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. Barr (Jr. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. los primeros abstractos. utilizada como arma por los centros de poder. pese a las críticas recibidas16. críticos. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores.

Joan Carol Urquhart. actitud difícil de concebir. como lo señala Deleuze. realiza sus cruces. Una artista canadiense. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. en un “francotirador”. entre otros temas. sino desde el banquillo del artista. el problema de la actualidad de la pintura. y esa falta de contacto lo convierte al artista. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones. qué es lo que desean transmitir. no ya desde el sitial del juez que dictamina. creando un percepto llamado Impresionismo. por la acción del mercado. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. 12 . ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. los curadores-vedettes. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. La música popular. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. Además. Jacoby e Inés Katzenstein. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. en un “resistente”. desarrollar su apetito emocional. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. en muchos casos. y con qué alimentarlo. como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. publicada en ramona (Nº 47.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. los marchantes. noviembre 2004). Allí el artista visual vive. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. el cine.

16 x 16 cm. (Montaje 30 x 30cm).Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. avisos de búsqueda de empleo y varios CD. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 13 .

.1 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 27 x 36. 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. (Medidas máximas).

15 .Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. 40 x 40 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 34 x 28 cm.

17 .5 cm. 29 x 34.¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

5 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. 46 x 33.

77.Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. 19 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . piso de goma.5 x 46 cm. tela y papel sobre madera.

. 20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio. 60 x 60 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colección privada.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 35 x 46 x 3 cm.Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. 21 .

. 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64 x 90 cm.

A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) .5 x 29 cm. 23 . 41.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel. . 70 x 90 cm. Colección privada.

paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. en lo ondulante. en el movimiento. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . piensa en sí mismo. 25 . Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21. Una década más tarde tarde.percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. independientemente de los objetos que viste”22. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846. el poeta escribía. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. en lo fugitivo y en el infinito”. III.

es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. Y si incluyo el devenir en esta consideración. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. en la obra. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. Más no podemos hacer”27. asimilador). Al final. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. el poseedor del “ojo”. Paul Klee. mágica a fuerza de ingenuidad”23. En el caso de la pintura. esto es. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. Necesidad que se explica. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. el receptor. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. una percepción aguda. 26 . Empezamos en la Bauhaus. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. por el otro. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. ya que plantean un tema central que liga al artista. se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. su obra y el receptor (y su devenir). Así. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. La introducción del espacio imaginario de contemplación. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. al tiempo que éste encuentra. se ordenan. en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. en su muy citada conferencia de Jena. contenidos que ansía asimilar. visitante. espectador advertido. por un lado. años más tarde. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24.

el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. espectador advertido. museos. sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor.imaginativa del receptor. asimilador). tienden a agruparse en torno de él”30. El artefacto producido por el artista. por ejemplo. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. ARTE ABSTRACTO (HOY) . conferencias. que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. El tiempo. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. galerías. El aura del artefacto. ya que los diarios. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. simplificación que ignora otros factores (variables) claves. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. como ocurre con las mega-exhibiciones. así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. esto es. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. articulado sobre el eje temporal. el aura del artefacto. a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. Se trata de un espacio móvil. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. su devenir. que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. En consecuencia. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). 27 .

y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. con la libertad de un niño. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. Sin embargo. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. realizado a mano. lo concerniente a este nuevo artista. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. Existen otras escalas temporales. ubicado en un espacio físico predeterminado. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. “se adueña de nosotros”. libre de toda connotación subjetiva. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. múltiple. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. Es que el objeto. En ese caso particular. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. en lo sucesivo. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. en la cosa misma. según el análisis de Georges Didi-Huberman. se trata de una operación doble. esto es. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. Sobre la polaridad de esas miradas. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. la dimensión característica. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. al ser mirado. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. por ejemplo. libre de todo componente emocional. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto. su aura. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. el receptor.

y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. y en sus entrevistas. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . sueño. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. Bacon. En su correspondencia con Emil Bernard. Si se continua debajo de este paragüas. un mero ser de sensación”35. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. Me siento coloreado por los matices del infinito. En ese momento. También Kandinsky. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. un cerebro. divago”36. 29 . de matices indecisos. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. Estamos en un caos iridiscente. sino por haber contribuido al discurso estético. Guston y Marden se han referido al caos (el azar).IV. Y no sólo por sus pinturas. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. yo y mi pintura somos uno. espacio de niebla informe”. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. extraer un bloque de sensaciones. Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. se podría analizar la situación de conflicto. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. de tonos. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. Klee. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. y nada más: existe en sí”34. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba.

pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. Entre estos dos extremos: el caos total. o de existencia. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. la marca del gesto del pintor. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. En otras palabras. libre de toda referencia con el mundo exterior. de la personalidad. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. Primero. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. Segundo. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. es necesario poner en juego fuerzas41. el que tiende a volverse “informativo”. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. En términos espirituales. se dibuja este esquema de la saga modernista. Se trata de un sistema muy complejo. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. aparecen en dos oportunidades. descontrolados. en la que se manifiesta el contenido auréatico. hacerlo visible. lo fortuito”. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. Para poder expresar las sensaciones. 30 . el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. el valor del vacío. sino el de capturar estas fuerzas. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. En este contexto. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. en realidad caóticos. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. En términos psicoanalíticos.

31 . o por líneas que cambian constantemente de dirección. de plegado. químicas. si se examina la práctica contemporánea. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. en cada trazo. de corte y de tiempo”42. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. de capilaridad. entre otros. navegan por otras aguas. artistas como Gerhard Richter. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. sobrepasan el canon modernista. Por otra parte. de explosión. ARTE ABSTRACTO (HOY) . volcando sus afectos. de rotación. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. sin interior o exterior. de expansión. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. sin forma o fondo. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. de punzonamiento. con la legitimidad de un único color. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. o por líneas contínuas y figuras geométricas. En consecuencia. es necesariamente incompleta. como toda enumeración. para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. de germinación. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. sin interior o exterior. por ejemplo: fuerzas de gravedad. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. poblada de planos de colores uniformes. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y.

darle vida a esas formas. obliga a muchos artistas a instrumentar. Es que. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. En este sentido. es decir. a esas líneas. esas sensaciones. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. a esas figuras. Parafraseando a Virginia Woolf. alcanzar una materialización que transmita. como diría Klee. Este es el gran desafío. La obra de arte es ante nada génesis. Ya que de no ser así. el rótulo. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. son imanentes al acto de la creación. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. la enseñanza. por ejemplo. por ejemplo. 32 . por ejemplo. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. Algunos desarrollan. todo devenir descansa en el movimiento. es deber de cada artista saturar el átomo46. como el dios Moloc. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. a esos planos. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. El artista crea bloques de perceptos y afectos. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. en forma efectiva. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. los artistas hoy utilizan. la obra de arte no valdría nada. además.

podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. sus obras y el visitante interesado (receptor. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro.V. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. desiertos). Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. al juego de fuerzas puesto en juego. Esto daría lugar. Por otra parte. sin estridencias. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. en lo posible. Pombo o Marina de Caro. Marcaccio. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. exhiben alto grado de gestualidad. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Y los trabajos de Siquier. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. si se desea. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. el que responde a afinidades estilísticas. 33 . Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. sin cercos ni alambrados. a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. homogéneos. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. como lo remarcara Barnett Newman47. como ocurre con Prior. indiferenciados. Sugiero recorrer las salas lentamente. abiertos. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. que también realizan paisajes y trabajos figurales. donde convivan. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. Además. donde no existen direcciones preestablecidas.

sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. Por su parte. es decir. escribe libretos y letras de canciones. Se trata de un arte auréatico. remarcan este acto de repetición y de diferencia. los une esa capacidad .connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. Kuitca. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. en uno de sus trabajos. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. según sus propias afirmaciones. Perversa paradoja. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. Harte y Pombo están ahí. Si se desea descartar su sentido negativo. realiza “clips”. Por ejemplo. disponibles cuando se le cruzan. ARTE ABSTRACTO (HOY) . las cosas de Cándido López. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). Luis Benedit. esta reescritura. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. No es casual que Laren se interese por Xul Solar. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman.

distinción propuesta por Alois Riegl. cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. en este caso el vidrio actúa como soporte. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. homenajea a Víctor Vasarely.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. • Vilela. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. sus obras son objetos. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. agita y perturba. Laren no dibuja. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. 126. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. No escapará al visitante que Laren. La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). Como los concretos. Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . y resuelve el problema plástico en el plano real. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. En otras palabras. montada luego sobre una hoja de aluminio. ensaya una suerte de parodia posmoderna. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. su humor sorprende. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. podría decirse. 35 . que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. procedimiento que explica en la pág. descree de la abstracción como fenómeno filosófico.

o “telgopor”. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. el título adoptado por Guagnini la refuerza. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. desde su encierro voluntario.• Los relieves. Schwitters. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). gestuales. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. • Nicolás Guagnini. Kenneth Kemble y Luis Wells. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. los Madís. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. algunas veces denominados formas planas. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. Torres-García. la pared. Strezminski. compartido por otros artistas invitados. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. que en ocasiones flexiona. De esto trata la obra de Carla Bertone. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. amorfos. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. realizados por artistas tan diversos como Picasso. Esteban Lisa. ameboidal. realizada con chapa de fibrofácil. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. Arp. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. Tatlin. y que culmina. como el caucho. entre otros. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. a veces perturbadores. y destinados a una visión frontal. después de la segunda guerra mundial. Al tiempo que extiende el campo. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. 36 .

Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 100 cm. 37 .

38 Ensayo para tricolor. 101. .2 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) .7 x 66. nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.

2 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .7 x 66. nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel. 101.Ensayo para tricolor. 39 .

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 x 60 cm. 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela.

30 x 40 cm. 41 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 20 x 20 cm. .A. 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela. Colección Delmiro Méndez e hijo S.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. Colección Orly Benzacar. 20 x 20 x 5 cm. 43 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela. . 140 x 200 cm.

Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 45 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 150 x 150 cm.

telas e hilos sobre tela. 110 x 180 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.

Colección privada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 150 x 170 cm. 47 .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . medidas variables. . 48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón.

o en escalas casi microscópicas. De dilatada trayectoria. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. 49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989.• Se examina primero la obra de Prior. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. Como si fuera una travesura. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. y luego enderezadas. Abstracto o figurativo. Sus superficies rugosas. fragmentos. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. entre otros. En cambio. que él perturba. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. su práctica no exhibe fronteras discernibles. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. en series. el carácter táctil de sus pinturas. responden a esa espacialidad táctil. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. ya había sido anunciado por Baudelaire. Las pinturas de Prior. pocas veces geométrico. que Prior dibuja con leve traza. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. telas sostenidas por elementos tridimensionales. surcadas por líneas caóticas. Que el arte también es juego. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. a estas obras. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. realizadas bajo influencia hindú. y Prior trabaja en esa dirección. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio.

las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. impresoras de gran tamaño. tal como el propio artista apunta en su texto. etc.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. se ha propuesto ir más allá. tela. incrustaciones. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. él expande los límites modernistas. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. acumulaciones. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. destruir la imagen. Es que Marcaccio. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. según el relato de Balzac. símbolos y signos. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. telas impresas. Yo intento dejarla que aparezca”. Los materiales utilizados por el artista. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. gel. tiempo y costo. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. como lo hace Pablo Siquier. fragmentado y contaminado. líneas que se pierden. no soy consciente de lo que estoy haciendo. Por otra parte. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. y está en fase con el deseo de Marcaccio. porque la pintura tiene vida propia. realizando luego las tareas de impresión en extramuros. quiebres. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. figuras. una tabla horizontal. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. 50 . Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. cortes.. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. No tengo miedo de hacer cambios. óleo. la pared o el piso. lineas. vaciados. capacidad de almacenamiento.

Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. sus fortalezas devienen palimpestos. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. como recorte de la realidad. pero no menos efectivas. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. trabajadas en tela. y crear una imagen”l. 51 . jugetonas. es la definición que propone Marina de Caro. • “Abstracción. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. en la nada de un tela o un papel en blanco. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas. Se inspira en las fuentes precolombinas. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. Más conocida por sus esculturas flexibles. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. Uno podría estar tentado a preguntarse. Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría. influído quizá por el solitario paisaje castellano. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos.ritmo.

Graciela Hasper. Beto De Volder y Emiliano López. muchas veces de dirección caótica. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto. Marcelo Pombo. una bajada a tierra donde. es decir una pintura sin centros de interés. según el artista norteamericano “El plano es.por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. en un punto. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. • Ballesteros traza líneas con lápiz. la pintura de campos.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. 52 . Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. caos o miasma. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. Pablo Siquier. Creo que la respuesta es otra. no resulta necesario incluirlos en la representación. En este caso. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura. 86. al gesto exacerbado. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”.. proceso que él describe en la pág. un campo liso monocromo. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . los planos monocromos. tal como ella lo apunta en su texto. para volver a empezar. a la prueba y error. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. como lo muestran Ernesto Ballesteros. Registra escrupulosamente ambas cantidades. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. Las imágenes de los que juegan están ausentes..

Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. para que puedan concretar esas aspiraciones. con sus escorzos de formas espaciales. y Pollock. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. adquiere espacialidad arquitectónica. Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. Este fenómeno. • Para analizar las obras de Sergio Avello. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. blancos y celestes. y marcas que se repiten una y otra vez. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. Los minúsculos excedentes de la pintura. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. Marcaccio. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. el hacer artesanal. limitadas previamente por un encintado. hilos. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. telas. Siquier y otros más. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . plantas. Sus referencias a Kandinsky. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. Mondrian. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. dentro de un grupo más amplio.que puede ser expandida en todas las direcciones. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. que es registrado por el ojo del observador. Prior. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo. 53 .

Jawlenski y Esteban Lisa. se ha transformado en la pantalla de una computadora.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. utilizado como plano de composición. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. La variable tiempo t juega un papel crucial. jardines desarmados. produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. se percibe la existencia de otros mundos. ya que lo que pinta son “sombras”. Solo que en este último caso el cartón o la tela. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. expectantes. pero para quien las observa desde el cielo. Siquier entrampa sus ensoñaciones. Por su parte. por su parte. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. de sus diseños. a la manera de artistas tan diversos como Popova. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. los sombreados perfectos. líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. el desierto. Es difícil precisarlos. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. y se repiten. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. • Pablo Siquier. 54 . sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. planos de antiguas fortalezas. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. lo que muestra una lógica racional. De pronto. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. controladora.

el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. violentos. tragedia.insistencia de los cantos de sirenas. Actos peligrosos. librarse de la mecánica minimalista. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. sobre sí mismo. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. si se desea. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. En trabajos más recientes. reinterpretarla. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. muerte. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). andamios o encofrados que nunca serán construídos. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. que se ejercen más que sobre la propia obra. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). ARTE ABSTRACTO (HOY) . a la manera de una Agnes Martin. 55 . según su autor. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. Por otra parte. porque así percibo a sus arabescos. aprender a convivir y. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. hay que cooptarla. amplificadas varias veces. La estética del “kitsch”. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. a gozar con ella. forma parte de contemporaneidad. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. esas extrañas formas onduladas planas poseen.

la presencia de la maciza y espléndida mesa. en suma. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. Sin embargo. de colores negro y marrón oscuro. La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. insiste en trabajar el vidrio como soporte. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. el erotismo. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. las tardes de verano. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. titulados (1-0) y (0-1). la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. el arte puede contener un bacilo perturbador. Pero hay más. una metafísica de la voluptuosidad. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. como lo sugieren sus títulos. que él visualiza como coronas mortuorias. encastrados a la perfección. por su parte. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. Sus bordes son rectos. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. pero también es juego. con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes.• Lucio Dorr. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . eclipses. Son formas ascéticas. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces.

57 . la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. que lleva a imaginarla. al artefacto expuesto. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Este artefacto.uso de la añeja simetría especular. sobre un soporte horizontal. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. como los juguetes de Torres-García. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. admiten total libertad. ya sea como una galaxia ensoñadora. distiende y amortigua. es una obra con posibilidades visuales infinitas. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. con formas estáticas. nudos que habrá que desatar algún día. Si el observador voltea la cabeza. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. una cosmovisión. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. Como antes lo hicieran los Madís. un juego sobre lo real absoluto. contenedora. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. Se trata de asociarlo. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. en algunas obras. como el de De Volder. según la voluntad del observador. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. son lo que son”. • De Volder parte del dibujo. o en vena metafórica. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. como fetos pretéritos. concretas. mejor dicho.

desde ángulos diferentes. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo.• Por último. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. en escorzo. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. Primero. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. El observador podrá construir. una combinación de geometrías imposibles. 58 . están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. Así se extiende el ángulo de visión del observador. Pero las diferencias son sustanciales. en su imaginación. ya que se la podrá apreciar lateralmente. en otras palabras. instrumentan mecanismos que las neutralicen. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. y también desean. Segundo. como aquellos maestros. esa visión utópica epitomizada por Mondrian. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. Cuarto. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. Tercero. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. VI. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. a veces con cierta dosis de cinismo. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. Por el contrario. según lo explica Deleuze. pero encarada sin nostalgia ni melancolía.

o la polémica entre Berni y Pettoruti. como apunta Clement Greenberg. Guagnini. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. esta relación está cambiando. no se advierten referencias directas. Por otra parte. modificar su propia estructura de clase. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. es un eco que se acalla.consumo. Por su parte. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. El ser artista deviene en una profesión liberal más. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. microcósmicas. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. es decir. Este sector “ilustrado” no se propone. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. con ello. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . 59 . 104). pero salvo en las obras de Gutman. Ya la modernidad. se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. Si los artistas de la vanguardia. si se entra en consideraciones moleculares. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte.

diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. 3. Fredric Jameson. Buenos Aires. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. xiii. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. “Manifiesto frágil. Publicado originariamente en la revista ramona. 5. su resistencia. editado por Hal Foster. firmado por Ernesto Ballesteros. No se nutren de ensueños. ibidem. 2. abril/mayo de 2000. 2003. . publicado en The Anti-Aesthetic. “El imperio del cinismo. Pero algunos evitan dar respuestas. versión tomada de R. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. Cippolini. 1998. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. Extractos de un boceto. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. 503. Manifiestos argentinos. “Postmodernism and Consumer Society”. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. The New Press. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). su capacidad de resiliencia. conviviendo con ella. p. “Introduction”. Fabio Kacero y Pablo Siquier. 143. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. su visión crítica. La melancolía y la nostalgia están ausentes. 4. Emecé. Buenos Aires. New York. NOTAS 1. 60 Adriana Hidalgo Editora. Último manifiesto argentino del siglo XX”. arte. p. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. p. Políticas de lo visual. 11.de un proyecto de emancipación social?59. Hal Foster. Nº 1. Graciela Hasper. Parafaseando a Klee. Pero lo que logran no es poco.Essays on Posmodern Culture. p. medios. Mantienen viva su creatividad. Democracia. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. 2000. “más no pueden hacer”. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

61 .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. 50 x 50 x 1 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. medidas variables. 65 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 1999 (rojo) y 0-1. 66 1-0. 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. 30 x 30 x 3.4 cm. (Par de obras que funcionan como una sola).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 67 .Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. (Par de obras que funcionan como una sola). 55 x 35 x 14 cm.

68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 100 x 100 cm.

100 x 100 cm.Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 69 . (otra disposición).

Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. gomaespuma. parvex.4 x 133 x 16 cm. plásticos. (instalación).ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas. . 66. 70 “E.

4 x 133 x 16 cm. (otra disposición). 66. telas. plásticos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . gomaespuma. parvex. 71 .“E. Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil.

. 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) .5 cm. 35 x 35 x 3.

Alfred H. Journal of Philosophy and the Visual Arts. Nº 5. 136-37. p. a la que le sigue “Esteban Lisa. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. Mondrian y Torres-García. / Looking at the floor. 1956. Cubism and Abstract Art. Schapiro. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. waving lines. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. septiembre-octubre 2002. 410. (M. wearing square hats. in square rooms. Gradowczyk y Nelly Perazzo). catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. / Think. 94. 1 N 1. Amsterdam. Ambivalence and the Infra-Language”./ Cones. Madrid. 12. Harper & Row. 9. January 1937. Selected Papers. editado por F.185-211. p. Museo Colecciones ICO. “The Nature of Abstract Art. 1999. New York. “Reluctance. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002).As. ibídem.. reimpreso en Curiosités esthétiques. Por su parte. ellipses—/. The Critical Debate. 7. una mirada desde el Sur. cit.) 8. pp./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. ARTE ABSTRACTO (HOY) . “Six Significant Landscapes”. 10. “Abstraction. Buenos Aires. 10). Art in America. New York. 73 . for example. 7. Generalidad Valenciana y Telefónica. Nº 26. reproducido en Jo Baer. Academy Group. “I am not an abstract artist”. 1979. pp.6. un mundo construido. p. p. / Looking at the ceiling. 16. H. Revista Archivos del Presente. Lausanne. 11. Revista ramona. . Marxist Quarterly. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. Jo Baer. Modern Art: 19 and 20th Centuries. 14. 1995. George Braziller.” vol.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. Museum of Modern Art. Andrew Benjamin. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. Nº 71. Valencia. op. reimpreso en M. pp. October 1983. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. pp. La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. 15. Nº 28. 1936. London. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. 90-91. Schapiro. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. 2002. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. Paintings 1960-1998. Stedelijk Museum. 13. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. 18. Barr. año 7. 1985. Lydia Dona. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. 77-98. p. New York. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. Éditions del’oeil. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. Frascina. Wallace Stevens. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. Ver Le peintre de la vie moderne. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”.

19.17. 24. cit. 112. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. 1989. 1993. 74 32. W. Frankfurter Allgemeine. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. P. Barcelona. Selected Writings and Interviews. p. avec Claire Parnet” (1996). Benjamin. Conversations avec Cézanne. Michael Camille. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. “Simulacrum”. y. p. editado por R. p. ibídem. Conversations avec Cézanne.…t) 30. “Exposition Universelle”. 28. Nelson y R. Eduardo Costa y Raúl Escari. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. 35. publicado en Barnett Newman. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. 31. Sites of imaginary space. 37. On Modern Art. donde x. “Un arte de los medios de comunicación”. Buenos Aires. Macula. 1995. Un caso emblemático es el Franz Kafka. NR 47. 412. ibídem. London. Walter Benjamin. 26. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. Una función implicita es de la forma f (x. p. 1855 Beaux-Arts. op. 20. reimpreso en Curiosités esthétiques. Dee Reynolds. 23. editada por P. 36. Taurus. C. On Modern Art. Deleuze y F. Cambridge University Press. publicado en Critical Terms for Art History. p. Para el caso de una escultura. ¿Qué es la filosofía?. Sur quelques thèmes baudelairiens. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. Sonntagszeitung. Barnett Newman. 55. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. p. el escritor Max Brod. tomado de Georges Didi-Huberman. Lo que vemos. publicó El proceso y America. cit. 21 de noviembre de 2004. cit. 25. Chicago University Press. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. Baudelaire. C. 114. Charles Baudelaire. M. p. 165. Éditions de l’Oeil. … t son variables independientes. 1997. Manifiestos argentinos. y publicado por primera vez en 1967. 27. Klee. 18. Discursos interrumpidos I. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. Farber and Farber. p. 338. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. tomado de Internet. editado por John P.z…t)= 0. p. p. G.. 22. 11. 95. 1956. 1966-87. “The Plasmic Image” (1945). Paul Klee. p. Baudelaire. Guattari. por Roberto Jacoby. Symbolist aesthetics and early abstract art. z. p. op. Doran. 1978. En general.y. p. 1966. 29. Véase R. lo que nos mira. 1997. op. 220. . Chicago. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. pionero del arte abstracto. Anagrama.z.. Buenos Aires. . Fue su albacea. Conversations avec Cézanne. Cippolini. S. Buenos Aires.28. “Salon de 1846”. Lausanne. 41.. pág. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 26. 33. 127. 34. 21. Paris. Shiff. ibidem. Cambridge. Manantial.

1992). 140. ¿Qué es la filosofía?. Martin Hentschel. edición. 39. 41. 185. The Hayward Gallery. 1991. 46. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. 1981 (reimpreso en 1996). 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. Hacer propio de alguno cualquier cosa. Citado por Deleuze y Guattari. New York University. 45. Kerber Verlag. cit. Berkeley. Tomado de Michael FitzGerald. 42. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. p. Alfredo Prior. 178. 53. Elsevier. G. 38-39 51. catálogo de la exposición. Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. p. New Haven y Londres. 2. Bielefeld. pp. Tomado de Dawn Ades. H. Deleuze. revista Concepts. . Mil Mesetas. 1988. 2000. 48. 21 a. figurado. p. que ha sido mostrado recientemente en Alemania.60 metros del suelo una longitud de 26. Art and Technology. University of California Press. H. Valencia. Yale University Press.55 metros de diámetro. Art in Latin America: the Modern Era. p. Amsterdam. p. cit. Pablo Picasso. London. hors série Gilles Deleuze 2. 55. Gradowczyk. “Color in Abstract Painting”. Apropiación: (Del latín appropiare). Gumier Maier. Wurmfeld. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. Francis Bacon. Éditions de la Différence. haciéndose dueño de ello. 2003 (inédito). Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. Ibídem. pp. 2001. Nas sau.. 64. Gradowczyk. Berkeley. Tomar para sí alguna cosa. p. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Guattari. Barnett Newman Selected Writings and Interviews. por lo común de propia autoridad. 1820-1980. 5. p. Picasso. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. p. 1992. op. Gradowczyk. 50.O’Neill. 39. Antiguo: asemejar. 3. 2000. editada por John P. cit. Logique de la sensation. Madrid. op. en Color for Science. Paris.169. 43. 54. Tulio de Sagastizábal. editado por K. “Hybrid Networks”. Cyclorama 2000. 22-23. H. op. p. Michael Fehr. 324. publicado en Sanford Wurmfeld. Bélgica. 27 de marzo de 1963. 1998. M. Gradowczyk. 49. Mons. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. The Artist’s Studio. Pretextos. 4. “You have to want to see!”. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. p. (Tomado del Diccionario de la lengua española. M. O’Neill. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . M. 200.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. Hungría y Escocia. p. 1989. Sils Maria Éditions. 8-28. Deleuze y F. Capitalismo y esquizofrenia. October 2003. Neuer Folkwang Verlag. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. 47. 44. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. 146-169. S. 52. 38. 40. H. 88. University of California Press. G. M.

57. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Chicago. Buenos Aires.56. Silvana Lacarra. Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). Perceptions and Judgements. 11. Fondo Nacional de las Artes. Tomado del capítulo 8 del libro de T. 76 . James. MIT press. 2001. reimpreso en Clement Greenberg. “Arqueología de la modernidad práctica”. Da Capo. Revista Acto. I. The Collected Essays and Criticism. editado por H. 1996. de Duve. Vol. 278 58. España. “Avant-garde and Kitsch” (1939). P. Kant after Duchamp. 2004. 59. 1988. The collected Writings of Piet Mondrian. editado por John O’Brian. 1993.p. tomado de The New Art-The New Life. p. Chicago University Presss. Holtzman y M. Cambridge. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). 1939-1944. Mondrian. Thierry de Duve. Clement Greenberg. S. New York.

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manchas. símbolos. marcas. poesía. ARTE ABSTRACTO (HOY) . programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. humor. 79 . limpidez sin historia.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. instalación en un ideal universo cerrado. hito donde se respira la libertad en un presente. en sí de la obra. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. conciencia de la materialidad de lo real. por su presentación. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. diseños. al responder cinco preguntas con seriedad. desparpajo. Abstracción. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. irritación o compromiso. intersticios. en contraposición al orbe de la representación. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. despojamiento de toda significación extravisual. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. fundación de una nueva categoría sensible. fondos. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. dentro de un campo ya centenario. fragmentos. Los testimonios. desafío. nuevo salón abstracto con estos invitados que. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. Así.

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. estados de ánimo. caligrafía.. pensamientos. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra.CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. sin. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. materiales). 3. tamaño. 81 . de modo que.. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. símbolos. colores. tecnología. para. ARTE ABSTRACTO (HOY) .. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. tema. 4. a partir de este guión: Abstracción.. Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas. soporte.. ciencias. referencias. motivaciones... citas. Adjetívelos. 5. Cite a tres artistas que lo nutran.

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Un riel. Pero a la punta del pino. en mi niñez fui figurativo. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo. Es así. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. Dibujé un perro atado a un pino. En ese momento yo era figurativo. C. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. Sí. Con colores. Como decir: que buen atardecer. Pero no lo es. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). total. 2.SERGIO AVELLO Mar del Plata. 83 . Unas tramas de telas. Sé que puede sonar a mariconada. Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. circulitos. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Una caja de colores. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). Dabbah-Torrejón (SEMANA). 1. A veces no las hice porque se me acabó la tela. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. Que sensación genial. Brasil). Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza.

Los materiales siempre aparecen.Si no le ponés nada. la vida me parece tan genial”. O no voy a la mejor galería. Hago algo para distraer ese minimal.up. Los nombres de los óleos son bárbaros. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Un cachito de cielo o de vegetal. el camino contrario. Una chica me dijo que era una perversión. Tengo que seguir. Cada uno tiene su genialidad. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. 3. Me disparan. Un minimal italianizado. la imaginación te lleva mucho más allá. Lo mínimo es máximo. 84 . Hubo una época en la que dejé de pintar. “Me pone tan contento pintar un cuadro. Siempre fui el perverso. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. O lo presento en un lugar que no es el convencional. Sí: de per versus. Esa perla es el humor. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tengo una predilección por todos los colores. Lo mío es un mínimo preciosista. Todo es parte del mismo proceso. Como si lo último fuera una perla. El nombre de los colores. Hacía make . me cambia tanto el ánimo. Verde sapo. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés.

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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el instante de la duda (qué. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. para qué). El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. ¿Crear? Sí siempre abstracción. Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. 2. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). cómo. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. De todas formas. y lo abandoné hace tres años más o menos. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. Participa en diversos premios y muestras colectivas. por qué. desde que comencé a pintar. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. etc. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. No trabajo con temas. 1. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . 88 . La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea.CARLA BERTONE Buenos Aires. cualquier representación es siempre una abstracción. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea.

color y textura de las diversas piezas. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. 3. etc.admiro y disfruto. también placentera. un objeto. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. simple. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. lo que es no se ve y lo que se dice no se toca. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. es ARTE ABSTRACTO (HOY) . inteligente. para que luego pueda ser otra cosa. Es precisa. delicado. etéreo. ser mutable . 4. Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. Henri Matisse: sutil. delicioso. un concepto.transformable. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra. . Definir para extender los límites de lo que es. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. en qué condiciones.flexible . también sus momentos sutiles. cómo es. Es necesario saber qué es. 5. poética. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. las superficies y el volumen. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. contundente.. sabio. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. un suceso.

FABIÁN BURGOS Buenos Aires. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. C. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. una gran película. “sólo la verdad es bella”. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. 1. En cuanto a si siempre abstracción. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. decía el poeta. Annina Nosei Gallery. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. 2. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. rectángulos. copiando naturalezas muertas. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . es decir. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. seguidas por otras en el C. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. Sobre el tema o contenido de las obras. y éstos son siempre formas geométricas. llegar a la abstracción a partir de la figuración. una hermosa escultura. México. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. Nueva York y Dabbah-Torrejón. etc. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. Rojas. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. Fundación Antorchas. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. C. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. EEUU y Francia. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. Participó de muestras colectivas en Argentina. círculos. Y. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. 90 . C. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. triángulos. Recoleta.

L. 5. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual. en especial a Malevitch. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. sin embargo. 4. ARTE ABSTRACTO (HOY) . por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. 91 . la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. Son: Policastro. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. sus caracteristicas y particularidades. J. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso. Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. incluso en retrospectiva. De todos modos. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. aunque las definiciones siempre limitan. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). Jesús Soto. 3. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. Con la pintura sucede lo mismo. bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró.Godard.

En todo momento utilizo diversos soportes como papel. número. y el tercer premio de pintura. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas. son imágenes abstractas. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm.. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. que devienen en: orden. elementos que han influido mucho en mi pintura y. obsesión y repetición. etc. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. los aspectos geométricos de una ciudad. cuadrículas. también hago fotografía. Siempre me sentí atraída por los planos. a veces. A través del juego construyo recorridos. planos.. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. siempre parto de la vida real. cuadriculas. las sensaciones. entre otros. Pinto porque es mi modo de expresión.. Sala Caja de Extremadura (Cáceres. Seriación. no tengo otro que no sea éste. mención especial del jurado. C. lienzo. acero. Bienal de arte de Bahía Blanca. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. son componentes que se reflejan en mi labor. la arquitectura. para documentar esas imágenes. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Me interesa más hacer algo estético. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. cantidad. las cosas dramáticas me las guardo para mí.). Series de distintos espacios. las experiencias de forma abstracta. creo que puedo mostrar las emociones. Recoleta. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. puntos. C. 1. son “más” o “menos” complejas. De todos modos. Universidad del Salvador. Museo de Arte Contemporáneo. secuencias que se mezclan. Bahía Blanca. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. a partir de los que voy armando mis pinturas. Me siento cómoda en ese campo.. En mi trabajo no hay representación figurativa. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que.. España) y diversas muestras colectivas. 2001. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. aluminio y acrílico. trayectos. monocromos y policromos. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. tramas.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. 92 . 2. tramas y series.

las tramas. Kasimir Malevitch. No hay nada más intenso y. inquietudes que logran romper la estabilidad. movimientos. Jonathan Lasker. el cuadro es. le sumo otros elementos. que es la forma perfecta. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. un sistema de pensamiento..3. más simple. a la vez. un sistema narrativo. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas.. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados.. algo así. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. Está el cuadrado y lo intervengo. distintos elementos que van contando nuevos episodios.. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. 93 . se trata siempre con él y dentro de él. en sí mismo. Distintas formas de organización. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio.. Ross Bleckner. 4. cambios. Abstracción. Con el cuadrado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. un sistema narrativo. episodios que cuentan mi relación con la pintura. una saga. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. 5.

florece porque florece.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. lo que permanece y se dilata. En su última conferencia. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. ¿y si partimos de considerar la pintura. El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. la repetición infinita de un gesto. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. una acción como cualquier otra? una elección accidental. lo cierto ya no está. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. el ojo ha sido desplazado. Van Riel. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Madrid) y el 1er. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. sin por qué. 94 . Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. establece una distancia que creo quiero salvar. ¿Por qué entonces. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. lo que se ve no es lo que se ve. Muestras en Galerías Centoira. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. aquello otro sin nada de mi. 1. Ha participado en numerosas muestras colectivas. F. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. Juan Martín (México D. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. entre otras.). Radicado en Madrid desde 1991. Praxis de Buenos Aires. En esa huida de lo puramente plástico. toda vez que acaba. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. no se inquieta por ella misma. Warum: “la rosa es sin por qué. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. es decir. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas. Premio de Pintura Todisa. de la mirada diría.

Celan. el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. 3. Así. siempre antes del acto de pintar. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. El espacio de mis pinturas. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. trata de impedir la quietud en los ojos.2. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. Salah Stétié. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. otro tránsito: de la observación a la experiencia. Es cierto que los temas abundan y me rodean. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. dale sombra” Estas palabras de P. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . se manifiesta. surge así una conducta de negación. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. Una vez más. llenas de un temblor necesario. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. 95 . La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. “Habla. Leer sobre él. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar. me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. Así. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema.

Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. La poesía de P. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. *En la reciente exposición retrospectiva de V. La obra de B. Las sedas de B. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Creo que lo que más me nutre no es un artista. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”. Cage para piano de juguete y orquesta. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. más bien las redes que se establecen entre sus obras. 96 5. complejidades. El atlas de G. promete un sueño. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. Las piezas de piano de C.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. 4. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I. con este grado de relaciones. Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Celan en su lenguaje casi quebrado. También la música de Scelsi. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. Grippo en el Malba. Knoebel. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. . Pienso ahora en R. de una manera brusca. Nancarrow casi mecánicas o las de J.

Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama. Una máquina de tejer. galeria Gara y Alberto Sendros. La textil carga con la idea de no-permanencia. Una idea. serie. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. La línea sólo tiene existencia en la hoja. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción. Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. F. Klemm. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. C. Un ovillo de hilado. Tejido de punto. sucesión continua. permeables y de memoria inmediata. Texto tejido. Un dibujo. pero de cualquier manera no es mi caso. El hilado y el tiempo. Lele de Troya. El acto repetido como mantra. de lo efímero y de desgaste en su uso. hacerla realidad. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. 97 . entre otros). una geometría y un imaginario. Hilo: principio y final. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo.MARINA DE CARO Mar del Plata. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. 1. El tejido y la memoria. de fragilidad. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. El tejido construye un espacio. 2. Un hilo se teje. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. El encuentro. Borges. El textil y el cuerpo receptores de cambios. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . programa de cooperación y confrontación entre artistas. Tejido plano: Trama y urdimbre. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Todo lo que sucede en el plano. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. C. dos hilos entrecruzados. La obra textil.

Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. Issey Myake y otros tantos. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. formas livianas frágiles. ARTE ABSTRACTO (HOY) . tengo varios mecanismos. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. antes que nada es mi amiga. simplemente me siento y tejo. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. de buscar nuevas situaciones en la obra. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas.al espectador un acercamiento a la obra. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. 3. un encuadre personal. en ese caso. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. 98 5. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. El dibujo es una manera de constatar las ideas. 4. comportamiento. . establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. no es contemplativo. hecho de manera espontánea. es mi forma de pensar y proyectar como artista. doblarlas y guardarlas. Abstracción como recorte de la realidad. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. Una posibilidad es desglosar un dibujo. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. Para la realización en tejido de las obras. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo.

la pintura. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. como no lo es lo que se consume.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. cuando estoy pintando. Participo de la Beca Kuitca. de lo que se comparte. Es magia. pero siempre estoy pintando en realidad.Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. probablemente. De lo imprevisto. De las prefiguraciones y las tentativas. lo común son la necesidad y el deseo. y menos importante. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. Muestras individuales en el Museo de A. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. pues cambio mucho de dirección. bien mirado. Por eso quizás. Luis F. pero lo hago como . y tapo todo y vuelvo a rehacer. y más lentamente. pues dibujo con pinceles. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. nacen de allí. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. Noé y Roberto Páez. 99 2. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. Y pinto. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. como lo abstracto. antes de darse a conocer a los demás. y es inevitable. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. Dibujo y pinto. si dibujara. Galería Sara Garcia Uriburu. Rubbers y con Diana Lowenstein. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. de los deslizamientos y las anticipaciones. o dibujo. el temor. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. sobre tela en gran tamaño. ferias y eventos internacionales. Contemporáneo de B. 1. y muchas otras cosas. Lo inagotable. lo otro. lo común no es la forma narrativa. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. Ha participado en diversas bienales.As. sobre tela y papel. una experiencia imprevista. esas son experiencias particulares. que son comunes antes de describirse en formas. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. como si fuera conociéndose a sí misma.

en la nada de un tela o un papel en blanco. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tener un método. ser un pintor. de los aprendizajes. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. Todos descubrimos alguna vez que. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Todo saber aburre y se revela escaso. tan sorprendentes cuando las conocí. y crear una imagen. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. 5. Así. Así. y nos animan a continuar sin saber. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. aunque tal vez no deseaban eso. ni pretende ser imagen de uno mismo. Siguiendo la línea del entusiasmo. . otras. Que no pretende ser imagen del mundo. su propio melancólico conocimiento del mundo. 4. como para Scherezade. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. de lo inesperado. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. Dialogo con ellos. está en el cómo. Tiempo después. Y de Philip Guston. para el que relata particularmente. vivir es vivir para contarlo. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. ser un pintor abstracto es ante todo. y no desaparecer en la aridez del mundo. 3.que sea así. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. Desde hace mucho mi consigna es la deriva.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

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LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
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4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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es más bien actuado. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra.estados de ánimo euforia. 5. Idealmente suprimirlos. contemplación. Graham. manierista. Lecciones del neoconcretismo brasileño. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. y se anule la distinción sujeto-objeto... de modo que puede. Godard. 4. 3. sin salvo honrosas excepciones. 104 . que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) .despertarse a la realidad de su futilidad. Oiticica. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación. por la condición de insignificancia en la que se encuentra. En general el arte como producción humana no actúa. anarco.. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí. furia.. humanista...

Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. lo más funcional: la silla. eran para mí presencias raras. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Espacio Giesso. cuando veía una mancha en el mosaico. ICI. en pinturas cuyos motivos se me escapan.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. cuando veo una obra abstracta me pasa eso. Centro Cultural de España en Córdoba. Por ejemplo. Probablemente esto sea propio de todos los niños. Ahora. la olla. o miraba una nube. o ramitas. Belleza y Felicidad. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. emisarias esquivas. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. 105 .

cualquiera sea el soporte. de un modo u otro.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. pienso también que “el arte es una abstracción”. exige un desplazamiento. 2. siempre las obras son abstractas. Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan. Su temprana muerte. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. Cito trabajos de quienes admiro. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . un “viaje de la mirada”. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. Participa en muestras colectivas desde 1996. en Artes Visuales (IUNA). generalmente de uso cotidiano. 1. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. 3. Como Gauguin. 4. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. La percepción subjetiva que realizo en una obra. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. . la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. como abstracto es el pensamiento.2. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. por lo tanto. igual que el arte. una migración. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. Actualmente cursa la Lic. 106 de catálogos. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. Seleccionado para Estudio Abierto 2004.

no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. como la vida. convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. 107 . La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos. está más allá del gusto. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de sus teorías. porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. Dijo: “El arte. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. 5. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual.

Helio Oiticica. otredad y universalidad como una caja de Pandora. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). Ricardo Rojas). 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. Balthus. Gego. C. ARTE ABSTRACTO (HOY) . NY. ignorándose así a los artistas abstractos y. Fascinada por el pasado borrascoso de mi país.GRACIELA HASPER Buenos Aires. galería Annina Nosei en New York. Manuel Espinosa. la abstracción norteamericana. Rojas. a finales de los años ‘40. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con. C. y en el C C. Julio Le Parc. Bridget Riley. C. tanto que privó a los artistas de todo apoyo. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. Alfred Jensen. . y en Chinati Foundation en Texas). 108 2. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. Fondo Nacional de la Artes. pero no derivada de. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. produjo Proyecto Sala 2 en el C. Galería Ruth Benzacar. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. Blinky Palermo . Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. 1. Lygia Clark. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional.

Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. 5. por otro. y la obra se basa en esa relación. La pintura.3. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. creo. como un instrumento de aprendizaje y acción. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. 109 . La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. tamaño edificio). Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. Los significados varían en los casos. ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. 4. y por usar otros medios como la fotografía. no para representar sino para derivar una operación pictórica. Uso la forma como un transporte de contenido. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. en su historia. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

C. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno.FABIO KACERO Buenos Aires. como quien filtra el resplandor del mundo. México. (La asignación de una potencia a lo inanimado. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. C. La Abstracción en bloque como otro ready made. Galería Kravets-Wehby. Nueva York. Como formas históricas. como invariante. mímesis. Venezuela. Ha publicado su libro “nemebiax”. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. no uno encontrado en la calle o en el desván. sus controversias se han secado. afinidades por temperamento. Habré dicho en su lugar "operación tamices". El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras. sino en la historia. Japón. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. en el ICI. 110 . También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. de lastre. Brasil. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. escencias. El provecho post mortem). 2004. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. compartiendo rasgos de familia. modelos. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. de retórica. como quién se aligera de habilidades. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). ARTE ABSTRACTO (HOY) . Habré dicho "operación despojo". descripción. editado por Galería Ruth Benzacar. Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. Borges y en Ruth Benzacar.

Carlos M. Dave Burkett. Satoski Komiyama. Ambar. en Dock Sud. Jeff Bradley. estelas. Restos de luz. Darin Tomack. la indolente. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. con los ojos abiertos. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. Dave Lazarony. rayos. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. Moldeando cúpulas. Barry Hills. el humo. hielos. navegación. Takashi Morifusa. orla de luz resplandeciente en una nube gris. En las pantallas… en los cuadros. monumental. ¿Quiénes son? Creadores de soft. ¿De las influencias? Paul Asente. con muchos. dispersa en el aire. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. Rob Sargent. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. Asako Yoshimura. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . John Moyer. sanguínea. en las ventanas cuando atardece. Lorrain… . David Holloway. mercurial. Rick Boyce. Christine Taylor. lo importante es lo que está en el centro. íntima. Makiko Sashiki. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. Michael Abbott. habré dicho “música”. Paul George. Icaza. Y también. carrocerías. en los árboles. Dan Clarck. la vertical. John Nash. Chris Scott. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Colaboradores. Chardin. rosa. dorada. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. Pero ésta ya no concierne al tema). Leon Brown. sobre los rostros. la reflejada. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. Pierre Louveaux. Ning-ju Nan. Grace Ge. sobre cada hoja. anillos. (Y sobrevolando las anteriores también. Ted Alspach. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. Hiromi Watanabe. Rocky Sloan. En todo caso. Y lo que está en el centro es la luz. 111 . transportes de luz. la primera. Teri Pettit.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. la que atraviesa la ola. Steve Schiller. Karen Tanner. la retirada en la penumbra. la directa. sideral. dinteles. Iam Mougy. la última. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. solar. en Castelar. Theresa Johnston. Chris Quartetti. “operación já já”. Vermeer. Canaletto. la pelusilla. Frank Guinan. flotando en una habitación. con los ojos entrecerrados. distante en las colinas. Lubomir Bourdev. en los cursos de agua. en Monserrat. gris perla. rodeándolo. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. Tampoco hubo nunca una tensión interna. Susan Gile. Lunar. pliegues de luz. Doug Musto.

Una podrá decir que. que en otro momento lo fue casi todo y. Sau Tam. incluso a las manieras. sólo una forma del tiempo.provienen. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. Mark Hamburg. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). incluso abstracto. que me dicen no existe. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. Stephanie Schaefer. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. Silvia Todos. luego casi nada o una pamplina. y luego un artista humilde. paradójicamente. cuanto menos.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. . Michael Nada. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. Del artista orgulloso. etc. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. 112 mencionar. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). parafraseando una frase de Rimbaud. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. Jean Batiste Nadie. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico. Mark Pawliger. Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. les correspondería: Thomas Knoll. Conforme pasa el tiempo me vacío. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. parte del crédito. supongo. Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Seetharaman Narayanan. a la conformidad al yo. y de ellos es. en algún momento no hubo arte en lo absoluto. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. Del artista humilde -si no pudoroso.

sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. concentrado. Mondrian: potente. As. espesor. Richard Long: poético. y en el Fondo Nacional de las Artes. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. 3. todas ellas. La fórmica es un material industrial. También Participó en diferentes muestras colectivas. A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. frontal. inducen y provocan mi trabajo. 5. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. Se sustrae de todo indicio representacional. contundente. bestial. Marina Abramovich: cruda. postulando su completa autonomía. Centro Cultural Borges. 4. sintético. resistencia.SILVANA LACARRA Bragado. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. ARTE ABSTRACTO (HOY) . rotundo. Palais De Glace.. El color de la fórmica es el color de la obra. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. 1 / 2. Lo que busco es “exponerlo”. Goethe Institut. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. Lo contrario a disimularlo. no hay pintura posible. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. expuesta. Características que. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. 113 . su peso. su falta de flexibilidad. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. sólido. su color. sensorial. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza.

liso y brillante. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros.BENITO LAREN San Nicolás. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. 2. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí. 114 . Pintor y escritor autodidacta. ICI. 3. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo.000. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. por ser puro. C. Expone a partir de 1991 en el C. Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. Fundador de “POP O H ART”. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1. 1962 Técnico Químico. El resultado es más que magnífico. La pintura se aplica del lado de atrás. 4. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. Ricardo Rojas. Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. letras de canciones o guiones para TV. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). y así tengo todo el día para mirar TV. Galerías Gara. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. Residió en Nueva York y en Paraguay. Consulado Argentino en Nueva York. en muchas capas. es espectacularen.

Sí. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. ARTE ABSTRACTO (HOY) . recomendando las de manteca. 115 . el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. 5. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar. ya que las de grasa enturbian las visiones. También me siento identificado con Cándido López. sobre todo cuando como pizza. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. en lo que se refiere a las predicciones. Yo. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. modestia a parte.

El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material.obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-.) . A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en mis pinturas. C. Participó de varias muestras colectivas. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. Borges. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión.EMILIANO LÓPEZ Quilmes. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico). etc. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. Estudió con Luis A. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad .Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. las referencias son una constante. otra Virtual e ilusionista. Por otro lado. La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. 116 2. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. 1.

Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). capaz de abarcar en una mirada: Pasado . 3. las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. Según la propuesta de la obra. 117 . no hace falta nombrarlas. Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala.Presente Futuro. Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. 4.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. más recientemente. Llega a la esencia con elementos mínimos. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó. Una vez entelado y dada la base. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°. por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. La citas se ven en la obra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . logra una unidad en la diversidad de su obra. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. Me convertí en una especie de fan de R. Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir. Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje.5. 118 . Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. La vida no responde a leyes fijas.

La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. 1963 Nacido en Argentina. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que . El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. pasando por lo informal hacia lo transformal. Crear un pasaje más allá del collage. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. integrando otros medios. 119 5. 3. 1. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Fabián Marcaccio. Desde la pintura. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa. La raíz de mi trabajo es la abstracción. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. Pintar sí. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. cicatrizar su corte. 4. “Paintant Stories” en Colonia. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. 2. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. expandiendo la abstracción. Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita.FABIÁN MARCACCIO Rosario. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades.

y que toda abstracción es representativa. Entonces. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. Podría decir que toda representación es abstracción. No considero que haya un límite entre un campo y el otro. . Creo que pintar siempre implica abstracción. la escritura. (Fundación Antorchas). histórico. la pantalla de la computadora. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. Y creo que siempre tiene reminiscencias. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. pura materia. expandirse.. como pintar una persona. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. tal vez en diversos grados. sino expandir miradas. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. La pintura es pastosa. Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). sucede... Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio.” Javiera Neral. Residencias en centros de arte españoles. No quiero dar al mundo basura. viscosa. Los materiales traen su propio sentido de uso. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil.JULIA MASVERNAT Buenos Aires. 1973 Diseñadora gráfica UBA. para construir desde el color y la forma. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Juana de Arco y en Braga Menéndez. Subsidio para un proyecto multimedia. multiplicarse y generar resonancias. 120 . Movimiento centrípeto. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. porque me interesa trabajar con el material como imagen. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. 1. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal.. que siempre se acumula.Pintar un paisaje es como pintar un objeto. como pintar una casa. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. al infinito. Elijo la abstracción. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido. mover los brazos es intervenir en el espacio. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. que es como pintar una línea. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. social y sus referencias. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. 2. No la impongo.

de Brian Mackern. la escena final de la película Zabriskie Point. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. Movimiento expansivo. las pinturas y esculturas de Tony Smith.org”. Los bordes de las cosas. 3. otros sentidos. las casas construidas con lo que se encuentra. luz.lugar las cosas. Romper y reconstruir de otro modo. 4. el hormigón en los edificios. por lo tanto. Y esto funciona como motor de la obra. En mi trabajo. otros lenguajes. los bordes del arte. los umbrales. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. Agrupaciones. intento proponer otro modo de relación con cada medio. sonido. pesados y livianos a la vez. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. madera. de Michelangelo Antonioni. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. la relación con el medio en “no-content. Formaciones centrífugas. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. En el diálogo con éste. agrupamientos. constelaciones. una percepción diferente a la habitual. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. ARTE ABSTRACTO (HOY) . tanto en los objetos como en el campo digital. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. etc. el silencio en los paisajes artificiales. 5. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. en las pinturas de Roberto Aizenberg. los intersticios. Ritmo. el espacio alrededor. los afiches callejeros. Descontextualizar y recontextualizar. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. de Robert Morris. combinaciones. 121 . Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren.

Rojas. Para mí. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. Brasil. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. lo fortuito. C. R. Kandinsky. . California y Marvelli Gallery. Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. microscopio electrónico y todo lo demás. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). San Bernardino University. que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. Luego se suceden en el C. Idea mucho más estimulante. 2. California. 1. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo. Huarte). cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. ya sea como resultado de la voluntad de invención. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. Santa Monica. ICI (con M. Ruth Benzacar. Nueva York. ómnibus. Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. la mayor seducción proviene de Japón. gallinas. Participó de exposiciones colectivas en Argentina.MARCELO POMBO Buenos Aires. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. y si se quiere radical. Fullerton Art Museum. fotografía aérea. As. 122 esenciales. V.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . Hoy. una lista tan interminable como la opulencia del mundo. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. al ala de la mariposa. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. 123 . En fin. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. sin duda. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. a la camisa estampada. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. al muro de Sol Lewitt. Pero. está el inmenso caudal de pinturas decorativas. a la superficie pulida de la ágata. al diseño digital.3. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. entre las cosas que me inspiran. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. 4. épocas y fronteras naturales. que tanto me atrae.

Ensor: anestorésico. 4. entonces. de método. EEUU y Europa. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. Carezco. Museo Nacional de Bellas Artes (1998).ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Ecuador. Centro Cultural Recoleta (2000). . 124 5. ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Colombia. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. 1993. Costa Rica. Según un tratado de pintura chino. 1988. 3. 1. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. 2. Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). 1990). 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. Por lo tanto. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). 1997). Brasil. Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. el artista no debe tomarse demasiado en serio. Venezuela. No pienso mi pintura como un “trabajo”. Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. Turner: rumoroso. Abstracción con la legitimidad de un único color. La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. Perú. Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. Museo de Arte Moderno (2003). 1995.

que la construcción sea correcta. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. en las galerías Ruth Benzacar. en ese sentido no soy muy moderno. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. 3. Colombia. soporte etc. 5. no sé. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Annina Nosei (Nueva York).PABLO SIQUIER Buenos Aires. Francia y los EEUU. Steely Dan gracia y aburrimiento. con envidia y tristeza. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. en realidad nunca pensé en ella. ARTE ABSTRACTO (HOY) . composición. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. Bueno no. 125 . que sea verdad. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. Flaubert. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. 1. con materia y gesto me digo. mientras estoy así concentrado. Venezuela. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. en el ICI de Buenos Aires. la palabra abstracción no me dice demasiado. en la FADU de la UBA. Brasil. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.). A mí el que me enseñó todo fue de la Vega. materiales. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. no son adjetivos. Costa Rica. No. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. Me siento como un artista de posguerra. Ramis Barquet (Monterrey). de la Vega. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. en el Fondo Nacional de las Artes. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). Ay no. 4. contención emocional. creo. (en dos oportunidades). Pero.

como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. en las que es posible verificar su formación. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. Sin embargo. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. sin que deba entenderse a esta última como figuración. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Obtuvo una Mención Especial del Jurado.Torrejón. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. 2. Por lo tanto. implican un salto hacia la tridimensionalidad. a diferencia de las producciones que. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. una entrega física considerable. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. a fin de reducir la desproporción. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. 126 . 1. El grafito. en los últimos años. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. en este caso la pintura o. hasta podría decirse primitivas. un papel o una tela sin textura. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. el dibujo.MARIANO VILELA Buenos Aires. al tomar contacto con el arte. Becario Kuitca en la Fundación Proa. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. Siempre fui un enamorado de las tautologías. más precisamente. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte.

F. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. 4. Albers. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas. Este terreno huérfano de certeza. El corte forma parte del discurso”. 127 . Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. una intimidad. Robert Ryman por su sed de absoluto. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. J. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable. Malevitch. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. Lo táctil se sobrepone a lo cromático. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. todas son versiones y cada una un original absoluto.3. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. la obra imaginada. 5. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. etc. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. Stella. En su mayoría. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real.

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Gradowczyk. Laren. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Fotografiía: Oscar Balducci. Guagnini. Braga Menendez Arte Contemporáneo. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Lacarra. Masvernat. D. Burgos. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Cacchiarelli. Siquier y Vilela. De Volder. Ballesteros. Kacero. Curador: Mario H. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. de Caro. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Artistas: Avello. López. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Hasper. Bertone. Corujeira. Dorr. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . Pombo.Embajada de España Sr. de Sagastizábal. Marcaccio. Gutman. Gumier Maier. Prior. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires.

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ARTE ABSTRACTO (HOY) .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA. © 2005 Copyright de los textos: sus autores. 131 .

abril/mayo de 2000. pág. .La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. 11.

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