Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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como siempre. un espacio geográfico.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). La muestra que el CCEBA presenta hoy . ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. tan frágiles. de miradas que. que la pregunta es necesaria. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. de sorprenderse. de intuiciones. sin embargo. músicos. Vivir en ese estado permanente de expectación. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. también surgió de una duda. ¡es cierto!. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. al lado de tantos artistas. No nos podemos quejar. 5 . le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. de interrogar. siempre son polifónicas. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. de aprender. ARTE ABSTRACTO (HOY) . escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. y a todo el equipo del CCEBA. Tulio de Sagastizábal. no es fácil y. No es fácil. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. afortunadamente. de inseguridad. existan o no. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. Belén Gache. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. pero tan endebles. que la pregunta es generadora. de duda. Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. aportaron respuestas. Eso es lo bueno de ser extranjero. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. de asombro. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. Ana Gallardo. ya lo sabemos y. y las respuestas. eso es lo bueno de este trabajo. de dudar.

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vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. Kacero y Siquier. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. el vademecum es inmenso. el pintar. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. que niega los logros de las vanguardias modernistas. Frente a la presión actual del mercado. y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. paradojicamente. Se inventan nuevas definiciones. es decir. Hasper. ARTE ABSTRACTO (HOY) . resulta ser un tema abierto. casi inconmensurable. del que se ha ocupado. entre otros. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. del gigantismo. entre otros.ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. de los grandes eventos. Ballesteros. prácticas. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. Gradowczyk I. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. y medios. Patricio Lóizaga3. con el predominio de la globalización. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. o si. Cuatro artistas que participan de esta muestra. de los medios. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. La noción de originalidad cae de su pedestal. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. a la polémica Habermas-Lyotard. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. 7 .

Si intentasen romboides. integrado dentro de la sociedad. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. Es decir. Conos. con el mórbido y austero sombrero castellano. sus cruces. que caracterizan prácticas contemporáneas. por ejemplo.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . donde el arte abstracto para el instante t=hoy. sinuosidades. denominación tomada de la física5. Mirando al techo. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. con chis teras cuadradas. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. donde por resiliencia. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. por ejemplo. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. que las neutralicen. Se limitan A triángulos rectángulos. “fragilidad” y “resiliencia”. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. menos estrictas. Polaridad que . se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. mecanismos de “resiliencia”. más trasgresoras. sus anticipaciones en un recorrido temporal.

el intertexto. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. telas. Algunos también incursionan en lo figurativo. fórmica. la acuarela. vidrio. no precisamente para contestarlas. el uso del buscador Google. impresoras. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. y un tercer grupo. Cabría entonces. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. resina. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. y trasgresiones7. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. formular las siguientes preguntas adicionales. la tempera. las interconexiones. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. videos. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. papel. se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. 9 . La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. símbolos. las líneas de fuga. ante el título elegido para esta muestra. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. cintas engomadas. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Le toca ahora al visitante recorrerla. fotografías. el grafito. madera. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. aluminio. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. el acrílico. por ejemplo. Pero hay más. en el plano de la cultura. sin privilegiar una visión respecto de las otras. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual.

y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. preparada por Cippolini. Esto implicaría: primero. que artistas. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. 10 . Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. para esta época. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. Según lo señalado por Andrew Benjamin. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10. Este resurgimiento de la abstracción. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. expresada en 1983.sus artistas. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. el que se traslada al quehacer contemporáneo. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. tercero. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. más que lamentarse por lo que no fue. Baer agrega. Esta afirmación. Como ejemplo. su editor. II. Filósofos. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. a modo de justificación. segundo. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. Además. sería necesario.

de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). Barr (Jr. transa con ellos o los esquiva. una ilusión o un puente filosófico. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. en muchos casos el texto y el discurso. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . acaso. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. 11 . mientras otros hacen cola para entrar. críticos. compartida por muchos artistas contemporáneos. los primeros abstractos. Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. Destaco que Peter Richter. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. pintora norteamericana. de diferencia y de ruptura”14. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian. pese a las críticas recibidas16. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. poder y prestigio. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. perdura porque establece una jerarquía inmutable. como ocurriera con la Documenta de Catherine David. como señala Lydia Dona. utilizada como arma por los centros de poder. Además. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que.

sino desde el banquillo del artista. qué es lo que desean transmitir. en un “resistente”. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. Allí el artista visual vive. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. Además.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. desarrollar su apetito emocional. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. publicada en ramona (Nº 47. y esa falta de contacto lo convierte al artista. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. como lo señala Deleuze. 12 . Jacoby e Inés Katzenstein. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. Joan Carol Urquhart. y con qué alimentarlo. los marchantes. Una artista canadiense. en un “francotirador”. por la acción del mercado. el problema de la actualidad de la pintura. noviembre 2004). realiza sus cruces. La música popular. no ya desde el sitial del juez que dictamina. creando un percepto llamado Impresionismo. en muchos casos. los curadores-vedettes. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. entre otros temas. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. el cine. actitud difícil de concebir.

13 . 16 x 16 cm. avisos de búsqueda de empleo y varios CD. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Montaje 30 x 30cm).Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado.

(Medidas máximas).1 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. 27 x 36. .

Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. 40 x 40 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 15 .

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 34 x 28 cm. 16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

29 x 34. 17 .5 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

. 46 x 33.5 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

5 x 46 cm.Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. piso de goma. tela y papel sobre madera. 19 . 77. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio. Colección privada. 60 x 60 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) .

21 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 35 x 46 x 3 cm.Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil.

. 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64 x 90 cm.

41.5 x 29 cm.A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) . 23 .

70 x 90 cm. Colección privada. . 24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

en lo ondulante. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. en lo fugitivo y en el infinito”. III. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . piensa en sí mismo. en el movimiento. el poeta escribía. Una década más tarde tarde. independientemente de los objetos que viste”22. 25 .percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21.

viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. en su muy citada conferencia de Jena. Empezamos en la Bauhaus. ya que plantean un tema central que liga al artista. En el caso de la pintura. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. por el otro. o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. Más no podemos hacer”27. en la obra. una percepción aguda. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. el poseedor del “ojo”. esto es. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. La introducción del espacio imaginario de contemplación. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. Al final. en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. mágica a fuerza de ingenuidad”23.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . 26 . Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. Necesidad que se explica. su obra y el receptor (y su devenir). es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. años más tarde. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. por un lado. visitante. espectador advertido. asimilador). Y si incluyo el devenir en esta consideración. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. Paul Klee. al tiempo que éste encuentra. Así. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. el receptor. se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. se ordenan. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. contenidos que ansía asimilar. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo.

asimilador). ya que los diarios. su devenir. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. el aura del artefacto. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. espectador advertido. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. tienden a agruparse en torno de él”30. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. En consecuencia. Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. 27 . así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. El artefacto producido por el artista. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. El aura del artefacto. conferencias. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. articulado sobre el eje temporal.imaginativa del receptor. esto es. que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. ARTE ABSTRACTO (HOY) . como ocurre con las mega-exhibiciones. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. Se trata de un espacio móvil. museos. sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). El tiempo. a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. galerías. por ejemplo. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. simplificación que ignora otros factores (variables) claves.

y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. en lo sucesivo. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. con la libertad de un niño. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. Es que el objeto. libre de toda connotación subjetiva. realizado a mano. en la cosa misma. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. se trata de una operación doble. según el análisis de Georges Didi-Huberman. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. la dimensión característica. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. por ejemplo. Sobre la polaridad de esas miradas. su aura.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. Sin embargo. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. libre de todo componente emocional. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. “se adueña de nosotros”. múltiple. ubicado en un espacio físico predeterminado. . Existen otras escalas temporales. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. lo concerniente a este nuevo artista. En ese caso particular. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. el receptor. al ser mirado. esto es.

Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. extraer un bloque de sensaciones. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. de matices indecisos. y en sus entrevistas. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. y nada más: existe en sí”34. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. Me siento coloreado por los matices del infinito. un mero ser de sensación”35. sino por haber contribuido al discurso estético. 29 . Y no sólo por sus pinturas. un cerebro. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. Estamos en un caos iridiscente. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). También Kandinsky. de tonos. yo y mi pintura somos uno. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. espacio de niebla informe”. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro.IV. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. divago”36. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. sueño. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. Bacon. En ese momento. Klee. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. Si se continua debajo de este paragüas. En su correspondencia con Emil Bernard. se podría analizar la situación de conflicto. y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía.

descontrolados. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . de la personalidad. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. en la que se manifiesta el contenido auréatico. se dibuja este esquema de la saga modernista. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. 30 . el valor del vacío. En otras palabras. aparecen en dos oportunidades. la marca del gesto del pintor. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. En términos espirituales. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. sino el de capturar estas fuerzas. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. el que tiende a volverse “informativo”. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. Para poder expresar las sensaciones. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. es necesario poner en juego fuerzas41. o de existencia. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. hacerlo visible. libre de toda referencia con el mundo exterior. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. lo fortuito”. Primero. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. en realidad caóticos. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. Entre estos dos extremos: el caos total. En este contexto.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. En términos psicoanalíticos. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. Segundo. Se trata de un sistema muy complejo.

químicas. por ejemplo: fuerzas de gravedad. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. 31 . Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. de germinación. Por otra parte. En consecuencia. entre otros. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. en cada trazo. sin interior o exterior. poblada de planos de colores uniformes. para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. de corte y de tiempo”42. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. de plegado. o por líneas que cambian constantemente de dirección. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. es necesariamente incompleta. de capilaridad. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. sobrepasan el canon modernista. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. sin interior o exterior. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. sin forma o fondo.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. volcando sus afectos. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. de rotación. con la legitimidad de un único color. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. artistas como Gerhard Richter. como toda enumeración. de punzonamiento. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. de explosión. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. o por líneas contínuas y figuras geométricas. si se examina la práctica contemporánea. de expansión. navegan por otras aguas. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

a esas figuras. por ejemplo. por ejemplo. en forma efectiva. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. a esos planos. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. Es que. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. obliga a muchos artistas a instrumentar. esas sensaciones. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. Ya que de no ser así. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. todo devenir descansa en el movimiento. es decir. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. Este es el gran desafío. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. como el dios Moloc. En este sentido. alcanzar una materialización que transmita. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. los artistas hoy utilizan. Algunos desarrollan. además. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. la enseñanza. el rótulo. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. ARTE ABSTRACTO (HOY) . darle vida a esas formas. El artista crea bloques de perceptos y afectos. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. La obra de arte es ante nada génesis. por ejemplo. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. son imanentes al acto de la creación. a esas líneas. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. la obra de arte no valdría nada. 32 . como diría Klee. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. es deber de cada artista saturar el átomo46. Parafraseando a Virginia Woolf.

indiferenciados. al juego de fuerzas puesto en juego. ¿Y los trabajos de Siquier. Por otra parte. donde convivan. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. el que responde a afinidades estilísticas. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. sus obras y el visitante interesado (receptor. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. sin estridencias. Marcaccio. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. que también realizan paisajes y trabajos figurales.V. desiertos). Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. Además. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. como lo remarcara Barnett Newman47. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. 33 . a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. si se desea. homogéneos. sin cercos ni alambrados. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. Sugiero recorrer las salas lentamente. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. como ocurre con Prior. Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. exhiben alto grado de gestualidad. Pombo o Marina de Caro. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. en lo posible. donde no existen direcciones preestablecidas. abiertos. Esto daría lugar.

Kuitca. dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. Perversa paradoja. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. Harte y Pombo están ahí. los une esa capacidad . los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. remarcan este acto de repetición y de diferencia. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). ARTE ABSTRACTO (HOY) . No es casual que Laren se interese por Xul Solar. Se trata de un arte auréatico. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. las cosas de Cándido López. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Si se desea descartar su sentido negativo. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. esta reescritura. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. escribe libretos y letras de canciones. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. Luis Benedit. realiza “clips”. según sus propias afirmaciones. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. Por ejemplo. es decir. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. en uno de sus trabajos. Por su parte. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. disponibles cuando se le cruzan.

descree de la abstracción como fenómeno filosófico. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. • Vilela. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. distinción propuesta por Alois Riegl. homenajea a Víctor Vasarely. En otras palabras. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. No escapará al visitante que Laren. su humor sorprende. montada luego sobre una hoja de aluminio. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. Laren no dibuja. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. 35 . ensaya una suerte de parodia posmoderna. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. 126. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. agita y perturba. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). en este caso el vidrio actúa como soporte. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. Como los concretos. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. ARTE ABSTRACTO (HOY) . podría decirse. sus obras son objetos. procedimiento que explica en la pág. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. y resuelve el problema plástico en el plano real.

y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. 36 . No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. entre otros.• Los relieves. Kenneth Kemble y Luis Wells. compartido por otros artistas invitados. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. ameboidal. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. Esteban Lisa. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. De esto trata la obra de Carla Bertone. Torres-García. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. el título adoptado por Guagnini la refuerza. los Madís. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. y destinados a una visión frontal. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. gestuales. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. Strezminski. realizada con chapa de fibrofácil. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. como el caucho. desde su encierro voluntario. y que culmina. realizados por artistas tan diversos como Picasso. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. Schwitters. algunas veces denominados formas planas. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. amorfos. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. Tatlin. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. la pared. Al tiempo que extiende el campo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . que en ocasiones flexiona. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. después de la segunda guerra mundial. a veces perturbadores. o “telgopor”. • Nicolás Guagnini. Arp.

Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. 70 x 100 cm. 37 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

2 cm. 38 Ensayo para tricolor.7 x 66. nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 101.

7 x 66. nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel. 101.Ensayo para tricolor. ARTE ABSTRACTO (HOY) .2 cm. 39 .

. 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela. 40 x 60 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

41 .Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 30 x 40 cm.

42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela. Colección Delmiro Méndez e hijo S. 20 x 20 cm.A.ARTE ABSTRACTO (HOY) . .

Colección Orly Benzacar.Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. 43 . 20 x 20 x 5 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela. 140 x 200 cm.

Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 45 .

. 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas e hilos sobre tela. 110 x 180 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 150 x 170 cm. 47 .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela. Colección privada.

48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón. medidas variables.ARTE ABSTRACTO (HOY) . .

su práctica no exhibe fronteras discernibles. responden a esa espacialidad táctil. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. fragmentos. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. Que el arte también es juego. entre otros. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. y Prior trabaja en esa dirección. o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. en series.• Se examina primero la obra de Prior. ya había sido anunciado por Baudelaire. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. De dilatada trayectoria. Abstracto o figurativo. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. realizadas bajo influencia hindú. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. que Prior dibuja con leve traza. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. Sus superficies rugosas. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. el carácter táctil de sus pinturas. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. a estas obras. surcadas por líneas caóticas. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. Las pinturas de Prior. pocas veces geométrico. o en escalas casi microscópicas. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. telas sostenidas por elementos tridimensionales. En cambio. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. Como si fuera una travesura. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. y luego enderezadas. que él perturba. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . 49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales.

fragmentado y contaminado. gel. Yo intento dejarla que aparezca”. lineas. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. no soy consciente de lo que estoy haciendo. quiebres. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. acumulaciones. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. Por otra parte. cortes. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. tela. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. él expande los límites modernistas. tal como el propio artista apunta en su texto. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. porque la pintura tiene vida propia. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. telas impresas. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. y está en fase con el deseo de Marcaccio.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. impresoras de gran tamaño. No tengo miedo de hacer cambios. Los materiales utilizados por el artista. símbolos y signos. líneas que se pierden. tiempo y costo. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. vaciados. una tabla horizontal. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. según el relato de Balzac. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. 50 . La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. destruir la imagen. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. incrustaciones. óleo. etc. Es que Marcaccio. figuras. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . se ha propuesto ir más allá.. realizando luego las tareas de impresión en extramuros. como lo hace Pablo Siquier. la pared o el piso. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. capacidad de almacenamiento. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo.

Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. • “Abstracción. Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas.ritmo. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. y crear una imagen”l. sus fortalezas devienen palimpestos. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. influído quizá por el solitario paisaje castellano. jugetonas. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. pero no menos efectivas. Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). en la nada de un tela o un papel en blanco. trabajadas en tela. es la definición que propone Marina de Caro. Se inspira en las fuentes precolombinas. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. 51 . se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. Más conocida por sus esculturas flexibles. Uno podría estar tentado a preguntarse. como recorte de la realidad. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría.

no resulta necesario incluirlos en la representación. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. según el artista norteamericano “El plano es. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. es decir una pintura sin centros de interés. Creo que la respuesta es otra.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. En este caso. Graciela Hasper. Registra escrupulosamente ambas cantidades. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. una bajada a tierra donde. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. tal como ella lo apunta en su texto. 52 . posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. Pablo Siquier. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. 86. un campo liso monocromo. Beto De Volder y Emiliano López. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución. la pintura de campos. los planos monocromos. Marcelo Pombo. al gesto exacerbado. a la prueba y error. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto. muchas veces de dirección caótica. caos o miasma. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. proceso que él describe en la pág.. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en un punto. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura. • Ballesteros traza líneas con lápiz. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. para volver a empezar. como lo muestran Ernesto Ballesteros. Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta..por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. Las imágenes de los que juegan están ausentes.

Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. blancos y celestes. Sus referencias a Kandinsky. Mondrian. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. Prior. y marcas que se repiten una y otra vez. Siquier y otros más. adquiere espacialidad arquitectónica. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. para que puedan concretar esas aspiraciones. con sus escorzos de formas espaciales. dentro de un grupo más amplio. limitadas previamente por un encintado. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. que es registrado por el ojo del observador. y Pollock. Este fenómeno. • Para analizar las obras de Sergio Avello. 53 . las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. Marcaccio. el hacer artesanal. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo. Los minúsculos excedentes de la pintura. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. telas. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. hilos. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados.que puede ser expandida en todas las direcciones. plantas. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli.

Solo que en este último caso el cartón o la tela. Por su parte. controladora. planos de antiguas fortalezas. líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. el desierto. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. pero para quien las observa desde el cielo. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. por su parte. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica. 54 . produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. Jawlenski y Esteban Lisa. a la manera de artistas tan diversos como Popova. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. ya que lo que pinta son “sombras”. De pronto. expectantes. lo que muestra una lógica racional. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. utilizado como plano de composición. jardines desarmados. de sus diseños. se percibe la existencia de otros mundos. se ha transformado en la pantalla de una computadora. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. Siquier entrampa sus ensoñaciones. La variable tiempo t juega un papel crucial. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. Es difícil precisarlos. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. los sombreados perfectos. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. y se repiten. • Pablo Siquier.

sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. que se ejercen más que sobre la propia obra. violentos. La estética del “kitsch”. muerte. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. según su autor.insistencia de los cantos de sirenas. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. esas extrañas formas onduladas planas poseen. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. porque así percibo a sus arabescos. 55 . tragedia. andamios o encofrados que nunca serán construídos. a la manera de una Agnes Martin. sobre sí mismo. hay que cooptarla. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. si se desea. En trabajos más recientes. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. a gozar con ella. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. amplificadas varias veces. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. librarse de la mecánica minimalista. reinterpretarla. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. Por otra parte. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. Actos peligrosos. aprender a convivir y. forma parte de contemporaneidad.

que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. titulados (1-0) y (0-1). cuestionaría la misma esencia de esa teorización. Pero hay más. una metafísica de la voluptuosidad. Sus bordes son rectos. de colores negro y marrón oscuro. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. el erotismo. como lo sugieren sus títulos. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. Son formas ascéticas. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. el arte puede contener un bacilo perturbador. que él visualiza como coronas mortuorias. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra. las tardes de verano. pero también es juego. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi).• Lucio Dorr. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. encastrados a la perfección. Sin embargo. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. por su parte. ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces. eclipses. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. la presencia de la maciza y espléndida mesa. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. insiste en trabajar el vidrio como soporte. en suma. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente.

distiende y amortigua. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. Se trata de asociarlo. como los juguetes de Torres-García. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. al artefacto expuesto. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. son lo que son”. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. es una obra con posibilidades visuales infinitas. contenedora. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. como fetos pretéritos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . ya sea como una galaxia ensoñadora. admiten total libertad. verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. un juego sobre lo real absoluto. como el de De Volder. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. mejor dicho. 57 . según la voluntad del observador. con formas estáticas.uso de la añeja simetría especular. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. nudos que habrá que desatar algún día. Este artefacto. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. concretas. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. o en vena metafórica. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. Como antes lo hicieran los Madís. • De Volder parte del dibujo. sobre un soporte horizontal. Si el observador voltea la cabeza. que lleva a imaginarla. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. en algunas obras. una cosmovisión.

en otras palabras. Cuarto. 58 . Por el contrario. Así se extiende el ángulo de visión del observador. Primero. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . ya que se la podrá apreciar lateralmente. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. Pero las diferencias son sustanciales. instrumentan mecanismos que las neutralicen. VI. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. en escorzo. según lo explica Deleuze. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. Segundo. como aquellos maestros. y también desean. en su imaginación. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. una combinación de geometrías imposibles. desde ángulos diferentes. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. Tercero. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. El observador podrá construir. así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. esa visión utópica epitomizada por Mondrian.• Por último. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. a veces con cierta dosis de cinismo.

microcósmicas. Este sector “ilustrado” no se propone.consumo. es decir. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. o la polémica entre Berni y Pettoruti. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. Por su parte. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. 59 . 104). Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. no se advierten referencias directas. Por otra parte. es un eco que se acalla. pero salvo en las obras de Gutman. si se entra en consideraciones moleculares. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. Guagnini. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. esta relación está cambiando. El ser artista deviene en una profesión liberal más. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. como apunta Clement Greenberg. Si los artistas de la vanguardia. se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. modificar su propia estructura de clase. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. con ello. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. Ya la modernidad.

Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). . p. su capacidad de resiliencia. 503. “Manifiesto frágil. Buenos Aires. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. Cippolini. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. New York. Publicado originariamente en la revista ramona. xiii. 11. Pero lo que logran no es poco. Emecé. “Introduction”. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. Fredric Jameson. su visión crítica. p. “El imperio del cinismo. su resistencia. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. “más no pueden hacer”. 1998. p. Parafaseando a Klee. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 3. firmado por Ernesto Ballesteros. p. The New Press. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. editado por Hal Foster. Mantienen viva su creatividad. conviviendo con ella. Último manifiesto argentino del siglo XX”. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. La melancolía y la nostalgia están ausentes. Nº 1. “Postmodernism and Consumer Society”. 2000. 143. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. versión tomada de R. Graciela Hasper. Hal Foster. Manifiestos argentinos. 2. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. abril/mayo de 2000. medios. Democracia. arte.Essays on Posmodern Culture. 60 Adriana Hidalgo Editora. Fabio Kacero y Pablo Siquier. Buenos Aires. Políticas de lo visual. No se nutren de ensueños. NOTAS 1. Pero algunos evitan dar respuestas. Extractos de un boceto. publicado en The Anti-Aesthetic.de un proyecto de emancipación social?59. 5. 4. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. 2003. ibidem.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 61 .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. 50 x 50 x 1 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

medidas variables.Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 65 .

1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. 30 x 30 x 3.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1999 (rojo) y 0-1. (Par de obras que funcionan como una sola). . 66 1-0.4 cm.

(Par de obras que funcionan como una sola). 67 . 55 x 35 x 14 cm.Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. 100 x 100 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. (otra disposición). 100 x 100 cm. 69 .

plásticos. Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. . 70 “E.ARTE ABSTRACTO (HOY) . gomaespuma. (instalación). 66. telas.4 x 133 x 16 cm. parvex.

Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. 71 . parvex. (otra disposición). telas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 66.4 x 133 x 16 cm. plásticos.“E. gomaespuma.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 35 x 35 x 3.5 cm. 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela.

Revista Archivos del Presente. ARTE ABSTRACTO (HOY) . / Looking at the ceiling. .As. 12. Buenos Aires. Revista ramona. p. 7. 9. 14. Paintings 1960-1998. Harper & Row. 10. Museum of Modern Art. cit./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. October 1983. Cubism and Abstract Art. 77-98. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. p. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M.) 8. Nº 26. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. Academy Group. “Abstraction./ Cones. Museo Colecciones ICO. reimpreso en M. pp.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García.6. 10). in square rooms. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. Lydia Dona. Stedelijk Museum. reimpreso en Curiosités esthétiques. 7. 1 N 1. Por su parte. New York. Schapiro. (M. ellipses—/. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. año 7. 1999.. 410. Andrew Benjamin. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. editado por F.” vol. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. 1995. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. Valencia. “I am not an abstract artist”. “Six Significant Landscapes”. George Braziller. Barr. 73 . Schapiro. un mundo construido. “Reluctance. “The Nature of Abstract Art. New York. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. waving lines. 16. 1979. Selected Papers.185-211. pp. ibídem. Art in America. una mirada desde el Sur. Alfred H. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. 90-91. 2002. p. 13. Ver Le peintre de la vie moderne. 11. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. New York. Ambivalence and the Infra-Language”. Generalidad Valenciana y Telefónica. for example. Jo Baer. Nº 5. reproducido en Jo Baer. London. Wallace Stevens. 1936. pp. p. H. January 1937. a la que le sigue “Esteban Lisa. septiembre-octubre 2002. wearing square hats. Nº 71. Lausanne. op. Gradowczyk y Nelly Perazzo). 136-37. Éditions del’oeil. Marxist Quarterly. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. Journal of Philosophy and the Visual Arts. 18. The Critical Debate. Frascina. p. 94. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. Nº 28. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). pp. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. Amsterdam. 1956. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. / Looking at the floor. Modern Art: 19 and 20th Centuries. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. Madrid. Mondrian y Torres-García. 1985. / Think. 15.

cit. 1989. Farber and Farber. p. Un caso emblemático es el Franz Kafka. 29. Klee. Véase R. 21 de noviembre de 2004. Symbolist aesthetics and early abstract art. Buenos Aires. op. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. Baudelaire. M. p. Shiff. pág. Michael Camille. 22. “Un arte de los medios de comunicación”. W. p. “The Plasmic Image” (1945). Selected Writings and Interviews. 36. 37. Walter Benjamin.. 1956. Baudelaire. avec Claire Parnet” (1996). presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. … t son variables independientes. 33. C. 26. tomado de Georges Didi-Huberman. Nelson y R. Conversations avec Cézanne. 26.…t) 30. 1966. y. Chicago University Press. reimpreso en Curiosités esthétiques. 112. 27. Macula. 34. Fue su albacea. Charles Baudelaire. 114. Conversations avec Cézanne. Para el caso de una escultura. G. P. op. 1855 Beaux-Arts. “Salon de 1846”. 127.. 35. Cambridge University Press. p.17. Manifiestos argentinos. 20. Benjamin. lo que nos mira. z. op. Paul Klee. Sites of imaginary space. “Simulacrum”. On Modern Art.y. 74 32. 11. 21. p. 338. 55. p. editado por R. Buenos Aires. S. pionero del arte abstracto. On Modern Art. “Exposition Universelle”. por Roberto Jacoby. London. En general. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. publicó El proceso y America. p. NR 47. Cippolini. ibidem. p. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos.28.. ibídem. p. Doran. Éditions de l’Oeil. publicado en Barnett Newman. 1993. 1997. editado por John P. 28. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. ibídem. 1997. 412. cit. 1995. ARTE ABSTRACTO (HOY) . el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. Discursos interrumpidos I. C. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. Cambridge. p. p. cit. 19. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. 1966-87. 41. p. p. 18. 95.z. 1978. publicado en Critical Terms for Art History. Barnett Newman. 25. el escritor Max Brod. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. ¿Qué es la filosofía?. Guattari. 165. 24. Frankfurter Allgemeine. 220. Conversations avec Cézanne. Taurus. tomado de Internet. . Lo que vemos. Paris. donde x. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. Una función implicita es de la forma f (x. 23. Deleuze y F. Buenos Aires. Eduardo Costa y Raúl Escari. . 31. Manantial. editada por P. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. y publicado por primera vez en 1967. Lausanne. Sonntagszeitung.z…t)= 0. Anagrama. Chicago. Sur quelques thèmes baudelairiens. Barcelona. Dee Reynolds.

New Haven y Londres. p. 5. por lo común de propia autoridad. 46. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. 1989. 140. October 2003. p. p. H. 2000. Gradowczyk. Barnett Newman Selected Writings and Interviews.O’Neill. Martin Hentschel. Hungría y Escocia. H. op. p. The Artist’s Studio. Art and Technology. 40.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. Bielefeld. Gradowczyk. p. Cyclorama 2000. 41. M. Citado por Deleuze y Guattari. 38. 8-28. Gradowczyk. Éditions de la Différence. Tomado de Dawn Ades. Mil Mesetas.. Deleuze. 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. Bélgica. p. Picasso. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. 47. edición. 1992. Paris. 2. 39. Gumier Maier. Guattari. 64. Tulio de Sagastizábal. 200. 1992). Hacer propio de alguno cualquier cosa. 2003 (inédito). Berkeley. New York University. 38-39 51. p. Francis Bacon. 50. Antiguo: asemejar. University of California Press. Pablo Picasso. pp. Ibídem. (Tomado del Diccionario de la lengua española.60 metros del suelo una longitud de 26. cit. 185. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Michael Fehr. M. 48. p. O’Neill. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. en Color for Science. London. S. 4. Tomar para sí alguna cosa. Apropiación: (Del latín appropiare). Neuer Folkwang Verlag. M. 178. University of California Press. 1981 (reimpreso en 1996). Wurmfeld. 146-169. 39. 2000. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. 2001. Madrid. Gradowczyk. M. cit. editado por K. haciéndose dueño de ello. Elsevier. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. Yale University Press. G. “You have to want to see!”. Art in Latin America: the Modern Era. 3. p. ¿Qué es la filosofía?. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. Pretextos. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. 21 a. 27 de marzo de 1963. 45. G. 22-23. 44. 55. H. p. Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. . pp. 54.169. 49.55 metros de diámetro. 1988. 88. Sils Maria Éditions. 42. Berkeley. 1991. Alfredo Prior. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . revista Concepts. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. Amsterdam. Capitalismo y esquizofrenia. The Hayward Gallery. catálogo de la exposición. 43. 1820-1980. op. publicado en Sanford Wurmfeld. 1998. editada por John P. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. p. Valencia. hors série Gilles Deleuze 2. 324. op. 52. “Color in Abstract Painting”. cit. H. 53. Tomado de Michael FitzGerald. Kerber Verlag. figurado. Mons. “Hybrid Networks”. Deleuze y F. Nas sau. Logique de la sensation.

New York. 1996.56. Buenos Aires. tomado de The New Art-The New Life. Vol. The collected Writings of Piet Mondrian. 76 . de Duve. editado por H. “Arqueología de la modernidad práctica”. S. España.p. 2004. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). P. Holtzman y M. Tomado del capítulo 8 del libro de T. Mondrian. Thierry de Duve. 59. 1988. James. Kant after Duchamp. Chicago University Presss. The Collected Essays and Criticism. Cambridge. Clement Greenberg. p. 2001. Da Capo. Perceptions and Judgements. Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). 1993. I. “Avant-garde and Kitsch” (1939). Revista Acto. 57. Chicago. 278 58. Fondo Nacional de las Artes. Silvana Lacarra. reimpreso en Clement Greenberg. 1939-1944. 11. MIT press. editado por John O’Brian. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

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nuevo salón abstracto con estos invitados que. Abstracción. desafío. desparpajo. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. al responder cinco preguntas con seriedad. ARTE ABSTRACTO (HOY) . modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. conciencia de la materialidad de lo real. despojamiento de toda significación extravisual. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. fragmentos. hito donde se respira la libertad en un presente. fundación de una nueva categoría sensible. Así. irritación o compromiso. fondos. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. manchas. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. diseños. Los testimonios. intersticios. dentro de un campo ya centenario. por su presentación. en sí de la obra. humor. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. 79 . marcas. instalación en un ideal universo cerrado. símbolos.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. poesía. limpidez sin historia. en contraposición al orbe de la representación. programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”.

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soporte. ARTE ABSTRACTO (HOY) . caligrafía. Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas. símbolos. colores. tecnología. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. materiales). citas. pensamientos. tema. sin. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo.. Adjetívelos.. Cite a tres artistas que lo nutran. para.. 81 . ciencias. 4. de modo que. motivaciones.. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra.. 5. referencias. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. estados de ánimo.. tamaño.. 3.CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1.. a partir de este guión: Abstracción.

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total. Sí.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. C. en mi niñez fui figurativo. Una caja de colores. Es así. Pero a la punta del pino. Sé que puede sonar a mariconada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. Brasil). Dabbah-Torrejón (SEMANA). circulitos. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. Un riel. Como decir: que buen atardecer. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. Con colores. 1. Unas tramas de telas. En ese momento yo era figurativo.SERGIO AVELLO Mar del Plata. 2. A veces no las hice porque se me acabó la tela. Dibujé un perro atado a un pino. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). Pero no lo es. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo. Que sensación genial. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). 83 .

Tengo que seguir. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Lo mínimo es máximo. 3. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Cada uno tiene su genialidad. O lo presento en un lugar que no es el convencional. Lo mío es un mínimo preciosista. Hubo una época en la que dejé de pintar. Los nombres de los óleos son bárbaros. O no voy a la mejor galería. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. Verde sapo. me cambia tanto el ánimo. Un minimal italianizado. “Me pone tan contento pintar un cuadro.Si no le ponés nada. Una chica me dijo que era una perversión. Un cachito de cielo o de vegetal. Como si lo último fuera una perla. Sí: de per versus. Hago algo para distraer ese minimal.up. la vida me parece tan genial”. Los materiales siempre aparecen. Todo es parte del mismo proceso. la imaginación te lleva mucho más allá. Hacía make . Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Me disparan. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. Tengo una predilección por todos los colores. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. Esa perla es el humor. el camino contrario. El nombre de los colores. Siempre fui el perverso. 84 .

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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cualquier representación es siempre una abstracción.CARLA BERTONE Buenos Aires. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. el instante de la duda (qué. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. 2. La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. De todas formas. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. cómo. y lo abandoné hace tres años más o menos. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). por qué. Participa en diversos premios y muestras colectivas. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. etc. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra. Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Crear? Sí siempre abstracción. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. 1. para qué). Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. 88 . ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. desde que comencé a pintar. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. No trabajo con temas. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas.

para que luego pueda ser otra cosa. lo que es no se ve y lo que se dice no se toca. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra.flexible . un concepto. etéreo. es ARTE ABSTRACTO (HOY) . también sus momentos sutiles. Existen muchísimos artistas y muy talentosos.. contundente. delicioso. poética. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). Definir para extender los límites de lo que es. etc. color y textura de las diversas piezas. simple. cómo es. delicado.admiro y disfruto. sabio. 4. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. inteligente. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. en qué condiciones. Es necesario saber qué es. me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. 3. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). . Pareciera que la acción de definir cualquier cosa.transformable. también placentera. un objeto. 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. las superficies y el volumen. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. ser mutable . 5. Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. Es precisa. Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. un suceso. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. Henri Matisse: sutil. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos.

2. 1. seguidas por otras en el C. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. una hermosa escultura. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. Sobre el tema o contenido de las obras. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. Nueva York y Dabbah-Torrejón. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. EEUU y Francia. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. y éstos son siempre formas geométricas. C. triángulos. llegar a la abstracción a partir de la figuración. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . Participó de muestras colectivas en Argentina. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. rectángulos. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. etc. Y. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. “sólo la verdad es bella”. Recoleta. Fundación Antorchas. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. En cuanto a si siempre abstracción. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. México. Annina Nosei Gallery. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. círculos. C.FABIÁN BURGOS Buenos Aires. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. una gran película. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. decía el poeta. es decir. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. copiando naturalezas muertas. Rojas. 90 . con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. C. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas.

en especial a Malevitch. Son: Policastro. Con la pintura sucede lo mismo. por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual. 5. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. 91 .L. en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. sin embargo. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. sus caracteristicas y particularidades.Godard. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. 4. ARTE ABSTRACTO (HOY) . bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. 3. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. aunque las definiciones siempre limitan. incluso en retrospectiva. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. De todos modos. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. J. Jesús Soto. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20.

Bahía Blanca. son imágenes abstractas. acero. C. siempre parto de la vida real. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. Me siento cómoda en ese campo. aluminio y acrílico. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. cuadrículas. Siempre me sentí atraída por los planos. España) y diversas muestras colectivas. 2. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. lienzo. secuencias que se mezclan. 2001. no tengo otro que no sea éste. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. Seriación. son componentes que se reflejan en mi labor.. planos. puntos. Series de distintos espacios. las sensaciones. Sala Caja de Extremadura (Cáceres.. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. Pinto porque es mi modo de expresión. 92 . elementos que han influido mucho en mi pintura y. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. entre otros. Universidad del Salvador. número. son “más” o “menos” complejas. 1. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. también hago fotografía. obsesión y repetición. y el tercer premio de pintura. las experiencias de forma abstracta. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática.. C. a partir de los que voy armando mis pinturas. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. las cosas dramáticas me las guardo para mí. para documentar esas imágenes.. monocromos y policromos. mención especial del jurado.). En mi trabajo no hay representación figurativa. Me interesa más hacer algo estético. creo que puedo mostrar las emociones. la arquitectura. Recoleta. De todos modos. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas. cuadriculas.. tramas y series. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. tramas. Museo de Arte Contemporáneo. trayectos. etc. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. los aspectos geométricos de una ciudad. cantidad. Bienal de arte de Bahía Blanca. que devienen en: orden. a veces. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. A través del juego construyo recorridos. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

que es la forma perfecta. un sistema narrativo. Ross Bleckner. le sumo otros elementos. No hay nada más intenso y. Distintas formas de organización.. las tramas. 93 . más simple. inquietudes que logran romper la estabilidad.3. se trata siempre con él y dentro de él. cambios. un sistema de pensamiento. Está el cuadrado y lo intervengo. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. el cuadro es... ARTE ABSTRACTO (HOY) .. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. movimientos. 4. un sistema narrativo. algo así. 5. episodios que cuentan mi relación con la pintura. en sí mismo. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas. Con el cuadrado. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. Kasimir Malevitch.. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. Abstracción. Jonathan Lasker. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio. a la vez. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. distintos elementos que van contando nuevos episodios. una saga.

lo que se ve no es lo que se ve. ¿y si partimos de considerar la pintura. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. Van Riel. de la mirada diría. lo que permanece y se dilata. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. ¿Por qué entonces.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. no se inquieta por ella misma. Warum: “la rosa es sin por qué. florece porque florece. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. establece una distancia que creo quiero salvar. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. la repetición infinita de un gesto. ARTE ABSTRACTO (HOY) . toda vez que acaba. entre otras. aquello otro sin nada de mi. no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. En su última conferencia. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. 1. sin por qué. Radicado en Madrid desde 1991. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Premio de Pintura Todisa. Praxis de Buenos Aires. el ojo ha sido desplazado. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. Ha participado en numerosas muestras colectivas. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. En esa huida de lo puramente plástico. lo cierto ya no está. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. F. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. 94 . (Madrid) y el 1er. El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. es decir. Muestras en Galerías Centoira. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas.). Juan Martín (México D. una acción como cualquier otra? una elección accidental.

La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario.2. 3. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. llenas de un temblor necesario. El espacio de mis pinturas. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. dale sombra” Estas palabras de P. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. surge así una conducta de negación. Así. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. Es cierto que los temas abundan y me rodean. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. siempre antes del acto de pintar. “Habla. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar. se manifiesta. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. Una vez más. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. 95 . cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. otro tránsito: de la observación a la experiencia. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. Así. trata de impedir la quietud en los ojos. Celan. Salah Stétié. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad. Leer sobre él.

Grippo en el Malba. todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Creo que lo que más me nutre no es un artista. más bien las redes que se establecen entre sus obras. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. Cage para piano de juguete y orquesta. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. complejidades. También la música de Scelsi. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. 4. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. Nancarrow casi mecánicas o las de J. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. Las piezas de piano de C. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko. La obra de B. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. promete un sueño. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. La poesía de P. de una manera brusca. con este grado de relaciones. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. Las sedas de B. 96 5. *En la reciente exposición retrospectiva de V. El atlas de G. Celan en su lenguaje casi quebrado. Knoebel. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. . Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. Pienso ahora en R.

La línea sólo tiene existencia en la hoja. Lele de Troya. El textil y el cuerpo receptores de cambios. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Texto tejido. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. 2. La obra textil. serie. Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. Un hilo se teje. El hilado y el tiempo. La textil carga con la idea de no-permanencia. C. Un ovillo de hilado. galeria Gara y Alberto Sendros. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. Todo lo que sucede en el plano. una geometría y un imaginario. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama. sucesión continua. F. Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. C. de lo efímero y de desgaste en su uso. El tejido construye un espacio. permeables y de memoria inmediata. hacerla realidad. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. de fragilidad. Una máquina de tejer. entre otros). Tejido plano: Trama y urdimbre. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. El tejido y la memoria. Un dibujo. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. Tejido de punto. Klemm. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . Hilo: principio y final. El encuentro. 1. dos hilos entrecruzados. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción. Una idea. El acto repetido como mantra. programa de cooperación y confrontación entre artistas. Borges. pero de cualquier manera no es mi caso. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos.MARINA DE CARO Mar del Plata. 97 .

Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. no es contemplativo. Una posibilidad es desglosar un dibujo. simplemente me siento y tejo. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. hecho de manera espontánea. 4. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. Para la realización en tejido de las obras. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado.al espectador un acercamiento a la obra. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. El dibujo es una manera de constatar las ideas. 98 5. 3. comportamiento. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Issey Myake y otros tantos. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. es mi forma de pensar y proyectar como artista. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. en ese caso. tengo varios mecanismos. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. un encuadre personal. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de buscar nuevas situaciones en la obra. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. antes que nada es mi amiga. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. formas livianas frágiles. doblarlas y guardarlas. Abstracción como recorte de la realidad. .

sobre tela y papel. la pintura. nacen de allí. 99 2. Lo inagotable. Rubbers y con Diana Lowenstein. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. Galería Sara Garcia Uriburu. Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. de los deslizamientos y las anticipaciones.Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. y menos importante. cuando estoy pintando. el temor. 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. lo otro. esas son experiencias particulares. De lo imprevisto. como lo abstracto. o dibujo. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. Participo de la Beca Kuitca. como si fuera conociéndose a sí misma. como no lo es lo que se consume. Dibujo y pinto. que son comunes antes de describirse en formas. probablemente. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. De las prefiguraciones y las tentativas. Noé y Roberto Páez. y es inevitable. ferias y eventos internacionales. pero siempre estoy pintando en realidad. Ha participado en diversas bienales. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. Luis F. sobre tela en gran tamaño. pues dibujo con pinceles. bien mirado. Contemporáneo de B. y muchas otras cosas. de lo que se comparte. pues cambio mucho de dirección.As. Es magia. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. y más lentamente. 1. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. lo común son la necesidad y el deseo. una experiencia imprevista. antes de darse a conocer a los demás. Y pinto. y tapo todo y vuelvo a rehacer. Por eso quizás. Muestras individuales en el Museo de A. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. lo común no es la forma narrativa. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. si dibujara. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). pero lo hago como .

Todo saber aburre y se revela escaso. y crear una imagen. 3. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. para el que relata particularmente. está en el cómo. 4. su propio melancólico conocimiento del mundo. ser un pintor. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. tan sorprendentes cuando las conocí. de los aprendizajes. en la nada de un tela o un papel en blanco. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. Y de Philip Guston. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Dialogo con ellos. ser un pintor abstracto es ante todo. ni pretende ser imagen de uno mismo. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. vivir es vivir para contarlo. Siguiendo la línea del entusiasmo. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. . de lo inesperado. 5. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. otras. Todos descubrimos alguna vez que. Desde hace mucho mi consigna es la deriva. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. Así. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. y no desaparecer en la aridez del mundo. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. aunque tal vez no deseaban eso. Así. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) . Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. Tener un método. como para Scherezade. y nos animan a continuar sin saber. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas.que sea así. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. Que no pretende ser imagen del mundo. Tiempo después.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 101

LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
ARTE ABSTRACTO (HOY) . 102

4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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Oiticica.estados de ánimo euforia.despertarse a la realidad de su futilidad. 4. manierista. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación. En general el arte como producción humana no actúa. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. es más bien actuado. Idealmente suprimirlos.. Graham. humanista.. 5. Godard. de modo que puede. Lecciones del neoconcretismo brasileño. y se anule la distinción sujeto-objeto.. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí.. por la condición de insignificancia en la que se encuentra. anarco. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. furia. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. 104 ... sin salvo honrosas excepciones. que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) . contemplación. 3.

Belleza y Felicidad. o miraba una nube. Espacio Giesso. cuando veo una obra abstracta me pasa eso. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. cuando veía una mancha en el mosaico. emisarias esquivas. Por ejemplo. la olla. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. Probablemente esto sea propio de todos los niños. en pinturas cuyos motivos se me escapan. 105 . ICI. o ramitas. Ahora. lo más funcional: la silla. eran para mí presencias raras. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. Centro Cultural de España en Córdoba. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires.

la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. en Artes Visuales (IUNA). de un modo u otro. exige un desplazamiento. Actualmente cursa la Lic. pienso también que “el arte es una abstracción”. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. 2. un “viaje de la mirada”. cualquiera sea el soporte. por lo tanto. Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan. como abstracto es el pensamiento. Como Gauguin. generalmente de uso cotidiano. 106 de catálogos. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. 4. Su temprana muerte. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. Cito trabajos de quienes admiro. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. una migración. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. La percepción subjetiva que realizo en una obra. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. igual que el arte. siempre las obras son abstractas.2. 3. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. . la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . Participa en muestras colectivas desde 1996. 1. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación.

convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. de sus teorías. Dijo: “El arte. La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. 107 . es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual. ARTE ABSTRACTO (HOY) . está más allá del gusto. 5.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. como la vida.

Balthus. Galería Ruth Benzacar. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. a finales de los años ‘40. Manuel Espinosa. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. tanto que privó a los artistas de todo apoyo.GRACIELA HASPER Buenos Aires. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . otredad y universalidad como una caja de Pandora. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. ARTE ABSTRACTO (HOY) . C. NY. y en Chinati Foundation en Texas). extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. la abstracción norteamericana. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). C. Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. galería Annina Nosei en New York. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con. ignorándose así a los artistas abstractos y. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. 108 2. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. Julio Le Parc. Rojas. Gego. C.Helio Oiticica. Lygia Clark. Ricardo Rojas). Alfred Jensen. pero no derivada de. y en el C C. produjo Proyecto Sala 2 en el C. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. . Bridget Riley. Fondo Nacional de la Artes. Blinky Palermo . 1. Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca.

La pintura. Uso la forma como un transporte de contenido. como un instrumento de aprendizaje y acción. 5. Los significados varían en los casos. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. 109 . de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. y la obra se basa en esa relación. tamaño edificio). creo. 4.3. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. ARTE ABSTRACTO (HOY) . y por usar otros medios como la fotografía. ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. no para representar sino para derivar una operación pictórica. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. por otro. en su historia. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas.

¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". escencias. como quién se aligera de habilidades. como quien filtra el resplandor del mundo. 2004. Galería Kravets-Wehby. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. descripción. C. afinidades por temperamento. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras.FABIO KACERO Buenos Aires. La Abstracción en bloque como otro ready made. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 110 . de retórica. Borges y en Ruth Benzacar. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. sino en la historia. mímesis. En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. México. no uno encontrado en la calle o en el desván. Ha publicado su libro “nemebiax”. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). de lastre. Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. Nueva York. El provecho post mortem). Brasil. Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. Como formas históricas. editado por Galería Ruth Benzacar. como invariante. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). Habré dicho en su lugar "operación tamices". Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. Japón. modelos. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. Habré dicho "operación despojo". El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. sus controversias se han secado. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. C. compartiendo rasgos de familia. (La asignación de una potencia a lo inanimado. en el ICI. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno. Venezuela. También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina.

Christine Taylor. en los árboles. navegación. Carlos M. Barry Hills. rayos. Y lo que está en el centro es la luz. Rob Sargent. Y también. Chris Quartetti. John Moyer. Satoski Komiyama. íntima. dispersa en el aire. sideral. en los cursos de agua. con muchos. gris perla. Susan Gile. Ambar. Lorrain… . estelas. la pelusilla. rosa. Vermeer. Rick Boyce. solar. David Holloway. Tampoco hubo nunca una tensión interna. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. en Dock Sud. Asako Yoshimura. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Dan Clarck. Michael Abbott. Teri Pettit. anillos. la reflejada. Chris Scott. Colaboradores. ¿De las influencias? Paul Asente. sanguínea. con los ojos abiertos. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. Leon Brown. John Nash. Ning-ju Nan. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. Steve Schiller. Moldeando cúpulas. la indolente. transportes de luz. la última. Doug Musto. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. Grace Ge. habré dicho “música”. Ted Alspach. rodeándolo. sobre los rostros. Lunar. orla de luz resplandeciente en una nube gris. pliegues de luz. Jeff Bradley. carrocerías. Theresa Johnston. la que atraviesa la ola. En todo caso. Chardin. Restos de luz. 111 . mercurial. hielos. En las pantallas… en los cuadros. monumental. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. Icaza. sobre cada hoja. Darin Tomack. en Castelar. el humo. con los ojos entrecerrados. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. la directa. Dave Burkett. Pierre Louveaux. la vertical. en Monserrat. (Y sobrevolando las anteriores también. Rocky Sloan. la retirada en la penumbra.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. Paul George. Iam Mougy. Takashi Morifusa. “operación já já”. Makiko Sashiki. ¿Quiénes son? Creadores de soft. Pero ésta ya no concierne al tema). Frank Guinan. Canaletto. dorada. en las ventanas cuando atardece. Hiromi Watanabe. Dave Lazarony. flotando en una habitación. distante en las colinas. Lubomir Bourdev. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. lo importante es lo que está en el centro. la primera. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Karen Tanner. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. dinteles. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa.

. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. sólo una forma del tiempo. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. paradójicamente. a la conformidad al yo. que en otro momento lo fue casi todo y. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. y de ellos es. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. en algún momento no hubo arte en lo absoluto. que me dicen no existe. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. cuanto menos. Mark Pawliger. Stephanie Schaefer. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. y luego un artista humilde. parte del crédito. les correspondería: Thomas Knoll. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). Del artista orgulloso. Michael Nada. Mark Hamburg. Del artista humilde -si no pudoroso. Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. supongo. Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson.provienen. luego casi nada o una pamplina. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. 112 mencionar. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. parafraseando una frase de Rimbaud. incluso a las manieras. Conforme pasa el tiempo me vacío. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. Una podrá decir que. etc. incluso abstracto. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico. Silvia Todos. Jean Batiste Nadie. Sau Tam. Seetharaman Narayanan.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo.

. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. Se sustrae de todo indicio representacional. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. 3. El color de la fórmica es el color de la obra. También Participó en diferentes muestras colectivas. Goethe Institut. su falta de flexibilidad. 1 / 2. sensorial. no hay pintura posible. Palais De Glace. Lo contrario a disimularlo. A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. sintético. frontal. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. y en el Fondo Nacional de las Artes.SILVANA LACARRA Bragado. todas ellas. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. contundente. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. Centro Cultural Borges. resistencia. Marina Abramovich: cruda. Richard Long: poético. postulando su completa autonomía. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. espesor. 113 . bestial. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. La fórmica es un material industrial. su peso. As. 5. ARTE ABSTRACTO (HOY) . inducen y provocan mi trabajo. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. rotundo. concentrado. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. Lo que busco es “exponerlo”. sólido. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. expuesta. 4. su color. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. Características que. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. Mondrian: potente.

Residió en Nueva York y en Paraguay.000. Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí. 4. 1. 2. ICI. 1962 Técnico Químico. 3. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. 114 . Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo. El resultado es más que magnífico. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. por ser puro. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. Fundador de “POP O H ART”. letras de canciones o guiones para TV.BENITO LAREN San Nicolás. C. y así tengo todo el día para mirar TV. La pintura se aplica del lado de atrás. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. liso y brillante. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. es espectacularen. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. Ricardo Rojas. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. Expone a partir de 1991 en el C. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. Consulado Argentino en Nueva York. Pintor y escritor autodidacta. Galerías Gara. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. en muchas capas.

el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. ya que las de grasa enturbian las visiones. También me siento identificado con Cándido López. modestia a parte. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 5. sobre todo cuando como pizza. Sí. Yo. 115 . recomendando las de manteca. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. en lo que se refiere a las predicciones.

Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad . Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. etc. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”.obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-. C. La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente. en mis pinturas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. Por otro lado. Participó de varias muestras colectivas.Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. las referencias son una constante. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. otra Virtual e ilusionista. 1. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. Borges. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico). Estudió con Luis A. 116 2. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión.EMILIANO LÓPEZ Quilmes.) .

La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes. Me convertí en una especie de fan de R. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. Según la propuesta de la obra. La citas se ven en la obra. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. no hace falta nombrarlas. las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. 4. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°.Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). capaz de abarcar en una mirada: Pasado . logra una unidad en la diversidad de su obra.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. Una vez entelado y dada la base. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar.Presente Futuro. A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. Llega a la esencia con elementos mínimos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 3. 117 . más recientemente. Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice.

5. La vida no responde a leyes fijas. Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir. Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje. Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. 118 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

1963 Nacido en Argentina. expandiendo la abstracción. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. Crear un pasaje más allá del collage. 3. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa. La raíz de mi trabajo es la abstracción. Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. “Paintant Stories” en Colonia. 2. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. pasando por lo informal hacia lo transformal. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad.FABIÁN MARCACCIO Rosario. Pintar sí. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. 119 5. integrando otros medios. Desde la pintura. 1. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. cicatrizar su corte. Fabián Marcaccio. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 4. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que .

para construir desde el color y la forma. al infinito. Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). mover los brazos es intervenir en el espacio. social y sus referencias. como pintar una persona. sino expandir miradas. No la impongo. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil.. 1973 Diseñadora gráfica UBA. . Podría decir que toda representación es abstracción. 2. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. tal vez en diversos grados. la escritura. histórico. sucede. Movimiento centrípeto. 1.” Javiera Neral. Residencias en centros de arte españoles. Y creo que siempre tiene reminiscencias. Juana de Arco y en Braga Menéndez. Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. No considero que haya un límite entre un campo y el otro.. expandirse. (Fundación Antorchas). Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido.. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. Los materiales traen su propio sentido de uso.. La pintura es pastosa. como pintar una casa.Pintar un paisaje es como pintar un objeto. Subsidio para un proyecto multimedia. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. la pantalla de la computadora. multiplicarse y generar resonancias. que es como pintar una línea. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Creo que pintar siempre implica abstracción. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. porque me interesa trabajar con el material como imagen.JULIA MASVERNAT Buenos Aires. pura materia. que siempre se acumula. y que toda abstracción es representativa. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. Elijo la abstracción. 120 . Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. Entonces. viscosa. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. No quiero dar al mundo basura.

por lo tanto. Descontextualizar y recontextualizar. constelaciones. Agrupaciones. luz. el silencio en los paisajes artificiales. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de Michelangelo Antonioni. Romper y reconstruir de otro modo. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. Y esto funciona como motor de la obra. Movimiento expansivo. Ritmo. tanto en los objetos como en el campo digital. sonido. en las pinturas de Roberto Aizenberg. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. la relación con el medio en “no-content. 3. madera. de Robert Morris. las casas construidas con lo que se encuentra. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. agrupamientos. los bordes del arte. 5. el espacio alrededor. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. combinaciones. Los bordes de las cosas. Formaciones centrífugas. las pinturas y esculturas de Tony Smith. En el diálogo con éste. pesados y livianos a la vez. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples.org”. el hormigón en los edificios. En mi trabajo. de Brian Mackern. otros lenguajes. los afiches callejeros. otros sentidos. los intersticios. la escena final de la película Zabriskie Point. 4. intento proponer otro modo de relación con cada medio.lugar las cosas. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. etc. 121 . los umbrales. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. una percepción diferente a la habitual.

No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. . Nueva York. San Bernardino University. fotografía aérea. V. y si se quiere radical. Fullerton Art Museum. cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. Brasil. Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. Ruth Benzacar. gallinas.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo. ómnibus. 1. Santa Monica. Para mí. California. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. Rojas. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. lo fortuito. la mayor seducción proviene de Japón. Idea mucho más estimulante. ICI (con M. Huarte). Participó de exposiciones colectivas en Argentina. Kandinsky. California y Marvelli Gallery. que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. R. 2. 122 esenciales. Luego se suceden en el C. C. microscopio electrónico y todo lo demás. ya sea como resultado de la voluntad de invención. As.MARCELO POMBO Buenos Aires.

123 . una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. al muro de Sol Lewitt. entre las cosas que me inspiran. Pero. 4. una lista tan interminable como la opulencia del mundo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. Hoy. al ala de la mariposa. sin duda. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. a la superficie pulida de la ágata. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. En fin. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. que tanto me atrae. está el inmenso caudal de pinturas decorativas. al diseño digital. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. épocas y fronteras naturales. Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas.3. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. a la camisa estampada.

EEUU y Europa. Museo Nacional de Bellas Artes (1998). Según un tratado de pintura chino. Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Perú. 2. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Carezco. Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). Costa Rica. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. Brasil. 124 5. Museo de Arte Moderno (2003). ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. de método. 1995. Venezuela. Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Abstracción con la legitimidad de un único color. Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. Colombia.ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). 3. Ensor: anestorésico. 1993. 1990). Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. 1997). Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. Ecuador. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. 1. 1988. 4. No pienso mi pintura como un “trabajo”. Centro Cultural Recoleta (2000). 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. el artista no debe tomarse demasiado en serio. Por lo tanto. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. Turner: rumoroso. entonces. .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . en el Fondo Nacional de las Artes. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). Colombia. la palabra abstracción no me dice demasiado.PABLO SIQUIER Buenos Aires. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. materiales. de la Vega. Costa Rica. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. no sé. con envidia y tristeza. 4. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. Francia y los EEUU. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. Bueno no. 5. contención emocional. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. Ay no. Venezuela. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Flaubert.). mientras estoy así concentrado. en las galerías Ruth Benzacar. en la FADU de la UBA. Annina Nosei (Nueva York). la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. creo. No. Ramis Barquet (Monterrey). en ese sentido no soy muy moderno. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. Steely Dan gracia y aburrimiento. Brasil. no son adjetivos. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 125 . A mí el que me enseñó todo fue de la Vega. con materia y gesto me digo. composición. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. en el ICI de Buenos Aires. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. soporte etc. que sea verdad. (en dos oportunidades). Pero. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. Me siento como un artista de posguerra. que la construcción sea correcta. 1. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. 3. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. en realidad nunca pensé en ella.

implican un salto hacia la tridimensionalidad. El grafito. 1. a diferencia de las producciones que. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. un papel o una tela sin textura. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. en las que es posible verificar su formación. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. a fin de reducir la desproporción. en los últimos años.Torrejón. como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. en este caso la pintura o. sin que deba entenderse a esta última como figuración. más precisamente. una entrega física considerable. 126 . 2. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. Becario Kuitca en la Fundación Proa. Obtuvo una Mención Especial del Jurado. al tomar contacto con el arte. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. hasta podría decirse primitivas. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. Sin embargo. el dibujo. Por lo tanto.MARIANO VILELA Buenos Aires. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. Siempre fui un enamorado de las tautologías. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. ARTE ABSTRACTO (HOY) . exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo.

Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. la obra imaginada. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. 5.3. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. F. etc. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. 127 . Stella. Robert Ryman por su sed de absoluto. todas son versiones y cada una un original absoluto. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. Malevitch. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. Este terreno huérfano de certeza. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. Albers. 4. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. El corte forma parte del discurso”. En su mayoría. una intimidad. Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. Lo táctil se sobrepone a lo cromático. J.

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Siquier y Vilela. Bertone. Marcaccio. Gumier Maier. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Ballesteros. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Prior. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. de Caro. De Volder. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. López. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. Burgos. Gradowczyk. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Lacarra. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. Pombo. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Gutman.Embajada de España Sr. Corujeira. Hasper. Fotografiía: Oscar Balducci. Kacero. Braga Menendez Arte Contemporáneo. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Laren. Masvernat. Guagnini. Artistas: Avello. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . de Sagastizábal. Dorr. Cacchiarelli. Curador: Mario H. D.

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ARTE ABSTRACTO (HOY) . © 2005 Copyright de los textos: sus autores. 131 .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA.

11. pág. abril/mayo de 2000. .La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1.