Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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y a todo el equipo del CCEBA. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). No es fácil. que la pregunta es generadora. Eso es lo bueno de ser extranjero. siempre son polifónicas. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. Belén Gache. no es fácil y. La muestra que el CCEBA presenta hoy . Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. sin embargo. de interrogar. afortunadamente. Vivir en ese estado permanente de expectación. tan frágiles. existan o no. un espacio geográfico. No nos podemos quejar. ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. eso es lo bueno de este trabajo. de miradas que. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. pero tan endebles. de aprender. y las respuestas. como siempre. Tulio de Sagastizábal. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. ARTE ABSTRACTO (HOY) . tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. de duda. ya lo sabemos y. aportaron respuestas. al lado de tantos artistas. de asombro. también surgió de una duda. músicos. de intuiciones. que la pregunta es necesaria. 5 . Ana Gallardo. de sorprenderse. ¡es cierto!. de inseguridad. de dudar.

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Kacero y Siquier. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. el vademecum es inmenso. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. a la polémica Habermas-Lyotard. es decir. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. de los medios. o si. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. La noción de originalidad cae de su pedestal. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. Cuatro artistas que participan de esta muestra. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. Gradowczyk I. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. entre otros. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. el pintar. 7 . prácticas. paradojicamente. Hasper. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. Ballesteros. entre otros. resulta ser un tema abierto. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. y medios. Frente a la presión actual del mercado. del gigantismo. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. ARTE ABSTRACTO (HOY) .ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. casi inconmensurable. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. de los grandes eventos. del que se ha ocupado. Patricio Lóizaga3. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. que niega los logros de las vanguardias modernistas. con el predominio de la globalización. Se inventan nuevas definiciones.

que las neutralicen. Polaridad que . 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. más trasgresoras. Si intentasen romboides. donde por resiliencia. donde el arte abstracto para el instante t=hoy. con el mórbido y austero sombrero castellano. por ejemplo. sinuosidades. que caracterizan prácticas contemporáneas. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. Conos. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. con chis teras cuadradas. Mirando al techo. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. “fragilidad” y “resiliencia”. sus cruces. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. menos estrictas. Es decir. Se limitan A triángulos rectángulos. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. denominación tomada de la física5. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. integrado dentro de la sociedad.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. sus anticipaciones en un recorrido temporal.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . mecanismos de “resiliencia”. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. por ejemplo. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita.

que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. madera. no precisamente para contestarlas. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. y un tercer grupo. el intertexto. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. y trasgresiones7. 9 . fotografías. aluminio. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . símbolos. formular las siguientes preguntas adicionales. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. las líneas de fuga. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. impresoras.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. el uso del buscador Google. Pero hay más. ante el título elegido para esta muestra. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. el acrílico. fórmica. videos. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. sin privilegiar una visión respecto de las otras. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. el grafito. la tempera. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. papel. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. vidrio. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. Algunos también incursionan en lo figurativo. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. la acuarela. cintas engomadas. Cabría entonces. telas. por ejemplo. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. Le toca ahora al visitante recorrerla. resina. las interconexiones. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. en el plano de la cultura.

y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . para esta época. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. preparada por Cippolini. Como ejemplo. 10 . Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. su editor. expresada en 1983. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. Este resurgimiento de la abstracción. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. más que lamentarse por lo que no fue. Según lo señalado por Andrew Benjamin. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. segundo. tercero. sería necesario. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. Esto implicaría: primero. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. II. que artistas. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. Baer agrega.sus artistas. Además. Filósofos. el que se traslada al quehacer contemporáneo. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. Esta afirmación. a modo de justificación. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10.

mientras otros hacen cola para entrar. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. como señala Lydia Dona. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. pintora norteamericana. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. críticos. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian. utilizada como arma por los centros de poder. perdura porque establece una jerarquía inmutable. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. 11 . poder y prestigio. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. Destaco que Peter Richter. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. de diferencia y de ruptura”14.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. pese a las críticas recibidas16. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. acaso. el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. los primeros abstractos. en muchos casos el texto y el discurso. compartida por muchos artistas contemporáneos. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. una ilusión o un puente filosófico. Barr (Jr. transa con ellos o los esquiva. Además. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. como ocurriera con la Documenta de Catherine David.

no ya desde el sitial del juez que dictamina. Jacoby e Inés Katzenstein. y con qué alimentarlo. los curadores-vedettes. Joan Carol Urquhart. en un “resistente”. Allí el artista visual vive. actitud difícil de concebir. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. los marchantes. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. el cine. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. desarrollar su apetito emocional. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. 12 . entre otros temas. noviembre 2004). En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. el problema de la actualidad de la pintura. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. creando un percepto llamado Impresionismo. sino desde el banquillo del artista. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. como lo señala Deleuze. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. realiza sus cruces. por la acción del mercado. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. La música popular. y esa falta de contacto lo convierte al artista. Además. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. en muchos casos. publicada en ramona (Nº 47. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. qué es lo que desean transmitir. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. Una artista canadiense. en un “francotirador”. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado.

13 . avisos de búsqueda de empleo y varios CD. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Montaje 30 x 30cm). 16 x 16 cm.Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado.

14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 27 x 36. . (Medidas máximas).ARTE ABSTRACTO (HOY) .1 cm.

15 .Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 x 40 cm.

16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. . 34 x 28 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

29 x 34. ARTE ABSTRACTO (HOY) .¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.5 cm. 17 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . .5 cm. 46 x 33. 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

19 .5 x 46 cm. tela y papel sobre madera. piso de goma. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 77.Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 60 x 60 cm. 20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio. Colección privada. .

35 x 46 x 3 cm.Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. 21 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel. 64 x 90 cm. .

(Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) . 23 .A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista.5 x 29 cm. 41.

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 90 cm. Colección privada. 24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel.

el poeta escribía. piensa en sí mismo. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846. independientemente de los objetos que viste”22. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. 25 . Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. Una década más tarde tarde. en el movimiento. en lo fugitivo y en el infinito”. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. en lo ondulante. III. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur.percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo.

Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. su obra y el receptor (y su devenir). al tiempo que éste encuentra. asimilador). 26 . Paul Klee.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. años más tarde. Así. en la obra. por el otro. visitante. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24. Y si incluyo el devenir en esta consideración. ya que plantean un tema central que liga al artista. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. Más no podemos hacer”27. La introducción del espacio imaginario de contemplación. Empezamos en la Bauhaus. por un lado. en su muy citada conferencia de Jena. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. Al final. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. mágica a fuerza de ingenuidad”23. contenidos que ansía asimilar. se ordenan. espectador advertido. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . el receptor. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. En el caso de la pintura. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. una percepción aguda. esto es. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. el poseedor del “ojo”. Necesidad que se explica. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía.

museos. así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio.imaginativa del receptor. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. El tiempo. galerías. el aura del artefacto. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. articulado sobre el eje temporal. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. esto es. su devenir. conferencias. simplificación que ignora otros factores (variables) claves. espectador advertido. a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. Se trata de un espacio móvil. como ocurre con las mega-exhibiciones. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En consecuencia. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. El artefacto producido por el artista. 27 . sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). ya que los diarios. tienden a agruparse en torno de él”30. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. asimilador). que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. por ejemplo. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. El aura del artefacto.

“se adueña de nosotros”. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. por ejemplo. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto.ARTE ABSTRACTO (HOY) . con la libertad de un niño. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. el receptor. y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. esto es. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. libre de toda connotación subjetiva. múltiple. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. Sin embargo. lo concerniente a este nuevo artista. según el análisis de Georges Didi-Huberman. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. la dimensión característica. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. en la cosa misma. ubicado en un espacio físico predeterminado. Es que el objeto. realizado a mano. su aura. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. se trata de una operación doble. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. libre de todo componente emocional. en lo sucesivo. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. . En ese caso particular. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. al ser mirado. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. Sobre la polaridad de esas miradas. Existen otras escalas temporales. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará.

un mero ser de sensación”35. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. se podría analizar la situación de conflicto. sino por haber contribuido al discurso estético. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En su correspondencia con Emil Bernard. Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. Estamos en un caos iridiscente. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. espacio de niebla informe”. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. de tonos. Y no sólo por sus pinturas. y en sus entrevistas. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. divago”36. En ese momento. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. Me siento coloreado por los matices del infinito. Bacon. También Kandinsky. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. de matices indecisos. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. Klee. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. sueño. 29 . Si se continua debajo de este paragüas. un cerebro. y nada más: existe en sí”34. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma.IV. yo y mi pintura somos uno. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. extraer un bloque de sensaciones. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación.

Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. o de existencia. Se trata de un sistema muy complejo. En términos psicoanalíticos. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. el valor del vacío. lo fortuito”. aparecen en dos oportunidades. 30 . sino el de capturar estas fuerzas. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. se dibuja este esquema de la saga modernista. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. Primero. hacerlo visible. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. En este contexto. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. Para poder expresar las sensaciones. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. Entre estos dos extremos: el caos total. en realidad caóticos. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. la marca del gesto del pintor. descontrolados. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. en la que se manifiesta el contenido auréatico. libre de toda referencia con el mundo exterior. Segundo. es necesario poner en juego fuerzas41. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. de la personalidad. En términos espirituales. el que tiende a volverse “informativo”.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . En otras palabras. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista.

para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. de plegado. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. de corte y de tiempo”42. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. Por otra parte. o por líneas que cambian constantemente de dirección. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. volcando sus afectos. sobrepasan el canon modernista. es necesariamente incompleta. en cada trazo. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. sin forma o fondo. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. si se examina la práctica contemporánea. sin interior o exterior. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. poblada de planos de colores uniformes. con la legitimidad de un único color. o por líneas contínuas y figuras geométricas. por ejemplo: fuerzas de gravedad.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. de capilaridad. de punzonamiento. de rotación. químicas. En consecuencia. como toda enumeración. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. entre otros. de explosión. de expansión. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. navegan por otras aguas. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. sin interior o exterior. de germinación. 31 . Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. artistas como Gerhard Richter. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo.

podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. en forma efectiva. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. esas sensaciones. Algunos desarrollan. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. además. por ejemplo. Este es el gran desafío. ARTE ABSTRACTO (HOY) . a esas líneas. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. En este sentido. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. a esas figuras. como diría Klee. 32 . Es que. darle vida a esas formas. la enseñanza. todo devenir descansa en el movimiento. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. a esos planos. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. alcanzar una materialización que transmita. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. es decir. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. los artistas hoy utilizan. por ejemplo. el rótulo. Parafraseando a Virginia Woolf.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Ya que de no ser así. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. por ejemplo. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. la obra de arte no valdría nada. es deber de cada artista saturar el átomo46. La obra de arte es ante nada génesis. son imanentes al acto de la creación. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. como el dios Moloc. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. obliga a muchos artistas a instrumentar. El artista crea bloques de perceptos y afectos.

El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . Por otra parte. donde convivan. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. sin cercos ni alambrados. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. 33 . Además. exhiben alto grado de gestualidad. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. sus obras y el visitante interesado (receptor. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. donde no existen direcciones preestablecidas.V. Pombo o Marina de Caro. abiertos. podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. Esto daría lugar. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. ¿Y los trabajos de Siquier. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. indiferenciados. desiertos). a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. sin estridencias. como ocurre con Prior. como lo remarcara Barnett Newman47. al juego de fuerzas puesto en juego. homogéneos. Sugiero recorrer las salas lentamente. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). en lo posible. que también realizan paisajes y trabajos figurales. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. el que responde a afinidades estilísticas. Marcaccio. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. si se desea.

No es casual que Laren se interese por Xul Solar. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. Se trata de un arte auréatico.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. realiza “clips”. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. Kuitca. en uno de sus trabajos. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. remarcan este acto de repetición y de diferencia. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. disponibles cuando se le cruzan. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. Por ejemplo. Harte y Pombo están ahí. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. Luis Benedit. según sus propias afirmaciones. los une esa capacidad . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Perversa paradoja. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. Por su parte. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. es decir. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. esta reescritura. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). escribe libretos y letras de canciones. Si se desea descartar su sentido negativo. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. las cosas de Cándido López. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren.

Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. Laren no dibuja. sus obras son objetos. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. • Vilela. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. y resuelve el problema plástico en el plano real. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. En otras palabras. en este caso el vidrio actúa como soporte. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. procedimiento que explica en la pág. homenajea a Víctor Vasarely. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. No escapará al visitante que Laren. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. montada luego sobre una hoja de aluminio. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. podría decirse. su humor sorprende. Como los concretos. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. distinción propuesta por Alois Riegl. agita y perturba. y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). ensaya una suerte de parodia posmoderna. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. descree de la abstracción como fenómeno filosófico. 35 . cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. 126.

Al tiempo que extiende el campo. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. Schwitters. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. amorfos. Tatlin. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. como el caucho. realizados por artistas tan diversos como Picasso. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. ameboidal. entre otros. 36 . después de la segunda guerra mundial. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock.• Los relieves. Strezminski. Torres-García. y destinados a una visión frontal. realizada con chapa de fibrofácil. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. • Nicolás Guagnini. la pared. compartido por otros artistas invitados. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. y que culmina. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. desde su encierro voluntario. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. De esto trata la obra de Carla Bertone. ARTE ABSTRACTO (HOY) . gestuales. el título adoptado por Guagnini la refuerza. o “telgopor”. Kenneth Kemble y Luis Wells. los Madís. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. a veces perturbadores. que en ocasiones flexiona. Esteban Lisa. Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. algunas veces denominados formas planas. Arp.

37 .Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 100 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.7 x 66. 38 Ensayo para tricolor. . 101.2 cm.

2 cm. 101.Ensayo para tricolor. ARTE ABSTRACTO (HOY) . nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.7 x 66. 39 .

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela. 40 x 60 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 41 .Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela. 30 x 40 cm.

. 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela. Colección Delmiro Méndez e hijo S.A.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 20 x 20 cm.

Colección Orly Benzacar. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. 43 . 20 x 20 x 5 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 140 x 200 cm. 44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm. 45 .

. 110 x 180 cm. 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas e hilos sobre tela.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela. 47 . 150 x 170 cm. Colección privada.

48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón.ARTE ABSTRACTO (HOY) . medidas variables. .

En cambio. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. realizadas bajo influencia hindú. que él perturba. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. Sus superficies rugosas. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. o en escalas casi microscópicas. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. y luego enderezadas. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. en series. De dilatada trayectoria. surcadas por líneas caóticas. entre otros. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. Como si fuera una travesura. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. y Prior trabaja en esa dirección. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. fragmentos. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. pocas veces geométrico. Abstracto o figurativo. 49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. que Prior dibuja con leve traza. responden a esa espacialidad táctil. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. su práctica no exhibe fronteras discernibles. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. ya había sido anunciado por Baudelaire. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala.• Se examina primero la obra de Prior. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. Las pinturas de Prior. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. telas sostenidas por elementos tridimensionales. Que el arte también es juego. a estas obras. el carácter táctil de sus pinturas. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) .

La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. según el relato de Balzac. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. No tengo miedo de hacer cambios. vaciados. la pared o el piso. capacidad de almacenamiento. lineas. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. 50 . realizando luego las tareas de impresión en extramuros. destruir la imagen. y está en fase con el deseo de Marcaccio. tela. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. etc. telas impresas. impresoras de gran tamaño. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. tal como el propio artista apunta en su texto. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. Los materiales utilizados por el artista. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. porque la pintura tiene vida propia. tiempo y costo. gel. óleo. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. fragmentado y contaminado. quiebres. líneas que se pierden. acumulaciones. Yo intento dejarla que aparezca”. una tabla horizontal. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. como lo hace Pablo Siquier. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . símbolos y signos. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. cortes. Es que Marcaccio. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. figuras. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. se ha propuesto ir más allá. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. Por otra parte. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. él expande los límites modernistas. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. no soy consciente de lo que estoy haciendo. incrustaciones..

un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente.ritmo. Más conocida por sus esculturas flexibles. 51 . Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría. es la definición que propone Marina de Caro. es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. • “Abstracción. sus fortalezas devienen palimpestos. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. trabajadas en tela. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. como recorte de la realidad. jugetonas. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. pero no menos efectivas. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). Se inspira en las fuentes precolombinas. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. influído quizá por el solitario paisaje castellano. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas. en la nada de un tela o un papel en blanco. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. Uno podría estar tentado a preguntarse. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. y crear una imagen”l. Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos.

en un punto. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. muchas veces de dirección caótica.. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos.por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto. como lo muestran Ernesto Ballesteros. no resulta necesario incluirlos en la representación. Pablo Siquier. proceso que él describe en la pág. los planos monocromos. Las imágenes de los que juegan están ausentes. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. según el artista norteamericano “El plano es. Registra escrupulosamente ambas cantidades. una bajada a tierra donde. un campo liso monocromo. es decir una pintura sin centros de interés. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. • Ballesteros traza líneas con lápiz. Creo que la respuesta es otra. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura.. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. Marcelo Pombo. tal como ella lo apunta en su texto. la pintura de campos. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. Beto De Volder y Emiliano López. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. al gesto exacerbado. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. 52 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta. caos o miasma. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. En este caso. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución. Graciela Hasper. para volver a empezar. a la prueba y error. 86. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper.

sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. Prior. hilos. adquiere espacialidad arquitectónica. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. y Pollock. blancos y celestes. el hacer artesanal. dentro de un grupo más amplio. Marcaccio. plantas. Siquier y otros más. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. • Para analizar las obras de Sergio Avello. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones.que puede ser expandida en todas las direcciones. y marcas que se repiten una y otra vez. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo. Mondrian. Los minúsculos excedentes de la pintura. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. para que puedan concretar esas aspiraciones. telas. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. 53 . Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. limitadas previamente por un encintado. que es registrado por el ojo del observador. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. con sus escorzos de formas espaciales. Sus referencias a Kandinsky. Este fenómeno. montados sobre una tela de base donde se registran hojas.

Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. ya que lo que pinta son “sombras”. La variable tiempo t juega un papel crucial. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. lo que muestra una lógica racional. Solo que en este último caso el cartón o la tela. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. a la manera de artistas tan diversos como Popova. controladora. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. y se repiten.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. por su parte. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. se percibe la existencia de otros mundos. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. de sus diseños. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. jardines desarmados. pero para quien las observa desde el cielo. Jawlenski y Esteban Lisa. utilizado como plano de composición. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. De pronto. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. los sombreados perfectos. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. expectantes. líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. 54 . el desierto. produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. Por su parte. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica. se ha transformado en la pantalla de una computadora. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. • Pablo Siquier. planos de antiguas fortalezas. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . y que también se observa en trabajos de Marcaccio. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. Siquier entrampa sus ensoñaciones. Es difícil precisarlos. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles.

reinterpretarla. esas extrañas formas onduladas planas poseen. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. hay que cooptarla. a la manera de una Agnes Martin. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. según su autor. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. Por otra parte. que se ejercen más que sobre la propia obra. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. librarse de la mecánica minimalista. La estética del “kitsch”. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. si se desea. violentos. En trabajos más recientes. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. forma parte de contemporaneidad. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. sobre sí mismo. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). porque así percibo a sus arabescos. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. aprender a convivir y. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). a gozar con ella. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. Actos peligrosos. amplificadas varias veces. andamios o encofrados que nunca serán construídos. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. tragedia. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. 55 . Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad.insistencia de los cantos de sirenas. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. muerte. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos.

Sin embargo. Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. el arte puede contener un bacilo perturbador. en suma. titulados (1-0) y (0-1). La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. de colores negro y marrón oscuro. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces. una metafísica de la voluptuosidad. el erotismo. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. Sus bordes son rectos. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. Son formas ascéticas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . eclipses. encastrados a la perfección. con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. por su parte. que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. las tardes de verano. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). Pero hay más. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. la presencia de la maciza y espléndida mesa.• Lucio Dorr. insiste en trabajar el vidrio como soporte. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. que él visualiza como coronas mortuorias. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. como lo sugieren sus títulos. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. pero también es juego. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra.

una cosmovisión. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. Se trata de asociarlo. como fetos pretéritos. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. • De Volder parte del dibujo. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. admiten total libertad. ARTE ABSTRACTO (HOY) . ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. o en vena metafórica. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. como el de De Volder.uso de la añeja simetría especular. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. ya sea como una galaxia ensoñadora. distiende y amortigua. concretas. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. Este artefacto. es una obra con posibilidades visuales infinitas. Si el observador voltea la cabeza. Como antes lo hicieran los Madís. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. son lo que son”. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. un juego sobre lo real absoluto. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. según la voluntad del observador. 57 . verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. que lleva a imaginarla. al artefacto expuesto. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. contenedora. en algunas obras. con formas estáticas. mejor dicho. nudos que habrá que desatar algún día. como los juguetes de Torres-García. sobre un soporte horizontal. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas.

en otras palabras. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. Pero las diferencias son sustanciales. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. en escorzo. así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. instrumentan mecanismos que las neutralicen. ya que se la podrá apreciar lateralmente. según lo explica Deleuze. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. y también desean. Primero. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. esa visión utópica epitomizada por Mondrian. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. desde ángulos diferentes. están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. El observador podrá construir. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. en su imaginación. una combinación de geometrías imposibles. como aquellos maestros. 58 . Cuarto. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. Tercero. a veces con cierta dosis de cinismo. Por el contrario. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra.• Por último. Así se extiende el ángulo de visión del observador. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. VI. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. Segundo.

ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. 104). Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. o la polémica entre Berni y Pettoruti. pero salvo en las obras de Gutman. no se advierten referencias directas. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. es un eco que se acalla. Por otra parte. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. Este sector “ilustrado” no se propone. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. Por su parte. se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. si se entra en consideraciones moleculares. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . El ser artista deviene en una profesión liberal más. modificar su propia estructura de clase. esta relación está cambiando. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. Si los artistas de la vanguardia. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual.consumo. microcósmicas. Ya la modernidad. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. con ello. 59 . es decir. Guagnini. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. como apunta Clement Greenberg. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos.

Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. 5. versión tomada de R. 4. ellos necesitan de un pueblo que los contenga.Essays on Posmodern Culture. New York. Último manifiesto argentino del siglo XX”. “El imperio del cinismo. firmado por Ernesto Ballesteros. abril/mayo de 2000. La melancolía y la nostalgia están ausentes. No se nutren de ensueños. 2000. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. Manifiestos argentinos. 1998. ibidem. Buenos Aires. 143. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. p. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. Políticas de lo visual. “más no pueden hacer”. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. NOTAS 1. editado por Hal Foster. conviviendo con ella. Democracia. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). Parafaseando a Klee. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. medios. Buenos Aires. Cippolini. arte. su visión crítica. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. “Manifiesto frágil. 11. Pero lo que logran no es poco. 2. 3. Graciela Hasper. 60 Adriana Hidalgo Editora. p. su resistencia. “Introduction”. su capacidad de resiliencia. Hal Foster. p. 503. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. Publicado originariamente en la revista ramona. Pero algunos evitan dar respuestas. publicado en The Anti-Aesthetic. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Extractos de un boceto. The New Press. Fabio Kacero y Pablo Siquier. .de un proyecto de emancipación social?59. xiii. Nº 1. p. “Postmodernism and Consumer Society”. 2003. Fredric Jameson. Emecé. Mantienen viva su creatividad.

50 x 50 x 1 cm. 61 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

medidas variables. 65 .Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

4 cm. (Par de obras que funcionan como una sola). 30 x 30 x 3.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. . 66 1-0. 1999 (rojo) y 0-1.

Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. 55 x 35 x 14 cm. (Par de obras que funcionan como una sola). 67 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

100 x 100 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada.

100 x 100 cm.Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. (otra disposición). 69 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. parvex. telas. plásticos. 70 “E.ARTE ABSTRACTO (HOY) .4 x 133 x 16 cm. (instalación). Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. 66. gomaespuma.

Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. (otra disposición). 66.“E. 71 .4 x 133 x 16 cm. parvex. gomaespuma. plásticos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas.

5 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 35 x 35 x 3. . 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela.

H. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. Barr. “Reluctance. Stedelijk Museum. p. 2002. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. 13. 1995. Ver Le peintre de la vie moderne. Schapiro. Jo Baer. 1 N 1. Mondrian y Torres-García. ibídem. La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. 14. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. 10. “The Nature of Abstract Art./ Cones. / Looking at the floor.As. New York. un mundo construido. 11. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. Cubism and Abstract Art. / Think. Nº 28. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. Schapiro.” vol. Lausanne. 410. Madrid. Journal of Philosophy and the Visual Arts. Alfred H. ellipses—/. 12. editado por F. wearing square hats. Buenos Aires. una mirada desde el Sur. p.185-211. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. a la que le sigue “Esteban Lisa. reimpreso en Curiosités esthétiques. “I am not an abstract artist”. George Braziller. Academy Group. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. Museo Colecciones ICO. Paintings 1960-1998. Ambivalence and the Infra-Language”. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. Gradowczyk y Nelly Perazzo). 22 de octubre 2002-6 enero 2003. . op. January 1937. Revista ramona. for example. p.. 136-37. 77-98. The Critical Debate. 7. “Six Significant Landscapes”. London. Lydia Dona. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. 1985. 10). 73 . 1999. in square rooms.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. Selected Papers./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. New York. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. 9. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. 18. / Looking at the ceiling. año 7. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. pp. Wallace Stevens. 1979. Art in America. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. 16. Nº 26. Museum of Modern Art. Modern Art: 19 and 20th Centuries. Harper & Row. pp. 1956. Andrew Benjamin. reproducido en Jo Baer. Por su parte. 94. p. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. 90-91. Nº 71. New York. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. Frascina. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. Marxist Quarterly. Valencia. p. 15. reimpreso en M. Amsterdam. Revista Archivos del Presente. (M. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. waving lines. pp. “Abstraction. septiembre-octubre 2002. Nº 5. pp.6. 1936. Éditions del’oeil. cit. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). 7. October 1983.) 8. Generalidad Valenciana y Telefónica.

quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. 23. Fue su albacea. p. Dee Reynolds. por Roberto Jacoby. 220. Lo que vemos. Shiff. . Un caso emblemático es el Franz Kafka. Baudelaire. “Simulacrum”. ARTE ABSTRACTO (HOY) . “Exposition Universelle”. London. 27. p. 41. 28. Farber and Farber. Conversations avec Cézanne. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. Frankfurter Allgemeine. p. y publicado por primera vez en 1967. p. el escritor Max Brod. ibidem. pág.. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. 74 32.z…t)= 0. 33. Chicago University Press. editada por P. 36. 412. avec Claire Parnet” (1996). C.y. Paris. Selected Writings and Interviews. Taurus. Doran. p. 25. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. 35.28. Barcelona. Buenos Aires. On Modern Art. 1989. W. Conversations avec Cézanne. Sur quelques thèmes baudelairiens. Discursos interrumpidos I. Éditions de l’Oeil. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. Nelson y R. 1855 Beaux-Arts. Klee. P. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. Cambridge. “Salon de 1846”. donde x. 29. Guattari. 112. ibídem. 1978. 95. Symbolist aesthetics and early abstract art. p. tomado de Internet. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. Lausanne. Buenos Aires. editado por R. Chicago. Conversations avec Cézanne. Para el caso de una escultura. ¿Qué es la filosofía?. op. publicado en Critical Terms for Art History. Paul Klee. cit. lo que nos mira. C. On Modern Art. Anagrama. 19. 1966-87. 20. publicó El proceso y America. tomado de Georges Didi-Huberman. reimpreso en Curiosités esthétiques. 37. 1956. ibídem. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. G. Sites of imaginary space. 24. 26. Cambridge University Press. p. 338. cit. 1995. 165. 1966. S.…t) 30. Una función implicita es de la forma f (x. pionero del arte abstracto.. Benjamin. p. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. . Véase R. Manifiestos argentinos. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. p. 21. 21 de noviembre de 2004. 26. Barnett Newman. p. cit. editado por John P. op. Eduardo Costa y Raúl Escari. 1993. 55. 31. 1997. Buenos Aires. 1997. NR 47. 127. z. Charles Baudelaire. Cippolini. Manantial. M. Walter Benjamin. publicado en Barnett Newman. 34. p. Michael Camille. 11. En general.17. Baudelaire.z. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. “Un arte de los medios de comunicación”. op. p. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. 114. Macula. p. y. 18. 22. Sonntagszeitung. … t son variables independientes.. “The Plasmic Image” (1945). En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. Deleuze y F.

p. Gumier Maier. 2001. 1988. 5. 1820-1980. “Color in Abstract Painting”. 39. ¿Qué es la filosofía?. p. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. Bélgica. 47. Ibídem. Art in Latin America: the Modern Era. p.60 metros del suelo una longitud de 26. H. Pablo Picasso. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. 3. G. Capitalismo y esquizofrenia. pp. Madrid. M.55 metros de diámetro. 50. Berkeley. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. Mons. 27 de marzo de 1963. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. hors série Gilles Deleuze 2. Mil Mesetas. G. Apropiación: (Del latín appropiare). publicado en Sanford Wurmfeld. op. . Amsterdam. 200. Guattari. 4. M. 21 a. 88. figurado. Gradowczyk. p. Nas sau. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. 1991. cit. Tomado de Michael FitzGerald. 49. 2. Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. en Color for Science. Elsevier. The Hayward Gallery. 53. 48. M. Deleuze. Gradowczyk. Francis Bacon. p. 1981 (reimpreso en 1996). 39. Bielefeld.. Logique de la sensation. Deleuze y F. H. Kerber Verlag. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Yale University Press. 22-23. 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. 52. Barnett Newman Selected Writings and Interviews. op. Valencia. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . 54. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. University of California Press. p. 46. 45. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. haciéndose dueño de ello. 146-169. 40. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. Cyclorama 2000. 140. Alfredo Prior. University of California Press. p. “You have to want to see!”. 1989. cit. 178. 2003 (inédito). London. por lo común de propia autoridad. 38. p. 8-28. 1992. Gradowczyk. 42. Paris. Martin Hentschel. Gradowczyk. 2000. Tomar para sí alguna cosa. p. 64. October 2003. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. pp. 2000. catálogo de la exposición. Hacer propio de alguno cualquier cosa. (Tomado del Diccionario de la lengua española. Picasso. H. O’Neill. S. op. cit. 1998. Michael Fehr. 44. 185. Neuer Folkwang Verlag. Citado por Deleuze y Guattari. 41.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. Hungría y Escocia. editado por K. Antiguo: asemejar. 38-39 51. H. p. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. The Artist’s Studio. 1992). New York University. 43.O’Neill. Art and Technology. 55. 324. p. Éditions de la Différence. Tulio de Sagastizábal. Wurmfeld. New Haven y Londres. Sils Maria Éditions. M. Berkeley. revista Concepts. edición. editada por John P. Pretextos. Tomado de Dawn Ades.169. “Hybrid Networks”.

Buenos Aires. editado por John O’Brian.56. Chicago. “Arqueología de la modernidad práctica”. Cambridge.p. tomado de The New Art-The New Life. Silvana Lacarra. Thierry de Duve. 2004. 11. 278 58. New York. Fondo Nacional de las Artes. 1996. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). Kant after Duchamp. “Avant-garde and Kitsch” (1939). P. España. Chicago University Presss. 1939-1944. James. Perceptions and Judgements. editado por H. 57. Revista Acto. The collected Writings of Piet Mondrian. p. 1988. Da Capo. MIT press. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Holtzman y M. Tomado del capítulo 8 del libro de T. reimpreso en Clement Greenberg. Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). Vol. Clement Greenberg. 1993. Mondrian. 59. 76 . S. I. The Collected Essays and Criticism. 2001. de Duve.

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manchas. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. fondos. desafío. intersticios.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. por su presentación. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. humor. poesía. fundación de una nueva categoría sensible. 79 . programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. Abstracción. símbolos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . hito donde se respira la libertad en un presente. nuevo salón abstracto con estos invitados que. Así. conciencia de la materialidad de lo real. dentro de un campo ya centenario. Los testimonios. despojamiento de toda significación extravisual. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. fragmentos. instalación en un ideal universo cerrado. marcas. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. en contraposición al orbe de la representación. irritación o compromiso. limpidez sin historia. al responder cinco preguntas con seriedad. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. desparpajo. diseños. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. en sí de la obra. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza.

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colores.. citas. Adjetívelos... Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas.. tecnología. de modo que. a partir de este guión: Abstracción. referencias. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. Cite a tres artistas que lo nutran.CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. ciencias. tema. 5. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción... sin.. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra. caligrafía. 3. 81 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . materiales). estados de ánimo.. símbolos. tamaño. soporte. 4. pensamientos. para. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. motivaciones.

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Unas tramas de telas. Como decir: que buen atardecer. C. Es así. total. circulitos. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). A veces no las hice porque se me acabó la tela. Sí. Dibujé un perro atado a un pino. en mi niñez fui figurativo. Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Un riel. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas. Una caja de colores. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. Brasil).SERGIO AVELLO Mar del Plata. Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). Sé que puede sonar a mariconada. 2. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. Dabbah-Torrejón (SEMANA). realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. 1. Pero no lo es. En ese momento yo era figurativo. Que sensación genial. Pero a la punta del pino. 83 . Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). Con colores. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos.

O lo presento en un lugar que no es el convencional. Siempre fui el perverso. Me disparan.Si no le ponés nada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Verde sapo. Como si lo último fuera una perla. Sí: de per versus. Los nombres de los óleos son bárbaros. Todo es parte del mismo proceso. Cada uno tiene su genialidad. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Hubo una época en la que dejé de pintar. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Lo mínimo es máximo. me cambia tanto el ánimo. Un minimal italianizado. Hago algo para distraer ese minimal. 3. el camino contrario. Esa perla es el humor. El nombre de los colores. Lo mío es un mínimo preciosista. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. Una chica me dijo que era una perversión. Un cachito de cielo o de vegetal. la vida me parece tan genial”. Tengo que seguir. la imaginación te lleva mucho más allá.up. O no voy a la mejor galería. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. Los materiales siempre aparecen. Tengo una predilección por todos los colores. 84 . “Me pone tan contento pintar un cuadro. Hacía make .

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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CARLA BERTONE Buenos Aires. etc. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. ¿Crear? Sí siempre abstracción. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea. y lo abandoné hace tres años más o menos. el instante de la duda (qué. No trabajo con temas. 88 . Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. 1. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. desde que comencé a pintar. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. por qué.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. De todas formas. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . cómo. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. Participa en diversos premios y muestras colectivas. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. 2. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. para qué). que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. cualquier representación es siempre una abstracción. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra.

etc. 3. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. 5. también placentera.flexible . Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. 4. etéreo. 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. un concepto. un suceso. Henri Matisse: sutil. color y textura de las diversas piezas. cómo es. en qué condiciones. Definir para extender los límites de lo que es. simple. un objeto. también sus momentos sutiles. inteligente. contundente. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto).. es ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que es no se ve y lo que se dice no se toca. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. para que luego pueda ser otra cosa. Es necesario saber qué es. delicioso. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra. sabio. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. Es precisa. me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. delicado. poética.transformable. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos. . las superficies y el volumen.admiro y disfruto. ser mutable .

ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. y éstos son siempre formas geométricas. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. Participó de muestras colectivas en Argentina. una gran película. 2. Recoleta. Fundación Antorchas. llegar a la abstracción a partir de la figuración. “sólo la verdad es bella”. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. seguidas por otras en el C. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. En cuanto a si siempre abstracción. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. triángulos. EEUU y Francia. copiando naturalezas muertas. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. C. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. 1. una hermosa escultura. Rojas. etc. C. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. 90 .FABIÁN BURGOS Buenos Aires. decía el poeta. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. Annina Nosei Gallery. Sobre el tema o contenido de las obras. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. círculos. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. Nueva York y Dabbah-Torrejón. Y. rectángulos. C. es decir. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. México. si en mi caso fue a la abstracción geométrica.

Son: Policastro. en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. incluso en retrospectiva. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. Con la pintura sucede lo mismo. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual.L. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. De todos modos. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. 5. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20. por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. ARTE ABSTRACTO (HOY) . decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional. sus caracteristicas y particularidades. en especial a Malevitch. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. 3. J.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. aunque las definiciones siempre limitan. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”.Godard. 91 . la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. sin embargo. 4. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. Jesús Soto. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró. Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos.

C. también hago fotografía. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. obsesión y repetición. Museo de Arte Contemporáneo. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. puntos. etc. a veces. cuadrículas..NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. creo que puedo mostrar las emociones. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas.. Universidad del Salvador. trayectos. cantidad.. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. En mi trabajo no hay representación figurativa. los aspectos geométricos de una ciudad. elementos que han influido mucho en mi pintura y.. planos. 2. De todos modos. acero.). tramas. son componentes que se reflejan en mi labor. lienzo. secuencias que se mezclan. 92 . para documentar esas imágenes. 1. entre otros. tramas y series. Bienal de arte de Bahía Blanca. siempre parto de la vida real. España) y diversas muestras colectivas. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Seriación. son imágenes abstractas. las experiencias de forma abstracta. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. Bahía Blanca. 2001. aluminio y acrílico. a partir de los que voy armando mis pinturas. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. cuadriculas. y el tercer premio de pintura. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. las sensaciones. que devienen en: orden. las cosas dramáticas me las guardo para mí. C.. la arquitectura. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. mención especial del jurado. A través del juego construyo recorridos. Me siento cómoda en ese campo. número. Siempre me sentí atraída por los planos. Me interesa más hacer algo estético. Pinto porque es mi modo de expresión. Recoleta. Series de distintos espacios. son “más” o “menos” complejas. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. Sala Caja de Extremadura (Cáceres. no tengo otro que no sea éste. monocromos y policromos.

el cuadro es.. a la vez. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados. Con el cuadrado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . algo así. en sí mismo. un sistema narrativo. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. más simple.. una saga. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio. Ross Bleckner. cambios. No hay nada más intenso y.. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas. como nos ocurre en la vida todo el tiempo.3. movimientos.. 4. Kasimir Malevitch. las tramas. un sistema de pensamiento. Distintas formas de organización. le sumo otros elementos. 5. se trata siempre con él y dentro de él. un sistema narrativo.. episodios que cuentan mi relación con la pintura. inquietudes que logran romper la estabilidad. Está el cuadrado y lo intervengo. 93 . que es la forma perfecta. distintos elementos que van contando nuevos episodios. Jonathan Lasker. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. Abstracción.

es decir. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. de la mirada diría. florece porque florece. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. entre otras. Juan Martín (México D. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. no se inquieta por ella misma. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. ¿Por qué entonces. lo cierto ya no está. aquello otro sin nada de mi. (Madrid) y el 1er. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. lo que se ve no es lo que se ve. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late.). Ha participado en numerosas muestras colectivas. Praxis de Buenos Aires. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. una acción como cualquier otra? una elección accidental. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. F. Warum: “la rosa es sin por qué. sin por qué. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. Premio de Pintura Todisa. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. 94 . la repetición infinita de un gesto. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. establece una distancia que creo quiero salvar. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. Van Riel. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. En esa huida de lo puramente plástico. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. Muestras en Galerías Centoira. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. lo que permanece y se dilata. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. el ojo ha sido desplazado. 1. Radicado en Madrid desde 1991. En su última conferencia. ¿y si partimos de considerar la pintura. toda vez que acaba.

el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. Celan. Es cierto que los temas abundan y me rodean. otro tránsito: de la observación a la experiencia. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas.2. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. trata de impedir la quietud en los ojos. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. Así. El espacio de mis pinturas. 3. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. llenas de un temblor necesario. dale sombra” Estas palabras de P. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. siempre antes del acto de pintar. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. 95 . Leer sobre él. se manifiesta. “Habla. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. surge así una conducta de negación. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. Así. Salah Stétié. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. Una vez más. me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido.

¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. promete un sueño. Creo que lo que más me nutre no es un artista. más bien las redes que se establecen entre sus obras. También la música de Scelsi. Knoebel. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. Nancarrow casi mecánicas o las de J. . todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. La poesía de P. Las sedas de B.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. *En la reciente exposición retrospectiva de V. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. complejidades. Las piezas de piano de C. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. Cage para piano de juguete y orquesta. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. Grippo en el Malba. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Celan en su lenguaje casi quebrado. El atlas de G. Pienso ahora en R. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. con este grado de relaciones. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. 96 5. 4. La obra de B. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes. de una manera brusca. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”.

F. Tejido plano: Trama y urdimbre. sucesión continua. hacerla realidad. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Una máquina de tejer. 2. El tejido y la memoria. entre otros). El hilado y el tiempo. de lo efímero y de desgaste en su uso. Un hilo se teje. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. galeria Gara y Alberto Sendros. La línea sólo tiene existencia en la hoja.MARINA DE CARO Mar del Plata. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. Klemm. El acto repetido como mantra. La obra textil. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. de fragilidad. El encuentro. Borges. serie. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. Un ovillo de hilado. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. C. El tejido construye un espacio. Hilo: principio y final. Tejido de punto. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción. Texto tejido. Una idea. Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. El textil y el cuerpo receptores de cambios. pero de cualquier manera no es mi caso. dos hilos entrecruzados. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. permeables y de memoria inmediata. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . programa de cooperación y confrontación entre artistas. 97 . 1. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. una geometría y un imaginario. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. Todo lo que sucede en el plano. C. Un dibujo. Lele de Troya. La textil carga con la idea de no-permanencia. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama.

Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. hecho de manera espontánea. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. Issey Myake y otros tantos. Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Para la realización en tejido de las obras. simplemente me siento y tejo. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. 98 5. tengo varios mecanismos.al espectador un acercamiento a la obra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. doblarlas y guardarlas. antes que nada es mi amiga. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. no es contemplativo. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. en ese caso. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. . Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. El dibujo es una manera de constatar las ideas. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. un encuadre personal. Una posibilidad es desglosar un dibujo. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. formas livianas frágiles. de buscar nuevas situaciones en la obra. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. 4. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. es mi forma de pensar y proyectar como artista. comportamiento. Abstracción como recorte de la realidad. 3.

1. como no lo es lo que se consume. ferias y eventos internacionales. De las prefiguraciones y las tentativas. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. pero lo hago como . lo otro. que son comunes antes de describirse en formas. probablemente. Noé y Roberto Páez. y es inevitable. Rubbers y con Diana Lowenstein.As. lo común son la necesidad y el deseo. o dibujo. como lo abstracto. sobre tela en gran tamaño. si dibujara. una experiencia imprevista. Dibujo y pinto. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. la pintura. pero siempre estoy pintando en realidad. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. Luis F. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. de lo que se comparte. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. Es magia. pues dibujo con pinceles. Contemporáneo de B. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. sobre tela y papel. bien mirado. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. pues cambio mucho de dirección. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. y muchas otras cosas. Participo de la Beca Kuitca. antes de darse a conocer a los demás. nacen de allí. y más lentamente. Y pinto. 99 2. cuando estoy pintando. Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. Muestras individuales en el Museo de A. el temor. Galería Sara Garcia Uriburu. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. Ha participado en diversas bienales. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). Lo inagotable. 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. lo común no es la forma narrativa. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. de los deslizamientos y las anticipaciones. De lo imprevisto. como si fuera conociéndose a sí misma. Por eso quizás. y menos importante.Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. esas son experiencias particulares. y tapo todo y vuelvo a rehacer.

Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. ser un pintor abstracto es ante todo. Desde hace mucho mi consigna es la deriva. de lo inesperado. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. para el que relata particularmente. ser un pintor. está en el cómo. aunque tal vez no deseaban eso. 4. Todo saber aburre y se revela escaso. Tener un método. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. Así. Que no pretende ser imagen del mundo. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. otras. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. Así. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. y no desaparecer en la aridez del mundo. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) . en la nada de un tela o un papel en blanco. Todos descubrimos alguna vez que. Dialogo con ellos. 3. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. de los aprendizajes. . y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. Y de Philip Guston. Siguiendo la línea del entusiasmo. 5. como para Scherezade. ni pretende ser imagen de uno mismo.que sea así. su propio melancólico conocimiento del mundo. vivir es vivir para contarlo. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Tiempo después. tan sorprendentes cuando las conocí. y crear una imagen. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. y nos animan a continuar sin saber. por la imposibilidad de verificar mis presunciones.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 101

LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
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4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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104 .. En general el arte como producción humana no actúa. que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) .. furia. Oiticica. de modo que puede. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí.despertarse a la realidad de su futilidad. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación. contemplación.. 3. humanista.. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. Idealmente suprimirlos.. 5. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. Godard.. anarco. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. Graham. y se anule la distinción sujeto-objeto. Lecciones del neoconcretismo brasileño. por la condición de insignificancia en la que se encuentra. sin salvo honrosas excepciones. 4.estados de ánimo euforia. manierista. es más bien actuado.

Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. cuando veía una mancha en el mosaico.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. la olla. en pinturas cuyos motivos se me escapan. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. lo más funcional: la silla. cuando veo una obra abstracta me pasa eso. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. Centro Cultural de España en Córdoba. Por ejemplo. eran para mí presencias raras. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. Belleza y Felicidad. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. 105 . Ahora. o ramitas. Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. ICI. Probablemente esto sea propio de todos los niños. Espacio Giesso. emisarias esquivas. o miraba una nube.

generalmente de uso cotidiano. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. una migración. Su temprana muerte. de un modo u otro. pienso también que “el arte es una abstracción”. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. 3. un “viaje de la mirada”. . Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. Actualmente cursa la Lic. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. siempre las obras son abstractas. en Artes Visuales (IUNA). igual que el arte. Cito trabajos de quienes admiro. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. Como Gauguin. exige un desplazamiento. cualquiera sea el soporte. 2. La percepción subjetiva que realizo en una obra. por lo tanto. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. como abstracto es el pensamiento.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. 1. Participa en muestras colectivas desde 1996. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. 4. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. 106 de catálogos.2. Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan.

porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Dijo: “El arte. 107 . 5. está más allá del gusto. La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. como la vida. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. de sus teorías.

Bridget Riley. Lygia Clark. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. pero no derivada de. la abstracción norteamericana. C. Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. Rojas. y en el C C. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. tanto que privó a los artistas de todo apoyo. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). ignorándose así a los artistas abstractos y.GRACIELA HASPER Buenos Aires.Helio Oiticica. C. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. Balthus. Gego. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. . otredad y universalidad como una caja de Pandora. Alfred Jensen. Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. Blinky Palermo . Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. produjo Proyecto Sala 2 en el C. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Galería Ruth Benzacar. Fondo Nacional de la Artes. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . 1. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. a finales de los años ‘40. y en Chinati Foundation en Texas). Ricardo Rojas). trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. 108 2. galería Annina Nosei en New York. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. Julio Le Parc. NY. Manuel Espinosa. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. C.

109 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Uso la forma como un transporte de contenido.3. Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. por otro. no para representar sino para derivar una operación pictórica. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. creo. ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. Los significados varían en los casos. y la obra se basa en esa relación. tamaño edificio). y por usar otros medios como la fotografía. de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. 5. La pintura. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. 4. en su historia. como un instrumento de aprendizaje y acción.

FABIO KACERO Buenos Aires. 110 . escencias. modelos. Venezuela. descripción. En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. La Abstracción en bloque como otro ready made. editado por Galería Ruth Benzacar. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. afinidades por temperamento. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras. 2004. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. sus controversias se han secado. También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. Ha publicado su libro “nemebiax”. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. de lastre. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). compartiendo rasgos de familia. Habré dicho en su lugar "operación tamices". ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno. C. de retórica. Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. en el ICI. Nueva York. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. (La asignación de una potencia a lo inanimado. Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. ARTE ABSTRACTO (HOY) . C. como invariante. mímesis. Japón. Galería Kravets-Wehby. como quien filtra el resplandor del mundo. no uno encontrado en la calle o en el desván. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. México. Como formas históricas. El provecho post mortem). como quién se aligera de habilidades. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". Borges y en Ruth Benzacar. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. Brasil. sino en la historia. Habré dicho "operación despojo".

Y lo que está en el centro es la luz. con los ojos entrecerrados. Pero ésta ya no concierne al tema). dorada. En las pantallas… en los cuadros. navegación. la directa. Barry Hills. la indolente. habré dicho “música”. Paul George. Restos de luz. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. Christine Taylor. transportes de luz. en Monserrat. Carlos M. con los ojos abiertos. Iam Mougy. orla de luz resplandeciente en una nube gris. el humo. la última. en las ventanas cuando atardece. rosa. Rick Boyce. Theresa Johnston. solar. Rob Sargent. Moldeando cúpulas. Vermeer. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. Lubomir Bourdev. Y también. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. Makiko Sashiki. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. anillos. Canaletto. Asako Yoshimura. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. Grace Ge. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. (Y sobrevolando las anteriores también. rayos. Lorrain… . Pierre Louveaux. la primera. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Dan Clarck. ¿De las influencias? Paul Asente. Takashi Morifusa. monumental. Jeff Bradley. mercurial. Darin Tomack. Leon Brown. flotando en una habitación. Dave Burkett. la que atraviesa la ola. Frank Guinan. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Karen Tanner. Dave Lazarony. en los árboles. John Moyer. con muchos. rodeándolo. íntima. Satoski Komiyama. Rocky Sloan. la vertical. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. Susan Gile. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. sobre cada hoja. dinteles. Ning-ju Nan. En todo caso. Ted Alspach. 111 . dispersa en el aire. Hiromi Watanabe. Michael Abbott. Colaboradores. estelas. Doug Musto. sideral. gris perla. distante en las colinas. Ambar. Lunar. carrocerías. en Castelar. Teri Pettit. Chris Scott. sanguínea. la pelusilla.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. Chardin. Icaza. pliegues de luz. en Dock Sud. la retirada en la penumbra. ¿Quiénes son? Creadores de soft. John Nash. sobre los rostros. Chris Quartetti. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. en los cursos de agua. “operación já já”. Tampoco hubo nunca una tensión interna. la reflejada. hielos. Steve Schiller. David Holloway. lo importante es lo que está en el centro.

Conforme pasa el tiempo me vacío. a la conformidad al yo. Jean Batiste Nadie. Mark Pawliger. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. que en otro momento lo fue casi todo y. paradójicamente. Silvia Todos. en algún momento no hubo arte en lo absoluto. Stephanie Schaefer. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. Del artista humilde -si no pudoroso. incluso a las manieras. parte del crédito. Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Sau Tam. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. parafraseando una frase de Rimbaud. incluso abstracto. que me dicen no existe. Una podrá decir que.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. supongo. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. y de ellos es. cuanto menos. luego casi nada o una pamplina. y luego un artista humilde. Mark Hamburg. Seetharaman Narayanan. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. 112 mencionar. Michael Nada. Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. sólo una forma del tiempo. Del artista orgulloso. etc. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). . Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico. les correspondería: Thomas Knoll. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso.provienen. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura.

A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor.SILVANA LACARRA Bragado. Marina Abramovich: cruda. su color. y en el Fondo Nacional de las Artes. su peso. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. Se sustrae de todo indicio representacional. Lo contrario a disimularlo. todas ellas. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. Centro Cultural Borges. As. Mondrian: potente. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. expuesta. frontal. postulando su completa autonomía. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. Richard Long: poético. resistencia. La fórmica es un material industrial. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad.. 1 / 2. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. 3. sensorial. contundente. inducen y provocan mi trabajo. sintético. 5. 113 . espesor. 4. sólido. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. rotundo. no hay pintura posible. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. Lo que busco es “exponerlo”. bestial. Características que. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. También Participó en diferentes muestras colectivas. Palais De Glace. ARTE ABSTRACTO (HOY) . El color de la fórmica es el color de la obra. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. concentrado. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. su falta de flexibilidad. Goethe Institut.

Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. liso y brillante. Ricardo Rojas. La pintura se aplica del lado de atrás. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). Fundador de “POP O H ART”. en muchas capas. letras de canciones o guiones para TV. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. 1. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. Expone a partir de 1991 en el C. 2. ICI. 1962 Técnico Químico. C. por ser puro. 3. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. es espectacularen. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. 4. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania.000. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. El resultado es más que magnífico. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. Pintor y escritor autodidacta. 114 . Galerías Gara. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. Residió en Nueva York y en Paraguay. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato.BENITO LAREN San Nicolás. Consulado Argentino en Nueva York. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo. Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. y así tengo todo el día para mirar TV. Uno de los pintores de mi adoración es Monet.

el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. 115 . en lo que se refiere a las predicciones. ARTE ABSTRACTO (HOY) . También me siento identificado con Cándido López. modestia a parte.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. Yo. recomendando las de manteca. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. sobre todo cuando como pizza. 5. ya que las de grasa enturbian las visiones. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar. Sí.

la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación.EMILIANO LÓPEZ Quilmes. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”.obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-. las referencias son una constante. 1. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico).Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. otra Virtual e ilusionista. La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. etc. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C.) . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Participó de varias muestras colectivas. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material. Borges. 116 2. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. Estudió con Luis A. C. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. Por otro lado. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad . en mis pinturas.

no hace falta nombrarlas. 4. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. 117 . éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala.Presente Futuro. Según la propuesta de la obra. más recientemente. ARTE ABSTRACTO (HOY) . A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. Llega a la esencia con elementos mínimos. La citas se ven en la obra. logra una unidad en la diversidad de su obra. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°. 3. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. Me convertí en una especie de fan de R. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar.Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. Una vez entelado y dada la base. por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. capaz de abarcar en una mirada: Pasado . Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó.

La vida no responde a leyes fijas. Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo.5. 118 . Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir.

Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. “Paintant Stories” en Colonia. 4. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. cicatrizar su corte. 2. integrando otros medios. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. expandiendo la abstracción. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades.FABIÁN MARCACCIO Rosario. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. 3. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. Pintar sí. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. 1963 Nacido en Argentina. pasando por lo informal hacia lo transformal. La raíz de mi trabajo es la abstracción. 1. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que . 119 5. La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. Fabián Marcaccio. Desde la pintura. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. Crear un pasaje más allá del collage.

Podría decir que toda representación es abstracción.. Creo que pintar siempre implica abstracción. Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). porque me interesa trabajar con el material como imagen. Subsidio para un proyecto multimedia. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. sino expandir miradas. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. viscosa. expandirse. para construir desde el color y la forma. Elijo la abstracción. No quiero dar al mundo basura. Movimiento centrípeto. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. la pantalla de la computadora. No considero que haya un límite entre un campo y el otro. 1. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. histórico. multiplicarse y generar resonancias. Los materiales traen su propio sentido de uso. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. . tal vez en diversos grados. al infinito. la escritura. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido. Y creo que siempre tiene reminiscencias. como pintar una casa.” Javiera Neral. La pintura es pastosa. social y sus referencias. como pintar una persona. que siempre se acumula. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. que es como pintar una línea. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. Residencias en centros de arte españoles... Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. pura materia. 2. Entonces. mover los brazos es intervenir en el espacio. (Fundación Antorchas).Pintar un paisaje es como pintar un objeto.. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. sucede.JULIA MASVERNAT Buenos Aires. y que toda abstracción es representativa. 1973 Diseñadora gráfica UBA. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. Juana de Arco y en Braga Menéndez. 120 . No la impongo. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) .

la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. En el diálogo con éste. intento proponer otro modo de relación con cada medio. los intersticios.lugar las cosas. otros sentidos. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. la escena final de la película Zabriskie Point. 121 . Y esto funciona como motor de la obra. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. En mi trabajo. otros lenguajes. los afiches callejeros. una percepción diferente a la habitual. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. las pinturas y esculturas de Tony Smith. el espacio alrededor. Los bordes de las cosas. Agrupaciones. los bordes del arte. sonido. etc. Ritmo. de Robert Morris. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. tanto en los objetos como en el campo digital. 3. constelaciones. combinaciones. en las pinturas de Roberto Aizenberg. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. luz. Formaciones centrífugas. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. la relación con el medio en “no-content. ARTE ABSTRACTO (HOY) . la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. 4. el silencio en los paisajes artificiales. de Brian Mackern. pesados y livianos a la vez. agrupamientos. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. de Michelangelo Antonioni. madera. los umbrales. el hormigón en los edificios.org”. por lo tanto. Descontextualizar y recontextualizar. Romper y reconstruir de otro modo. 5. las casas construidas con lo que se encuentra. Movimiento expansivo.

lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. 1. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. gallinas. Kandinsky. 2. California y Marvelli Gallery. lo fortuito.MARCELO POMBO Buenos Aires. Huarte). del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. Rojas. y si se quiere radical. la mayor seducción proviene de Japón. Para mí. Ruth Benzacar. Nueva York. Mondrian y Pollock me gustaron desde joven.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. Luego se suceden en el C. San Bernardino University. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. ya sea como resultado de la voluntad de invención. As. C. fotografía aérea. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. ICI (con M. Brasil. . cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. ómnibus. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). Fullerton Art Museum. Idea mucho más estimulante. 122 esenciales. microscopio electrónico y todo lo demás. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. V. Santa Monica. Participó de exposiciones colectivas en Argentina. que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. California. Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. R.

está el inmenso caudal de pinturas decorativas. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. a la superficie pulida de la ágata. épocas y fronteras naturales. que tanto me atrae. al muro de Sol Lewitt. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. Pero. 123 . Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. Hoy. una lista tan interminable como la opulencia del mundo. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. al diseño digital. 4. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. al ala de la mariposa. una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En fin.3. sin duda. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. entre las cosas que me inspiran. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. a la camisa estampada.

La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet.ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Museo Nacional de Bellas Artes (1998). 4. Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). Colombia. ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. Museo de Arte Moderno (2003). Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. 1997). 3. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. Según un tratado de pintura chino. Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. 1. de método. Centro Cultural Recoleta (2000). Turner: rumoroso. EEUU y Europa. Brasil. 1990). Ensor: anestorésico. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. 1993. . Por lo tanto. 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. 1995. Venezuela. Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). No pienso mi pintura como un “trabajo”. Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. 2. Museo Nacional de Bellas Artes (2005). 124 5. entonces. Ecuador. el artista no debe tomarse demasiado en serio. 1988. Costa Rica. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . Abstracción con la legitimidad de un único color. Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Carezco. Perú.

de la Vega. Costa Rica. en ese sentido no soy muy moderno. soporte etc. (en dos oportunidades). tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.). Francia y los EEUU. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. en el ICI de Buenos Aires. 1. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. Flaubert. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. creo. composición. Venezuela. contención emocional. No. Pero.PABLO SIQUIER Buenos Aires. en la FADU de la UBA. Me siento como un artista de posguerra. en las galerías Ruth Benzacar. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. con materia y gesto me digo. en realidad nunca pensé en ella. no sé. 3. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. materiales. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. Ay no. Ramis Barquet (Monterrey). Annina Nosei (Nueva York). Brasil. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. 125 . esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. mientras estoy así concentrado. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. no son adjetivos. Steely Dan gracia y aburrimiento. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. la palabra abstracción no me dice demasiado. Bueno no. Colombia. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. 4. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). en el Fondo Nacional de las Artes. que sea verdad. con envidia y tristeza. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. 5. que la construcción sea correcta. A mí el que me enseñó todo fue de la Vega.

Obtuvo una Mención Especial del Jurado. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. Becario Kuitca en la Fundación Proa. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. El grafito. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre.MARIANO VILELA Buenos Aires. 1. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. el dibujo. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. en este caso la pintura o. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. un papel o una tela sin textura. al tomar contacto con el arte. más precisamente. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . a fin de reducir la desproporción. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. en los últimos años. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. una entrega física considerable. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. Siempre fui un enamorado de las tautologías. en las que es posible verificar su formación.Torrejón. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. 2. implican un salto hacia la tridimensionalidad. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. Por lo tanto. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. Sin embargo. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. sin que deba entenderse a esta última como figuración. 126 . como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. a diferencia de las producciones que. hasta podría decirse primitivas. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. El corte forma parte del discurso”. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. F. Malevitch. 127 . y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. una intimidad. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa.3. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas. etc. Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. En su mayoría. la obra imaginada. todas son versiones y cada una un original absoluto. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. Albers. Robert Ryman por su sed de absoluto. Stella. J. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. 4. Lo táctil se sobrepone a lo cromático. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 5. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. Este terreno huérfano de certeza. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable.

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Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Marcaccio. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Laren. Prior. Dorr. Ballesteros. Cacchiarelli. Lacarra. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . De Volder. Masvernat. Pombo.Embajada de España Sr. Hasper. de Caro. Gumier Maier. Corujeira. de Sagastizábal. Guagnini. Gradowczyk. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. Bertone. López. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Artistas: Avello. Curador: Mario H. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. Siquier y Vilela. Kacero. Braga Menendez Arte Contemporáneo. Gutman. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. D. Burgos. Fotografiía: Oscar Balducci. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA.

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© 2005 Copyright de los textos: sus autores. 131 .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. . 11. abril/mayo de 2000. pág.

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