Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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ARTE ABSTRACTO (HOY) . Tulio de Sagastizábal. No es fácil. y las respuestas. aportaron respuestas. Eso es lo bueno de ser extranjero. al lado de tantos artistas. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. y a todo el equipo del CCEBA. pero tan endebles. Vivir en ese estado permanente de expectación. No nos podemos quejar. como siempre. ¡es cierto!. eso es lo bueno de este trabajo. de inseguridad. ya lo sabemos y. Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. de interrogar. de miradas que. ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. Ana Gallardo. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. siempre son polifónicas. un espacio geográfico. sin embargo. que la pregunta es generadora. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. de duda. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. existan o no. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. de dudar. de intuiciones. que la pregunta es necesaria. afortunadamente. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. de asombro. de aprender. de sorprenderse. 5 . también surgió de una duda. tan frágiles. músicos. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. La muestra que el CCEBA presenta hoy . Belén Gache. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. no es fácil y.

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es decir. Hasper. entre otros. Kacero y Siquier. Patricio Lóizaga3. paradojicamente. La noción de originalidad cae de su pedestal. y medios. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. Gradowczyk I. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. de los grandes eventos. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. que niega los logros de las vanguardias modernistas. Ballesteros. el pintar. ARTE ABSTRACTO (HOY) . resulta ser un tema abierto. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. prácticas. con el predominio de la globalización. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. de los medios. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. el vademecum es inmenso. casi inconmensurable. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. Frente a la presión actual del mercado. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. a la polémica Habermas-Lyotard. entre otros. del que se ha ocupado. o si. Cuatro artistas que participan de esta muestra. 7 . y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. del gigantismo. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo.ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. Se inventan nuevas definiciones.

6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. con chis teras cuadradas. sinuosidades. donde el arte abstracto para el instante t=hoy. Conos. que las neutralicen. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. Se limitan A triángulos rectángulos. Es decir. Si intentasen romboides. que caracterizan prácticas contemporáneas. se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. Polaridad que . como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. denominación tomada de la física5. por ejemplo. donde por resiliencia. por ejemplo. sus cruces. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. Mirando al techo. con el mórbido y austero sombrero castellano. más trasgresoras. sus anticipaciones en un recorrido temporal. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. mecanismos de “resiliencia”. integrado dentro de la sociedad.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. “fragilidad” y “resiliencia”. menos estrictas.

La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. las líneas de fuga. formular las siguientes preguntas adicionales. el acrílico. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. el uso del buscador Google. ante el título elegido para esta muestra. la acuarela. se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. símbolos. Le toca ahora al visitante recorrerla. telas. impresoras. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. no precisamente para contestarlas. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. por ejemplo. sin privilegiar una visión respecto de las otras. el grafito. y un tercer grupo. Algunos también incursionan en lo figurativo. fórmica. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. las interconexiones. aluminio. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. vidrio. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. en el plano de la cultura. y trasgresiones7. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. la tempera. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. videos. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. 9 . El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. Pero hay más. Cabría entonces. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. resina. fotografías. el intertexto. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). madera. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. cintas engomadas. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. papel.

el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. Como ejemplo. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. sería necesario. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. Esta afirmación. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. Filósofos. Además. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. para esta época. segundo. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. preparada por Cippolini. tercero. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. expresada en 1983. II. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que.sus artistas. más que lamentarse por lo que no fue. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. Según lo señalado por Andrew Benjamin. 10 . recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. su editor. a modo de justificación. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. Esto implicaría: primero. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. el que se traslada al quehacer contemporáneo. que artistas. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. Baer agrega. Este resurgimiento de la abstracción. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10.

mientras otros hacen cola para entrar. perdura porque establece una jerarquía inmutable. Destaco que Peter Richter. críticos. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. una ilusión o un puente filosófico. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. Barr (Jr. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. poder y prestigio. pintora norteamericana. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. compartida por muchos artistas contemporáneos. pese a las críticas recibidas16. los primeros abstractos. como ocurriera con la Documenta de Catherine David. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. acaso. Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. como señala Lydia Dona. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. Además. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). en muchos casos el texto y el discurso.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. transa con ellos o los esquiva. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. de diferencia y de ruptura”14. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. 11 . intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. utilizada como arma por los centros de poder. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores.

entre otros temas. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. los curadores-vedettes. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. creando un percepto llamado Impresionismo. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. Una artista canadiense. Jacoby e Inés Katzenstein. desarrollar su apetito emocional. La música popular. publicada en ramona (Nº 47. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. en muchos casos. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. no ya desde el sitial del juez que dictamina. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. noviembre 2004). como lo señala Deleuze. en un “francotirador”. Además. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. qué es lo que desean transmitir. actitud difícil de concebir. Joan Carol Urquhart. sino desde el banquillo del artista. por la acción del mercado. los marchantes. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. el cine. y con qué alimentarlo. 12 . realiza sus cruces. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. y esa falta de contacto lo convierte al artista. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. en un “resistente”. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. Allí el artista visual vive. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. el problema de la actualidad de la pintura. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”.

13 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 16 x 16 cm. (Montaje 30 x 30cm).Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. avisos de búsqueda de empleo y varios CD.

avisos de búsqueda de empleo y varios CD.1 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. 27 x 36. . (Medidas máximas).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 15 .Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. 40 x 40 cm.

16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 34 x 28 cm.

17 . 29 x 34.¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.5 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

5 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. 46 x 33. .

piso de goma. tela y papel sobre madera. 77. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. 19 .5 x 46 cm.

. 60 x 60 cm. 20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio. Colección privada.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

35 x 46 x 3 cm.Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 21 .

64 x 90 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel.

5 x 29 cm. 23 . 41.A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 90 cm. Colección privada. 24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel. .

Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. independientemente de los objetos que viste”22. III. el poeta escribía. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. Una década más tarde tarde. en lo fugitivo y en el infinito”. en lo ondulante. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. piensa en sí mismo. en el movimiento. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. 25 .percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas.

al tiempo que éste encuentra. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. una percepción aguda. el poseedor del “ojo”.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. en su muy citada conferencia de Jena. Más no podemos hacer”27. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. su obra y el receptor (y su devenir). se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. Empezamos en la Bauhaus. contenidos que ansía asimilar. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. La introducción del espacio imaginario de contemplación. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. Paul Klee. el receptor. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. por un lado. espectador advertido. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. esto es. en la obra. en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. En el caso de la pintura. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. Al final. ya que plantean un tema central que liga al artista. por el otro. Necesidad que se explica. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. mágica a fuerza de ingenuidad”23. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. 26 . Así. años más tarde. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . se ordenan. asimilador). Y si incluyo el devenir en esta consideración. visitante.

Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. El tiempo. galerías. como ocurre con las mega-exhibiciones. su devenir. espectador advertido. asimilador). Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. El aura del artefacto. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. ya que los diarios. que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. articulado sobre el eje temporal. así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. museos. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista.imaginativa del receptor. tienden a agruparse en torno de él”30. El artefacto producido por el artista. sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. por ejemplo. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. conferencias. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. simplificación que ignora otros factores (variables) claves. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. ARTE ABSTRACTO (HOY) . esto es. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. 27 . a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. el aura del artefacto. En consecuencia. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. Se trata de un espacio móvil. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados.

pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. Sin embargo. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. realizado a mano. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. en la cosa misma. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. en lo sucesivo. se trata de una operación doble. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. ubicado en un espacio físico predeterminado. por ejemplo. según el análisis de Georges Didi-Huberman. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. . con la libertad de un niño. el receptor. esto es.ARTE ABSTRACTO (HOY) . En ese caso particular. al ser mirado. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. libre de toda connotación subjetiva. su aura. Existen otras escalas temporales. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. “se adueña de nosotros”. la dimensión característica. Es que el objeto. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. libre de todo componente emocional. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. múltiple. Sobre la polaridad de esas miradas. lo concerniente a este nuevo artista. y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto.

y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. sino por haber contribuido al discurso estético. sueño. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. Klee. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). de tonos. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. Estamos en un caos iridiscente. 29 . divago”36. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. ARTE ABSTRACTO (HOY) . y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. y nada más: existe en sí”34. También Kandinsky. y en sus entrevistas. Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. un cerebro.IV. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. yo y mi pintura somos uno. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. Bacon. En ese momento. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. espacio de niebla informe”. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. de matices indecisos. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. se podría analizar la situación de conflicto. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. Y no sólo por sus pinturas. En su correspondencia con Emil Bernard. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. un mero ser de sensación”35. extraer un bloque de sensaciones. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. Me siento coloreado por los matices del infinito. Si se continua debajo de este paragüas.

el valor del vacío. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. Se trata de un sistema muy complejo. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. en realidad caóticos. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. En términos psicoanalíticos. de la personalidad. En otras palabras. la marca del gesto del pintor. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. Entre estos dos extremos: el caos total. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. hacerlo visible. es necesario poner en juego fuerzas41. aparecen en dos oportunidades. En términos espirituales. o de existencia. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. Segundo. el que tiende a volverse “informativo”. descontrolados. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . Para poder expresar las sensaciones. sino el de capturar estas fuerzas. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. 30 . en la que se manifiesta el contenido auréatico. Primero. lo fortuito”. En este contexto. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. se dibuja este esquema de la saga modernista. libre de toda referencia con el mundo exterior.

Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. o por líneas contínuas y figuras geométricas.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. sin interior o exterior. poblada de planos de colores uniformes. como toda enumeración. de rotación. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. sin interior o exterior. ARTE ABSTRACTO (HOY) . es necesariamente incompleta. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. entre otros. de corte y de tiempo”42. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. 31 . volcando sus afectos. para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. sobrepasan el canon modernista. navegan por otras aguas. en cada trazo. de capilaridad. por ejemplo: fuerzas de gravedad. de punzonamiento. En consecuencia. de explosión. Por otra parte. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. o por líneas que cambian constantemente de dirección. de plegado. si se examina la práctica contemporánea. de germinación. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. sin forma o fondo. artistas como Gerhard Richter. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. de expansión. químicas. con la legitimidad de un único color.

Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. es decir. por ejemplo. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. además. ARTE ABSTRACTO (HOY) . por ejemplo. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. como diría Klee. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. el rótulo. alcanzar una materialización que transmita. todo devenir descansa en el movimiento. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. los artistas hoy utilizan. 32 . ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. darle vida a esas formas.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Ya que de no ser así. Es que. Parafraseando a Virginia Woolf. la enseñanza. esas sensaciones. La obra de arte es ante nada génesis. a esas líneas. en forma efectiva. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. a esos planos. la obra de arte no valdría nada. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. es deber de cada artista saturar el átomo46. Algunos desarrollan. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. El artista crea bloques de perceptos y afectos. como el dios Moloc. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. Este es el gran desafío. a esas figuras. En este sentido. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. obliga a muchos artistas a instrumentar. por ejemplo. son imanentes al acto de la creación. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo.

si se desea. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. sin cercos ni alambrados. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. exhiben alto grado de gestualidad. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. donde no existen direcciones preestablecidas. donde convivan. Pombo o Marina de Caro. desiertos). como lo remarcara Barnett Newman47. ¿Y los trabajos de Siquier. homogéneos. que también realizan paisajes y trabajos figurales. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . al juego de fuerzas puesto en juego. Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). Además. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. abiertos. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. el que responde a afinidades estilísticas. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. sin estridencias. sus obras y el visitante interesado (receptor. Por otra parte. Esto daría lugar. 33 . Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. en lo posible. Marcaccio.V. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. Sugiero recorrer las salas lentamente. como ocurre con Prior. indiferenciados. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento.

Harte y Pombo están ahí. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Kuitca.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. realiza “clips”. Por su parte. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. Se trata de un arte auréatico. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. esta reescritura. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. remarcan este acto de repetición y de diferencia. disponibles cuando se le cruzan. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). es decir. escribe libretos y letras de canciones. según sus propias afirmaciones. Por ejemplo. en uno de sus trabajos. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. No es casual que Laren se interese por Xul Solar. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. Luis Benedit. dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. los une esa capacidad . situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Si se desea descartar su sentido negativo. las cosas de Cándido López. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. Perversa paradoja.

No escapará al visitante que Laren. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). descree de la abstracción como fenómeno filosófico. 126. y resuelve el problema plástico en el plano real. 35 . una intimidad” que él reclama en su cuestionario. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. su humor sorprende. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. homenajea a Víctor Vasarely. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. montada luego sobre una hoja de aluminio. en este caso el vidrio actúa como soporte. La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. En otras palabras. ensaya una suerte de parodia posmoderna. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. Como los concretos. y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. distinción propuesta por Alois Riegl. Laren no dibuja. ARTE ABSTRACTO (HOY) . • Vilela. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. sus obras son objetos. cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. podría decirse. agita y perturba. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. procedimiento que explica en la pág. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella.

desde su encierro voluntario. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. como el caucho. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. que en ocasiones flexiona. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. a veces perturbadores. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. Strezminski. Esteban Lisa. De esto trata la obra de Carla Bertone. Torres-García. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. gestuales. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. 36 . Arp. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. o “telgopor”. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. • Nicolás Guagnini. entre otros. Kenneth Kemble y Luis Wells. algunas veces denominados formas planas. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. Al tiempo que extiende el campo. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). Schwitters. realizados por artistas tan diversos como Picasso. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas.• Los relieves. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. amorfos. la pared. Tatlin. los Madís. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. y destinados a una visión frontal. el título adoptado por Guagnini la refuerza. realizada con chapa de fibrofácil. y que culmina. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. ARTE ABSTRACTO (HOY) . compartido por otros artistas invitados. después de la segunda guerra mundial. ameboidal. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación.

37 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 100 cm.Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel.

7 x 66.2 cm. 101. 38 Ensayo para tricolor. nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) . .

7 x 66. 39 . 101.2 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Ensayo para tricolor. nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.

. 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 x 60 cm.

30 x 40 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela. 41 .

. 20 x 20 cm. Colección Delmiro Méndez e hijo S.A.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela.

Colección Orly Benzacar. 43 .Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 20 x 20 x 5 cm.

44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela. 140 x 200 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . .

Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 45 .

110 x 180 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . telas e hilos sobre tela. 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela. Colección privada. 47 . 150 x 170 cm.

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . medidas variables. 48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón.

la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . Las pinturas de Prior. o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. De dilatada trayectoria. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. fragmentos. 49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. responden a esa espacialidad táctil. en series. En cambio. Como si fuera una travesura. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. surcadas por líneas caóticas. el carácter táctil de sus pinturas. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. Abstracto o figurativo. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. y luego enderezadas. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. realizadas bajo influencia hindú. o en escalas casi microscópicas. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. Que el arte también es juego.• Se examina primero la obra de Prior. y Prior trabaja en esa dirección. pocas veces geométrico. que Prior dibuja con leve traza. entre otros. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. que él perturba. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. ya había sido anunciado por Baudelaire. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. a estas obras. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. telas sostenidas por elementos tridimensionales. su práctica no exhibe fronteras discernibles. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. Sus superficies rugosas. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro.

Los materiales utilizados por el artista. cortes. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. figuras. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. incrustaciones. él expande los límites modernistas. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. No tengo miedo de hacer cambios. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. telas impresas. tal como el propio artista apunta en su texto. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. acumulaciones. destruir la imagen. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. vaciados. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. gel. impresoras de gran tamaño. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . etc. según el relato de Balzac.. y está en fase con el deseo de Marcaccio.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. tiempo y costo. una tabla horizontal. como lo hace Pablo Siquier. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. se ha propuesto ir más allá. líneas que se pierden. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. tela. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. símbolos y signos. fragmentado y contaminado. óleo. lineas. realizando luego las tareas de impresión en extramuros. Por otra parte. 50 . Es que Marcaccio. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. no soy consciente de lo que estoy haciendo. quiebres. Yo intento dejarla que aparezca”. porque la pintura tiene vida propia. capacidad de almacenamiento. la pared o el piso.

es la definición que propone Marina de Caro. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. como recorte de la realidad. Uno podría estar tentado a preguntarse. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. Más conocida por sus esculturas flexibles. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. jugetonas. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. y crear una imagen”l. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría. trabajadas en tela. 51 . influído quizá por el solitario paisaje castellano. se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden.ritmo. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. pero no menos efectivas. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. en la nada de un tela o un papel en blanco. Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. • “Abstracción. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. Se inspira en las fuentes precolombinas. Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. sus fortalezas devienen palimpestos.

la pintura de campos. Creo que la respuesta es otra. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. proceso que él describe en la pág. ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura.por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. una bajada a tierra donde. Registra escrupulosamente ambas cantidades. Graciela Hasper. es decir una pintura sin centros de interés. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. 86. según el artista norteamericano “El plano es.. • Ballesteros traza líneas con lápiz. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución. a la prueba y error. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. los planos monocromos. para volver a empezar. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. no resulta necesario incluirlos en la representación.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. un campo liso monocromo. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. tal como ella lo apunta en su texto. En este caso. al gesto exacerbado. muchas veces de dirección caótica. Marcelo Pombo. 52 . como lo muestran Ernesto Ballesteros. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. Las imágenes de los que juegan están ausentes. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. caos o miasma. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego.. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. en un punto. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. Beto De Volder y Emiliano López. Pablo Siquier.

para que puedan concretar esas aspiraciones. blancos y celestes. 53 . analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . Este fenómeno. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. • Para analizar las obras de Sergio Avello. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. telas. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. adquiere espacialidad arquitectónica. plantas. Mondrian. que es registrado por el ojo del observador. y Pollock. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. con sus escorzos de formas espaciales. Sus referencias a Kandinsky. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. hilos. y marcas que se repiten una y otra vez. Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. Prior. Los minúsculos excedentes de la pintura. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. limitadas previamente por un encintado. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. Marcaccio. Siquier y otros más. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. el hacer artesanal.que puede ser expandida en todas las direcciones. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. dentro de un grupo más amplio. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”.

ya que lo que pinta son “sombras”. controladora. se ha transformado en la pantalla de una computadora. expectantes. pero para quien las observa desde el cielo. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. De pronto. produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. el desierto. los sombreados perfectos. Solo que en este último caso el cartón o la tela. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. La variable tiempo t juega un papel crucial. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. lo que muestra una lógica racional. por su parte. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. planos de antiguas fortalezas. a la manera de artistas tan diversos como Popova. líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. Siquier entrampa sus ensoñaciones. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. y se repiten. jardines desarmados. Jawlenski y Esteban Lisa. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . 54 . utilizado como plano de composición. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. Es difícil precisarlos. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. se percibe la existencia de otros mundos. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. • Pablo Siquier. de sus diseños. Por su parte.

andamios o encofrados que nunca serán construídos. tragedia. 55 . librarse de la mecánica minimalista. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. amplificadas varias veces. porque así percibo a sus arabescos. sobre sí mismo. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. Actos peligrosos. a gozar con ella. reinterpretarla. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. si se desea. forma parte de contemporaneidad. muerte. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. a la manera de una Agnes Martin. Por otra parte. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. aprender a convivir y. esas extrañas formas onduladas planas poseen. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En trabajos más recientes.insistencia de los cantos de sirenas. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. La estética del “kitsch”. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. violentos. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. hay que cooptarla. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. que se ejercen más que sobre la propia obra. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. según su autor. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil.

Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. Sus bordes son rectos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra.• Lucio Dorr. la presencia de la maciza y espléndida mesa. insiste en trabajar el vidrio como soporte. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. las tardes de verano. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. titulados (1-0) y (0-1). Sin embargo. encastrados a la perfección. eclipses. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. por su parte. que él visualiza como coronas mortuorias. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. como lo sugieren sus títulos. Pero hay más. Son formas ascéticas. de colores negro y marrón oscuro. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. el erotismo. con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. en suma. una metafísica de la voluptuosidad. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). el arte puede contener un bacilo perturbador. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. pero también es juego. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces.

aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. que lleva a imaginarla. Como antes lo hicieran los Madís. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. como los juguetes de Torres-García. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. como el de De Volder. distiende y amortigua. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. Si el observador voltea la cabeza. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. al artefacto expuesto. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. 57 . como fetos pretéritos. según la voluntad del observador. contenedora. en algunas obras. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. admiten total libertad. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. ARTE ABSTRACTO (HOY) . concretas. un juego sobre lo real absoluto. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. una cosmovisión. o en vena metafórica. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. sobre un soporte horizontal. con formas estáticas. mejor dicho. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. nudos que habrá que desatar algún día. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo.uso de la añeja simetría especular. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. Se trata de asociarlo. Este artefacto. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. es una obra con posibilidades visuales infinitas. • De Volder parte del dibujo. verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. son lo que son”. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. ya sea como una galaxia ensoñadora.

esa visión utópica epitomizada por Mondrian. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. a veces con cierta dosis de cinismo. Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. en otras palabras. y también desean. están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. ya que se la podrá apreciar lateralmente. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. Cuarto. como aquellos maestros. VI. Tercero. desde ángulos diferentes. El observador podrá construir. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. Segundo. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. 58 . “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. una combinación de geometrías imposibles.• Por último. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. según lo explica Deleuze. instrumentan mecanismos que las neutralicen. Por el contrario. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. Primero. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . en su imaginación. Pero las diferencias son sustanciales. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. Así se extiende el ángulo de visión del observador. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. en escorzo.

se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. es decir. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. no se advierten referencias directas. o la polémica entre Berni y Pettoruti. pero salvo en las obras de Gutman. si se entra en consideraciones moleculares. Este sector “ilustrado” no se propone. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. esta relación está cambiando. Ya la modernidad. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. microcósmicas. es un eco que se acalla. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. El ser artista deviene en una profesión liberal más. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. Por otra parte. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. Guagnini. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista.consumo. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. 59 . modificar su propia estructura de clase. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. con ello. como apunta Clement Greenberg. Si los artistas de la vanguardia. 104). y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. Por su parte.

Mantienen viva su creatividad. 11. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. La melancolía y la nostalgia están ausentes. Fredric Jameson. su visión crítica. Hal Foster. Extractos de un boceto. 2. Cippolini. p. Buenos Aires. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. Parafaseando a Klee. 143. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. Pero lo que logran no es poco. 1998. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. arte. NOTAS 1. Emecé. Pero algunos evitan dar respuestas. New York. The New Press. ibidem. p. 3. “más no pueden hacer”.Essays on Posmodern Culture. 5. abril/mayo de 2000. versión tomada de R. firmado por Ernesto Ballesteros. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. 503. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. Manifiestos argentinos. “Introduction”. 4. p. editado por Hal Foster. publicado en The Anti-Aesthetic. 2003. Nº 1. Fabio Kacero y Pablo Siquier. su resistencia. medios. “Postmodernism and Consumer Society”. Políticas de lo visual. 2000. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. Último manifiesto argentino del siglo XX”. “El imperio del cinismo. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. No se nutren de ensueños. . p. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). xiii. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 60 Adriana Hidalgo Editora.de un proyecto de emancipación social?59. conviviendo con ella. su capacidad de resiliencia. “Manifiesto frágil. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. Democracia. Publicado originariamente en la revista ramona. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. Graciela Hasper. Buenos Aires.

50 x 50 x 1 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. 61 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

medidas variables. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. 65 .

66 1-0. 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 30 x 30 x 3. 1999 (rojo) y 0-1.4 cm. . (Par de obras que funcionan como una sola).

Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. 67 . (Par de obras que funcionan como una sola). ARTE ABSTRACTO (HOY) . 55 x 35 x 14 cm.

68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. 100 x 100 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . .

100 x 100 cm. (otra disposición). 69 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada.

. Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. parvex. gomaespuma. (instalación). telas. plásticos. 66.4 x 133 x 16 cm. 70 “E.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

71 .“E. telas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. parvex. (otra disposición). 66.4 x 133 x 16 cm. gomaespuma. plásticos.

5 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela. 35 x 35 x 3. .

185-211. 1936. pp. pp. Cubism and Abstract Art. Valencia. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. Nº 71. 136-37. una mirada desde el Sur. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. New York. Buenos Aires. ellipses—/. año 7. for example. New York. 11. 7. Stedelijk Museum. January 1937. reimpreso en Curiosités esthétiques. (M. Alfred H. Nº 28. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr.6. New York. op. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. Lausanne. .) 8. Generalidad Valenciana y Telefónica. “Six Significant Landscapes”. / Think. Madrid. p. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). Por su parte. Andrew Benjamin. “Reluctance. ibídem. 12. septiembre-octubre 2002. Mondrian y Torres-García. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Éditions del’oeil. 73 . Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. reproducido en Jo Baer. 10. Revista Archivos del Presente. pp. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. October 1983. reimpreso en M. 1999. Jo Baer. cit. Art in America. 1985. 1 N 1. 15. Ver Le peintre de la vie moderne. 14. p. 10). Nº 26. Schapiro. in square rooms.. Nº 5. 90-91. editado por F. Museum of Modern Art. Frascina. waving lines. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. Amsterdam. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. Schapiro. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. un mundo construido. Paintings 1960-1998. 7. London.As. George Braziller. Marxist Quarterly. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation./ They confine themselves/ If they tried rhomboids.” vol. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. Harper & Row. 1995. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. wearing square hats. pp. Lydia Dona. p./ Cones. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. Revista ramona. Gradowczyk y Nelly Perazzo). / Looking at the ceiling. Museo Colecciones ICO. 2002. Wallace Stevens. 410. 1979. The Critical Debate. 94. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. p. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. Journal of Philosophy and the Visual Arts. 9. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. Barr. “Abstraction. 77-98. Ambivalence and the Infra-Language”. “The Nature of Abstract Art. p. 16. 13. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. Selected Papers. a la que le sigue “Esteban Lisa. 1956. 18. Academy Group. “I am not an abstract artist”. / Looking at the floor. Modern Art: 19 and 20th Centuries. H.

S. Doran. 1855 Beaux-Arts.…t) 30.. On Modern Art. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. p. publicado en Barnett Newman.28. Cambridge University Press.17. 95. Conversations avec Cézanne. Chicago. Deleuze y F. 1997. Paris. publicado en Critical Terms for Art History. 55. p. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. Un caso emblemático es el Franz Kafka. Sur quelques thèmes baudelairiens. por Roberto Jacoby. 23. Conversations avec Cézanne. 36. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso.. NR 47. “Salon de 1846”. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra.z. Anagrama. 27. Farber and Farber. Para el caso de una escultura. 37. 1956. 28. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. Chicago University Press. “Un arte de los medios de comunicación”. Dee Reynolds. p. Guattari. On Modern Art. . 41. Una función implicita es de la forma f (x. 112.z…t)= 0. ¿Qué es la filosofía?. 31. 1993. Conversations avec Cézanne. … t son variables independientes. 26. Baudelaire. ibidem. P. Buenos Aires. Barnett Newman. 25. C. p. el escritor Max Brod. 1989. 11. cit. En general. pionero del arte abstracto. Paul Klee. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. publicó El proceso y America. 1966-87. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. editado por John P. . Macula. editada por P. Cippolini. 35. Lo que vemos. Benjamin. 220. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. donde x. 114. lo que nos mira. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. “Simulacrum”.y. Nelson y R. Baudelaire. W. 20. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Taurus. p. Manifiestos argentinos. 1995. p. Selected Writings and Interviews. y. 127. Discursos interrumpidos I. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. p. 24. p. 18. Shiff. 33. Sonntagszeitung. “The Plasmic Image” (1945). 26. Buenos Aires. 1978. Fue su albacea. pág. 1966. 1997. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. 412. Eduardo Costa y Raúl Escari. Éditions de l’Oeil.. 29. Walter Benjamin. z. p. Symbolist aesthetics and early abstract art. Véase R. Cambridge. M. 21 de noviembre de 2004. p. p. 22. p. Charles Baudelaire. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. ibídem. op. Sites of imaginary space. London. 74 32. Frankfurter Allgemeine. G. avec Claire Parnet” (1996). Lausanne. Barcelona. 338. Manantial. Buenos Aires. p. tomado de Georges Didi-Huberman. cit. reimpreso en Curiosités esthétiques. ibídem. 21. op. cit. “Exposition Universelle”. 34. y publicado por primera vez en 1967. editado por R. 165. 19. Michael Camille. Klee. op. C. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. tomado de Internet.

200. Capitalismo y esquizofrenia. p. Berkeley. hors série Gilles Deleuze 2. Apropiación: (Del latín appropiare). Alfredo Prior. Bielefeld. p. editada por John P. 4. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. p.O’Neill. haciéndose dueño de ello. Éditions de la Différence. Hacer propio de alguno cualquier cosa. New York University. Valencia. H. M. The Hayward Gallery. pp. 46. Martin Hentschel. p. cit. 54. “Color in Abstract Painting”. 21 a. publicado en Sanford Wurmfeld. Gradowczyk. revista Concepts. Mil Mesetas. 44. p. Kerber Verlag. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Gradowczyk. Mons. 39. 52. Barnett Newman Selected Writings and Interviews. Citado por Deleuze y Guattari. (Tomado del Diccionario de la lengua española.55 metros de diámetro. Tulio de Sagastizábal. p. 42. 178. 55. Sils Maria Éditions. G. figurado. 40. Guattari.. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. 2003 (inédito). 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. p. Amsterdam. Tomado de Michael FitzGerald. 1989. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1998.169. 1992. 3. 43. 1988. 41. 324. Pablo Picasso. pp. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. 2001. The Artist’s Studio. 50. University of California Press. “Hybrid Networks”. 64. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Deleuze y F. 2000. Ibídem. Antiguo: asemejar. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. 2000. en Color for Science. Gradowczyk. H. Picasso. 45. University of California Press. H. H. edición. Bélgica. Wurmfeld. p. editado por K. 88. Michael Fehr. ¿Qué es la filosofía?. M. Deleuze. 49. Art in Latin America: the Modern Era. 185. 1820-1980. October 2003. 39. p. M. Tomar para sí alguna cosa. cit. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. 27 de marzo de 1963. 1981 (reimpreso en 1996). Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. 1992). 146-169. Neuer Folkwang Verlag. op. Logique de la sensation. Yale University Press. 5. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. 22-23. Francis Bacon. . Cyclorama 2000. 47. p.60 metros del suelo una longitud de 26. Berkeley. por lo común de propia autoridad. cit. 8-28. O’Neill. 53. Pretextos. “You have to want to see!”. Paris. op. Tomado de Dawn Ades. Hungría y Escocia. Elsevier. catálogo de la exposición. 1991. New Haven y Londres. 38. M. 2. Madrid. G. Gradowczyk. Gumier Maier. op. 48. p. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. Art and Technology. 140. Nas sau.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. S. London. 38-39 51.

The Collected Essays and Criticism. The collected Writings of Piet Mondrian. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). 1993. Thierry de Duve. reimpreso en Clement Greenberg. James. S. Clement Greenberg. MIT press. Tomado del capítulo 8 del libro de T. de Duve. Revista Acto. Da Capo. 2001. Perceptions and Judgements. 278 58.56. 1988. P. Kant after Duchamp.p. 2004. Buenos Aires. Chicago University Presss. 57. 1939-1944. 59. Vol. editado por H. Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). “Arqueología de la modernidad práctica”. Chicago. Mondrian. “Avant-garde and Kitsch” (1939). p. ARTE ABSTRACTO (HOY) . España. editado por John O’Brian. tomado de The New Art-The New Life. 1996. Holtzman y M. 11. Cambridge. New York. I. Silvana Lacarra. 76 . Fondo Nacional de las Artes.

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en sí de la obra. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. limpidez sin historia. fragmentos. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. Abstracción.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. ARTE ABSTRACTO (HOY) . conciencia de la materialidad de lo real. despojamiento de toda significación extravisual. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. humor. símbolos. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. intersticios. marcas. Así. hito donde se respira la libertad en un presente. nuevo salón abstracto con estos invitados que. Los testimonios. poesía. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. fondos. manchas. en contraposición al orbe de la representación. fundación de una nueva categoría sensible. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. dentro de un campo ya centenario. 79 . al responder cinco preguntas con seriedad. por su presentación. diseños. programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. desparpajo. instalación en un ideal universo cerrado. desafío. irritación o compromiso.

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Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. motivaciones. ARTE ABSTRACTO (HOY) . pensamientos. símbolos. 81 . materiales). Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas.. de modo que. sin. tamaño. citas. estados de ánimo. 3.. Adjetívelos. tema.. a partir de este guión: Abstracción... 5. soporte. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. referencias. tecnología. caligrafía.CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. Cite a tres artistas que lo nutran. ciencias. para. colores.... 4. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra.

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Brasil). Con colores. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. Que sensación genial. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). Unas tramas de telas. 2. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. Sí. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. Un riel. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza.SERGIO AVELLO Mar del Plata. en mi niñez fui figurativo. En ese momento yo era figurativo. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). 1. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo. Es así. 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. Dabbah-Torrejón (SEMANA). Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. circulitos. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. Sé que puede sonar a mariconada. A veces no las hice porque se me acabó la tela. ARTE ABSTRACTO (HOY) .También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. Una caja de colores. Como decir: que buen atardecer. Dibujé un perro atado a un pino. C. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. 83 . Pero no lo es. total. Pero a la punta del pino. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas.

me cambia tanto el ánimo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . la imaginación te lleva mucho más allá. El nombre de los colores. “Me pone tan contento pintar un cuadro. Hubo una época en la que dejé de pintar. O lo presento en un lugar que no es el convencional. Me disparan. Tengo una predilección por todos los colores. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. el camino contrario. Una chica me dijo que era una perversión. Como si lo último fuera una perla. 3. O no voy a la mejor galería.up. Verde sapo. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. Esa perla es el humor. Sí: de per versus. Lo mínimo es máximo. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. Un cachito de cielo o de vegetal. 84 . la vida me parece tan genial”.Si no le ponés nada. Hacía make . Los nombres de los óleos son bárbaros. Tengo que seguir. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Lo mío es un mínimo preciosista. Hago algo para distraer ese minimal. Los materiales siempre aparecen. Todo es parte del mismo proceso. Siempre fui el perverso. Un minimal italianizado. Cada uno tiene su genialidad. Tengo algo preciosista en mi despojamiento.

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. cualquier representación es siempre una abstracción. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. el instante de la duda (qué. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. desde que comencé a pintar. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. 2. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. Participa en diversos premios y muestras colectivas. ¿Crear? Sí siempre abstracción. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. No trabajo con temas. y lo abandoné hace tres años más o menos. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. 88 .CARLA BERTONE Buenos Aires.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. cómo. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. De todas formas. 1. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra. por qué. etc. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. para qué). y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea.

lo que es no se ve y lo que se dice no se toca. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos.admiro y disfruto. 4. también placentera. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. . La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. Es necesario saber qué es. Henri Matisse: sutil. también sus momentos sutiles. me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). Es precisa. en qué condiciones. 3. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. etéreo. contundente. simple. color y textura de las diversas piezas. para que luego pueda ser otra cosa. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra.. ser mutable . Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. es ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. un concepto. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. un objeto.flexible . inteligente.transformable. etc. Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. sabio. 5. un suceso. Definir para extender los límites de lo que es. delicado. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. cómo es. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. poética. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). las superficies y el volumen. delicioso.

seguidas por otras en el C. y éstos son siempre formas geométricas. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . C. C. una gran película. Annina Nosei Gallery. Y. “sólo la verdad es bella”. 90 . Sobre el tema o contenido de las obras. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. triángulos. En cuanto a si siempre abstracción.FABIÁN BURGOS Buenos Aires. etc. C. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. Nueva York y Dabbah-Torrejón. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. 2. Recoleta. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. México. círculos. una hermosa escultura. copiando naturalezas muertas. Fundación Antorchas. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. 1. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. Participó de muestras colectivas en Argentina. llegar a la abstracción a partir de la figuración. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. Rojas. decía el poeta. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. es decir. rectángulos. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. EEUU y Francia. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición.

4. J.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. 5. bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. en especial a Malevitch. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. Jesús Soto. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual. la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. 91 .Godard. aunque las definiciones siempre limitan. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. sin embargo. De todos modos. 3. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional. Son: Policastro. Con la pintura sucede lo mismo. sus caracteristicas y particularidades. incluso en retrospectiva.L.

. la arquitectura. C. etc. obsesión y repetición. Seriación. Universidad del Salvador.. Series de distintos espacios. que devienen en: orden. las experiencias de forma abstracta. número. también hago fotografía. C. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. monocromos y policromos. acero. los aspectos geométricos de una ciudad. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. lienzo. y el tercer premio de pintura. Bahía Blanca. Recoleta. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. secuencias que se mezclan. Siempre me sentí atraída por los planos. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. a veces. para documentar esas imágenes. entre otros. 92 . las sensaciones. aluminio y acrílico. A través del juego construyo recorridos. 2001. Bienal de arte de Bahía Blanca. creo que puedo mostrar las emociones. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas. son imágenes abstractas.). Pinto porque es mi modo de expresión. 1. cuadrículas.. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. cuadriculas. puntos. mención especial del jurado. son “más” o “menos” complejas. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. tramas y series. Sala Caja de Extremadura (Cáceres. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. ARTE ABSTRACTO (HOY) . a partir de los que voy armando mis pinturas. son componentes que se reflejan en mi labor. tramas. planos. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. Museo de Arte Contemporáneo. 2. España) y diversas muestras colectivas... De todos modos. cantidad. no tengo otro que no sea éste. elementos que han influido mucho en mi pintura y. Me interesa más hacer algo estético. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. trayectos. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. Me siento cómoda en ese campo. las cosas dramáticas me las guardo para mí. siempre parto de la vida real. En mi trabajo no hay representación figurativa.

Está el cuadrado y lo intervengo. le sumo otros elementos. un sistema narrativo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 93 . movimientos. que es la forma perfecta. una saga. Distintas formas de organización. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. a la vez. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. un sistema de pensamiento. se trata siempre con él y dentro de él. cambios. más simple.. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas. episodios que cuentan mi relación con la pintura. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados. distintos elementos que van contando nuevos episodios. el cuadro es. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad.3. en sí mismo. algo así. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio. Con el cuadrado. Abstracción. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. Kasimir Malevitch. No hay nada más intenso y. Ross Bleckner. 4. Jonathan Lasker.. 5. inquietudes que logran romper la estabilidad... las tramas. un sistema narrativo..

El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. En su última conferencia. la repetición infinita de un gesto. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. toda vez que acaba. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. Ha participado en numerosas muestras colectivas. Juan Martín (México D. Radicado en Madrid desde 1991.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. lo cierto ya no está. lo que se ve no es lo que se ve. entre otras. 94 . El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. (Madrid) y el 1er. Premio de Pintura Todisa. Praxis de Buenos Aires. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. lo que permanece y se dilata. F. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. el ojo ha sido desplazado. ¿y si partimos de considerar la pintura. sin por qué. una acción como cualquier otra? una elección accidental. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. Warum: “la rosa es sin por qué. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. de la mirada diría. no se inquieta por ella misma. florece porque florece. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas. no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. establece una distancia que creo quiero salvar. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. es decir.). 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. aquello otro sin nada de mi. Muestras en Galerías Centoira. 1. Van Riel. En esa huida de lo puramente plástico. ¿Por qué entonces.

En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. Así. trata de impedir la quietud en los ojos. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. dale sombra” Estas palabras de P. Celan. se manifiesta. Salah Stétié. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . El espacio de mis pinturas. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad.2. otro tránsito: de la observación a la experiencia. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. Así. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. Es cierto que los temas abundan y me rodean. surge así una conducta de negación. Leer sobre él. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. “Habla. llenas de un temblor necesario. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. 95 . el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. Una vez más. siempre antes del acto de pintar. 3. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. Grippo en el Malba. 4. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”. *En la reciente exposición retrospectiva de V. La poesía de P. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. Las piezas de piano de C. Pienso ahora en R. La obra de B. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes. de una manera brusca. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. Nancarrow casi mecánicas o las de J. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. complejidades.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. Celan en su lenguaje casi quebrado. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. También la música de Scelsi. . promete un sueño. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Las sedas de B. con este grado de relaciones. Cage para piano de juguete y orquesta.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. 96 5. Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. Creo que lo que más me nutre no es un artista. El atlas de G. Knoebel. más bien las redes que se establecen entre sus obras.

El encuentro. C. Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . El hilado y el tiempo. Un hilo se teje. Texto tejido. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción. El tejido construye un espacio. Hilo: principio y final. una geometría y un imaginario. 2. La obra textil. programa de cooperación y confrontación entre artistas. Tejido de punto. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. 1. La línea sólo tiene existencia en la hoja. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Tejido plano: Trama y urdimbre. entre otros). Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. hacerla realidad. sucesión continua. dos hilos entrecruzados. El tejido y la memoria. serie. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. Todo lo que sucede en el plano. Un ovillo de hilado. La textil carga con la idea de no-permanencia. 97 . Una idea. El acto repetido como mantra. Podríamos hablar también de pintura sobre papel.MARINA DE CARO Mar del Plata. C. El textil y el cuerpo receptores de cambios. F. Borges. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Un dibujo. pero de cualquier manera no es mi caso. de lo efímero y de desgaste en su uso. galeria Gara y Alberto Sendros. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. Klemm. Una máquina de tejer. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama. Lele de Troya. de fragilidad. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. permeables y de memoria inmediata.

El dibujo es una manera de constatar las ideas. doblarlas y guardarlas. 3. Abstracción como recorte de la realidad. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo.al espectador un acercamiento a la obra. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. de buscar nuevas situaciones en la obra. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. formas livianas frágiles. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. es mi forma de pensar y proyectar como artista. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. simplemente me siento y tejo. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. tengo varios mecanismos. comportamiento. Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. no es contemplativo. en ese caso. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. Issey Myake y otros tantos. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. 4. . Para la realización en tejido de las obras. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. un encuadre personal. Una posibilidad es desglosar un dibujo. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. hecho de manera espontánea. 98 5. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. antes que nada es mi amiga.

a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. pues cambio mucho de dirección. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. Participo de la Beca Kuitca. Dibujo y pinto. como no lo es lo que se consume. De las prefiguraciones y las tentativas. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. o dibujo. Luis F. ferias y eventos internacionales. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. Galería Sara Garcia Uriburu. cuando estoy pintando. lo común no es la forma narrativa. sobre tela y papel. nacen de allí. y es inevitable. el temor. y tapo todo y vuelvo a rehacer. Noé y Roberto Páez. y muchas otras cosas. de los deslizamientos y las anticipaciones. como lo abstracto. 1. si dibujara. pero lo hago como .Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. lo otro. Por eso quizás. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. Lo inagotable. una experiencia imprevista. antes de darse a conocer a los demás. y menos importante. como si fuera conociéndose a sí misma. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. y más lentamente. bien mirado.As. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). Ha participado en diversas bienales. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. lo común son la necesidad y el deseo. que son comunes antes de describirse en formas. probablemente. esas son experiencias particulares. pero siempre estoy pintando en realidad. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. Es magia. sobre tela en gran tamaño. De lo imprevisto. Rubbers y con Diana Lowenstein. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . pues dibujo con pinceles. Y pinto. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. de lo que se comparte. 99 2. Muestras individuales en el Museo de A. Contemporáneo de B. la pintura.

Todos descubrimos alguna vez que. y no desaparecer en la aridez del mundo. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. . Y de Philip Guston. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. para el que relata particularmente. y nos animan a continuar sin saber. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. 5. vivir es vivir para contarlo. otras. 3. en la nada de un tela o un papel en blanco. Todo saber aburre y se revela escaso. Así. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. tan sorprendentes cuando las conocí. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. ni pretende ser imagen de uno mismo. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. Que no pretende ser imagen del mundo. ser un pintor abstracto es ante todo. Siguiendo la línea del entusiasmo.que sea así. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. ser un pintor. 4. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. como para Scherezade. Tiempo después. y crear una imagen. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) . está en el cómo. su propio melancólico conocimiento del mundo. de los aprendizajes. Tener un método. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Desde hace mucho mi consigna es la deriva. de lo inesperado. Dialogo con ellos. aunque tal vez no deseaban eso. Así. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 101

LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
ARTE ABSTRACTO (HOY) . 102

4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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Graham. En general el arte como producción humana no actúa. 5. manierista.. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. humanista. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación.. y se anule la distinción sujeto-objeto... constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. furia. Godard.. 3. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí. contemplación.estados de ánimo euforia. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. es más bien actuado. 4. sin salvo honrosas excepciones. de modo que puede. 104 . que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lecciones del neoconcretismo brasileño.despertarse a la realidad de su futilidad.. Idealmente suprimirlos. anarco. por la condición de insignificancia en la que se encuentra. Oiticica.

pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. ICI. la olla.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. cuando veía una mancha en el mosaico. Por ejemplo. Ahora. Probablemente esto sea propio de todos los niños. Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. Belleza y Felicidad. o miraba una nube. emisarias esquivas. 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. en pinturas cuyos motivos se me escapan. cuando veo una obra abstracta me pasa eso. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. Espacio Giesso. 105 . Centro Cultural de España en Córdoba. lo más funcional: la silla. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. o ramitas. eran para mí presencias raras.

en Artes Visuales (IUNA). como abstracto es el pensamiento. la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. Participa en muestras colectivas desde 1996. 106 de catálogos. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. La percepción subjetiva que realizo en una obra. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. 1. Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. . Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. 2. 4. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. Su temprana muerte. 3.2. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. cualquiera sea el soporte. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. un “viaje de la mirada”. Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. generalmente de uso cotidiano. exige un desplazamiento. pienso también que “el arte es una abstracción”. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. siempre las obras son abstractas. una migración. de un modo u otro. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . Cito trabajos de quienes admiro. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. igual que el arte. Actualmente cursa la Lic. por lo tanto. Como Gauguin. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra.

de sus teorías. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. está más allá del gusto. ARTE ABSTRACTO (HOY) . porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. Dijo: “El arte.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. 107 . La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos. 5. convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. como la vida. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma.

Julio Le Parc. . Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. Ricardo Rojas). Alfred Jensen. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). Bridget Riley. Fondo Nacional de la Artes. 108 2. ignorándose así a los artistas abstractos y. C. Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. C. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con.GRACIELA HASPER Buenos Aires. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. Galería Ruth Benzacar. produjo Proyecto Sala 2 en el C. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. ARTE ABSTRACTO (HOY) . a finales de los años ‘40. Manuel Espinosa. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. Blinky Palermo . otredad y universalidad como una caja de Pandora.Helio Oiticica. galería Annina Nosei en New York. la abstracción norteamericana. Gego. Rojas. NY. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. y en el C C. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. Balthus. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. pero no derivada de. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. 1. tanto que privó a los artistas de todo apoyo. Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. C. y en Chinati Foundation en Texas). mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. Lygia Clark. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art.

de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. tamaño edificio). no para representar sino para derivar una operación pictórica. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. Uso la forma como un transporte de contenido. y por usar otros medios como la fotografía. 109 . Los significados varían en los casos. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. por otro. creo.3. La pintura. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. en su historia. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. y la obra se basa en esa relación. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. 5. 4. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. como un instrumento de aprendizaje y acción. ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta.

cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. Brasil. en el ICI. mímesis. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. sus controversias se han secado. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. Habré dicho "operación despojo". Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". La Abstracción en bloque como otro ready made. compartiendo rasgos de familia. modelos. (La asignación de una potencia a lo inanimado. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras. afinidades por temperamento. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. Ha publicado su libro “nemebiax”. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). escencias. 110 . como quien filtra el resplandor del mundo. Como formas históricas. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). C. Venezuela. Japón. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno. no uno encontrado en la calle o en el desván. Galería Kravets-Wehby. editado por Galería Ruth Benzacar. Nueva York. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. descripción. 2004. El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. como invariante. como quién se aligera de habilidades. sino en la historia. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. C. de lastre. El provecho post mortem). México.FABIO KACERO Buenos Aires. Borges y en Ruth Benzacar. Habré dicho en su lugar "operación tamices". También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. de retórica.

mercurial. Makiko Sashiki. Ted Alspach. carrocerías. transportes de luz. Vermeer. ¿Quiénes son? Creadores de soft. con los ojos entrecerrados. la directa. Theresa Johnston. en Dock Sud. Lunar. navegación. en los árboles. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. Icaza. el humo. Colaboradores.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. hielos. flotando en una habitación. la última. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. Ambar. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. rodeándolo. Michael Abbott. Chris Quartetti. ¿De las influencias? Paul Asente. En todo caso. Satoski Komiyama. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Barry Hills. Rob Sargent. gris perla. sobre cada hoja. anillos. Jeff Bradley. orla de luz resplandeciente en una nube gris. la que atraviesa la ola. Lubomir Bourdev. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. Chardin. Y también. la vertical. la indolente. John Moyer. Takashi Morifusa. la reflejada. en las ventanas cuando atardece. la primera. Doug Musto. distante en las colinas. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. Frank Guinan. “operación já já”. Dave Burkett. en los cursos de agua. la retirada en la penumbra. Moldeando cúpulas. rayos. 111 . sideral. solar. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. Carlos M. Paul George. habré dicho “música”. dorada. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. Restos de luz. Pierre Louveaux. la pelusilla. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. Susan Gile. sobre los rostros. sanguínea. David Holloway. rosa. Grace Ge. Karen Tanner. lo importante es lo que está en el centro. en Monserrat. Ning-ju Nan. dispersa en el aire. John Nash. Iam Mougy. Christine Taylor. Teri Pettit. dinteles. Asako Yoshimura. Tampoco hubo nunca una tensión interna. Steve Schiller. Dave Lazarony. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. Rocky Sloan. Y lo que está en el centro es la luz. íntima. Darin Tomack. estelas. pliegues de luz. Canaletto. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. Pero ésta ya no concierne al tema). Lorrain… . en Castelar. (Y sobrevolando las anteriores también. Leon Brown. Rick Boyce. con muchos. Chris Scott. Dan Clarck. con los ojos abiertos. monumental. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. En las pantallas… en los cuadros. Hiromi Watanabe.

luego casi nada o una pamplina. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. Del artista humilde -si no pudoroso. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. supongo. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. Del artista orgulloso. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico.provienen. y luego un artista humilde. Mark Pawliger.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. Silvia Todos. parafraseando una frase de Rimbaud. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. Stephanie Schaefer. Conforme pasa el tiempo me vacío. incluso abstracto. paradójicamente. que me dicen no existe. incluso a las manieras. 112 mencionar. sólo una forma del tiempo. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. Michael Nada. Mark Hamburg. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. les correspondería: Thomas Knoll. cuanto menos. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. a la conformidad al yo. y de ellos es. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). en algún momento no hubo arte en lo absoluto. Una podrá decir que. Sau Tam. etc. Jean Batiste Nadie. . parte del crédito. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. que en otro momento lo fue casi todo y. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. Seetharaman Narayanan.

A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. rotundo. inducen y provocan mi trabajo. bestial. 1 / 2. frontal. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. y en el Fondo Nacional de las Artes. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. concentrado. espesor. sensorial. su peso. Características que. postulando su completa autonomía. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. sólido. Marina Abramovich: cruda. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. su color. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. Goethe Institut. Centro Cultural Borges. Richard Long: poético. Lo contrario a disimularlo. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. El color de la fórmica es el color de la obra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. su falta de flexibilidad. También Participó en diferentes muestras colectivas. 3. expuesta. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. As. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. resistencia. La fórmica es un material industrial. Se sustrae de todo indicio representacional. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín.. Mondrian: potente. sintético. Lo que busco es “exponerlo”. no hay pintura posible. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica.SILVANA LACARRA Bragado. 4. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. contundente. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. 113 . todas ellas. 5. Palais De Glace. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material.

Pintor y escritor autodidacta. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. por ser puro. Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Fundador de “POP O H ART”. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música).000. Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. Ricardo Rojas. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. letras de canciones o guiones para TV.BENITO LAREN San Nicolás. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. C. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. 3. 4. Residió en Nueva York y en Paraguay. Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. 114 . 1962 Técnico Químico. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. La pintura se aplica del lado de atrás. El resultado es más que magnífico. es espectacularen. liso y brillante. Galerías Gara. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . ICI. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. Expone a partir de 1991 en el C. 1. Consulado Argentino en Nueva York. en muchas capas. y así tengo todo el día para mirar TV. 2. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire.

5. ARTE ABSTRACTO (HOY) . El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. ya que las de grasa enturbian las visiones. Yo. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar. modestia a parte.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. recomendando las de manteca. en lo que se refiere a las predicciones. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. Sí. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. También me siento identificado con Cándido López. 115 . sobre todo cuando como pizza. el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros.

En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. Por otro lado. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. 1. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie.EMILIANO LÓPEZ Quilmes. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. etc. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. Participó de varias muestras colectivas. Estudió con Luis A. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión. C. en mis pinturas. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico).creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad .Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. Borges. 116 2. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. las referencias son una constante.) . ARTE ABSTRACTO (HOY) .obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-. otra Virtual e ilusionista. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”.

las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra.Presente Futuro.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). 4. Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala. Una vez entelado y dada la base. no hace falta nombrarlas. 3. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La citas se ven en la obra. A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. logra una unidad en la diversidad de su obra.Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°. 117 . Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). Llega a la esencia con elementos mínimos. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar. más recientemente. Según la propuesta de la obra. éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. capaz de abarcar en una mirada: Pasado . Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. Me convertí en una especie de fan de R.

Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La vida no responde a leyes fijas. 118 . Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje. Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir.5.

otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. cicatrizar su corte. Pintar sí. 4. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. 119 5. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que . 1963 Nacido en Argentina. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. Crear un pasaje más allá del collage. Fabián Marcaccio. “Paintant Stories” en Colonia. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial.FABIÁN MARCACCIO Rosario. Desde la pintura. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. 3. 2. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. integrando otros medios. expandiendo la abstracción. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. La raíz de mi trabajo es la abstracción. pasando por lo informal hacia lo transformal. 1. Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa.

dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. No considero que haya un límite entre un campo y el otro. viscosa.. . Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). que es como pintar una línea. y que toda abstracción es representativa. para construir desde el color y la forma.Pintar un paisaje es como pintar un objeto. La pintura es pastosa. 1. la escritura. 2. la pantalla de la computadora. 1973 Diseñadora gráfica UBA. Movimiento centrípeto. como pintar una persona. porque me interesa trabajar con el material como imagen. Juana de Arco y en Braga Menéndez. que siempre se acumula. como pintar una casa. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. multiplicarse y generar resonancias. Podría decir que toda representación es abstracción. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. social y sus referencias. Entonces. Creo que pintar siempre implica abstracción. histórico. tal vez en diversos grados.. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. sucede..JULIA MASVERNAT Buenos Aires. Y creo que siempre tiene reminiscencias. sino expandir miradas. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil. Elijo la abstracción. mover los brazos es intervenir en el espacio. Subsidio para un proyecto multimedia. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) .. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca.” Javiera Neral. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido. Los materiales traen su propio sentido de uso. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. No la impongo. expandirse. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. (Fundación Antorchas). al infinito. 120 . No quiero dar al mundo basura. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. pura materia. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. Residencias en centros de arte españoles.

Formaciones centrífugas. sonido. constelaciones. agrupamientos. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. las casas construidas con lo que se encuentra. luz. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. otros sentidos. Los bordes de las cosas. 3. En mi trabajo. otros lenguajes. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. intento proponer otro modo de relación con cada medio. ARTE ABSTRACTO (HOY) . combinaciones. los bordes del arte. el espacio alrededor. los afiches callejeros. En el diálogo con éste. la relación con el medio en “no-content. de Brian Mackern. de Robert Morris. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. los umbrales. el hormigón en los edificios. pesados y livianos a la vez. las pinturas y esculturas de Tony Smith.lugar las cosas. 4. Agrupaciones. 5. 121 .org”. la escena final de la película Zabriskie Point. por lo tanto. de Michelangelo Antonioni. los intersticios. etc. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. tanto en los objetos como en el campo digital. Descontextualizar y recontextualizar. una percepción diferente a la habitual. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. Romper y reconstruir de otro modo. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. Ritmo. el silencio en los paisajes artificiales. madera. Y esto funciona como motor de la obra. Movimiento expansivo. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. en las pinturas de Roberto Aizenberg.

ya sea como resultado de la voluntad de invención.MARCELO POMBO Buenos Aires. microscopio electrónico y todo lo demás. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. Nueva York. Ruth Benzacar. cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. 2. Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. Luego se suceden en el C. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. y si se quiere radical. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. As. Santa Monica. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. ICI (con M. Rojas. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. Brasil. gallinas. California y Marvelli Gallery. la mayor seducción proviene de Japón. 1. Idea mucho más estimulante. Para mí. California. Fullerton Art Museum. 122 esenciales. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. . Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. R. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. ómnibus. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. Huarte). Kandinsky. fotografía aérea. lo fortuito. V. Participó de exposiciones colectivas en Argentina. San Bernardino University. C.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 4. entre las cosas que me inspiran. está el inmenso caudal de pinturas decorativas. Pero.3. a la superficie pulida de la ágata. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. que tanto me atrae. épocas y fronteras naturales. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. En fin. 123 . Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. sin duda. al muro de Sol Lewitt. Hoy. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. al ala de la mariposa. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. al diseño digital. a la camisa estampada. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. una lista tan interminable como la opulencia del mundo.

2. . 1995. ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. Abstracción con la legitimidad de un único color. Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). de método.ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Por lo tanto. Museo de Arte Moderno (2003). Carezco. 3. Colombia. Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. 4. Ensor: anestorésico. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. No pienso mi pintura como un “trabajo”. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. el artista no debe tomarse demasiado en serio. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Brasil. Centro Cultural Recoleta (2000). Perú. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. entonces. Según un tratado de pintura chino. 1990). Museo Nacional de Bellas Artes (1998). Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. 1988. Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. EEUU y Europa. 124 5. Venezuela. Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). Turner: rumoroso. 1. Costa Rica. 1993. Ecuador. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. 1997).

(en dos oportunidades). la palabra abstracción no me dice demasiado. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. contención emocional. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. en el Fondo Nacional de las Artes. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. Colombia. soporte etc. 1. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. Flaubert. en realidad nunca pensé en ella. Pero. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). Francia y los EEUU. no sé. que la construcción sea correcta. creo. en la FADU de la UBA. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. Ay no.). Ramis Barquet (Monterrey). ARTE ABSTRACTO (HOY) . A mí el que me enseñó todo fue de la Vega. Brasil. con envidia y tristeza. con materia y gesto me digo. en las galerías Ruth Benzacar. de la Vega. 4. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Bueno no. Venezuela. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. No. 5. mientras estoy así concentrado. materiales. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. 3. composición. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. no son adjetivos. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. que sea verdad. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Costa Rica. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. Me siento como un artista de posguerra.PABLO SIQUIER Buenos Aires. en ese sentido no soy muy moderno. Annina Nosei (Nueva York). en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. Steely Dan gracia y aburrimiento. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. en el ICI de Buenos Aires. 125 .

Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. Sin embargo. a fin de reducir la desproporción. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. implican un salto hacia la tridimensionalidad. a diferencia de las producciones que. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. 2. hasta podría decirse primitivas. una entrega física considerable. Obtuvo una Mención Especial del Jurado. en las que es posible verificar su formación. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. sin que deba entenderse a esta última como figuración. el dibujo.Torrejón. al tomar contacto con el arte. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. 1. como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. 126 . Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. Siempre fui un enamorado de las tautologías. Becario Kuitca en la Fundación Proa. un papel o una tela sin textura. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. El grafito. en este caso la pintura o.MARIANO VILELA Buenos Aires. Por lo tanto. más precisamente. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en los últimos años. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah .

5. etc. Robert Ryman por su sed de absoluto. la obra imaginada. Lo táctil se sobrepone a lo cromático.3. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. Albers. Stella. En su mayoría. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. Malevitch. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. una intimidad. 4. Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas. F. todas son versiones y cada una un original absoluto. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. Este terreno huérfano de certeza. El corte forma parte del discurso”. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. 127 . J. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable.

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Burgos. Ballesteros. Dorr. Prior. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Fotografiía: Oscar Balducci. Siquier y Vilela. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. D. Gutman. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Masvernat. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. López. de Caro. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Curador: Mario H. Lacarra. Pombo. de Sagastizábal. Hasper. Guagnini. Braga Menendez Arte Contemporáneo. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Gumier Maier. Marcaccio. De Volder. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. Kacero. Laren. Artistas: Avello. Corujeira. Cacchiarelli. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . Gradowczyk. Bertone.Embajada de España Sr.

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© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA. 131 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . © 2005 Copyright de los textos: sus autores.

La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. abril/mayo de 2000. pág. 11. .

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