Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

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aportaron respuestas. y a todo el equipo del CCEBA. de asombro. pero tan endebles. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. de interrogar. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. Ana Gallardo. Tulio de Sagastizábal. que la pregunta es necesaria. de inseguridad. No nos podemos quejar. músicos. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. un espacio geográfico. La muestra que el CCEBA presenta hoy . existan o no. 5 . de intuiciones. ¡es cierto!. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. no es fácil y. Vivir en ese estado permanente de expectación. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. al lado de tantos artistas. eso es lo bueno de este trabajo. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. afortunadamente. de dudar. ya lo sabemos y. siempre son polifónicas. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. también surgió de una duda. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse. de miradas que. tan frágiles. de aprender. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. Eso es lo bueno de ser extranjero. de duda. sin embargo. de sorprenderse. Belén Gache. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). No es fácil. como siempre. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. que la pregunta es generadora. y las respuestas. ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases.

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que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. entre otros.ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. Ballesteros. que niega los logros de las vanguardias modernistas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . prácticas. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. a la polémica Habermas-Lyotard. Gradowczyk I. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1. resulta ser un tema abierto. Se inventan nuevas definiciones. y medios. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. de los grandes eventos. el vademecum es inmenso. paradojicamente. Hasper. Frente a la presión actual del mercado. y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. entre otros. del que se ha ocupado. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. Kacero y Siquier. 7 . Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. La noción de originalidad cae de su pedestal. del gigantismo. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. o si. de los medios. con el predominio de la globalización. es decir. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. Patricio Lóizaga3. La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. el pintar. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. Cuatro artistas que participan de esta muestra. casi inconmensurable.

mecanismos de “resiliencia”. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. por ejemplo. “fragilidad” y “resiliencia”. Se limitan A triángulos rectángulos. que las neutralicen. se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. que caracterizan prácticas contemporáneas. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. Polaridad que . con chis teras cuadradas. menos estrictas. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. Conos. sinuosidades. denominación tomada de la física5. donde por resiliencia.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. por ejemplo. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. integrado dentro de la sociedad. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. sus anticipaciones en un recorrido temporal. Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. Mirando al techo. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. más trasgresoras.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . Si intentasen romboides. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. Es decir. sus cruces. con el mórbido y austero sombrero castellano. donde el arte abstracto para el instante t=hoy.

transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. cintas engomadas. fórmica. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. las interconexiones. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. fotografías. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. la tempera. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. Cabría entonces. sin privilegiar una visión respecto de las otras. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. no precisamente para contestarlas. símbolos. formular las siguientes preguntas adicionales. ante el título elegido para esta muestra. la acuarela. Pero hay más. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. madera. por ejemplo. 9 . las líneas de fuga. Algunos también incursionan en lo figurativo. papel. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. en el plano de la cultura. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. el uso del buscador Google. el intertexto. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. y trasgresiones7. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). resina. vidrio. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. impresoras. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. el grafito. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. y un tercer grupo. aluminio. Le toca ahora al visitante recorrerla. el acrílico. Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. videos. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo.

para esta época. tercero. Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. su editor. más que lamentarse por lo que no fue. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. Además. sería necesario. que artistas. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. Baer agrega. a modo de justificación. expresada en 1983. 10 . demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. Esto implicaría: primero. Filósofos. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. el que se traslada al quehacer contemporáneo. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. Esta afirmación. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. Según lo señalado por Andrew Benjamin. preparada por Cippolini. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que.sus artistas. Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. segundo. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. II. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10. Como ejemplo. y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. Este resurgimiento de la abstracción.

una ilusión o un puente filosófico. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. poder y prestigio. compartida por muchos artistas contemporáneos. 11 . mientras otros hacen cola para entrar. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. Barr (Jr. de diferencia y de ruptura”14.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. utilizada como arma por los centros de poder. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. en muchos casos el texto y el discurso. pese a las críticas recibidas16. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. acaso. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. pintora norteamericana. críticos. perdura porque establece una jerarquía inmutable. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. los primeros abstractos. el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. transa con ellos o los esquiva.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. Además. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . como ocurriera con la Documenta de Catherine David. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) . Destaco que Peter Richter. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. como señala Lydia Dona. cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple.

Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. y esa falta de contacto lo convierte al artista. en muchos casos. el problema de la actualidad de la pintura. desarrollar su apetito emocional. Joan Carol Urquhart. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. sino desde el banquillo del artista. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. Una artista canadiense. Además. Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. realiza sus cruces. en un “francotirador”. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. 12 . cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. creando un percepto llamado Impresionismo. La música popular. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. por la acción del mercado. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. y con qué alimentarlo. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. en un “resistente”. Allí el artista visual vive. entre otros temas. los curadores-vedettes. publicada en ramona (Nº 47. Jacoby e Inés Katzenstein. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. los marchantes. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. como lo señala Deleuze. no ya desde el sitial del juez que dictamina. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. actitud difícil de concebir. el cine. noviembre 2004). qué es lo que desean transmitir. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones.

13 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 16 x 16 cm.Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. (Montaje 30 x 30cm). avisos de búsqueda de empleo y varios CD.

1 cm. 27 x 36. 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . avisos de búsqueda de empleo y varios CD. (Medidas máximas).

15 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 x 40 cm.Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo.

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. 34 x 28 cm.

17 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 29 x 34.5 cm.¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. . 46 x 33.5 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

5 x 46 cm. 19 . 77.Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. piso de goma. tela y papel sobre madera. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

Colección privada. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 60 x 60 cm. 20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio.

35 x 46 x 3 cm. 21 .Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64 x 90 cm. 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel. .

A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) . 23 . 41.5 x 29 cm.

24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 90 cm. Colección privada.

independientemente de los objetos que viste”22. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . el poeta escribía. en lo ondulante. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846.percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. piensa en sí mismo. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. III. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. en lo fugitivo y en el infinito”. Una década más tarde tarde. en el movimiento. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. 25 . Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21.

o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. Empezamos en la Bauhaus. En el caso de la pintura. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. visitante. espectador advertido. 26 . Más no podemos hacer”27. el receptor. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. años más tarde. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. La introducción del espacio imaginario de contemplación. al tiempo que éste encuentra. contenidos que ansía asimilar.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. Así. por el otro. en su muy citada conferencia de Jena. Necesidad que se explica. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. esto es. ya que plantean un tema central que liga al artista. asimilador). la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. su obra y el receptor (y su devenir). Paul Klee. mágica a fuerza de ingenuidad”23. Y si incluyo el devenir en esta consideración. una percepción aguda. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. por un lado. en la obra. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. se ordenan. el poseedor del “ojo”. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. Al final.

esto es. su devenir. En consecuencia. El tiempo. En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. asimilador). El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). museos. simplificación que ignora otros factores (variables) claves. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. El artefacto producido por el artista. galerías. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. tienden a agruparse en torno de él”30. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación. ya que los diarios. espectador advertido. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. articulado sobre el eje temporal. Se trata de un espacio móvil. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil.imaginativa del receptor. pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. por ejemplo. El aura del artefacto. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. 27 . Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. el aura del artefacto. conferencias. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. como ocurre con las mega-exhibiciones.

al ser mirado. “se adueña de nosotros”. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. realizado a mano. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. el receptor. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. libre de todo componente emocional. se trata de una operación doble. Existen otras escalas temporales. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. según el análisis de Georges Didi-Huberman. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. ubicado en un espacio físico predeterminado. por ejemplo. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. Sobre la polaridad de esas miradas. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. múltiple. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. esto es. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. En ese caso particular. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. libre de toda connotación subjetiva. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. en la cosa misma. Es que el objeto. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso.ARTE ABSTRACTO (HOY) . con la libertad de un niño. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. su aura. Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. lo concerniente a este nuevo artista. Sin embargo. en lo sucesivo. . Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. la dimensión característica.

Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. 29 . se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. de tonos. ARTE ABSTRACTO (HOY) . arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. Si se continua debajo de este paragüas. Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. Bacon. y nada más: existe en sí”34. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). En ese momento. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. se podría analizar la situación de conflicto. extraer un bloque de sensaciones. de matices indecisos. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. También Kandinsky. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente. sueño. un cerebro. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. sino por haber contribuido al discurso estético. divago”36. Y no sólo por sus pinturas. yo y mi pintura somos uno. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones.IV. un mero ser de sensación”35. Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. Klee. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. y en sus entrevistas. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. Estamos en un caos iridiscente. En su correspondencia con Emil Bernard. espacio de niebla informe”. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. Me siento coloreado por los matices del infinito.

en la que se manifiesta el contenido auréatico. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. En este contexto. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. ¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. Para poder expresar las sensaciones. Se trata de un sistema muy complejo. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. es necesario poner en juego fuerzas41. o de existencia. En términos espirituales.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. lo fortuito”. Segundo. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. el valor del vacío. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. el que tiende a volverse “informativo”. se dibuja este esquema de la saga modernista. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. en realidad caóticos. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. sino el de capturar estas fuerzas. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. descontrolados. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. 30 . En términos psicoanalíticos. de la personalidad. libre de toda referencia con el mundo exterior. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. hacerlo visible. En otras palabras. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . aparecen en dos oportunidades. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. Primero. la marca del gesto del pintor. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. Entre estos dos extremos: el caos total. Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición.

por ejemplo: fuerzas de gravedad. ARTE ABSTRACTO (HOY) . es necesariamente incompleta. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. si se examina la práctica contemporánea. Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. o por líneas que cambian constantemente de dirección. poblada de planos de colores uniformes. navegan por otras aguas. para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. de germinación. Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. 31 . de expansión. de explosión. artistas como Gerhard Richter. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. de plegado. sobrepasan el canon modernista. sin forma o fondo. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. de rotación. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. sin interior o exterior. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. o por líneas contínuas y figuras geométricas. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. de punzonamiento. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Por otra parte. químicas. volcando sus afectos. en cada trazo. entre otros. con la legitimidad de un único color. como toda enumeración. sin interior o exterior. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. de corte y de tiempo”42. En consecuencia. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento. de capilaridad.

Algunos desarrollan. a esas líneas. Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. La obra de arte es ante nada génesis. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En este sentido. es deber de cada artista saturar el átomo46. Este es el gran desafío. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. por ejemplo. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. el rótulo.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. es decir. a esas figuras. la obra de arte no valdría nada. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. obliga a muchos artistas a instrumentar. alcanzar una materialización que transmita. El artista crea bloques de perceptos y afectos. como diría Klee. en forma efectiva. esas sensaciones. darle vida a esas formas. Ya que de no ser así. a esos planos. la enseñanza. 32 . pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. como el dios Moloc. de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. son imanentes al acto de la creación. además. Parafraseando a Virginia Woolf. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. por ejemplo. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. Es que. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. todo devenir descansa en el movimiento. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. los artistas hoy utilizan. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. por ejemplo. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr.

¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. sin estridencias. sus obras y el visitante interesado (receptor. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. que también realizan paisajes y trabajos figurales. al juego de fuerzas puesto en juego. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. homogéneos. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. Por otra parte. en lo posible. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. 33 . como lo remarcara Barnett Newman47. Pombo o Marina de Caro.V. exhiben alto grado de gestualidad. Además. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. Sugiero recorrer las salas lentamente. abiertos. sin cercos ni alambrados. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. Marcaccio. Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. donde convivan. ¿Y los trabajos de Siquier. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. indiferenciados. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. el que responde a afinidades estilísticas. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. si se desea. Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. Esto daría lugar. donde no existen direcciones preestablecidas. desiertos). como ocurre con Prior.

realiza “clips”. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. según sus propias afirmaciones. escribe libretos y letras de canciones. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. Por ejemplo. remarcan este acto de repetición y de diferencia. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. disponibles cuando se le cruzan. No es casual que Laren se interese por Xul Solar. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. Luis Benedit. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. Kuitca.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. esta reescritura. las cosas de Cándido López. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. Harte y Pombo están ahí. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. Si se desea descartar su sentido negativo. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. en uno de sus trabajos. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. Se trata de un arte auréatico. es decir. ARTE ABSTRACTO (HOY) . dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). Perversa paradoja. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. Por su parte. los une esa capacidad . Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas.

Laren no dibuja. homenajea a Víctor Vasarely. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. su humor sorprende. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. 126. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. descree de la abstracción como fenómeno filosófico. No escapará al visitante que Laren. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. 35 . quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. • Vilela. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. En otras palabras. ARTE ABSTRACTO (HOY) . agita y perturba. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. sus obras son objetos. Como los concretos. Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. ensaya una suerte de parodia posmoderna. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. y resuelve el problema plástico en el plano real. procedimiento que explica en la pág.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. distinción propuesta por Alois Riegl. en este caso el vidrio actúa como soporte. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). montada luego sobre una hoja de aluminio. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. podría decirse. Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete.

después de la segunda guerra mundial. Al tiempo que extiende el campo. compartido por otros artistas invitados. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. los Madís. De esto trata la obra de Carla Bertone. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. como el caucho. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. Schwitters. Esteban Lisa. y destinados a una visión frontal. 36 . entre otros. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. y que culmina. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. Torres-García. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. amorfos. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. Tatlin. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. Arp. a veces perturbadores. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. ameboidal.• Los relieves. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. que en ocasiones flexiona. • Nicolás Guagnini. desde su encierro voluntario. realizados por artistas tan diversos como Picasso. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. el título adoptado por Guagnini la refuerza. Kenneth Kemble y Luis Wells. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. gestuales. algunas veces denominados formas planas. o “telgopor”. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. realizada con chapa de fibrofácil. la pared. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Strezminski.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 37 .Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. 70 x 100 cm.

7 x 66. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel. 38 Ensayo para tricolor.2 cm. 101.

nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel. 101.7 x 66.2 cm. 39 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .Ensayo para tricolor.

. 40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 40 x 60 cm.

41 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 30 x 40 cm.Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela.

A. Colección Delmiro Méndez e hijo S.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela. . 20 x 20 cm.

Colección Orly Benzacar. 43 .Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 20 x 20 x 5 cm.

44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 140 x 200 cm.

150 x 150 cm.Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 45 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. telas e hilos sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 110 x 180 cm. 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela. Colección privada. 47 . 150 x 170 cm.

.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón. medidas variables.

49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. fragmentos. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. entre otros. Las pinturas de Prior. o en escalas casi microscópicas. responden a esa espacialidad táctil. Que el arte también es juego. su práctica no exhibe fronteras discernibles. el carácter táctil de sus pinturas. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. que él perturba. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. en series. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. realizadas bajo influencia hindú. telas sostenidas por elementos tridimensionales. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones.• Se examina primero la obra de Prior. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. a estas obras. Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. y luego enderezadas. Abstracto o figurativo. que Prior dibuja con leve traza. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. surcadas por líneas caóticas. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . En cambio. De dilatada trayectoria. Como si fuera una travesura. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. y Prior trabaja en esa dirección. Sus superficies rugosas. pocas veces geométrico. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. ya había sido anunciado por Baudelaire. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 .

realizando luego las tareas de impresión en extramuros. destruir la imagen. acumulaciones. no soy consciente de lo que estoy haciendo.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras. tal como el propio artista apunta en su texto. porque la pintura tiene vida propia. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. fragmentado y contaminado. óleo. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. lineas.. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. impresoras de gran tamaño. y está en fase con el deseo de Marcaccio. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. él expande los límites modernistas. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. líneas que se pierden. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Por otra parte. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. capacidad de almacenamiento. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. se ha propuesto ir más allá. etc. gel. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. símbolos y signos. figuras. No tengo miedo de hacer cambios. como lo hace Pablo Siquier. tela. Yo intento dejarla que aparezca”. tiempo y costo. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. una tabla horizontal. Es que Marcaccio. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. quiebres. 50 . Los materiales utilizados por el artista. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. la pared o el piso. cortes. telas impresas. vaciados. incrustaciones. según el relato de Balzac.

es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. jugetonas. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría. • “Abstracción. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. en la nada de un tela o un papel en blanco. Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). sus fortalezas devienen palimpestos. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. Más conocida por sus esculturas flexibles. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. pero no menos efectivas. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. Uno podría estar tentado a preguntarse.ritmo. 51 . Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. Se inspira en las fuentes precolombinas. es la definición que propone Marina de Caro. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. y crear una imagen”l. influído quizá por el solitario paisaje castellano. El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. como recorte de la realidad. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. trabajadas en tela.

¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. como lo muestran Ernesto Ballesteros. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. al gesto exacerbado. según el artista norteamericano “El plano es. a la prueba y error. Creo que la respuesta es otra. los planos monocromos. la pintura de campos. un campo liso monocromo. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto.. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura.por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. Graciela Hasper. En este caso. 52 . muchas veces de dirección caótica. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. Marcelo Pombo. una bajada a tierra donde. caos o miasma. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. tal como ella lo apunta en su texto. • Ballesteros traza líneas con lápiz. proceso que él describe en la pág. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. Pablo Siquier. Las imágenes de los que juegan están ausentes. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. Beto De Volder y Emiliano López. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución.. Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta. en un punto. no resulta necesario incluirlos en la representación. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. es decir una pintura sin centros de interés.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. para volver a empezar. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. 86. Registra escrupulosamente ambas cantidades. ARTE ABSTRACTO (HOY) . y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista.

dentro de un grupo más amplio. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. telas. el hacer artesanal. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. Los minúsculos excedentes de la pintura. 53 . limitadas previamente por un encintado. para que puedan concretar esas aspiraciones. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. adquiere espacialidad arquitectónica. blancos y celestes. plantas. Este fenómeno. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. y Pollock. Sus referencias a Kandinsky. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo.que puede ser expandida en todas las direcciones. Prior. Marcaccio. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. que es registrado por el ojo del observador. y marcas que se repiten una y otra vez. Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual. • Para analizar las obras de Sergio Avello. Mondrian. hilos. Siquier y otros más. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. con sus escorzos de formas espaciales.

De pronto. el desierto. los sombreados perfectos. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. ya que lo que pinta son “sombras”. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . utilizado como plano de composición. expectantes. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. pero para quien las observa desde el cielo. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. controladora. por su parte. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. se ha transformado en la pantalla de una computadora. 54 . Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. • Pablo Siquier. a la manera de artistas tan diversos como Popova. Siquier entrampa sus ensoñaciones. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. jardines desarmados. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. Jawlenski y Esteban Lisa. de sus diseños. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. y se repiten. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. lo que muestra una lógica racional. planos de antiguas fortalezas.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. Es difícil precisarlos. La variable tiempo t juega un papel crucial. Solo que en este último caso el cartón o la tela. Por su parte. se percibe la existencia de otros mundos. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil.

que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. a gozar con ella. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde.insistencia de los cantos de sirenas. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. reminiscencias visuales con figuras o paisajes54. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. hay que cooptarla. Actos peligrosos. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. andamios o encofrados que nunca serán construídos. porque así percibo a sus arabescos. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. violentos. que se ejercen más que sobre la propia obra. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. aprender a convivir y. sobre sí mismo. a la manera de una Agnes Martin. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. muerte. amplificadas varias veces. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. reinterpretarla. forma parte de contemporaneidad. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. esas extrañas formas onduladas planas poseen. La estética del “kitsch”. el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. En trabajos más recientes. si se desea. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. según su autor. 55 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Por otra parte. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). librarse de la mecánica minimalista. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. tragedia.

como lo sugieren sus títulos. la presencia de la maciza y espléndida mesa. insiste en trabajar el vidrio como soporte. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. eclipses. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. pero también es juego. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de colores negro y marrón oscuro. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente. con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. Sin embargo. operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. las tardes de verano.• Lucio Dorr. con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra. por su parte. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . Pero hay más. Sus bordes son rectos. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces. que él visualiza como coronas mortuorias. lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. una metafísica de la voluptuosidad. titulados (1-0) y (0-1). La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). el erotismo. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. el arte puede contener un bacilo perturbador. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. Son formas ascéticas. encastrados a la perfección. en suma.

verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. Si el observador voltea la cabeza. sobre un soporte horizontal. quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. contenedora. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. al artefacto expuesto. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. un juego sobre lo real absoluto. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. ARTE ABSTRACTO (HOY) . una cosmovisión. Se trata de asociarlo. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. admiten total libertad. con formas estáticas. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. • De Volder parte del dibujo. como el de De Volder. mejor dicho. ya sea como una galaxia ensoñadora. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. 57 . que lleva a imaginarla. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. Este artefacto. Como antes lo hicieran los Madís. nudos que habrá que desatar algún día. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. concretas. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. como los juguetes de Torres-García. o en vena metafórica. como fetos pretéritos. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. distiende y amortigua. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. según la voluntad del observador. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. son lo que son”.uso de la añeja simetría especular. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. en algunas obras. es una obra con posibilidades visuales infinitas.

gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. en escorzo. según lo explica Deleuze. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. esa visión utópica epitomizada por Mondrian. Pero las diferencias son sustanciales. así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. Cuarto. y también desean. Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática.• Por último. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. una combinación de geometrías imposibles. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. Segundo. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. El observador podrá construir. Tercero. en su imaginación. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. desde ángulos diferentes. 58 . Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. Por el contrario. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . como aquellos maestros. ya que se la podrá apreciar lateralmente. instrumentan mecanismos que las neutralicen. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. Primero. Así se extiende el ángulo de visión del observador. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. en otras palabras. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. VI. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA. están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. a veces con cierta dosis de cinismo.

derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . no se advierten referencias directas. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos. si se entra en consideraciones moleculares. modificar su propia estructura de clase. Por su parte. es un eco que se acalla. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. Este sector “ilustrado” no se propone. Guagnini. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. El ser artista deviene en una profesión liberal más. 104). pero salvo en las obras de Gutman. con ello. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. Si los artistas de la vanguardia. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. microcósmicas. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. o la polémica entre Berni y Pettoruti. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. es decir. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. 59 . ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. como apunta Clement Greenberg. Ya la modernidad. Por otra parte. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista.consumo. esta relación está cambiando. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos.

Mantienen viva su creatividad. 60 Adriana Hidalgo Editora. editado por Hal Foster.de un proyecto de emancipación social?59. New York. 2. su visión crítica. “Postmodernism and Consumer Society”. Buenos Aires. versión tomada de R. The New Press. publicado en The Anti-Aesthetic. Fabio Kacero y Pablo Siquier. firmado por Ernesto Ballesteros. Manifiestos argentinos. Pero lo que logran no es poco. p.Essays on Posmodern Culture. Políticas de lo visual. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La melancolía y la nostalgia están ausentes. conviviendo con ella. 11. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. 2000. Democracia. Último manifiesto argentino del siglo XX”. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). “El imperio del cinismo. Fredric Jameson. “Introduction”. Graciela Hasper. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. arte. p. 3. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. medios. su resistencia. No se nutren de ensueños. 4. abril/mayo de 2000. Hal Foster. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. p. “Manifiesto frágil. su capacidad de resiliencia. 143. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. ibidem. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. Parafaseando a Klee. Cippolini. Emecé. . xiii. 2003. Nº 1. NOTAS 1. Pero algunos evitan dar respuestas. 5. Extractos de un boceto. p. 503. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. Publicado originariamente en la revista ramona. Buenos Aires. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. “más no pueden hacer”. 1998. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”.

50 x 50 x 1 cm.Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 61 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

65 . medidas variables.Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. (Par de obras que funcionan como una sola). 1999 (rojo) y 0-1. 66 1-0.ARTE ABSTRACTO (HOY) .4 cm. 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. 30 x 30 x 3.

Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica. 67 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . (Par de obras que funcionan como una sola). 55 x 35 x 14 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. 100 x 100 cm. .

100 x 100 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . (otra disposición). 69 .Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada.

66. . parvex.4 x 133 x 16 cm. 70 “E. plásticos. gomaespuma.ARTE ABSTRACTO (HOY) . telas. Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. (instalación).

parvex. 71 . plásticos.“E. (otra disposición). Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. telas. 66. ARTE ABSTRACTO (HOY) .4 x 133 x 16 cm. gomaespuma.

5 cm. 72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela. . 35 x 35 x 3.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

pp. reimpreso en Curiosités esthétiques. 7. 136-37. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. ellipses—/. ibídem. Journal of Philosophy and the Visual Arts. Alfred H. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Stedelijk Museum. Generalidad Valenciana y Telefónica. 1936. “Abstraction. 9. pp. 7. 11. 15. 2002. New York. Por su parte. reimpreso en M.) 8. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. Marxist Quarterly. Éditions del’oeil. Academy Group. / Looking at the ceiling. Madrid. p. septiembre-octubre 2002. 14. Revista Archivos del Presente. Museo Colecciones ICO. “Reluctance. 1995. for example. 94. “Six Significant Landscapes”.As. (M. / Think. Amsterdam. New York. p. Lausanne. editado por F. 18. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. “I am not an abstract artist”. Mondrian y Torres-García. H. Selected Papers. . Valencia. “The Nature of Abstract Art. Revista ramona. 13. 16. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. 410. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. Modern Art: 19 and 20th Centuries.6. una mirada desde el Sur. p. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García. Gradowczyk y Nelly Perazzo). p. Barr. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. 1999./ Cones. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. 12. Schapiro. op. Jo Baer. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. reproducido en Jo Baer. 77-98. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. wearing square hats. Andrew Benjamin. Cubism and Abstract Art. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). October 1983. Museum of Modern Art. Buenos Aires. a la que le sigue “Esteban Lisa. año 7. Paintings 1960-1998. 90-91. pp. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. pp. London. January 1937. Frascina. Nº 5./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. Harper & Row. Nº 71. / Looking at the floor. Ver Le peintre de la vie moderne. in square rooms. 1979. Schapiro. The Critical Debate.185-211.” vol.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. Ambivalence and the Infra-Language”. George Braziller. 10. New York. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. p.. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana. un mundo construido. Nº 26. Wallace Stevens. Nº 28. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. cit. Art in America. 10). La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. 73 . Lydia Dona. 1985. 1 N 1. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. 1956. waving lines.

“Simulacrum”. 27.z…t)= 0. p. P. Buenos Aires. Cippolini. 22. . 36. Discursos interrumpidos I. Eduardo Costa y Raúl Escari. 1997. Barnett Newman. publicado en Critical Terms for Art History. 127. p. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. Klee. ¿Qué es la filosofía?. ibídem. 29. 11. Chicago. p. On Modern Art. ibídem. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. . 112. Véase R. 21 de noviembre de 2004.. S. Conversations avec Cézanne. 26. Taurus. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. Shiff. Baudelaire.…t) 30.. Cambridge University Press. 114. Michael Camille. London. Manifiestos argentinos. “Un arte de los medios de comunicación”. Nelson y R. 1978. pionero del arte abstracto. p. 95. tomado de Georges Didi-Huberman.28. 1855 Beaux-Arts. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. 1993. G. 31. Doran. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18. Un caso emblemático es el Franz Kafka. 1995. y publicado por primera vez en 1967. Selected Writings and Interviews. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho. Para el caso de una escultura. 35. Anagrama. “The Plasmic Image” (1945). Conversations avec Cézanne. Conversations avec Cézanne. Fue su albacea. 1966-87. p. Benjamin. publicado en Barnett Newman. 1997. Sites of imaginary space. M. 220. p. 28. 25. avec Claire Parnet” (1996).17. 37. 23. 412. p. 165. editada por P. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. Walter Benjamin. Paul Klee. 1989. En general. Buenos Aires. Paris.z. reimpreso en Curiosités esthétiques. Sur quelques thèmes baudelairiens. Charles Baudelaire. Una función implicita es de la forma f (x. p. “Exposition Universelle”. On Modern Art. p. p. Guattari. ibidem. pág. publicó El proceso y America. editado por R. C. cit.y. z. 20. … t son variables independientes. 24. cit. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. 55. op. NR 47. Lausanne. 34. tomado de Internet. Barcelona. Buenos Aires. op. 26. 33. lo que nos mira. “Salon de 1846”. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. Lo que vemos. Deleuze y F. cit. Chicago University Press. Éditions de l’Oeil. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. 21. Macula. C. 1956. p. Dee Reynolds. 338. 74 32. Baudelaire. 41. Manantial. Cambridge. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. el escritor Max Brod. donde x. y. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. 19. Symbolist aesthetics and early abstract art. Sonntagszeitung. p. W. op. 1966. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio.. Frankfurter Allgemeine. editado por John P. por Roberto Jacoby. Farber and Farber. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. p. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y.

M. Gradowczyk. Gradowczyk. 2000. revista Concepts. 38. Berkeley. Wurmfeld. Martin Hentschel. 178. p. Mons. 146-169. 43. 2001. Citado por Deleuze y Guattari. 3. p. 53. Pretextos. M. 42. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. Neuer Folkwang Verlag. cit. p. p. Pablo Picasso. Logique de la sensation. The Artist’s Studio. M. catálogo de la exposición. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. 2. op. 27 de marzo de 1963.O’Neill. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. New York University.60 metros del suelo una longitud de 26. Art in Latin America: the Modern Era. S. 48. Elsevier. 52. figurado.169. cit. Barnett Newman Selected Writings and Interviews. p. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. Gradowczyk. 44. 45. Tomado de Dawn Ades. G. p. 21 a. p. pp. pp. Tomado de Michael FitzGerald. Ibídem. (Tomado del Diccionario de la lengua española. 4. p.55 metros de diámetro. 1989. Bielefeld. 46. 38-39 51. editado por K. Amsterdam. Picasso. editada por John P. 40. Gradowczyk. publicado en Sanford Wurmfeld. 2003 (inédito). Bélgica. 8-28. Alfredo Prior. “Hybrid Networks”. hors série Gilles Deleuze 2. October 2003. Francis Bacon. Deleuze y F. Berkeley. New Haven y Londres. University of California Press.. . por lo común de propia autoridad. 185. 1981 (reimpreso en 1996). Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. 1998. London. 39. 1820-1980. “Color in Abstract Painting”. Sils Maria Éditions. 1988. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. Hacer propio de alguno cualquier cosa. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Cyclorama 2000. 324. University of California Press. Nas sau. Kerber Verlag. 140. cit. Madrid. H. G. H. edición. H. Deleuze. op. 1992. Hungría y Escocia. Yale University Press. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. Art and Technology. O’Neill. 88. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. haciéndose dueño de ello. Michael Fehr. p. Paris. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. 49. en Color for Science. 5. Éditions de la Différence. 55. Capitalismo y esquizofrenia. Gumier Maier. 39. 41. 54. 64. ¿Qué es la filosofía?. “You have to want to see!”. 47. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. 2000. Guattari. 22-23. Tulio de Sagastizábal.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. p. p. 1992). Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. 200. 1991. Valencia. The Hayward Gallery. 50. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . op. H. Tomar para sí alguna cosa. Mil Mesetas. Apropiación: (Del latín appropiare). Antiguo: asemejar. M.

S. I. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). 1996. 2004. Silvana Lacarra. Clement Greenberg. Holtzman y M. New York. tomado de The New Art-The New Life. MIT press. The Collected Essays and Criticism. Mondrian. Buenos Aires. P. 1988. 59. 57. editado por H. Perceptions and Judgements. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Fondo Nacional de las Artes. reimpreso en Clement Greenberg.56. James. The collected Writings of Piet Mondrian. 278 58. Da Capo. Chicago. editado por John O’Brian. 11. Thierry de Duve. 76 . de Duve. Tomado del capítulo 8 del libro de T.p. Cambridge. Vol. Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). 2001. Chicago University Presss. Kant after Duchamp. “Avant-garde and Kitsch” (1939). p. 1939-1944. Revista Acto. España. “Arqueología de la modernidad práctica”. 1993.

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por su presentación. Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. símbolos. programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. Los testimonios. marcas. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. fondos. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. diseños. humor. limpidez sin historia. manchas. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. en contraposición al orbe de la representación. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. desafío. poesía. irritación o compromiso. hito donde se respira la libertad en un presente. Así. en sí de la obra. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. despojamiento de toda significación extravisual. instalación en un ideal universo cerrado. Abstracción. fragmentos. fundación de una nueva categoría sensible. 79 . agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. nuevo salón abstracto con estos invitados que. conciencia de la materialidad de lo real.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. desparpajo. al responder cinco preguntas con seriedad. dentro de un campo ya centenario. intersticios.

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motivaciones. materiales). referencias. tamaño.. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. para. 4.. colores. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. 3. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra. ciencias... símbolos.. ARTE ABSTRACTO (HOY) . soporte... ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2.. Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas. de modo que. 81 . estados de ánimo. Adjetívelos. caligrafía. 5. a partir de este guión: Abstracción. sin. Cite a tres artistas que lo nutran.CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. tema. citas. tecnología. pensamientos.

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Sé que puede sonar a mariconada. Dabbah-Torrejón (SEMANA). 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. A veces no las hice porque se me acabó la tela. Sí. Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. circulitos. Dibujé un perro atado a un pino. Pero a la punta del pino. 2. Un riel. En ese momento yo era figurativo. en mi niñez fui figurativo. Como decir: que buen atardecer. Una caja de colores. Que sensación genial. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003. 83 . total. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). C. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). 1. Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. Con colores. Es así.SERGIO AVELLO Mar del Plata. Brasil). Pero no lo es. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas. Unas tramas de telas.

“Me pone tan contento pintar un cuadro. Un cachito de cielo o de vegetal. Todo es parte del mismo proceso. Cada uno tiene su genialidad. O no voy a la mejor galería. Sí: de per versus. Me disparan. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Hago algo para distraer ese minimal. me cambia tanto el ánimo. Lo mío es un mínimo preciosista. Como si lo último fuera una perla. El nombre de los colores. 3. Lo mínimo es máximo. la imaginación te lleva mucho más allá. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. 84 . el camino contrario. Siempre fui el perverso.Si no le ponés nada. la vida me parece tan genial”. Hubo una época en la que dejé de pintar. Los nombres de los óleos son bárbaros. Un minimal italianizado. Tengo una predilección por todos los colores. ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. Esa perla es el humor. Verde sapo. Hacía make . Una chica me dijo que era una perversión.up. Los materiales siempre aparecen. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. O lo presento en un lugar que no es el convencional. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Tengo que seguir.

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
ARTE ABSTRACTO (HOY) . 86

3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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el instante de la duda (qué. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. desde que comencé a pintar.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. 2. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. 88 . No trabajo con temas. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida.CARLA BERTONE Buenos Aires. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. etc. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. cómo. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. para qué). por qué. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra. 1. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. y lo abandoné hace tres años más o menos. ¿Crear? Sí siempre abstracción. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. Participa en diversos premios y muestras colectivas. cualquier representación es siempre una abstracción. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999. De todas formas.

un objeto. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. . Henri Matisse: sutil. lo que es no se ve y lo que se dice no se toca. Es precisa. delicado. en qué condiciones. poética.transformable. etéreo. simple. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos. para que luego pueda ser otra cosa. Definir para extender los límites de lo que es. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. inteligente.admiro y disfruto. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. etc. también sus momentos sutiles. Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características. ser mutable .. delicioso. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. 4. cómo es. sabio.flexible . es ARTE ABSTRACTO (HOY) . también placentera. las superficies y el volumen. color y textura de las diversas piezas. un suceso. contundente. un concepto. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. Es necesario saber qué es. 3. me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. 5.

cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. seguidas por otras en el C. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. 90 . “sólo la verdad es bella”. copiando naturalezas muertas. Rojas. decía el poeta. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. Sobre el tema o contenido de las obras. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. una gran película. C. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. México. y éstos son siempre formas geométricas. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. círculos. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. Y.FABIÁN BURGOS Buenos Aires. C. EEUU y Francia. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. etc. 2. Recoleta. llegar a la abstracción a partir de la figuración. C. 1. Nueva York y Dabbah-Torrejón. una hermosa escultura. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. En cuanto a si siempre abstracción. Fundación Antorchas. es decir. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. Participó de muestras colectivas en Argentina. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación. Annina Nosei Gallery. rectángulos. triángulos. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar.

J. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. 91 . Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos.L. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró. incluso en retrospectiva. sin embargo. sus caracteristicas y particularidades. Son: Policastro.Godard. en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). 5. en especial a Malevitch. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. ARTE ABSTRACTO (HOY) . aunque las definiciones siempre limitan. Jesús Soto. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. De todos modos. Con la pintura sucede lo mismo. 3. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. 4. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual.

tramas y series.. ARTE ABSTRACTO (HOY) . planos.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. Pinto porque es mi modo de expresión. tramas. entre otros. no tengo otro que no sea éste. Universidad del Salvador. A través del juego construyo recorridos. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. y el tercer premio de pintura. monocromos y policromos. España) y diversas muestras colectivas. cuadrículas.. Sala Caja de Extremadura (Cáceres. puntos. cuadriculas. C. para documentar esas imágenes. lienzo. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. a partir de los que voy armando mis pinturas. elementos que han influido mucho en mi pintura y.. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. son “más” o “menos” complejas. las sensaciones. Bahía Blanca. En mi trabajo no hay representación figurativa. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. las cosas dramáticas me las guardo para mí.). a veces. los aspectos geométricos de una ciudad. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. Museo de Arte Contemporáneo. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. que devienen en: orden. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. 2001. Recoleta. etc. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. siempre parto de la vida real. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. 92 . secuencias que se mezclan. 2. la arquitectura.. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. Bienal de arte de Bahía Blanca. mención especial del jurado. De todos modos. son imágenes abstractas. cantidad. Siempre me sentí atraída por los planos. Me interesa más hacer algo estético. trayectos. también hago fotografía.. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. Me siento cómoda en ese campo. aluminio y acrílico. creo que puedo mostrar las emociones. son componentes que se reflejan en mi labor. las experiencias de forma abstracta. 1. número. Seriación. obsesión y repetición. C. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. Series de distintos espacios. acero.

cambios. Ross Bleckner. que es la forma perfecta. Con el cuadrado. un sistema narrativo. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas.3.. un sistema narrativo. el cuadro es. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados.. episodios que cuentan mi relación con la pintura. Distintas formas de organización. a la vez. ARTE ABSTRACTO (HOY) . se trata siempre con él y dentro de él. una saga. Kasimir Malevitch.. más simple. Abstracción. le sumo otros elementos. las tramas. Está el cuadrado y lo intervengo.. en sí mismo. un sistema de pensamiento. 5. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio. No hay nada más intenso y. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. Jonathan Lasker. inquietudes que logran romper la estabilidad. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. movimientos. 4.. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. 93 . algo así. distintos elementos que van contando nuevos episodios.

de la mirada diría. entre otras. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. Premio de Pintura Todisa. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. lo que permanece y se dilata.). establece una distancia que creo quiero salvar. el ojo ha sido desplazado. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. aquello otro sin nada de mi. En su última conferencia. ¿y si partimos de considerar la pintura. florece porque florece. El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. Ha participado en numerosas muestras colectivas. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas. sin por qué. lo cierto ya no está. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. Radicado en Madrid desde 1991. Praxis de Buenos Aires. es decir. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. Van Riel. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. lo que se ve no es lo que se ve. Muestras en Galerías Centoira. (Madrid) y el 1er. F. no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. ARTE ABSTRACTO (HOY) . toda vez que acaba.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. Warum: “la rosa es sin por qué. 94 . no se inquieta por ella misma. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. En esa huida de lo puramente plástico. ¿Por qué entonces. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. una acción como cualquier otra? una elección accidental. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 1. Juan Martín (México D. la repetición infinita de un gesto.

En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. se manifiesta. trata de impedir la quietud en los ojos. Celan. El espacio de mis pinturas. siempre antes del acto de pintar. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad.2. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. “Habla. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . Una vez más. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. Es cierto que los temas abundan y me rodean. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. 3. Leer sobre él. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. Así. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. surge así una conducta de negación. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. otro tránsito: de la observación a la experiencia. llenas de un temblor necesario. Así. me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. dale sombra” Estas palabras de P. el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. Salah Stétié. 95 . pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido.

todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Celan en su lenguaje casi quebrado. Las sedas de B. El atlas de G. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”. Creo que lo que más me nutre no es un artista. .aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. Cage para piano de juguete y orquesta. 4. Nancarrow casi mecánicas o las de J. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes. Grippo en el Malba. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. con este grado de relaciones. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. promete un sueño. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. más bien las redes que se establecen entre sus obras. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I. *En la reciente exposición retrospectiva de V. También la música de Scelsi. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. Las piezas de piano de C. de una manera brusca. 96 5. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. La obra de B.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa. La poesía de P. Knoebel. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. Pienso ahora en R. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. complejidades. Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko.

Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. de fragilidad. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. serie. El tejido y la memoria. Todo lo que sucede en el plano. dos hilos entrecruzados. de lo efímero y de desgaste en su uso. Texto tejido. 97 . Hilo: principio y final. galeria Gara y Alberto Sendros. Klemm. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. Tejido de punto. F. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. Tejido plano: Trama y urdimbre. Un hilo se teje. hacerla realidad. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. pero de cualquier manera no es mi caso. Un ovillo de hilado. El hilado y el tiempo. La obra textil. 2. El acto repetido como mantra. Una idea. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama. Lele de Troya. El tejido construye un espacio. entre otros).MARINA DE CARO Mar del Plata. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . una geometría y un imaginario. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. Borges. programa de cooperación y confrontación entre artistas. C. 1. Una máquina de tejer. El encuentro. El textil y el cuerpo receptores de cambios. Un dibujo. La línea sólo tiene existencia en la hoja. una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. sucesión continua. C. La textil carga con la idea de no-permanencia. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción. permeables y de memoria inmediata. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. Lo que yo hago más que pintar es dibujar.

en lo que respecta a la relación con el cuerpo. es mi forma de pensar y proyectar como artista. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. Issey Myake y otros tantos. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. en ese caso. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. 3. Para la realización en tejido de las obras. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. un encuadre personal. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. El dibujo es una manera de constatar las ideas. 4. de buscar nuevas situaciones en la obra. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. no es contemplativo. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. simplemente me siento y tejo. antes que nada es mi amiga. Abstracción como recorte de la realidad. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. Una posibilidad es desglosar un dibujo. tengo varios mecanismos. Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. formas livianas frágiles. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina.al espectador un acercamiento a la obra. . doblarlas y guardarlas. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. 98 5. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. hecho de manera espontánea. comportamiento.

para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. una experiencia imprevista. Muestras individuales en el Museo de A. o dibujo. Es magia. pero lo hago como . 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. Dibujo y pinto. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. Lo inagotable. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. cuando estoy pintando. de lo que se comparte. lo común son la necesidad y el deseo. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. como no lo es lo que se consume. y tapo todo y vuelvo a rehacer. Ha participado en diversas bienales. sobre tela y papel. De las prefiguraciones y las tentativas. Rubbers y con Diana Lowenstein. ferias y eventos internacionales. si dibujara. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. el temor. la pintura. Por eso quizás. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. pero siempre estoy pintando en realidad. y menos importante. 99 2. Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. Luis F. sobre tela en gran tamaño. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. y muchas otras cosas.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. esas son experiencias particulares. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. Galería Sara Garcia Uriburu. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . que son comunes antes de describirse en formas.As. nacen de allí. Contemporáneo de B. Y pinto. pues dibujo con pinceles. Noé y Roberto Páez. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. como si fuera conociéndose a sí misma. de los deslizamientos y las anticipaciones. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). y más lentamente. lo otro. pues cambio mucho de dirección. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. 1. Participo de la Beca Kuitca. lo común no es la forma narrativa. como lo abstracto. y es inevitable. probablemente. antes de darse a conocer a los demás.Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. bien mirado. De lo imprevisto.

Todos descubrimos alguna vez que. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) . Y de Philip Guston. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. ni pretende ser imagen de uno mismo. Así. y nos animan a continuar sin saber. Dialogo con ellos. Desde hace mucho mi consigna es la deriva. otras. para el que relata particularmente. Que no pretende ser imagen del mundo. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. de lo inesperado. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. Tener un método. está en el cómo. Así.que sea así. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . su propio melancólico conocimiento del mundo. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. Siguiendo la línea del entusiasmo. vivir es vivir para contarlo. 3. aunque tal vez no deseaban eso. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. Tiempo después. 4. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. ser un pintor. ser un pintor abstracto es ante todo. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. y crear una imagen. Todo saber aburre y se revela escaso. como para Scherezade. tan sorprendentes cuando las conocí. 5. de los aprendizajes. y no desaparecer en la aridez del mundo. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. . Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. en la nada de un tela o un papel en blanco.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 101

LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
ARTE ABSTRACTO (HOY) . 102

4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí. 5. Graham. de modo que puede. Oiticica. anarco. es más bien actuado. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. sin salvo honrosas excepciones. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado. furia.estados de ánimo euforia. Godard.. 104 . por la condición de insignificancia en la que se encuentra.despertarse a la realidad de su futilidad. contemplación. Lecciones del neoconcretismo brasileño. En general el arte como producción humana no actúa. humanista.. que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) . La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación. y se anule la distinción sujeto-objeto.. 3... Idealmente suprimirlos.. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. 4. manierista.

Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. ARTE ABSTRACTO (HOY) .GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. la olla. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. Espacio Giesso. o miraba una nube. Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. Probablemente esto sea propio de todos los niños. ICI. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. Por ejemplo. emisarias esquivas. 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. 105 . Y a las obras más onduladas como personas o cosas. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. eran para mí presencias raras. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. cuando veía una mancha en el mosaico. Centro Cultural de España en Córdoba. o ramitas. Ahora. lo más funcional: la silla. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. Belleza y Felicidad. en pinturas cuyos motivos se me escapan. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. cuando veo una obra abstracta me pasa eso.

un “viaje de la mirada”. 106 de catálogos. la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. igual que el arte. como abstracto es el pensamiento. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. Cito trabajos de quienes admiro. siempre las obras son abstractas. Su temprana muerte. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. 3. La percepción subjetiva que realizo en una obra.2. pienso también que “el arte es una abstracción”. generalmente de uso cotidiano. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. 4. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. por lo tanto. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. Actualmente cursa la Lic. 1. exige un desplazamiento. de un modo u otro. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. Participa en muestras colectivas desde 1996. una migración. cualquiera sea el soporte. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. Como Gauguin. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. . Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. en Artes Visuales (IUNA). 2. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos.

convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. como la vida. 5. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. de sus teorías. Dijo: “El arte. está más allá del gusto. ARTE ABSTRACTO (HOY) . porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. 107 . La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual.

la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. Alfred Jensen. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). Bridget Riley. Blinky Palermo . 108 2. C. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. Gego. ignorándose así a los artistas abstractos y. C. Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. galería Annina Nosei en New York. Julio Le Parc. 1. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. y en Chinati Foundation en Texas). Rojas. tanto que privó a los artistas de todo apoyo. Fondo Nacional de la Artes. otredad y universalidad como una caja de Pandora. . Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. pero no derivada de. Balthus. C. Lygia Clark. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano. NY. y en el C C. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . produjo Proyecto Sala 2 en el C. Ricardo Rojas). Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. a finales de los años ‘40.GRACIELA HASPER Buenos Aires. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con.Helio Oiticica. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. la abstracción norteamericana. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. Manuel Espinosa. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. Galería Ruth Benzacar.

creo. 4. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. y la obra se basa en esa relación. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. Los significados varían en los casos. La pintura. y por usar otros medios como la fotografía. 5. ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. Uso la forma como un transporte de contenido. 109 . como un instrumento de aprendizaje y acción. tamaño edificio). de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. no para representar sino para derivar una operación pictórica. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. por otro. en su historia. es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio.3.

editado por Galería Ruth Benzacar. sus controversias se han secado. En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. compartiendo rasgos de familia. modelos. Borges y en Ruth Benzacar. escencias. El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas.FABIO KACERO Buenos Aires. en el ICI. Nueva York. Galería Kravets-Wehby. Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. ARTE ABSTRACTO (HOY) . México. 2004. Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. mímesis. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. C. Habré dicho "operación despojo". C. descripción. ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. Habré dicho en su lugar "operación tamices". no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras. 110 . La Abstracción en bloque como otro ready made. También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. Brasil. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. afinidades por temperamento. Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). Como formas históricas. como quién se aligera de habilidades. no uno encontrado en la calle o en el desván. de lastre. como invariante. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). Venezuela. sino en la historia. (La asignación de una potencia a lo inanimado. como quien filtra el resplandor del mundo. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. Ha publicado su libro “nemebiax”. El provecho post mortem). Japón. de retórica. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno.

Dave Burkett. Tampoco hubo nunca una tensión interna. 111 . Teri Pettit. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. (Y sobrevolando las anteriores también. Restos de luz. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. Michael Abbott. anillos. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. Lubomir Bourdev. en las ventanas cuando atardece. habré dicho “música”. en los árboles. el humo. estelas. sobre los rostros. Steve Schiller. rodeándolo. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. sanguínea. John Moyer. íntima. dinteles. con los ojos entrecerrados. Ted Alspach. la última. la primera. en Castelar. rayos. flotando en una habitación. Paul George. Takashi Morifusa. hielos. Pero ésta ya no concierne al tema). Susan Gile. Ning-ju Nan. Karen Tanner. mercurial. Doug Musto. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. sideral. la directa. ¿De las influencias? Paul Asente. Jeff Bradley. Lunar. Pierre Louveaux. la retirada en la penumbra. Canaletto. dispersa en el aire. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. Dan Clarck. Frank Guinan. Y también. Dave Lazarony. En todo caso. Grace Ge. Leon Brown. orla de luz resplandeciente en una nube gris. Carlos M. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. la vertical. Icaza. Satoski Komiyama. Ambar. la pelusilla. Moldeando cúpulas. en los cursos de agua. monumental. solar. con muchos. Chris Scott. la reflejada. Colaboradores. Darin Tomack. transportes de luz. carrocerías. la que atraviesa la ola. la indolente. Y lo que está en el centro es la luz. sobre cada hoja. dorada. Iam Mougy. Lorrain… . Chardin. navegación. Hiromi Watanabe. Theresa Johnston. pliegues de luz. Rob Sargent. distante en las colinas. “operación já já”. Makiko Sashiki. Asako Yoshimura. Rick Boyce. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. ¿Quiénes son? Creadores de soft. Vermeer. gris perla. en Dock Sud. Christine Taylor. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Chris Quartetti. Barry Hills. en Monserrat. rosa. En las pantallas… en los cuadros. con los ojos abiertos. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. John Nash. lo importante es lo que está en el centro. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. Rocky Sloan. David Holloway.

Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. luego casi nada o una pamplina. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). Stephanie Schaefer. etc. paradójicamente. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. Mark Pawliger. y de ellos es. Sau Tam. les correspondería: Thomas Knoll. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas. supongo. Conforme pasa el tiempo me vacío. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. y luego un artista humilde.ARTE ABSTRACTO (HOY) . que en otro momento lo fue casi todo y. incluso a las manieras. Una podrá decir que. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico. Del artista orgulloso. Del artista humilde -si no pudoroso. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático). en algún momento no hubo arte en lo absoluto. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. sólo una forma del tiempo. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. Silvia Todos. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. a la conformidad al yo. 112 mencionar. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. . Michael Nada. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. Mark Hamburg. parte del crédito. cuanto menos. incluso abstracto.provienen. Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. Jean Batiste Nadie. parafraseando una frase de Rimbaud. Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Seetharaman Narayanan. que me dicen no existe.

El color de la fórmica es el color de la obra. sintético. su peso. no hay pintura posible. Características que. A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. As. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. y en el Fondo Nacional de las Artes. bestial. Goethe Institut. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra. Richard Long: poético. rotundo. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. concentrado. 4. resistencia. 3. 1 / 2. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. También Participó en diferentes muestras colectivas. contundente. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. espesor. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . postulando su completa autonomía. Marina Abramovich: cruda. todas ellas. su falta de flexibilidad.SILVANA LACARRA Bragado. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. Centro Cultural Borges. inducen y provocan mi trabajo. Mondrian: potente. La fórmica es un material industrial. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. sensorial. sólido. Lo que busco es “exponerlo”. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. Palais De Glace. su color. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. frontal. 5.. 113 . Se sustrae de todo indicio representacional. Lo contrario a disimularlo. expuesta.

Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. es espectacularen. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. en muchas capas. 1. ICI. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4. La pintura se aplica del lado de atrás. 2. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. Consulado Argentino en Nueva York. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. Pintor y escritor autodidacta.000. 4. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . 3. 1962 Técnico Químico. y así tengo todo el día para mirar TV. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí.BENITO LAREN San Nicolás. liso y brillante. Residió en Nueva York y en Paraguay. Galerías Gara. 114 . Ricardo Rojas. por ser puro. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). Expone a partir de 1991 en el C. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo. C. letras de canciones o guiones para TV. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. Fundador de “POP O H ART”. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. El resultado es más que magnífico.

logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. También me siento identificado con Cándido López. recomendando las de manteca. 5. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. ya que las de grasa enturbian las visiones. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. Sí. sobre todo cuando como pizza.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet. Yo. modestia a parte. 115 . El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. en lo que se refiere a las predicciones. el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar.

en mis pinturas.Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. las referencias son una constante. Por otro lado. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C. Estudió con Luis A.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad .obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-.) . otra Virtual e ilusionista.EMILIANO LÓPEZ Quilmes. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. Participó de varias muestras colectivas. El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. 116 2. En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material. Borges. 1. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico). etc. C. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión.

más recientemente. 117 .Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes. no hace falta nombrarlas. Una vez entelado y dada la base. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala.Presente Futuro. Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. capaz de abarcar en una mirada: Pasado . 4. las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. logra una unidad en la diversidad de su obra. Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro. Según la propuesta de la obra. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar. La citas se ven en la obra. Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). 3. ARTE ABSTRACTO (HOY) . por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice. Me convertí en una especie de fan de R. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. Llega a la esencia con elementos mínimos. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas).Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. 118 . Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje. Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir.5. La vida no responde a leyes fijas.

La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. “Paintant Stories” en Colonia. Pintar sí. cicatrizar su corte. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. integrando otros medios. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. expandiendo la abstracción. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. 119 5. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. Fabián Marcaccio. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades. 1963 Nacido en Argentina. 3. 2. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa. Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. pasando por lo informal hacia lo transformal. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. 4.FABIÁN MARCACCIO Rosario. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. La raíz de mi trabajo es la abstracción. Desde la pintura. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. 1. Crear un pasaje más allá del collage. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que .

1973 Diseñadora gráfica UBA. expandirse. histórico. mover los brazos es intervenir en el espacio. que siempre se acumula. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. Juana de Arco y en Braga Menéndez.. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. la pantalla de la computadora. y que toda abstracción es representativa. 120 . Subsidio para un proyecto multimedia. Movimiento centrípeto. Elijo la abstracción. No la impongo. Podría decir que toda representación es abstracción. Creo que pintar siempre implica abstracción. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Y creo que siempre tiene reminiscencias. No quiero dar al mundo basura. al infinito.Pintar un paisaje es como pintar un objeto. la escritura. 1. pura materia. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. para construir desde el color y la forma. social y sus referencias. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. No considero que haya un límite entre un campo y el otro. Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides).” Javiera Neral. 2. . sino expandir miradas.. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. viscosa. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer. soltarse el pelo es intervenir en el espacio. (Fundación Antorchas). La pintura es pastosa. Entonces. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética. Los materiales traen su propio sentido de uso.. como pintar una casa. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido.. multiplicarse y generar resonancias. porque me interesa trabajar con el material como imagen. Residencias en centros de arte españoles.JULIA MASVERNAT Buenos Aires. Los lugares desde donde me muevo son el dibujo. que es como pintar una línea. sucede. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. tal vez en diversos grados. como pintar una persona.

Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. pesados y livianos a la vez. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. Descontextualizar y recontextualizar. las pinturas y esculturas de Tony Smith. Ritmo. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. los intersticios. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. por lo tanto. constelaciones. de Robert Morris. Formaciones centrífugas. Los bordes de las cosas. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. 121 . 4. los afiches callejeros. etc. luz. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. tanto en los objetos como en el campo digital. 3. de Brian Mackern. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. Agrupaciones. madera. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. la relación con el medio en “no-content. el silencio en los paisajes artificiales.lugar las cosas.org”. agrupamientos. las casas construidas con lo que se encuentra. En el diálogo con éste. en las pinturas de Roberto Aizenberg. de Michelangelo Antonioni. el espacio alrededor. Romper y reconstruir de otro modo. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. sonido. los umbrales. una percepción diferente a la habitual. intento proponer otro modo de relación con cada medio. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Y esto funciona como motor de la obra. la escena final de la película Zabriskie Point. otros sentidos. Movimiento expansivo. 5. otros lenguajes. el hormigón en los edificios. los bordes del arte. combinaciones. En mi trabajo.

no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar. Participó de exposiciones colectivas en Argentina. Rojas. . 1. Brasil. Idea mucho más estimulante. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. gallinas. Ruth Benzacar. cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. Luego se suceden en el C. R. lo fortuito. California. San Bernardino University.MARCELO POMBO Buenos Aires. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. 2. C. Kandinsky. Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. California y Marvelli Gallery. microscopio electrónico y todo lo demás. Para mí. ICI (con M. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. Fullerton Art Museum. Santa Monica. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. V.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo. Huarte). Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. fotografía aérea. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. ómnibus. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. Nueva York. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. la mayor seducción proviene de Japón. As. 122 esenciales. ya sea como resultado de la voluntad de invención. y si se quiere radical.

Pero.3. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. 123 . sin duda. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. ARTE ABSTRACTO (HOY) . una lista tan interminable como la opulencia del mundo. una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. a la camisa estampada. entre las cosas que me inspiran. al ala de la mariposa. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. a la superficie pulida de la ágata. épocas y fronteras naturales. está el inmenso caudal de pinturas decorativas. Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. En fin. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. que tanto me atrae. al diseño digital. 4. al muro de Sol Lewitt. Hoy.

1. En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. Por lo tanto. 3. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. 4. 124 5. de método. Brasil. 1988. Museo de Arte Moderno (2003). Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). 1993. Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. . Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). Turner: rumoroso. Ensor: anestorésico. el artista no debe tomarse demasiado en serio. Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. Centro Cultural Recoleta (2000). Colombia. 1997). 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. Según un tratado de pintura chino. EEUU y Europa. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo. Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. Abstracción con la legitimidad de un único color. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. Perú. Ecuador. 1995. Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. 1990). Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). Carezco. Costa Rica. La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. Venezuela. Museo Nacional de Bellas Artes (1998).ALFREDO PRIOR Buenos Aires. 2. No pienso mi pintura como un “trabajo”. entonces.

Ay no. Cuando veo algún joven artista pintar con colores. composición. en el Fondo Nacional de las Artes. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. en ese sentido no soy muy moderno. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. materiales. 5. Venezuela.). no sé. 1. contención emocional. 4. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. soporte etc. 125 . 3. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). Costa Rica. (en dos oportunidades). No. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Bueno no. en el ICI de Buenos Aires. en la FADU de la UBA. Annina Nosei (Nueva York). Steely Dan gracia y aburrimiento. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. A mí el que me enseñó todo fue de la Vega.PABLO SIQUIER Buenos Aires. Ramis Barquet (Monterrey). Francia y los EEUU. no son adjetivos. Me siento como un artista de posguerra. con materia y gesto me digo. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. que la construcción sea correcta. la palabra abstracción no me dice demasiado. que sea verdad. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Brasil. Representante argentino en la Bienal de San Pablo. creo. de la Vega. con envidia y tristeza. mientras estoy así concentrado. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. en realidad nunca pensé en ella. en las galerías Ruth Benzacar. Pero. Colombia. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. Flaubert. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva.

Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. una entrega física considerable. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . a diferencia de las producciones que. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. Sin embargo. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz.MARIANO VILELA Buenos Aires. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. más precisamente. Siempre fui un enamorado de las tautologías. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas.Torrejón. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. Becario Kuitca en la Fundación Proa. Por lo tanto. implican un salto hacia la tridimensionalidad. el dibujo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en este caso la pintura o. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. en las que es posible verificar su formación. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. Obtuvo una Mención Especial del Jurado. 126 . hasta podría decirse primitivas. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. 2. un papel o una tela sin textura. 1. como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. en los últimos años. al tomar contacto con el arte. a fin de reducir la desproporción. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. El grafito. sin que deba entenderse a esta última como figuración.

Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. Robert Ryman por su sed de absoluto. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. El corte forma parte del discurso”. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. una intimidad. Albers. 5. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. En su mayoría. 4. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. Malevitch. Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. Lo táctil se sobrepone a lo cromático. todas son versiones y cada una un original absoluto. 127 . Este terreno huérfano de certeza. F. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. Stella. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas. Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte.3. la obra imaginada. J. etc. Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

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Ballesteros. Lacarra. Cacchiarelli. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. De Volder. Laren. Bertone. Curador: Mario H. Braga Menendez Arte Contemporáneo. Pombo. Fotografiía: Oscar Balducci. Prior. de Sagastizábal. Artistas: Avello. D. de Caro. Dorr. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. López.Embajada de España Sr. Burgos. Corujeira. Gumier Maier. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . Masvernat. Hasper. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. Guagnini. Gutman. Kacero. Marcaccio. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. Gradowczyk. Siquier y Vilela. expuestos preparada por Rafael Cippolini.

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© 2005 Copyright de los textos: sus autores. 131 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA.

pág. 11. abril/mayo de 2000.La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. .