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54968666 Arte Abstracto CCEBA 2005

54968666 Arte Abstracto CCEBA 2005

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Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005 Curador: Mario H.

Gradowczyk

ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA
Avello, Ballesteros, Bertone, Burgos, Cacchiarelli, Corujeira, de Caro, de Sagastizábal, De Volder, Dorr, Guagnini, Gumier Maier, Gutman, Hasper, Kacero, Lacarra, Laren, López, Marcaccio, Masvernat, Pombo, Prior, Siquier y Vilela.

ÍNDICE
5-5

¿?
Lidia Blanco

7-76

Arte abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia
Mario H. Gradowczyk

13-72 79-79

Obras Palabra de artista
Amalia Sato

81-127 129-131

Cuestionario y respuestas Créditos

.

Los tópicos ayudan pero solo para descansar un rato de mirar. a Roberto Schaudt de Ronor por su generosidad. y las respuestas. escritores con los que pudimos trabajar a lo largo del año. de dudar. Eso es lo bueno de ser extranjero. Tulio de Sagastizábal. eso es lo bueno de este trabajo. aproximaciones y también nuevas dudas y otros interrogantes que fueron formando al público y formándome en múltiples acercamientos a la creación contemporánea en Argentina. Belén Gache. de asombro. aportaron respuestas. afortunadamente. gallegos y porteños tenemos muchos a nuestras espaldas que nos ayudan a mirarnos a los ojos con la confianza de que si no entendemos. Ana Gallardo. le pedí a Mario Gradowczyk que me explicara la obra de un artista. ¡es cierto!. de interrogar. de miradas que. músicos. un espacio geográfico. No es fácil. de inseguridad. siempre son polifónicas. ¡qué placer serlo!: ser testigo de cómo una total o parcial ignorancia va siendo sustituida por retazos de frases. al lado de tantos artistas. sin embargo. siempre tendremos un buen tópico para explicarnos. Vivir en ese estado permanente de expectación. La muestra que el CCEBA presenta hoy . que la pregunta es generadora. de sorprenderse. ya lo sabemos y. Horacio Zabala -por citar exclusivamente a los curadores que el año pasado se hicieron cargo de las exposiciones de la sala del CCEBA-. también surgió de una duda. ARTE ABSTRACTO (HOY) . y a todo el equipo del CCEBA. tan frágiles. de intuiciones. existan o no. se convierten poco a poco en opiniones y juicios. de aprender. No sé si habrá muchas respuestas en esta exposición pero seguro que sí encontraremos muchos más interrogantes con los que continuar disfrutando del placer de seguir aprendiendo. pero tan endebles. que basta una nueva experiencia para que todo pueda volver a modificarse.¿? Lidia Blanco No es fácil ser extranjero (o ¿estar? ¿Extranjero es una esencia permanente o un estado pasajero?). de duda. que la pregunta es necesaria. 5 . como siempre. no es fácil y. Agradezco a Mario su entusiasmo y la pasión que ha puesto en este proyecto. el resultado fue un diálogo que todavía continúa y del que esta muestra es apenas un reflejo. No nos podemos quejar. tenemos como asideros todos esos tópicos que pretenden definir un país.

.

La introducción de la categoría posmoderna condujo a numerosos debates. el vademecum es inmenso. del que se ha ocupado. es decir. Kacero y Siquier. a la polémica Habermas-Lyotard. Ballesteros. resulta ser un tema abierto. Hal Foster habla de un posmoderno reaccionario. plantean la condición del artista para el nuevo siglo en su “Manifiesto frágil” –redactado en su forma final por Rafael Cippolini4– donde ellos resumen su inserción en la sociedad contemporánea con esta frase:“El arte es una manera frágil de ocupar el tiempo”. casi inconmensurable. con el predominio de la globalización. INTRODUCCIÓN Cuando se cruzan líneas por el arte contemporáneo. sobre el cual se articula esa ristra de planteos estéticos. políticos y éticos que expresan la multiculturalidad. se aprecia el predominio de un discurso denominado “posmoderno”. 7 . También la idea agorera del fin del arte “aurático” pesa cuando se intenta definir y caracterizar el arte abstracto actual. se convierte en un acto “frágil” de resistencia individual. entre otros. y un posmodernismo de la resistencia que las reinterpreta con sentido crítico2. y las resignificaciones neoclásicas que lo caracterizan no ocultan un tufillo neoconservador. que surge como reacción frente al modernismo instaurado como canon. y medios. del gigantismo. de los grandes eventos. Patricio Lóizaga3. Gradowczyk I. de los medios. paradojicamente. ARTE ABSTRACTO (HOY) .ARTE ABSTRACTO (HOY) = FRAGILIDAD + RESILIENCIA Mario H. el “pastiche”y la alegoría acuden en su ayuda y las fronteras que delimitan lo que reconoce como “arte” adquieren dimensiones y planos insospechados. Hasper. Cuatro artistas que participan de esta muestra. Determinar si los paradigmas posmodernos se mantienen. entre otros. el mundo del arte y de la cultura está entrando en una nueva fase. el pintar. Donde el posmodernismo tuvo su mayor consecuencia práctica es en las realizaciones arquitectónicas. La noción de originalidad cae de su pedestal. prácticas. Se inventan nuevas definiciones. Frente a la presión actual del mercado. que niega los logros de las vanguardias modernistas. o si. vaciado de todo su antiguo poder subversivo1.

Esto explica la elección de una ecuación como título de esta muestra. menos estrictas. Conos. con chis teras cuadradas. sus cruces. Si intentasen romboides. La práctica del arte abstracto podría interpretarse como una función del tiempo t [arte abstracto = f (t)] donde la función f registra sus avances. que caracterizan prácticas contemporáneas.6 ARTE ABSTRACTO (HOY) . se entiende la capacidad que tiene el ser humano a desarrollarse a pesar de la adversidad. donde por resiliencia. el poeta resume la problemática reduccionista de un sector del modernismo y abre otras posibilidades. bastaría con este poema del poeta modernista norteamericano Wallace Stevens (1879-1955): “Los racionalistas. sinuosidades. Polaridad que . sus anticipaciones en un recorrido temporal. elipses —Como por ejemplo la elipse de la media luna— Los racionalistas llevarían sombreros”. por ejemplo. integrado dentro de la sociedad. “fragilidad” y “resiliencia”. se expresa por la suma simbólica de dos componentes. con el mórbido y austero sombrero castellano. Mirando al techo. mecanismos de “resiliencia”. que las neutralicen. Se limitan A triángulos rectángulos. Para reflejar la dicotomía que se establece entre un arte nuevo que rechaza un modernismo monolítico y absolutista. por ejemplo.Esta reveladora toma de conciencia obliga a muchos artistas a instrumentar. Es decir. dotar a su psiquismo de mecanismos de autoafirmación del yo que le permita. donde el arte abstracto para el instante t=hoy. 8 Con este juego entre el sombrero de copa cuadrado. más trasgresoras. Piensan en cuartos cuadrados Mirando al suelo. como uno se lo imagina en obras modernistas de la década del 20. adaptarse a las realidades de un mercado adverso –o indiferente– y la puesta a punto de diferentes estrategias para seguir creando. denominación tomada de la física5.

se ha convertido en componente esencial del discurso estético actual. otros en el llamado arte “del concepto” y delínean discursos con técnicas diversas. y trasgresiones7. telas. símbolos. el intertexto. 9 . Esta concepción de un mundo fragmentado y dividido poblado de propuestas. Están quienes reescriben y recontextualizan obras emblemáticas modernistas. Quizá este texto les brinde pistas en tal sentido. salten el cerco opaco establecido desde el estado central que propugna una globalización que ya no oculta su voluntad imperial y sostiene. que utiliza en ocasiones métodos mecánicos y / o cumputacionales. videos. resina. papel. ¿Cómo interpretar las motivaciones de los artistas contemporáneos? ¿Es hoy el arte abstracto un formalismo válido? ¿Cuáles son las diferencias que existen entre la práctica abstracta actual. El dictum que sostiene el concepto de originalidad y de constante renovación en el arte moderno. La universalidad debiera ceder su lugar a transversalidades múltiples. entre dos artistas ligados por tantas afinidades y oposiciones: Mondrian –con su estricta ortogonalidad– y Torres-García –con sus retículas flexibles. sin privilegiar una visión respecto de las otras. las líneas de fuga. Pero hay más. el uso del buscador Google. aluminio. Si se desea construir un discurso que le dé sustento. el grafito. en el plano de la cultura. Ahora se han reunido 24 artistas argentinos crecidos bajo el paragüas del posmodernismo. Trabajan con medios y técnicas diversas: la pintura al óleo. sin permanecer fieles a conceptos o técnicas preestablecidas. resulta imperioso escuchar la voz de ARTE ABSTRACTO (HOY) . impresoras. cintas engomadas. que practican un arte no mimético (que se ha convenido en llamar arte abstracto). el acrílico. ante el título elegido para esta muestra. madera. que responde a una concepción serial y arbolescente de la historia intenta ser reemplazado por los rizomas.se manifiesta dentro de las mismas filas del modernismo. la acuarela. una suerte de simulacro lampedusiano de la transversalidad y de la multiculturalidad. sino para marcar los campos donde se derimen las diferencias. transformarse –si lo desea– en ese “observador apasionado”9 del que habla Charles Baudelaire. Les une una voluntad por incorporar a su discurso visual “conceptos” del pensamiento contemporáneo. otros se caracterizan por una gestualidad impulsiva. las interconexiones. la tempera. que reflejan la preocupación de muchos artistas contemporáneos. que se desplazan con velocidades y direcciones diferentes. y la realizada durante el modernismo? Desde una visión personal. participar de ese debate y ensayar su propio juicio. Algunos también incursionan en lo figurativo. Cabría entonces. Son remotas las posibilidades de que esas transversalidades. fórmica. vidrio. con esta exposición culmina un ciclo que se inicia con una revisión de los orígenes de la abstracción modernista latinoamericana8. las realiza siguendo bocetos o ideas previas. fotografías. formular las siguientes preguntas adicionales. por ejemplo. no precisamente para contestarlas. y un tercer grupo. Le toca ahora al visitante recorrerla.

Su obra no encontraba eco en sus colegas minimalistas. o quizá se cansó de enfrentar al poderoso mercado neoyorkino que. el que se traslada al quehacer contemporáneo. que un arte no ilusionista que rechaza la metáfora. Según lo señalado por Andrew Benjamin. críticos y filósofos busquen nuevas respuestas11. expresada en 1983. dentro del marco de la exposición se presenta una instalación con material gráfico de los artistas expuestos y de la abstracción histórica rioplatense. 10 . Reaccionar en su contra sería —tal como ella lo expresa— “equivalente a creer que un pez puede montar una bicicleta”. II. le daba la espalda a las prácticas abstractas de los artistas jóvenes. críticos de arte y artistas participaron en un número especial del Journal of Philosophy and the Visual Arts dedicada a la abstracción10. más que lamentarse por lo que no fue. a modo de justificación. sería necesario. por lo que se solicitó a los invitados a que contesten en forma escrita —y de manera voluntaria— un cuestionario preparado por la poeta y editora Amalia Sato. reconocer que los argumentos teóricos y filosóficos tradicionales que lo explican son inadecuados. ilustra la situación en la que ella se encuentra después de participar en el movimiento minimalista de los ’60. Esta afirmación. y de la práctica de la pintura y el dibujo en general. Este resurgimiento de la abstracción. ocurre después de un período donde estos procedimientos gozaban de escaso apoyo por parte de quienes manejan los hilos del arte contemporáneo. Baer agrega. Además. Filósofos. Aunque no concuerdo con los conceptos expresados por la pintora. preparada por Cippolini. el simbolismo y las relaciones jerárquicas solo se convierte en un conjunto de principios y reglas de composición. recurro a una frase de la pintora norteamericana Jo Baer: Yo no soy más una artista abstracta12. tercero.sus artistas. Esto implicaría: primero. proponer nuevos instrumentos que lo sostengan. Pero no sería esta metáfora una aspiración intemporal del vanguardista: ¿el lograr que ARTE ABSTRACTO (HOY) . Como ejemplo. demostrar que estos desarrollos permitirían reinterpretar la pintura abstracta. segundo. su editor. para esta época. por más que artistas abstractos como Robert Ryman y Agnes Martin realicen hábiles y exquisitas variantes que siguen siendo futiles. que artistas. Su texto introductorio y las respuestas se incluyen en este volumen. se podrían delinear otras razones que los justifiquen13. PINTURA ABSTRACTA HOY La génesis de la pintura abstracta plantea desde sus orígenes uno de los mayores dilemas del arte moderno: el problema de la representación.

cuando comenta la reciente ampliación del MoMA en el Frankfurter Allgemeine —quizá el diario alemán más influyente— define a este museo como “a máquina de canonización más grande del mundo”17 ¿Y cuál sería el objetivo que debe cumplir esta máquina imperial? Muy simple. que cuenta como antecedente a Kandinsky y Kupka. una ilusión o un puente filosófico. Barr definía al arte abstracto por sus dos tendencias: la abstracción geométrica como “la primera y más importante corriente” encabezada por Malevich y Mondrian. En su texto del catálogo de la exposición Cubism and Abstract Art15 . como ocurriera con la Documenta de Catherine David. 11 . Barr modeló el movimiento moderno mediante un simple diagrama del tipo arbolescente que. transa con ellos o los esquiva. en muchos casos el texto y el discurso. de diferencia y de ruptura”14. Además. Destaco que Peter Richter. mientras otros hacen cola para entrar.) —primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)— y sus seguidores. intenta evitar la reinstalación de los esquemas arbolescentes del modernismo canónico instaurados por Alfred J. críticos. Barr (Jr. tampoco discernir si la abstracción es un pensamiento. Y esta renuncia y denuncia del absolutismo modernista. pintora norteamericana. con cruces con ciertos países afines y con algunas excepciones. compartida por muchos artistas contemporáneos. utilizada como arma por los centros de poder.el pez conduzca la bicicleta? ¿No debería tratar. aunque solo sea en dosis homeopáticas? La multiplicidad formal y conceptual que se extiende por todo el campo de arte contemporáneo. los primeros abstractos. Existen diversas formas de resistencia a este planteo. El acto creativo resulta de la necesidad existencial de su productor. poder y prestigio. se construye alrededor de diferentes teorías que privilegian. acaso. como señala Lydia Dona. el que en ocasiones se sobrepone a los condicionantes externos. donde el estatus del arte está ligado a un sistema entronizado de valores. a quien ya no le interesan los planteos autoreferenciales y categorías paradigmáticas del Modernismo y sus gestos heroicos. perdura porque establece una jerarquía inmutable. perpetuar la idea de que la cultura occidental se realiza y se instrumenta en y desde los EEUU. ¿Qué pasaría si los grandes museos del Hemiferio Norte se vieran obligados a reinterpretar la historia e incorporar a figuras omitidas? Esto demandaría una redistribución del flujo de fondos disponible para adquisiciones. pese a las críticas recibidas16. y en segundo término a la abstracción no geométrica (lírica). para mantener viva —si se quiere— esa idea romántica que visualiza al artista como un ser social empeñado en incrementar ese potencial simbólico y ético que contienen los artefactos que produce y que procura proponer modelos para decodificar y modificar la realidad. de construir metáforas visuales que no se agoten en sí mismas. Dona busca ese otro lugar “donde el laberinto se acelera y los estados intermedios son estados inconscientes. mayormente destinado ARTE ABSTRACTO (HOY) .

Es dentro de ese cono de sombras producido por la construcción canónica del modernismo donde se instala ese laberinto de posibilidades que sugiere Dona. Esta constelación no ayuda a incrementar su capacidad crítica y reflexiva. publicada en ramona (Nº 47. en un “francotirador”. cómo se conectan con su público? Mientras existan artistas capaces de crear con su práctica sensaciones nuevas. uno que retuerce nuestros nervios e hiende “una raja en el cráneo”20 y lo recrea en este poema: ARTE ABSTRACTO (HOY) . qué es lo que desean transmitir. 12 . noviembre 2004). Uno de los mayores desafíos que confronta el artista contemporáneo es cómo despertar la atención del receptor. se discute el replanteamiento del canon histórico y se toca. el receptor en muchos casos no cuenta —o desconfía— de una crítica arrinconada por el nuevo juego que practican los principales protagonistas. Quiza se deba analizar el tan comentado regreso a la pintura de manera inversa. ¿No sería mejor preguntarse qué es lo que tienen para decir los artistas. Según este punto de vista los pintores contemporáneos solo se destacan cuando desarrollan prácticas innovadoras ligadas a la computación y utilizan medios mecánicos de impresión. en un “resistente”. no ya desde el sitial del juez que dictamina. Jacoby e Inés Katzenstein. el cine. creando un percepto llamado Impresionismo. y esa falta de contacto lo convierte al artista. entre otros temas. los curadores-vedettes. desarrollar su apetito emocional. por el crecimiento exponencial de bienales y centros de exposiciones. los coleccionistas y museos interesados en batir marcas con sus adquisiciones. por la acción del mercado.a la compra de obras de sus propios artistas altamente valorizados por el mercado. la televisión son los medios por lo cual la obra llega al gran público. toma como semilla este texto “los artistas arrancan perceptos de sus percepciones. y con qué alimentarlo. el arte manual seguirá siendo un vehículo expresivo apto. los marchantes. realiza sus cruces. como lo registra el clarividente manifiesto de Roberto Jacoby. como el caso de Fabián Marcaccio y de Pablo Siquier. Allí el artista visual vive. En una conversacion reciente entre Carlos Basualdo. sino desde el banquillo del artista. Deleuze señala que esto crea completamente un nuevo hábito de pensar. el problema de la actualidad de la pintura. como lo señala Deleuze. se organiza y produce ¿pero para quién? Las artes visuales están a la zaga de la cultura de los medios. El visitante interesado (el receptor) está más castigado que nunca por un bombardeo de estímulos visuales y auditivos casi inimaginable cinco décadas atrás. Una artista canadiense. actitud difícil de concebir. cuyo modelo estético ha sido clasificado de “romántico” por Michael Camille19. La música popular. Joan Carol Urquhart. Además. Eduardo Costa y Raúl Escari de 196618. de la misma manera que los impresionistas trastocan nuestra percepción de la luz al mostrarnos su impresión con color en lugar de línea. en muchos casos. El primero sostiene: “yo no siento que haya mucho para decir de la pintura”.

Chashnik plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado. (Montaje 30 x 30cm). avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 13 . ARTE ABSTRACTO (HOY) . 16 x 16 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 27 x 36.1 cm. (Medidas máximas). avisos de búsqueda de empleo y varios CD. 14 Rothfuss plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Cartón montado.

40 x 40 cm.Fontana plus Gutman / 2004 / Marcelo Gutman Espejo y avisos de búsqueda de empleo. 15 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

34 x 28 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) . 16 Té para Lisa / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio.

¿Qué se sabe Del Prete-ndiente? / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. 17 . 29 x 34.5 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

5 cm. 46 x 33.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 18 Un poco más de Respeto Ruti / 2005 / Benito Laren Acrílico sobre vidrio. .

Sin título / 2004 / Carla Bertone Acrílico. 19 . 77. piso de goma. tela y papel sobre madera. ARTE ABSTRACTO (HOY) .5 x 46 cm.

20 “Mise en relief” (Puesta en relieve) / 2004 / Mariano Vilela Lápiz sobre papel montado en aluminio. Colección privada. 60 x 60 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) .

21 .Padre e hijo contemplando la sombra de un día / 1998 / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofacil. 35 x 46 x 3 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

. 64 x 90 cm. 22 Orfeo en los infiernos / 1991 / Alfredo Prior Tinta y esmalte sintético sobre papel.ARTE ABSTRACTO (HOY) .

23 . 41.5 x 29 cm.A la manera de Aru Durr / 1974 / Alfredo Prior Esmalte sintético sobre papel arrugado por el artista. (Conjunto de varias obras de esta serie) ARTE ABSTRACTO (HOY) .

24 “Micro-ideological passage” / 1997 / Fabián Marcaccio Pintura al agua y óleo sobre papel. Colección privada.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 x 90 cm. .

en lo fugitivo y en el infinito”. al referirse a los colores utilizados por Delacroix: “Parece que ese color. que se me perdone esos subterfugios del lenguaje para expresar ideas muy complejas. Se trata de la persona capaz de establecer “su domicilio en la aglomeración. Baudelaire también introduce en su “Le peintre de la vie moderne” la figura del flâneur. 25 . el poeta escribía. piensa en sí mismo. LA SAGA DEL FLÂNEUR Al comentar el Salón parisino de pintura de 1846. en el movimiento. Con esta imagen ARTE ABSTRACTO (HOY) . en lo ondulante.percepto: no es una percepción sino un paquete de sensaciones relaciones que trascienden aquellos que las experimentan que van más allá de las percepciones ofrecen la percepción de un devenir el arte inventa perceptos construídos por art(istas) como agregados o ensamblajes de percepciones y sensaciones sobreeviven en una obra de arte forman una compleja red de sensaciones se independizan de modo radical de la experiencia propia del observador que se congela en tramas de sensaciones que ya no se experimentan en forma directa Esta confluencia dura adquiere una eternidad eternidad en la raja de un cráneo. independientemente de los objetos que viste”22. paseante perceptivo que recorre las grandes urbes y que posee las condiciones psíquicas y el tiempo ocioso necesario para percibir e incorporar los avances que conlleva la modernidad que se está gestando. Una década más tarde tarde. III. Charles Baudelaire lanza esta definición que transformaría la vision crítica de lo que es arte: “una pintura es una máquina capaz de transformar todos los misterios en hechos legibles para el ojo entrenado”21.

en cuya memoria todos los materiales “se clasifican. al tiempo que éste encuentra. mágica a fuerza de ingenuidad”23. asimilador). Empezamos en la Bauhaus. espectador advertido. años más tarde. Es dentro de este panorama crítico que se inicia la saga del modernismo. porque el artista necesita de un mercado capaz de absorber su producción y asegurarle un sostén digno25. 26 . En el caso de la pintura. Y si incluyo el devenir en esta consideración. la explica cuando habla de hallar “un lugar común entre el lego y el artista donde un encuentro mutuo es posible para que el artista no aparezca como un ser totalmente aislado”24. es que con ese encuentro el observador apasionado inagura en su mente un registro temporal de los afectos y perceptos. en la obra. que no se resignan a formar parte de la gran masa cautiva por la “cultura de los medios”? Ahora bien. Empezamos allí con una comunidad a la que cada uno de nosotros le entregó lo que tenía. es la materia pictórica el “objeto” que interactúa con la imaginación del receptor y responde a un modo de aprehensión sensorial. se armonizan y experimentan esta idealización inevitable que es el resultado de una percepción infantil. en su muy citada conferencia de Jena. Para analizar esta conexión se podría construir un lugar virtual donde la obra y la imaginación del artista se entrecrucen con la mirada del receptor. Más no podemos hacer”27. Al final. ese “paquete de sensaciones“ de la que habla Urquhart que el artista vierte en su obra. el receptor. Paul Klee.el poeta establece un primer perfil del receptor (“observador apasionado”. resume su íntimo deseo por comunicarse con el receptor26. ya que plantean un tema central que liga al artista. El grupo humano que hoy puebla las megaexposiciones. el poseedor del “ojo”. Así. por el otro. el poeta establece parámetros claves que definen el arte modernista: el artista y su alter ego. visitante. esto es. o sea que dibuja en su memoria un mapa de intensidad para cada artista que se despega y se modifica con el tiempo en la memoria del receptor. Klee reconocía: “pero buscamos un pueblo. y en ocasiones se convierte en coleccionista ¿no está compuesta acaso por flâneurs sofisticados. Los simbolistas europeos reconocían esta necesidad. se ordenan. pero en una forma que sobrepasa su conocimiento empírico. su obra y el receptor (y su devenir). una percepción aguda. contenidos que ansía asimilar. por un lado. Es el ojo entrenado del receptor el que tiene el poder de decodificar los misterios (contenidos) que propone el artista moderno con su pintura. Necesidad que se explica. ¿Cómo se conecta el receptor con la obra de arte? ¿Existe solo una motivación personal? ¿Qué clase de relación se podría establecer entre él y el artefacto? No escapará al lector la potencia de estas preguntas. que analiza la interacción entre la obra y la capacidad ARTE ABSTRACTO (HOY) . capaz de aprehender una obra cuyo significado ya no radica en lo que las imágenes representan sino en su materialidad pictórica. viaja continuamente a las bienales y ferias internacionales. La introducción del espacio imaginario de contemplación.

Una dimensión característica (vectorial) que acota el área física donde se sitúa la interacción visual entre el receptor y el artefacto32. que es la coordenada independiente que registra la evolución del proceso de contemplación del receptor. Esta visión desde del receptor distingue a las artes plásticas de la música. surgidas de la memoria involuntaria [en francés en el original]. tienden a agruparse en torno de él”30. como ocurre con las mega-exhibiciones. el aura del artefacto. asimilador). En su lugar se propone un modelo modificado expresado por una función implícita29 de seis variables: El receptor (observador apasionado. El aura del artefacto. Dee Reynolds se lo imagina como una función entre dos variables: el receptor y la obra (artefacto). El tiempo. por ejemplo. así como la recepción de toda otra información que ayude a la construcción de este espacio. entrevistas y otro escritos producidos por los artistas los convierten en informantes privilegiados sobre su hacer. ya que los diarios. mientras que el contacto con la obra de arte sólo se puede realizar en lugares especiales: espacios públicos o privados. pautada con escalas de tiempo determinadas a priori por el compositor. Los textos (discursos) del artista debieran ser considerados como otra variable más. que representa la presencia virtual del artista incorporada al objeto hecho a mano — característica de la obra de arte única o “auténtica”—. museos. galerías. simplificación que ignora otros factores (variables) claves. articulado sobre el eje temporal. El instante en que el receptor se confronta por primera vez con un artefacto de artista desconocido indica el origen de esta escala. En consecuencia. espectador advertido. imágenes vivientes de una gran cartografía móvil. mapa sobre el que se inscriben las imágenes y todo lo que de ellas emerge. que se desplaza en la medida en que lo haga el receptor. el receptor posee su propia escala temporal para cada artista. su devenir. ARTE ABSTRACTO (HOY) . conferencias. sería una herramienta útil para contestar esas preguntas28. Las posibilidades tecnológicas hacen que la música pueda ser escuchada por el espectador advertido sentado desde cualquier lugar. El artefacto producido por el artista. 27 . sino con todo su potencial simbólico (del que derivan las fuerzas creativas). Esta memoria involuntaria no sería otra cosa que el mecanismo por el que el objeto se transfigura y se visualiza en la mente del receptor no ya como forma inerte. Se trata de un espacio móvil.imaginativa del receptor. esto es. y que Walter Benjamin define así: “Se entiende por aura de un objeto ofrecido a la intuición el conjunto de las imágenes que. Esta definición amplía y le da mayor sustento a su tan citada definición del aura: “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar”)31. a veces de pie y en condiciones visuales no muy favorables para su contemplación.

el tiempo necesario para acceder a esa memoria involuntaria introducida por Benjamin. Sin embargo. el receptor se enfrenta con esos artefactos sin preconceptos. su aura. se trata de una operación doble. en lo sucesivo. pero quizá permita trazar líneas por donde él pueda incursionar. realizado a mano. Didi-Huberman demuestra de modo concluyente que los artefactos minimalistas admiten lecturas que ponen en duda la validez de esa tajante definición. A la visión romántica del artista capaz de dotar a sus productos de contenIdo aureático se le contrapone el siguiente concepto que viene de Duchamp: “es arte todo lo que se define como arte”. esto es. El esquema propuesto es incapaz de interpretar todas las variables de un proceso azaroso. que permite establecer la conexión aureática que convierte al mirante en ser mirado por el artefacto. el receptor. al que no son ajenas las introspecciones y los estados de ánimo del receptor. Es que el objeto. por ejemplo. la dimensión característica. Tampoco la contemplación de un artefacto manual es un proceso en una sola dirección. ubicado en un espacio físico predeterminado. se podría conceptualizar y construir un relato de las artes plásticas. el espacio de contemplación deviene en un espacio real. Este tiempo también está relacionado con cuestiones de percepción visual debatidas por la Gestalt. que define condiciones de contorno que no pueden ignorarse. y que se resume en esta muy citada frase de Frank Stella: “lo que se ve es lo que se ve”. el tiempo y los textos— donde se desarrolla la actividad imaginativa y sensorial del receptor ante un artefacto.ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo concerniente a este nuevo artista. y esa suerte de gigantesca convolución física y mental que liga a los dos entes independientes: artista y receptor. Se recalca la importancia que tiene el contexto histórico y social sobre el receptor. Existen otras escalas temporales. y tiene su importancia práctica cuando se analizan las pinturas de Sergio Avello y Natalia Caccharelli y los trabajos de Silvana Lacarra y Julia Masvernat. con la libertad de un niño. al ser mirado. En ese caso particular. múltiple. 28 Se dice que un receptor es un “receptor ideal” cuando se encuentra por primera vez con uno o más artefactos de un artista que le resulta desconocido. y se inagura en su mente un nuevo mapa donde registrará. Es en este espacio hexadimensional —articulado por el artefacto. libre de todo componente emocional. . Ellos aspiraban a que la obra de arte se convierta en un objeto. según el análisis de Georges Didi-Huberman. Donald Judd y sus colegas minimalistas diseñaron paralepípedos perfectos construídos con la más alta tecnología disponible. libre de toda connotación subjetiva. ya que el receptor también es mirado por el artista a través de su artefacto. en la cosa misma. “se adueña de nosotros”. Sobre la polaridad de esas miradas.

Habría que agregar que fue Balzac unos de los primeros que habló del caos en su “La chef d’oeuvre inconnu” (“La obra maestra desconocida”) al comentar la pintura de Frenhofer. un mero ser de sensación”35. divago”36. extraer un bloque de sensaciones. y nada más: existe en sí”34. se lee este concepto:”El literato se expresa con abstracciones. Estamos en un caos iridiscente. Bacon. espacio de niebla informe”. se podría analizar la situación de conflicto. y sintetizada en esta definición: “la obra de arte es un ser de sensación. En ese momento. yo y mi pintura somos uno. Y no sólo por sus pinturas. arrancar el afecto de las afecciones como paso de un estado a otro. 29 . Cézanne lo explica de la manera siguiente: “para poder pintar un paisaje en forma correcta. ARTE ABSTRACTO (HOY) . un cerebro. sueño. angustia y caos que a muchos modernistas le produce la tela vacía. Klee. caos que toma cuerpo en la pintura de Turner. y en sus entrevistas. de tonos. Si se continua debajo de este paragüas. Me siento coloreado por los matices del infinito. Para el filósofo francés el objetivo del arte consiste en el empleo del material para “arrancar el percepto de las percepciones del objeto y de los estados de un sujeto percibiente.IV. le cabe a Cézanne el papel de gran innovador que abre las puertas al arte del siglo XX. un aparato registrador…” Esta idea de Cezánne es recogida por Deleuze en sus ensayos sobre arte. También Kandinsky. este pintor maldito que después de pintar un desnudo tuvo la osadía de cubrirlo con “ese caos de colores. Guston y Marden se han referido al caos (el azar). Al tratar de transpasar lo visible él está tratando con formas que le son desconocidas”37. aparece una y otra vez en los escritos de los artistas modernistas. primero [él debía] descubrir el estrato geográfico”. Me acerco frente al motivo y me pierdo en él. y continúa: “Un agudo sentido de matices me embargaba. que se refleja en esta máxima atribuida al artista: “el artista objetiviza su sensibilidad. En su correspondencia con Emil Bernard. mientras que el pintor concreta sus sensaciones y sus percepciones por medio del dibujo y del color”33. La imagen del artista mentalmente conflictuado al enfrentar la tela vacía o un papel en blanco no es nueva. UNA DEFINICIÓN DE PINTURA ABSTRACTA Si Baudelaire es reconocido como el crítico que sienta las bases del modernismo. de matices indecisos. dejando a la vista solo el grácil pie de la modelo. Barnett Newman hizo una referencia explícita a esa lucha en el texto siguiente escrito en tercera persona: “Este pintor puede decir que trabaja con el caos no solo en el sentido de que está manipulando el caos de una pintura vacía pero también porque está manipulando el caos de la forma. su propia individualidad” ya que “el artista no es más que un receptáculo de sensaciones. sino por haber contribuido al discurso estético.

¿Cómo hace un artista para controlar su “temperatura interna”. o sea carece del poder convocante que transmiten las sensaciones a través de una materia pensante y pensada39. el valor del vacío. en realidad caóticos. en esta definición: “La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos” preparada por Marcelo Gutman. pero la sublimación podría ser uno de los mecanismos utilizados. y Guillermo Kuitca confiesa que “el miedo” le aparece no en el instante inicial en que se enfrenta a la tela vacía— sino cuando el trabajo ya se ha iniciado. En términos psicoanalíticos.Picasso escribe en un cuaderno de bocetos: “La pintura es más fuerte que yo/ ella me hace hacer / lo que ella desea”38. Primero. y quizá más radical que las que devienen a partir de Duchamp. es necesario poner en juego fuerzas41. y “el rastro de una polilla en el papel blanco que es el azar. la práctica de la sublimación conduciría a niveles más elevados de perfección. lo fortuito”. En términos espirituales. Para poder expresar las sensaciones. sino el de capturar estas fuerzas. deseo de crear) y que se exprese con formas puras y esenciales. En otras palabras. una suerte de variable termodinámica de estado que “mide” la intensidad del caos en el cerebro40? Para contestarla se propone un escenario totalmente diferente: imaginar un artista capaz de controlar las fuerzas del caos en su mente mediante un proceso de sublimación tal que responda a su propio Kunstwollen (volición del artista. Si se acepta que el objetivo último del artista no es la reproducción o invención de formas. aparecen en dos oportunidades. Pero esta no es la única respuesta del artista frente a la tela vacía. como ocurre con la obra de Van Gogh y de Pollock y la sublimación y el control mental absoluto. se considera a la sublimación como un mecanismo de defensa en relación a todos los aspectos instintivos. En este contexto. libre de toda referencia con el mundo exterior. el que tiende a volverse “informativo”. Segundo. es otra manera de expresar la muy citada frase de Paul Klee: no hacer ni reproducir lo visible. se dibuja este esquema de la saga modernista. a Marcelo Pombo no solo lo seduce la clásica fusión de lo abstracto y figurativo del arte japonés. la marca del gesto del pintor. el “grado cero” del que habla Malevich —y que caracteriza el neoplasticismo de un Mondrian o de un Van Doesburg—. Entre estos dos extremos: el caos total. Pero más estimulante aún para él es la “experiencia estética como producto del que mira [el receptor] más que del autor”. en la que se manifiesta el contenido auréatico. o de existencia. 30 . Si se investiga en las respuestas al cuestionario palabras claves como caos y azar. descontrolados. la sublimación implica abandonar las gratificaciones puramente instintivas por otras no instintivas. él adhiere a la advertencia formulada por Deleuze y Guattari sobre el peligro de un arte conceptual que neutralice el plano de composición. Se trata de un sistema muy complejo. de la personalidad. el análisis ARTE ABSTRACTO (HOY) . hacerlo visible.

navegan por otras aguas. en cada trazo. se podría transformar la definición de pintura abstracta para convertirla en una definición de pintura tout court: “Una pintura es una construcción poblada de planos de colores y líneas que cambian constantemente de dirección. perceptos y sensaciones en cada una de las pinceladas. de explosión. ARTE ABSTRACTO (HOY) . para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. sin interior o exterior. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento” 44. con la legitimidad de un único color. o por líneas contínuas y figuras geométricas. Alfredo Prior y Fabián Marcaccio. Por otra parte. es necesariamente incompleta. sin forma o fondo. sin interior o exterior. no se propone una nueva taxanomía de la pintura abstracta según una clasificación formal. químicas.del proceso creativo debe necesariamente comenzar por examinar las obras y determinar cuales son las fuerzas puestas en juego para resolverlas. de germinación. artistas como Gerhard Richter. de punzonamiento. El concepto de fuerza creativa podría asimilarse parcialmente con definiciones tomadas de la física y. 31 . Este modelo deleuziano conduce a la definición siguiente pensada para la abstracción modernista. como toda enumeración. si se examina la práctica contemporánea. volcando sus afectos. En consecuencia. Las fuerzas creativas derivan de numerosos factores. de plegado. de capilaridad. por ejemplo: fuerzas de gravedad. entre otros. Pese a las altas correlaciones encontradas entre esa definición y las obras de un conjunto significativo de modernistas43. o por líneas contínuas y figuras de formas diversas. poblada de planos de colores uniformes. de expansión. entre los que señalo la energía corporal empleada y el potencial simbólico puesto en juego. Las fuerzas que emanan de las pinturas sólo pueden ser efectivamente percibidas si el artista ha logrado su objetivo. de corte y de tiempo”42. o por líneas que cambian constantemente de dirección. sin distinguir la abstracción geométrica de la intuitiva: “Una pintura abstracta es una construcción sin referencias visuales con el mundo exterior. sobrepasan el canon modernista. Resulta oportuno confrontar la definición anterior con la propuesta por Prior: “Abstracción: como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín. de rotación. Todas estas formas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento.

de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo”45. el canon y abandonar esa polaridad entre abstracción geométrica y abstracción informalista. por ejemplo. otros mecanismos para enfrentar la creciente fragilidad que ellos advierten como uno de los fenómenos determinantes de su contemporaneidad. es deber de cada artista saturar el átomo46. tan sostenida a partir del esquema de Alfred Barr. por ejemplo. ahora es consciente de la “fragilidad” de su arte. podría decirse que las dos definiciones son aplicables a las condiciones actuales. esas sensaciones. darle vida a esas formas.sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. además. son imanentes al acto de la creación. Este es el gran desafío. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lo que cambia es la ubicación del artista contemporáneo dentro del contexto sociocultural en el que se inserta. en forma efectiva. a esos planos. En este sentido. alcanzar una materialización que transmita. pero la única ley de la creación válida es aquella que dice que la obra de arte resultante debe mantenerse a sí misma. Otros cargan a su obra de altas dosis de cinismo y oportunismo y desarrollan estrategias para mantenerse en un mercado altamente especulativo que. Habría que ver si estas últimas estrategias no alejan a potenciales gozadores del arte contemporáneo. El artista crea bloques de perceptos y afectos. reconocimiento impensable para aquellos modernistas convencidos del poder mesiánico de sus mensajes. todo devenir descansa en el movimiento. necesita de un flujo constante de “novedades” para saciar su apetito. Parafraseando a Virginia Woolf. jamás se la capta como mero producto puesto que la obra de arte nace del movimiento y resulta de congelar ese movimiento en la tela. actividades paralelas a su producción artística que los independizan del mercado. poco dispuestos a convalidar tamañas especulaciones. La obra de arte es ante nada génesis. la enseñanza. como el dios Moloc. los artistas hoy utilizan. por ejemplo. Es que. Y si muchos modernistas como Mondrian recurrieron a mecanismos psíquicos como la sublimación para superar el caos. mecanismos de resiliencia que las neutralicen y que les permitan afirmar su yo. Las metáforas de Prior reflejan la necesidad que tiene el artista contemporáneo de dejar de lado la clasificación. como diría Klee. a esas figuras. el rótulo. es decir. Ésta sería la única manera para que ese sistema de fuerzas —cualquiera que sea su estructura— se transforme en movimiento. Esta toma de conciencia de la fragilidad e irrelevancia de su arte como elemento socio-cultural de cambio en una sociedad dominada por los medios masivos de comunicación. obliga a muchos artistas a instrumentar. la obra de arte no valdría nada. a esas líneas. Algunos desarrollan. Ya que de no ser así. 32 .

Sugiero recorrer las salas lentamente. “observador apasionado”) intenten compartir el experimento. para tratar de hacer partícipe al receptor de las vivencias de su actor y evitar el distanciamiento que producen los recorridos rápidos. al juego de fuerzas puesto en juego. La idea de la “apropiación” se inicia principalmente con los norteamericanos Sherrie Levine y Mike Bidlo. el que responde a afinidades estilísticas. podrían encasillarse acaso en lo que cómunmente se denomina “arte abstracto”? Reescrituras Apropiación y cita son términos que abundan en la práctica actual. sería difícil de ubicar a Mariano Vilela ya que si bien sus obras están disfrazadas con máscara minimalista. a la distancia utilizada por el artista para pintarla. a que algunos visitantes se conviertan en “receptores ideales”. El término “apropiación” posee ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es necesario tener en cuenta que muchos de los artistas invitados transitan por espacios lisos (nómades. la “carnalidad” (gestualidad) y “la pera seca de la estructura” (geometría). De ahí la actualidad de la metáfora de Prior: se trata de realizar un arte alegre. sin cercos ni alambrados. sus obras y el visitante interesado (receptor. en lo posible. como lo remarcara Barnett Newman47. procedimiento seguido por algunos artistas de la muestra. desiertos). si se desea. quienes en sus prácticas adoptan íconos modernistas y los transplantan a su condición actual. las características específicas del espacio y a la necesidad de evitar interferencias con las diferentes actividades culturales que se realizan en el Centro. indiferenciados. 33 . como ocurre con Prior. Pombo o Marina de Caro. homogéneos. donde no existen direcciones preestablecidas. donde convivan. Además. que también realizan paisajes y trabajos figurales. podría resultar útil la lectura de las respuestas de los artistas al cuestionario. abiertos. Ha quedado atrás la supremacía de la idea de la originalidad tan cara a las vanguardias modernistas. ¿Resultaría posible trasladar los conceptos desarrollados más arriba a los trabajos reunidos en esta muestra? Se intenta hacerlo en este relato que no se corresponde con la disposición de los trabajos en las salas. Los corrimientos y desmarques son una constante en el trabajo “informalista” de varios de ellos. Por otra parte. Marcaccio. sin estridencias. Esto daría lugar. en los casos de artistas que son vistos por primera vez. ¿Y los trabajos de Siquier. CÓMO Y DE QUÉ ESTÁN HECHAS LAS OBRAS Se ha conformado en el ámbito del Centro Cultural de España un espacio para la contemplación y reflexión de distintas prácticas y se propone que los 24 artistas. las que también ayudan a articular el espacio de contemplación. exhiben alto grado de gestualidad.V.

Luis Benedit. Kuitca. Por ejemplo. la situación actual no solo somete a un gran porcentaje de la población argentina a la pobreza. más conocido por sus intervenciones en la red virtual de la revista ramona que por su producción artística. este abandono de los planos de colores que podría interpretarse como manifestación de duelo. los verbos “asemejar” o “reescribir” responderían a las intenciones de esos artistas. Harte y Pombo están ahí.connotaciones diversas que deberían ser aclaradas48. Se trata de un arte auréatico. cazador de arcanos que cruza sus líneas por caminos diversos y ensaya saltos milagrosos en pos de ansiada trascendencia. Lo que le ha dificultado a este joven artista la realización de una serie más extensa y de mayor tamaño. ARTE ABSTRACTO (HOY) . dibuja un gaucho a caballo –a la manera de Molina Campos– que porta como emblema una pintura abstracta de Del Prete. las cosas de Cándido López. es decir. sino no le permite a un artista construir un corpus que la señale. Por su parte. Perversa paradoja. en uno de sus trabajos. es la escasez de avisos clasificados de demanda de empleo que se registra en el matutino elegido. Laren también transita por la ruta de las semejanzas y de las reescrituras sin preconceptos. según sus propias afirmaciones. No es casual que Laren se interese por Xul Solar. sino porque el empleo de esos avisos registra y pone en evidencia la crítica situación social por la que atraviesa la sociedad argentina. situación que repite en su serie con citas a obras de los Madís. Pero al mirarlas con detención se observa que los fragmentos del diario —que reemplazan al medio pictórico— son avisos clasificados de búsqueda de empleos. Si se desea descartar su sentido negativo. esta reescritura. que ejecuta con fragmentos de papel de diario tomados de un matutino porteño –velada referencia a los trabajos de Jorge Macchi–. una pintura con marco irregular de Rod Rothfuss y un óleo tajeado de Lucio Fontana. • La exposición comienza con tres obras de Marcelo Gutman. Tanto fabrica cuadros como prepara perfumes. en el que anida la idea de lo sensible y también la experimentación plástica. remarcan este acto de repetición y de diferencia. En sus obras Gutman trasciende las motivaciones estéticas de los tres maestros abstractos no solo por el desplazamiento de los propios medios materiales. realiza “clips”. 34 • La muestra continúa con obras de Benito Laren. elementos brillantes (trozos de CD) y tiras de cartón negro cuyos bordes están pintados con marcador de este color. Gutman toma como base de asemejanza imágenes de tres grandes modernistas: un collage del constructivista ruso Ilia Chashnik. disponibles cuando se le cruzan. Estos cruces entre el contexto actual y los formalismos innovadores modernistas. se mantiene dentro de la estética conceptual (negro sobre blanco). escribe libretos y letras de canciones. la “cita” implica incluir en la obra una referencia que actúe como signo disparador de alguna metáfora imposible. los une esa capacidad .

Las diferentes tonalidades que muestra la superficie del trabajo vibran con multiples frecuencias y exhaltan su contenido aureático. procedimiento que explica en la pág. agita y perturba. que están dotadas de un humor que trasciende lo anecdótico. construye sus pinturas mediante el empleo de campos de color que define con la precisión de un bisturí y las titula con vena poética. lograr que se concrete el espacio de contemplación en torno a su obra. mediante esta yuxtaposición de geometrías rigurosas y trazados curvilíneos con marcos barrocos que forman parte de sus obras —junto a la poética de sus títulos—. montada luego sobre una hoja de aluminio. y lo pinta con acrílico y polvos metalizados (brillantinas). Algunos de sus trabajos anteriores reflejan las formas angulosas de Raúl Lozza. • Vilela. La calidad matérica del frotado convierte al espacio óptico modernista en un campo iridiscente con su espacialidad táctil (háptica). Como los concretos. esa “necesidad interior“ de la que hablara Kandinsky. conocido por sus reescrituras de pinturas de Frank Stella. ahora ensaya otra variante: toma como base obras de otros tres maestros practicantes de la abstracción: Juan Del Prete. una intimidad” que él reclama en su cuestionario. No escapará al visitante que Laren. Robert Delaunay y Josef Albers está representado por un trabajo que. En otras palabras. 35 . La reinversión deleuziana del platonismo que sitúa al “simulacro” en el centro de la escena. Esta transformación del precepto en gesto diferencia a Vilela de los minimalistas. le otorga al artista contemporáneo posibilidades de nuevas exploraciones. descree de la abstracción como fenómeno filosófico. ensaya una suerte de parodia posmoderna. Es por todo esto que pretender ubicarlo dentro de ese manido casillero del "arte ingenuo" sería desconocer la originalidad de una de las figuras que emerge de la década del 90 que se resiste a vivir de estereotipos. y resuelve el problema plástico en el plano real. cuando compara la espacialidad que produce el juego de sombras de los relieves griegos arcaicos con el planismo geométrico de los mosaicos bizantinos. Su práctica se apoya en sus conocimientos científicos. distinción propuesta por Alois Riegl. las ensoñaciones del pintor-astrólogo con sus propias fantasías. Laren no dibuja. homenajea a Víctor Vasarely. podría decirse. Utiliza una técnica de frotado con grafito sobre la hoja de papel. ARTE ABSTRACTO (HOY) . en este caso el vidrio actúa como soporte. su humor sorprende. Esto implica considerable entrega física por parte del artista si se tiene en cuenta el tamaño de sus obras. utiliza técnicas y tamaños diferentes a los de los originales.de entremezclar lo esotérico con lo risueño. quizá le permita despertar el interés del receptor por alcanzar el tan ansiado “diálogo entre dos personas. Esteban Lisa y Emilio Pettoruti. sus obras son objetos. 126.

Esteban Lisa. o “telgopor”. gestuales. Podría decirse que esta manera de ver y sentir encuentra practicantes activos en la escena contemporánea argentina. aunque sus relieves se mantienen dentro de la pequeña escala utilizada por sus antecesores directos. amorfos. la pared. Tatlin. realizados por artistas tan diversos como Picasso. ella se distancia de los medios pictóricos tradicionales. No deben quedar dudas de su afecto e interés por su maestro. cuyos bordes redondeados se logra mediante un prolijo proceso manual de rebaje y pulido. que en su obra se propone resaltar la dialéctica entre opuestos. realizada con chapa de fibrofácil. 36 . los Madís. el título adoptado por Guagnini la refuerza. Schwitters. desde su encierro voluntario. y destinados a una visión frontal. A fines de la década del 50 el informalismo se consolida en el arte argentino de la mano de Alberto Greco. Al tiempo que extiende el campo. Esto le brinda nuevas oportunidades de investigación. titulada "Padre e hijo contemplando la sombra de un dia”. Es un largo proceso que incluye a figuras como Otto Freundlich.• Los relieves. entre otros. Kenneth Kemble y Luis Wells. Arp. que los construye con planos superpuestos de materiales extraños. ameboidal. reconocimiento que hubiera agradado mucho a Bobby (Aizenberg). Torres-García. ARTE ABSTRACTO (HOY) . como el caucho. Un cambio de escala quiza le permita a Bertone superar este escollo. también parte del concepto del relieve y adopta una forma orgánica. algunas veces denominados formas planas. • Nicolás Guagnini. Se trata de su relectura de una pintura de Roberto Aizenberg. Strezminski. y que tiende a adherirse a la superficie de la pared. por lo que esa equívoca relación entre obra y pared aún perdura. De esto trata la obra de Carla Bertone. La permanencia del gesto El arte abstracto se inicia de la mano de Kandinsky y Kupka como una manifestación de la “necesidad interior” del artista por comunicar sus sensaciones con elementos inindentificables. compartido por otros artistas invitados. después de la segunda guerra mundial. en el informalismo europeo y el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. también ha contribuido a esta saga con sus trabajos “informalistas” que inicia en 1941. como lo sugieren los inmensos y coloridos relieves realizados por Frank Stella en las últimas décadas. a veces perturbadores. Torres-García y los Madís constituyen una clase especial de artefactos que tienen un solo punto en común con las pinturas: el estar pensados mayormente para ser instalados sobre una superficie opaca. y que culmina. Aunque la relación entre su composición con los trazados geométricos y los colores utilizados por el artista desaparecido en otras pinturas es evidente para el ojo advertido. que en ocasiones flexiona.

ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin Título / 2000 / Marina de Caro Tinta sobre papel. 70 x 100 cm. 37 .

ARTE ABSTRACTO (HOY) .7 x 66.2 cm. 101. 38 Ensayo para tricolor. . nº 8 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel.

2 cm. 101.7 x 66. 39 . nº 13 / 2003 / Tulio de Sagastizábal Acrílico sobre papel. ARTE ABSTRACTO (HOY) .Ensayo para tricolor.

40 El momento siguiente / 2003-2004 / Alejandro Corujeira Acrílico sobre tela. 40 x 60 cm. .ARTE ABSTRACTO (HOY) .

Composición / 2004 / Fabián Burgos Acrílico sobre tela. 30 x 40 cm. 41 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) .A. 42 Verde Sapo / 1998 / Sergio Avello Óleo sobre tela. Colección Delmiro Méndez e hijo S. . 20 x 20 cm.

Sin título / 1989 / Marcelo Pombo Esmalte sintético sobre baldosa. Colección Orly Benzacar. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 43 . 20 x 20 x 5 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 44 100 líneas 7724 intersecciones / 1999 / Ernesto Ballesteros Lápiz y acrílico sobre tela. 140 x 200 cm. .

Sin título / 2003 / Graciela Hasper Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm. 45 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .

telas e hilos sobre tela. 110 x 180 cm.ARTE ABSTRACTO (HOY) . . 46 Sin título / 1999 / Marcelo Pombo Polietileno.

150 x 170 cm. 47 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .9606 / 1996 / Pablo Siquier Acrílico sobre tela. Colección privada.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . . medidas variables. 48 Sin título / 2003-2005 / Sergio Avello Óleo sobre cartón.

Prior destruye la uniformidad del soporte por este proceso indirecto que también le confiere. sino el cúmulo de sensaciones que esta lucha desata la que origina el arte que el artista concreta en su plano de composición. el carácter táctil de sus pinturas. a estas obras. quizá Picasso haya sido el jugador mayor en esta liga. Sus pinturas no ocultan su predilección por los caóticos campos atmosféricos trabajados por Turner. son un excelente ejemplo de los espacios nómades. ¿Se trataría de pinturas o de artefactos tridimensionales? La pared y el espacio arquitectónico juegan un papel activo en esta consideración. junto a la pintura de Burgos y el “mosaico” de Pombo– está trabajada como si se tratara de surcos o estrías horizontales cavados en abundante materia. ya había sido anunciado por Baudelaire. Las pinturas de Prior. pocas veces geométrico. En cambio. Una mención especial merece la instalación de un conjunto de obras geométricas de Prior. 49 • Fabián Marcaccio vive en Nueva York desde 1989. fragmentos. en series. realizadas bajo influencia hindú. responden a esa espacialidad táctil. y luego enderezadas. Abstracto o figurativo. Que el arte también es juego. o en escalas casi microscópicas. telas sostenidas por elementos tridimensionales. retículas urbanas) mediante procedimientos gestuales. Se trata de un fragmento de una extensísimo trabajo serial de índole geométrica.• Se examina primero la obra de Prior. Sus obras abstractas realizadas en la década del 90 . Son una suerte de híbridos: telas ricamente pintadas con abundante materia utilizando pinceles cuyos tamaños están de acuerdo a la dimensión de las telas. como los monocromos de Avello y Burgos y los trabajos de Alejandro Corujeira. surcadas por líneas caóticas. De dilatada trayectoria. Marina de Caro y Tulio de Sagastizábal que comparten la sala. la pequeña pintura verde oscuro de Avello –ubicada en el mismo espacio. la pintura de Prior responde a una gestualidad que no oculta su interés por los campos monocromos. siguiendo un camino señalado por Josef Albers y Manuel Espinosa. que Prior dibuja con leve traza. y Prior trabaja en esa dirección. Sus superficies rugosas. en sus pinturas a veces se filtran personajes envueltos con las mismas tonalidades del fondo. ya que conforma el espacio ARTE ABSTRACTO (HOY) . En su arte se observa procesos que lo llevan a trabajar en grandes dimensiones. que él perturba. Como si fuera una travesura. sugiere cómo es posible construir espacios estriados (organizados y jerarquizados. Pero aquí también se advierte un juego: las hojas utilizadas han sido “arrugadas” ex-profeso por el artista. y sus actos figurales sugieren una conexión con el Goya de su período más oscuro. entre otros. No es la presencia del caos en la mente de un artista lo que dispara su arte. o grupos de cuadros montados sobre bastidores combinados con marcas pictóricas sobre la pared. su práctica no exhibe fronteras discernibles. marcan una aproximación diferente al modo de pintar. Resulta necesario recorrer con lentitud estos montes y estas cimas para apreciar toda esta orografía.

tal como el propio artista apunta en su texto. líneas que se pierden.donde se conectan los distintos elementos y fragmentos de las obras.. y está en fase con el deseo de Marcaccio. tiempo y costo. según el relato de Balzac. Este accionar implica economía de esfuerzos físicos. impresoras de gran tamaño. gel. varillas de acero y de madera le otorgan a su obra un desenfadado sentido de libertad y contemporaneidad. Esta afirmación ayudaría a comprender mejor la aparición de “figuras” en las últimas obras de Pollock. actitud que se refleja en esta frase de Jackson Pollock: “Cuando estoy en mi pintura. él expande los límites modernistas. Para Marcaccio la computadora no solo constituye el lugar donde desarrolla su acción. no soy consciente de lo que estoy haciendo. Marcaccio utiliza las nuevas tecnologías informáticas (altísima velocidad de cálculo. como lo hace Pablo Siquier. Su hecho pictórico poblado de abrumadores cruces. 50 . porque la pintura tiene vida propia. símbolos y signos. Es que Marcaccio. Yo intento dejarla que aparezca”. Por otra parte. cambios de ARTE ABSTRACTO (HOY) . representa un desafío que el artista contemporáneo no debiera dejar de explorar. telas impresas. tela. realizando luego las tareas de impresión en extramuros. Cuando se examina sus pinturas se aprecia el intento del artista para traspasar la barrera de la primera abstracción: esas manifestaciones de violencia del primer Kandinsky y que reaparecen en las obras de Matta realizadas entre 1938-42. fragmentado y contaminado. las que podrían verse como versiones contemporáneas de la chef d’oeuvre pintada por Frenhofer. quiebres. cortes. figuras. capacidad de almacenamiento. Es después de una especie de período de “darse cuenta” que veo lo que estuve haciendo. se ha propuesto ir más allá. Al incluir elementos diversos que aparecen en sus ensoñaciones: figuras. lineas. sino la asume y la incorpora como otra de las posibilidades para la confrontación entre su yo y el mundo. la pared o el piso. “scanners”) con las que crea piezas tridimensionales soportadas por estructuras metálicas diseñadas especialmente para esta ocasión49. incrustaciones. Ya no ve en las aspiraciones de la utopía modernista un posible camino de redención. La economía de escala que permite proyectar sus gigantescos trabajos en un estudio pequeño. etc. acumulaciones. óleo. vaciados. Para este combate hay que utilizar todas las armas disponibles. esto lo lleva a introducir fragmentos figurales y collages en sus composiciones. Al disponer de este nuevo medio el artista expresa sus sensaciones sobre la pantalla con el mismo impulso que emplearía trabajando con una tela sobre un atril. su metodología podría ser útil para satisfacer un aspecto incumplido de la utopía modernista: vincular el arte con la arquitectura. una tabla horizontal. No tengo miedo de hacer cambios. sino que al mismo tiempo conforma un sofisticado juego de palancas (o de poleas) que le permite amplificar sus fuerzas a escalas hasta ahora desconocidas. Los materiales utilizados por el artista. inmerso en las contradicciones y singularidades del mundo contemporáneo. destruir la imagen.

Sus líneas y sus planos de colores se van tornando borrosos. un acto rápido (arrojar la piedra) y el desplazamiento de las ondas provocado por una corriente. es la definición que propone Marina de Caro. A medida que el tiempo avanza –en 1991 se radica en Madrid– Corujeira recontextualiza su visión reconstruyendo plantas de bastiones y castillos imaginarios. con esa ilusoria sensación de pertenencia a un mundo estructurado en torno a imaginarios indoamericanos –ausentes en el Río de la Plata– que nuestros Paternosto y Puente se habían propuesto recuperar. Corujeira se inicia en el campo de la pintura con articulaciones pictóricas ligadas a lo geométrico. Es a través del acople simultáneo de esas operaciones inusitadas y su manera sorpresiva de actuar lo que caracteriza a las intervenciones de esta artista. marcas y pinceladas refleja su manera de plasmar el caos que lo envuelve. En los últimos años de Sagastizábal transforma a sus reticulados en un alegre juego de líneas y arabescos trabajados sobre fondos monocromos. trabajadas en tela. si Corujeira y de Sagastizábal se habrían propuesto reescribir sus sagas tras los pasos de Brice Marden. pero no menos efectivas. influído quizá por el solitario paisaje castellano. 51 . en la nada de un tela o un papel en blanco. Se inspira en las fuentes precolombinas. y crear una imagen”l. como recorte de la realidad. Más conocida por sus esculturas flexibles. Han abandonado el geometrismo de sus abstracciones anteriores y sus propuestas actuales son dúctiles. jugetonas. Uno podría estar tentado a preguntarse. • “Abstracción. • Tulio de Sagastizábal y Alejandro Corujeira recorren caminos por andamiajes similares. sus témperas responden a una discurso gestual que expresa con acciones sutiles. Son tres instantes diversos los que enmarcan la escena: contemplación “zen” (la artista frente al plano vacío). El primero ha recorrido un largo sendero por la figuración y tras su estadía por la beca Kuitca –cuya significancia debiera ser subrayada– pasa a una abstracción geométrica. Este trasvase de consignas lanzadas por Ricardo Rojas y por Torres-García se da en un contexto político y social diferente y que convierte en ilusoria toda comparación con epopeyas pretéritas. sus fortalezas devienen palimpestos. En estas pinturas se reconoce ese deseo suyo de “irrumpir en el vacío. distorsionadas por una fuerte corriente y que mantienen la simetría.ritmo. La pintura seleccionada sugiere un registro plástico de complejos campos de fuerzas: las ondas que produce una piedra al ser arrojada a un lago. es un lugar que mantiene una distancia con la representación”. quien había abandonado la estricta metáfora minimalista ARTE ABSTRACTO (HOY) . se cubren con campos de niebla y las líneas informes que ilustran estos trayectos nómades aparecen sobre fondos erosionados por ecos pretéritos. pero aún mantiene la idea obsesiva de centralidad que caracterizaba a sus retículas.

caos o miasma. para volver a empezar. Graciela Hasper.] dejando que la imagen surja desde lo desconocido. esa suerte de automatismo gestual de trazos alados y marcas de lápiz tenues y transparentes articule un huso simétrico casi perfecto y no un rizoma? • Distinta es la actitud de Hasper. lo que delata el interés de la artista por unir la pintura con la arquitectura. los planos monocromos. habida cuenta la trayectoria de los artistas argentinos. Las imágenes de los que juegan están ausentes. • Ballesteros traza líneas con lápiz. pinta elipses de colores vivos que contornean el plano neutro de fondo como si se tratare de proyecciones de niños jugando con aros multicolores. En este caso. no resulta necesario incluirlos en la representación. Creo que la respuesta es otra. en un punto.. cuyas intersecciones están acentuadas con acrílico verde transparente. pero todas éstas se apoyan sobre un plano abstracto. que le da dimensión energética al trabajo corporal involucrado en la construcción de cada obra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . a la prueba y error. Marcelo Pombo. 86. posesionados por fuerzas del caos que los conducen al automatismo. más que tomando algo conocido y aplicándolo al plano”. como lo muestran Ernesto Ballesteros. al gesto exacerbado. y la sitúa como una continuadora de la problemática de la “all over painting” modernista. según el artista norteamericano “El plano es. metáforas y sueños que se producen con velocidades diferentes. Registra escrupulosamente ambas cantidades. una bajada a tierra donde. es decir una pintura sin centros de interés. Este fondo opera como un escenario circunstancial sobre el que se graban idealizaciones. Beto De Volder y Emiliano López. Recorriendo el campo Existen obras que obedecen a diferentes retóricas. basta con dejar grabado los elementos y la dinámica espacial del juego. 52 .por las líneas informes de su serie “Cold Mountain”. habría quizá que contabilizar también ese otro parámetro que es el tiempo de ejecución. Quizá podría verse como resultantes de desarrollos mentales y expresivos comunes que los lleva a abandonar la geometría estricta.. Es significativa la capacidad expansiva de sus trabajos. tal como ella lo apunta en su texto. proceso que él describe en la pág. un campo liso monocromo. la pintura de campos. ¿Y no es acaso una extrañeza que la resultante de ese campo aleatorio de fuerzas ejercido sobre la tela. muchas veces de dirección caótica. y uno lo trabaja para que haya en él una imagen… Y solo eres un ser sensible y ayudaste a desarrollar esa forma [. Pablo Siquier.

Este fenómeno. el hacer artesanal. las irregularidades de las cintas de papel pintadas –o las rebarbas de las bandas de fórmica que aparecen en las obras de Lacarra– son perturbaciones inevitables que le confiere a la superficie de la obra un efecto visual diferente. • Para analizar las obras de Sergio Avello. Cuando la mirada persiste los efectos del palimpesto se hacen visibles. Julia Masvernat y Natalia Caccharelli sugiero la lectura de este texto del artista Sanford Wurmfeld51: Los pintores abstractos que trabajan primordialmente con color lo seleccionan a partir de un grupo definido de relaciones. que es registrado por el ojo del observador. • El dilema de la representación no forma parte del mundo creativo de Marcelo Pombo. blancos y celestes. Es en esa gran escala que el juego de formas y colores que ella propone en el trabajo expuesto. Los minúsculos excedentes de la pintura. y reaparecen en las líneas pintadas con acrílico de Cachiarelli. plantas. son todas esas marcas fosilizadas –grabadas sobre el fondo– las que se apropian y contaminan la pureza geométrica articulada por los retazos verdes. y marcas que se repiten una y otra vez. Sería deseable que los arquitectos que planean obras gigantescas adviertan la presencia de artistas como Hasper. Se trata de un efecto óptico denominado “película de color”. analizado por ARTE ABSTRACTO (HOY) . Así se crea una experiencia visual en la cual el color ya no representa sólo un valor individual.que puede ser expandida en todas las direcciones. montados sobre una tela de base donde se registran hojas. Sus referencias a Kandinsky. Prior. con sus escorzos de formas espaciales. telas. y su posición consecuente en cuanto a la validez de los grandes discursos e innecesarias polémicas lo ubican dentro de aquellos que privilegian la práctica. adquiere espacialidad arquitectónica. que actualmente se replantea la construcción del paisaje inmerso en una geometría con alusiones cósmicas. 53 . realizado con cintas de papel engomado pintadas montadas sobre un bloque de madera y en sus relieves formados por varillas de madera pintada yuxtapuestas. Siquier y otros más. Cuando el visitante se enfrenta a los trabajos encolumnados de Avello observa irregularidades en los bordes de las bandas de color. dentro de un grupo más amplio. sino forma parte de una experiencia pictórica dentro de un sistema de colores establecido de antemano. para que puedan concretar esas aspiraciones. hilos. Marcaccio. Mondrian. Se presenta aquí un gran collage donde conviven papeles pegados. Es otro ejemplo significativo de la pintura “all over”. y Pollock. De esta manera los colores individuales deben ser entendidos como elementos de un sistema que permite que esos colores sean utilizados como conjuntos52. Marcas similares son visibles en el trabajo de Julia Masvernat. limitadas previamente por un encintado.

Siquier entrampa sus ensoñaciones. por su parte. La disposición de los elementos está perfectamente ordenada. a la manera de artistas tan diversos como Popova. • Pablo Siquier. de sus diseños. expectantes. y dibujados con perspectivas axonométricas trazadas con líneas negras sobre fondo blanco pintado con acrílico. Por su parte. Guagnini cree ver en ellas una gigantesca metáfora tentativa de Buenos Aires. en cuya realización han intervenido técnicas computacionales. Pero detrás del dibujo meticuloso y la precisión arquitectónica de sus esquemas. las desfigura y las oculta detrás de una geometría muy precisa. Jawlenski y Esteban Lisa. y se repiten. La experiencia visual que brinda la película de color no ocurre en forma automática. donde combina su pintura tersa y sin empastes con acumulaciones de material aplicado con espátula en algunos sectores de la tela. y que también se observa en trabajos de Marcaccio. como si se tratara de una función involuntaria de la capacidad perceptiva del observador. ya que la mirada del observador debe recorrer la superficie de la obra a una velocidad lo suficientemente lenta como para poder captar esa tectónica que transforma espacios ópticos en espacios táctiles. La variable tiempo t juega un papel crucial. lo que muestra una lógica racional. el desierto. ya que lo que pinta son “sombras”.David Katz—psicólogo gestáltico alemán que trabajó a principios del siglo XX—. utilizado como plano de composición. detrás de una repetición astuta leída como inocentes guardas decorativas que se repiten. Son precisamente esas irregularidades que se observan en los bordes de las franjas las que trascienden la materialidad de la superficie y que transforma su carácter óptico en táctil. con la ARTE ABSTRACTO (HOY) . produce una sensación de color separada de la experiencia de cualquier objeto53. se ha transformado en la pantalla de una computadora. planos de antiguas fortalezas. los sombreados perfectos. controladora. Esa manera inconsciente de sorprender al ojo es acentuado por Avello en trabajos recientes. Es difícil precisarlos. sino por su propio deseo de establecer esa conexión con el objeto mirado. registra un mundo de monumentos fantasmagóricos. y la atracción que ejerce su propiedad táctil. Solo que en este último caso el cartón o la tela. 54 . líneas que podrían ser consideradas como el ejemplo más temprano del estriaje del campo liso paradigmático. uno no puede menos que pensar en aquellos pobladores de la meseta peruana que dibujaron las llamadas “líneas Nazca” hace ya muchos siglos. De pronto. Él mismo cuestiona la clasificación de “abstracta” para sus obras. parecería que en esos parajes existen quienes nos observan y esperan. se percibe la existencia de otros mundos. pero para quien las observa desde el cielo. jardines desarmados. Esto le brinda espacialidad y tactilidad local a la superficie pictórica.

deben transformarse en otra cosa (desaparecer al fin de la exposición). reminiscencias visuales con figuras o paisajes54.insistencia de los cantos de sirenas. Por otra parte. traza obsesivas horizontales sobre campos monocromos. Luego las proyecta sobre la pared o un soporte portátil y sobre estas tramas. si se opta por sostener el punta de vista grenbeergiano a ultranza. • Una mirada rápida a la obra de Fabián Burgos sugeriría que este artista se encuentra bajo el influjo de las corrientes geométricas y minimalistas en aquellas obras donde. sería difícil no caer en la tentación de clasificar a esta clase de obras como arte “light” (o “rosa bombón”). el artista utiliza un programa de computadora muy sofisticado. sobre sí mismo. Gumier se opone al dictum minimalista y destruye la convexidad que lleva implícita la ortogonalidad con formas barrocas proyectadas sobre el plano. hay que cooptarla. Más relieves • Los arabescos de Gumier Maier. esas extrañas formas onduladas planas poseen. violentos. con sus bandas pintadas con tonalidades rosadas y verdosas. con el que dibuja perspectivas de silenciosos edificios. si se desea. Ensoñaciones incontaminadas por el significado de un título que puede confundir. Metafísica que va creciendo en los trabajos recientes de este artista que aún no ha puesto en descubierto toda su potencialidad. porque así percibo a sus arabescos. denominación que castiga mucha de la obra producida en la Argentina por la llamada generación del 90. el abrumador trazado sucesivo de miles de líneas con grafito le causa gran esfuerzo psicofísico. Una rara sensualidad flota en este juego de ensoñaciones. 55 . según su autor. Actos peligrosos. dibuja a mano esas extensas y laberínticas construcciones borgeanas. Veo en su obra más reciente una suprema preocupación por combinar el uso sensible del color y dotar a su superficie un carácter táctil. librarse de la mecánica minimalista. La estética del “kitsch”. que agita y perturba nuestro “corazoncito modernista”. reinterpretarla. amplificadas varias veces. que se ejercen más que sobre la propia obra. El destino de sus obras sobre las paredes de galerías o museos ya está marcado de antemano. En trabajos más recientes. muerte. tragedia. aprender a convivir y. andamios o encofrados que nunca serán construídos. a gozar con ella. Pero esta sería solo una versión esquemática y simplista de su obra. que el artista oculta para que sea el observador —aligerado de todo contenido semántico— quien explore e inicie su viaje. Habrá que prevenir al viajero para que no caiga en la trampa. forma parte de contemporaneidad. a la manera de una Agnes Martin. Estas obras precarias de Siquier reflejan un angustioso sentimiento que bordea una patología de destrucción. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . lo que crea un juego volumétrico de salientes y entrantes. Pero hay más. También resurge en su mesa de billar (Colección Liprandi). que los Madís y algunos concretos habían hecho trizas. Sus bordes son rectos. encastrados a la perfección. insiste en trabajar el vidrio como soporte. con la que Guagnini se propone anular la distinción sujeto-objeto y lograr que sea la acción (el juego) la que constituya la obra. En sus centros aparecen círculos pintados con tonos verdes y naranjas respectivamente.• Lucio Dorr. una posición con puntos de contacto con el manifiesto neoconcreto del poeta brasileño Ferreira Gullar55. En el arte de hoy no caben los unicatos ni las rigideces. están construídos con madera recubierta de chapas de laminado plástico (fórmica). por su parte. las tardes de verano. eclipses. Sin embargo. la simetría rotacional empleada agrada al ojo y lo distiende. de colores negro y marrón oscuro. La acumulación de los tres vidrios superpuestos muestra que el juego de colores a que da lugar los diferentes dentados se convierte en el elemento determinante de esta obra que destila un humor extraño. Atrapado en su propio juego de transparencias y opacidades. con su paño irregular —articulado a semejanza de una pintura de forma irregular de Raúl Lozza— y su silencio omnisciente. 56 • Los dos relieves rectangulares de Silvana Lacarra. el erotismo. La alternancia de formas y colores entrelazados sugieren lo acolchado. pero también es juego. una metafísica de la voluptuosidad. en suma. lo que representa una mejora en su materialización frente a obras anteriores. la presencia de la maciza y espléndida mesa. Es significativo que esta artista decida abandonar la horizontalidad por una verticalidad más afirmativa56. Son formas ameboidales inscriptas en cuadrados pintados al óleo con un agregado de pigmentos: el primero con un gris azulado y el segundo con magenta. Guagnini—como Gumier— libra su pequeña batalla contra la convexidad del cuadrado como formato (canónico) dominante del modernismo. su forma cristalina predilecta se trasmuta y se convierte en un conjunto de tres anillos planos dentados y simétricos. que él visualiza como coronas mortuorias. con los dos elementos verticales centrales girados sobre un eje horizontal. Se trata de un acto trascendente que denota un compromiso nada complaciente que el . Son formas ascéticas. cuestionaría la misma esencia de esa teorización. titulados (1-0) y (0-1). operación radical que culmina con los tajos y agujeros de Fontana. la visualizo más como un colorido y contradictorio cepo que una inofensiva girnalda polinesia. como lo sugieren sus títulos. • Sobre el otro lado de la columna donde se apoya la obra de Gumier se han ubicado dos relieves de Guagnini. que utiliza un procedimiento similar al de la obra ya comentada. colores complementarios que establecen una polaridad entre ambas imágenes. el arte puede contener un bacilo perturbador.

según la voluntad del observador. mientras que Röyi –escultura emblemática de Gyula Kosice– solo admite cambios relativos de posición de sus elementos articulados entre sí. admiten total libertad. es una obra con posibilidades visuales infinitas. los componentes masculinos y femeninos de la personalidad de cada artista. Se trata de asociarlo. Estas formas poco tienen que ver con la concepción barroca del espacio. aunque en algunos casos se han visto ubicadas sobre la pared articulando un conjunto. ¡Qué extraño contrapunto entre ambas simetrías. Es sobre estas trayectorias que el artista da forma a sus pinturas. o en vena metafórica. se asemejan a complejas cuerdas de relojería. ya sea como una galaxia ensoñadora. Cippolini las califica como una suerte de “naturalezas muertas”. Pero es necesario remarcar ciertas diferencias. concretas.uso de la añeja simetría especular. El rítmico recorrido de sus arabescos nos retrotraen a las conformaciones místicas de un Kupka. como los juguetes de Torres-García. 57 . quizá por su parentesco plástico con las de Morandi. los rompecabezas de De Volder y las “naturalezas muertas” de Kacero. la suya es una línea de curvatura contínua que avanza ininterrumpidamente y solo se detiene al final. lo que perturba es la imanencia de su nomadismo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de invitarlo al juego o a la contemplación de formas potencialmente infinitas. Aunque el artista ve a sus trabajos como “imágenes que hablan de sí mismas. son lo que son”. un juego sobre lo real absoluto. como fetos pretéritos. sobre un soporte horizontal. distiende y amortigua. contenedora. entre la severa verticalidad y ortogonalidad de los relieves y la lúdica sensualidad del otro par! Esta polaridad —no buscada— quizá lleve a una reflexión sobre cómo trascienden. ambos artistas proponen que la energía necesaria para construirla –y desconstruirla– sea suministrada por el propio observador. • Kacero presenta un ensamblaje de formas acolchadas que pueden ser dispuestas. nudos que habrá que desatar algún día. que lleva a imaginarla. como el de De Volder. mejor dicho. que se presenta como una suerte de rompecabezas constituido por numerosas piezas imantadas montadas sobre un plano metálico pintado de blanco —otra vez más la materialidad del plano malevichiano como forma contenedora y continente. verá que la pareja parda y negruzca de Lacarra se enfrenta con las formas circulares anaranjadas y verdosas de Guagnini. Como antes lo hicieran los Madís. las múltiples líneas de fuga que destruyen la compacta imagen inicial y la desterritorializa. al artefacto expuesto. en algunas obras. Si el observador voltea la cabeza. Es privilegio del observador el jugar y soñar libremente con ellas. con formas estáticas. Las piezas —maderas pintadas con esmalte con una gama sensible de cinco colores de tonalidades frías— articulan esa forma ameboidal. • De Volder parte del dibujo. una cosmovisión. Este artefacto.

desde ángulos diferentes. Tercero. a veces con cierta dosis de cinismo. como aquellos maestros. López ha planteado un ejercicio óptico en todo el volumen que posibilita diferentes lecturas. 58 . una idea desarrollada en forma independiente por el artista brasilero Willis de Castro. Esto justifica el sitio elegido en la muestra para esta obra. y de la necesidad de encontrar observadores apasionados para sus obras. gracias a esa conciencia de la fragilidad e irrelevancia social de su arte. Pero las diferencias son sustanciales. se amplia el espacio de contemplación hacia los laterales. una combinación de geometrías imposibles. y también desean. en escorzo. y que les permita sostenerse en forma independiente dentro del marco de la sociedad de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Es en esa permanente busca de la creatividad que constituye el motor con lo que desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. los artistas convocados reconocen los valores plásticos innovadores incorporados por el modernismo. El observador podrá construir. están conscientes de la “fragilidad” del arte contemporáneo como vehículo para la comunicación masiva. Así se extiende el ángulo de visión del observador. que se propuso crear un arte que sea “la genuina y viviente expresión del equilibrio universal”57. instrumentan mecanismos que las neutralicen. en su práctica conviven diferentes propuestas que no excluyen lo figural y el papel lúdico del arte que reemplaza la solemnidad omnisciente de algunos modernistas. según lo explica Deleuze. “encontrar las condiciones bajo las cuales algo nuevo se produce (la creatividad)”. Primero. Por el contrario. en otras palabras. Cuarto. Emiliano López presenta una construcción de forma octogonal pintada con acrílico sobre fondo blanco donde la imagen frontal se integra con los bordes laterales del bastidor. UN FINAL SIN NOSTALGIA ¿Se puede hablar hoy de una nueva abstracción? Si se recorren las tres salas del CCEBA.• Por último. así como una suerte de homenaje a la abstracción histórica. VI. esa visión utópica epitomizada por Mondrian. ya que se la podrá apreciar lateralmente. en su imaginación. pero encarada sin nostalgia ni melancolía. Segundo. César Paternosto y Jo Baer y que Eduardo Costa llevaría a dimensiones insólitas. no pretenden rescatar el sentido de unicidad e inefabilidad de la abstracción histórica. se advierte que en apariencia reaparecen elementos formales no-figurales que caracterizan a pinturas y relieves modernistas. Se trata de una obra que resume y amplía el campo de las experiencias concretas y Madís.

pero salvo en las obras de Gutman. precisamente por las estrategias de resiliencia implementadas por los artistas contemporáneos. es decir. las nostalgias por su reinstalación son cada vez menores. Por otra parte. Thierry de Duve se pregunta ¿puede la actividad artística [o cultural] mantener una función crítica si se aparta ARTE ABSTRACTO (HOY) . no se advierten referencias directas. signos o citas donde se manifieste preocupación alguna por la grave problemática social actual. otro artista cuya obra se desarrolla con materializaciones y medios diversos. modificar su propia estructura de clase. si se entra en consideraciones moleculares. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos”. en su definición de abstracción plantea la conexión que existe entre el arte abstracto y el capitalismo tardío. con ello. 104). se podría afirmar que un sector elitista de la burguesía de los países más industrializados adoptó los productos de las vanguardias ya que portan los gérmenes de la sociedad moderna en pleno desarrollo y se instituye en guardián del modernismo. donde buena parte de los artistas contemporáneos han cursado estudios de grado y de posgrado en las universidades más prestigiosas. y esto es más notable aún en países centrales: caso de los EEUU. la que debiera extenderse al “high art” moderno y contemporáneo sin excepciones (pag. Guagnini. para contrabalancear esa percepción de fragilidad que domina el arte de hoy. lo que le ocasionó su expulsión en 1948. como apunta Clement Greenberg. Muchos han dejado atrás tanto las consignas posmodernas neoconservadoras como aquel discurso de reinvindicación político-cultural que se había constituido en una suerte de lengua franca para una crítica ideologizada. ejemplificado en este medio por las declaraciones públicas en defensa de la libertad creativa dentro del Partido Comunista por el artista concreto Tomás Maldonado. estaban ligados a la nueva elite ilustrada por “un cordón umbilical de oro”58. Desde un punto de vista molar (macroscópico) marxista. o la polémica entre Berni y Pettoruti. El ser artista deviene en una profesión liberal más. Si los artistas de la vanguardia. Para explicar este hecho se podría resituar este debate dentro de la óptica modernista. Quizá sea Hasper la única que sostiene que su trabajo “está saturado por una gran cantidad de significados. Este sector “ilustrado” no se propone. microcósmicas. habría que señalar las genuinas motivaciones personales que articulan la relación que se establece en el espacio de contemplación entre el productor y las necesidades intelectuales y psíquicas del consumidor de la obra de arte. esta relación está cambiando. sino afirmar su control no solo de los medios económicos y políticos. 59 . como movimiento único y exclusivo de diferenciación intelectual está cada vez más lejos.consumo. sino también de las instituciones y los medios que controlan la “alta” cultura y los medios masivos de comunicación. Por su parte. Ya la modernidad. es un eco que se acalla.

Último manifiesto argentino del siglo XX”.de un proyecto de emancipación social?59. 2003. Políticas de lo visual. su capacidad de resiliencia. p. Dentro de la amplísima literatura que plantea esta problemática señalo el libro de Patricio Lóizaga. . p. Parafaseando a Klee. “El imperio del cinismo. y redactado por Rafael Cippolini que participó de las conversaciones con estos artistas. diseño y crítica cultural frente al nuevo milenio”. conviviendo con ella. 3. Democracia. Actualmente se la utiliza también para definir tanto la capacidad psicológica de recuperación de niños y adultos sometidos a traumas bajo circunstancias adversas. 4. Extractos de un boceto. Con la palabra “resiliencia” (del latín resilientia) se indica en metalurgia la capacidad de ciertos materiales elásticos y frágiles de recuperar su forma después de ser sometidos a un esfuerzo de choque o de una presión continua. Graciela Hasper. The New Press. Cippolini. 2000. versión tomada de R. 60 Adriana Hidalgo Editora. 11. Buenos Aires. p. p. medios. arte. ellos necesitan de un pueblo que los contenga. 143. 1998. No se nutren de ensueños. “Postmodernism and Consumer Society”. su visión crítica. Publicado originariamente en la revista ramona. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Pero algunos evitan dar respuestas. La melancolía y la nostalgia están ausentes. 503. Pero lo que logran no es poco. Esta pregunta admitiría una respuesta positiva por parte de artistas contemporáneos siempre que las acciones se sostengan por si mismas (por su rigor). “Introduction”. Fredric Jameson. su resistencia. 5. Nº 1. Emecé. Fabio Kacero y Pablo Siquier. NOTAS 1. Manifiestos argentinos. Hal Foster. El psicoanalista francés Boris Cyrulnik la presenta como “el arte de navegar en los torrentes”. ibidem. abril/mayo de 2000. editado por Hal Foster. publicado en The Anti-Aesthetic. En su mayoría “atravesados por la fragilidad”. 2.Essays on Posmodern Culture. Buenos Aires. firmado por Ernesto Ballesteros. “Manifiesto frágil. con conductas éticas y posiciones críticas respecto de las fuerzas políticas y económicas dominantes. Esta exposición agrupa a artistas que utilizan los advances tecnológicos con total libertad y al mismo tiempo desafían ese dictum que preconiza la muerte de la pintura como actividad manual y aureática. New York. como para establecer las condiciones de sustentabilidad de complejos sistemas sociales y ecológicos adaptativos. “más no pueden hacer”. Mantienen viva su creatividad. xiii.

61 .Sin título / 2001 / Julia Masvernat Cintas de papel y acrílico. 50 x 50 x 1 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 62

Serie alteraciones / 2003 / Natalia Cacchiarelli
Instalación: acrílico sobre tela (medidas variables).

Composición / 2003 / Fabián Burgos
Acrílico sobre tela, (4 elementos de 30 x 40 cm).

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 63

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 64

Sin título / 1992 / Gumier Maier
184 x 56 cm.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 65 .Sin título / 2005 / Lucio Dorr Vidrio calado y pintado. medidas variables.

66 1-0. 1999 (rojo) y 0-1. 1999 (verde) / Nicolás Guagnini Óleo y técnica mixta sobre fibrofácil. (Par de obras que funcionan como una sola).ARTE ABSTRACTO (HOY) . 30 x 30 x 3. .4 cm.

55 x 35 x 14 cm. 67 . (Par de obras que funcionan como una sola). ARTE ABSTRACTO (HOY) .Sin título / 2004 / Silvana Lacarra Pieza de madera revestida en fórmica.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 68 Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. 100 x 100 cm. .

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 69 .Cinco colores / 2004 / Beto De Volder Madera pintada y chapa imantada. 100 x 100 cm. (otra disposición).

4 x 133 x 16 cm. gomaespuma. parvex. (instalación). telas.ARTE ABSTRACTO (HOY) . 70 “E. 66. Hutter”/ 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. . plásticos.

4 x 133 x 16 cm. ARTE ABSTRACTO (HOY) . 66. 71 . parvex. Hutter” / 2001-2003 / Fabio Kacero Fibrofácil. (otra disposición). telas. plásticos. gomaespuma.“E.

72 Sin título / 2004 / Emiliano López Acrílico sobre tela.ARTE ABSTRACTO (HOY) .5 cm. . 35 x 35 x 3.

cit. 1956. “Abstraction. January 1937. 14. 73 . año 7.As./ They confine themselves/ If they tried rhomboids. Lydia Dona. George Braziller. . Por su parte. Journal of Philosophy and the Visual Arts. p. pp. op. reimpreso en M. acompañada por una serie de conferencias dictadas por este autor en la New York University en el año 2003 titulada “Abstract Art: Crossing the Lines [Europas and the Americas]”. 1999. 11. Amsterdam. the ellipse of the half-moon—/ Rationalists would wear sombreros”. / Looking at the ceiling. Nº 28. 2002. Frascina. waving lines. 9. Nº 71. pp. septiembre-octubre 2002. Hace poco la artista accedió a que se mostrara su obra abstracta en Nueva York en una galería comercial y en la Dia Foundation. Madrid. Lausanne. Octubre 2002 y Mondrian y Torres-García: la retícula inefable. New York. The Critical Debate. 7. Stevens es considerado como el poeta más completo de su generación y su poesía se caracteriza por el empleo de palabras inesperadas (caso de “sombreros” en español) que primero desconciertan pero que luego demuestran ser precisas. Paintings 1960-1998. Wallace Stevens. Este ciclo se inicia con una exposición donde se narra el origen de la abstracción latinoamericana.185-211. “Reluctance. véase los trabajos de este autor: Mondrian con la regla. New York. Buenos Aires. Miquel Navarro sobre Wallace Stevens. Éditions del’oeil. Harper & Row. Ambivalence and the Infra-Language”. catálogo de la exposición Joaquín Torres-García. editado por F. titulada “Abstract Art from Rio de la Plata. ellipses—/. Gradowczyk y Nelly Perazzo). 15. Nº 26. una mirada desde el Sur. 1995. realizada en la Americas Society de Nueva York en el año 2001 y que se viera luego en el museo Rufino Tamayo de la ciudad de México (curada por M. Cubism and Abstract Art. (M. El historiador Meyer Schapiro fue el primero en señalar el carácter antihistórico de la propuesta de Barr. 1936. Valencia. reimpreso en Curiosités esthétiques. October 1983. 16. New York.” vol. Schapiro. Museo Colecciones ICO. 136-37. Art in America. Francis Frascina sugiere que el modelo de Barr adquiere el carácter sociológico de paradigma dominante (Pollock and After. ibídem. Schapiro. Museum of Modern Art. 1985. a la que le sigue “Esteban Lisa.) 8. Tomada de Antonio García-Berrió y Teresa García-Berrió Hernández. Academy Group. 1 N 1. Selected Papers. Marxist Quarterly. 7. Barr. un mundo construido. p. 1979. 90-91. Revista Archivos del Presente. 18. p. / Think. 77-98. 13. Ver Le peintre de la vie moderne. Modern Art: 19 and 20th Centuries. 22 de octubre 2002-6 enero 2003. Stedelijk Museum. 94. p. La versión original se tomó en Internet: “Rationalists. De Arturo al Di Tella” en la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (2002). / Looking at the floor. Mondrian y Torres-García. versión española de Jenaro Talens y modificada por este autor. 12. 410. “Six Significant Landscapes”. p. Generalidad Valenciana y Telefónica. (Se publicó en este catálogo una traducción al inglés. H. London. ARTE ABSTRACTO (HOY) . “The Nature of Abstract Art.. pp. Buenos Aires-Montevideo 1933-1953”. 10).6. Andrew Benjamin./ Cones. for example. “I am not an abstract artist”.” Journal of Philosophy and the Visual Arts. La denominación “observador apasionado” (observateur passionné) se debe a Baudelaire. reproducido en Jo Baer. 10. Alfred H. in square rooms. wearing square hats. Revista ramona. pp. Jo Baer. Nº 5. Sobre la relación entre Mondrian y Torres-García.

127. W. … t son variables independientes. Eduardo Costa y Raúl Escari. Sites of imaginary space. Se podría asignarle a la palabra “aura” su contenido hermético: es el halo energético que rodea al objeto y evidencia la presencia de su autor. 21 de noviembre de 2004. p. Manifiestos argentinos. publicó El proceso y America. Véase R. op. Cambridge University Press. 41. Baudelaire. 74 32. Dado que el número de coleccionistas interesados en absorber su cuantiosa producción (unas 9400 obras) era escaso. 23. Klee. p. Conversations avec Cézanne. 19.y. 1993. Conversations avec Cézanne. z. “Un arte de los medios de comunicación”. Para el caso de una escultura. .z…t)= 0. Lausanne. editada por P. 26. p. quien nunca expuso su obra al público y cuya obra fue dada a conocer por sus herederos. cit. “The Plasmic Image” (1945). 1989. 1956. G. Deleuze y F. “L’ Abécédaire de Gilles Deleuze. Selected Writings and Interviews. 112. reimpreso en Curiosités esthétiques. Walter Benjamin. Manantial. Benjamin. Un caso emblemático es el Franz Kafka.…t) 30. Baudelaire. 29. ibídem. Symbolist aesthetics and early abstract art. 28. En nuestro país está el caso de Esteban Lisa. “Simulacrum”. p. 26. Sonntagszeitung. cit. Frankfurter Allgemeine. S. P. Michael Camille. On Modern Art. 55. Klee era consciente de la vigencia de una ley clave del capitalismo: a mayor producción menor precio. 1995. Anagrama. Barcelona. 114. 35. 338. Farber and Farber. 20. p. London. Cippolini. editado por R. Chicago. Lo que vemos. tomado de Georges Didi-Huberman. Shiff. Guattari. 34. 412. C. 1997. 37. Paris. Buenos Aires. ¿Qué es la filosofía?. Cambridge. Barnett Newman. 11. avec Claire Parnet” (1996). 220. Charles Baudelaire. Fue su albacea. NR 47. 27. 1855 Beaux-Arts. 22. Éditions de l’Oeil. op. p. tomado de Internet. p. “Exposition Universelle”. lo que nos mira. 165. p. op. 1997.17. la función implícita no admite una solución (explícita) de la forma x= g (y. editado por John P. Conversations avec Cézanne.z. ARTE ABSTRACTO (HOY) . “Salon de 1846”. 33. pionero del arte abstracto. pág. 36. 31. y publicado por primera vez en 1967.. y. Buenos Aires. 24. 25.28. el artista numeró sus obras con un código para disimular este hecho.. Discursos interrumpidos I. Buenos Aires. ibidem. Sur quelques thèmes baudelairiens. presentada su clásico trabajo sobre la reproductivilidad técnica. Nelson y R. donde x. M. 95. . 1978. 21. quien contrariando la voluntad póstuma del escritor. Taurus. On Modern Art. Paul Klee. “Die grosste Kanonisierungsmachine der Welt”. 1966. p. 1966-87. p. p. Doran. será el radio de ese circulo virtual transitado por el observador alrededor de la obra. Macula. publicado en Barnett Newman. En un pasaje de sus conversaciones imaginarias con Joachim Gasquet. Chicago University Press. 18. el escritor Max Brod. En general. C. Existen casos límites donde el creador se ha rehusado a dar a conocer su obra al público. Una función implicita es de la forma f (x. cit.. publicado en Critical Terms for Art History. por Roberto Jacoby. ibídem. p. p. Dee Reynolds.

p. 5. Art and Technology. 1820-1980. M. que ha sido mostrado recientemente en Alemania. en Color for Science. Gradowczyk. cit. 2001.85 metros y sin comienzo ni fin (es una forma anular) que ocupa un gran espacio circular de 8. 64. 38. Madrid. Michael Fehr. Picasso. . “You have to want to see!”. Tomado de Dawn Ades. 27 de marzo de 1963.O’Neill. G. Mil Mesetas. 54. 324. p. Elsevier. S. p. Bélgica. 1992. Quizá la obra más importante realizada por Wurmfeld es su Panorama. p. 43. 38-39 51. M. Guattari. Francis Bacon. Gradowczyk. publicado en Fabian Marcaccio Paintant Stories. M. 40. 178. 88. 3. H. Acomodar o aplicar con propiedad las circunstancias o moralidad de un suceso al caso de que se trata. Éditions de la Différence. 4. conferencias dictadas en el Centro Juan Carlos I. Sils Maria Éditions. Bielefeld. por lo común de propia autoridad. 200. Logique de la sensation. figurado. El observador accede al centro ARTE ABSTRACTO (HOY) . 48. editado por K. “Color in Abstract Painting”. O’Neill. cit.. revista Concepts. Paris. Ibídem. Karl Ernst Osthaus-Museum Hagen. p. 1988. op. 1989. Deleuze. edición. Gradowczyk. 39. p. 46. pp. 185. Pretextos. 1998. Pablo Picasso. 21 a. Antiguo: asemejar. M. New York University. p. publicado en Sanford Wurmfeld. Cyclorama 2000. Gradowczyk. Kerber Verlag.169. Hungría y Escocia. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Berkeley. 53. Tomar para sí alguna cosa. (Tomado del Diccionario de la lengua española. 75 del espacio de exhibición a través de una escalera y el espacio de contemplación está limitado por la propia obra de arte. 1981 (reimpreso en 1996). op. catálogo de la exposición. Tulio de Sagastizábal. G. 41. p. 1991. Berkeley. 22-23. 50. H.60 metros del suelo una longitud de 26. The Artist’s Studio. 52. Neuer Folkwang Verlag. Mons. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. 49. p. Yale University Press. Tomado de Michael FitzGerald.55 metros de diámetro. Citado por Deleuze y Guattari. H. editada por John P. 42. “Hybrid Networks”. Capitalismo y esquizofrenia. Abstract Art: Crossing the Lines [Europa and the Americas]. 44. 140. October 2003. Martin Hentschel. 2003 (inédito). Barnett Newman Selected Writings and Interviews. 55. Valencia. Se trata de una obra muy extensa que se alza unos 2. 2000. Wurmfeld. The Hayward Gallery. London. 8-28. 146-169. 2000. 45. New Haven y Londres. Amsterdam. Alfredo Prior. Nas sau. H. Deleuze y F. University of California Press. Hacer propio de alguno cualquier cosa. “A Reanalysis of Deleuze and Guattari’s Art Theory”. Aplicar a cada cosa lo que le es propio y más conveniente. 47. pp. 1992). cit. hors série Gilles Deleuze 2. Gumier Maier. ¿Qué es la filosofía?. 39. 2. University of California Press. haciéndose dueño de ello. p. Apropiación: (Del latín appropiare). Art in Latin America: the Modern Era. p. op.

Introducción a “The New Art-The New Life” (1932). 278 58. Fondo Nacional de las Artes. Cambridge. 2004. Clement Greenberg.p. 2001. 1988. Vol. James. tomado de The New Art-The New Life.56. España. p. “Avant-garde and Kitsch” (1939). Perceptions and Judgements. Revista Acto. Buenos Aires. 1996. I. reimpreso en Clement Greenberg. 76 . 57. MIT press. S. Chicago University Presss. (Este texto fue tomado de una serie de notas recopiladas por Marcelo Gutman y que aparecen en Internet). Da Capo. Silvana Lacarra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . New York. editado por H. Holtzman y M. The collected Writings of Piet Mondrian. editado por John O’Brian. Mondrian. 1939-1944. The Collected Essays and Criticism. Kant after Duchamp. 11. de Duve. P. Thierry de Duve. 1993. “Arqueología de la modernidad práctica”. 59. Tomado del capítulo 8 del libro de T. Chicago.

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diseños. lo que hasta entonces podían ser motivos decorativos. humor. conciencia de la materialidad de lo real. 79 . en sí de la obra. en la feliz expansión de lo urbano y una determinada arquitectura. desafío.PALABRA DE ARTISTA Por Amalia Sato Esta muestra queda enmarcada. manchas. limpidez sin historia. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Concepto surgido de una de las mayores torsiones de lectura que el siglo XX se permitió. por el que serían nominadas todas las nuevas obras que desde entonces serían abstractas. despojamiento de toda significación extravisual. símbolos. dentro de un campo ya centenario. nuevo salón abstracto con estos invitados que. agregan al catálogo ese plus: palabra de artista que se aguarda con tanta ilusión de verdad. desparpajo. Abstracción. al responder cinco preguntas con seriedad. modificación de la sensibilidad por un hábito visual ahora especializado en detectar los aspectos formales… En 2005. instalación en un ideal universo cerrado. fondos. por su presentación. intersticios. emoción ante una realización que desafía a la verbalización explicativa y genera una nueva noción de marca personal. poesía. posibilidades de un infinito archivo de formas de la naturaleza. fundación de una nueva categoría sensible. en contraposición al orbe de la representación. pudo también configurarse dentro de un enorme “aparte”. marcada por la autosuficiencia y la autorreferencialidad. fragmentos. Los testimonios. programas e intentos de definición que la noción de abstracción ha sumado conservan la potencialidad de una puesta en marcha: modo clave de la modernidad. marcas. hito donde se respira la libertad en un presente. irritación o compromiso. Así.

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. soporte.. ARTE ABSTRACTO (HOY) . citas. tema. 4. Complete otra posible definición con su propia idea de abstracción. tecnología. a partir de este guión: Abstracción. motivaciones. ¿Pintar? ¿Siempre abstracción? ¿También abstracción? ¿Por qué? 2. 3.. 81 . Cite a tres artistas que lo nutran. pensamientos. referencias. tamaño. Cuente uno o varios de los mecanismos de acción de su trabajo. colores. de modo que... sin.. para. Narre su trabajo en función de estas coordenadas: estructura formal (formas. materiales). ciencias. 5. o elabore una con la redacción que a usted se le ocurra..CUESTIONARIO Por Amalia Sato 1. estados de ánimo.. Adjetívelos. símbolos. caligrafía.

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Una caja de colores. circulitos. Es así. La obra de arte tiene más que ver con algo perceptivo que con algo narrativo. Sí. Con colores. Creo haber conseguido una obra lúdica y seria al mismo tiempo.SERGIO AVELLO Mar del Plata. Dabbah-Torrejón (SEMANA). En ese momento yo era figurativo. Pero no lo es. en EEUU y en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre. Unas tramas de telas. Rojas (AVELLO Y SUS AMIGOS). 83 . A veces no las hice porque se me acabó la tela. Galería van Riel (PINTURAS Y CAJAS LUMINICAS). Tengo una idea o concepto de arte de gran belleza. Brasil). Que sensación genial. Como decir: que buen atardecer. Pero a la punta del pino. en mi niñez fui figurativo. Un riel. Siempre fui alegre y nunca sufrí la belleza. C. 1964 En los 80´s organiza y expone en lugares no tradicionales como discotecas y espacios públicos. Participó de exposiciones colectivas en diferentes museos y galerias argentinas. 2. y en el Fondo Nacional de las Artes (S/T). Dibujé un perro atado a un pino. Obtuvo la beca Kuitca y la beca para la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. realizando su primera exposición individual en la galería Adriana Rosenberg en 1989 (ARTE DECORATIVO ARGENTINO) seguidas por otras en el C. ARTE ABSTRACTO (HOY) . La belleza es una idea que sólo se puede sintetizar en figuras primarias: Flores. 1. Sé que puede sonar a mariconada. total.También el subsidio otorgado por Fundación Antorchas para realizar la obra “BANDERA” en 2003.

me cambia tanto el ánimo.Si no le ponés nada. Recorrer el mismo camino pero en otra dirección. Cada uno tiene su genialidad. O lo presento en un lugar que no es el convencional. Sí: de per versus. El nombre de los colores. Tengo algo preciosista en mi despojamiento. El otro día pensaba que había dejado de ser abstracto y geométrico y ahora era hiperrealista porque pintaba degradés. Tengo que seguir. Un minimal italianizado. la imaginación te lleva mucho más allá. Por ahí le pongo un marco que es disparatado. Los nombres de los óleos son bárbaros. Los materiales siempre aparecen. Hago algo para distraer ese minimal. Esa perla es el humor. Tengo una predilección por todos los colores. Todo es parte del mismo proceso. “Me pone tan contento pintar un cuadro. Hacía make . Siempre fui el perverso. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Lo mínimo es máximo. Un cachito de cielo o de vegetal. la vida me parece tan genial”. Me disparan. el camino contrario. Lo mío es un mínimo preciosista. Hubo una época en la que dejé de pintar. Verde sapo. 3.up. 84 . Una chica me dijo que era una perversión. Como si lo último fuera una perla. ¿Cuál es mi mejor cuadro? Aún no lo hice. O no voy a la mejor galería.

No sé hacia dónde me dirijo, sé que voy realizándolo lentamente. Me estoy dedicando al degradé en la historia. El degradé es genial: está en la naturaleza. Ahora lo puedo decir: soy un artista hiperrealista. Porque me dedico al degradé. Voy a presentarlo con luces, con pintura. Estoy dedicándome al degradé a full. Me gusta el óleo. Una untuosidad infernal puesta en la cosa.

4. Quiero pintar un Nirvana
Un monte en el medio Quiero reencarnar en un alma pura En mi Panteón hay varios artistas preferidos. Cada uno tiene lo suyo. Los quiero a todos por igual y no los nombro para no olvidarme de ninguno. (risas, aplausos)

5. Es que supe que iba a ser artista a los seis años, en primer grado.
Recuerdo perfectamente la ocasión. Fue el día en que la maestra nos enseñó la letra “G”. Dibujé una gitana. Y me dije “OK. Sos un artista”. Eso había logrado la “G” de gitana, que también es la “G” de genial. Hice los pliegos. Tuve la idea de la Historia del Arte en esa gitana. La gitana estaba dibujadísima: tenía aros dorados. Vi visiones en ella. Y la olvidé por años.

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ERNESTO BALLESTEROS
Buenos Aires, 1963 Concurrió al taller de Alberto Bruzzone, Jorge Melo y Juan Doffo y tomó cursos en la Prilidiano Pueyrredón. Expone individualmente a partir de 1990 en instituciones como CAYC, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Centro Cultural Borges, Centro Cultural de España y en las galerías de Ruth Benzacar y Jacobo Karpio (Costa Rica). Su obra se exhibió en numerosas exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Leonardo a la Joven Generación, 2do Premio Universidad de Palermo, 1er Premio Bienal Chandón y ler premio del Fondo Nacional de las Artes y su beca para la producción artística.

1. ¿Pintar? Puede decirse que son pinturas mis trabajos sobre tela, por la presencia de una ínfima
cantidad de color, además de pintura blanca y transparente. ¿Siempre abstracción? No, no siempre. Por otra parte ¿es abstracción? Presento la acción de trazar determinada cantidad de líneas y luego resaltar las intersecciones entre éstas con un círculo verde. ¿Por qué? Deliberadamente busco que mi trabajo se sitúe en esa zona donde la abstracciòn y la figuraciòn se funden y pierden sentido.

2. Estructura formal. Formas. Dadas por la naturaleza de la acción llevada a cabo. Colores. Uso por lo general el verde, por su efectividad como resaltador. Soporte. Pared, papel, tela en bastidor, fotografìa, aire, etc. Tamaño. Variado. Materiales. Lápiz, acrílico transparente y verde de cadmio claro. Tema. La percepción.
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3. Mecanismos de acción de trabajo.
En algunos trabajos trazo determinada cantidad de líneas (100, 1000, 100000, etc), y esto mientras tengo los ojos tapados, o mientras dos artistas me empujan desde ambos costados, o haciendo rodar el lápiz en mi mano mientras dibujo, o pegando varios lápices entre sí y haciéndolos rodar igual, o convocando a otros artistas para que, bajo la forma de un juego (carrera de lápices), tracen ellos las

líneas. A veces estas líneas salen de un punto y llegan a otro, cientos de veces, otras su dirección es caótica, otras forman círculos, o son segmentos trazados con regla, etc. En la mayoría de los casos estas líneas son contadas mientras las trazo. En algunos, son trazadas ejerciendo distintas presiones sobre el soporte. Hay trabajos en los que luego de dibujadas las líneas, cuento y resalto las intersecciones formadas. Éstas son pintadas con verde claro muy transparente, para que cuando estén confinadas a un espacio reducido, y se superpongan, el color se intensifique. En otros casos he trazado miles de líneas muy suavemente, pero ejerciendo mayor presión con el lápiz al pasar por un determinado sector, haciendo así que sólo a una muy corta distancia de la pared, papel, o tela, se pudieran percibir los millares de líneas serpenteantes cubriendo la totalidad de la superficie. Tanto resaltando intersecciones como creando zonas más oscuras en un entramado de líneas suaves, hago visible el trabajo al espectador lejano. En algunos casos sólo a muy corta distancia se perciben las líneas, y las intersecciones solitarias.

4. Tres artistas que me nutran. Actualmente estoy concentrado en los trabajos de Georges Seurat,
Joseph Conrad y David Lynch.

5. Definición. La figuración es el punto focal en la recta de la abstracción.

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2. 88 . Participa en diversos premios y muestras colectivas. para qué). Asiste al taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal. El resultado son obras tal vez menos previsibles y que requieren más tiempo de elaboración. Hay en mis trabajos una referencia o vínculo cercano con Madi y Arte Concreto Invención que por supuesto ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Crear? Sí siempre abstracción. en la relación ambigua de la superficie con la tridimensionalidad. ¿Por qué abstracción y además geométrica? Puedo decir que disfruto de preguntarme por medio de las formas. que por supuesto siempre debe estar en movimiento o ejercitándose. Podría decir también que se trata de una disciplina del presente y un ejercicio constante de la percepción visual como mecanismo de goce y aprendizaje. De todas formas. Subsidio a la creación artística otorgado por la Fundación Antorchas. No trabajo con temas. Seleccionada para Estudio Abierto 2004. Encuentro placer en la inestabilidad de las formas. Ahora trabajo con menos pautas y confiando en esa intuición ya educada o nutrida. Realiza su primer exposición individual “Motivos para un cuadro” en 1999.1975 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón como Profesora de Pintura. desde que comencé a pintar. etc. La geometría podría ser para mí la metáfora de una experiencia simultánea. en las tensiones y extrañeza que producen el encuentro de algunas texturas. cualquier representación es siempre una abstracción. el que se anticipa a la respuesta y la respuesta o resultado como una nueva pregunta.CARLA BERTONE Buenos Aires. y posiblemente también cualquier creación material es en primera instancia una abstracción (idea. pensamiento) que contiene potencialmente todas las posibilidades. El método inherente a un trabajo que se supone sistemático y riguroso desde el punto de vista del resultado visual lo practiqué al comienzo. entre el instante de la afirmación (una forma en un contexto). y lo abandoné hace tres años más o menos. 1. Durante ese período trabajé con bocetos y aprendí algo acerca del comportamiento de las formas y los colores sobre una superficie. por qué. el instante de la duda (qué. ¿Qué representan las formas / colores / texturas de mis obras? Afortunadamente creo que hasta ahora no encontré ninguna respuesta satisfactoria sino varias diferentes. Recientemente concluyó su Tesis de Licenciatura en el IUNA. en el juego de sutilezas y precisión de los fragmentos con los que construyo la obra. cómo.

3. 4. etéreo. las superficies y el volumen. 5. en general entre dos y tres (por supuesto que luego pueden ser modificadas o intervenidas nuevamente). me atrevo a intentar lo siguiente: Abstracción es la contemplación adversa que revela que lo que parece no es. también placentera. Cuando estoy conforme con el aspecto visual de la obra es necesario acoplar o ensamblar las piezas para que esa posibilidad se transforme ahora en algo permanente (al menos mientras exista ese objeto). Uno de los mecanismos que particularmente me interesa reside en el momento de fijar cierto estado de cosas (los fragmentos que conforman la obra) de manera que aún contengan o capturen aquello por lo cual tomé la decisión de que la obra tuviese determinadas características.flexible . también sus momentos sutiles. Tom Friedman: me gusta el humor en su obra y los materiales que utiliza simples y muy poco pretensiosos. Es precisa.transformable. poética. etc. La tecnología en mi obra es bastante precaria y está vinculada al desarrollo de una técnica ¨artesanal¨ para la construcción de cada objeto. Henri Matisse: sutil.admiro y disfruto. color y textura de las diversas piezas. Es necesario saber qué es. Aquí es donde debo resolver los problemas técnicos específicos que se plantean en cada trabajo según los materiales elegidos. inteligente. lo que es no se ve y lo que se dice no se toca.. Ese momento es el más extraño y difícil porque debo separar las piezas para manipularlas y volver a reunirlas luego. sabio. Luego ensayo diferentes ubicaciones y relaciones posibles entre las partes. Existen muchísimos artistas y muy talentosos. Es decir: en primer lugar selecciono simultáneamente forma. Ligya Clark: me interesa cómo maneja los planos. simple. un objeto. en qué condiciones. para que luego pueda ser otra cosa. Siendo que esta definición de Abstracción es sólo una de las muchas posibles y por tanto no es certera y mucho menos definitiva. ser mutable . contundente. Pareciera que la acción de definir cualquier cosa. Estas piezas las preparo y acumulo durante un tiempo hasta que construyo con ellas una obra. cómo es. un suceso. Definir para extender los límites de lo que es. Esta forma de trabajar pareciera una clase de método expandido o mecanismo estructural bajo el cual se presentan siempre situaciones diferentes. un concepto. . delicado. delicioso. es ARTE ABSTRACTO (HOY) . 89 una tarea tan difícil como necesaria y por qué no.

1. 1962 Estudió en los talleres de Ahuva Szlimowicz y Felipe Noé. y aunque aún hoy me parece muy noble esta posición. lo que más me interesaba eran los espacios vacíos entre los objetos. pero sólo aquéllas logran detectar mis emociones mas profundas. en especial con aquellos que desarrollaban un trabajo basado en el encuentro con la belleza a partir de la búsqueda del concepto de verdad como medida espiritual. Rojas. Esta hipérbole para marcar diferencias es la única respuesta que puedo dar sobre el porqué la pintura y porqué pintar. En cuanto a si siempre abstracción. si en mi caso fue a la abstracción geométrica. y con algunos pintores de ese mismo período o de mediados de siglo. ha adoptado una especie de autoconciencia pictórica en su propio desarrollo y en su vinculación con la historia del arte. Sólo la pintura y la literatura me emocionan hasta las lágrimas.FABIÁN BURGOS Buenos Aires. mi pintura en la actualidad se ha vuelto más consciente en relación a sí misma. 90 . “sólo la verdad es bella”. Participó de muestras colectivas en Argentina. es justamente porque mis primeros cuadros figurativos tenían un alto componente geométrico. y éstos son siempre formas geométricas. De ahí mi preferencia hacia las formas puras y hacia las estructuras más “duras”. Obtuvo la beca del taller de Kuitca. una melodía precisa o cualquier experiencia nueva dentro de las artes plásticas consiguen sobre mí. una hermosa escultura. por dar un ejemplo: en mi etapa de estudiante. decía el poeta. copiando naturalezas muertas. es decir. círculos. llegar a la abstracción a partir de la figuración. cualquier otra manifestación artística me conmueve sensiblemente. rectángulos. seguidas por otras en el C. la vital capacidad de interrogar sobre mi condición humana. 2. C. una gran película. Y. Recoleta. C. etc. creo haber hecho como todos los pintores abstractos el camino más natural e inevitable. por supuesto no refiriéndose a una supuesta ARTE ABSTRACTO (HOY) . EEUU y Francia. Annina Nosei Gallery. Nueva York y Dabbah-Torrejón. México. Fundación Antorchas. C. triángulos. Sobre el tema o contenido de las obras. con algunos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. siempre pensé y sostuve la postura de que uno pinta no para decir lo que sabe sino para saber lo que quiere decir. Su primera muestra individual fue en el ICI en 1993. Recibió el Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales y el Subsidio Anual a la Creación.

3. sus caracteristicas y particularidades. 5. la técnica es la posibilidad material para entrar en contacto con la esencia de la obra. en ese sentido nombrar sólo a tres es casi un acto de rebeldía. Son: Policastro. Ese “sentido” sólo podremos materializarlo (es decir hacerlo visible) si entendemos cuál es la técnica adecuada para cada trabajo. Aunque entiendo que los límites hoy entre abstracción y figuración son mas difusos. 91 . bien podría ser un adelanto surrealista con signos de “representación” del subconsciente a lo Miró. 4. incluso en retrospectiva. Así es como cualquier mecanismo de acción puede ser conducente hacia ese encuentro. pero tratando de no ser impertinente con el pedido sólo me excederé en un par más. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Nicolas de Stael y Roaul de Keyser. J. decía que cada plano y cada encuadre constituyen una elección moral (y por lo tanto política). la convención histórica sitúa al surrealismo a partir de los años 20. aunque las definiciones siempre limitan.L. Jesús Soto. No puedo dejar de mencionar al “suprematismo”. en especial a Malevitch. la búsqueda interior y el “milagro” del tacto que sensibiliza la materia. De todos modos. aquella que menciona las obras sin ninguna referencia figurativa y sin ninguna alusión directa a la realidad exterior. Así es como la estética es ética y la elección de un color es una posición crítica eficaz. sin embargo.Godard. me gusta esa zona de militancia de la abstracción que preserva la tensión espiritual. Estos cinco pintores se impregnan en mi trabajo con la virulencia del enamoramiento y responden. por ejemplo: la obra “La mancha roja”(1914) de Kandinsky. más aun si ésta viene de un trabajo interno y silencioso.verdad absoluta sino a aquella que nace del lado invisible de las obras para constituir su propio sentido. Más arriba me refería al dialogo con cierto período histórico y a mi interés por determinados pintores. Todo esto no como un encapsulamiento místico (casualmente a lo Kandinsky) sino como una posición sensible frente a las cosas. Con la pintura sucede lo mismo. a las que hacía mención en la respuesta a la pregunta n°2. Mi definición de arte abstracto no dista mucho de la convencional.

A través del juego construyo recorridos. Series de distintos espacios. lienzo. también hago fotografía. enormes telas donde en zonas se superponen obsesivamente líneas. los aspectos geométricos de una ciudad. En todo momento utilizo diversos soportes como papel. siempre parto de la vida real. En mi trabajo no hay representación figurativa. Obtuvo el segundo premio de Pintura de la Fundación Federico Jorge Klemm. Bienal de arte de Bahía Blanca.NATALIA CACCHIARELLI Bahía Blanca. a veces. la arquitectura. Bahía Blanca. monocromos y policromos. Quizás el hecho de que no la tengan pueda tildar a mi trabajo de frívolo o decorativo. las experiencias de forma abstracta. Siempre me sentí atraída por los planos. Sala Caja de Extremadura (Cáceres. son componentes que se reflejan en mi labor. De todos modos.). entre otros. trayectos. cantidad. En mi trabajo se manifiestan dos constantes. ARTE ABSTRACTO (HOY) .. es una vieja discusión que para mí carece un poco de sentido. y el tercer premio de pintura. 92 . Me interesa más hacer algo estético. planos. Composiciones geométricas regulares y pautadas de manera tal que. las sensaciones. Pinto porque es mi modo de expresión. España) y diversas muestras colectivas. cuadrículas. C. tramas. acero. 1. creo que puedo mostrar las emociones. Me siento cómoda en ese campo. las cosas dramáticas me las guardo para mí. Recoleta.. son imágenes abstractas.. obsesión y repetición. Universidad del Salvador. etc. No me interesa reproducir con la pintura la realidad. se cortan y se entrelazan concluyendo en distintas series. número. Seriación. a partir de los que voy armando mis pinturas. Mis pinturas no tienen ninguna carga dramática. de cantidad de pequeñas telas donde la obsesión se potencia. secuencias que se mezclan. elementos que han influido mucho en mi pintura y. 2001. son “más” o “menos” complejas. C. puntos. Museo de Arte Contemporáneo.. mención especial del jurado. aluminio y acrílico. tramas y series. para documentar esas imágenes.. 1971 Egresada de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. acumulación y asociación de elementos básicos (líneas. 2. no tengo otro que no sea éste. Muestras individuales en Galería del Infinito Buenos Aires. cuadriculas. que devienen en: orden.

un sistema narrativo. de buscar una relación armoniosa con los elementos sumados. un sistema de pensamiento. representar las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. inquietudes que logran romper la estabilidad. Con el cuadrado. un sistema narrativo. Abstracción. una saga. Desarrollo un sistema en torno al cuadrado. Ross Bleckner. Para mí cada cuadro que comienzo es un sistema de pensamiento por sí solo. Jonathan Lasker. distintos elementos que van contando nuevos episodios. movimientos. que es la forma perfecta. Kasimir Malevitch. 5. Está el cuadrado y lo intervengo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . cambios.3. No hay nada más intenso y. el cuadro es. Distintas formas de organización. 4. le sumo otros elementos. en sí mismo. que luego habrá de funcionar en un sistema más amplio. como nos ocurre en la vida todo el tiempo. se trata siempre con él y dentro de él.. 93 ... a la vez. más simple.. algo así.. las tramas. Estabilidad e inestabilidad se repiten permanentemente en mis pinturas. Hay relaciones generales a las que les voy sumando el cuadrado: las líneas. episodios que cuentan mi relación con la pintura.

1. Entre los premios obtenidos se señala el 1er. Van Riel. Habitar ese cuarto que no existe puede ser una tarea. F. de la mirada diría. Warum: “la rosa es sin por qué. Un gesto destinado a descubrir los pliegues. Juan Martín (México D. ¿y si partimos de considerar la pintura. Las especulaciones que resultan de la suma entre la experiencia y el pensamiento conforman lo que late. ¿podría articular al menos una cercanía? Pensar sobre el acto de pintar. Es lo mismo una habitación o el estudio móvil con forma de fantástica maleta.ALEJANDRO CORUJEIRA Buenos Aires. Radicado en Madrid desde 1991. a la razón de la rosa? Pintar sin términos. el ojo ha sido desplazado. Muestras en Galerías Centoira. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Pintar se convierte así en un anhelo de tránsito. ¿Por qué entonces.). (Madrid) y el 1er. Elite Fine Art (Miami) y las galerías May More. El espacio donde se pinta y que llamamos estudio se encuentra cerrado. lo que permanece y se dilata. En su última conferencia. la repetición infinita de un gesto. Praxis de Buenos Aires. el poeta Angel Valente citaba estos versos de O. Comienza a exponer en forma individual en 1984 en la Fundación Banco de Boston. no se inquieta por ella misma. no intentar mencionar a la abstracción como una de las formas de la melancolía? Ahora lo orgánico y nuestra sonrisa. Premio de Pintura Todisa. florece porque florece. lo cierto ya no está. es decir. Premio XVI Bienal de Pintura de Zamora. se instala la imposibilidad de perder esos últimos lazos con la tradición. lo que se ve no es lo que se ve. La abstracción última podría estar caracterizada por el uso de estrategias extra-pictóricas. no desea ser vista” para inmediatamente después dejarnos esta pregunta. sin por qué. La Caja Negra y Marlborough de Madrid. ¿qué ha faltado en nuestra tradición para que el pensamiento haya sido impermeable al sin por qué. El sueño de las vanguardias aún sigue dormido. entre otras. establece una distancia que creo quiero salvar. una acción como cualquier otra? una elección accidental. 94 . aquello otro sin nada de mi. toda vez que acaba. El intento de dialogar con lo visto por primera vez sumado al soplo de la memoria. En esa huida de lo puramente plástico. En 2002 muestra individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 1961 Estudios en la Escuela de Bellas Artes. Muchas veces pintar desde ese espacio mental nos conduce a no salir de allí o a nunca entrar en él. Ha participado en numerosas muestras colectivas.

llenas de un temblor necesario. el estudio se invade del ARTE ABSTRACTO (HOY) . me impulsan a querer arrojar algo de sombra en un mundo lleno de certezas. cartas de navegación o imaginarios cuerpos celestes. La imagen se retrae y propicia el espacio para poder investigar algo sobre ese tema. “Y tú sol inaudito ¿cómo vestirte de un glaciar para la salvación del sueño”. Salah Stétié. otro tránsito: de la observación a la experiencia. A través de constantes y casi imperceptibles modificaciones fui abandonando las geometrías que antes aludían a mapas.2. trata de impedir la quietud en los ojos. averiguar cómo ha sido tratado en otros momentos o en otras culturas. 95 . Quiero tomar una conducta casi imposible para pensar en el acto de pintar. La aparición de un tema activa la sospecha de lo innecesario. determinado por recorridos orgánicos a modo de caligrafías sin gesto. el tránsito se convierte en un ejercicio de olvido: Lo que persiste involuntariamente. Leer sobre él. o sencillamente intentar entender cómo se ha manifestado en mí y qué relación puedo tener con ese tema. Una vez establecidas las estrategias de pintura a utilizar. dale sombra” Estas palabras de P. siempre antes del acto de pintar. pero no separes el no del sí y dale a tu decir sentido. Celan. cada elemento se multiplica en referencias y produce ambigüedad. se manifiesta. En el ámbito de mi pintura todo se torna vulnerable y su idioma parece no conocer las certezas. surge así una conducta de negación. Así. En el tránsito entre el lenguaje y lo que muda se instalan mis últimas obras. 3. Así. para dar entrada a un mundo que transcurre más allá de la voluntad: lo que crece y nos invita. El espacio de mis pinturas. Es cierto que los temas abundan y me rodean. Una vez más. pero también nos otorga la posibilidad de elegir entre los caminos que se abren. y el ritmo se expande más allá del propio soporte de la obra. Pero ellos se van apartando hasta la ocultación: pintar sobre pintado produce olvido y bienvenida. Con delgadas capas de materia líquida se va conformando la aparición de la imagen. La intención: evocar lo inédito en los ojos del contemplador. “Habla.

96 5. También la música de Scelsi. promete un sueño. Sobre esta pregunta tan en clave de alimentación me resulta difícil seleccionar tres artistas. La obra de B. . de una manera brusca. Las piezas de piano de C. 4. La poesía de P. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Marden dialogando con Han Shan (fría montaña-dinastía T´ang-siglo VIII) o las máquinas para volar de Panamarenko. Para eludir la última pregunta dejo este interrogante. Tuttle o en el Michaux de “frente a los cerrojos”. complejidades. ¿quien sostiene otras posibles definiciones sobre la abstracción? La duda y lo habitable parecen reconciliarse. Celmins dialogando con las celestografías que Strindberg captó casi un siglo antes. Los diagramas de Mondrian revisitados furiosamente por I. todas las ideas ensayadas o apuntadas y se encontrara con que una de ellas quedaba marcada sobre la propia mesa. Cage para piano de juguete y orquesta. Las sedas de B. con este grado de relaciones. Pienso ahora en R. Los que más me atraen son aquellos que se desplazan hasta los bordes mismos del género que están abordando. El atlas de G. Nancarrow casi mecánicas o las de J. Agamben estudia para intentar entender de dónde proviene la imagen. me llamó especialmente la atención el hecho de que en sus mesas con textos no exista un soporte intermedio. La sensación fue como si alguien en su mesa limpiara. Palermo o los cielos nocturnos y presentes de V. *En la reciente exposición retrospectiva de V. Son bastantes más a los que por momentos me siento próximo. Richter basado en la obra de Aby Warburg a quien G. Creo que lo que más me nutre no es un artista. más bien las redes que se establecen entre sus obras. Pienso que esa frase o cita que finalmente quedaba grabada necesitó de todos aquellos papeles apuntados que cubrieron la mesa con tanto cuidado: el mantel de sueños.aroma de aquello que ha aparecido un día cualquiera sobre papeles de cuadernos siempre abiertos sobre una mesa. Celan en su lenguaje casi quebrado. diálogos entre diferentes tiempos y espacios. Grippo en el Malba. Knoebel.* Comienzo de esa manera a involucrarme silenciosamente para arribar a una forma de pintar que ya no recuerda su procedencia y que se vuelve imprescindible para continuar: lo que siempre estuvo allí y hoy regresa.

Tejido plano: Trama y urdimbre. dos hilos entrecruzados. sucesión continua. Estrictos cálculos acompañan cada forma y permiten reproducirla con exactitud en un tejido de punto. en las dos dimensiones de una hoja es una abstracción.MARINA DE CARO Mar del Plata. Tambien obtuvo la Beca Kuitca. Tejido de punto. El acto repetido como mantra. 97 . Participo en numerosas exposiciones colectivas en el pais y en España y muestras individuales en el ICI. Podríamos hablar también de pintura sobre papel. La línea sólo tiene existencia en la hoja. El tejido construye un espacio. El hilado y el tiempo. El encuentro. programa de cooperación y confrontación entre artistas. Klemm. 2. de fragilidad. Hilo: principio y final. permeables y de memoria inmediata. darle cuerpo en tres dimensiones es echar mano de un sistema de traducción y sus resultados pueden ser infinitos. El textil y el cuerpo receptores de cambios. La textil carga con la idea de no-permanencia. entre otros). Una máquina de tejer. serie. El tejido y la memoria. C. cuya irrupción pone fin a una existencia física o moral. Un ovillo de hilado. Etimológicamente texto es tejido y como tal es posible de ser editado. Un dibujo. de lo efímero y de desgaste en su uso. una geometría y un imaginario. Lo que yo hago más que pintar es dibujar. galeria Gara y Alberto Sendros. Una idea. Obtuvo diversas becas y premios (Asociacion de Criticos y 1er Premio de Pintura Fund. Texto tejido. Un hilo se teje. Una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Todo lo que sucede en el plano. Lele de Troya. La obra textil. 1961 Artista plástica y Licenciada en Historia del Arte de la UBA. La organicidad y sensualidad de los objetos blandos definen una cualidad espacial diferente que permite ARTE ABSTRACTO (HOY) . una línea se entrelaza a sí misma en un ritmo continuo. Borges. pero de cualquier manera no es mi caso. F. C. 1. hacerla realidad. Actualmente coordina en Buenos Aires el Proyecto Trama.

en ese caso. hecho de manera espontánea. 4. simplemente me siento y tejo. tengo varios mecanismos. antes que nada es mi amiga. comportamiento. no es contemplativo. 3. actos cotidianos que pertenecen a nuestro entorno y que se construyen en metáforas. Para la realización en tejido de las obras. Una posibilidad es desglosar un dibujo. la percepción del entorno y la sensibilidad que determinan prendas. en un esquema de medidas exactas que me permitan pasar el dibujo por la máquina de tejer. establecido no sólo por la mirada sino con la totalidad del cuerpo. es mi forma de pensar y proyectar como artista.al espectador un acercamiento a la obra. Cuando trabajo lo primero que hago es dibujar. Rara vez se puede uno alejar de la referencia de lo cotidiano con que carga los materiales textiles. es algo que todos conocemos y con lo que convivimos. El tejido concretamente lo realiza Adolfo Quiari. interviene un nuevo comportamiento Vestir y desvestir formas. Daniel Joglar con sus movimientos silenciosos me recuerda la existencia de otra esfera de comunicación. Abstracción es un lugar que mantiene una distancia con la representación. Abstracción como recorte de la realidad. Hay muchos diseñadores de moda que me nutren como Rei Kawakubo. formas livianas frágiles. siendo la artista argentina que presentó las primeras obras blandas. un encuadre personal. El dibujo es una manera de constatar las ideas. accesorios y vestibles en el caso de mi obra. En cuanto a los artistas nacionales: Diana Aisenberg. Me permite la selección de algunas de las cualidades de los objetos e ideas que trabajo en detrimento de otras que dejo para otros artistas que las trabajan mucho mejor que yo. Issey Myake y otros tantos. La moda siempre ha sido un fuerte referente para mi trabajo. 98 5. doblarlas y guardarlas. Algunos trabajos los tejo yo en mi máquina. . un tejedor de aproximadamente 76 años que realiza aún más cálculos. muchos más cálculos antes de empezar a tejer. lo que permite que su agilidad crítica me mantenga constantemente en alerta. Marta Minujin es un referente que no puedo saltear y pocas veces es rescatado. en lo que respecta a la relación con el cuerpo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . de buscar nuevas situaciones en la obra.

Trabajos docentes en diversas instituciones y en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. el temor.TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas. pero siempre estoy pintando en realidad. Ha participado en diversas bienales. lo común son la necesidad y el deseo. pues me aferro a un modo rápido e improvisado que heredó su ingravidez y velocidad del hábito de dibujar. si dibujara. De lo imprevisto. Y pintar como respuesta es tan elemental como huir. cuando estoy pintando. pero lo hago como . lo común no es la forma narrativa. de lo que se comparte. la abstracción no sea del mundo de las formas sino del mundo de las deformaciones y las transiciones. Por eso quizás. lo otro. bien mirado. sobre tela en gran tamaño. Creo que en el pasado se confundían en mí el deseo de pintar y el deseo de ser pintor. que son comunes antes de describirse en formas. para que el relato de la pintura se vaya despegando lentamente de su propia materialidad. como si fuera conociéndose a sí misma. Contemporáneo de B. y tapo todo y vuelvo a rehacer. esas son experiencias particulares. Rubbers y con Diana Lowenstein. 1948 Formado en los talleres de Alejandro Vainstein. como no lo es lo que se consume. Pero no hay intención de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Galería Sara Garcia Uriburu. Dibujo y pinto. la pintura. sobre tela y papel. Noé y Roberto Páez. pues dibujo con pinceles. 1. Y pinto. Es magia. 99 2. una experiencia imprevista. probablemente. Muestras individuales en el Museo de A. Tal vez es así porque en la experiencia del lenguaje lo propio se vuelve común con la facilidad con que el pez se suma al plancton. como lo abstracto. y es inevitable. Participo de la Beca Kuitca. o dibujo. pues cambio mucho de dirección. nacen de allí. Lo uno llevaba a la inmersión profunda en la práctica de un lenguaje. Pero lo de sentirse pintor ha sido mucho más breve como experiencia. Colabora con el proyecto Trama y fue co-curador del proyecto Perfil de Artista (CCEBA). antes de darse a conocer a los demás. Exposiciones individuales desde 1990 en Adiós Pampa Mía. ferias y eventos internacionales. Lo inagotable. a la posibilidad de pararse en el mundo sosteniendo toda la animadversión y la diferencia que sentía frente a dicho mundo. Luis F. y más lentamente. y muchas otras cosas.Blanca y en el Museo de Arte Moderno de Bs. que el continuar sumergido en el uso y descubrimiento de un lenguaje que se vuelve inagotable. y menos importante. de los deslizamientos y las anticipaciones. De las prefiguraciones y las tentativas.As.

. Y de Philip Guston. Siguiendo la línea del entusiasmo. es así sólo porque existe en esa intersección donde el acto de pintar se transforma en la huella de una acción que no tiene otro destino que encriptarse para volver a intentarlo. está en el cómo. Dialogo con ellos. ni pretende ser imagen de uno mismo. en la nada de un tela o un papel en blanco. de esa manera muda y delicada con que podemos abordar lo que admiramos. Que no pretende ser imagen del mundo. Desde hace mucho mi consigna es la deriva. me gusta contemplar cómo algunas obras levantan vuelo. Todo saber aburre y se revela escaso. uno de ellos es Johnnatan Lasker y otro es Philip Guston. 3. tan sorprendentes cuando las conocí. Tiempo después. ser un pintor. Así. 5. Y les agradezco lo que creo que me han enseñado. de lo inesperado. Pero la monotonía y la soledad finalmente son aliados del quehacer. Y la belleza del juego es proponer sus leyes: unas veces unas y otras. ser un pintor abstracto es ante todo. como para Scherezade. y no desaparecer en la aridez del mundo. aunque tal vez no deseaban eso. por la imposibilidad de verificar mis presunciones. una manera de lidiar con ARTE ABSTRACTO (HOY) .que sea así. 100 la atracción que finalmente significa irrumpir en el vacío. Así. Todos descubrimos alguna vez que. Paranoico y frágil organismo el cuerpo de un lenguaje que sobrevive por su capacidad de rehacerse en acto. su propio melancólico conocimiento del mundo. Intenta comprobar que entre el mundo allí afuera y nosotros aún queda un área de contacto. Hay artistas a los que tengo presentes con mucha frecuencia. otras. 4. Me da melancolía saberlos siempre distantes y a sus obras siempre enigmáticas. Mi trabajo cotidiano está lleno de amor y de toda la pesadez de vivir. De Lasker creo haber amado la vehemencia de sus construcciones narrativas. para el que relata particularmente. vivir es vivir para contarlo. y llegado a este punto sabemos que la gracia de cualquier relato . Tener un método. y nos animan a continuar sin saber. y los resultados inmediatos me son poco simpáticos. de los aprendizajes. y crear una imagen.

BETO DE VOLDER
Buenos Aires, 1962 Estudió arte en la Escuela Manuel Belgrano. Entre 1994 y 1995 fue becado por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas. Desde 1991 ha realizado exposiciones individuales en los centros culturales Ricardo Rojas, Recoleta y La Casona de los Olivera y en las galerías Blanca, Brodersohn Martinez, Arguibel Art, Sonoridad Amarilla, Vox y Sendros. Regularmente dicta clínicas sobre usos de materiales en el interior del país.

1. Pintar también, pero siempre dibujar, sólo por placer, por el placer del hacer. 2 / 3. Pequeñas perforaciones, suaves líneas trazadas con lápiz de grafito, marcador o vinilo. Un
punto detrás del otro, reproduciendo y repitiendo un dibujo, indefinidamente, sobre formas nacidas de una línea a la que le sumo otra y otra y otra. En algunos casos, aparentes fragmentos de una forma mayor. Formas cerradas en otros. Formas que no representan nada, son sólo lo que ves.

4. Hoy: Gego, Tom Waits, Sol Le Witt… 5. No me gusta la definición abstracción para mi obra. Veo a mis trabajos como imágenes que hablan
de sí mismas, concretas, son lo que son.

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LUCIO DORR
Buenos Aires, 1969 Estudió en la Universidad de Buenos Aires Diseño Gráfico y concurrió a los talleres de Guillermo Urbano, Juan Doffo y Pablo Siquier. Docente Universitario en la carrera de Diseño Gráfico (UBA), en las catedras de Diseño, Morfología y Tipografía. En 1999 crea junto a Santiago García Aramburu, Duplus, espacio dedicado a la investigación y difusión de arte contemporáneo. En 2003 recibe el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Desde 1999 expone periódicamente su obra.

1. Hace tiempo que no pinto en términos tradicionales. Todo proceso cognitivo en la construcción de
obra es una abstracción.

2. En estos últimos años la construcción de mis trabajos esta ligada a procesos post-industriales de producción. Así también sucede con los materiales, (vidrio, maderas nobles, lacas).Desde hace un tiempo he comenzado a conjugar las representaciones bidimensionales de mis trabajos con la tridimensión. Estos objetos tridimensionales lidian con el mueble, pero no lo son, carecen de utilidad, son funcionalmente inútiles, sutilmente inútiles, por el desplazamiento de la función en pos de una exageración estética del objeto/mueble. 3. En este punto me gustaría hacer referencia a lo que llamo (atomización de la memoria). Este mecanismo corresponde a la descomposición en fragmentos de un recuerdo/recuerdos, por medio de distintos tipos de registros (fotográficos, videos, recortes de periódicos, afiches, textos, etc.). Estos fragmentos, archivados sin un orden aparente, luego son infinitos disparadores de composiciones y sensaciones que actúan en la construcción de mis trabajos.
ARTE ABSTRACTO (HOY) . 102

4. Anish Kapoor. Blinky Palermo. Jeff Koons. 5. Abstracción ... para ... con ... sin ... de modo que ... nada más concreto que pintar una pared,
nada más abstracto que hacer arte.

NICOLÁS GUAGNINI
Buenos Aires, 1966 Se formó con Roberto Aizenberg. Ha exhibido en el Malba, Museos de Arte Moderno de Sao Paulo y Buenos Aires; Museo Alejandro Otero, Caracas; Museo del Barrio, Nueva York; Ruth Benzacar. Becario de la Fundacion Pollock Krasner y de la New York Foundation for the Arts y artista en residencia en diversos centros, entre otros, el Wexner Center for The Arts. Funda con Karin Schneider “Union Gaucha Productions”, sus filmes se proyectaron en Europa y las Americas. Colaborador permanente de las revistas Ramona y Art Nexus. Publicó en Parkett, Texte zur Kunst, Bomb, Cabinet, Review, Time Out.

1.¿Pintar? A veces. ¿Siempre abstracción? A veces. ¿También abstracción? A veces. ¿Por qué? A veces, debido a intereses y experiencias varias. 2. Estructura formal en general de acuerdo al circuito distributivo. Formas varias, colores varios, soporte varios, tamaño varios, materiales varios, incluyendo gente. tema yo, el mundo, el mundo en mí. referencias las que me sean útiles. Muy a menudo modernistas, o sesentistas. tecnología muy a menudo deliberadamente anacrónica. ciencias exactas humanas, ocultas. citas Jorge Luis Borges. caligrafía entre la violencia y la significación. símbolos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. pensamientos material del arte por acción u omisión. Idealmente suprimirlos. motivaciones mundos mejores. Modelos.

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Idealmente suprimirlos. La abstracción es una forma de representación avanzada para perpetuar las formas de dominación.despertarse a la realidad de su futilidad. 5. humanista. En general el arte como producción humana no actúa. contemplación. una férrea lealtad a los modos de pensamiento y circuitos de distribución del capitalismo tardío. 3. 104 . furia.. constituirse en un espacio de acción y reflexión útil y por momentos privilegiado.. Graham.. Oiticica. Godard. A veces consigo por medios lúdicos que la acción constituya la obra. es más bien actuado. 4. manierista..estados de ánimo euforia. de modo que puede. anarco. que destruye el tabú del cuadro al romper con el marco ortogonal! ARTE ABSTRACTO (HOY) . sin salvo honrosas excepciones. por la condición de insignificancia en la que se encuentra.. Lecciones del neoconcretismo brasileño. y se anule la distinción sujeto-objeto. ¡Viva el arte concreto invención! ¡Larga vida a Madí..

ICI. Y a las obras más onduladas como personas o cosas. Espacio Giesso. Ahora. emisarias esquivas. galería Luisa Pedrouzo y espacio VOX de Bahía Blanca. o ramitas. o miraba una nube. Y viceversa: puedo reconocer pliegues de paños. las figuras y escenas se me aparecían más concretas. pero en mí aún persiste esta visión del mundo. Allá por mis quince años yo me enamoré de unos cuadritos de Lozza porque veía bandadas de aves. eran para mí presencias raras. Belleza y Felicidad. sus otras individuales se realizaron en el Centro Recoleta. En mi niñez todo se me presentaba como un enigma.GUMIER MAIER Provincia de Buenos Aires. cuando veía una mancha en el mosaico. Y en la intimidad tienen apodos que así lo confirman aunque por lo general las presente sin título. 1953 Su primer muestra individual fue en 1982 en el Café Einstein. Probablemente esto sea propio de todos los niños. 105 . en pinturas cuyos motivos se me escapan. cuando veo una obra abstracta me pasa eso. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Dirigió la galería del Centro Ricardo Rojas de la UBA desde su creación en 1989 hasta 1976 y nuevamente en el año 2003. Centro Cultural de España en Córdoba. la olla. Por ejemplo. Yo siempre ví a mis abstracciones geométricas como paisajes. lo más funcional: la silla.

por lo tanto.2. Para crear me guío por el diálogo que mantengo con las imágenes que me obsesionan. exige un desplazamiento. Su temprana muerte. la alejo de la realidad para transformarla en otra obra. en Artes Visuales (IUNA). Los siguientes tres artistas comparten mi lección no sólo por las obras que han realizado o realizan. cualquiera sea el soporte. igual que el arte. como abstracto es el pensamiento. . una migración. La percepción subjetiva que realizo en una obra. 1971 Estudió dibujo y pintura y realizó cursos de Historia del Arte y Estética en diferentes instituciones. Cito trabajos de quienes admiro. siempre las obras son abstractas. coincido con Walter Gropius quien lo ha denominado el “Leonardo del Arte Moderno”. la elección de las obras dependen de la experiencia estética que he tenido con ellas. Actualmente cursa la Lic. fotocopiando las obras de libros y principalmente ARTE ABSTRACTO (HOY) . 106 de catálogos. La mayor parte de las obras de arte que he visto e investigado ha sido a través de reproducciones. de un modo u otro. 3. pienso también que “el arte es una abstracción”. Es colaborador en diferentes sitios de Internet relacionados con el arte y la cultura y de la revista de artes visuales ramona. Seleccionado para Estudio Abierto 2004. 2. sino además por su producción teórica y la conducta con la que se han manejado a los largo de sus carreras. Me interesa descubrir el sentimiento poético que se puede extraer de la unión de varios materiales. luego decido si aumento o reduzco la imagen a tratar transfiriendo la misma a los materiales elegidos. generalmente de uso cotidiano.MARCELO GUTMAN Buenos Aires. Como Gauguin. László Moholy-Nagy: Es el precursor indiscutible en todas las áreas de las artes visuales. por este motivo no necesariamente debo recurrir a la pintura. 4. Participa en muestras colectivas desde 1996. Mis trabajos parten principalmente de esa premisa. pues en esa semejanza además de rendir homenaje intento que se establezca una “nueva visión” en la contemplación. un “viaje de la mirada”. Wittgenstein: El pensamiento conceptual. 1.

porque aspira a la verdad incluso cuando miente”. Dijo: “El arte. como la vida. 5. de sus teorías.no le permitió comprobar que su preocupación por crear una obra de arte total la había logrado en su propia persona. Muchos otros artistas deberían ser estudiados de la misma forma. es el mejor ejemplo de que el arte contemporáneo es conceptual. 107 . está más allá del gusto. Maurizio Cattelan: Maestro de la ironía y el sarcasmo. ARTE ABSTRACTO (HOY) . convirtiendo a cada una de sus creaciones en mitos. Marcel Duchamp: Me interesa la “exploración quirúrgica” que los investigadores realizan a cada una de sus obras. La abstracción es un enigma que establece un cierto tipo de orden a partir del caos.

pero no derivada de. la misma ola de emigración artística desde Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial alimentó ambas culturas. Co-organizó Encuentro en el Goethe (ramona #29/30). Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de significados. otredad y universalidad como una caja de Pandora. Blinky Palermo . ignorándose así a los artistas abstractos y. mientras teóricos independientes como Joaquín Torres García crearon versiones originales del arte abstracto en Sudámerica desde1930. Borges y en 2005 organizó el Homenaje a Liliana Maresca en el Rojas. Lygia Clark. la pintura del realismo social de la tradición muralista mexicana dominó la escena internacional. y en el C C. trato de imaginar lo que podría haber sido el desarrollo de las tendencias modernistas reprimidas en los años ‘40 y después. Gego.Helio Oiticica. Manuel Espinosa. . C. extranjerizante y no representativo de la deseada “cultura nacional”. Una lista corta de los artistas que me hacen emocionar: Rembrandt . ARTE ABSTRACTO (HOY) . Galería Ruth Benzacar.GRACIELA HASPER Buenos Aires. Desde 1989 presentó muestras individuales en Buenos Aires (ICI. La tradición de la abstracción y el formalismo en Argentina es contemporánea con. derivados de citas históricas y alusiones a modernismos latinoamericanos. Alfred Jensen. 108 2. Una creciente incomodidad con la “verdadera” definición de abstracción y los límites implícitos entre ésta y otras operaciones artísticas me condujo a pensar las nociones de nacionalidad. NY. Ricardo Rojas). Bridget Riley. Fascinada por el pasado borrascoso de mi país. tanto que privó a los artistas de todo apoyo. 1. produjo Proyecto Sala 2 en el C. 1966 Asistió a seminarios teóricos y a talleres diversos con base en el de Diana Aisenberg. la abstracción norteamericana. a finales de los años ‘40. galería Annina Nosei en New York. Balthus. Julio Le Parc. la represión política de un ministro de Perón condenó al arte abstracto como degenerado. Rojas. C. Becaria de la Fundación Antorchas para el taller de Guillermo Kuitca y la beca Fullbright-FNA para una residencia en Apex Art. Realizó tareas docentes en la Escuelas de arte de la Cárcova y de Bahía Blanca. Fondo Nacional de la Artes. y en Chinati Foundation en Texas). C. El arte abstracto en Argentina fue afectado por fuerzas tanto culturales como políticas: en el modernismo latinoamericano.

creo.3. como un instrumento de aprendizaje y acción. por otro. Me interesa expandir los límites de la pintura de dos maneras: literalmente por trabajar la pintura en gran escala (tamaño habitación. no para representar sino para derivar una operación pictórica. Uso la forma como un transporte de contenido. tamaño edificio). La pintura. 109 . es la manera más descarnada y démodée de presentar los problemas de la representación del espacio. ARTE ABSTRACTO (HOY) . ¿Por qué empecinarse en la pintura abstracta? Esa era una buena pregunta. La obra debe ser ineludiblemente leída como arte y arquitectura. Tanto el trabajo fotográfico sobre la ciudad de Buenos Aires (las imágenes satelitales son documentación militar y turística) como las intervenciones arquitectónicas están basadas en paisajes y materiales dados. de representar la perspectiva visual por un lado (puntos de vista) y para servir como mapa. Los significados varían en los casos. y la obra se basa en esa relación. Me preocupan fundamentalmente los problemas que envuelven la conflictiva capacidad de la pintura. 4. Me gusta cuando la manera en que se presentan los problemas y las hipótesis tiene forma de diagramas. Veo la abstracción como la reducción del arte a su esencia: conceptos y sistemas. en su historia. y por usar otros medios como la fotografía. 5.

Inicia sus exposiciones individuales en 1991 en la muestra “Las Voces Emergentes” (Harrods). (La asignación de una potencia a lo inanimado. y menos podría alguien declarar hereje a otro porque ha ejecutado una diagonal y la ortodoxia es ortogonal. no importa la época siempre habrá gente que guste de estructuras.FABIO KACERO Buenos Aires. Venezuela. 2004. escencias. como invariante. de retórica. Japón. ¿De una muestra de Abstracción? Que sólo puede ser un anacronismo o un gesto posmoderno. Habré dicho "operación despojo". C. Galería Kravets-Wehby. ¿Abstracto yo? Nunca me he dicho a mí mismo "Abstracción". C. cuando tantas parecen sólo esfuerzos por estar a la altura de los tiempos? ¿De la Abstracción? Que aun así le queda la posibilidad de reponerse como categoría. El provecho post mortem). sus controversias se han secado. destilados… y que nunca le faltará dialéctica: narración. como quién se aligera de habilidades. México. Borges y en Ruth Benzacar. El juicio no quiere ser tan rudo como parece: ¿quién no será capaz de echar una mirada benevolente sobre acciones a destiempo como estas. no uno encontrado en la calle o en el desván. Anacronismo: Porque lucir abstracción evoca maniobras como: ibéricos sacando al Cid Campeador al campo de batalla después de muerto. Brasil. descripción. compartiendo rasgos de familia. en el ICI. La Abstracción en bloque como otro ready made. Nadie excomulga a nadie del mundo del arte porque allí hay un ovalo o una cara. 110 . ambas se han vuelto inofensivas (¿qué no se vuelve inofensivo?): sus desvelos. como quien filtra el resplandor del mundo. mímesis. También participó de muestras colectivas y ferias de arte internacionales en Argentina. 1961 Profesor de dibujo y pintura egresado de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. modelos. Nueva York. Habré dicho en su lugar "operación tamices". Encontrarle una ubicación en la metahistoria afirmaría de ella que. En suma -anatómica-: esqueleto versus carne. ARTE ABSTRACTO (HOY) . editado por Galería Ruth Benzacar. en todo caso la reconozco parienta de unos mecanismos o unos modos propios (mayormente indirectos como se verá). afinidades por temperamento. Ha publicado su libro “nemebiax”. sino en la historia. de lastre. Como formas históricas.

Simiente abstracta y madre de todas las figuraciones. con los ojos abiertos. como quien conmina a su objeto a caer sin tocarlo. Lunar. En todo caso. la abstracción un compendio tornasolado de figuraciones. Rob Sargent. Dave Lazarony. Dan Clarck. Y lo que está en el centro es la luz. sideral. 111 . orla de luz resplandeciente en una nube gris. Leon Brown. Darin Tomack. dos cosas para optar: La figuración bien puede ser un teatro de abstracciones y viceversa. líneas fosforescentes en los ojos cerrados. como aquel que dice valerse de la puras formas o dispone de ellas como notación musical. con muchos. Paul George. rodeándolo. distante en las colinas. En las pantallas… en los cuadros. ¿De las influencias? Paul Asente. mercurial. el humo. con los ojos entrecerrados. dispersa en el aire. monumental. en las ventanas cuando atardece. Takashi Morifusa. Karen Tanner. Carlos M. Makiko Sashiki. en Castelar. (Y sobrevolando las anteriores también. Si puedo empezar una frase que diga soy algo. Tampoco hubo nunca una tensión interna. la última. sobre cada hoja. en Monserrat. lo importante es lo que está en el centro. Asako Yoshimura. Chris Scott. O incluso aquel que trata al ojo como un oído. la que atraviesa la ola. Lorrain… . John Moyer. Rocky Sloan. transportes de luz. habré dicho “música”. Puntos de luz en cada vuelta de la espiral. puedo decir esto: soy una adorador de la luz. Los menciono porque seguramente nadie los va a ARTE ABSTRACTO (HOY) . Barry Hills. Dave Burkett. anillos. Michael Abbott. Vermeer. rosa. No pasa un día sin que me alcance la dádiva de su prodigio maravilloso. ¿Quiénes son? Creadores de soft. Iam Mougy. John Nash. Theresa Johnston. carrocerías. Teri Pettit. sobre los rostros. navegación. flotando en una habitación. David Holloway. solar. Frank Guinan. Ted Alspach. sanguínea. Doug Musto. Rick Boyce. Y también. dorada. Grace Ge. Restos de luz. la retirada en la penumbra.Habré dicho “operación trompetas de Jericó”. Susan Gile. Jeff Bradley. en Dock Sud. Ning-ju Nan. en los árboles. rayos. Ambar. Canaletto. la indolente. la primera. la pelusilla. hielos. gris perla. pliegues de luz. estelas. Colaboradores. Moldeando cúpulas. la vertical. Hiromi Watanabe. Pero ésta ya no concierne al tema). Icaza. Christine Taylor. Chris Quartetti. Chardin. …la que se tiende sobre las ciudades y sobre los edificios…. Lubomir Bourdev. Steve Schiller. en los cursos de agua. la directa. Satoski Komiyama. “operación já já”. Pierre Louveaux. dinteles. íntima. la reflejada.

incluso abstracto. Es extraño comprobar que cosas que dependerían de una decisión instantánea -como la honestidadson. a la conformidad al yo. Edgar Lee Masters y más allááá!) no pretenden la adjudicación de una altura. Mark Pawliger. Otros personajes influyentes: Rosmarie Todo. Pasan tan rápido que es difícil observarlos y menos retenerlos). Del artista humilde -si no pudoroso. y de ellos es. parafraseando una frase de Rimbaud. que en otro momento lo fue casi todo y. cuanto menos. Estas muestras de casuales nano biografías (Marcel Schwob. las que finalmente nos llevan el trabajo de todo una vida. sólo una forma del tiempo. etc. y no es vacío si no un difuso estado contemplativo donde las cosas del mundo parecen más lejanas o menos propensas a ser intervenidas. ¿Del arte? Que L'art est ailleurs. Seetharaman Narayanan. parte del crédito. . luego casi nada o una pamplina. 112 mencionar. que me dicen no existe. les correspondería: Thomas Knoll. Del artista orgulloso. Silvia Todos. hechos como el de no entregarse precipitadamente al recurso biográfico.ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mark Hamburg. Una podrá decir que. Sau Tam. Baste decir que ambas cronologías pueden ser también la cronología de un solo día. y que a partir de un momento las consideraciones se las cedí a los objetos de uso. Otra reseña de fechas inciertas dirá que fui un artista vanidoso (orgullis inflata en el repertorio homeopático).provienen. paradójicamente. Conforme pasa el tiempo me vacío. y luego un artista humilde. o bien es Saturno torciéndole el brazo a Marte. (A las desteñidas e ingratas legiones de Phtoshopistas. Una de dos: o este vacío parece estar más cerca de la forma nativa del alma. incluso a las manieras. supongo. Jean Batiste Nadie. Michael Nada. ¿De las cronologías personales? Encuentro difícil engarzarlas a los hechos externos. Tuve que abrir y cerrar el programa no menos de una decena de veces para registrar la lista. Stephanie Schaefer. Y que ahora no es ni lo uno ni lo otro. en algún momento no hubo arte en lo absoluto. el haber destruido mis pinturas por no considerarlas honestas.

todas ellas. Centro Cultural Borges. cuando elijo una fórmica sé que estoy eligiendo el color de la obra.. espesor. 113 . Cuando trabajo no trato de desdecir la cualidad del laminado plástico o fórmica. su falta de flexibilidad. También Participó en diferentes muestras colectivas. Lo contrario a disimularlo. sólido. postulando su completa autonomía. sintético. CETC del Teatro Colón y la Sala Casacuberta del Teatro San Martín. Marina Abramovich: cruda. Cada trabajo requiere una estrategia particular para llevarlo a cabo. Las instancias por las cuales atraviesa el desarrollo de la pieza son el boceto y la construcción efectiva de la pieza. La “falta de docilidad” de la fórmica inspira las operaciones que realizo sobre ella. bestial. Lo que busco es “exponerlo”. Características que. rotundo. no hay pintura posible. ARTE ABSTRACTO (HOY) . contundente.SILVANA LACARRA Bragado. 3. Richard Long: poético. sino que me gusta reposar en la belleza propia del material. El boceto me permite también evaluar los procedimientos para su realización considerando fundamentalmente sus propiedades físicas: peso. 5. Goethe Institut. su peso. resistencia. inducen y provocan mi trabajo. El color de la fórmica es el color de la obra. Palais De Glace. sensorial. expuesta. concentrado. A partir de 1992 ha realizado muestras individuales en las galerias Cecilia Caballero y Dabbah Torrejon y en el Museo de Telecom. y en el Fondo Nacional de las Artes. tomar decisiones en relación a sus condiciones de visibilidad. As. Mondrian: potente. Los materiales que constituyen la obra permanecen como propiedades y determinaciones de su existencia. La relación que establezco con ella está basada fundamentalmente en sus propiedades físicas: su grosor. 4. En esta instancia trato de precisar y ajustar medidas. 1962 Estudio en el taller de Ahuva Szlimowicz y obtuvo la Beca para artistas dirigido por Guillermo Kuitca. El boceto resulta indispensable para proyectar la pieza. 1 / 2. Se sustrae de todo indicio representacional. su color. Ha realizado escenografias en el Complejo teatral de Bs. La fórmica es un material industrial. Diría que su resistencia es lo que realmente me conduce. frontal.

Si pinto abstracto es porque yo siempre “abstracto” de hacer algo. Hace unos años tuve un paro en el que realicé postales abstractas y en un mes pinté 4.BENITO LAREN San Nicolás. Galerías Gara. 114 . Utilizo vidrios de distintas texturas y acrílicos. Luego se hace un collage con papeles o brillantinas siguiendo un dibujo previo. por ser puro. Tardé en descubrir que los pintores no tienen club de fans por eso pronto seré cantante. Puedo trabajar al mismo tiempo 5 o más cuadros. 4. Trabajó en laboratorio de una siderúrgica. Pintor y escritor autodidacta. 2. Residió en Nueva York y en Paraguay. los reflejos y la belleza de la luz que hace que la imagen fluctúe según el ángulo desde donde se mire. letras de canciones o guiones para TV. 3. Tuve la necesidad de pintar pues no soportaba el anonimato. Expone a partir de 1991 en el C. Ricardo Rojas. en muchas capas. liso y brillante. Pues la base fundamental de mis trabajos es la transparencia. es espectacularen. Perfectamente utilizo como soporte el vidrio. C. Uno de los pintores de mi adoración es Monet. Fundador de “POP O H ART”. Los marcos son parte de la obra ya que fueron intervenidos por mí.000. Sonoridad Amarilla y Arcimboldo. Siendo la luz eléctrica la que proporciona un mayor realce con vivos brillos policromos. Participó de exposiciones colectivas en instituciones argentinas y de Alemania. Consulado Argentino en Nueva York. Cuando residí en NY me cruce con un Famoso ARTE ABSTRACTO (HOY) . Quería que al salir a la calle la gente me felicitara por mis trabajos como a la estrellas de Cine. y así tengo todo el día para mirar TV. El resultado es más que magnífico. 1. Mientras pinto miro TV sin volumen y escucho la radio (música). Mientras hago todo esto me olvido que existo y se me vienen muchas ideas a la mente que escribo. ICI. La pintura se aplica del lado de atrás. Me gustaría mucho pintar abstracción porque son obras que puedo hacer rápido. 1962 Técnico Químico.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 115 . modestia a parte. sobre todo cuando como pizza. sostengo la pizza con una mano y con la otra sigo pintando. recomendando las de manteca. Sí. Para mí la abstracción no existe ya que la obra más abstracta puede tener la forma de una mancha. También me siento identificado con Cándido López. ya que las de grasa enturbian las visiones. Yo. logré agudizar el sistema leyendo en el café con leche con medias lunas. El tenía como arte adivinatorio de la borra del café. La otra personalidad con la que siento similitud es Xul Solar. 5. en lo que se refiere a las predicciones. el se dio cuenta por las monerías que hacía en mis cuadros. La verdad es que me exalto tanto de lo difícil que es pintar con una sola mano que el queso no deja de derretirse.Chaman Lilidioso Mexicano “Un Don Juan” que me dijo que yo era la reencarnación del pintor Frances Monet.

) . Seleccionado para Estudio Abierto 2004. 1. al poder mutar entre una obra “Concreta” totalmente apegada al plano material.Creo que es un error la “militancia”ciega de algunos Artistas. Por otro lado. otra Virtual e ilusionista.obviamente este acto se vuelve mas complejo y caótico a medida que las demás manifestaciones de todos los ámbitos se introducen en la obra (los materiales) y en las formas de pensar y concebir la obra-. etc. Estudió con Luis A. C. 116 2. Wells y es ayudante de Gyula Kosice. En 2002 expone por primera vez en el Museo de Artes Visuales de Quilmes y en el C. Hace bastantes años que “pintar” se convirtió en una acción que va más allá de plasmar conceptos a través de formas (estilos) o sistemas en una superficie. La abstracción nació casi junto a la modernidad –y para ser parte de su desarrollo fue necesario eliminar todo lo que no remitía al presente.EMILIANO LÓPEZ Quilmes.creando una virtualidad literal al recortar los marcos siguiendo el patrón de las perspectivas (caballeras-centrales. Borges. en mis pinturas. Esta manera de reformular la estética se repite en los 40 con una de las premisas de la revista Arturo “La negación de toda Melancolía”. o llegar a convertirse en Conceptual y hasta desmaterializarse. El tema desarrollado en todas mis obras es el espacio. Y porque se puede convertir en un lenguaje de formas Combativas: Estético-Políticas y de formas de Contemplación y Meditación. A diferencia de los Minimalistas que proponían -Nada de Ilusiones-Nada de Alusiones-. Determinarse en Siempre Abstracción para mí no es una limitación (No soy Del Prete o Klee ) pero sí es un Compromiso con la coherencia y la unidad de la Obra en su totalidad . ARTE ABSTRACTO (HOY) . las referencias son una constante. 1975 Egresó de la Escuela de Bellas Artes “Carlos Morel”. Por supuesto las vanguardias ya terminaron y fueron vencidas algunas Dicotomías -se abrió las puertas a la pluralidad en el lenguaje (todavía en estado Caótico). En mi obra se produjeron hasta este momento ciertos patrones: la Estructura Ortogonal -Colores Purosy una especie de Serialidad Progresiva. la Abstracción siempre llevó a los límites las posibilidades de expresión. Participó de varias muestras colectivas.

La citas se ven en la obra. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Siempre una obra sigue existiendo o mutando en otra. Llega a la esencia con elementos mínimos. Traslado a madera la cuadrícula con regla T y escuadra –para luego recortar el diseño y construir el soporte símil a un bastidor. 3. Eliminando todo lo accesorio llegando a formas que recurren a lo esencial (esencial: la verdad tras la apariencia cambiante no sujeta al tiempo). Continuando el tema de siempre Abstracción Fabio Kacero es un Artista que Transita los limites de la Abstracción con obras como Nemebiaks -el film Moodloop o. las muestras o exhibiciones también pueden ejercer una influencia mas allá de la obra. por tratarse de una estructura serial divisible compuesta de módulos de noventa grados virtuales variando medidas y utilizando distintos tipos de simetrías. capaz de abarcar en una mirada: Pasado . 4. Según la propuesta de la obra. La poesía metafísica que emerge de las atmósferas pintadas con rigor casi geométrico me atrapó.me nutro además de su obra con algunos de sus conceptos y actitudes que tuvo a lo largo de su trayectoria desde Arturo Madí-Hidrocinetismo-La ciudad hidroespacial etc etc. Este proceso lo repetí en la serie que llamé 90°. más recientemente. con los acolchados que actuaban como las naturalezas muertas de Giorgio Morandi. éstos me permiten no desviarme (texturas matéricas o visuales) de la esencia mínima del plano Desde el comienzo me interesó la obra como objeto de meditación introspectiva. logra una unidad en la diversidad de su obra.Aizenberg desde que vi una reproducción de una de sus Torres y confirmé lo que sentí cuando vi muestras de su obra. limito la paleta a colores primarios o secundarios con sus tonos correspondientes. Me interesa cómo escapa a lo convencional (materiales y temáticas). Me convertí en una especie de fan de R. dibujo la estructura geométrica con lápiz sobre el soporte y luego la delimito con cinta de enmascarar y comienzo a pintar. 117 . Hace ya más de 2 años tengo contacto personal con Gyula Kosice. El proceso de la mayor parte de mi trabajo comienza con un boceto lineal en papel cuadriculado –en el que puedo establecer estructuras y medidas a escala.Presente Futuro.Hasta ahora utilicé materiales convencionales (acrílico o pintura sintética). Una vez entelado y dada la base. no hace falta nombrarlas. A mi me influencian las obras de diferentes Artistas – Escritores a los que no me gusta ni me interesa mistificar –Por otro.

ARTE ABSTRACTO (HOY) . 118 . Sin una estética “Abstracta” no seríamos conscientes de las infinitas posibilidades que abarcan el Espacio y el Tiempo. Lo único realmente atemporal es la transformación del mundo y por lo tanto del hombre de modo que el Arte contiene lo Absoluto (lo contiene todo) en un constante devenir. Abstracción no como formas de abolir sistemas caducos sí para la construcción de mundos internos que contrabandean mensajes ocultos imposibles de comunicar con otro lenguaje.5. La vida no responde a leyes fijas.

Crear un pasaje más allá del collage. El primer Kandinsky: en sus improvisaciones. aunque algunas de sus mayores exposiciones han sido en Europa.FABIÁN MARCACCIO Rosario. otorgarle una nueva continuidad dentro de la discontinuidad. Esta es la raíz de la fase pintante que viene después y que . 3. El primer Matta: por la espacialidad fractal que presentan sus pinturas abstractas. integrando otros medios. De la Vega: por el tratamiento complejo de sus cuadros. La raíz de mi trabajo es la abstracción. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mi trabajo posee raíces abstractas pero esta noción no lo limita. 1. 4. Los nuevos modelos abstractos deberían verse como un retrato abstracto de la realidad que contamina la obra. expandiendo la abstracción. una nueva pintura difusa que envuelve los nuevos modelos de visión. Fabián Marcaccio. la que se expande desde su medio específico (la pintura) hacia el mundo real. Me preocupa definir nuevos pasajes pictóricos de yuxtaposición del collage. Lucio Fontana: por su ruptura del plano y pasaje espacial. Desde la pintura. “Paintant Stories” en Colonia. En el trabajo existen diferentes modelos técnicos. Pienso desde el legado de la abstracción hacia otro lado. Stuttgart en el 2000 y Confine Paintant en Bélgica. conlleva elementos más dinámicos que las diferentes realidades. Pintar sí. pasando por lo informal hacia lo transformal. 1963 Nacido en Argentina. ha vivido y trabajado en Nueva York desde finales de los ochenta. cicatrizar su corte. incluyendo Multi-site Paintant en la Documenta 11. La obra tiene un paradigma que va desde lo formal. 119 5. 2.

Es docente de “Producciones digitales” Licenciatura en Multimedia (Universidad Maimónides). se da un proceso de transformación de esa materia en una búsqueda poética.. Exposiciones individuales en las galerias Belleza y Felicidad. No considero que haya un límite entre un campo y el otro. Elijo la abstracción. Abstracción para cambiar de ARTE ABSTRACTO (HOY) .JULIA MASVERNAT Buenos Aires. La obra es lo que queda del diálogo con la forma. expandirse. histórico. Cada obra contiene virtualmente la posibilidad de crecer.. para construir desde el color y la forma. la escritura. La pintura es pastosa. En mi trabajo intento integrar formas simples y complejas en un mismo lugar. que es como pintar una línea. 2. Los lugares desde donde me muevo son el dibujo.. al infinito. multiplicarse y generar resonancias. viscosa. . Entonces. sucede. Residencias en centros de arte españoles. porque me interesa trabajar con el material como imagen. Juana de Arco y en Braga Menéndez. sino expandir miradas. 1.Pintar un paisaje es como pintar un objeto. dar vueltas en mi casa es intervenir en el espacio. que siempre se acumula. No quiero dar al mundo basura. Elijo la abstracción pero no me limito a ella. y seleccionada para el Taller para las Artes Visuales Rojas -UBA/Kuitca. tal vez en diversos grados.. Movimiento centrípeto. 1973 Diseñadora gráfica UBA. Estudió pintura con Tulio de Sagastizábal. Y creo que siempre tiene reminiscencias. mover los brazos es intervenir en el espacio. Subsidio para un proyecto multimedia. Pintar es inevitablemente intervenir en el espacio. Creo que pintar siempre implica abstracción. y que toda abstracción es representativa. 120 . soltarse el pelo es intervenir en el espacio. la pantalla de la computadora. No la impongo. es una búsqueda de síntesis en la exploración de lo óptico y lo táctil. como pintar una persona. Participa en el proyecto colectivo Terraza y colaboró con el Movimiento de Trabajadores Desocupados de Lanús. Los materiales traen su propio sentido de uso. como si fuera una pequeña parte de algo mayor desconocido. (Fundación Antorchas). pura materia. Primer premio en el concurso Prodaltec de arte digital. como pintar una casa.” Javiera Neral. social y sus referencias. Podría decir que toda representación es abstracción.

Algunas obras que resuenan en mi cabeza: las partículas de una casa explotada y sus sombras en “Exploted view” (Vista explotada) de Cornelia Parker. la simpleza de “Caja con el sonido de su propia construcción”. busco generar formas diferentes a las que trae de sus funciones habituales. Trabajo generalmente sobre una mesa y lo primero es elegir un material: papel. En el camino hay un encuentro con otros terrenos. como redistribuir las letras del alfabeto que usamos habitualmente de otra manera. constelaciones. Movimiento expansivo. el espacio alrededor. de Robert Morris. la abstracción en las películas de animación de Norman Mc Laren. las pinturas y esculturas de Tony Smith. Parto con la pintura y el diseño como equipaje hacia distintos lugares. el movimiento constante de las cosas y las transformaciones en la ciudad. En mi trabajo. sonido. otros lenguajes. luz. 3. la relación con el medio en “no-content. ARTE ABSTRACTO (HOY) . En el diálogo con éste. etc. los bordes del arte. Los bordes de las cosas. Me interesan sobre todo los materiales cotidianos y simples. intento proponer otro modo de relación con cada medio. Y esto funciona como motor de la obra. las casas construidas con lo que se encuentra. el silencio en los paisajes artificiales. madera. Formaciones centrífugas. pesados y livianos a la vez. de Brian Mackern. tanto en los objetos como en el campo digital. de Michelangelo Antonioni. los afiches callejeros. 4. 5. en las pinturas de Roberto Aizenberg.lugar las cosas. agrupamientos. Agrupaciones. por lo tanto. Romper y reconstruir de otro modo. los umbrales.org”. una percepción diferente a la habitual. Empiezo a construir esta obra a partir de los desechos de imágenes digitales y los desechos de la pintura. 121 . Ritmo. los intersticios. la escena final de la película Zabriskie Point. Descontextualizar y recontextualizar. otros sentidos. el hormigón en los edificios. combinaciones.

Nueva York. 122 esenciales. pero sobre todo la experiencia estética como producto del que mira más que del autor (en este caso la polilla). y si se quiere radical. Huarte). Idea mucho más estimulante. cadáveres y todo lo que nuestro aburrimiento esté dispuesto a imaginar expuesto en un museo o una galería de arte. ómnibus. Ruth Benzacar. Kandinsky. California y Marvelli Gallery. Nunca me emocionaron demasiado los programas y las teorías hístóricas del arte abstracto. . As. Luego se suceden en el C. No creo que Pollock haya tenido alguna teoría y en el caso de Mondrian y Kandinsky se puede prescindir absolutamente de ellas. 1. R. San Bernardino University. fotografía aérea. V. lo grandilocuente y polémicas un tanto sórdidas. Brasil. Los tres representan diseños abstractos ARTE ABSTRACTO (HOY) . Mondrian y Pollock me gustaron desde joven. ya sea como resultado de la voluntad de invención. Rojas. Para mí. del deseo de revolución o del progreso científico y tecnológico (física atómica. Colombia y los EEUU y participará en una muestra colectiva en la Blasser gallery (University of Houston) y en el Museum of Contemporary Art de Cleveland. no sólo en la clásica fusión de lo abstracto y lo figurativo o “el rastro del gesto”del pintor o del calígrafo o el valor del vacío sino en algo aún más sofisticado: “el rastro de una polilla en el papel blanco”que es el azar.) Tampoco las que vienen del lado del retorno de los brujos y la pulsión del inconsciente colectivo.MARCELO POMBO Buenos Aires. la mayor seducción proviene de Japón. Nuestros Madí y Arte Concreto-Invención son un ejemplo de cómo obras tan originales y encantadoras convivieron con discursos que oscilaban entre lo árido. Participó de exposiciones colectivas en Argentina. C. ICI (con M. gallinas. Fullerton Art Museum. Santa Monica. California. “Bajo las gotas” Christopher Grimes Gallery. microscopio electrónico y todo lo demás. que aquella otra que comenzó hace casi un siglo con un mingitorio en un salón de escultura y que continúa en nuestros días con la exhibición de personas. lo fortuito. 1959 Su primera exposición individual se realiza en 1987 en el Centro Cultural Ciudad de Bs. 2.

Van de la tela bordada con lentejuelas a la piel de la serpiente. 4. a la superficie pulida de la ágata. En un principio mi trabajo estaba basado en las manualidades y las artesanías. al muro de Sol Lewitt. está el inmenso caudal de pinturas decorativas. a la vista de todos y al alcance de cualquiera. híbridas y provincianas de diversas épocas y lugares. la fotografía ofrece muchísima tela para cortar. al diseño digital. En fin.3. Me gustan las imágenes abstractas porque atraviesan culturas. épocas y fronteras naturales. sin duda. fotógrafo de los yuyitos que crecen al borde del camino y creador de un formidable y embriagador catálogo de formas y texturas. Y acerca de la disolucion del límite entre lo abstracto y lo figurativo. que tanto me atrae. Pero. Hoy. a la camisa estampada. ARTE ABSTRACTO (HOY) . entre las cosas que me inspiran. al ala de la mariposa. Algo de esto siempre me gustó encontrar en Xul Solar. 123 . una de las estrellas de esta gracia mestiza es Tarsila de Amaral. Un amor de los últimos años es Karl Blossfeldt. a las pinturas corporales del desaparecido pueblo Selk’nam que fotografió Martin Gusinde. una lista tan interminable como la opulencia del mundo.

Participó en exposiciones colectivas realizadas en instituciones y galerias de Argentina. Centro Cultural de España en Buenos Aires (1999). 1995. Según un tratado de pintura chino. Abstracción con la legitimidad de un único color. 2. Por lo tanto. Imperturbable y constante accionar de los lemas que han sostenido toda mi vida: ¡gratuidad y hermetismo!. Ensor: anestorésico. EEUU y Europa. Museo Nacional de Bellas Artes (1998). Abstracción y figuración son para mí moneda de una sola cara. y la pintura debe constituir el pasatiempo festivo del hombre culto. el artista no debe tomarse demasiado en serio. Costa Rica. . Galería Paulo Figueiredo (São Paulo. Centro Cultural Recoleta (2000). 1993. La obra como el escalofrío del rocío sobre la piel del nenúfar de Monet. 1997). Colombia. Perú. 3. Turner: rumoroso. de método. Abstracción sin la hostilidad entre la carnalidad y esa pera seca que es la estructura. 4. Carezco. Goya: goyesco ARTE ABSTRACTO (HOY) . 1. Museo de Bellas Artes de La Boca (2002). Museo Nacional de Bellas Artes (2005). Museo de Arte Moderno (2003). Ecuador. Museo de Arte Español Enrique Larreta (1999). 124 5. Venezuela. Abstracción para que coincidan la respiración del paisaje y el insustituible espacio que ofrece la expresión articulada. me considero el más abstracto de los pintores figurativos y el más figurativo de los pintores abstractos. 1952 Principales exposiciones individuales: Galería Ruth Benzacar (1986. ¡anarquía y ondulación permanente! El tema como rocío. No pienso mi pintura como un “trabajo”. entonces. Abstracción de modo que en el coro no sobresalga el ventrílocuo.ALFREDO PRIOR Buenos Aires. Brasil. 1990). En todo caso podría hablar del protocolo que establece las normas de cortesía para agasajar a mi huésped. 1988. Abstracción como un espacio órfico recorrido por una alegría de delfín.

Bueno no. Costa Rica. y en las escuelas Ernesto de la Cárcova y Prilidiano Pueyrredón del IUNA. Desde 1981 ha realizado exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes. Y al ser mis cuadros representación de sombras ya no puede decirse que son abstractos ¿no? 2. la variable sobre la que se juega el cuadro es la compositiva. Cuando veo algún joven artista pintar con colores.). que sea verdad. en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ramis Barquet (Monterrey). Colombia. algunas afectivas y algunas otras más extrañas. Venezuela. Brasil. en el Fondo Nacional de las Artes. esto es pintar: yo ya hace mucho tiempo que sólo diseño. El Centro de Arte Reina Sofía está preparando su exposición retrospectiva para 2005. la palabra abstracción no me dice demasiado. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Representante argentino en la Bienal de San Pablo. Francia y los EEUU. Pero. no sé. de la Vega. con materia y gesto me digo. Al estar estabilizado el sistema de representación (color. soporte etc. en el momento de hacer el trabajo no tengo mucha idea de lo que hago. materiales. Flaubert. creo. Me siento como un artista de posguerra.PABLO SIQUIER Buenos Aires. en ese sentido no soy muy moderno. no son adjetivos. (en dos oportunidades). contención emocional. que la construcción sea correcta. Jacobo Karpio (Costa Rica) e Inés Sicardi (Houston) Participó de exposiciones colectivas en museos e instituciones de Argentina. A mí el que me enseñó todo fue de la Vega. Al trabajar me concentro con fruición en la geometría (como si la geometría pudiera importarle a alguien). composición. Annina Nosei (Nueva York). mientras estoy así concentrado. en el ICI de Buenos Aires. 4. con envidia y tristeza. No. Steely Dan gracia y aburrimiento. Ay no. 1961 Estudió en los talleres de Araceli Vazquez Málaga y Pablo Bobbio. Docente en las Clínicas de la Fundacion Antorchas. 1. 125 . en la FADU de la UBA. en las galerías Ruth Benzacar. tal vez se filtren en el trabajo otras cosas. en realidad nunca pensé en ella. 3. 5.

como un cuestionamiento a través del cual el arte se redefine continuamente. en los últimos años. Premio “Braque” y una beca de la Fundación Proa. un papel o una tela sin textura. 2. al tomar contacto con el arte. forzando sus cualidades intrínsecas hacia una intensidad que expanda sus límites y exacerbe sus posibilidades expresivas. implican un salto hacia la tridimensionalidad. al ser frotado con fuerza y presión constante sobre una superficie preparada a tal efecto. la dilución de categorías disciplinares y el uso de materiales no ortodoxos. Siempre fui un enamorado de las tautologías. 1970 Estudió en los talleres de Jorge Macchi y Ahuva Szlimowicz. 1. en este caso la pintura o. esos agujeros de sentido donde las definiciones se proyectan unas sobre otras hasta diluir sus significados. sin que deba entenderse a esta última como figuración.Torrejón. mi principal interés es y ha sido siempre el de mantenerme dentro de los márgenes de una disciplina. desde las condiciones de su desencadenamiento inicial hasta su adecuación a una finalidad específica. paulatinamente me interesé por aquellas expresiones artísticas que actúan como un quiebre. Aun antes de saber de ellas intuía el carácter tautológico del arte contemporáneo. 126 . Obtuvo una Mención Especial del Jurado. Becario Kuitca en la Fundación Proa. Al replicar en grafito obras de artistas minimalistas. Realizó exposiciones colectivas en galerías y ferias de arte. Para cubrir con este material grandes superficies de papel es necesario. exalta su cualidad mineral y se manifiesta como una lámina metálica de un negro indeterminado que le otorga a la imagen una profundidad sugestiva e inquietante. Profesor de pintura de la ENBA Prilidiano Pueyrredón. ARTE ABSTRACTO (HOY) .MARIANO VILELA Buenos Aires. El grafito. en las que es posible verificar su formación. contrapongo a su desapego manual característico una factura táctil que es huella de un cuerpo puesto nuevamente en escena. a fin de reducir la desproporción. Comienza a exponer en forma individual en 2000 (Espacio Duplus) y luego en Dabbah . más precisamente. el dibujo. una entrega física considerable. Y entre ellas señalo a aquellas obras simples. Por lo tanto. hasta podría decirse primitivas. a diferencia de las producciones que. Sin embargo.

Yo he optado por incorporar este fenómeno como tema en mi obra. F. es para mí más un estímulo y una fuente de inspiración que una pérdida. Jasper Johns por iconoclasta y Joseph Beuys por inagotable. Albers. J. 127 . etc. mis trabajos son reescrituras de obras pertenecientes a K. Malevitch.3. ARTE ABSTRACTO (HOY) . Su acto nos incluye en el proceso que desencadena y es necesaria una absoluta creencia en el otro para que la obra se desarrolle. Robert Ryman por su sed de absoluto. Lo táctil se sobrepone a lo cromático. Yo encuentro a la obra abstracta supuestamente volátil fuera del marco estricto de su ejercicio. En las re-escrituras con lápiz grafito los antiguos enunciados se ven transformados a través de una nueva puntuación. El corte forma parte del discurso”. Nuestra situación periférica no nos permite estar en los principales sucesos. 4. Este terreno huérfano de certeza. En su mayoría. la obra imaginada. Decía Kandinsky: “el sentido de un enunciado puede transformarse jugando exclusivamente con la puntuación. Mis últimas producciones giran en torno a la hipótesis sobre la fragilidad del sentido de la obra de arte. una intimidad. todas son versiones y cada una un original absoluto. El arte contemporáneo construye su originalidad y valor en la afirmación de la cita o de la copia y la reescritura de textos ajenos. Si no hay modo que una obra sea idéntica a su doble. Stella. porque piensa desde un principio en la fundación de sí desde la subjetividad de quien acceda a su lectura. lo físico comparte con lo ideal la singularidad de la pieza. y nuestra experiencia estética se ve dislocada porque debemos imaginar o reconstruir la obra original a través de una información escasa y relativa. 5. y porque desconfía de sus posibilidades de representación de lo real. Yo creo que el arte abstracto es un diálogo entre dos personas.

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Embajada de España Sr. Laren. de Sagastizábal. Fotografiía: Oscar Balducci. Artistas: Avello. Pombo. expuestos preparada por Rafael Cippolini. Carmelo Angulo Embajador de España Sr. Diseño de catálogo: Estudio CelisBernardo. Ballesteros. Prior. Guagnini. Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo. López. Burgos. Hasper. Con el apoyo de ARTE ABSTRACTO (HOY) . Kacero. Produce y organiza: Centro Cultural de España en Buenos Aires. Corujeira. Braga Menendez Arte Contemporáneo. Siquier y Vilela. Gumier Maier. Dorr. Luis Prados Covarrubias Consejero Cultural y de Cooperación Lidia Blanco Directora Centro Cultural de España en Buenos Aires Exposición Arte Abstracto (hoy) = Fragilidad + Resiliencia Del 30 de marzo al 27 de mayo de 2005. Cacchiarelli. Marcaccio. Bertone. Masvernat. De Volder. D. 129 La exposición se acompaña con una instalacion con material gráfico de la abstracción histórica rioplatense y de los artistas . Lacarra. Gutman. Gradowczyk. Fotocromos e impresión de catálogo: ArtPress SA. Agradecimientos: Galería Ruth Benzacar. Curador: Mario H. de Caro.

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131 . ARTE ABSTRACTO (HOY) .© 2005 Copyright del catálogo: CCEBA. © 2005 Copyright de los textos: sus autores.

11. pág.La imagen de tapa corresponde al “Manifiesto frágil” revista ramona nº 1. abril/mayo de 2000. .

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