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Libro Historia de la música

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Este libro lo hice cuando estaba terminando mi segundo año de Magisterio en Educación Musical! espero ii le sirva a alguien!. :D
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La Música de la edad antigua

Música de Mesopotamia

La música de Mesopotamia está caracterizada porque la cuenca de los ríos Tigris y
Éufrates ha sido desde siempre un territorio en el que se han establecido diversas
culturas. Cada una de ellas dejaron en estas tierras sus posos culturales, y entre ellos, sus
influencias musicales. En el 4000 a. C. se establecieron los sumerios, luego los acadios o
babilonios, los asirios y también los hititas, casitas, elamitas y persas hasta que finalmente
se produjo la entrada de Alejandro Magno en Babilonia en el 331 a. C.

Asimismo, Mesopotamia ha sido centro de influencia de diversos países circundantes: los
árabes al Sur; hititas, frigios, fenicios, egipcios, griegos al Oeste; Irán y tribus
Indogermánicas al Norte; y al Este casi hasta la India. Por este motivo la música de
Mesopotamia, sobre todo sus instrumentos, se hallan en esos países aunque a veces
considerablemente modificados, del mismo modo que también nos encontramos con
influencias en sentido contrario.

Las fuentes que nos permiten el conocimiento de la música y los instrumentos de estos
pueblos son los documentos literarios, así como reproducciones, relieves en piedra y
hallazgos de instrumentos.

Instrumentos de cuerda

• La lira o Kitara se considera el instrumento nacional sumerio. Ya se le representa a
finales del cuarto milenio precristiano. Se hallaron preciosas liras, adornadas con
oro, plata y placas de concha con profusión de ilustraciones, en las tumbas reales
de Ur I. Estas primitivas liras sumerias son tan grandes que se apoyaban en el suelo
(lira de pie sumerio). Su caja de resonancia se construía en forma de toro(símbolo
de la fertilidad). Más tarde esa forma se estilizó, pero la cabeza de toro quedó
como ornamento con barra delantera (columna). El ejecutante se sentaba ante el
instrumento y tocaba las cuerdas con ambas manos. En las reproducciones, el
número de estas cuerdas oscila entre 4, 5 y 7, y en los instrumentos hallados,
también entre 8 y 11. Las cuerdas se aseguraban al travesaño mediante clavijas, y
pasaban sobre un puente hacia la caja de resonancia. Están dispuestas con una
inclinación hacia el ejecutante, a fin de que éste pudiese alcanzarlas todas. La lira
de pie se convirtió luego en lira de mano, cuya primera imagen reproducida
procede de la época babilónica (1800 AC).

• El arpa, (véase Arpa de Ur), ya la encontramos en la época sumeria. La caja de
resonancia y el cordal forman una unidad en forma de arco (arpa de arco), o bien
se enlazan en un ligero acodamiento (arpa de arco acodada). Según el modelo se la
sostenía en forma vertical u horizontal. Las arpas tenían de 4 a 7 cuerdas. Los

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asirios conocían sobre todo el arpa de de ángulo. Su caja de resonancia se halla en
la parte superior, y el cordal se halla formando ángulo agudo con ella; su número
de cuerdas es elevado.

• El laúd se denomina, en sumerio, pantur, y en griego pandura, es decir pequeño
arco musical. Su existencia está documentada en reproducciones babilónicas del
segundo milenio precristiano, casi siempre en manos femeninas, pero lo está de
igual modo entre los asirios. Llama la atención su largo cuello (laúd de cuello largo)
con diapasón, sobre el cual corren de 2 a 3 cuerdas, y su pequeño cuerpo de
resonancia, sobre el cual se halla tendido un parche, en forma de media calabaza
(también de caparazón de tortuga).

Instrumentos de viento

• Flauta, su existencia se halla demostrada desde tiempos primitivos. Se denomina
gi-bu, “tubo largo”, no tiene embocadura, y se sostenía en posición casi vertical.
Además existen flautas de orificios digitados.

• Chirimías dobles, se trataba de dos tubos construidos de plata, de igual longitud y
sin boquilla y de 4 orificios digitados cada uno. Algunas se hallaron en las tumbas
de Ur I.

• Las trompetas rectas al igual que las trompetas en espiral, sólo aparecen en el
período asirio. Seguramente se las empleaba como instrumentos de señales en el
ejército.

Instrumentos de percusión

Sonajas, varillas entrechocadas, sistros en forma de U, campanas de bronce y platillos de
mano.

Una peculiaridad la constituyen los grandes timbales de caldero de metal. También
conocían el pequeño tambor cilíndrico, que se llevaba verticalmente delante del vientre, y
también horizontalmente en caso de tener dos parches, en cuyo caso se golpeaba de
ambos lados con las manos, el pequeño tambor de marco (pandereta) y un gran tambor
de marco o bombo (de un diámetro aproximado de 1.50 a 1.80 metros), de dos parches,
percutido por dos ejecutantes. Este último instrumento es, presumiblemente, de origen
asiático. A menudo estaba coronado por una pequeña figura erguida.

Práctica y técnica instrumental

No sabemos a ciencia cierta qué tipo de técnica instrumental se realizaba, pero lo que sí
aventuramos a teorizar es que empleaban escalas pentatónicas y heptatónicas. Dicha

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teoría surge del análisis de la organología de la época que permite dicha deducción debido
al número de cuerdas y de orificios de los instrumentos.

La música sería monódica, pero parece que hubieran conocido también la polifonía. Así,
las liras y las arpas casi siempre se punteaban con ambas manos y la chirimía sonaba a dos
voces (posiblemente una emitía una nota pedal o bordón mientras que en la otra se
ejecutaba la melodía).

En numerosas imágenes se ven a varios músicos componiendo pequeñas orquestas, por lo
que la práctica orquestal, aunque no tal y como la conocemos hoy en día, era algo
extendido. Estas combinaciones solían ser de dos arpas y cantante, o lira, arpa, tambor,
platillos, o también chirimía doble, flauta doble, arpa, lira, etc., es decir, combinaciones de
sonidos manifiestamente suaves. La Biblia describe la orquesta de Nabucodonosor II
(Daniel Cap.3), y según ella trompetas o trompas, flautas u oboes dobles, liras y arpas
sonaban en forma individual al principio y luego conjuntamente, por lo que conocían la
técnica concertante.

El fin musical de estos pueblos sería principalmente utilista, dado que se pueden observar
imágenes de la época que muestran ejecuciones musicales en las celebraciones del culto,
en la danza y en torneos de lucha, pero también durante las comidas y en los jardines.

Música en el Antiguo Egipto

La Música en el antiguo Egipto se empleaba en varias actividades, pero su desarrollo
principal fue en los templos, donde era usada durante los ritos dedicados a los diferentes
dioses y era utilizada como remedio terapéutico, como indican algunos papiros: de hecho,
el signo jeroglífico para la música es el mismo que para bienestar y para alegría. Como en
otros pueblos, también se consideraba un medio de comunicación con los difuntos, y los
músicos alcanzaban una categoría tal que algunos están enterrados en las necrópolis
reales.

No se conoce cómo era realmente ya que no desarrollaron un sistema para representarla,
se transmitía de maestro a alumno, pero sí quedan algunos textos que permiten conocer
algunos aspectos. También arrojan luz sobre este tema los instrumentos conservados en
los museos y la representación en bajorrelieves y pinturas de instrumentos y bailarines,
además de lo conservado por tradición oral por los cantores coptos.

Evolución

Por medio de las pinturas y las ofrendas encontradas en las tumbas, así como por el
estudio de los instrumentos encontrados, se puede seguir una cierta evolución de la
música. Al principio sólo tenían instrumentos de percusión, por lo que es evidente que la
música era rítmica. Por las imágenes conservadas sabemos que se usaba para invocar el
favor de los dioses sobre la cosecha, o para ahuyentar las plagas.

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En el cuarto milenio aparecieron la flauta vertical y el arpa, siendo esta última una especie
de instrumento nacional de los egipcios.

Imperio Antiguo

La música era religiosa, cánticos de los sacerdotes durante los ritos litúrgicos. Por el
estudio de los instrumentos, de los que hay numerosas representaciones, se ha llegado a
la conclusión de que seguían una escala pentatónica o heptatónica.

Instrumentos:

o De viento:

Flauta recta, de caña vertical, con cuatro a seis agujeros, sin boquilla
y de casi un metro de longitud. Subsiste hasta el día de hoy con los
nombres de nay y uffata en las músicas cultas y populares de
Egipto.
Chirimía doble, que consistía en dos tubos paralelos de caña con
lengüeta, de igual longitud, que sonaban al unísono. Es el actual
instrumento egipcio denominado zummarah. Tal vez se tocara la
misma melodía de forma duplicada, con ligeras variantes, tal y como
se realiza en la práctica actual, o bien se tratase de alguna forma de
eterofonía o de una práctica de bordón.
Trompeta, de cobre o plata, que se usaba en los desfiles militares y
para el culto a los muertos, eran metálicas, similares a la trompeta
palestina.

o De cuerda:

Arpa de seis a ocho cuerdas muy decorada. Se ha encontrado una
en la necrópolis de Guiza de circa 2000 a. C. Se apoyaba en el suelo,
y su cordal de una sola pieza recuerda aun al más antiguo arco
musical. El mismo desemboca en un resonador ancho, en forma de
pala, que a menudo lleva pintados ojos de dioses, destinados a
contrarrestar las desgracias. Sus cuerdas se fijaban en la parte
inferior de una barra de afinación, que hipotéticamente podría
haber servido para cambiar la afinación de todas las cuerdas, tal y
como se realiza en la actualidad con le juego de pedales del arpa
moderna. En la iconografía se ve el arpa como instrumento
acompañante junto a cantantes, flautistas, etc., y en alguna ocasión
formando parte de una orquesta (se ha encontrado una
representación de una orquesta con siete arpistas).
Guitarra, de tres cuerdas, con un mástil el doble de largo que el
cuerpo.

o De percusión:

Címbalos,
tambores,

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sistros, instrumentos de percusión con un marco de madera en
forma de U, un mango y barras cruzadas que sostenían unas placas
metálicas, que fue variando a lo largo del tiempo.

Intérpretes:

o Jufu Anj, cantante y flautista de la corte.

Imperio Medio

Se amplía la gama de instrumentos, con la adopción de la lira de origen asiático, tambores
con tensores africanos y nuevas clases de sistros: al antiguo sistro en forma de herradura,
se le suma el sistro de Naos, con silueta de templo estilizado.

Imperio Nuevo

Hacia el siglo XVI a. C., los egipcios comenzaron a relacionarse con los pueblos
mesopotámicos, y apareció un estilo nuevo, enfocado a los bailes profanos, con nuevos
instrumentos llegados de Asia como el oboe doble, con dos cañas colocadas en ángulo,
una para ejecutar la melodía y otra para el acompañamiento. En esta época llegó a Egipto
el laúd de dos cuerdas, con un mástil mayor que el mesopotámico. El estudio de estos dos
instrumentos indica el comienzo de un sistema con empleo de semitonos.

• Evoluciona sobre todo el arpa, con un número de cuerdas entre ocho y 16 y con la
caja de resonancia de forma curvada y adornada, usada por los sacerdotes.
Aparece también un arpa más pequeña, de tres a cinco cuerdas, que se apoyaba
en el hombro.

Algo más tarde, aparecieron unas pequeñas de sobremesa para acompañamiento de
cantores, y otras mayores, de la altura de un hombre, usadas por los sacerdotes.

• La lira de siete cuerdas se hizo más curvada, acabándola con tallas.
• Las trompetas evolucionan, y se les coloca un aro metálico en la embocadura.
• Los crótalos, se fabrican en marfil, con dos largas asas terminadas en espirales.
• Se añade a la gama de tambores uno rectangular.

Obras: Himno a Atón, de Akenatón, y algunas poesías.

Periodo Tardío

Hay una doble vertiente: por una parte, llegan numerosos instrumentos nuevos, como
tambores de vasija, platillos, nuevas flautas, que probablemente vinieron acompañados
de nuevos sones.
Por otra parte, en las casas de la vida se enseña la música antigua, como nos cuentan
Heródoto y Platón, que aseguraba tenía efectos benéficos sobre los jóvenes.

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De tiempos de los ptolomeos es el primer órgano, inventado en el siglo II a. C. por
Ctesibios de Alejandría, que funcionaba con presión hidráulica, y de época posterior
conocemos el himno cristiano del papiro de Oxirrinco, que se cantaba sin instrumentos
(prohibidos por la jerarquía eclesiástica).

Claudio Ptolomeo, miembro de la Academia, escribió un tratado de teoría musical llamado
Harmónicos; pensaba que las leyes matemáticas regían los sistemas musicales.

Música de la Antigua Grecia

La música de la Antigua Grecia era un arte que se encontraba presente en la sociedad de
forma casi universal: en las celebraciones, funerales, en el teatro, a través de la música
popular o mediante las baladas que presentaban los poemas épicos. Representaba, por
tanto, un papel integral en las vidas de los habitantes de la antigua Grecia.

En la actualidad, constan significativos fragmentos sobre la anotación musical utilizada por
los griegos

así como muchas referencias literarias a la música de la Antigua Grecia. A
través de las fuentes se ha podido investigar - o al menos hacerse cierta idea - sobre cómo
sonaba la música griega, su rol en la sociedad, las cuestiones económicas relacionadas con
ese arte o la importancia social de los músicos. La propia actividad de tocar instrumentos
musicales está presente a menudo en los dibujos encontrados en las cerámicas griegas.
Por su parte, la propia palabra música procede de la denominación de las musas, las hijas
de Zeus que, según la mitología griega, inspiraban todas las actividades creativas e
intelectuales.

En un momento dado, Platón realizó esta crítica sobre la música moderna de su época:

Nuestra música estuvo una vez divida en sus formas correctas (...) No estaba permitido
intercambiar los estilos melódicos de estas formas establecidas con otras. El conocimiento
informaba el juicio y penalizaba la desobediencia. No había silbidos, ruidos no musicales, o
palmas para aplausos. La regla era escuchar silenciosamente y aprender; niños, profesores
y la multitud se mantenían en orden ante la amenaza del palo. (...) Pero luego, la anarquía
no musical fue dirigida por poetas que tenían talento natural pero eran ignorantes de las
leyes de la música (...) A través de la estupidez se engañaron en pensar que no había bien
o mal en la música, que debía ser juzgada en función del placer que diese. Con sus obras y
sus teorías infectaron a las masas con la presunción de creerse jueces válidos. Por lo que
nuestros teatros, antes silenciosos, se volvieron vocales, y la aristocracia musical llevó a
una perniciosa teatrocracia (...) el criterio no era música, sino una reputación por la
habilidad promiscua y un espíritu de ruptura de las leyes.

Podemos asumir a partir de sus referencias a las formas establecidas y a las leyes de la
música que, al menos parte de la formalidad del sistema armónico pitagórico había calado
en la música griega, como mínimo cuando ésta era tocada por músicos profesionales en

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público. En su escrito, Platón estaría precisamente quejándose del alejamiento de esos
principios hacia el "espíritu de ruptura de las leyes".

Entre los infractores estaría seguramente incluido Aristóxeno, que mantenía que las notas
de la escala no debían juzgarse por la proporción matemática, como mantenían los
pitagóricos, sino por el oído absoluto. En esencia, Aristoxeno dijo que dado que no podías
oír la "música de las esferas" en cualquier caso, ¿por qué no simplemente cantar y tocar
los sonidos buenos y razonables para nosotros? Esta filosofía tan simple subyace tras el
movimiento posterior hacia el sistema temperado e incluso es comparable a la división de
la música del siglo XX entre música tonal y música atonal.

Por ello, jugar con aquello que "sonaba bien" violaba el uso adecuado del ethos de los
modos. Es decir, los griegos habían desarrollado un complejo sistema que relacionaba
características particulares de carácter emocional y espiritual con ciertos modos. Los
nombres para los diversos modos derivaban de los nombres de las tribus y pueblos
griegos, de los que se decía que su temperamento y sus emociones estaban caracterizados
por el sonido único de cada modo. Por lo tanto, los modos dorios eran "duros", los frigios
"sensuales", y así en adelante. En otros lugares,

Platón comenta sobre el uso adecuado de
los distintos modos: el dorio, el frigio, el lidio, etc. Es difícil para un oído moderno
relacionar el concepto de ethos en la música excepto mediante la comparación con
nuestra propias percepciones. Así, una escala menor se utiliza para la melancolía y una
escala mayor para casi todo lo demás, desde la música alegre a la heroica. En realidad, hoy
en día sería más comparable con el sistema de escalas usado en la India y conocido como
raga, que percibe distintas escalas como más apropiadas para la mañana, otras para la
tarde, y así en adelante. La escala

La escala fundamental de los griegos de la Antigüedad era la doria: re, mi, fa, sol, la, si, do,
re. Sin embargo, mientras que la escala moderna es esencialmente «ascendente», la doria
era «descendente»: subirla, era, a ojos de los griegos, emplearla al revés. El sitio de los
semitonos en las dos escalas es el mismo, si se considera cada escala en su sentido
directo, y no en el inverso. No olvidemos que una escala es un movimiento melódico, y
que la dirección de este movimiento depende de las atracciones entre las notas, y después
por la determinación del lugar de los semitonos.

Nuestra escala tiene una tónica que está en el primer grado. Pero la noción de la tónica no
tiene sentido más que desde el punto de vista moderno de la armonía, concepto que, tal y
como la entendemos, era ignorado por los griegos. Su escala no tenía tónica y, no
obstante, había una nota que jugaba un papel preponderante: era la mediante. En la
escala doria, la mediante era el la. Su nombre se debía a su posición casi central, y su
importancia se debía a que la mayoría de las relaciones melódicas se percibían directa o
indirectamente en relación con ella.

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La doria era la escala fija en la música griega. Pero se transformaba en une serie de
diversas escalas o modos, según se desplazara el punto de partida y la mediana.

Los modos griegos eran: dorio, hipodorio, frigio, hipofrigio, lidio, hipolidio, mixolidio,
hipomixolidio. (=dorio).

Igual que transponemos nuestra escala mayor y nuestra escala menor de la nota la, sin
dulces tonalidades diferentes por el medio de alteraciones ascendentes o descendentes,
los griegos usaban transposiciones análogas. Sabían incluso modular a la quinta inferior
por medios puramente melódicos. Hasta aquí la exposición del sistema musical griego
conforme a su forma más antigua, al que los griegos denominaban «género diatónico»,
debido a que era en el que las cuerdas de la lira alcanzaban la máxima tensión, y que se
caracterizaba por la disposición siguiente de los intervalos en el tetracordio inferior de la
escala: la-sol-fa-mi.

Las complicaciones, sin duda de origen oriental, se introdujeron después en la música
griega, bajo los nombres de escala cromática y de escala enarmónica. La cromática se
definía por la disposición siguiente del tetracordio inferior de la escala: la-fa#-fa(b)-mi.

En cuanto a la escala enarmónica, muy diferente de la moderna, introdujo en la escala el
cuarto de tono. A falta de signo más apropiados se representa por un fa seguido de un
medio bemol ♭ utilizado para bajar la nota fa un cuarto de tono en el tetracordio inferior
de la escala enarmónica la-fa-fa(b/)-mi

La música griega era esencialmente homófona, como todas las músicas de la antigüedad.
Los griegos no consideraban musical la producción simultánea de dos melodías diferentes.
Además, no conocían la armonía en el sentido moderno de la palabra.

Cuando cantaban los coros, siempre era al unísono o a la octava, y el aumento de un canto
a la octava, tal y como se producía cuando se asociaban voces infantiles con voces de
adultos, les parecía una complicación audaz. Los instrumentos que acompañaban a las
voces se contentaban con aumentar su parte; a veces, sin embargo, añadían una «nota
cambiata». Pero tales ornamentos o mezclas de sonidos no tenían, en ningún grado, el
carácter o papel de nuestros contrapuntos o armonías modernas.

En definitiva, los sonidos de las escalas varían en función del lugar en el que se ubican los
tonos y los semitonos. Mientras que la música occidental moderna distingue
relativamente pocos tipos de escalas, los griegos usaban esta ubicación de tonos,
semitonos e incluso la cuarta parte de tono para desarrollar un gran repertorio de escalas,
cada una con un supuesto "ethos". No existe sin embargo ninguna evidencia que lleve a
concluir que una secuencia de notas en una escala concreta corresponde "de forma
natural" a una emoción particular o a una característica de la personalidad. Sin embargo,
la idea griega de la escala (incluido su nombre) llegó hasta la música romana posterior y
hasta la Edad Media, pudiendo encontrarse un ejemplo en el sistema modal eclesiástico.

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A partir de las descripciones que han llegado a nuestros días desde los escritos de Platón,
Aristóxeno y, más adelante, Boecio, podemos decir, aunque con ciertas precauciones, que
los antiguos griegos, al menos los anteriores a Platón, escuchaban música principalmente
monofónica, es decir, construida en melodías simples basadas en un sistema de modos o
escalas, construidas bajo el concepto de que las notas debían ser colocadas entre
intervalos consonantes. Está comúnmente aceptado en musicología que la armonía, en el
sentido de un sistema desarrollado de composición en la que muchos tonos contribuyen
al mismo tiempo a la expectación de resolución de la audiencia, fue inventada en la Edad
Media europea, y que las culturas antiguas no tenían un sistema desarrollado de armonía.
Sin embargo, resulta obvio a partir del texto de Platón que los músicos griegos en
ocasiones hacían sonar más de una nota al mismo tiempo, aunque esto aparentemente
era considerado una técnica avanzada. El fragmento musical conservado de Orestes de
Eurípides claramente solicita que suene más de una nota al mismo tiempo. También existe
un interesante estudio en el campo de la música de la antigüedad en el Mediterráneo
(descifrando escrituras musicales cuneiformes) que defiende la existencia de varios
sonidos al mismo tiempo y de la invención teórica de una escala muchos siglos antes de
que la escritura llegara a Grecia. Sin embargo, todo lo que se puede decir a partir de la
evidencia existente es que, mientras que los músicos griegos sí que emplearon la técnica
de hacer sonar varios tonos de forma simultánea, la forma más común y básica de la
música griega era monofónica.

Todo ello parece evidente si tenemos en cuenta los escritos de Platón:

La lira debería utilizarse junto con las voces (...) el músico y el pupilo creando nota por nota
al unísono, con heterofonía y bordadas por la lira (...)

Platón

La música en la sociedad

La función de la música en la sociedad de la antigua Grecia estaba de cierto modo
vinculada a su mitología: Anfión aprendió la música de Hermes, y luego construyó Tebas
usando una lira de oro con la que podía colocar las piedras en su lugar tan sólo con el
sonido que emitía. Orfeo, el maestro de música, tocaba su lira con tal maestría que podía
hacer dormir a las bestias, y el mito de la creación del orfismo mostraba la génesis a través
de una narración en el que Rea tocaba un tambor, llamando la atención de los hombres
sobre los oráculos de la diosa. También encontramos a Hermes mostrando a Apolo su lira
recién inventada con el caparazón de una tortuga, o las propias victorias musicales de
Apolo sobre Marsias y Pan.

Hay muchas referencias que indican que la música era una parte integral de la percepción
griega de cómo su raza había sido creada y de cómo sus destinos continuaban controlados
y observados por los dioses. Por ese motivo, no es ninguna sorpresa que la música
estuviese omnipresente en los Juegos Píticos, los Olímpicos, las ceremonias religiosas,

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actividades lúdicas, e incluso en los comienzos de los dramas a través del ditirambo, lírica
coral dedicada al dios Dioniso.

En algunas fiestas solemnes tenían lugar grandes concursos musicales entre los más
renombrados virtuosos. Se ha conservado el escrito de una representación llamada
pȳthikon, una especie de «música programática» que describe la lucha de Apolo contra la
serpiente Pitón: 1° introducción; 2° provocación ; 3° yámbico (combate, charanga,
imitación de los chirridos de los dientes del dragón); 4° oración (o celebración de la
victoria); 5° ovación (canto de triunfo). Los instrumentistas más famosos de la antigüedad
brillaron en la ejecución de su «pȳthicon».

Aunque la interpretación de solos de instrumentos adquirió cada vez más importancia en
Grecia, primitivamente la música griega era sobre todo vocal.

Las obras líricas de todos los antiguos poetas eran compuestas para ser cantadas. La
tragedia griega era un drama en gran parte musical: en ellas cantaban los coros, sobre
todo en sus orígenes, como por ejemplo en las obras de Esquilo. En Atenas, las
representaciones de tragedias eran ceremonias oficiales y fiestas populares en las que
toda la ciudad tomaba parte. Así se explica que el arte musical estuviera asociado a la
poesía, a la danza y a la mímica en la antigua Grecia.

La danza en el teatro antiguo no se parece a los ballets modernos. Era una danza sin
virtuosismo, sin «solos», sin parejas (los coros de bailes sólo estaban formados por
hombres), sin rapidez; era una danza donde el movimiento de las manos y las actitudes
del cuerpo jugaban un papel mayor que los pasos de baile.

Puede ser que los verdaderos sonidos de la música que se escuchaba en los rituales,
juegos, dramas, etc. sufriese algún tipo de cambio tras la dramática caída de Atenas en
404 a. C., en la Guerra de Decelia, la fase final de la Guerra del Peloponeso. En ese
momento se produce una cierta "revolución" en la cultura griega, y es de esa época de
cuándo data el lamento de Platón sobre los cambios acaecidos en la música.

Aunque se

seguía valorando el virtuosismo instrumental, la queja de Platón incluía la atención
excesiva a la música instrumental hasta el punto de que interfería con la voz humana que
la acompañaba, apartándose por tanto del ethos tradicional de la música.

Instrumentos musicales de la antigua Grecia

• Todos los instrumentos utilizados para crear cualquier tipo de música pueden ser divididos
en tres categorías

basadas en el modo en el que se produce el sonido: cuerda, viento y
percusión (excluyendo los instrumentos electrónicos utilizados en la actualidad). Bajo este
sistema, los instrumentos de cada uno de esos tipos pueden dividirse en subtipos en
función de la forma en que se extrae el sonido. A continuación se enumeran algunos de los
instrumentos utilizados para crear música en la antigua Grecia: La lira: Instrumento de
cuerda pulsada, con forma de ábaco, que originalmente se construía utilizando

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como caja caparazones de tortuga, y en el que había unas siete o más cuerdas
afinadas para que hiciesen sonar las notas de cada uno de los modos. La lira se
usaba para acompañar a otros instrumentos, o bien por sí misma para recitar
canciones.
• La cítara: Instrumento parecido aunque algo más complicado que la lira. Tenía un
marco en forma de caja en la que las cuerdas se estiraban desde la cruceta
superior hasta la caja de resonancia ubicada en la parte baja. Se mantenía vertical
y se tocaba con un plectro. Las cuerdas podían afinarse ajustando cuñas de
madera.

• El aulos, instrumento parecido a un oboe doble en el que ambos instrumentos de
viento se tocaban al mismo tiempo. Las reconstrucciones modernas indican que
producían un sonido parecido al de un clarinete. Existe, sin embargo, cierta
confusión acerca de la naturaleza exacta del instrumento, puesto que según la
descripción podría ser de lengüeta simple o doble.
• La flauta de Pan, también conocida como siringa (en griego συριγξ), era un
instrumento musical antiguo que se basaba en el principio de la resonancia
acústica en un tubo taponado. Consistía en una serie de tubos de longitud variable
que se afinaba cortando los tubos a la longitud deseada. El sonido se produce
soplando a través de la única abertura del tubo.
• El hydraulis, instrumento de viento que se manejaba desde un teclado
(instrumento de teclado), precursor del actual órgano tubular. Tal y como indica su
nombre, el instrumento utilizaba el agua para mantener un flujo constante de aire
a través de sus tubos. Han pervivido dos descripciones detalladas del instrumento:
la de Marco Vitruvio

y la de Herón de Alejandría.

Estas descripciones se centran
principalmente en el mecanismo del teclado y en la forma en la que el instrumento
recibía el necesario flujo de aire. Por otro lado, en 1885 fue descubierto en Cartago
un modelo en cerámica bien preservado. El agua y el aire entran en el instrumento
y llegan juntos a la cámara eólica. A continuación, el aire comprimido entra en un
compartimento situado en la parte superior de la cámara eólica, y desde aquí, se
distribuye hacia los tubos del órgano. El agua, después de haber sido separada del
aire, deja la cámara eólica conforme va entrando en ella. A continuación, el agua
impulsa una rueda, que a su vez mueve un cilindro musical. Para hacer funcionar el
órgano, la llave que permite el paso del agua al interior del instrumento debe estar
abierta (lo que hace que el agua fluya continuamente).
• La corneta o trompeta aparece en diversas ocasiones en la Eneida de Virgilio.
Podemos asumir que los griegos y hacían uso de este instrumento, y no sólo de las
conchas de mar, sino incluso de instrumentos elaborados con metal llamados
salpiges (salpinx, en singular). Diversas fuentes mencionan este instrumento de
metal con una boquilla de hueso y aparecen en diversas pinturas.

Todos estos instrumentos llegaron también de una u otra forma a la música de la Antigua
Roma.

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Musica en la antigua Roma

La música, así como el arte en general, la ciencia y la filosofía pasarían a ser una parte
fundamental de la civilización romana. Pero Roma no aportó nada a la música griega.
Simplemente se la hizo suya.

Tanto la tragedia como la música griega se consolidaron en la península evolucionando a
la manera romana. Adquirieron rasgos característicos que en ocasiones variaron la
estética a la que había llegado la música en la civilización griega.

Las celebraciones musicales fueron de gran importancia en la Antigua Roma.
Generalmente, se daban grandes fiestas a las que acudían numerosos músicos y coros que
hacían las delicias de los oyentes con sus melodías y sus cantos. Recorrían la ciudad para
que todo el mundo les pudiera oír.

Se trataba de una transmisión más bien superficial, de carácter puramente festivo y
efectista. Durante estas jornadas musicales llegaban de todas las partes del Imperio a la
capital, varios “músicos virtuosos”que amenizan y alegran cualquier situación. A éstos les
gustaba realizar un espectáculo sensacionalista y con algunas excentricidades, para llamar
la atención del público. El factor humor también era relevante para crear esta atmósfera
fastuosa y distendida.

Entre éstos, había artistas muy importantes en aquellos tiempos, los cuales tenían mucha
fama y estaban muy bien pagados. Acostumbraban a llevar una vida más bien festiva, al
igual que su trabajo. De los músicos más populares, destacaban los griegos como:
Terpnos, gran citarista y maestro de Nerón, Polón y Mesomedes de Creta, entre otros.

En cuanto a los instrumentos musicales más utilizados en la Antigua Roma, éstos
provenían de diferentes pueblos de la Antigüedad. Y es que la civilización romana tuvo
bajo su hegemonía a culturas distintas, las cuales influenciaban y enriquecían a Roma, a
través de sus hábitos, costumbres y tradiciones. Así, los instrumentos solistas que más se
usaban eran la lira y la citara.

El primero consiste en una especie de arpa, aunque la lira es más pequeña que un arpa
convencional. Se trata del primer instrumento al que la “Biblia” hace referencia y es el
único de cuerda que sale en el “Pentateuco”. Estaba, generalmente, hecho de madera y
tenía diez cuerdas. Su forma variaba y su tamaño también, primando así el sonido más
que la estética. Algunas de ellas eran bastante pequeñas como para tocarse mientras se

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andaba. El timbre resultaba dulce al oído y la expresión de su música se consideraba como
un signo de felicidad.

Con respecto a la citara, hay quienes creen que el decacordio es lo mismo que este
instrumento. La citara es una derivación de la lira siendo ésta más amplia y profunda que
la otra. Por lo tanto también tiene más sonoridad.

Otro instrumento muy importante, pero considerado no muy adecuado para la educación
era el aulos. Éste, normalmente, se dejaba en manos de los músicos más profesionales. Se
trataba de una flauta doble con agujeros y una lengüeta. Nerón quería ser considerado
como un profesional cuando tocaba la citara ante la gente. Cuentan que en su lecho de
muerte decía todo el rato: “Qué artista va a perecer conmigo”.

Se empezaron a representar comedias en los teatros romanos, levantados a la forma griega. Los
autores más significativos eran: Plauto (250-184 a.C) con obras tan conocidas como: “Anfitrión”,
“Los Cautivos” y “El Cartaginés” o también Terencio (194-159 a.C) con “Andria”, “Los Hermanos” o
“Formión”. La tragedia no tuvo una gran trascendencia. Su principal exponente fue Séneca, víctima
de Nerón. De las obras del gran filósofo se conservaron catorce tragedias, “Medea”, “Las
Troyanas” y “Agamenón”.

La música tenía un papel imprescindible en las obras teatrales. Las partes cantadas se
acompañaban de tibiae, que podían ser simples o dobles. Las pares tenían igual afinación que las
otras. Las tibiae impares estaban afinadas a octavas una de la otra. Al contrario que las
representaciones en Grecia, en el teatro romano no tenía importancia el coro. Aunque había
alguna excepción. Las partes recitadas o “deverbia” eran seguidas de partes cantadas o “cantica”
por un solista o dúo. Durante los intermedios en los diferentes actos se ofrecían interludios
musicales a cargo del tibicen.

A partir del año 389 de la fundación de Roma (364 a.C) con la institución de los Ludi Scenici para
aplacar los estragos de la peste ocurre un hecho importante para la música romana. Los Ludiones,
unos actores de origen etrusco, bailaban al ritmo de las tibiae, correspondientes a los aulos
griegos. Entonces, los romanos, impresionados por un espectáculo tal, se pondrán a imitar estas
danzas y le añadirán un elemento nuevo: la melodía vocal. A estos artistas se les llamaba
Histriones, lo cual significa “bailarines” en etrusco. La verdad es que no ha llegado hasta nosotros
ninguna pieza musical, exceptuando un pequeño fragmento de una comedia de Terencio, cuyo
título es “Hecyra”, que pertenece a la primera mitad del siglo II a.C. Pero existen numerosos
tratados musicales del periodo, lo cual nos permite acercar a dicha teoría musical.

Cuando el imperio se consolida empieza a crecer el fenómeno de la inmigración. Ello engrandecerá
la cultura romana y la música no será una excepción. De este modo, fueron relevantes los

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innovadores elementos llegados de Siria, Egipto y España. Las danzarinas gaditanas se
caracterizaban por sus movimientos considerados lascivos. Van a aparecer corrientes que irán en
contra de esto, así como de toda la original mezcla de culturas. Aparecerán antiguos estilos de
carácter virtuosos como la citarodia, basada en la cítara y en la voz o también la citaristica, que es
la citara solista. Varios emperadores promovieron nuevos certámenes y competiciones. Algunos
de ellos lograron ser reconocidos como virtuosos. Éste es el caso de Nerón o Adriano.

Aunque la música romana se limita a adoptar la griega, como hemos visto, sí hay algunas
variaciones. Hay una gran improvisación, sin una notación fija. Poco a poco, van a cobrar
importancia los instrumentos de viento-metal. Las melodías y canciones son esenciales en todo lo
público, desde las fastuosas celebraciones hasta el terreno educativo. Pero lo que queda claro, con
innovaciones o sin ellas, es que Roma supo apreciar la música.

Los romanos adaptaron las teorías de los griegos a sus necesidades y prácticas musicales. El aulós
griego se transformó en la tibia romana, instrumento que ocupó un lugar destacado en las
ceremonias religiosas, en la música militar y en el teatro. Sin embargo, los intérpretes más
destacados eran los esclavos intelectuales sometidos a los señores romanos que provenían de las
provincias griegas. Puede decirse que la música en el Imperio Romano confirmó lo conocido en la
Grecia Clásica, como el canto monofónico (a una sola voz o en coros unísonos), la relación entre la
música y el ritmo prosódico (de los acentos y ritmos propios del texto hablado o recitado) y la
improvisación al tocar un instrumento, poniendo en práctica fórmulas musicales conocidas y
reguladas.
En los teatros romanos, que imitaban a los griegos, se representaban obras y se daban conciertos
musicales gratuitos. En lugar de componer ellos mismos la música de las puestas en escena (como
los dramaturgos griegos), en Roma se asignaba esa tarea a otros creadores. Por ejemplo Flaco, hijo
de Claudio, fue el autor de músicas para las obras de Terencio. También se destacaron músicos
provincianos, como los griegos Terpnos (gran intérprete de cítara y maestro de Nerón),
Menícrates, Polión y Mesomedes, autor de himnos a Helios y Némesis. La música no estaba
restringida, como en otras culturas, a los hombres. Luciano, el escritor, elogia las habilidades como
cantantes y tocadoras de cítara de las mujeres aristócratas como así también de las cortesanas.

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La música en la China Antigua:

Simbología y textura en la música tradicional china

Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración.
Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está
empapada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más
antiguas del mundo.

En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a las
representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido
concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada
momento, con su estética correspondiente.

Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sin
necesidad de Fengs humanos ni mitológicos, sin arrullos de olas ni enviados al Olimpo
chino. Como cosa natural debieron haber relacionado las distintas longitudes de los tubos
con los distintos sonidos que en estos se obtienen. No es raro, tampoco, que les hayan
aplicado la relación 3:2, dado que ésta tenía para ellos un valor simbólico. Armonizar el
cielo con la tierra.

Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una música, la
altura y distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que corresponde a una
quinta justa, un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. Este principio se
denomina cíclico, porque el total de sonidos que integra la escala repertorio, se va
generando por una constante matemática en las longitudes de los tubos que integran el
sistema. Musicalmente se manifiesta por intervalos de quinta justa al ascender y de cuarta
justa al descender.

La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Si
soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a Fa4 se obtendrá
una quinta justa superior, es decir Do5. Pero este Do5 también se puede obtener
soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero.

Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de Do5 se obtendrá una quinta justa
superior a Do5, es decir, Sol5. Como este sonido está muy alejado de huang-chung, se
duplica su longitud y se obtiene Sol4, dado que la relación doble corresponde a la octava.

Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo Sol4,
cortando un tubo que midiera cuatro tercios de Do5.

Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios,
llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava justa, por

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cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron entonces, una
escala dodecafónica de temperamento desigual.

El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las
fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si
otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/3
- 4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones, y cada vez se hacen más
complicadas las ecuaciones a realizar: 81 - 54 - 72 - 48 - 64 - 42,666 - 56,888 - etc., meros
lu para su escala usual.

En el s.IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la octava,
es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el año 1596 el Príncipe Tsai-Yu
propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual.

Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal,
materiales mas durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas
constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas, luego
se añadían seis más. Los litofonos no eran instrumentos melódicos propiamente dicho,
sino puntos de r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros
antepasados en wu-i(instrumentos) y chia-chung (canto). Todo esto debía relacionarse,
asimismo, con danzas específicas.

Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferior
correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a los lu pares
(principio YIN, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección en sí mismo pues
de él depende todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el sistema en
potencia. Por eso a la hilera impar le correspondía el principio YAN.

Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y la
femenina esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo
femenino es la madre y el masculino el hijo.

Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,
pentatónica anhemitonal (sin semitonos).

Desde el año 1300 a. C. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde cinco
transposiciones modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus sonidos, el
número teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es de 60 modos
pentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este número de escalas posibles
variaba también según las dinastías, y asimismo variaba el número de escalas reales
empleadas.

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Música árabe

La música árabe es un término empleado para designar la música de los países en los que
se habla árabe o similarmente se denomina así a los países árabes. Se incluye bajo esta
categoría los diferentes géneros de música árabe clásica hasta música popular árabe
pasando por la música secular hasta la sacra.

La música árabe ha interaccionado con otras músicas regionales, como la música de la
antigua grecia, la música persa, música turca, india, africana (por ejemplo: Bereber &
Swahili) y la música europea (por ejemplo la música andalusí). Al igual que en otras áreas
de la ciencia o de las artes, los árabes han traducido del griego los textos de la música, así
como los tratados de teoría de la música de los griegos (como Sistemas ametabolon,
enharmonium, chromatikon, diatonon).

Se puede encontrar a menudo la palabra Shî'ir
(poesía en árabe) empleada en muchos idiomas semíticos al igual que Shûr en arameo,
Shîr en idioma hebreo y Shîro en babilónico para comprender tales iner-influencias.[2

Características

Lakjjjde la música árabe está caracterizada por el énfasis en la melodía y el ritmo, como
oposición a la armonía. Existen algunos géneros de la música árabe que son polifónicos,
pero sin embargo es muy típico encontrarse la monodia.

Los árabes basan su sistema musical en la octava dividida en 24 cuartos de tono, división
regular que guarda una perfecta correspondencia con el sistema occidental de los 12
semitonos, pero es difícil de asimilar por los oídos occidentales, educados armónica y
tonalmente de muy diferente manera, y que por lo tanto desconocen las sutilezas
contenidas en los sistemas ultracromáticos árabes.

Al anotar la música árabe en el sistema occidental, se ofrece la dificultad de representar
las alteraciones correspondientes al cuarto de tono. Esta dificultad se ha solventado
recurriendo a los signos + y -: el signo + sirve para indicar la elevación de un cuarto de
tono a la nota alterada y el signo - para indicar que baja en un cuarto de tono; estos
signos, combinados con el bemol, sostenido y becuadro occidentales, facilitan la
representación gráfica de los intervalos de cuartos de tono.

Comienzos

Período preislámico

El desarrollo de la música árabe se remonta a la poesía misma, y data desde los tiempos
anteriores al Islam, período conocido como Jahiliyyah. Aunque no se tienen pruebas
científicas definitivas que confirmen la existencia de la música árabe en esos tiempos, la
mayoría de los historiadores coinciden en que existieron distintas formas musicales en la
Península Arábiga entre los siglos V y VII a. de C. Los poetas árabes de ese tiempo que

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ahora son llamados Los poetas del Período Ignorante solían recitar sus poemas con tono y
ritmo musical.

La música jugaba un papel muy importante en esa época y era tarea de los magos y
exorcistas. Se creía que los genios transmitían poemas a los poetas y música a los músicos.
El coro servía, por su facilidad pedagógica, de instrumento para que los poetas cultos
recitaran sus trabajos. Cantar no era la tarea para estos artistas por eso dejaban ese
trabajo a mujeres con bellas voces. Ellas aprenderían así a tocar instrumentos como el
laúd, el rabel, el tambor, etcétera y después tocarían las canciones mientras
representaran los metros poéticos. Las composiciones eran muy sencillas y cada cantante
cantaba en un único macan. Entre las canciones más notables de ese período está la huda,
que más tarde daría lugar a el nasb, sanad y el rukbaní’.

La Edad Media

El maqam árabe es un sistema de modos melódicos utilizado en la música tradicional, que
es melódica. La palabra maqam significa estación y significa que un tipo melódico está
constituido en una escala y carga con una tradición que define sus frases habituales, notas
importantes, desarrollo melódico y modulación. Tanto composiciones como
improvisaciones en la música tradicional árabe se basan en el sistema del maqam. Los
maqam pueden interpretarse ya sea con un instrumento o con la voz y no incluyen ritmo.

Al Kindi (801-873) fue el primer grande teórico de la música árabe. Él propuso que se
incluyera una quinta cuerda al laúd y reflexionó sobre las connotaciones cosmológicas de
la música. Él superó la obra griega utilizando una anotación alfabética para cada octava.
Publicó quince tratados de teoría musical, sin embargo sólo sobreviven cinco. En uno de
sus tratados se utilizó la palabra musiqia por primera vez en árabe, término que
actualmente significa música en persa, árabe, turco, inglés y varios países más.

Al Farabi (872-950) escribió un libro extraordinario acerca de música Kitab al Musiqi al
Kabir
El gran libro de la Música. Su sistema de tonos se utiliza todavía aún en la música
árabe.

Al Gazali (1059-1111) escribió un tratado de música en persa en el cual declaró: el éxtasis
es el estado causado por escuchar música.

En 1252 Safi Eddin desarrolló una forma única para escribir la música donde el ritmo se
representaba geométricamente. Algo similar no aparecería en Occidente hasta 1987
cuando Kjell Gustafson publicó un método para representar un ritmo como un gráfico
bidimensional.

En el siglo XI España bajo dominio árabe se convirtió en centro de fabricación de
instrumentos. Todos esos productos fueron llevados a Francia donde recorrieron junto
con los trovadores franceses toda Europa.

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Los árabes también inventaron la Gacela, una composición amorosa todavía presente.

Música del antiguo Israel

La música israelí contiene una gran variedad de influencias procedentes de la Diáspora;
música yemenita, melodías Hasidicas, música árabe, música griega, jazz y pop rock y son
todos parte de la escena musical, al tiempo que hace buen uso de elementos de la cultura
moderna. Las canciones populares nacionales, conocidas como שירי ארץ ישראל (Shirei
Eretz Israel o "Cantos de la Tierra de Israel"), narran las experiencias de los pioneros en la
construcción de la patria judía, Eretz Israel. Entre los Israelíes de fama mundial se
encuentra la Orquesta Filarmónica de Israel, que se encuentra en actividad desde hace
más de setenta años y hoy en día realiza más de docientos conciertos cada año. Israel
también ha producido muchos músicos notorios, algunos lograron el estrellato
internacional. Noa, Itzhak Perlman y Pinchas Zukerman son algunos de los músicos
nacidos en Israel aclamados internacionalmente; tambien destacan Mayumana o Dana
International. En otro orden de cosas, Israel ha participado en el Festival de la Canción de
Eurovisión casi cada año desde 1973, ganando la competencia tres veces y dos veces fue
sede de la misma. Eilat ha organizado su propio festival de música internacional, el Red
Sea Jazz Festival, cada verano desde 1987. También originarios de Israel son algunos
intérpretes que están adquiriendo gran relevancia en la actualidad como Oren Lavie.

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