LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
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LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

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Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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.....135 Concierto para George (George Harrison)…………………………………………………………………. Pamela Robin y El Ático)……………………..…..………………………………………………………….... el musical………………………………………………………………………………………….111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)….27 The Steve Howe Album en Santa Ana…………………………………………………………………….…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 .13 Blue in Green..99 Mercurio (Freddie Mercury)……………………………………………………………………………….….…..61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador…………………………………………………………………….. Beethoven y la violencia…………………………………………………………………………..87 Pancho Lara………………………………………………………………………………………….175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)………………………………………………………………………..….....ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis……………………………………………………………………………………….5 Un alud inevitable (The Beatles)……………….….……….. de Miles Davis……………………………………………………………….91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson. Cri-Cri)………………………………………………….….. de George benson………………………………………………………….……………….. Serrat y Páez)………………………………….….19 El otro lado del Abbey Road.…………..…...155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)………………………………………………………………………..………….…151 Los Guaraguao en El Salvador………………………………………………………………………………...63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler....….147 Brahms.169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….……..139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)………………………………………………………………………….35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans……………………………………………………………………….……….43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)………………………………………….161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador…………………......……………………………………………………..…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)………………………………….....….….…...77 Tres canciones de Sting……………………………………………………………………………………...121 Tiempos...... El Payador Perseguido………………………………………………………………...…131 Expedición (Silvio Rodríguez)…………………………………………………………………………………....37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)…………………………………………………. una búsqueda de la raíz latinoamericana………………………………………………………….………...….31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)…………………………………………………. de Ruben Blades………………………………………………………………………………….55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)……………………………………………………….….…...163 Don Bosco.9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés..41 Atahualpa Yupanqui....73 Zunca..

Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad. La música también es un lenguaje. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla). Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído.S. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas. que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica. Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. Bach. pues claro que ha empezado por muy mal camino. etc. le da un valor superior. No se puede esperar. es decir. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales. Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico. por ejemplo. Hay otra que puede deprimir un poco. ¡de ningún tipo de música!. socioeconómico.BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música. y me parece triste e inconcebible 5 . pueda entender o apreciar a J. Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra.

desapareció para siempre de mis manos. digo. lo hizo mucho más. la trompeta de Miles Davis. Pasé algunos años añorando oírla. Toda la obra me impresionó mucho. The Beatles. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos. Me gustan los boleros de Manzanero. por supuesto que en un disco LP. pero este disco –que se lo presté a alguien. el último traía la “novena”. Silvio Rodríguez.que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. Beethoven… y la lista es grande. pero creo que el cuarto movimiento. con mi esposa Érika. Yo. el coral. el saxofón de John Coltrane. las baladas que canta Marco Antonio Muñiz. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. 6 . 9 en Re menor de Beethoven. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven. Pablo Milanés. Puccini. por mi lado. Queen. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No.

Incluso. 7 . lo desarma. la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. me gusta como juega con el tema principal de la composición. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí. lo insinúa. a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. Y también posee una gran destreza para la improvisación. sus pasajes épicos. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. es una improvisación muy melódica. lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor.si me muero. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo. sus frases musicales de tristeza. uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado. A thousand autumns. su angustia. Réquiem.Son muchos los músicos. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo. Me gusta su energía. A Beethoven lo admiro mucho. tan característica en el Jazz. lo recrea. que en mi entierro me pongan Cassandra. su desesperación. Branford tiene un don increíble para la interpretación. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis.

separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo.Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960). convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón. 8 . Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis.

Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado. como me lo hacían ver -o. ritmos y contrapuntos. escuchar y sentir. «A day in the life» traía una batería tan novedosa. más bien. un par de años después. pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles. Yo compartía esa música con amigos y. me iba a estrellar con fuerza. mejor dicho.UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos). Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música.los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo. 9 .

sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. como en un plano cartesiano: las negras. dejándome crecer el cabello. las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock. Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos. que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica. “mechudo”. como bien lo describió alguien.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza. Y fue así como de pronto me vi. junto a otros amigos. 10 .

los días y las noches en los hospitales. Mercedes Sosa y otros. caminando cada quien hacia su propio destino. como Serrat. también como un alud inevitable.files.com/2007/09/sargent-peppers. quizás para peor. Y de ser un grupo de pop-rock. La vida universitaria.wordpress. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. Silvio Rodríguez. con un aire de son.wordpress. como cada adolescente ingenuo desde los años ´60. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente.Luego cayó sobre mis oídos Queen. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular. se nos rompieron en el camino. Y los sueños. pasando después por un rock progresivo. de ser como Los Beatles. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. sin darme cuenta. algo de marimba guatemalteca. y nuevas luchas me arrastraron.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10. pero con canciones originales. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel. Yes y mucha música popular latinoamericana. por senderos donde. y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. con un aire folklórico.blogspot.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 .

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Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos. en sus arreglos musicales. la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. Lo mismo pasa con algunos cantantes. Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares. Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente. sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. 13 . que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos). Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. La de Pablo Milanés dura 8 minutos.TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. «Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte.

Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. botija. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. Dura ocho minutos e inicia con un piano. Es una historia muy compleja. lento y sobrio. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha. tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. el cual es muy conmovedor. así sin puntuaciones. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable. sino que también oír el tema del poema. Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. Aparece la tortura como un macabro fantasma. He aquí un fragmento del poema en cuestión.

“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 . La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España.Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico. es una combinación muy original. La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita.” 2. El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado. En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas.

fenicios y godos. la casa. Y el musulmán lo perdió todo. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. que habla de diversos temas. Iberos y romanos. la llama persa del ciprés. cortes y trovadores. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. dueños del camino del mar.“Mil años hace que el sol pasa. moros y cristianos. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. en nombre de la cristiandad. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . el sueño y la heredad. En paz descansen esplendores de amor. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos. «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. la plata del olivo griego.

Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento. en 17 . Fito Páez. «Torre de cristal». que dura 11 minutos con 29 segundos. Pero no se detiene ahí. en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. con rítmicas palabras que por momentos se atropellan. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. «Al lado del camino». con mucha creatividad. aprovecha la ocasión para retratar la tristeza. algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. consta de 12 canciones: «Abre». Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. embriagada. no se esconden en el río. Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza. El álbum ABRE. que vio la luz en 1999. «Ahí voy». Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra. No te metas. a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. «Habana». delirante. Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. «Es sólo cuestión de actitud». con ironía. Los cadáveres se guardan. la frustración y algo de la personalidad del argentino. plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. la barbarie y los modales europeos. Y hubo una fiesta de todos. «Desierto. “Argentina. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). Don Segundo y Martín Fierro. pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. «Tu sonrisa inolvidable». el país de los inventos.irreverencia. «Dos en la ciudad». «La casa desaparecida». «La despedida» y «Buena estrella». Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”.frustración de los argentinos. No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. Lo hace con audacia. Argentina. Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia.

Fotografías extraídas de Google. que los hombres van de putas para sentirse varones. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. Y. largas como mil facones. nunca me metí en política. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. aun cuando haya palabras vulgares. la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música. tiernas o sarcásticas. Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida.le pone un sabor rioplatense único. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor. Gracias papi por las flores. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda. pega duro. pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida». al final de la composición. el más fuerte penaliza. Y tenemos pijas grandes. la Argentina ensimismada. Muy recomendable. simplemente fui un muchacho hedonista. maten a los maricones. 18 . el bandoneón -que no podía faltar. cada día. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. Yo que nunca anduve en nada. en esta última. por las reivindicaciones. No son sólo las ideas abundantes. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo. Nada personal. Vale la pena oír todo el álbum. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. te hace trizas. por el odio más brutal descuartizadas. pero puede ser muy divino… ”.palacios de memoria ensangrentada. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal. «Buena estrella» y «Habana».

constituida por cinco números especiales: «So what».BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001. Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis. De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos. el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana. 19 . el saxofón tenor por John Coltrane. «Blue in green». El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días. Es relativamente corta. ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado. El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. el piano por Bill Evans. pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002. « All blues» y «Flamenco sketches».” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. «Freddie Freeloader».

Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno. melódica y triste. Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. pueden seguir este enlace: http://www. Davis y Evans.youtube.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. muy bien tocado pero sin querer robarse el show. “Cannonball”. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas. es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. excepto en «Blue in green». una verdadera joya que ya es parte de mi vida. llenas de vida y de fuerza. Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio. De izquierda a derecha: Coltrane.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto. Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical. sin pedantería técnica. Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie. con una sensualidad inherente. Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. 20 . La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia.

tomajazz.wikipedia.com/musicos/miles/davis_kindof.creativecommons.creativecommons. Perfiles: http://www.org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.(1) http://es.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search.org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.

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que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). como en una cadenita. de George Benson.EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road». como «Something». 23 . había sido grabado antes que el «Abbey Road». de George Benson. como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together». de The Beatles. El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. es decir. «Golden slumbers» o «Here comes the sun». sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. Y es que. aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. Portada del álbum «Abbey road». era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte.

cantada por Paul McCartney. con lo cual se siente su fuerza jazzística. Pero las versiones de Benson. en el año de 1969. También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones. (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). George Benson siempre ha sido un improvisador genial. muy musical. Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado. es decir. con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». La versión original. y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. con ese fondo de cuerdas tan elegante. lo que 24 . como «Something». es una de mis favoritas del «Abbey Road». también están llenas de mucha originalidad. con ese arreglo tan bien hecho. después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. Creo que en Jazz. que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados.

com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal. Herbie Hancock y Ron Carter.tiscali. especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road».php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines. otras grandes figuras del Jazz.quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas.com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road.). junto a George Benson.youtube. interpretada en vivo por George Benson.coveralia.musthear. etc. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www. como si no las estuviera inventando en el momento. Me encantan.jpg 25 .it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. entre otros. Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun».com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web. Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road». como Bob James. Participan en la grabación.

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Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. lo sigo pensando. Con el tiempo. 27 . Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat. pero alejadas en el tiempo. Y hoy. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones. pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. después de casi 30 años. entre los cantautores de habla hispana. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969). Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas. Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. dos colecciones equiparadas en calidad. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales.SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. debido al espacio de la cinta.

En El Salvador. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. llena de amor por lo que se dejaba. porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco. en una película llamada «Palabras de amor». del disco «La paloma»*. sólo él y su guitarra. 28 . Serrat es un artista relativamente poco conocido. Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes. su calidad artística es indiscutible. Unos con otros nos vamos pasando su música. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales.que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo. su letra era nostálgica. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». triste. Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. porque los tiene. pero sin llegar al panfleto. de esta canción Serrat cantó un fragmento. En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos. Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. de donde puedo hablar específicamente.

La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti.com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro).cancioneros. Antonio Machado y Miguel Hernández.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América. porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat. Fotografías extraídas de: http://www. un poema de Rafael Alberti. Joan Manuel Serrat. es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. Todos esos discos son maravillosos. Con tanta música-basura. superflua y sosa. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros. que se oye en estos días. pero la primer canción era La paloma.

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el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. Una vez -bien lo recuerdo. De todos los miembros del grupo musical. era Bernardo el que tenía más carisma.en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”. ya lo había dicho. bueno. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin. el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . era de piel blanca. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud. Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. Pero vayámonos al meollo del asunto. la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales. la batería Carlos… y. Yo tocaba el bajo eléctrico. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran). Eso me gustaba mucho.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo. él era el alma del grupo.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. el vocalista.

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. lado a lado. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. coqueteando. unos recuerdos de cosas que nunca he vivido. ha empezado la liberación del amante. me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo. mirándose. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”. pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. Esa añeja canción. tocándose las manos.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. tacones altos y labios bien dibujados. como otras similares. la cual es «Seguiré mi viaje». me provocan un “deja vu”. 35 .

con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida.jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto. por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza.files.com/2010/03/olgaguillot52. así. de las que les he hablado: http://www.jpg 36 . una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún. sin que eso le reste belleza a la canción.edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661.com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon.wordpress. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”.youtube. ambas con un bello acompañamiento de orquesta.fiu.la conseguí en un remoto disco LP.

las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical. Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso. Había nacido un nuevo estilo de Jazz. En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta. 37 . fumando.LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones. el Cool Jazz. Entre 1949 y 1950. el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos. Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música.

Ron David. fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. Kenny Clark. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso.Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. flotante que usa cornos franceses.”(2) El BeBop. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40. refiriéndose a Miles Davis. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. creado principalmente por Dizzy Gillespie. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 . (1) El Cool Jazz es “una música etérea.

Pero es un pensador profundo. te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. no es un pensador resplandecientemente rápido. en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. Después de escucharlos unas pocas veces. (4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». son pensadores imposiblemente rápidos. Miles. Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 . lento y tranquilo que cualquier otro.” (3) ** Más adelante.rápido que tocan Diz y Bird. especialmente Bird. “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave. a diferencia de Bird y Diz. en 1957.

1998. Buenos Aires. 1997. p. “Their 40-year friendship”. Errepar. un disco necesario. Y luego. Argentina. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www. p. “Jazz para principiantes”. 1998. todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad.com. todos los vientos metales. 140 (2) Ron David. (1) Mervyn Cooke. pero ya acercándose al final de la composición.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 . incluyendo a Miles. «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans). «The best of Miles Davis/Gil Evans». Argentina. p. p. London.sv/index.contrapunto. y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. que es triste. 1998. “Jazz para principiantes”. Buenos Aires. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein. “Jazz”. “The best of Miles Davis/Gil Evans”. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio. «Summertime» (Gershwin). 58 (4) Bill Kirchner. lento y apacible. Thames and Hudson Ltd. Errepar.Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin). «My man´s gone now» (Gershwin). 58 (3) Ron David.

intercalándose con diferentes instrumentos musicales. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan. Excelente interpretación. es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras. Simplemente son geniales. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz. o. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. 41 . que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra. Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo. por ejemplo. como el saxofón o la flauta. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald.cantantes muy buenas en este género musical. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. es decir. como lo decimos en español. Esto es algo muy difícil de hacer.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”.

que alcanza. Fotografías extraídas de imágenes de Google.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. niveles casi alegremente orgásmicos. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney. Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. estas dos féminas asombrosas. en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”.En «Blue skies». pero sólo por unos compases. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción. cantada por Ella. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos). Un beso respetuoso para ambas. 42 . (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista.

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia. y al calabozo tirao como tarro al basural. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos. El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón. Yo canto. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. Pueden su rostro manchar. respetuoso de su “paisanaje”. Ambientalista. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. Se puede matar a un hombre. pero no sumisa. Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal. su guitarra chamuscar. trabajadora. libre y denunciador de las injusticias. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos. ensalzador de la música.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. por ser antiguos cantos que ya son eternos. 46 . desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde.

A Atahualpa Yupanqui. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. cuando regreso a escucharlo. O puedo compartirlo con 47 . tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. y se viene abajo el templo de la decencia del país. como granitos de maíz siembran los peores ejemplos. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. Mas. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. El estanciero presume de gauchismo y arrogancia.¡Pero el ideal de la vida. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. mas.

silencioso y con ávidos oídos como yo. Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás. Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. pobreza. se transporte a un mundo gauchesco. 48 . Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. dignidad y espíritu de lucha. de honor.alguien que también.

google.com/dalton.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”. No dejes que tus labios hallen mis once letras.com. pan.com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. con la música y la palabra.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino. el mundo externo e interno del ser humano. Pronuncia flor. lágrima. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre. he amado.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 . la fatalidad de lo clandestino. abeja. No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo. la intencionalidad del tono.cancioneros. Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www. Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas. tomado dehttp://amediavoz.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org. Tengo sueño. he ganado el silencio. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo. tormenta.

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Óscar Alejandro y Ricky Loza. «Wave».ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. el programa “All that jazz”. 103. Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 . «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador. como Víctor Tomasino. Chamba Elías. conducido por Carlos Bautista. «Perfidia». entre otros. Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. Neto Buitrago.3 FM. que se transmite todos los martes a las 13 horas. con repetición los domingos por las tardes.

como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa. sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas. En primer plano Neto Buitrago 52 . Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos. lo cual no es un pecado. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. pero se están perdiendo de un grandioso placer. lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país. Las condiciones en general no son muy adecuadas. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura. claro que sí los tenemos. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones.

excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza. es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León. 53 . la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams». quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador.Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. Y felicitaciones también para Carlos Bautista.

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sin perder su esencia. siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. 55 . la cantora de Latinoamérica. Y sin embargo. Mercedes Sosa (1935-2009).ZONA DE PROMESAS. Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas. Mercedes Sosa y Gustavo Cerati.

que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 . Joan Manuela Serrat. un arco iris de voces y ritmos.Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores. ¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas». La letra de esta canción es muy bonita. de Soda Stereo. y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas». esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza. Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”.

dijo Maradona. que respetaba mucho a los otros artistas. Yo. Quiero regresar solo a besarla.com/2009/10/gracias-la-vida. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras. 57 . por mi lado. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati. al enterarse que ella había dicho eso. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero. Tarda en llegar. Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. y no de poco interés es también la reacción de él. En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati. perdí una batalla. y al final al final hay recompensa. sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar.Cerati. Murió la diosa de la libertad. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. No está mal ser mi dueño otra vez.blogspot. Y además.html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción.

Mamá sabe bien. Se bucear en silencio. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas. cuando regresé todo quemaba. No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme. 58 . pequeña princesa.

en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 .com.taringa.com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez.Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.youtube.youtube. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www. Foto de la portada del disco “Zona de promesas.youtube.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental.youtube. y hace otros comentarios más:http://www. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa.youtube.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www. Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb.com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www. durante el velorio de Mercedes Sosa.

60 .

con el bellísimo acompañamiento de una orquesta. grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. very far over land and sea. porque es una interpretación vocal muy bien hecha. Natalie Cole. La hija de Nat King Cole.youtube. They say he wandered very far. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. but very wise was he. And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. le imprime un ritmo latino. a very strange enchanted boy.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida. al final. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez. A little shy and sad of eye. He oído muchas versiones de ella. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”. 61 . con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho. Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas.

com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.unf.youtube.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.com/music/lyric.allthegigs.jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .sing365.Video de “Nature boy” http://www.com/concert-reviews/images/band_pics/1123.edu/35th/founders/images/nataliecole.

PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador. Neto Buitrago (tumbadoras y batería). 63 . como es la música. en el siglo XIX. Chepito Paiz (batería y tumbadoras). teclados y dirección musical). Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). donde ha tenido un desarrollo muy variado. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América. Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. Proyecto Acústico.

64 . en el corazón de San Salvador. Casa y Arte. La Luna.Pues bien. tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa.

Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 . pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo.Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo.

con los ojos cerrados. que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz. Todos estos músicos son viejos lobos de mar. ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño.Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. improvisa jazzísticamente con su guitarra. 66 .

tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas. ambos en la guitarra. la música académica y la música de corte folklórico. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero. el rock. También Chamba Elías y Mario Romero. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien.sino en otros géneros musicales. como la salsa. Neto Buitrago 67 .

quienes en una ocasión.Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. 68 . con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica). incluso. increíble. Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. se intercambiaron los instrumentos. que toca el bajo de una manera excepcional. un joven músico con apenas 20 años de edad.

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

por su parte. Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público. Carlos Romero. por su expresividad y variedad.Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público. 70 .

porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. sin abandonar nuestra identidad cultural. Al final del concierto musical. 71 . El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical. quien interpretó “Afro blue”. subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales.

youtube.youtube. He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www.Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 .y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu. Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico.

tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. que supuestamente van dirigidas a un público infantil. ¡Órale. -¡No! -le respondí inmediatamente-. en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. Sus composiciones. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños. al contrario. Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. mejor conocido como Cri Cri. el grillito cantor. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . -¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-.

Víctor Manuel. Eugenia León. «Soy la reina. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». salidas de un corazón muy observador y sensible. La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero». pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. humilde de condición. Ana Belén. como Plácido Domingo. entre otros.pequeños. La lista es casi infinita. Emmanuel. compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas. Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. alguien le quiere hablar». igualado bigotón». también me gusta mucha «Chinescas». puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero». parece que no sabe. Sus palabras suenan muy sinceras. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea». JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. no sabe con quién trata. Me gustan casi todas. Cortado entró el jicote. auténticas. la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . Miguel Bosé. Mocedades. por ejemplo. «Parece. Pedro Infante. pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. la diferencia de clases sociales y la discriminación racial.

parece que no sabe. no sabe con quién trata.no cuadra con mi amor». A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal. Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor. «Soy la reina. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. «Parece. ese prieto barrigón». pero a según las leyes del país 75 . Silencio quedó el jicote con tanta humillación. La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. pero ya vio que no». La sociedad sin clases la creí. porque su afán es que se ha de casar con un emperador.

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis».Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. con todos sus cambios de ritmo. la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES. Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. armonía y melodía era todo un reto. el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero. Smoke en 1981 79 . tocar «Necrópolis».

he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. 80 . como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. que luego se extendió a lo caribeño. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. David. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. De izquierda a derecha: Mario Romero.En un punto en el que el grupo SMOKE. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país. Aunque teníamos varias cosas en contra. Gustavo Pineda. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país. su idiosincrasia. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. buscando sus ritmos. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. su armonía. allá por 1984. que no aparece en esta fotografía. debía ser música popular. se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. pero la calidad tenía que imponerse. por ejemplo.

Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. Carlos Romero y Chepito Pineda. las congas.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. la quijada de burro. el cuatro. el violín. quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. las maracas. la caramba. el contrabajo.como la guitarra. Juan Carlos. las tumbadoras. En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. la marimba. 81 . la concertina. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe. los timbales. etc. la chirimía.

así como en Guatemala y Estados Unidos. provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. ingenieros y licenciados). quien no tocaba con el grupo. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León. Juan Carlos Flamenco.no me acuerdo). excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. que estuvo pocos días. Otto Hugo Urrutia. fue David (de cuyo apellido –lo confieso. todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya. ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. José “Chepito” Pineda. sino que bailaba en ciertas canciones. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). que no tocaba. que Zunca se llamó un príncipe precolombino. También. entre médicos. Carlos Romero. cuenta una leyenda popular.ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador. Otro miembro. de la estirpe de los pocomames. Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo. 82 . Nacido en Atiquizaya.

cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. la marimba y el contrabajo de Zunca. luego inicia la guitarra. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. Cada vez. 83 . He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. El negro Nayo. es una tonadilla típica de Costa Rica. La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. El debercito y La libertad de mi pueblo. el violín. La esperanza. Quiero que sepas. Toñito (el cipote de Santiago). Esa morena. El samangueón. Danza del requise. Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. El indio Anastasio Aquino. Hubo varias circunstancias.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. María Blanquita. corazón.

13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador. 5. corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. Hay dos versiones aquí. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino. 11-Quiero que sepas. 6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986. El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña. escribió Salarrué). Pieza instrumental. 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. de nuestro querido escritor Salarrué. perteneciente al libro “Cuentos de barro”. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. quien era un gran pitero. pero su letra fue extraída de un poema anónimo.El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. para mí.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. 84 . le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. Esta composición musical tiene. Nos invita a pelear por un mundo mejor. casi todas las características de un himno. Chabelo.

Sonsonate.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve. logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día. que era muy vistoso. mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. 85 . Sin embargo. de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. pero que en el poco tiempo que existió. pero el adorno de los hombros y el pecho. era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco. ¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica.

en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos. y nosotros. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca. salía de nuestro joven y rebelde corazón. poco tiempo de vida. aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”. es que todo lo que hacíamos. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos. 86 . Un abrazo Oscar. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos. gran aporte. “Oscar. nada estaba de más.” JUAN CARLOS FLAMENCO. en los textos. pero no tocaban música original. sino también por la presencia escénica del grupo. siempre de esperanza y paz. pienso. andaban otros grupos. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. Pero lo más importante y trascendental.2. el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos.

Y con el agregado que en la grabación participaron. en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo. escrita e interpretada por Sting. «They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. Una cosa es leer acerca de la tortura. que me agrada más que la que hizo con The Police. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. entre otros. víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio. Al ir entendiendo su letra. Todos estábamos profundamente 87 . Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet. Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. la canción se volvió aún más querida para mí.

de las fuerzas de seguridad. Danzan con sus esposos. Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. hijas y madres de «desaparecidos». Danzan con sus padres. 88 . o el baile solitario. Danzan con los invisibles. A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas.afectados. Danzan con su silenciosa angustia. Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. es ejecutado públicamente por las esposas. El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. serían desaparecidas también. La «Gueca solo». Danzan con sus hijos. Ellas bailan con los desaparecidos. Bailan con los muertos. danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. de la policía y la fuerza armada. Y si ellas hablaran. Ellas danzan solas. víctimas de los escuadrones de la muerte. sino practicada.

se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. Las dos grandes potencias mentían.Otra mujer en la mesa de tortura. todas esas jóvenes vidas traicionadas. ni salario para los torturadores. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. «Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. ni presupuesto para sus armas. señor Pinochet. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. Es el dinero extranjero el que lo sostiene. “a países que ellos nunca habían visto”. Un día ya no habrá más dinero. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra. señor Pinochet. En 89 . usted ha sembrado una amarga cosecha. Piense. “Un comercio amargo de muerte.

Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. P. “En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. Yo no me suscribo a este punto de vista. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. En otras dice verdades espeluznantes. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos». Yo no me suscribo a este punto de vista. Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. L. El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos». (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting. 90 . Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. Compartimos la misma biología.ciertas partes la letra de la canción es irónica. sino por la profundidad de sus letras.

PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí. Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. conocido popularmente como Pancho Lara. por pura casualidad. a don Francisco Antonio Lara Hernández. 91 . El Dr. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales. Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador. Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara.

en San Salvador. el 03 de diciembre de 1900. Sonsonate.Pues bien. Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». jurisdicción de Santa Ana. marimba. Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta. piano y mandolina. se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. Aprendió a tocar guitarra. Guitarra de Pancho Lara 92 . pero fue asentado en la ciudad de Armenia. en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica.

esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. porque las reconocen como propias. así como 24 prosas poéticas. «Jayaque» y «Las cortadoras». Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales.Sus composiciones musicales más conocidas. Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros. sus composiciones son muchas. como «El carbonero». nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente. Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 . como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad.

uno de nuestros más grandes literatos. de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto. “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué.algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 . por lo que ella le escribió una carta de disculpa. era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica.

pues que se sepa. el corazón de Cuscatlán. al opacado niño de Cuscatlán. oiga a Francisco A. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. es un milagro que Lara ha hecho sin fama. nuestra más elegante poeta. “Espíritu fino. sin truco.” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. sin precio. creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. sin querer casi. “Hacer canciones al niño triste. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. corazón ingenuo y modesto. temperamento poético y enamorado del terruño.“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura. diafanidad y sencillez. Lara con el oído (no con las orejas).

nuestros días. y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.” (2) 96 .

porque eso hará más grande a nuestra patria.php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. 97 . Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara. (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www.pancholara.com/biografia. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original.Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba. la música.

98 .

Empezaré con Guillermo Anderson. en San Salvador. pero bueno. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. como Adhesivo. con quien me une un lazo sentimental platónico. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. etc. Bajo tierra.. musicalmente hablando. me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. Pamela Robin y Guillermo Anderson. así que me perdí de algunos músicos.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. Hubo también varios grupos salvadoreños. por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson. reggue y otros. Llegué tarde. 99 . entre rock. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración. cuya voz resalta en Guardabarranco. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana.

muy coloridas. palmerita que baila yacunú. Dame tu luz. baña mi ser. tierra mía de yuca y caracol. mango y bambú. Escuchar «Costa y calor». Costa y calor. reino que invitas al pelícano a jugar. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 . maraca. Dios me puso a crecer bajo tu sol. por ejemplo. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras. sombra de mazapán. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. canto de hombres que vienen de pescar. donde el mar es indiscutible rey. inspiración. tabaco y ron. originales. tamborista. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense. magia del mar. noche dulce.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños. sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. calor. Piel de coco y ojitos de carey. auténticas.

charango. Carlos Romero 101 . excelente percusionista. músico muy completo.Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. como piano. compositor y arreglista. también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente. marimba. guitarra o lo que sea.

Pero la cantó muy bien. cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima.*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada. pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo. También tiene bastante presencia en escena. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación. a pesar de las malas presiones. Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. Con dignidad. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. antes de que empezara a cantar. le gritaron groserías a la fémina artista. que se encontraban ya impacientes. 102 .

al mismo tiempo. estar aquí en el aire sin ti. Porque es tan difícil. Pamela se robó el show. No sé cómo. no sé cuándo. 103 . pregunté cuándo vamos a llegar. no sé cuándo. la dulzura y. es tan difícil.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. Y la noche del concierto no fue diferente. junto a mí. Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. en la parte que dice “No sé cómo. no sé dónde. como a un ángel. yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional.

Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales. “Dear friends” o “Lily of the valley”. 104 . como “Love of my life”. Pamela Robin: una voz exquisita. estoy seguro que ella lo haría excelentemente.La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo. a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury.

Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. De verdad que oírlos es un placer extremo. Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). Y me refiero a El Ático. La base rítmica muy bien asentada. Afinados. un grupo de rock progresivo muy bien coordinado.*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. por ejemplo. era el grupo británico YES. uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock. Un rock interesante y bien tocado. Muy bien ensamblado. 105 . que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto.

con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento. en cada parte de las composiciones.El batero no podía ser mejor. Muy entregado. 106 . Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo. Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. teórico y práctico. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos.

107 . Se le veía tocar muy suelto y seguro.El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión. Ciertamente disfrutaba de su instrumento.

Rápido al ejecutar escalas. pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock. con delicadeza al tocar solos lentos. Muy hábil. 108 .El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales. Limpio en su toque. positivo en su propósito. Los acordes siempre bien armados. Se observaba tranquilo.

un trío con gran calidad.El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música. en pocas palabras. 109 . El Ático.

Fotografías: Óscar Perdomo León 110 .Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo. Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson.

de 1977. Y empezamos también a tocar 111 . mas pensemos relativamente). regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. el «Jazz». Yo aprendí mucho de ellos. lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. Un par de semanas después traían otro disco de Queen. un concierto grabado en vivo. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. de los discos y de los hermanos. de 1979. Atiquizaya. que sólo saben cacaraquear. mujer u hombre. Yo quedé verdaderamente fascinado. nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos. con muchas dificultades. Mario y Carlos. de 1978. las gallinas. cantando como sólo lo harían los dioses. los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción. en donde yo vivía. Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. era «Queen live killers». Luego mi mamá me compró.MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. «Sheer heart attack». de 1974 y «News of the world». No parábamos de oírlos y oírlos. Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad.

e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. pero bueno. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro. su hermano Carlos la batería. Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. Lo que hoy quiero decir es que para mí. el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió. mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. 112 . su nombre es Freddie Mercury. una búsqueda de la raíz latinoamericana». .

a las que acompaña con letras interesantes. que no el único. pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. Esto no podemos saberlo con certeza. sino también belleza. Y su más grande ejemplo. llena de ternura. Hay numerosas melodías de gran preciosidad. De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 . es «Rhapsody bohemy». También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. Su timbre de voz es inconfundible. Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía. Su destreza como compositor inspirado en indiscutible.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia.

la característica y majestuosa –royal. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. calidad en su más alto nivel. de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. seguidamente. tan limpia y sincera. save me.traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción. save me. se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar. músicos tocando de verdad. mágicamente tocada por Brian May y escuchar. a los 2:20 minutos de la canción. Save me. 114 . save me. «Love of my life» o «Somebody to love». Oír ese estribillo y caer después. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música.guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura. save me. en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». Save me. I´m naked and I ´m far from home. I can´t face this life alone.

Quiero decir con énfasis. especialmente al verlo cantar. En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias. estoy convencido que en algunas ocasiones. en ciertas composiciones. 115 . pero también en algunas canciones al escucharlo. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania. antes que nada. Es más. porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». del álbum «News Of The World. por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas. esa circunstancia le favorecía.

(1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. Roger Daltrey. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. también grabó el álbum «Barcelona».” (4) 116 . David Bowie. con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”. George Michael y Liza Minnelli. titulado «Made In Heaven». John. Seal. uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). “En noviembre de 1995. Grabó 16 discos originales con Queen. Metallica. Guns N´ Roses. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991.Durante su niñez inició sus clases de piano. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”. como Elton Johnn. se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido. Brian y Roger. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda. de una bronconeumonía. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco. Estrellas del firmamento pop y rock. (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho. Robert Plant. “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo. en 1987.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro.

I sometimes wish I ´d never been born at all”. como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza.Freddie Mercury en 1991. A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. Con toda su creatividad enardecida. * Para los que crecimos con su música. el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular. Si Mercury nunca hubiese nacido. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. Con todo el ímpetu de la juventud. “I don´t wanna die. escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. Esta fue la última vez que posó para una foto. 117 . el día de su muerte fue muy triste.

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(5) 119 .“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia. No obstante. Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre. de entre todos ellos.

org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló.biografiasyvidas. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. http://es.org/wiki/Freddie_Mercury 120 . como un todo creativo e interpretativo.org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen. las cuales fueron extraídas de Wikipedia.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie. la enciclopedia libre.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen. la enciclopedia libre: http://es. http://es. la enciclopedia libre. Y tenía razón. al Viex. http://www. ** y ***. (1) Wikipedia. a mis hermanos Mario y Wendy. ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo.html (4) Biografías y vidas.wikipedia.com/biografia/m/mercury. de su página: http://www.wikipedia. tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez. siempre pienso en mis años de adolescencia.geocities. porque como cantante. con la discografía completa del grupo. pianista y compositor. excepto las fotografías *. a Mario Romero Cárcamo. Freddie Mercury es el campeón. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción. siendo un niño.htm (5) Wikipedia.wikipedia.

pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. la reina del rock. él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. 121 . Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock. lo que podría llamarse rock-pesado. pero mis discos favoritos son seis. como todo. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música. Sobre Mercury.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. Empezaré en orden cronológico. bueno. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. el batero Roger Taylor. Muchos de los temas de Queen son. Hace unos días escribí «Mercurio». Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas.

«My fairy king». pero que al ser escuchados hoy. lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila. el piano y la guitarra acústica. los cambios de ritmo. El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia. ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo. ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda.El disco «QUEEN» de 1973. Pero de pronto toda la fantasía se rompe. en retrospectiva. la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. El juego de sus voces. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. el primer disco del grupo. cambió los vientos y dañó las 122 . me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal. con un ritmo rápido. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». «My fairy king». «Liar». los dragones vuelan como gorriones a través del aire. las abejas han perdido sus aguijones. «The night comes down» y «Jesús».

en todo se ve un trabajo minucioso. como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye». que si bien es cierto 123 . ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas.mareas. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. El «SHEER HEART ATTACK». hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. que salió al mercado en 1974.es algo que enriquece la obra. en la composición y en la interpretación.” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. Y ritmo. Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho. Madre Mercurio. «Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. “Ayer mi vida estaba en la derrota. Hay un tiempo para esperar la salida del sol. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco. la percusión y el bajo. Ahora sé lo que estoy haciendo.

porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. «Dear friends». aunque se llame igual. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. que han sido cuidadosamente hechos. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. breve pero sustanciosa. «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. porque el lirio del valle la ignora. y también debido a su rara y original melodía. Yago en espera con los ojos abiertos.” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. que no es la misma que mencioné antes. avanzo a través de cielos tormentosos. en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal. desde el punto de vista musical. no la letra. que la hace una pieza inigualable y de gran belleza. 124 . ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. sigo cada maldición. dame tu auxilio aunque sea por un momento. que nos anuncia el final. me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico. La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods».nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. que Queen enfatiza con sus voces. El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. Serpiente del Nilo. que aunque es verdaderamente corta tiene. cantada con una pasión exorbitante. Las guerras nunca cesarán. «In the lap of the gods». sino musicalmente hablando. quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya.

En este disco también están las famosas «Killer queen». Esta colección de composiciones es como la elevación. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial. «Love of my life». que esta es una de las mejores de todo el disco. el perfeccionamiento. la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. «Rhapsody bohemy». «UNA NOCHE EN LA ÓPERA». La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. La melodía es bellísima. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas. El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia. uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. que ya es un clásico. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional. sacado al mercado en 1975. entre el rock y la ópera. Iniciando con «The prophet’s song». ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. es su cuarto disco grabado. Incluye una variedad de 125 . En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. «Now I´m here» y «Brighton rock».

como una especie de desahogo melódico. la tercera parte es la meramente coral. operística. la segunda es una lenta balada de rock. pero resaltan también «Your my best friend». bastante elaborada. Sin duda. que está fluidamente unida a la primera parte. pero siempre sazonada con unos toques de música académica.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. explosiva. Todas las grabaciones son muy buenas. Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días. Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. la cuarta es la parte más típicamente rock. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal. y la quinta y parte final es lenta y triste. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. Hay varias melodías rondando en toda la obra. 126 . con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. «Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace.

el sexto disco grabado. quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. Del «JAZZ». por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». la mejor de todo este álbum es «We are the champions». Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». lanzado en 1978. «All dead.«NEWS OF THE WORLD». le escucho más alma). 127 . séptimo disco. all dead». habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia. ¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender. hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». «Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio. cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar. La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado.

Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen. De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen). 128 . «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love».«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980. Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen. Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust». Su portada plateada es inolvidable.

De cualquier manera. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70. Queen es un grupo que nunca será olvidado. El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. Lo siento más entregado y brioso. (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora. ¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia. con la discografía completa del grupo.wikipedia. 129 . sino. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. la enciclopedia libre. http://es. más impresionante en sus composiciones.

130 .

TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música. no sólo en sus letras sino en la música. piano y otros instrumentos. 135 .EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. él solo lo llena todo. arpa. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50. Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra.más lo primero. este disco engrandece la música cubana. La poesía está presente en todas las canciones. Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo. chelos. es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. aunque pesa –para mi agrado. corno francés. No estoy en contra de lo moderno. Se escuchan violines. todo en una soberbia conjunción.

Es una composición finamente arreglada. es una firme invitación a escuchar todo el disco. Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar. que se llama «El baile». que se refiere a un pájaro negro cubano. «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder.La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas. los referiría a escuchar la segunda canción del disco. 136 . innegable. el cuatro cubano y la flauta. Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado. La primera canción «Totí». Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. su belleza es inherente. toda la orquesta está en su lugar. para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia. «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico. La trompeta y los violines. La voz de Silvio encaja con maestría.

un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN».Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco. «Anoche fue la orquesta». poesía en las palabras. poesía musical. «EXPEDICIÓN». a mi corazón. «Quédate». «Hace no sé qué tiempo ya». 137 . «Amanecer». «Tiempo de ser fantasma». Las otras canciones del disco son: «Fronteras». «Mancha». Imágenes extraídas de Google.

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139 .CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. un año prácticamente después de su muerte. No tuve la dicha de presenciarlo en vivo. pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD.

varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles. Luego aparecieron uno tras otro. el famoso actor Tom Hanks. quien además tocó un solo de cítara. 140 . y las que él hizo como solista. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python. Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella.El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. de la Ravi´s Orchestra. incrustada admirablemente en una armonía sencilla. en uno de los cuales por cierto participó. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas.

«Give me love» y otras más. que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. Luego siguieron «Old brown shoe». siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. y a su hijo Dhani. Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». la viuda de George.Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you». cantada por Jeff Lynne. 141 . demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). (Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica. Luego siguieron con «If I needed someone». tocando una guitarra y haciendo coros. cantada por Clapton. El concierto.

142 .Cantaron también Jools Holland. Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones. pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman». Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también. Sam Brown y Jim Capaldi.

Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back». Preston grabó en los años ´60 con The Beatles. ya más maduro y genial. de Ringo Star y de Paul McCartney.Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. fue muy placentero. 143 . Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados.

hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público. Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. Cantó dos canciones. La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins. Ringo. «Photograph». 144 . una de ellas la compuso con George. Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos. mostró su simpática personalidad. como siempre.Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie.

pero con más estruendo.Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva. Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something». McCartney tocaba el piano. Después Paul cantó «All things must pass». la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines. mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas). Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue».). En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. El público se puso de pie nuevamente. violas. etc. 145 .

146 . Un manjar para los amantes de la música. Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. cantada magistralmente por Billy Preston. Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto.Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados.

Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. Pat Boone. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas.TE VERÉ EN MIS SUEÑOS. están Louis Armstrong. Por su lado. Doris Day y Ella Fitzgerald. nacido en 1941. 147 . Joe Brown. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. por mencionar algunos. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». entre ellos. Joe Brown. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción. También ha sido usada en una película del mismo nombre. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. interpretada por Joe Brown. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924.

y dos. Lips that once were mine.Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele. tender eyes that shine. Lips that once were mine. tender eyes that shine. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams». Pues bien. «All those years ago». la que le dedicó a John Lennon. Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. I’ll see you in my dreams. esa noche del concierto-homenaje para George Harrison. He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. agregando unas líneas a la letra original de la canción. utilizando un ukelele para acompañarse. Someone took you out of my arms. tenía varios. La belleza de las melodías que componía es innegable. I’ll see you in my dreams. hold you in my dreams. según ha dicho su hijo Dhani. they will light my way 148 . Someone took you out of my arms. para mencionar algunas. instrumento del cual. «Isn’t it a pity?» o. still I feel the thrill of your charms. they will light my way tonight. que creo será recordada por muchos años. hold you in my dreams. still I feel the thrill of your charms. como por ejemplo «Something».

I’ll see you in my dreams. Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video. all the happiness that used to be.aol. twilight sings a song. Soon my eyes will close. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”.ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images. al introducir ese lindo fragmento de letra.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images.co.com.tonight.musica. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano. Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar.COM http://www.com. Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long. me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison.google. I’ll see you in my dreams. Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá. I’ll see you in my dreams.google.com/letras.uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 .

150 .

la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. cello y orquesta en La Op. que duró más de un minuto. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. por su lado. director asociado. de una belleza poderosa. el violinista y el cellista. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme. conducidas por Irving Ramírez. asistimos. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. Se presentaron dos grandes obras musicales. de San Luís Talpa. ¿Y Brahms? Bueno. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. 8 en Fa Op.BRAHMS. En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. miembro de la 151 . hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. 102» de Johannes Brahms. con nuestras cuatro hijas. La primera obra fue la «Sinfonía No. 93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie.

lleno de un talento innato. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski. En problema de la violencia es muy complejo. En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. que incluso había tocado en diciembre pasado. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. 55».Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. el joven era una verdadera promesa musical. también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No. arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos. 3 en Mi bemol mayor. en la tuba que era su instrumento. obra conocida como «Heróica»). la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. Según se dijo. asesinado hace apenas unos días. la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. Op.

Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes.talentos y creando fuentes de trabajo. La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 . similares a los de la época de las cavernas. en pocos años más seremos una horda de salvajes.

154 .

Por eso su música tiene aún gran actualidad. pero muy llenas de emoción. Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas. La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas.LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao. Sus palabras salen del corazón. pero son las excepciones. He ahí la clave de su popularidad. Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita. Pero además. La voz líder 155 .

El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes».. El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. «No basta rezar». a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 . etc. porque recordé que en los años ochenta. «Perdóneme tío Juan». «Otra vez».Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral. cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador.

escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado. Estuvimos. El bajista 157 . abrazando la tarima. aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años. Érika y yo.

Es más. que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria. ideologías políticas. Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 .La gente estaba emocionada de oírlos. Yo. por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos. vecinos y hermanos. el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes.

Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. tomada por José Alfaro.Después del concierto. excepto la última. 159 . una foto final con el percusionista.

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a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui.GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar. Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. «Al jardín de la república». «Alfonsina y el mar». Nunca he estado en Argentina. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. etc. Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». Con ella se muere una parte de mi pasado. a Leonardo Fabio y a Sandro. pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez. No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. como era conocida en su patria. «Como la cigarra». 161 . Todos ellos me han tocado el corazón. Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. «Inconciente colectivo».

A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años. que hasta me parece un sueño lejano. Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos». ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica.pagina12.com. que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos. Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento.No todos los días se nos va una cantante de verdad. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www.ar 162 .

presentando en su música un rostro muy original y profundo. dirigida magistralmente por German Cáceres. El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. pero principalmente fue compositor.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). 163 . interpretando música de Brahms. combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo.

Ha interpretado a Mendelssohn. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición).En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Tchaikovsky. Barber. Dvorak. compuesto por Johannes Brahms. Silverstein. Brahms. entre otros. Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad. de Robert Schumann. Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. Su destreza tocando el violín fue tremenda. 120”. de estatura media y escaso cabello blanco. La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”. Schumann. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. En esta última ya no participó Silverstein. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. Beethoven. el tocar dos cuerdas al 164 . que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. 4 en re menor op. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. Y la segunda fue la “Sinfonía No. Vivaldi.

mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein. el público ovacionó de pie a los músicos. Robert Schumann 165 . Al final de la obra musical de Brahms.

La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente. dedicándose en su madurez especialmente a la música. quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños. un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. tanto como intérprete (era un gran pianista. 166 . pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. como director invitado. que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres. Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones.En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856).

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www.com/uploads/posts/1177498732_face. podría salir adelante.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www. tan bañado con sangre de inocentes. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada.israbox. el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece.mystfx.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia.ca/academic/modern-languages/German/brahms.jpg 167 . Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país.

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continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO.DON BOSCO. el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir. montar y ejecutar esta pieza artística. EL MUSICAL. EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. 169 .

Oscar Guardado. quien personificó a Don Bosco. como el Cardenal. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. secretario del Cardenal. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. como el espíritu maligno. música y las magníficas voces de Samuel Bautista. como mamá Margarita.La obra fue espectacular. como el párroco. Mercedes López. y Luis Miguel Herrarte. 22 bailarines y 7 actores de reparto. escenografía. Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. 170 . Nos encantó mucho Regina Cañas. Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. danza. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. contó con alrededor de 80 artistas en escena. Ángel Rivas. Omar Renderos. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora.

fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical. excelentemente dirigido por Numa Bracamonte.Numa Bracamonte El coro. 171 . que acompañó a las voces principales.

Ovacionada de pie por más de un minuto. el éxito de la obra. el diseñador de vestuario y de escenografía. se debió en gran parte a Beatriz Nájera. quien fue el director general. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas. 172 .

La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente. de buena confección.Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. logró que cada personaje fuera creíble. El vestuario. llamativo y acorde a la escena respectiva. llenó de colorido y robó las miradas del público. 173 .

Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística. Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades. lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 .Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada.

en el cual hubo un combinado de narración histórica. La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). poesía y música. 175 .

Con una muy buena dirección del evento. 176 . Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo. Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez. El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto. para luego interpretar algunas de sus composiciones. El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. a cargo del guionista Modesto López. todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto.

de Nicaragua. hizo que nos erizáramos. 177 .La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy.

de México.El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. nos dejó impresionados y muy satisfechos. fue admirable. La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. 178 . de Honduras.

Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados. 179 . verse y de repetirse. Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA.Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse.

con la voz del propio Roque Dalton. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. hijo del poeta homenajeado. Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”. la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada.Entre videos. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton. hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad. 180 . realizados por Ana Valentina López de Cea.

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 . en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad.Jorge: vos tenés razón.

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Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado. así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. en mi cama a muy altas horas de la noche. 183 . Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos. Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers. escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. Únicamente sabía que eran argentinos.los sonara eventualmente en algún programa nocturno. eran un tanto difíciles en aquella época. pero sólo en grabaciones auditivas.

porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini). comedia.Despertaron en mí una admiración hacia ellos. de las bromas entre nosotros. 184 . Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. música y crítica social. gracias a la tecnología y a algunos amigos. como si fuera poco. relativamente. Juego de palabras e ideas. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy. Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers. les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. Les Luthiers son una combinación de teatro. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar». Son comedias finas. Manuel Darío. son actores increíbles. Y. Hasta hace poco.

por ejemplo. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. se ríe de todos. como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural. San Ícticola de los Peces. a pesar de ser tan cosmopolitas.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. de todo y de ellos mismos. A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. Mastropiero. la música y las voces son las estrellas en el escenario. en las luces. es la práctica la que perfecciona las acciones. nunca han abandonado sus raíces argentinas. Ortega. Es admirable la perfección de sus actuaciones. Felicia y Abelardo. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo. Escipión. en donde la risa. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor. la ironía. son de nuestros personajes favoritos. Esther Psícore. el Séptimo Regimiento. Manuel Darío. Sin embargo para entender y 185 . ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD. Es importante también decir que ellos.

htm Fotografías extraídas de: http://www.com/pag1.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers. Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.larepublica.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers.r:16.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas.blogspot. la música y el canto.lesluthiers.com. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.com.sv/imgres?imgurl=http://files.com.sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 .myopera.google.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.google.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www.3 000.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429.

En esta selección no están todos sus discos. Sin embargo. Por las paredes (mil años hace). Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. «Nanas de la cebolla» y 187 . Es mi derecho como amante de la música.MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. Cada loco con su tema. A quien corresponda. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. mis favoritas son «Elegía». Del disco homenaje a Miguel Hernández. «Menos tu vientre». por mencionar sólo algunas. Historia de vampiros. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera. Pueblo blanco. Bienaventurados. La gente va muy bien. Soneto a mamá. como por ejemplo en Fiesta. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. Antonio Machado y Mario Benedetti. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. el gran poeta de la guerra civil española. Esos locos bajitos.

me encontraréis a bordo ligero de equipaje. En la cuna del hambre mi niño estaba. casi desnudo como los hijos de la mar.«El niño yuntero». al recibir una carta de su esposa. que también está en este álbum.” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. nunca despiertes. mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario.la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares». ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. Y a cabo nada os debo. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. son «Retrato» y «Del pasado efímero». sin lugar a dudas. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero. tu satisfecho. Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. ríete siempre. hambre y cebolla. Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla». el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. en plena guerra civil española. ya conocéis mi torpe aliño indumentario. con sangre de cebolla se amamantaba. con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. escarcha de tus días y de mis noches. mi historia algunos casos que recordar no quiero. me debéis cuanto he escrito. 188 . debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. él triste de cebolla. pero tu sangre escarchada de azúcar. triste llevo la boca. cebolla y hambre. en el buen sentido de la palabra. hielo negro y escarcha grande y redonda. No te derrumbes. Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. mi juventud veinte años en tierras de Castilla. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho. pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. a mi trabajo acudo. quien habla solo espera hablar a Dios un día.

con una fina ironía. dedicado a los poemas de Mario Benedetti. pero la última. mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum».la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. la cual es un poema del poeta Rafael Alberti.Del disco El sur también existe. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho. en todo caso. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí. «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». y la segunda que es una denuncia de la pobreza. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa). Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». «Como un gorrión». pero también la dicotomía y la contradicción 189 . que era interpretada por ellos mismos. Del álbum Joan Manuel Serrat 1969. El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez». De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas. «Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena. pero resaltan «De cartón-piedra». «Vencido». De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático. del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar. «Mi niñez». las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». es un poema del poeta León Felipe.

es una colección muy buena de canciones. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». «Cenicienta de Porcelana». tal vez mañana sonría la fortuna. «Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. que no hay que confundir valor y precio. no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. Y supe que el amor tiene ojos verdes. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. de lejos dicen que se ve más claro. Mis preferidas son «Ciudadano». tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna.irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. En este álbum está «De parto». que no hay nada que hacer. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. «Irene». de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. una copla muy tierna dedicada a las embarazadas. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. que no es igual quien anda y quien camina. que cuatro palos tiene la baraja. pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil. juro por lo que fui que me iría de aquí. 1978. toma tu mula. mamá”. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina. pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. de 1974. que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja. Y si te toca llorar es mejor frente al mar. No es que no vuelva porque me he olvidado. supe que lo sencillo no es lo necio. la flauta y la mandolina. es que perdí el camino de regreso. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. que las flores nacen 190 . pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo».

pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. la casa. en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas. Que el mar está agonizando. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. que nadie conoce al vecino. 191 . no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. Y el musulmán lo perdió todo. que no hay quien confíe en su hermano. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»). Iberos y romanos. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné. «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. es verdaderamente una obra de arte. la cual rebosa de optimismo. la plata del olivo griego. pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. en nombre de la cristiandad. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. moros y cristianos. He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen. El mundo es de peaje y de experimentar. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. dueños del camino del mar. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. En paz descansen esplendores de amor. cortes y trovadores.discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. el sueño y la heredad. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. fenicios y godos. que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. la llama persa del ciprés. Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos».

tomar a pedir. y disfrutar a medir. besar a reñir. Nunca es triste la verdad. prefiero volar a correr. Antes que nada soy partidario de vivir…”. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. ni que me suba a un taburete. bailar a desfilar. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. y que es la que le da nombre al álbum. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». palpar a pisar. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». más que del diccionario. chupando un palo sentados sobre una calabaza. toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades. y los artesanos más que las factorías. se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. ganar a perder. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. la razón que la fuerza. prefiero los caminos a las fronteras. si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto. por conocer. la unicidad que hacen es tan 192 . hacer a pensar. me privan más los barrios que el centro de la ciudad. lo que no tiene es remedio…”. y un Siux más que el Séptimo de caballería. el instinto que la urbanidad. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. amar a querer. Bienaventurados.” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. Su primera canción. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio. se hace de nuestra medida.

el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». Niño de nadie. en la canción «Mensajes de amor de curso legal». liso y muy bien tocado. interpretado por el famoso cantante Dyango.afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. «Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». «Bienaventurados». Van buscando los rincones sofocadas las parejas. Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe». que la manada redime su pecado de existir. «Benito» e «Historia de vampiros». «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. 193 . es decir que toda causa tiene un efecto. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. imprudentes. Recién nacido con la inocencia amputada. niño silvestre que acechando la acera viene y va. «Bienaventurados». que es el tema que da nombre al disco. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra. Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad. hacen planes y se dejan llevar por las emociones. sin atender. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. Niño sin niño. además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor. presagio de mala muerte. indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente.

«Y el amor» y «Disculpe el señor». nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos. y Joan Manuel Serrat.Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José». puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. «El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. Y «Fe de vida». que es un canto a la vida. «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor. en español y en catalán. lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción. de 1998. Sombras de la china. Soledad Jiménez. Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír. que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. (Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica. 194 . y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales. la cual desde la primera nota envuelve al oyente. «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. Mis favoritas: «Los macarras de la moral». hasta explotar en una revolución marxista. «El hombre y el agua». por ejemplo.

Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 . y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S).

2011.LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados. ©Óscar Perdomo León. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com 196 .