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LA DIOSA MÚSICA

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LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
1

LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

2

Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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5 Un alud inevitable (The Beatles)……………….. de George benson………………………………………………………….35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans………………………………………………………………………..175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)……………………………………………………………………….…. Cri-Cri)………………………………………………….…..…....….63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler......…....37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)………………………………………………….61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador…………………………………………………………………….31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)…………………………………………………..51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)…………………………………..91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson.……….….……………….19 El otro lado del Abbey Road.155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)………………………………………………………………………...121 Tiempos. el musical………………………………………………………………………………………….…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….....…………………………………………………….………………………………………………………….163 Don Bosco.9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés...…………...…….….…..27 The Steve Howe Album en Santa Ana……………………………………………………………………....…..…. una búsqueda de la raíz latinoamericana…………………………………………………………..…………...…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 .……….. Beethoven y la violencia………………………………………………………………………….....135 Concierto para George (George Harrison)………………………………………………………………….99 Mercurio (Freddie Mercury)………………………………………………………………………………. Pamela Robin y El Ático)……………………..….77 Tres canciones de Sting…………………………………………………………………………………….…131 Expedición (Silvio Rodríguez)…………………………………………………………………………………... de Miles Davis………………………………………………………………...55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)………………………………………………………. de Ruben Blades…………………………………………………………………………………. El Payador Perseguido………………………………………………………………....….13 Blue in Green... Serrat y Páez)…………………………………..ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis………………………………………………………………………………………......……….111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)….161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador…………………..73 Zunca.…..139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)………………………………………………………………………….169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….41 Atahualpa Yupanqui..….....87 Pancho Lara…………………………………………………………………………………………..147 Brahms.43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)…………………………………………..….…151 Los Guaraguao en El Salvador………………………………………………………………………………..

que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica.BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música. pues claro que ha empezado por muy mal camino. Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. Bach. Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. Hay otra que puede deprimir un poco. es decir. La música también es un lenguaje. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad.S. Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. le da un valor superior. Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales. socioeconómico. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. ¡de ningún tipo de música!. No se puede esperar. Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído. etc. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla). Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas. y me parece triste e inconcebible 5 . pueda entender o apreciar a J. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra. por ejemplo.

The Beatles. el coral. 9 en Re menor de Beethoven. pero creo que el cuarto movimiento. Queen. el saxofón de John Coltrane. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos. Beethoven… y la lista es grande.desapareció para siempre de mis manos. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven. Me gustan los boleros de Manzanero. por supuesto que en un disco LP. pero este disco –que se lo presté a alguien. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. lo hizo mucho más. las baladas que canta Marco Antonio Muñiz. Silvio Rodríguez. Pablo Milanés. Pasé algunos años añorando oírla. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No. la trompeta de Miles Davis. el último traía la “novena”. Toda la obra me impresionó mucho. con mi esposa Érika. digo. 6 .que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. Puccini. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. Yo. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. por mi lado.

lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. Me gusta su energía. su desesperación. lo desarma. Réquiem. a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. que en mi entierro me pongan Cassandra. A thousand autumns. me gusta como juega con el tema principal de la composición.si me muero. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo. 7 . A Beethoven lo admiro mucho. Y también posee una gran destreza para la improvisación. su angustia. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor. Incluso. lo insinúa. la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí. sus pasajes épicos. lo recrea. tan característica en el Jazz. es una improvisación muy melódica. uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado.Son muchos los músicos. Branford tiene un don increíble para la interpretación. sus frases musicales de tristeza.

separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo. Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis.Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960). convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón. 8 .

como me lo hacían ver -o. me iba a estrellar con fuerza. pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. «A day in the life» traía una batería tan novedosa. Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles. Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado. un par de años después. ritmos y contrapuntos. escuchar y sentir. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos). mejor dicho. que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. 9 .los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo. Yo compartía esa música con amigos y.UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. más bien.

como bien lo describió alguien. como en un plano cartesiano: las negras. sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones. que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica. Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos. Y fue así como de pronto me vi. junto a otros amigos. “mechudo”. 10 . las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. dejándome crecer el cabello. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza.

de ser como Los Beatles.wordpress.blogspot. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular. con un aire de son. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. también como un alud inevitable. Y de ser un grupo de pop-rock. Silvio Rodríguez. los días y las noches en los hospitales. caminando cada quien hacia su propio destino. pero con canciones originales.com/2007/09/sargent-peppers. como cada adolescente ingenuo desde los años ´60. y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos.files. Y los sueños. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel. quizás para peor. por senderos donde. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente. sin darme cuenta. algo de marimba guatemalteca. con un aire folklórico.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas. como Serrat. y nuevas luchas me arrastraron. Yes y mucha música popular latinoamericana. La vida universitaria.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 . pasando después por un rock progresivo. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. se nos rompieron en el camino. Mercedes Sosa y otros.Luego cayó sobre mis oídos Queen.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10.wordpress.

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y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. «Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte. que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. en sus arreglos musicales. Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. La de Pablo Milanés dura 8 minutos. 13 . sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente. Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos. Lo mismo pasa con algunos cantantes. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos).TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares.

tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. botija. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta. así sin puntuaciones. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . sino que también oír el tema del poema. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. el cual es muy conmovedor. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable. La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte.Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. Dura ocho minutos e inicia con un piano. Aparece la tortura como un macabro fantasma. Es una historia muy compleja. He aquí un fragmento del poema en cuestión. lento y sobrio. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar.

La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España. es una combinación muy original. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 . En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita.Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico.” 2. El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado.“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés.

la casa. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. en nombre de la cristiandad. el sueño y la heredad. dueños del camino del mar. moros y cristianos. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. Y el musulmán lo perdió todo. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . que habla de diversos temas. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos. cortes y trovadores. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. fenicios y godos. la plata del olivo griego.“Mil años hace que el sol pasa. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. En paz descansen esplendores de amor. Iberos y romanos. «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. la llama persa del ciprés.

«La casa desaparecida». delirante. con ironía. No te metas. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. consta de 12 canciones: «Abre». No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. en 17 .irreverencia. Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza. Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. «La despedida» y «Buena estrella». expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. «Ahí voy». «Es sólo cuestión de actitud». «Torre de cristal». Pero no se detiene ahí. plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. Argentina. el país de los inventos. Los cadáveres se guardan. aprovecha la ocasión para retratar la tristeza. «Desierto. El álbum ABRE. “Argentina. Lo hace con audacia. a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. Fito Páez. «Habana».frustración de los argentinos. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). Y hubo una fiesta de todos. con rítmicas palabras que por momentos se atropellan. no se esconden en el río. «Dos en la ciudad». la frustración y algo de la personalidad del argentino. Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia. Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. «Al lado del camino». Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra. pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. con mucha creatividad. Don Segundo y Martín Fierro. que dura 11 minutos con 29 segundos. embriagada. «Tu sonrisa inolvidable». en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. la barbarie y los modales europeos. Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento. que vio la luz en 1999.

la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música. pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida». el más fuerte penaliza. tiernas o sarcásticas. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. el bandoneón -que no podía faltar. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. Y.le pone un sabor rioplatense único. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. aun cuando haya palabras vulgares. te hace trizas. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal. maten a los maricones. pega duro. Vale la pena oír todo el álbum. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. por el odio más brutal descuartizadas. Fotografías extraídas de Google. cada día. la Argentina ensimismada. simplemente fui un muchacho hedonista. nunca me metí en política. Muy recomendable. que los hombres van de putas para sentirse varones. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. 18 . largas como mil facones. al final de la composición. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida. Nada personal. Yo que nunca anduve en nada. por las reivindicaciones. en esta última. Gracias papi por las flores. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo.palacios de memoria ensangrentada. No son sólo las ideas abundantes. Y tenemos pijas grandes. «Buena estrella» y «Habana». pero puede ser muy divino… ”. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda.

Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días. De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. el saxofón tenor por John Coltrane. época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana. Es relativamente corta. el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. constituida por cinco números especiales: «So what». ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado. «Blue in green».” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte. el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. el piano por Bill Evans. « All blues» y «Flamenco sketches». 19 . Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis.BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos. «Freddie Freeloader». pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002.

excepto en «Blue in green». Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio. Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno. llenas de vida y de fuerza.youtube. Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. muy bien tocado pero sin querer robarse el show. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas. Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical. “Cannonball”. De izquierda a derecha: Coltrane. sin pedantería técnica.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra. melódica y triste.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. pueden seguir este enlace: http://www. Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. una verdadera joya que ya es parte de mi vida.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto. es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. 20 . Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas. La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia. con una sensualidad inherente. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto. Davis y Evans.

tomajazz.creativecommons.org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search.creativecommons.org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .com/musicos/miles/davis_kindof.wikipedia. Perfiles: http://www.(1) http://es.org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.

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sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. es decir. En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road». Y es que. había sido grabado antes que el «Abbey Road». de George Benson. que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). Portada del álbum «Abbey road». como en una cadenita. «Golden slumbers» o «Here comes the sun». 23 . de The Beatles. como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together». aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. de George Benson. como «Something».EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte.

Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. es decir. con lo cual se siente su fuerza jazzística. que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado. también están llenas de mucha originalidad.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. muy musical. y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados. Creo que en Jazz. Pero las versiones de Benson. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). George Benson siempre ha sido un improvisador genial. en el año de 1969. También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones. como «Something». con ese fondo de cuerdas tan elegante. lo que 24 . cantada por Paul McCartney. después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra. con ese arreglo tan bien hecho. es una de mis favoritas del «Abbey Road». La versión original.

musthear. junto a George Benson. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines.php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www. Herbie Hancock y Ron Carter. otras grandes figuras del Jazz.tiscali. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www.it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. como Bob James.youtube.coveralia.jpg 25 . Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road». Me encantan.com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road. especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road». etc. interpretada en vivo por George Benson.).com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal.com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web. Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun».quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas. como si no las estuviera inventando en el momento. entre otros. Participan en la grabación.

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Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones.SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. lo sigo pensando. 27 . pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat. debido al espacio de la cinta. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales. Y hoy. Con el tiempo. después de casi 30 años. dos colecciones equiparadas en calidad. entre los cantautores de habla hispana. pero alejadas en el tiempo. Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969).

que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. llena de amor por lo que se dejaba. de esta canción Serrat cantó un fragmento. En El Salvador. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. en una película llamada «Palabras de amor». de donde puedo hablar específicamente. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo. compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. pero sin llegar al panfleto. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. Serrat es un artista relativamente poco conocido. su calidad artística es indiscutible. 28 . Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales. porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco. sólo él y su guitarra. triste. porque los tiene. su letra era nostálgica. del disco «La paloma»*. Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño. Unos con otros nos vamos pasando su música. Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones.

superflua y sosa.com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu. un poema de Rafael Alberti.cancioneros. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro). porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat. Con tanta música-basura. Joan Manuel Serrat. que se oye en estos días. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros. pero la primer canción era La paloma. No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América.La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. Fotografías extraídas de: http://www. Todos esos discos son maravillosos. Antonio Machado y Miguel Hernández.

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en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”. el vocalista. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran). De todos los miembros del grupo musical. Pero vayámonos al meollo del asunto. Yo tocaba el bajo eléctrico. Eso me gustaba mucho. era Bernardo el que tenía más carisma. la batería Carlos… y. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. ya lo había dicho. era de piel blanca. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria. bueno. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud. Una vez -bien lo recuerdo. él era el alma del grupo.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana.

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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35 . tacones altos y labios bien dibujados. lado a lado. me provocan un “deja vu”. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. como otras similares.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”. coqueteando. tocándose las manos. me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. mirándose. junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. la cual es «Seguiré mi viaje». Esa añeja canción. pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes. ha empezado la liberación del amante. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. unos recuerdos de cosas que nunca he vivido.

por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza.edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía.files. una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún.com/2010/03/olgaguillot52. así. ambas con un bello acompañamiento de orquesta.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz. con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto.wordpress.com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon.jpg 36 .fiu.youtube.la conseguí en un remoto disco LP.jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop. de las que les he hablado: http://www. sin que eso le reste belleza a la canción. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”.

el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. 37 . Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones.LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. Entre 1949 y 1950. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. Había nacido un nuevo estilo de Jazz. el Cool Jazz. Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso. fumando. UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos. En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música.

describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso. fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. (1) El Cool Jazz es “una música etérea. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. refiriéndose a Miles Davis. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 . flotante que usa cornos franceses. Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40. creado principalmente por Dizzy Gillespie.Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos.”(2) El BeBop. Kenny Clark. Ron David. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido.

son pensadores imposiblemente rápidos.” (3) ** Más adelante. (4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». lento y tranquilo que cualquier otro. Después de escucharlos unas pocas veces. “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. especialmente Bird. a diferencia de Bird y Diz. Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. Pero es un pensador profundo.rápido que tocan Diz y Bird. no es un pensador resplandecientemente rápido. Miles. Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave. The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 . te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. en 1957.

contrapunto. incluyendo a Miles. todos los vientos metales. “The best of Miles Davis/Gil Evans”. “Jazz para principiantes”. “Jazz para principiantes”. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein. y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. Buenos Aires. Buenos Aires. 1998. 140 (2) Ron David. (1) Mervyn Cooke. 1998. Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. 1997. p. p. que es triste. “Their 40-year friendship”. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio. «Summertime» (Gershwin). «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans). un disco necesario. Errepar. Errepar. «My man´s gone now» (Gershwin). todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad. Argentina. 1998.sv/index. “Jazz”. London. «The best of Miles Davis/Gil Evans». Thames and Hudson Ltd. p. lento y apacible. Y luego.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 . 58 (3) Ron David. 58 (4) Bill Kirchner. p.com. pero ya acercándose al final de la composición. Argentina.Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin).

como el saxofón o la flauta. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello. intercalándose con diferentes instrumentos musicales.cantantes muy buenas en este género musical. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. por ejemplo. o. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra. como lo decimos en español.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”. 41 . Simplemente son geniales. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan. Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz. es decir. Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”. Esto es algo muy difícil de hacer. Excelente interpretación. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald.

cantada por Ella. (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney. pero sólo por unos compases. lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. Fotografías extraídas de imágenes de Google.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos). Un beso respetuoso para ambas. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. que alcanza. Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción.En «Blue skies». en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. 42 . porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”. niveles casi alegremente orgásmicos. estas dos féminas asombrosas.

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. por ser antiguos cantos que ya son eternos. y al calabozo tirao como tarro al basural. Se puede matar a un hombre. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos. Pueden su rostro manchar. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. ensalzador de la música. su guitarra chamuscar. trabajadora. Ambientalista. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. 46 . Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos. pero no sumisa. libre y denunciador de las injusticias. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón. Yo canto. desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde. respetuoso de su “paisanaje”. De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia.

tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. como granitos de maíz siembran los peores ejemplos. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda. Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. A Atahualpa Yupanqui.¡Pero el ideal de la vida. Mas. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. El estanciero presume de gauchismo y arrogancia. cuando regreso a escucharlo. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. y se viene abajo el templo de la decencia del país. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. mas. O puedo compartirlo con 47 .

alguien que también. dignidad y espíritu de lucha. Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. 48 . Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. silencioso y con ávidos oídos como yo. pobreza. se transporte a un mundo gauchesco. de honor. Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás.

Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas. pan. el mundo externo e interno del ser humano. tormenta.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org. con la música y la palabra.com/dalton. he amado. lágrima. No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo. abeja. tomado dehttp://amediavoz. No dejes que tus labios hallen mis once letras. la fatalidad de lo clandestino. Tengo sueño.google. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar.cancioneros. he ganado el silencio.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 . Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www.com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo.com. Pronuncia flor. la intencionalidad del tono.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino.

50 .

conducido por Carlos Bautista. como Víctor Tomasino. 103. «Wave». «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador.ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. el programa “All that jazz”. Chamba Elías.3 FM. «Perfidia». que se transmite todos los martes a las 13 horas. Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 . entre otros. Óscar Alejandro y Ricky Loza. Neto Buitrago. Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. con repetición los domingos por las tardes.

En primer plano Neto Buitrago 52 . Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa. Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones. Las condiciones en general no son muy adecuadas. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas. sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura. lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos. lo cual no es un pecado.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. claro que sí los tenemos. pero se están perdiendo de un grandioso placer. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador. Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte.

quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador. la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams». Y felicitaciones también para Carlos Bautista. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León. excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza. 53 .Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte.

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siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. la cantora de Latinoamérica.ZONA DE PROMESAS. Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas. Mercedes Sosa (1935-2009). sin perder su esencia. Y sin embargo. Mercedes Sosa y Gustavo Cerati. 55 .

de Soda Stereo. un arco iris de voces y ritmos. La letra de esta canción es muy bonita. Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación. esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas».Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”. Joan Manuela Serrat. y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas». ¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 .

Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati. por mi lado. Yo. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati. Tarda en llegar. al enterarse que ella había dicho eso. sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. Murió la diosa de la libertad. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. que respetaba mucho a los otros artistas. dijo Maradona. Quiero regresar solo a besarla. No está mal ser mi dueño otra vez. Y además. y no de poco interés es también la reacción de él.Cerati.blogspot.com/2009/10/gracias-la-vida. y al final al final hay recompensa. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero.html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción. perdí una batalla. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”. escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar. Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. 57 .

cuando regresé todo quemaba. pequeña princesa.Mamá sabe bien. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas. Se bucear en silencio. 58 . No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme.

com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www.com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez.youtube.youtube. durante el velorio de Mercedes Sosa.com.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental. Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb.youtube. Foto de la portada del disco “Zona de promesas. en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos.taringa. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 .youtube.Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www. y hace otros comentarios más:http://www.youtube.

60 .

A little shy and sad of eye.youtube. grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. 61 . Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www. Natalie Cole. La hija de Nat King Cole. but very wise was he. He oído muchas versiones de ella.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas. a very strange enchanted boy. con el bellísimo acompañamiento de una orquesta. al final. con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez. La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho. very far over land and sea. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”. porque es una interpretación vocal muy bien hecha. le imprime un ritmo latino. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone. They say he wandered very far.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida.

com/music/lyric.nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .edu/35th/founders/images/nataliecole.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.youtube.allthegigs.sing365.com/concert-reviews/images/band_pics/1123.unf.jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.Video de “Nature boy” http://www.

Neto Buitrago (tumbadoras y batería). De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. como es la música. Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). teclados y dirección musical). Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. 63 . según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. Proyecto Acústico. Chepito Paiz (batería y tumbadoras). Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. en el siglo XIX. donde ha tenido un desarrollo muy variado. El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América.PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador.

tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. 64 . La Luna. en el corazón de San Salvador. el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa. Casa y Arte.Pues bien.

Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 .Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo. pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo.

improvisa jazzísticamente con su guitarra. Todos estos músicos son viejos lobos de mar. 66 . con los ojos cerrados.Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz. ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño.

el rock. como la salsa. Neto Buitrago 67 .sino en otros géneros musicales. tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas. la música académica y la música de corte folklórico. ambos en la guitarra. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien. También Chamba Elías y Mario Romero. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero.

Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. un joven músico con apenas 20 años de edad. incluso. que toca el bajo de una manera excepcional. con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica). Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. increíble. 68 . se intercambiaron los instrumentos. quienes en una ocasión.

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. Carlos Romero. presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público. por su parte. 70 . por su expresividad y variedad.

Al final del concierto musical. El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales. sin abandonar nuestra identidad cultural.porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. quien interpretó “Afro blue”. subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. 71 .

youtube.com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www.youtube. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 . He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www.y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu. Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO.Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.

tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. que supuestamente van dirigidas a un público infantil. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990. Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar. -¡No! -le respondí inmediatamente-. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. -¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-. ¡Órale. el grillito cantor.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. Sus composiciones. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños. al contrario. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. mejor conocido como Cri Cri.

parece que no sabe. «Soy la reina. pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. entre otros. salidas de un corazón muy observador y sensible. humilde de condición. JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. Pedro Infante. también me gusta mucha «Chinescas». Me gustan casi todas. la diferencia de clases sociales y la discriminación racial. Miguel Bosé. igualado bigotón». «Parece. Sus palabras suenan muy sinceras. Víctor Manuel. Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. Cortado entró el jicote. Eugenia León. Ana Belén. y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». alguien le quiere hablar». La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras. no sabe con quién trata. puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero». pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas. auténticas. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero». como Plácido Domingo. araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. por ejemplo. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea».pequeños. La lista es casi infinita. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. Emmanuel. Mocedades.

«Soy la reina. ese prieto barrigón».no cuadra con mi amor». parece que no sabe. la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». pero ya vio que no». Silencio quedó el jicote con tanta humillación. «Parece. porque su afán es que se ha de casar con un emperador. pero a según las leyes del país 75 . La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal. La sociedad sin clases la creí. no sabe con quién trata. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor. A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey.

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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Smoke en 1981 79 . el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero. Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. tocar «Necrópolis». No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES.Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. armonía y melodía era todo un reto. Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis». con todos sus cambios de ritmo.

Gustavo Pineda. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. su armonía. los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país.En un punto en el que el grupo SMOKE. se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. 80 . Aunque teníamos varias cosas en contra. David. buscando sus ritmos. pero la calidad tenía que imponerse. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces. allá por 1984. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país. he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. que no aparece en esta fotografía. que luego se extendió a lo caribeño. De izquierda a derecha: Mario Romero. debía ser música popular. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. por ejemplo. su idiosincrasia.

las tumbadoras. En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. las maracas. la chirimía. la caramba. el cuatro. la quijada de burro. el contrabajo. quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. 81 . Carlos Romero y Chepito Pineda. los timbales. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe.como la guitarra. Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. la marimba. las congas. etc.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. la concertina. el violín. Juan Carlos.

tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo. así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). fue David (de cuyo apellido –lo confieso. Otro miembro. quien no tocaba con el grupo.no me acuerdo). Nacido en Atiquizaya. Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. También. José “Chepito” Pineda. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. así como en Guatemala y Estados Unidos. que estuvo pocos días. entre médicos. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya. provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. Carlos Romero. otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. Juan Carlos Flamenco. que Zunca se llamó un príncipe precolombino. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. Otto Hugo Urrutia. 82 . Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León. El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya. de la estirpe de los pocomames. cuenta una leyenda popular. que no tocaba. ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. sino que bailaba en ciertas canciones. ingenieros y licenciados).ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador.

El indio Anastasio Aquino. el violín. Esa morena. He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. El debercito y La libertad de mi pueblo. Danza del requise. El negro Nayo. 83 . El samangueón. en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. luego inicia la guitarra. Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. corazón. es una tonadilla típica de Costa Rica. La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. Hubo varias circunstancias.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. Cada vez. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. Toñito (el cipote de Santiago). Quiero que sepas. La esperanza. María Blanquita. la marimba y el contrabajo de Zunca.

La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino. perteneciente al libro “Cuentos de barro”. 6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986. pero su letra fue extraída de un poema anónimo. Nos invita a pelear por un mundo mejor. 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador. Chabelo. casi todas las características de un himno.El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. de nuestro querido escritor Salarrué. 5. quien era un gran pitero. Hay dos versiones aquí. para mí. 13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. escribió Salarrué). El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña. Esta composición musical tiene. Pieza instrumental. 11-Quiero que sepas. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). 84 .

que era muy vistoso. 85 . de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. Sin embargo. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó. ¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica. era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco. pero el adorno de los hombros y el pecho. Sonsonate. pero que en el poco tiempo que existió. logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día.

Pero lo más importante y trascendental. nada estaba de más. “Oscar. gran aporte. siempre de esperanza y paz. Un abrazo Oscar. salía de nuestro joven y rebelde corazón. pienso. es que todo lo que hacíamos. el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. poco tiempo de vida.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios. aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”. en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. sino también por la presencia escénica del grupo. pero no tocaban música original. en los textos. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad.2. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares. 86 .” JUAN CARLOS FLAMENCO. y nosotros. andaban otros grupos. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos.

«They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante. Todos estábamos profundamente 87 . Y con el agregado que en la grabación participaron. Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio. Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. Al ir entendiendo su letra. Una cosa es leer acerca de la tortura. que me agrada más que la que hizo con The Police. en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo. escrita e interpretada por Sting. entre otros. la canción se volvió aún más querida para mí. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet.

Danzan con sus esposos. Y si ellas hablaran. serían desaparecidas también. 88 . o el baile solitario. víctimas de los escuadrones de la muerte. El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. Ellas danzan solas. A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas. Danzan con sus hijos. Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. Danzan con su silenciosa angustia. es ejecutado públicamente por las esposas. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena. Bailan con los muertos. hijas y madres de «desaparecidos».afectados. de la policía y la fuerza armada. de las fuerzas de seguridad. Danzan con sus padres.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». sino practicada. Danzan con los invisibles. Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte. danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. La «Gueca solo». Ellas bailan con los desaparecidos.

En 89 .Otra mujer en la mesa de tortura. “Un comercio amargo de muerte. «Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. todas esas jóvenes vidas traicionadas. ni presupuesto para sus armas. Piense. Un día ya no habrá más dinero. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. ni salario para los torturadores. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. señor Pinochet. usted ha sembrado una amarga cosecha. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. “a países que ellos nunca habían visto”. se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis. Las dos grandes potencias mentían. señor Pinochet. Es el dinero extranjero el que lo sostiene. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra.

“En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. Compartimos la misma biología. 90 . Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. P. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos». En otras dice verdades espeluznantes. Yo no me suscribo a este punto de vista. Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos». Yo no me suscribo a este punto de vista. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. L. (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting.ciertas partes la letra de la canción es irónica. condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. sino por la profundidad de sus letras.

Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara. El Dr. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales. conocido popularmente como Pancho Lara. Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. 91 . a don Francisco Antonio Lara Hernández. Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador.PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí. por pura casualidad.

en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. el 03 de diciembre de 1900. en San Salvador. pero fue asentado en la ciudad de Armenia.Pues bien. Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». jurisdicción de Santa Ana. piano y mandolina. Aprendió a tocar guitarra. se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. Guitarra de Pancho Lara 92 . Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta. Sonsonate. marimba.

porque las reconocen como propias. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero. Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros. Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales. como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente. sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. sus composiciones son muchas. así como 24 prosas poéticas.Sus composiciones musicales más conocidas. como «El carbonero». hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad. Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 . «Jayaque» y «Las cortadoras».

uno de nuestros más grandes literatos. de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto. escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 .algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué. era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social. por lo que ella le escribió una carta de disculpa. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica.

temperamento poético y enamorado del terruño. diafanidad y sencillez.” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. “Hacer canciones al niño triste. el corazón de Cuscatlán. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . al opacado niño de Cuscatlán.“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. sin querer casi. nuestra más elegante poeta. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. pues que se sepa. nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. “Espíritu fino. corazón ingenuo y modesto. Lara con el oído (no con las orejas). es un milagro que Lara ha hecho sin fama. sin precio. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. oiga a Francisco A. sin truco. señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura.

” (2) 96 . y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.nuestros días.

Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba.com/biografia. (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara. la música. 97 .pancholara. porque eso hará más grande a nuestra patria.php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica.

98 .

me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. Empezaré con Guillermo Anderson. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. pero bueno.. Hubo también varios grupos salvadoreños. porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. con quien me une un lazo sentimental platónico. como Adhesivo. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson. en San Salvador. por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. cuya voz resalta en Guardabarranco. Bajo tierra. Pamela Robin y Guillermo Anderson. reggue y otros. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana. etc. Llegué tarde. 99 . así que me perdí de algunos músicos. musicalmente hablando. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. entre rock.

donde el mar es indiscutible rey. Dios me puso a crecer bajo tu sol. Piel de coco y ojitos de carey. palmerita que baila yacunú. originales. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 . por ejemplo. calor. baña mi ser. sombra de mazapán. magia del mar. tamborista. canto de hombres que vienen de pescar. noche dulce. auténticas.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños. tierra mía de yuca y caracol. Escuchar «Costa y calor». sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. mango y bambú. Dame tu luz. tabaco y ron. maraca. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense. muy coloridas. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. Costa y calor. inspiración. reino que invitas al pelícano a jugar.

compositor y arreglista. músico muy completo. como piano. Carlos Romero 101 . marimba. también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente. charango. guitarra o lo que sea.Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. excelente percusionista.

*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada. Con dignidad. que se encontraban ya impacientes. 102 . antes de que empezara a cantar. Pero la cantó muy bien. Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima. y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad. También tiene bastante presencia en escena. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. a pesar de las malas presiones. le gritaron groserías a la fémina artista. pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo.

en la parte que dice “No sé cómo. de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional. es tan difícil. estar aquí en el aire sin ti. la dulzura y. junto a mí. no sé dónde. pregunté cuándo vamos a llegar. no sé cuándo.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. no sé cuándo. al mismo tiempo. uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. No sé cómo. Porque es tan difícil. Pamela se robó el show. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. Y la noche del concierto no fue diferente. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad. 103 . como a un ángel.

Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales. Pamela Robin: una voz exquisita. 104 . “Dear friends” o “Lily of the valley”.La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo. estoy seguro que ella lo haría excelentemente. como “Love of my life”. a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury.

De verdad que oírlos es un placer extremo. por ejemplo. era el grupo británico YES. Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. un grupo de rock progresivo muy bien coordinado. La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock. Un rock interesante y bien tocado. Y me refiero a El Ático.*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. Afinados. que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto. uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). La base rítmica muy bien asentada. Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). Muy bien ensamblado. 105 .

106 . Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos. en cada parte de las composiciones. teórico y práctico. Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo. con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento.El batero no podía ser mejor. Muy entregado.

El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión. Se le veía tocar muy suelto y seguro. Ciertamente disfrutaba de su instrumento. 107 .

pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock. con delicadeza al tocar solos lentos. 108 . Limpio en su toque. Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales.El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. Se observaba tranquilo. Rápido al ejecutar escalas. Muy hábil. positivo en su propósito. Los acordes siempre bien armados.

un trío con gran calidad. 109 . El Ático. en pocas palabras.El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música.

Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo. Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson. Fotografías: Óscar Perdomo León 110 .

«Sheer heart attack». con muchas dificultades. regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. las gallinas. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. mujer u hombre. Un par de semanas después traían otro disco de Queen. de 1974 y «News of the world». que sólo saben cacaraquear. de 1978. de los discos y de los hermanos. No parábamos de oírlos y oírlos. el «Jazz». Atiquizaya. mas pensemos relativamente).MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. Mario y Carlos. en donde yo vivía. nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción. cantando como sólo lo harían los dioses. Yo aprendí mucho de ellos. un concierto grabado en vivo. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. era «Queen live killers». lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos. de 1979. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad. de 1977. Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. Luego mi mamá me compró. en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. Yo quedé verdaderamente fascinado. Y empezamos también a tocar 111 .

. esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. 112 . mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió. una búsqueda de la raíz latinoamericana». Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. Lo que hoy quiero decir es que para mí. su hermano Carlos la batería. su nombre es Freddie Mercury.e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. pero bueno. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro.

Esto no podemos saberlo con certeza. es «Rhapsody bohemy». a las que acompaña con letras interesantes. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. Su timbre de voz es inconfundible. que no el único.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia. dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía. sino también belleza. llena de ternura. Su destreza como compositor inspirado en indiscutible. Y su más grande ejemplo. Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 . Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. Hay numerosas melodías de gran preciosidad.

se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar. la característica y majestuosa –royal. save me. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música. 114 . save me. I can´t face this life alone. músicos tocando de verdad. Oír ese estribillo y caer después. Save me. seguidamente. a los 2:20 minutos de la canción. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». tan limpia y sincera. save me. calidad en su más alto nivel. save me. de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. I´m naked and I ´m far from home. mágicamente tocada por Brian May y escuchar.traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. «Love of my life» o «Somebody to love». Save me.guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura.

estoy convencido que en algunas ocasiones. esa circunstancia le favorecía. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania. por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar.Quiero decir con énfasis. porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». en ciertas composiciones. pero también en algunas canciones al escucharlo. antes que nada. Es más. 115 . En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas. especialmente al verlo cantar. del álbum «News Of The World.

Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991. en 1987.” (4) 116 . uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco.Durante su niñez inició sus clases de piano. titulado «Made In Heaven». Seal. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo. con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes. de una bronconeumonía. como Elton Johnn. (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho. “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. David Bowie. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Grabó 16 discos originales con Queen. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”. se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. Roger Daltrey. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). “En noviembre de 1995. Metallica. Brian y Roger. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. George Michael y Liza Minnelli. Estrellas del firmamento pop y rock. Guns N´ Roses. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda. (1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen. también grabó el álbum «Barcelona». Robert Plant. John.

“I don´t wanna die. Esta fue la última vez que posó para una foto.Freddie Mercury en 1991. 117 . * Para los que crecimos con su música. A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. el día de su muerte fue muy triste. el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular. Con todo el ímpetu de la juventud. Con toda su creatividad enardecida. I sometimes wish I ´d never been born at all”. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. Si Mercury nunca hubiese nacido. como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70.

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“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia. sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre. de entre todos ellos. No obstante. Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. (5) 119 .

org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló.wikipedia. (1) Wikipedia.wikipedia.biografiasyvidas. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. al Viex.geocities. Y tenía razón. excepto las fotografías *.org/wiki/Freddie_Mercury 120 . las cuales fueron extraídas de Wikipedia.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen. con la discografía completa del grupo. http://es.com/biografia/m/mercury.htm (5) Wikipedia. siendo un niño. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción.wikipedia. http://www. como un todo creativo e interpretativo.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie. a mis hermanos Mario y Wendy.org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen. ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo. la enciclopedia libre. la enciclopedia libre. tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez. Freddie Mercury es el campeón. pianista y compositor. porque como cantante. la enciclopedia libre: http://es. a Mario Romero Cárcamo. siempre pienso en mis años de adolescencia. ** y ***. de su página: http://www. http://es.html (4) Biografías y vidas.

el batero Roger Taylor. lo que podría llamarse rock-pesado. Empezaré en orden cronológico. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas. Sobre Mercury.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música. tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. Hace unos días escribí «Mercurio». él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock. Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas. 121 . como todo. bueno. el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. pero mis discos favoritos son seis. Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. la reina del rock. Muchos de los temas de Queen son.

Pero de pronto toda la fantasía se rompe. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». las abejas han perdido sus aguijones. ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda. «The night comes down» y «Jesús». Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». «My fairy king». con un ritmo rápido. El juego de sus voces. los dragones vuelan como gorriones a través del aire. El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia. pero que al ser escuchados hoy. me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal.El disco «QUEEN» de 1973. «My fairy king». cambió los vientos y dañó las 122 . son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. el piano y la guitarra acústica. ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. el primer disco del grupo. lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila. la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. los cambios de ritmo. «Liar». en retrospectiva.

“Ayer mi vida estaba en la derrota. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones.” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. la percusión y el bajo. que si bien es cierto 123 . Ahora sé lo que estoy haciendo. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. en la composición y en la interpretación. hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. El «SHEER HEART ATTACK». Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho. Y ritmo. «Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. que salió al mercado en 1974. Hay un tiempo para esperar la salida del sol. como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye».es algo que enriquece la obra. en todo se ve un trabajo minucioso. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. Madre Mercurio. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco.mareas. ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas.

pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. que la hace una pieza inigualable y de gran belleza. que aunque es verdaderamente corta tiene. avanzo a través de cielos tormentosos. porque el lirio del valle la ignora. cantada con una pasión exorbitante. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. «In the lap of the gods». quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya.” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods». en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta. dame tu auxilio aunque sea por un momento. que Queen enfatiza con sus voces. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. Yago en espera con los ojos abiertos. desde el punto de vista musical. sino musicalmente hablando. no la letra. «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. Serpiente del Nilo.nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. Las guerras nunca cesarán. 124 . breve pero sustanciosa. sigo cada maldición. que nos anuncia el final. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. que no es la misma que mencioné antes. ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono. aunque se llame igual. y también debido a su rara y original melodía. porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico. «Dear friends». que han sido cuidadosamente hechos. me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables.

«Now I´m here» y «Brighton rock». la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. «Rhapsody bohemy». Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. es su cuarto disco grabado. Incluye una variedad de 125 . Iniciando con «The prophet’s song». «Love of my life». entre el rock y la ópera. La melodía es bellísima. uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. sacado al mercado en 1975. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial. La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. «UNA NOCHE EN LA ÓPERA». ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia. que ya es un clásico. el perfeccionamiento. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional.En este disco también están las famosas «Killer queen». Esta colección de composiciones es como la elevación. que esta es una de las mejores de todo el disco.

que está fluidamente unida a la primera parte. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música. Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. la segunda es una lenta balada de rock. pero siempre sazonada con unos toques de música académica. Todas las grabaciones son muy buenas. como una especie de desahogo melódico. Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas. y la quinta y parte final es lenta y triste. la tercera parte es la meramente coral. Sin duda. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. operística. 126 . bastante elaborada. con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. pero resaltan también «Your my best friend». explosiva. Hay varias melodías rondando en toda la obra. la cuarta es la parte más típicamente rock. «Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal.

¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender. le escucho más alma). Del «JAZZ». Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». «All dead. «Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio.«NEWS OF THE WORLD». quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». lanzado en 1978. por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado. la mejor de todo este álbum es «We are the champions». el sexto disco grabado. séptimo disco. habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia. En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar. 127 . all dead».

«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980. Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust». Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen. «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love». 128 . Su portada plateada es inolvidable. Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen. De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen).

wikipedia. con la discografía completa del grupo. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70. más impresionante en sus composiciones.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. ¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León. 129 . Lo siento más entregado y brioso. (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock. la enciclopedia libre. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar. Queen es un grupo que nunca será olvidado. El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”. http://es.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. sino. De cualquier manera.

130 .

TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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arpa. corno francés. aunque pesa –para mi agrado. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo.EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». chelos. Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra.más lo primero. Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. La poesía está presente en todas las canciones. No estoy en contra de lo moderno. Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50. Se escuchan violines. piano y otros instrumentos. todo en una soberbia conjunción. él solo lo llena todo. un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. este disco engrandece la música cubana. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. 135 . pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música. no sólo en sus letras sino en la música. es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano.

cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar. La trompeta y los violines. Es una composición finamente arreglada. Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. innegable. La voz de Silvio encaja con maestría. 136 . su belleza es inherente. para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia.La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas. el cuatro cubano y la flauta. Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. La primera canción «Totí». toda la orquesta está en su lugar. «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder. que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado. que se llama «El baile». los referiría a escuchar la segunda canción del disco. que se refiere a un pájaro negro cubano. es una firme invitación a escuchar todo el disco. Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico.

«Amanecer». «Tiempo de ser fantasma». a mi corazón. poesía musical. «Hace no sé qué tiempo ya». un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN». «EXPEDICIÓN». 137 . Las otras canciones del disco son: «Fronteras». poesía en las palabras. Imágenes extraídas de Google. «Anoche fue la orquesta». «Mancha». «Quédate».Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco.

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CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. No tuve la dicha de presenciarlo en vivo. un año prácticamente después de su muerte. pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD. 139 .

incrustada admirablemente en una armonía sencilla. el famoso actor Tom Hanks. quien además tocó un solo de cítara. aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas. 140 . Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella. Luego aparecieron uno tras otro. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. de la Ravi´s Orchestra. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python.El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. y las que él hizo como solista. en uno de los cuales por cierto participó. varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles.

siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. y a su hijo Dhani. Luego siguieron con «If I needed someone». cantada por Clapton. Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». tocando una guitarra y haciendo coros. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you». cantada por Jeff Lynne. El concierto. (Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica. Luego siguieron «Old brown shoe». demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). la viuda de George. 141 . que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. «Give me love» y otras más.Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison.

pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman». Sam Brown y Jim Capaldi. 142 . Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también. Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones.Cantaron también Jools Holland.

Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back». fue muy placentero. Preston grabó en los años ´60 con The Beatles.Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. ya más maduro y genial. Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados. 143 . de Ringo Star y de Paul McCartney.

«Photograph». mostró su simpática personalidad. Cantó dos canciones. como siempre. 144 . hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público. Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. Ringo. Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos. La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins. una de ellas la compuso con George.Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie.

violas.Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva. Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something». Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue». la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines.). 145 . El público se puso de pie nuevamente. McCartney tocaba el piano. etc. pero con más estruendo. En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. Después Paul cantó «All things must pass». mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas).

146 . Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto. Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. cantada magistralmente por Billy Preston.Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados. Un manjar para los amantes de la música. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown.

Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. Pat Boone. Joe Brown. También ha sido usada en una película del mismo nombre. interpretada por Joe Brown. por mencionar algunos. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. 147 . entre ellos. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924. Joe Brown. Por su lado. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. están Louis Armstrong. Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». Doris Day y Ella Fitzgerald. nacido en 1941.TE VERÉ EN MIS SUEÑOS. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002.

Lips that once were mine. hold you in my dreams. still I feel the thrill of your charms. Someone took you out of my arms. Someone took you out of my arms. según ha dicho su hijo Dhani. tender eyes that shine. He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. tenía varios. they will light my way tonight. Pues bien. «All those years ago». y dos. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. utilizando un ukelele para acompañarse. hold you in my dreams. instrumento del cual. esa noche del concierto-homenaje para George Harrison. I’ll see you in my dreams. «Isn’t it a pity?» o. que creo será recordada por muchos años. Lips that once were mine. como por ejemplo «Something». tender eyes that shine. they will light my way 148 . still I feel the thrill of your charms. la que le dedicó a John Lennon. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams». Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. I’ll see you in my dreams. La belleza de las melodías que componía es innegable. Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele.Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. agregando unas líneas a la letra original de la canción. para mencionar algunas.

I’ll see you in my dreams.uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA. Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video. Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar. all the happiness that used to be. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá.google. I’ll see you in my dreams.com. Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano.com/letras.COM http://www.com.co. me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison. I’ll see you in my dreams. twilight sings a song.ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 .musica. Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams.aol.tonight.google. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”. Soon my eyes will close.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images. al introducir ese lindo fragmento de letra.

150 .

En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. de San Luís Talpa. con nuestras cuatro hijas. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme.BRAHMS. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. que duró más de un minuto. La primera obra fue la «Sinfonía No. hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. asistimos. al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. 102» de Johannes Brahms. director asociado. ¿Y Brahms? Bueno. de una belleza poderosa. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie. la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. conducidas por Irving Ramírez. 93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. 8 en Fa Op. miembro de la 151 . cello y orquesta en La Op. el violinista y el cellista. por su lado. Se presentaron dos grandes obras musicales.

en la tuba que era su instrumento. el joven era una verdadera promesa musical. 3 en Mi bemol mayor. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. lleno de un talento innato. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. que incluso había tocado en diciembre pasado. asesinado hace apenas unos días. la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. En problema de la violencia es muy complejo. 55».Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. Según se dijo. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No. En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. Op. una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski. obra conocida como «Heróica»).

similares a los de la época de las cavernas.talentos y creando fuentes de trabajo. La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 . Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes. en pocos años más seremos una horda de salvajes.

154 .

sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas.LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao. Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita. pero son las excepciones. Pero además. He ahí la clave de su popularidad. La voz líder 155 . La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas. pero muy llenas de emoción. Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. Por eso su música tiene aún gran actualidad. Sus palabras salen del corazón.

En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral. a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 . El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. «Otra vez». cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador. «No basta rezar». etc.Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes».. porque recordé que en los años ochenta. «Perdóneme tío Juan».

Estuvimos. abrazando la tarima. El bajista 157 .escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte. Érika y yo. aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado.

vecinos y hermanos. el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes. que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. ideologías políticas. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria. Es más. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 . Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. Yo.La gente estaba emocionada de oírlos. por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos.

Después del concierto. una foto final con el percusionista. tomada por José Alfaro. 159 . Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. excepto la última.

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etc. Con ella se muere una parte de mi pasado. Todos ellos me han tocado el corazón. «Inconciente colectivo». «Como la cigarra». Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». Nunca he estado en Argentina. 161 . pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez. a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui. como era conocida en su patria. No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. a Leonardo Fabio y a Sandro.GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar. «Alfonsina y el mar». «Al jardín de la república».

que hasta me parece un sueño lejano. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra. A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años. ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica. que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos.ar 162 . Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www.No todos los días se nos va una cantante de verdad. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos». Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento.pagina12.com.

El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. interpretando música de Brahms. músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. 163 . dirigida magistralmente por German Cáceres. combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). pero principalmente fue compositor. presentando en su música un rostro muy original y profundo.

Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. 4 en re menor op. Brahms. Schumann. el tocar dos cuerdas al 164 . La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. Beethoven. Su destreza tocando el violín fue tremenda. entre otros. Dvorak.En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. de estatura media y escaso cabello blanco. de Robert Schumann. Ha interpretado a Mendelssohn. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición). compuesto por Johannes Brahms. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Tchaikovsky. que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. En esta última ya no participó Silverstein. Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad. Barber. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. Y la segunda fue la “Sinfonía No. 120”. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. Vivaldi. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. Silverstein.

el público ovacionó de pie a los músicos. Robert Schumann 165 . Al final de la obra musical de Brahms.mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein.

La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo. 166 . la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente.En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856). un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres. pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones. tanto como intérprete (era un gran pianista. dedicándose en su madurez especialmente a la música. como director invitado. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños.

tan bañado con sangre de inocentes.israbox.ca/academic/modern-languages/German/brahms. podría salir adelante. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www. Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país.com/uploads/posts/1177498732_face.jpg 167 . el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia.mystfx.

168 .

EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. 169 . EL MUSICAL. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO. continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. montar y ejecutar esta pieza artística. Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir.DON BOSCO.

Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. Ángel Rivas. como el Cardenal. como mamá Margarita. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. música y las magníficas voces de Samuel Bautista. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. 22 bailarines y 7 actores de reparto. contó con alrededor de 80 artistas en escena. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora. 170 . y Luis Miguel Herrarte. como el párroco. escenografía. danza.La obra fue espectacular. como el espíritu maligno. secretario del Cardenal. Nos encantó mucho Regina Cañas. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. Oscar Guardado. Omar Renderos. Mercedes López. así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. quien personificó a Don Bosco.

que acompañó a las voces principales. excelentemente dirigido por Numa Bracamonte. 171 .Numa Bracamonte El coro. fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical.

se debió en gran parte a Beatriz Nájera. el diseñador de vestuario y de escenografía. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas. el éxito de la obra. quien fue el director general.Ovacionada de pie por más de un minuto. 172 .

de buena confección. llamativo y acorde a la escena respectiva. llenó de colorido y robó las miradas del público.Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. logró que cada personaje fuera creíble. La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia. 173 . El vestuario. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente.

Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada. Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística. Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 . lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento.

La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). 175 . poesía y música. en el cual hubo un combinado de narración histórica.

El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto. interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo. a cargo del guionista Modesto López. que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez. para luego interpretar algunas de sus composiciones. todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto.Con una muy buena dirección del evento. Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. 176 .

de Nicaragua.La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy. 177 . hizo que nos erizáramos.

de México.El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. fue admirable. 178 . nos dejó impresionados y muy satisfechos. La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. de Honduras.

Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. verse y de repetirse. 179 . El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA. Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados.Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse.

fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”. 180 . hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad.Entre videos. realizados por Ana Valentina López de Cea. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. hijo del poeta homenajeado. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton. la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada. Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. con la voz del propio Roque Dalton.

Jorge: vos tenés razón. en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 .

182 .

los sonara eventualmente en algún programa nocturno. Únicamente sabía que eran argentinos. eran un tanto difíciles en aquella época. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. 183 . escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”. así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers. en mi cama a muy altas horas de la noche. pero sólo en grabaciones auditivas. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado. Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos.

música y crítica social. nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar».Despertaron en mí una admiración hacia ellos. Y. Les Luthiers son una combinación de teatro. gracias a la tecnología y a algunos amigos. Hasta hace poco. de las bromas entre nosotros. Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini). relativamente. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy. Juego de palabras e ideas. Manuel Darío. Son comedias finas. les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. 184 . comedia. como si fuera poco. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. son actores increíbles.

San Ícticola de los Peces. ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD. Mastropiero. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo. en las luces. Es importante también decir que ellos. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. Felicia y Abelardo. Ortega. A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor. se ríe de todos. es la práctica la que perfecciona las acciones. la música y las voces son las estrellas en el escenario.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. en donde la risa. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. por ejemplo. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural. Es admirable la perfección de sus actuaciones. la ironía. las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. Sin embargo para entender y 185 . de todo y de ellos mismos. a pesar de ser tan cosmopolitas. Manuel Darío. el Séptimo Regimiento. Esther Psícore. nunca han abandonado sus raíces argentinas. son de nuestros personajes favoritos. Escipión.

larepublica.blogspot. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas.com.google.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers.sv/imgres?imgurl=http://files.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.google.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.com.3 000.r:16.htm Fotografías extraídas de: http://www.com/pag1.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental. la música y el canto.myopera.lesluthiers.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua. Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.com.sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 . Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www.

Es mi derecho como amante de la música. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera. «Nanas de la cebolla» y 187 . Esos locos bajitos. «Menos tu vientre». Soneto a mamá.MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. En esta selección no están todos sus discos. una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. el gran poeta de la guerra civil española. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. como por ejemplo en Fiesta. Cada loco con su tema. por mencionar sólo algunas. Pueblo blanco. La gente va muy bien. Sin embargo. Antonio Machado y Mario Benedetti. mis favoritas son «Elegía». Historia de vampiros. A quien corresponda. Del disco homenaje a Miguel Hernández. Por las paredes (mil años hace). Bienaventurados.

pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. mi historia algunos casos que recordar no quiero.” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. con sangre de cebolla se amamantaba. mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario. he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. hambre y cebolla. mi juventud veinte años en tierras de Castilla. Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla». hielo negro y escarcha grande y redonda.«El niño yuntero». En la cuna del hambre mi niño estaba. que también está en este álbum. debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. escarcha de tus días y de mis noches. quien habla solo espera hablar a Dios un día. ya conocéis mi torpe aliño indumentario. me encontraréis a bordo ligero de equipaje. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. él triste de cebolla. en el buen sentido de la palabra. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. al recibir una carta de su esposa. 188 . mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. tu satisfecho. Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna.la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. ríete siempre. me debéis cuanto he escrito. pero tu sangre escarchada de azúcar. con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. No te derrumbes. triste llevo la boca. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares». a mi trabajo acudo. Y a cabo nada os debo. en plena guerra civil española. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. sin lugar a dudas. son «Retrato» y «Del pasado efímero». nunca despiertes. cebolla y hambre. casi desnudo como los hijos de la mar. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho.

«Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. que era interpretada por ellos mismos. pero también la dicotomía y la contradicción 189 . la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. «Como un gorrión». en todo caso. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas. así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa). la cual es un poema del poeta Rafael Alberti. dedicado a los poemas de Mario Benedetti. El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. «Mi niñez». No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí. la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum». «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático.la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez».Del disco El sur también existe. Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». Del álbum Joan Manuel Serrat 1969. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho. del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar.con una fina ironía. es un poema del poeta León Felipe. «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». pero resaltan «De cartón-piedra». no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena. pero la última. las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». «Vencido». ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. y la segunda que es una denuncia de la pobreza.

es que perdí el camino de regreso. tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. que no es igual quien anda y quien camina. que las flores nacen 190 . es una colección muy buena de canciones. Y supe que el amor tiene ojos verdes. tal vez mañana sonría la fortuna. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. que cuatro palos tiene la baraja. «Cenicienta de Porcelana». La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. En este álbum está «De parto». No es que no vuelva porque me he olvidado. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. la flauta y la mandolina. que no hay nada que hacer. Mis preferidas son «Ciudadano». una copla muy tierna dedicada a las embarazadas. juro por lo que fui que me iría de aquí. que no hay que confundir valor y precio. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja.irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. toma tu mula. pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil. no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». mamá”. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». de lejos dicen que se ve más claro. de 1974. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. supe que lo sencillo no es lo necio. pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio. Y si te toca llorar es mejor frente al mar. 1978. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. «Irene». «Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina. pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo».

moros y cristianos. es verdaderamente una obra de arte. Iberos y romanos. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné.discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. la cual rebosa de optimismo. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. fenicios y godos. que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». Que el mar está agonizando. la casa. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. la plata del olivo griego. cortes y trovadores. pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. 191 . Y el musulmán lo perdió todo. Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos». dueños del camino del mar. pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. que no hay quien confíe en su hermano. que nadie conoce al vecino. en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. En paz descansen esplendores de amor. el sueño y la heredad. en nombre de la cristiandad. El mundo es de peaje y de experimentar. la llama persa del ciprés. No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»).

si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». ni que me suba a un taburete. ganar a perder. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. más que del diccionario. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. prefiero los caminos a las fronteras. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. hacer a pensar. Antes que nada soy partidario de vivir…”. y un Siux más que el Séptimo de caballería. la unicidad que hacen es tan 192 . Bienaventurados.” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». por conocer. amar a querer. la razón que la fuerza. Nunca es triste la verdad. tomar a pedir. del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. el instinto que la urbanidad. besar a reñir. chupando un palo sentados sobre una calabaza. palpar a pisar. me privan más los barrios que el centro de la ciudad. Su primera canción. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. lo que no tiene es remedio…”.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». prefiero volar a correr. y que es la que le da nombre al álbum. toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle. Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. y disfrutar a medir. bailar a desfilar. y los artesanos más que las factorías. se hace de nuestra medida. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades.

«Bienaventurados». liso y muy bien tocado. Niño de nadie. el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. Van buscando los rincones sofocadas las parejas. hacen planes y se dejan llevar por las emociones. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad. que es el tema que da nombre al disco. Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe». el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. interpretado por el famoso cantante Dyango. En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. es decir que toda causa tiene un efecto. «Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor. «Benito» e «Historia de vampiros». Recién nacido con la inocencia amputada. en la canción «Mensajes de amor de curso legal». imprudentes. 193 . indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente. que la manada redime su pecado de existir.afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra. Niño sin niño. niño silvestre que acechando la acera viene y va. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. presagio de mala muerte. sin atender. «Bienaventurados».

(Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica. en español y en catalán. una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. que es un canto a la vida. por ejemplo. la cual desde la primera nota envuelve al oyente. «El hombre y el agua». «El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. y Joan Manuel Serrat. Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír. Mis favoritas: «Los macarras de la moral». Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». de 1998. que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor. Y «Fe de vida». «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales. un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. hasta explotar en una revolución marxista. la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. 194 . puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. Sombras de la china. Soledad Jiménez. «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. «Y el amor» y «Disculpe el señor».Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José». nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos. lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción.

y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S). Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 .

LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados.com 196 . 2011. ©Óscar Perdomo León.wordpress. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.

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