LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
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LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

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Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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……………………………………………………..9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés. Pamela Robin y El Ático)…………………….…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)…………………………………. Beethoven y la violencia………………………………………………………………………….87 Pancho Lara…………………………………………………………………………………………. Cri-Cri)………………………………………………….163 Don Bosco.………..…...121 Tiempos.….….61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador…………………………………………………………………….43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)………………………………………….155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)………………………………………………………………………..ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis………………………………………………………………………………………..…………...161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador…………………....…..13 Blue in Green..41 Atahualpa Yupanqui...….….....19 El otro lado del Abbey Road.. el musical…………………………………………………………………………………………..….139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)…………………………………………………………………………..….…..5 Un alud inevitable (The Beatles)……………….………….27 The Steve Howe Album en Santa Ana…………………………………………………………………….……….147 Brahms.....55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)……………………………………………………….….. una búsqueda de la raíz latinoamericana…………………………………………………………....... El Payador Perseguido……………………………………………………………….…………………………………………………………...…151 Los Guaraguao en El Salvador……………………………………………………………………………….…. de Miles Davis………………………………………………………………....…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 . de George benson…………………………………………………………......169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans……………………………………………………………………….…..……………….…...…..63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler..……..77 Tres canciones de Sting…………………………………………………………………………………….73 Zunca..175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)………………………………………………………………………...…..135 Concierto para George (George Harrison)…………………………………………………………………..99 Mercurio (Freddie Mercury)……………………………………………………………………………….. de Ruben Blades………………………………………………………………………………….....91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson...37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)………………………………………………….………. Serrat y Páez)………………………………….111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)….31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)…………………………………………………...…131 Expedición (Silvio Rodríguez)…………………………………………………………………………………..

Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra. No se puede esperar. Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. La música también es un lenguaje. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. etc. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla).BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica. Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales. pueda entender o apreciar a J. y me parece triste e inconcebible 5 . es decir. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música. Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. Hay otra que puede deprimir un poco. Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad. ¡de ningún tipo de música!. Bach. socioeconómico. por ejemplo.S. le da un valor superior. pues claro que ha empezado por muy mal camino. Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas.

The Beatles. pero este disco –que se lo presté a alguien. Queen. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. Beethoven… y la lista es grande. por mi lado. el último traía la “novena”. digo. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. Pablo Milanés. Pasé algunos años añorando oírla. por supuesto que en un disco LP. 9 en Re menor de Beethoven. el saxofón de John Coltrane. Yo. con mi esposa Érika. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven.que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. Toda la obra me impresionó mucho. Silvio Rodríguez.desapareció para siempre de mis manos. Me gustan los boleros de Manzanero. pero creo que el cuarto movimiento. Puccini. lo hizo mucho más. el coral. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos. la trompeta de Miles Davis. 6 . las baladas que canta Marco Antonio Muñiz. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No.

7 . Réquiem. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad. uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado. Incluso. tan característica en el Jazz. A Beethoven lo admiro mucho.Son muchos los músicos. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo. lo insinúa. sus pasajes épicos. lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor. lo recrea. A thousand autumns. que en mi entierro me pongan Cassandra.si me muero. es una improvisación muy melódica. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo. la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis. sus frases musicales de tristeza. a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. su desesperación. Branford tiene un don increíble para la interpretación. Y también posee una gran destreza para la improvisación. lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. Me gusta su energía. me gusta como juega con el tema principal de la composición. su angustia. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. lo desarma.

convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón.Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960). Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis. 8 . separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo.

un par de años después. mejor dicho. Yo compartía esa música con amigos y. ritmos y contrapuntos. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles. me iba a estrellar con fuerza. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos.los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo.UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. más bien. como me lo hacían ver -o. 9 . Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado. pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música. «A day in the life» traía una batería tan novedosa. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos). escuchar y sentir.

como bien lo describió alguien. sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle. como en un plano cartesiano: las negras.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza. las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. Y fue así como de pronto me vi. 10 . dejándome crecer el cabello. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones. junto a otros amigos. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock. que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica. “mechudo”. Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos.

como Serrat. los días y las noches en los hospitales. algo de marimba guatemalteca.Luego cayó sobre mis oídos Queen. se nos rompieron en el camino.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas. La vida universitaria.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. Y de ser un grupo de pop-rock. quizás para peor. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente. Y los sueños. y nuevas luchas me arrastraron.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 . como cada adolescente ingenuo desde los años ´60. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. pasando después por un rock progresivo. Mercedes Sosa y otros.blogspot. pero con canciones originales. también como un alud inevitable. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. de ser como Los Beatles.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10. Yes y mucha música popular latinoamericana. Silvio Rodríguez. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara. con un aire folklórico. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular. por senderos donde. con un aire de son. caminando cada quien hacia su propio destino. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel. y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos. sin darme cuenta.wordpress.com/2007/09/sargent-peppers.files.wordpress.

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Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente. en sus arreglos musicales. Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares. sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos).TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. Lo mismo pasa con algunos cantantes. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. La de Pablo Milanés dura 8 minutos. Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. «Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte. y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. 13 . Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos.

He aquí un fragmento del poema en cuestión.Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. el cual es muy conmovedor. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar. tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. Dura ocho minutos e inicia con un piano. Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte. botija. sino que también oír el tema del poema. así sin puntuaciones. La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. Aparece la tortura como un macabro fantasma. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . lento y sobrio. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta. Es una historia muy compleja. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable.

La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita. La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España.Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico. En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 .“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés. es una combinación muy original. El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado.” 2.

la llama persa del ciprés. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. Iberos y romanos. Y el musulmán lo perdió todo. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. moros y cristianos. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . la plata del olivo griego. el sueño y la heredad.“Mil años hace que el sol pasa. en nombre de la cristiandad. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. En paz descansen esplendores de amor. cortes y trovadores. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. la casa. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. que habla de diversos temas. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. dueños del camino del mar. «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. fenicios y godos.

«La despedida» y «Buena estrella». No te metas. “Argentina. Don Segundo y Martín Fierro. la barbarie y los modales europeos. Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. delirante. el país de los inventos. Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia. «Tu sonrisa inolvidable». Pero no se detiene ahí. consta de 12 canciones: «Abre». con mucha creatividad. «Al lado del camino». Los cadáveres se guardan. no se esconden en el río. Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”. No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. El álbum ABRE. la frustración y algo de la personalidad del argentino. con ironía. Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra. aprovecha la ocasión para retratar la tristeza. algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. «Ahí voy». que dura 11 minutos con 29 segundos. en 17 . con rítmicas palabras que por momentos se atropellan. Fito Páez. en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. «Desierto. Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento. «Habana». Y hubo una fiesta de todos. «Dos en la ciudad». Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). «La casa desaparecida». «Es sólo cuestión de actitud». pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. Argentina. Lo hace con audacia. que vio la luz en 1999.frustración de los argentinos. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. embriagada. «Torre de cristal». Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza.irreverencia.

simplemente fui un muchacho hedonista. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. por el odio más brutal descuartizadas. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo. pero puede ser muy divino… ”. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor.palacios de memoria ensangrentada. No son sólo las ideas abundantes. te hace trizas. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música. que los hombres van de putas para sentirse varones. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. Gracias papi por las flores. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. tiernas o sarcásticas. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda. en esta última. aun cuando haya palabras vulgares. largas como mil facones. Y tenemos pijas grandes. Yo que nunca anduve en nada. cada día. maten a los maricones. nunca me metí en política. 18 . la Argentina ensimismada. al final de la composición. pega duro. el más fuerte penaliza. Fotografías extraídas de Google. Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida. Vale la pena oír todo el álbum. Y. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. Nada personal.le pone un sabor rioplatense único. Muy recomendable. por las reivindicaciones. el bandoneón -que no podía faltar. «Buena estrella» y «Habana». pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida».

El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte.BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002. De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado. Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis. constituida por cinco números especiales: «So what». el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. «Blue in green». el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días.” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. « All blues» y «Flamenco sketches». ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos. «Freddie Freeloader». El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. el piano por Bill Evans. el saxofón tenor por John Coltrane. 19 . época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana. Es relativamente corta. Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001.

20 . es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. excepto en «Blue in green». Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical. De izquierda a derecha: Coltrane. sin pedantería técnica. Davis y Evans.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto. Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno.youtube. melódica y triste.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. con una sensualidad inherente. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas. Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto. La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia. llenas de vida y de fuerza. una verdadera joya que ya es parte de mi vida. “Cannonball”. muy bien tocado pero sin querer robarse el show. Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. pueden seguir este enlace: http://www. Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas.

org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .creativecommons.(1) http://es.wikipedia.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search.creativecommons.com/musicos/miles/davis_kindof. Perfiles: http://www.org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.tomajazz.

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de George Benson. «Golden slumbers» o «Here comes the sun». 23 . aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road». Y es que.EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte. Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. como en una cadenita. El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. de The Beatles. como «Something». Portada del álbum «Abbey road». como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together». de George Benson. es decir. hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». había sido grabado antes que el «Abbey Road».

También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones. como «Something». que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». con ese arreglo tan bien hecho. (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). también están llenas de mucha originalidad. cantada por Paul McCartney. en el año de 1969. es decir. que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado. con ese fondo de cuerdas tan elegante. después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra. y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. George Benson siempre ha sido un improvisador genial. Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. con lo cual se siente su fuerza jazzística.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. La versión original. es una de mis favoritas del «Abbey Road». lo que 24 . con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. muy musical. Creo que en Jazz. Pero las versiones de Benson.

com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal. como si no las estuviera inventando en el momento. otras grandes figuras del Jazz. entre otros. Participan en la grabación. junto a George Benson. Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road». especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road».com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road. Herbie Hancock y Ron Carter.coveralia. Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun». Me encantan.tiscali.). como Bob James.php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www.jpg 25 .it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. etc.quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas.musthear. interpretada en vivo por George Benson. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines.youtube.com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web.

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después de casi 30 años.SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. pero alejadas en el tiempo. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones. dos colecciones equiparadas en calidad. Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas. pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. Y hoy. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969). lo sigo pensando. 27 . debido al espacio de la cinta. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales. Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. Con el tiempo. el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat. Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. entre los cantautores de habla hispana.

de donde puedo hablar específicamente. porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco. de esta canción Serrat cantó un fragmento. en una película llamada «Palabras de amor». Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones. En El Salvador.que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz. pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales. sólo él y su guitarra. del disco «La paloma»*. Unos con otros nos vamos pasando su música. porque los tiene. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. su letra era nostálgica. llena de amor por lo que se dejaba. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. su calidad artística es indiscutible. 28 . Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo. Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos. pero sin llegar al panfleto. triste. Serrat es un artista relativamente poco conocido.

Fotografías extraídas de: http://www. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro).cancioneros.La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame.com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu. es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. pero la primer canción era La paloma. Joan Manuel Serrat. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros. No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti. que se oye en estos días. superflua y sosa. Antonio Machado y Miguel Hernández. Todos esos discos son maravillosos.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat. un poema de Rafael Alberti. Con tanta música-basura.

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Eso me gustaba mucho. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo. Yo tocaba el bajo eléctrico. Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. la batería Carlos… y.en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana. De todos los miembros del grupo musical. él era el alma del grupo. el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. era de piel blanca. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . Una vez -bien lo recuerdo. bueno. el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria. la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. el vocalista. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran). era Bernardo el que tenía más carisma. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin. ya lo había dicho.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. Pero vayámonos al meollo del asunto.

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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Esa añeja canción. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. como otras similares. coqueteando. tacones altos y labios bien dibujados. tocándose las manos. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”. sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. 35 . junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. unos recuerdos de cosas que nunca he vivido. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. me provocan un “deja vu”. mirándose. pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes. la cual es «Seguiré mi viaje». me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso. ha empezado la liberación del amante. lado a lado.

ambas con un bello acompañamiento de orquesta.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz.la conseguí en un remoto disco LP.com/2010/03/olgaguillot52.jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop.youtube.files.jpg 36 .com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon.wordpress. sin que eso le reste belleza a la canción. de las que les he hablado: http://www.edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto.fiu. una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún. así. con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía. por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza.

Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso. las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. Había nacido un nuevo estilo de Jazz. Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta.LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. Entre 1949 y 1950. fumando. el Cool Jazz. el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical. En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música. 37 . UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos.

creado principalmente por Dizzy Gillespie. refiriéndose a Miles Davis. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso. fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 .Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. flotante que usa cornos franceses. (1) El Cool Jazz es “una música etérea.”(2) El BeBop. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido. describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. Kenny Clark. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos. Ron David. Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40.

en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. (4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». no es un pensador resplandecientemente rápido.” (3) ** Más adelante. son pensadores imposiblemente rápidos. The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 . especialmente Bird. “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». Después de escucharlos unas pocas veces. te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. a diferencia de Bird y Diz.rápido que tocan Diz y Bird. Miles. lento y tranquilo que cualquier otro. en 1957. Pero es un pensador profundo. Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave.

que es triste. Buenos Aires. “The best of Miles Davis/Gil Evans”. 1997.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 . Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www. «The best of Miles Davis/Gil Evans». y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. “Jazz para principiantes”.contrapunto. Y luego. 58 (3) Ron David. pero ya acercándose al final de la composición. 1998. 140 (2) Ron David. p. Thames and Hudson Ltd. incluyendo a Miles. p. p. Errepar. un disco necesario. todos los vientos metales. “Jazz”. London. Argentina. «My man´s gone now» (Gershwin). Argentina. 58 (4) Bill Kirchner. 1998. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein.sv/index. “Their 40-year friendship”. Buenos Aires. 1998. (1) Mervyn Cooke. “Jazz para principiantes”. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. Errepar. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio. «Summertime» (Gershwin).Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin). todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad. p. «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans).com. lento y apacible.

intercalándose con diferentes instrumentos musicales. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan.cantantes muy buenas en este género musical. como lo decimos en español.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. Simplemente son geniales. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello. es decir. 41 . Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”. que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra. por ejemplo. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia. Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra. Excelente interpretación.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. como el saxofón o la flauta. Esto es algo muy difícil de hacer. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. o. Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo.

en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. Fotografías extraídas de imágenes de Google. que alcanza. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista. pero sólo por unos compases.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney. niveles casi alegremente orgásmicos. estas dos féminas asombrosas. Un beso respetuoso para ambas. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos).En «Blue skies». lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. cantada por Ella. Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta. 42 .

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

por ser antiguos cantos que ya son eternos. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal. Yo canto. desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde. 46 . libre y denunciador de las injusticias. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia. trabajadora. ensalzador de la música. pero no sumisa. Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos. Pueden su rostro manchar. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. Se puede matar a un hombre. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos. respetuoso de su “paisanaje”.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. Ambientalista. su guitarra chamuscar. y al calabozo tirao como tarro al basural. El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón.

Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda.¡Pero el ideal de la vida. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. O puedo compartirlo con 47 . A Atahualpa Yupanqui. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. mas. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. cuando regreso a escucharlo. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. como granitos de maíz siembran los peores ejemplos. y se viene abajo el templo de la decencia del país. El estanciero presume de gauchismo y arrogancia. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. Mas. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura.

dignidad y espíritu de lucha. Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. 48 . silencioso y con ávidos oídos como yo. Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. se transporte a un mundo gauchesco.alguien que también. pobreza. de honor. Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás.

com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. la intencionalidad del tono. No dejes que tus labios hallen mis once letras. pan. Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas. he amado. Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www. Tengo sueño.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org. lágrima. la fatalidad de lo clandestino.com. tomado dehttp://amediavoz.google. he ganado el silencio.cancioneros.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 . tormenta.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo.com/dalton. el mundo externo e interno del ser humano. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre. No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo. Pronuncia flor.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”. con la música y la palabra. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar. abeja.

50 .

como Víctor Tomasino. entre otros.3 FM. «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador. Chamba Elías. Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 . con repetición los domingos por las tardes. Óscar Alejandro y Ricky Loza. «Perfidia». «Wave». Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. el programa “All that jazz”.ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. Neto Buitrago. 103. que se transmite todos los martes a las 13 horas. conducido por Carlos Bautista.

En primer plano Neto Buitrago 52 . pero se están perdiendo de un grandioso placer. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores. claro que sí los tenemos. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador. Las condiciones en general no son muy adecuadas. sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general. lo cual no es un pecado. Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte. Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones.

Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. Y felicitaciones también para Carlos Bautista. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León. 53 . la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams». es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte. quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador. excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza.

54 .

Mercedes Sosa y Gustavo Cerati. 55 . Mercedes Sosa (1935-2009). la cantora de Latinoamérica. Y sin embargo. siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas. sin perder su esencia.ZONA DE PROMESAS.

¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas». de Soda Stereo. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas». porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 . esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza. Joan Manuela Serrat.Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores. un arco iris de voces y ritmos. La letra de esta canción es muy bonita. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”. que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación.

html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción. Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati. escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar. dijo Maradona. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. Quiero regresar solo a besarla. Y además. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. Tarda en llegar. y al final al final hay recompensa. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”. y no de poco interés es también la reacción de él. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero. al enterarse que ella había dicho eso. perdí una batalla. 57 . No está mal ser mi dueño otra vez.Cerati. Murió la diosa de la libertad. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. por mi lado.com/2009/10/gracias-la-vida. sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. que respetaba mucho a los otros artistas. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. Yo. Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras.blogspot. En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati.

Mamá sabe bien. pequeña princesa. No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme. 58 . Se bucear en silencio. cuando regresé todo quemaba. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas.

Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb.com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www. en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa.Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.youtube. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009. Foto de la portada del disco “Zona de promesas.youtube.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez. durante el velorio de Mercedes Sosa.youtube. y hace otros comentarios más:http://www.taringa. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 .com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www.com.youtube.youtube.

60 .

And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”. Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone. 61 . le imprime un ritmo latino. A little shy and sad of eye. but very wise was he. con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. La hija de Nat King Cole. They say he wandered very far. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas. al final. He oído muchas versiones de ella. La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho.youtube. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida. very far over land and sea. a very strange enchanted boy. Natalie Cole. con el bellísimo acompañamiento de una orquesta.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. porque es una interpretación vocal muy bien hecha.

jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.edu/35th/founders/images/nataliecole.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.youtube.Video de “Nature boy” http://www.nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .unf.com/concert-reviews/images/band_pics/1123.allthegigs.sing365.com/music/lyric.

Neto Buitrago (tumbadoras y batería). Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. como es la música. De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. Chepito Paiz (batería y tumbadoras). Proyecto Acústico. teclados y dirección musical).PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador. donde ha tenido un desarrollo muy variado. Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). en el siglo XIX. El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América. 63 .

64 . La Luna. tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. Casa y Arte.Pues bien. el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa. en el corazón de San Salvador.

pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo.Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz. Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 .

que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz. ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño. con los ojos cerrados. 66 .Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. Todos estos músicos son viejos lobos de mar. improvisa jazzísticamente con su guitarra.

ambos en la guitarra. como la salsa. la música académica y la música de corte folklórico. También Chamba Elías y Mario Romero. el rock. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero. tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas. Neto Buitrago 67 .sino en otros géneros musicales. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien.

que toca el bajo de una manera excepcional. Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica). incluso.Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. 68 . quienes en una ocasión. increíble. un joven músico con apenas 20 años de edad. se intercambiaron los instrumentos.

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

70 . presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. por su parte. Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. Carlos Romero.Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público. por su expresividad y variedad.

sin abandonar nuestra identidad cultural. subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. 71 . Al final del concierto musical. quien interpretó “Afro blue”. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales.porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical.

youtube. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico. Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO.youtube.y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu. He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 .Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www.

al contrario. ¡Órale.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. -¡No! -le respondí inmediatamente-. mejor conocido como Cri Cri. que supuestamente van dirigidas a un público infantil. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. el grillito cantor. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . Sus composiciones. tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas. -¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar.

JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. Mocedades. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. la diferencia de clases sociales y la discriminación racial. La lista es casi infinita. pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. Pedro Infante. pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero». no sabe con quién trata. pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. salidas de un corazón muy observador y sensible. Emmanuel.pequeños. entre otros. La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras. Miguel Bosé. araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». «Parece. la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . «Soy la reina. igualado bigotón». Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». Cortado entró el jicote. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea». Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. Me gustan casi todas. parece que no sabe. Sus palabras suenan muy sinceras. Ana Belén. alguien le quiere hablar». compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas. por ejemplo. humilde de condición. Víctor Manuel. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. auténticas. Eugenia León. como Plácido Domingo. también me gusta mucha «Chinescas». puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero».

la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». ese prieto barrigón». pero ya vio que no». La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal. pero a según las leyes del país 75 . A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. parece que no sabe. La sociedad sin clases la creí. Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey.no cuadra con mi amor». «Soy la reina. «Parece. no sabe con quién trata. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. porque su afán es que se ha de casar con un emperador. Silencio quedó el jicote con tanta humillación. Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor.

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero. Smoke en 1981 79 . Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis». tocar «Necrópolis». con todos sus cambios de ritmo.Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. armonía y melodía era todo un reto. Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES.

se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. David. los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país. Aunque teníamos varias cosas en contra. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. buscando sus ritmos. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país.En un punto en el que el grupo SMOKE. por ejemplo. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. debía ser música popular. que luego se extendió a lo caribeño. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. que no aparece en esta fotografía. como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. pero la calidad tenía que imponerse. 80 . Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. su armonía. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. Gustavo Pineda. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. su idiosincrasia. allá por 1984. De izquierda a derecha: Mario Romero. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces.

En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. Carlos Romero y Chepito Pineda. la concertina.como la guitarra. la caramba. las congas. los timbales. la chirimía. la marimba. 81 . el violín. quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. etc. el contrabajo. la quijada de burro.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. las maracas. el cuatro. Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. Juan Carlos. las tumbadoras. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe.

Nacido en Atiquizaya. entre médicos. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. quien no tocaba con el grupo. tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo. que estuvo pocos días. Juan Carlos Flamenco. fue David (de cuyo apellido –lo confieso. así como en Guatemala y Estados Unidos.no me acuerdo). así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya. 82 . provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. Carlos Romero. Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. cuenta una leyenda popular.ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador. También. sino que bailaba en ciertas canciones. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. José “Chepito” Pineda. Otro miembro. ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. de la estirpe de los pocomames. Otto Hugo Urrutia. que Zunca se llamó un príncipe precolombino. que no tocaba. todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya. ingenieros y licenciados). excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León.

Toñito (el cipote de Santiago). Danza del requise. 83 . Cada vez. Hubo varias circunstancias. La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. luego inicia la guitarra. la marimba y el contrabajo de Zunca. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. El indio Anastasio Aquino. corazón. cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. El negro Nayo. María Blanquita. La esperanza. He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. El samangueón. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. el violín.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. El debercito y La libertad de mi pueblo. Quiero que sepas. Esa morena. es una tonadilla típica de Costa Rica.

6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986. corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. 84 . La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. Hay dos versiones aquí. Nos invita a pelear por un mundo mejor. 5. Chabelo. le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. quien era un gran pitero. de nuestro querido escritor Salarrué. El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña. además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino. 13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). perteneciente al libro “Cuentos de barro”. 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. Pieza instrumental. Esta composición musical tiene. 11-Quiero que sepas. pero su letra fue extraída de un poema anónimo. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador. 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador. escribió Salarrué).El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. para mí.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. casi todas las características de un himno.

pero que en el poco tiempo que existió. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve. Sin embargo. que era muy vistoso. de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día. ¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. Sonsonate. pero el adorno de los hombros y el pecho. era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco. 85 . mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó.

gran aporte. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. pienso. salía de nuestro joven y rebelde corazón.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. sino también por la presencia escénica del grupo. siempre de esperanza y paz. andaban otros grupos.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos. pero no tocaban música original. poco tiempo de vida.” JUAN CARLOS FLAMENCO. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios. nada estaba de más. en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos. el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos. “Oscar. aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”.2. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca. es que todo lo que hacíamos. y nosotros. Pero lo más importante y trascendental. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad. 86 . en los textos. Un abrazo Oscar. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares.

Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet. entre otros. «They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. la canción se volvió aún más querida para mí. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente. Al ir entendiendo su letra. Y con el agregado que en la grabación participaron. en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo. Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. Todos estábamos profundamente 87 . víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio. escrita e interpretada por Sting. que me agrada más que la que hizo con The Police. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. Una cosa es leer acerca de la tortura.

El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. Danzan con sus esposos. serían desaparecidas también. de la policía y la fuerza armada. Danzan con los invisibles. Ellas danzan solas. 88 . Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. Danzan con sus hijos. A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas. es ejecutado públicamente por las esposas. Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. sino practicada. Y si ellas hablaran. Ellas bailan con los desaparecidos. Bailan con los muertos. Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». víctimas de los escuadrones de la muerte.afectados. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena. La «Gueca solo». hijas y madres de «desaparecidos». danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. Danzan con su silenciosa angustia. Danzan con sus padres. o el baile solitario. de las fuerzas de seguridad.

Otra mujer en la mesa de tortura. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. usted ha sembrado una amarga cosecha. Piense. “Un comercio amargo de muerte. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra. En 89 . se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis. ni salario para los torturadores. “a países que ellos nunca habían visto”. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. todas esas jóvenes vidas traicionadas. «Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. Es el dinero extranjero el que lo sostiene. Las dos grandes potencias mentían. Un día ya no habrá más dinero. señor Pinochet. señor Pinochet. ni presupuesto para sus armas.

ciertas partes la letra de la canción es irónica. 90 . Compartimos la misma biología. Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos». El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos». sino por la profundidad de sus letras. “En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting. Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. L. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. P. Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. En otras dice verdades espeluznantes. Yo no me suscribo a este punto de vista. condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. Yo no me suscribo a este punto de vista.

a don Francisco Antonio Lara Hernández. 91 . Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. conocido popularmente como Pancho Lara.PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí. Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales. Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara. por pura casualidad. El Dr. Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador.

Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». jurisdicción de Santa Ana. marimba.Pues bien. Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta. pero fue asentado en la ciudad de Armenia. en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Sonsonate. en San Salvador. se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. Guitarra de Pancho Lara 92 . el 03 de diciembre de 1900. Aprendió a tocar guitarra. piano y mandolina.

«Jayaque» y «Las cortadoras». así como 24 prosas poéticas. como «El carbonero». sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. porque las reconocen como propias. nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente. Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros. hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad. Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales. como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. sus composiciones son muchas.Sus composiciones musicales más conocidas. Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 .

algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. por lo que ella le escribió una carta de disculpa. era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social. “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica. uno de nuestros más grandes literatos. de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto. escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 .

señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. temperamento poético y enamorado del terruño.” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. nuestra más elegante poeta.“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. el corazón de Cuscatlán. sin querer casi. “Espíritu fino. oiga a Francisco A. diafanidad y sencillez. Lara con el oído (no con las orejas). creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. al opacado niño de Cuscatlán. nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. sin precio. es un milagro que Lara ha hecho sin fama. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. corazón ingenuo y modesto. sin truco. “Hacer canciones al niño triste. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. pues que se sepa.

” (2) 96 . y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.nuestros días.

php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica.Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba. 97 .com/biografia. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original. la música. porque eso hará más grande a nuestra patria.pancholara. (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www.

98 .

con quien me une un lazo sentimental platónico. como Adhesivo. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. en San Salvador. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana. cuya voz resalta en Guardabarranco.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. entre rock. así que me perdí de algunos músicos. Empezaré con Guillermo Anderson. Bajo tierra. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. reggue y otros. Pamela Robin y Guillermo Anderson. etc.. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. pero bueno. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson. Hubo también varios grupos salvadoreños. 99 . porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración. musicalmente hablando. Llegué tarde. por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal.

Costa y calor. tierra mía de yuca y caracol. magia del mar. tabaco y ron. sombra de mazapán. maraca. reino que invitas al pelícano a jugar. mango y bambú. tamborista. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. originales. sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. por ejemplo. palmerita que baila yacunú. Escuchar «Costa y calor». noche dulce. calor. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños. muy coloridas. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense. baña mi ser. auténticas. Piel de coco y ojitos de carey. inspiración. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 . Dame tu luz. donde el mar es indiscutible rey. Dios me puso a crecer bajo tu sol. canto de hombres que vienen de pescar.

también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente. guitarra o lo que sea. Carlos Romero 101 . músico muy completo. marimba. compositor y arreglista. como piano. charango.Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. excelente percusionista.

que se encontraban ya impacientes. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación. Pero la cantó muy bien. 102 . pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo. y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. Con dignidad. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. antes de que empezara a cantar. a pesar de las malas presiones. También tiene bastante presencia en escena. cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima. le gritaron groserías a la fémina artista.*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada.

no sé cuándo. 103 . Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. en la parte que dice “No sé cómo. yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. Pamela se robó el show. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. no sé dónde. No sé cómo. la dulzura y. Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. estar aquí en el aire sin ti.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. pregunté cuándo vamos a llegar. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad. Y la noche del concierto no fue diferente. de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo. no sé cuándo. Porque es tan difícil. al mismo tiempo. junto a mí. como a un ángel. es tan difícil.

Pamela Robin: una voz exquisita. como “Love of my life”. estoy seguro que ella lo haría excelentemente.La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo. Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales. 104 . a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury. “Dear friends” o “Lily of the valley”.

*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. Muy bien ensamblado. 105 . Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. Y me refiero a El Ático. por ejemplo. Un rock interesante y bien tocado. un grupo de rock progresivo muy bien coordinado. que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto. Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). De verdad que oírlos es un placer extremo. uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). era el grupo británico YES. Afinados. La base rítmica muy bien asentada. La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock.

Muy entregado. Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. teórico y práctico. en cada parte de las composiciones. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos. con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento.El batero no podía ser mejor. Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo. 106 .

Ciertamente disfrutaba de su instrumento. Se le veía tocar muy suelto y seguro. 107 .El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión.

Limpio en su toque. Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales. Muy hábil. pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock. 108 . positivo en su propósito. con delicadeza al tocar solos lentos. Los acordes siempre bien armados.El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. Rápido al ejecutar escalas. Se observaba tranquilo.

El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música. un trío con gran calidad. El Ático. 109 . en pocas palabras.

Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo. Fotografías: Óscar Perdomo León 110 . Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson.

en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. mas pensemos relativamente). Atiquizaya. de los discos y de los hermanos.MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad. con muchas dificultades. lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. las gallinas. Yo aprendí mucho de ellos. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. Mario y Carlos. en donde yo vivía. Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos. de 1977. de 1974 y «News of the world». cantando como sólo lo harían los dioses. No parábamos de oírlos y oírlos. Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. el «Jazz». Yo quedé verdaderamente fascinado. de 1979. nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. Un par de semanas después traían otro disco de Queen. de 1978. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. Y empezamos también a tocar 111 . que sólo saben cacaraquear. un concierto grabado en vivo. «Sheer heart attack». los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción. era «Queen live killers». mujer u hombre. Luego mi mamá me compró.

mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. su hermano Carlos la batería. pero bueno. . Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. Lo que hoy quiero decir es que para mí.e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. 112 . su nombre es Freddie Mercury. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro. esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. una búsqueda de la raíz latinoamericana». el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió.

dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía. También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. que no el único. llena de ternura. Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. Su timbre de voz es inconfundible. Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. es «Rhapsody bohemy». De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 . Esto no podemos saberlo con certeza. a las que acompaña con letras interesantes.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. sino también belleza. Hay numerosas melodías de gran preciosidad. Su destreza como compositor inspirado en indiscutible. Y su más grande ejemplo.

la característica y majestuosa –royal. en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». 114 . save me. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música. músicos tocando de verdad. a los 2:20 minutos de la canción. mágicamente tocada por Brian May y escuchar. save me. «Love of my life» o «Somebody to love».guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura. save me. tan limpia y sincera. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. save me. seguidamente. Save me.traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción. Save me. se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar. de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. I´m naked and I ´m far from home. calidad en su más alto nivel. I can´t face this life alone. Oír ese estribillo y caer después.

En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias. por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar. especialmente al verlo cantar. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania. estoy convencido que en algunas ocasiones. porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». pero también en algunas canciones al escucharlo. del álbum «News Of The World. en ciertas composiciones. antes que nada.Quiero decir con énfasis. esa circunstancia le favorecía. 115 . Es más. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas.

como Elton Johnn. titulado «Made In Heaven». (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. Roger Daltrey. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”.” (4) 116 . Grabó 16 discos originales con Queen. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. David Bowie. también grabó el álbum «Barcelona». “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda. Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991. George Michael y Liza Minnelli. Estrellas del firmamento pop y rock. se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido.Durante su niñez inició sus clases de piano. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo. Brian y Roger. en 1987. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. “En noviembre de 1995. Guns N´ Roses.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. Robert Plant. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). Seal. John. Metallica. de una bronconeumonía. con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes. (1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen.

como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70. Con todo el ímpetu de la juventud. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. Con toda su creatividad enardecida. Esta fue la última vez que posó para una foto. Si Mercury nunca hubiese nacido. el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular.Freddie Mercury en 1991. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza. “I don´t wanna die. 117 . A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. I sometimes wish I ´d never been born at all”. el día de su muerte fue muy triste. escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. * Para los que crecimos con su música.

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“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia. (5) 119 . Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. de entre todos ellos. No obstante. sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre.

tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez.wikipedia.org/wiki/Freddie_Mercury 120 . excepto las fotografías *. http://es.com/biografia/m/mercury.wikipedia.org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen. la enciclopedia libre. a Mario Romero Cárcamo. Y tenía razón. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción.biografiasyvidas.org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló.htm (5) Wikipedia.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen. Freddie Mercury es el campeón. http://es. la enciclopedia libre: http://es. ** y ***. como un todo creativo e interpretativo.wikipedia. pianista y compositor.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie. porque como cantante.html (4) Biografías y vidas.geocities. de su página: http://www. ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo. a mis hermanos Mario y Wendy. siempre pienso en mis años de adolescencia. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. la enciclopedia libre. las cuales fueron extraídas de Wikipedia. (1) Wikipedia. siendo un niño. al Viex. con la discografía completa del grupo. http://www.

tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. el batero Roger Taylor. pero mis discos favoritos son seis. la reina del rock. Muchos de los temas de Queen son. pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música. bueno. Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas. Empezaré en orden cronológico. lo que podría llamarse rock-pesado. 121 . él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. Hace unos días escribí «Mercurio». Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. Sobre Mercury. como todo. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock.

El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia. «My fairy king». con un ritmo rápido. «Liar». cambió los vientos y dañó las 122 . la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda. pero que al ser escuchados hoy. el piano y la guitarra acústica. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». «The night comes down» y «Jesús». ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo. me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal.El disco «QUEEN» de 1973. los cambios de ritmo. Pero de pronto toda la fantasía se rompe. el primer disco del grupo. las abejas han perdido sus aguijones. son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». los dragones vuelan como gorriones a través del aire. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. en retrospectiva. El juego de sus voces. son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. «My fairy king». lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila.

como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye». en todo se ve un trabajo minucioso. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. “Ayer mi vida estaba en la derrota. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. «Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. que salió al mercado en 1974. Hay un tiempo para esperar la salida del sol.es algo que enriquece la obra. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas. El «SHEER HEART ATTACK».” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. que si bien es cierto 123 .mareas. Madre Mercurio. Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano. la percusión y el bajo. en la composición y en la interpretación. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco. Ahora sé lo que estoy haciendo. Y ritmo.

dame tu auxilio aunque sea por un momento. que nos anuncia el final.nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. breve pero sustanciosa. que han sido cuidadosamente hechos. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. aunque se llame igual. quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya. no la letra. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables. Las guerras nunca cesarán. que Queen enfatiza con sus voces. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. «Dear friends». avanzo a través de cielos tormentosos. que la hace una pieza inigualable y de gran belleza. Yago en espera con los ojos abiertos. porque el lirio del valle la ignora. sigo cada maldición. porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico. Serpiente del Nilo. La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods». «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. y también debido a su rara y original melodía. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. «In the lap of the gods».” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. cantada con una pasión exorbitante. desde el punto de vista musical. sino musicalmente hablando. en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal. que aunque es verdaderamente corta tiene. que no es la misma que mencioné antes. 124 . El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono.

que esta es una de las mejores de todo el disco. entre el rock y la ópera. La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. Incluye una variedad de 125 . que ya es un clásico. «Love of my life». la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial.En este disco también están las famosas «Killer queen». La melodía es bellísima. Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. Iniciando con «The prophet’s song». el perfeccionamiento. Esta colección de composiciones es como la elevación. sacado al mercado en 1975. «Rhapsody bohemy». En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. «UNA NOCHE EN LA ÓPERA». «Now I´m here» y «Brighton rock». El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional. es su cuarto disco grabado. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas.

Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días. que está fluidamente unida a la primera parte. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. explosiva. «Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen. operística. y la quinta y parte final es lenta y triste. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música. Todas las grabaciones son muy buenas. Sin duda. 126 . bastante elaborada. como una especie de desahogo melódico. Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas. Hay varias melodías rondando en toda la obra. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. la cuarta es la parte más típicamente rock. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. pero resaltan también «Your my best friend». la tercera parte es la meramente coral. la segunda es una lenta balada de rock. pero siempre sazonada con unos toques de música académica. con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal.

Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar.«NEWS OF THE WORLD». lanzado en 1978. por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado. «Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio. all dead». quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. «All dead. séptimo disco. Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». le escucho más alma). la mejor de todo este álbum es «We are the champions». 127 . Del «JAZZ». el sexto disco grabado. ¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender. habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia.

De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen). 128 .«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980. Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen. «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love». Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust». Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen. Su portada plateada es inolvidable.

¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia.wikipedia. (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock. http://es. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León. Lo siento más entregado y brioso. más impresionante en sus composiciones.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar. El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”. De cualquier manera. la enciclopedia libre. 129 . sino. con la discografía completa del grupo. Queen es un grupo que nunca será olvidado.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora.

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TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. aunque pesa –para mi agrado. Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo. este disco engrandece la música cubana. un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. no sólo en sus letras sino en la música.más lo primero. arpa. él solo lo llena todo. es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano. 135 . Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra. chelos. Se escuchan violines.EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». piano y otros instrumentos. pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música. La poesía está presente en todas las canciones. No estoy en contra de lo moderno. corno francés. todo en una soberbia conjunción.

es una firme invitación a escuchar todo el disco. La voz de Silvio encaja con maestría. los referiría a escuchar la segunda canción del disco. Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado. que se llama «El baile». innegable. cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar. Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». 136 .La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas. La primera canción «Totí». La trompeta y los violines. toda la orquesta está en su lugar. para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia. «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder. el cuatro cubano y la flauta. «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico. Es una composición finamente arreglada. que se refiere a un pájaro negro cubano. Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. su belleza es inherente.

«Mancha». «Tiempo de ser fantasma». «Hace no sé qué tiempo ya». «EXPEDICIÓN». un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN». a mi corazón. poesía en las palabras. Las otras canciones del disco son: «Fronteras». «Quédate». «Anoche fue la orquesta». «Amanecer». 137 . poesía musical.Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco. Imágenes extraídas de Google.

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139 . pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD. un año prácticamente después de su muerte.CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. No tuve la dicha de presenciarlo en vivo.

140 . de la Ravi´s Orchestra. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles. Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella. incrustada admirablemente en una armonía sencilla. y las que él hizo como solista. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python. aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas.El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. quien además tocó un solo de cítara. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. en uno de los cuales por cierto participó. Luego aparecieron uno tras otro. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. el famoso actor Tom Hanks.

cantada por Clapton. que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. la viuda de George. Luego siguieron «Old brown shoe». y a su hijo Dhani. tocando una guitarra y haciendo coros. (Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». El concierto. «Give me love» y otras más. Luego siguieron con «If I needed someone». cantada por Jeff Lynne. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you». demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). 141 .Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison. siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica.

Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones. 142 .Cantaron también Jools Holland. pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman». Sam Brown y Jim Capaldi. Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también.

143 . Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados. Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back».Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. ya más maduro y genial. Preston grabó en los años ´60 con The Beatles. fue muy placentero. de Ringo Star y de Paul McCartney.

Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos.Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie. «Photograph». Cantó dos canciones. mostró su simpática personalidad. Ringo. La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins. como siempre. 144 . Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. una de ellas la compuso con George. hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público.

violas. 145 . etc. Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue». McCartney tocaba el piano. En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas). la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines.). Después Paul cantó «All things must pass».Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva. pero con más estruendo. Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something». El público se puso de pie nuevamente.

Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto. Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown. cantada magistralmente por Billy Preston.Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados. Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. Un manjar para los amantes de la música. 146 .

Por su lado. Doris Day y Ella Fitzgerald. Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. entre ellos. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción.TE VERÉ EN MIS SUEÑOS. También ha sido usada en una película del mismo nombre. 147 . Joe Brown. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. por mencionar algunos. están Louis Armstrong. Joe Brown. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. Pat Boone. nacido en 1941. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924. interpretada por Joe Brown.

He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. instrumento del cual. agregando unas líneas a la letra original de la canción. «Isn’t it a pity?» o. como por ejemplo «Something». Pues bien. Lips that once were mine. la que le dedicó a John Lennon. La belleza de las melodías que componía es innegable. que creo será recordada por muchos años. hold you in my dreams. tender eyes that shine. hold you in my dreams. tenía varios.Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. they will light my way tonight. still I feel the thrill of your charms. I’ll see you in my dreams. Lips that once were mine. utilizando un ukelele para acompañarse. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. still I feel the thrill of your charms. esa noche del concierto-homenaje para George Harrison. they will light my way 148 . según ha dicho su hijo Dhani. «All those years ago». Someone took you out of my arms. para mencionar algunas. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams». Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele. tender eyes that shine. Someone took you out of my arms. y dos. Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. I’ll see you in my dreams.

uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA. Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long. Soon my eyes will close. twilight sings a song.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 . Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams.com.ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images. me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison. Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video.tonight.google.com/letras. I’ll see you in my dreams.com. I’ll see you in my dreams. Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”. I’ll see you in my dreams. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá. al introducir ese lindo fragmento de letra.aol. all the happiness that used to be.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images.co. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano.COM http://www.musica.google.

150 .

la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. La primera obra fue la «Sinfonía No. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. conducidas por Irving Ramírez. director asociado. miembro de la 151 . de una belleza poderosa. hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. que duró más de un minuto. cello y orquesta en La Op. con nuestras cuatro hijas. asistimos.BRAHMS. 8 en Fa Op. 102» de Johannes Brahms. al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. ¿Y Brahms? Bueno. En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. de San Luís Talpa. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. el violinista y el cellista. 93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. por su lado. Se presentaron dos grandes obras musicales.

lleno de un talento innato. asesinado hace apenas unos días. el joven era una verdadera promesa musical. Op. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No.Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . 3 en Mi bemol mayor. obra conocida como «Heróica»). también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. Según se dijo. en la tuba que era su instrumento. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. En problema de la violencia es muy complejo. que incluso había tocado en diciembre pasado. 55». la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski.

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 . La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos.talentos y creando fuentes de trabajo. Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes. similares a los de la época de las cavernas. en pocos años más seremos una horda de salvajes.

154 .

Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. Sus palabras salen del corazón. He ahí la clave de su popularidad. La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas. pero son las excepciones. sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas. pero muy llenas de emoción. Pero además.LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao. Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita. La voz líder 155 . Por eso su música tiene aún gran actualidad.

etc. «Otra vez». cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador. El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 .. El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes». «No basta rezar». «Perdóneme tío Juan».Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral. porque recordé que en los años ochenta.

Érika y yo. aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado. Estuvimos. abrazando la tarima. El bajista 157 .escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte.

el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes. que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 . por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos. vecinos y hermanos. Es más. Yo.La gente estaba emocionada de oírlos. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria. Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. ideologías políticas.

159 . excepto la última. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. una foto final con el percusionista.Después del concierto. tomada por José Alfaro.

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Todos ellos me han tocado el corazón. «Al jardín de la república». 161 . Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. «Como la cigarra». Nunca he estado en Argentina. Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui. pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez. No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. etc. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. Con ella se muere una parte de mi pasado. como era conocida en su patria. «Inconciente colectivo». a Leonardo Fabio y a Sandro. «Alfonsina y el mar».GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar.

Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos». A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años. ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica. Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra.pagina12. que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos. que hasta me parece un sueño lejano. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www.com.No todos los días se nos va una cantante de verdad.ar 162 .

dirigida magistralmente por German Cáceres. pero principalmente fue compositor. presentando en su música un rostro muy original y profundo. combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo. músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. 163 . interpretando música de Brahms.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador.

En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. Tchaikovsky. Beethoven. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. 4 en re menor op. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. de estatura media y escaso cabello blanco. Y la segunda fue la “Sinfonía No. En esta última ya no participó Silverstein. Ha interpretado a Mendelssohn. el tocar dos cuerdas al 164 . ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Silverstein. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. Vivaldi. Brahms. entre otros. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. compuesto por Johannes Brahms. Schumann. Barber. Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad. de Robert Schumann. Dvorak. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. 120”. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición). Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. Su destreza tocando el violín fue tremenda. La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”.

Robert Schumann 165 .mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. Al final de la obra musical de Brahms. el público ovacionó de pie a los músicos. Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein.

Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones. pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños. la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente. quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo.En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856). 166 . tanto como intérprete (era un gran pianista. como director invitado. dedicándose en su madurez especialmente a la música. un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres.

jpg 167 . Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país.mystfx.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www.israbox.com/uploads/posts/1177498732_face. tan bañado con sangre de inocentes. el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece.ca/academic/modern-languages/German/brahms. podría salir adelante. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia.

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continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO. montar y ejecutar esta pieza artística. el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. 169 . Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir. EL MUSICAL.DON BOSCO.

como el párroco. secretario del Cardenal.La obra fue espectacular. como mamá Margarita. 170 . así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. como el espíritu maligno. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. Ángel Rivas. Oscar Guardado. Mercedes López. y Luis Miguel Herrarte. música y las magníficas voces de Samuel Bautista. Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. 22 bailarines y 7 actores de reparto. escenografía. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. Nos encantó mucho Regina Cañas. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora. como el Cardenal. Omar Renderos. quien personificó a Don Bosco. Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. danza. contó con alrededor de 80 artistas en escena.

excelentemente dirigido por Numa Bracamonte. que acompañó a las voces principales.Numa Bracamonte El coro. fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical. 171 .

172 . quien fue el director general. se debió en gran parte a Beatriz Nájera. el éxito de la obra. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas. el diseñador de vestuario y de escenografía.Ovacionada de pie por más de un minuto.

173 . El vestuario. La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia.Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. de buena confección. llenó de colorido y robó las miradas del público. logró que cada personaje fuera creíble. llamativo y acorde a la escena respectiva. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente.

Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales. lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 .Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada. Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística.

en el cual hubo un combinado de narración histórica.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton. poesía y música. 175 .

interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto. a cargo del guionista Modesto López. Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo. El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. para luego interpretar algunas de sus composiciones. 176 . Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto.Con una muy buena dirección del evento. que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez.

La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy. de Nicaragua. hizo que nos erizáramos. 177 .

La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. de México. fue admirable. 178 .El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. nos dejó impresionados y muy satisfechos. de Honduras.

Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse. Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados. 179 . Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA. verse y de repetirse.

hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad. con la voz del propio Roque Dalton.Entre videos. fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton. hijo del poeta homenajeado. 180 . realizados por Ana Valentina López de Cea. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada.

en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 .Jorge: vos tenés razón.

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fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado. 183 . así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos. Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. en mi cama a muy altas horas de la noche. pero sólo en grabaciones auditivas.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers. Únicamente sabía que eran argentinos. eran un tanto difíciles en aquella época. escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”.los sonara eventualmente en algún programa nocturno. Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado.

Les Luthiers son una combinación de teatro. como si fuera poco. música y crítica social. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar». Y. nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers. son actores increíbles. comedia. Manuel Darío. porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy. Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. de las bromas entre nosotros. Juego de palabras e ideas. Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. Hasta hace poco.Despertaron en mí una admiración hacia ellos. Son comedias finas. gracias a la tecnología y a algunos amigos. relativamente. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini). les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. 184 .

son de nuestros personajes favoritos. de todo y de ellos mismos. se ríe de todos. por ejemplo. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. a pesar de ser tan cosmopolitas. A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. Es importante también decir que ellos. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. el Séptimo Regimiento. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor. Sin embargo para entender y 185 . Escipión. nunca han abandonado sus raíces argentinas. Manuel Darío. San Ícticola de los Peces. la música y las voces son las estrellas en el escenario. Felicia y Abelardo. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor. las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. Esther Psícore. en las luces. como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. es la práctica la que perfecciona las acciones. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. la ironía. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. Es admirable la perfección de sus actuaciones. Mastropiero. Ortega. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural. en donde la risa. ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD.

sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 .com.lesluthiers.google.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.blogspot.3 000.google. Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www.larepublica.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.sv/imgres?imgurl=http://files.r:16.apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental.myopera. la música y el canto.htm Fotografías extraídas de: http://www.com.com.com/pag1.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www.

A quien corresponda. mis favoritas son «Elegía». «Nanas de la cebolla» y 187 . Por las paredes (mil años hace).MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. Historia de vampiros. una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. el gran poeta de la guerra civil española. En esta selección no están todos sus discos. Bienaventurados. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera. Pueblo blanco. como por ejemplo en Fiesta. Antonio Machado y Mario Benedetti. Del disco homenaje a Miguel Hernández. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. por mencionar sólo algunas. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. Sin embargo. Esos locos bajitos. por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. Soneto a mamá. La gente va muy bien. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. Es mi derecho como amante de la música. Cada loco con su tema. «Menos tu vientre».

hielo negro y escarcha grande y redonda. escarcha de tus días y de mis noches. sin lugar a dudas. Y a cabo nada os debo. tu satisfecho. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. quien habla solo espera hablar a Dios un día. nunca despiertes. me debéis cuanto he escrito. triste llevo la boca. Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna. he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero. a mi trabajo acudo. pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. en el buen sentido de la palabra.«El niño yuntero». el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. mi historia algunos casos que recordar no quiero.la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. él triste de cebolla.” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. En la cuna del hambre mi niño estaba. 188 . bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla». con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. mi juventud veinte años en tierras de Castilla. pero tu sangre escarchada de azúcar. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”. son «Retrato» y «Del pasado efímero». debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. casi desnudo como los hijos de la mar. ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. ya conocéis mi torpe aliño indumentario. con sangre de cebolla se amamantaba. hambre y cebolla. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares». Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. No te derrumbes. que también está en este álbum. en plena guerra civil española. me encontraréis a bordo ligero de equipaje. mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. ríete siempre. cebolla y hambre. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. al recibir una carta de su esposa.

y la segunda que es una denuncia de la pobreza. del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar. «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. que era interpretada por ellos mismos. no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». «Mi niñez». De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez». «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático. así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa). en todo caso. la cual es un poema del poeta Rafael Alberti. ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho. de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». pero resaltan «De cartón-piedra». Del álbum Joan Manuel Serrat 1969.la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». «Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas.con una fina ironía. El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. pero también la dicotomía y la contradicción 189 . «Como un gorrión».Del disco El sur también existe. la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. dedicado a los poemas de Mario Benedetti. es un poema del poeta León Felipe. «Vencido». pero la última. las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum».

la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio. que cuatro palos tiene la baraja. toma tu mula. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. 1978. una copla muy tierna dedicada a las embarazadas. supe que lo sencillo no es lo necio. de lejos dicen que se ve más claro. de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. «Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo». «Irene». la flauta y la mandolina. tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. «Cenicienta de Porcelana». que las flores nacen 190 .irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. juro por lo que fui que me iría de aquí. mamá”. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. que no hay nada que hacer. pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. es que perdí el camino de regreso. que no es igual quien anda y quien camina. «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina. de 1974. es una colección muy buena de canciones. que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja. no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». Y supe que el amor tiene ojos verdes. No es que no vuelva porque me he olvidado. tal vez mañana sonría la fortuna. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. que no hay que confundir valor y precio. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». Mis preferidas son «Ciudadano». Y si te toca llorar es mejor frente al mar. En este álbum está «De parto». pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil.

es verdaderamente una obra de arte. la llama persa del ciprés. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné. Que el mar está agonizando. moros y cristianos. el sueño y la heredad. que no hay quien confíe en su hermano. fenicios y godos. en nombre de la cristiandad. He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen. pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. El mundo es de peaje y de experimentar.discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. 191 . la plata del olivo griego. pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. Y el musulmán lo perdió todo. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». la casa. que nadie conoce al vecino. «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. dueños del camino del mar. En paz descansen esplendores de amor. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. Iberos y romanos. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»). Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos». cortes y trovadores. la cual rebosa de optimismo.

Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle. más que del diccionario. se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. Bienaventurados.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. ni que me suba a un taburete. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. Antes que nada soy partidario de vivir…”. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». Su primera canción. hacer a pensar. y un Siux más que el Séptimo de caballería. lo que no tiene es remedio…”. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. por conocer. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. besar a reñir. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». chupando un palo sentados sobre una calabaza. Nunca es triste la verdad. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. la razón que la fuerza. y que es la que le da nombre al álbum. me privan más los barrios que el centro de la ciudad. y los artesanos más que las factorías. la unicidad que hacen es tan 192 .” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». prefiero los caminos a las fronteras. prefiero volar a correr. tomar a pedir. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. bailar a desfilar. y disfrutar a medir. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades. se hace de nuestra medida. ganar a perder. palpar a pisar. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio. amar a querer. el instinto que la urbanidad. toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto.

En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad. imprudentes. es decir que toda causa tiene un efecto. liso y muy bien tocado. que la manada redime su pecado de existir. además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor. en la canción «Mensajes de amor de curso legal». «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. Recién nacido con la inocencia amputada. indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente. sin atender. Niño sin niño. Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. «Bienaventurados».afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. 193 . «Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». niño silvestre que acechando la acera viene y va. Niño de nadie. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra. hacen planes y se dejan llevar por las emociones. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. «Bienaventurados». «Benito» e «Historia de vampiros». he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. presagio de mala muerte. Van buscando los rincones sofocadas las parejas. Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe». La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. interpretado por el famoso cantante Dyango. el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. que es el tema que da nombre al disco.

la cual desde la primera nota envuelve al oyente. hasta explotar en una revolución marxista. «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos. Mis favoritas: «Los macarras de la moral». «El hombre y el agua». lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción. que es un canto a la vida. «Y el amor» y «Disculpe el señor». de 1998. Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. 194 . la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. y Joan Manuel Serrat. Sombras de la china. Y «Fe de vida». un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor. «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica. una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. por ejemplo. en español y en catalán. que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír. «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. (Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. «El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. Soledad Jiménez. Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales.Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José».

Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S). Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 . y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.

2011.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon. ©Óscar Perdomo León.LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados.com 196 .

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