LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
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LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

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Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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de George benson…………………………………………………………..….……….87 Pancho Lara………………………………………………………………………………………….………………....139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)…………………………………………………………………………..…………………………………………………….. Pamela Robin y El Ático)…………………….. el musical…………………………………………………………………………………………..…. Beethoven y la violencia…………………………………………………………………………. de Miles Davis……………………………………………………………….…..….….19 El otro lado del Abbey Road...ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis……………………………………………………………………………………….175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)……………………………………………………………………….27 The Steve Howe Album en Santa Ana…………………………………………………………………….13 Blue in Green.....………………………………………………………….…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 ..121 Tiempos....………….63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler..... una búsqueda de la raíz latinoamericana………………………………………………………….147 Brahms.37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)…………………………………………………...55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)……………………………………………………….77 Tres canciones de Sting……………………………………………………………………………………..….5 Un alud inevitable (The Beatles)………………..……….31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)………………………………………………….…….….….. Cri-Cri)………………………………………………….….135 Concierto para George (George Harrison)…………………………………………………………………..….…………. de Ruben Blades………………………………………………………………………………….…131 Expedición (Silvio Rodríguez)………………………………………………………………………………….73 Zunca.....61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador……………………………………………………………………....35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans……………………………………………………………………….99 Mercurio (Freddie Mercury)……………………………………………………………………………….………....155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)……………………………………………………………………….43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)………………………………………….. Serrat y Páez)…………………………………....169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….. El Payador Perseguido……………………………………………………………….163 Don Bosco.....….9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés.91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson..…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….…...111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)…....41 Atahualpa Yupanqui..51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)…………………………………..….….....…....…151 Los Guaraguao en El Salvador………………………………………………………………………………..161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador…………………..

Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas. Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla). le da un valor superior. ¡de ningún tipo de música!. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad. etc. pues claro que ha empezado por muy mal camino. es decir. pueda entender o apreciar a J.S. socioeconómico. Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico. Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. por ejemplo. No se puede esperar. Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales. Hay otra que puede deprimir un poco. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra. Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. y me parece triste e inconcebible 5 .BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. Bach. que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica. La música también es un lenguaje.

Yo. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven. el saxofón de John Coltrane. pero creo que el cuarto movimiento. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No. pero este disco –que se lo presté a alguien. 9 en Re menor de Beethoven. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. Me gustan los boleros de Manzanero. el último traía la “novena”. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. Toda la obra me impresionó mucho. con mi esposa Érika.desapareció para siempre de mis manos. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos.que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. Silvio Rodríguez. Pablo Milanés. por supuesto que en un disco LP. la trompeta de Miles Davis. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. por mi lado. Beethoven… y la lista es grande. The Beatles. Pasé algunos años añorando oírla. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. Queen. digo. el coral. Puccini. lo hizo mucho más. 6 . las baladas que canta Marco Antonio Muñiz.

Y también posee una gran destreza para la improvisación.Son muchos los músicos. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí. Réquiem. lo desarma. su angustia. que en mi entierro me pongan Cassandra. sus frases musicales de tristeza. a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad.si me muero. 7 . lo insinúa. sus pasajes épicos. Me gusta su energía. uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado. A Beethoven lo admiro mucho. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo. es una improvisación muy melódica. la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor. su desesperación. Incluso. lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. A thousand autumns. lo recrea. tan característica en el Jazz. me gusta como juega con el tema principal de la composición. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. Branford tiene un don increíble para la interpretación.

Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960). separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo. Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis. 8 . convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón.

mejor dicho.UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. escuchar y sentir. me iba a estrellar con fuerza. como me lo hacían ver -o. ritmos y contrapuntos. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos). pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. 9 . Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música. Yo compartía esa música con amigos y. más bien. «A day in the life» traía una batería tan novedosa. Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado.los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo. un par de años después. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles.

como bien lo describió alguien. “mechudo”. junto a otros amigos. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones. Y fue así como de pronto me vi. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock. dejándome crecer el cabello.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. como en un plano cartesiano: las negras. las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. 10 . Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos. sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle. que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica.

La vida universitaria.com/2007/09/sargent-peppers. Y de ser un grupo de pop-rock.wordpress. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara.files.wordpress. y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos. los días y las noches en los hospitales. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular. sin darme cuenta. por senderos donde. de ser como Los Beatles. como Serrat. se nos rompieron en el camino.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas. pero con canciones originales. Mercedes Sosa y otros.Luego cayó sobre mis oídos Queen. Silvio Rodríguez. Yes y mucha música popular latinoamericana. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. con un aire folklórico. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente. quizás para peor. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. pasando después por un rock progresivo. con un aire de son. también como un alud inevitable.blogspot. caminando cada quien hacia su propio destino. Y los sueños. como cada adolescente ingenuo desde los años ´60.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10. y nuevas luchas me arrastraron. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. algo de marimba guatemalteca.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 .

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la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. 13 . Lo mismo pasa con algunos cantantes. Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos. Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. La de Pablo Milanés dura 8 minutos. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos).TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. «Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte. en sus arreglos musicales. sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente. Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares.

Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte. lento y sobrio. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha.Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta. Aparece la tortura como un macabro fantasma. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable. He aquí un fragmento del poema en cuestión. así sin puntuaciones. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . sino que también oír el tema del poema. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. el cual es muy conmovedor. botija. La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. Es una historia muy compleja. Dura ocho minutos e inicia con un piano.

Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico. El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado.” 2. En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. es una combinación muy original. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 . La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España. La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita.“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés.

dueños del camino del mar. la llama persa del ciprés. la casa. fenicios y godos. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . Y el musulmán lo perdió todo. cortes y trovadores. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. el sueño y la heredad. moros y cristianos. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. En paz descansen esplendores de amor.“Mil años hace que el sol pasa. que habla de diversos temas. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. Iberos y romanos. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. en nombre de la cristiandad. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. la plata del olivo griego.

Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza. Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. «Dos en la ciudad». Don Segundo y Martín Fierro. Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia. Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. con mucha creatividad. «Habana». Lo hace con audacia. el país de los inventos. «Al lado del camino». no se esconden en el río. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. Los cadáveres se guardan. Y hubo una fiesta de todos. la frustración y algo de la personalidad del argentino. El álbum ABRE. en 17 . Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. consta de 12 canciones: «Abre». algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. con ironía. «Tu sonrisa inolvidable». Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento. «Es sólo cuestión de actitud». aprovecha la ocasión para retratar la tristeza. «La casa desaparecida». Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”. “Argentina.irreverencia. que dura 11 minutos con 29 segundos. Pero no se detiene ahí. en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. «Torre de cristal». Argentina. Fito Páez.frustración de los argentinos. No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. «La despedida» y «Buena estrella». delirante. a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. No te metas. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). la barbarie y los modales europeos. pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. que vio la luz en 1999. embriagada. con rítmicas palabras que por momentos se atropellan. «Ahí voy». Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra. «Desierto.

en esta última. cada día. Yo que nunca anduve en nada. nunca me metí en política. pega duro. Y. Nada personal. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. Vale la pena oír todo el álbum. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. Muy recomendable. «Buena estrella» y «Habana». maten a los maricones. largas como mil facones. la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música. la Argentina ensimismada. simplemente fui un muchacho hedonista. por el odio más brutal descuartizadas.le pone un sabor rioplatense único. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda. 18 .palacios de memoria ensangrentada. el bandoneón -que no podía faltar. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida. Gracias papi por las flores. aun cuando haya palabras vulgares. por las reivindicaciones. Fotografías extraídas de Google. te hace trizas. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. Y tenemos pijas grandes. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida». el más fuerte penaliza. No son sólo las ideas abundantes. tiernas o sarcásticas. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor. al final de la composición. pero puede ser muy divino… ”. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo. que los hombres van de putas para sentirse varones.

el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002. 19 .BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. Es relativamente corta. «Blue in green». Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis. El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado. El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte. Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001. el piano por Bill Evans. constituida por cinco números especiales: «So what». ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos.” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días. « All blues» y «Flamenco sketches». época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana. «Freddie Freeloader». el saxofón tenor por John Coltrane. el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959.

llenas de vida y de fuerza. melódica y triste. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas. La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia. 20 . Davis y Evans. Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra. Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno. pueden seguir este enlace: http://www. sin pedantería técnica. De izquierda a derecha: Coltrane. es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. con una sensualidad inherente. una verdadera joya que ya es parte de mi vida. Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto. Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. excepto en «Blue in green». muy bien tocado pero sin querer robarse el show. Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio.youtube. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. “Cannonball”. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto.

wikipedia.tomajazz.org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .com/musicos/miles/davis_kindof.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search. Perfiles: http://www.creativecommons.org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.(1) http://es.creativecommons.

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23 . como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together». es decir. aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. Y es que. Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road». El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. «Golden slumbers» o «Here comes the sun». era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte. sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. de George Benson. que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). como en una cadenita. Portada del álbum «Abbey road». de George Benson.EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. de The Beatles. hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». como «Something». había sido grabado antes que el «Abbey Road».

como «Something». Creo que en Jazz. La versión original. Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. cantada por Paul McCartney. después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra. también están llenas de mucha originalidad. Pero las versiones de Benson. (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). con lo cual se siente su fuerza jazzística. con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. lo que 24 . y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». George Benson siempre ha sido un improvisador genial. con ese arreglo tan bien hecho. en el año de 1969. También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. es una de mis favoritas del «Abbey Road». muy musical. con ese fondo de cuerdas tan elegante. que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado. que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados. es decir.

Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun».quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas.).jpg 25 . interpretada en vivo por George Benson.php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www. especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road».musthear. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www. como si no las estuviera inventando en el momento.tiscali. Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road».com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road. otras grandes figuras del Jazz. entre otros.coveralia. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines. como Bob James. Participan en la grabación. junto a George Benson. Me encantan.com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal.it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. etc.com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web. Herbie Hancock y Ron Carter.youtube.

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Y hoy. Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones. lo sigo pensando. debido al espacio de la cinta. pero alejadas en el tiempo. dos colecciones equiparadas en calidad. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales. Con el tiempo. pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas. Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969). entre los cantautores de habla hispana. 27 .SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. después de casi 30 años. el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat.

Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes. pero sin llegar al panfleto. porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco. de donde puedo hablar específicamente. llena de amor por lo que se dejaba. Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones. del disco «La paloma»*. Serrat es un artista relativamente poco conocido. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. En El Salvador. sólo él y su guitarra. pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales. de esta canción Serrat cantó un fragmento. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. su letra era nostálgica. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. porque los tiene. triste. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. su calidad artística es indiscutible. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño.que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz. 28 . Unos con otros nos vamos pasando su música. en una película llamada «Palabras de amor». En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos.

Con tanta música-basura. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros.La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame. Fotografías extraídas de: http://www. es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. un poema de Rafael Alberti. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti. porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat.cancioneros. que se oye en estos días. Joan Manuel Serrat. Todos esos discos son maravillosos. No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América. superflua y sosa. pero la primer canción era La paloma. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro).com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . Antonio Machado y Miguel Hernández.

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Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. Yo tocaba el bajo eléctrico. la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales. el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran). era de piel blanca. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. la batería Carlos… y. bueno. De todos los miembros del grupo musical.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin. él era el alma del grupo. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana. ya lo había dicho.en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . Eso me gustaba mucho. Una vez -bien lo recuerdo. el vocalista. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo. era Bernardo el que tenía más carisma. el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. Pero vayámonos al meollo del asunto.

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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35 . tacones altos y labios bien dibujados. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. unos recuerdos de cosas que nunca he vivido. ha empezado la liberación del amante. sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. mirándose. la cual es «Seguiré mi viaje». me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo. coqueteando. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso. Esa añeja canción. tocándose las manos. me provocan un “deja vu”. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. como otras similares. junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. lado a lado. pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes.

por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza. con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida. una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún.jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”. ambas con un bello acompañamiento de orquesta.edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661.jpg 36 .wordpress. sin que eso le reste belleza a la canción.com/2010/03/olgaguillot52. de las que les he hablado: http://www.files.fiu. así.com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz.la conseguí en un remoto disco LP. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía.youtube. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto.

Había nacido un nuevo estilo de Jazz. Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música. el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. Entre 1949 y 1950. las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos. En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical. fumando. 37 . Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta. Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones.LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. el Cool Jazz.

flotante que usa cornos franceses. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. creado principalmente por Dizzy Gillespie. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso.Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. (1) El Cool Jazz es “una música etérea. Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40.”(2) El BeBop. describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. Kenny Clark. Ron David. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 . fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. refiriéndose a Miles Davis. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos.

a diferencia de Bird y Diz.rápido que tocan Diz y Bird. no es un pensador resplandecientemente rápido. son pensadores imposiblemente rápidos. Miles. en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. especialmente Bird. Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave.” (3) ** Más adelante. en 1957. (4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». lento y tranquilo que cualquier otro. Pero es un pensador profundo. te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 . “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. Después de escucharlos unas pocas veces.

“The best of Miles Davis/Gil Evans”.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 . 58 (3) Ron David. que es triste. Buenos Aires. incluyendo a Miles. (1) Mervyn Cooke. lento y apacible. p. London. Argentina. Thames and Hudson Ltd. «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans). p. “Jazz para principiantes”. Y luego. 58 (4) Bill Kirchner. p. todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad. pero ya acercándose al final de la composición. p. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein.com. todos los vientos metales. 1998.contrapunto.Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin). 1997. “Jazz”. «My man´s gone now» (Gershwin). y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. «Summertime» (Gershwin). “Their 40-year friendship”.sv/index. Argentina. Errepar. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. Errepar. 1998. un disco necesario. Buenos Aires. Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www. “Jazz para principiantes”. «The best of Miles Davis/Gil Evans». 1998. 140 (2) Ron David. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio.

es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. Esto es algo muy difícil de hacer. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. como lo decimos en español. o. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia. intercalándose con diferentes instrumentos musicales. como el saxofón o la flauta. 41 . Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”.cantantes muy buenas en este género musical. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra. es decir.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. por ejemplo. que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra. Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo. Excelente interpretación. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. Simplemente son geniales. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan.

Fotografías extraídas de imágenes de Google. en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción. (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista. niveles casi alegremente orgásmicos. 42 . que alcanza. estas dos féminas asombrosas. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta. pero sólo por unos compases. cantada por Ella.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney. porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”.En «Blue skies». lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos). Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. Un beso respetuoso para ambas.

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

libre y denunciador de las injusticias. 46 . Ambientalista. De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia. y al calabozo tirao como tarro al basural. Yo canto. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde. trabajadora. pero no sumisa. Pueden su rostro manchar. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. por ser antiguos cantos que ya son eternos. su guitarra chamuscar. Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal. Se puede matar a un hombre. Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos. ensalzador de la música.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. respetuoso de su “paisanaje”. El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón.

Mas.¡Pero el ideal de la vida. tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. A Atahualpa Yupanqui. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda. Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. O puedo compartirlo con 47 . y se viene abajo el templo de la decencia del país. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. mas. cuando regreso a escucharlo. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. El estanciero presume de gauchismo y arrogancia. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. como granitos de maíz siembran los peores ejemplos.

Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás. de honor.alguien que también. Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. se transporte a un mundo gauchesco. dignidad y espíritu de lucha. Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. 48 . silencioso y con ávidos oídos como yo. pobreza.

No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo.com.cancioneros. lágrima.google. tormenta. Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 . pan.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”. he ganado el silencio.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org. con la música y la palabra. abeja. Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas. No dejes que tus labios hallen mis once letras. la intencionalidad del tono.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino. la fatalidad de lo clandestino. he amado. Pronuncia flor. Tengo sueño. el mundo externo e interno del ser humano.com/dalton.com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo. tomado dehttp://amediavoz.

50 .

conducido por Carlos Bautista. Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 . «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador. 103.3 FM.ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. el programa “All that jazz”. Chamba Elías. que se transmite todos los martes a las 13 horas. Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. «Wave». Neto Buitrago. entre otros. Óscar Alejandro y Ricky Loza. «Perfidia». como Víctor Tomasino. con repetición los domingos por las tardes.

pero se están perdiendo de un grandioso placer. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos. lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador. como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas. En primer plano Neto Buitrago 52 . Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. Las condiciones en general no son muy adecuadas. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones. Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte. lo cual no es un pecado. claro que sí los tenemos. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general. Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país.

Y felicitaciones también para Carlos Bautista. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León.Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. 53 . es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte. quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador. excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza. la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams».

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Mercedes Sosa y Gustavo Cerati. sin perder su esencia. Mercedes Sosa (1935-2009). la cantora de Latinoamérica. siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. Y sin embargo.ZONA DE PROMESAS. 55 . Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas.

que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 . esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza. La letra de esta canción es muy bonita. ¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”. en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas». Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación. Joan Manuela Serrat. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas». de Soda Stereo. y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. un arco iris de voces y ritmos.Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores.

por mi lado. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”.com/2009/10/gracias-la-vida. sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. Murió la diosa de la libertad. al enterarse que ella había dicho eso. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati.html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción. que respetaba mucho a los otros artistas. y no de poco interés es también la reacción de él. dijo Maradona. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. 57 . Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras.blogspot. No está mal ser mi dueño otra vez.Cerati. Quiero regresar solo a besarla. Y además. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero. y al final al final hay recompensa. Tarda en llegar. En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati. perdí una batalla. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. Yo.

Mamá sabe bien. cuando regresé todo quemaba. No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme. Se bucear en silencio. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas. 58 . pequeña princesa.

youtube.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez. Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb.youtube.Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental. y hace otros comentarios más:http://www.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009.taringa. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www. en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos.com.youtube.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 .youtube. durante el velorio de Mercedes Sosa.youtube.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa.com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www. Foto de la portada del disco “Zona de promesas.

60 .

He oído muchas versiones de ella. And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. A little shy and sad of eye. con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez. La hija de Nat King Cole. con el bellísimo acompañamiento de una orquesta. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas. al final. very far over land and sea.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. They say he wandered very far. Natalie Cole. 61 . a very strange enchanted boy. le imprime un ritmo latino. Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www.youtube. La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho. porque es una interpretación vocal muy bien hecha. but very wise was he.

com/concert-reviews/images/band_pics/1123.unf.youtube.com/music/lyric.sing365.jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.edu/35th/founders/images/nataliecole.allthegigs.Video de “Nature boy” http://www.

PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador. De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). donde ha tenido un desarrollo muy variado. Chepito Paiz (batería y tumbadoras). según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. como es la música. Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. en el siglo XIX. Neto Buitrago (tumbadoras y batería). Proyecto Acústico. Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. 63 . El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. teclados y dirección musical).

en el corazón de San Salvador. tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. 64 . Casa y Arte. La Luna.Pues bien. el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa.

pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo.Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz. Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 .

que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz. con los ojos cerrados. ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño. Todos estos músicos son viejos lobos de mar. 66 .Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. improvisa jazzísticamente con su guitarra.

Neto Buitrago 67 . También Chamba Elías y Mario Romero. la música académica y la música de corte folklórico. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero. tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas. ambos en la guitarra. como la salsa.sino en otros géneros musicales. el rock.

increíble. un joven músico con apenas 20 años de edad.Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica). Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. incluso. quienes en una ocasión. que toca el bajo de una manera excepcional. se intercambiaron los instrumentos. 68 .

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

Carlos Romero. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. por su expresividad y variedad. por su parte. 70 . Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público.Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público.

Al final del concierto musical.porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales. 71 . subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical. quien interpretó “Afro blue”. sin abandonar nuestra identidad cultural.

y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 .Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.youtube. Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO.com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www. He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico.youtube.

-¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-. Sus composiciones.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar. ¡Órale. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas. que supuestamente van dirigidas a un público infantil. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. al contrario. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990. el grillito cantor. -¡No! -le respondí inmediatamente-. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. mejor conocido como Cri Cri. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños.

por ejemplo. alguien le quiere hablar». araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». también me gusta mucha «Chinescas». humilde de condición. Miguel Bosé. pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero». y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». no sabe con quién trata. igualado bigotón». JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. parece que no sabe. Víctor Manuel. la diferencia de clases sociales y la discriminación racial. como Plácido Domingo. La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras. salidas de un corazón muy observador y sensible. Me gustan casi todas. «Parece. Sus palabras suenan muy sinceras. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. Mocedades. compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas. Eugenia León. Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. entre otros. pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. Pedro Infante. Ana Belén. «Soy la reina. Emmanuel. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea». auténticas. La lista es casi infinita. la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . Cortado entró el jicote. puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero».pequeños.

no cuadra con mi amor». «Parece. la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». Silencio quedó el jicote con tanta humillación. «Soy la reina. pero a según las leyes del país 75 . Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor. no sabe con quién trata. A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. ese prieto barrigón». Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. pero ya vio que no». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. porque su afán es que se ha de casar con un emperador. En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal. La sociedad sin clases la creí. parece que no sabe.

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES.Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. tocar «Necrópolis». el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero. Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. Smoke en 1981 79 . armonía y melodía era todo un reto. Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis». la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. con todos sus cambios de ritmo.

los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. que luego se extendió a lo caribeño. que no aparece en esta fotografía. 80 . Aunque teníamos varias cosas en contra. su idiosincrasia. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país. allá por 1984. buscando sus ritmos. se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. debía ser música popular. Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces.En un punto en el que el grupo SMOKE. De izquierda a derecha: Mario Romero. por ejemplo. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. su armonía. Gustavo Pineda. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. David. pero la calidad tenía que imponerse.

Juan Carlos. la concertina. las maracas. Carlos Romero y Chepito Pineda.como la guitarra. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe. el violín. el contrabajo. la quijada de burro. la chirimía. el cuatro. los timbales. la caramba. las tumbadoras. la marimba. etc.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. 81 . Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. las congas.

que Zunca se llamó un príncipe precolombino. ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. sino que bailaba en ciertas canciones. excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya. quien no tocaba con el grupo. que no tocaba. provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. Otto Hugo Urrutia.no me acuerdo). tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo.ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador. que estuvo pocos días. También. Otro miembro. José “Chepito” Pineda. Carlos Romero. Juan Carlos Flamenco. Nacido en Atiquizaya. 82 . cuenta una leyenda popular. fue David (de cuyo apellido –lo confieso. entre médicos. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. ingenieros y licenciados). Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya. así como en Guatemala y Estados Unidos. de la estirpe de los pocomames.

el violín. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. 83 . He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. la marimba y el contrabajo de Zunca.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. Cada vez. Esa morena. corazón. El debercito y La libertad de mi pueblo. El samangueón. María Blanquita. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. Hubo varias circunstancias. cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. Quiero que sepas. La esperanza. es una tonadilla típica de Costa Rica. en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. Danza del requise. El negro Nayo. El indio Anastasio Aquino. luego inicia la guitarra. Toñito (el cipote de Santiago).

escribió Salarrué). 13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. 84 . 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador. Nos invita a pelear por un mundo mejor. Hay dos versiones aquí. de nuestro querido escritor Salarrué. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. para mí. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. Pieza instrumental.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. 5. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador. 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. casi todas las características de un himno. 11-Quiero que sepas. La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. Chabelo. quien era un gran pitero. pero su letra fue extraída de un poema anónimo. además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino.El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). perteneciente al libro “Cuentos de barro”. corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña. le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. Esta composición musical tiene. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. 6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986.

¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica. Sin embargo. mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó. 85 . pero el adorno de los hombros y el pecho. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. Sonsonate. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve. era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día. que era muy vistoso. pero que en el poco tiempo que existió.

aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos. y nosotros. “Oscar. salía de nuestro joven y rebelde corazón. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. 86 . poco tiempo de vida. siempre de esperanza y paz. pienso. sino también por la presencia escénica del grupo. gran aporte. Un abrazo Oscar. el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. Pero lo más importante y trascendental. en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares. es que todo lo que hacíamos. en los textos. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. andaban otros grupos. nada estaba de más.” JUAN CARLOS FLAMENCO. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca.2. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad. pero no tocaban música original.

Al ir entendiendo su letra. Y con el agregado que en la grabación participaron. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante. Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. la canción se volvió aún más querida para mí. víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet. «They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. Una cosa es leer acerca de la tortura. que me agrada más que la que hizo con The Police. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. Todos estábamos profundamente 87 . en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente. Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. entre otros. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. escrita e interpretada por Sting.

Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». o el baile solitario. víctimas de los escuadrones de la muerte. Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte. de la policía y la fuerza armada. es ejecutado públicamente por las esposas. Ellas danzan solas. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena. Danzan con sus padres. Danzan con los invisibles. El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. 88 . Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. serían desaparecidas también. de las fuerzas de seguridad. Ellas bailan con los desaparecidos. Danzan con sus hijos. sino practicada. danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. La «Gueca solo». A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas. Danzan con sus esposos. Bailan con los muertos. hijas y madres de «desaparecidos».afectados. Danzan con su silenciosa angustia.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. Y si ellas hablaran.

«Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. “a países que ellos nunca habían visto”. “Un comercio amargo de muerte. ni presupuesto para sus armas. En 89 . usted ha sembrado una amarga cosecha. Es el dinero extranjero el que lo sostiene. ni salario para los torturadores. señor Pinochet. Las dos grandes potencias mentían. señor Pinochet. Piense. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra. todas esas jóvenes vidas traicionadas. Un día ya no habrá más dinero.Otra mujer en la mesa de tortura. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis.

P. L. “En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. Compartimos la misma biología. Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. En otras dice verdades espeluznantes. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos». condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting. Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. Yo no me suscribo a este punto de vista. 90 .ciertas partes la letra de la canción es irónica. sino por la profundidad de sus letras. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. Yo no me suscribo a este punto de vista. El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos».

Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador. El Dr. Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara. Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. a don Francisco Antonio Lara Hernández. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales.PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí. por pura casualidad. 91 . conocido popularmente como Pancho Lara.

en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. el 03 de diciembre de 1900. se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. Sonsonate.Pues bien. Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». pero fue asentado en la ciudad de Armenia. piano y mandolina. Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta. en San Salvador. Guitarra de Pancho Lara 92 . Aprendió a tocar guitarra. marimba. jurisdicción de Santa Ana.

sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 . así como 24 prosas poéticas. Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros. esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero.Sus composiciones musicales más conocidas. Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales. «Jayaque» y «Las cortadoras». como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. porque las reconocen como propias. sus composiciones son muchas. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad. nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente. como «El carbonero».

por lo que ella le escribió una carta de disculpa. uno de nuestros más grandes literatos.algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 . era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica. “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué. de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto.

sin querer casi. corazón ingenuo y modesto. pues que se sepa. Lara con el oído (no con las orejas). nuestra más elegante poeta. mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. al opacado niño de Cuscatlán. el corazón de Cuscatlán. sin truco. “Hacer canciones al niño triste. señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura. sin precio.“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. “Espíritu fino.” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. oiga a Francisco A. diafanidad y sencillez. temperamento poético y enamorado del terruño. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. es un milagro que Lara ha hecho sin fama.

nuestros días. y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.” (2) 96 .

pancholara.Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba.com/biografia. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. 97 . porque eso hará más grande a nuestra patria. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original. (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www.php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. la música. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara.

98 .

me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana. cuya voz resalta en Guardabarranco. así que me perdí de algunos músicos. Bajo tierra. por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. entre rock. 99 . musicalmente hablando. con quien me une un lazo sentimental platónico. porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. Empezaré con Guillermo Anderson. en San Salvador.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. etc. pero bueno. Pamela Robin y Guillermo Anderson. como Adhesivo. Hubo también varios grupos salvadoreños. reggue y otros.. Llegué tarde. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson.

sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. noche dulce. tabaco y ron. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras. sombra de mazapán.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños. palmerita que baila yacunú. magia del mar. baña mi ser. mango y bambú. tamborista. calor. Escuchar «Costa y calor». inspiración. por ejemplo. muy coloridas. Piel de coco y ojitos de carey. maraca. Dame tu luz. donde el mar es indiscutible rey. canto de hombres que vienen de pescar. reino que invitas al pelícano a jugar. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense. Dios me puso a crecer bajo tu sol. tierra mía de yuca y caracol. auténticas. Costa y calor. originales. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 .

compositor y arreglista. charango. excelente percusionista. guitarra o lo que sea. marimba. músico muy completo. como piano. Carlos Romero 101 .Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente.

a pesar de las malas presiones. Con dignidad. También tiene bastante presencia en escena. Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. 102 .*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima. pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo. antes de que empezara a cantar. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. que se encontraban ya impacientes. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación. le gritaron groserías a la fémina artista. y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad. Pero la cantó muy bien.

yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». 103 . Y la noche del concierto no fue diferente. Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. no sé cuándo. no sé cuándo. estar aquí en el aire sin ti. es tan difícil. No sé cómo. Pamela se robó el show. al mismo tiempo. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. Porque es tan difícil. Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. no sé dónde. junto a mí. pregunté cuándo vamos a llegar. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. la dulzura y. de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional. en la parte que dice “No sé cómo. como a un ángel.

“Dear friends” o “Lily of the valley”. estoy seguro que ella lo haría excelentemente. como “Love of my life”. Pamela Robin: una voz exquisita. Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales. 104 .La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo. a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury.

Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). Afinados. era el grupo británico YES. Muy bien ensamblado. La base rítmica muy bien asentada. un grupo de rock progresivo muy bien coordinado. De verdad que oírlos es un placer extremo. que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto. Un rock interesante y bien tocado. Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. Y me refiero a El Ático.*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock. 105 . uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). por ejemplo.

con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento. 106 . teórico y práctico. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos. Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo. Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. Muy entregado. en cada parte de las composiciones.El batero no podía ser mejor.

El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión. 107 . Ciertamente disfrutaba de su instrumento. Se le veía tocar muy suelto y seguro.

Se observaba tranquilo. pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock. positivo en su propósito. Muy hábil.El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. 108 . Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales. Los acordes siempre bien armados. Rápido al ejecutar escalas. con delicadeza al tocar solos lentos. Limpio en su toque.

El Ático. un trío con gran calidad. en pocas palabras. 109 .El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música.

Fotografías: Óscar Perdomo León 110 . Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson.Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo.

de los discos y de los hermanos. el «Jazz». que sólo saben cacaraquear. Luego mi mamá me compró. un concierto grabado en vivo. mujer u hombre. Mario y Carlos. en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. de 1977. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad. de 1979. cantando como sólo lo harían los dioses. Yo quedé verdaderamente fascinado. Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos. Atiquizaya. de 1978. era «Queen live killers». las gallinas. Y empezamos también a tocar 111 . No parábamos de oírlos y oírlos. los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción. «Sheer heart attack». mas pensemos relativamente). de 1974 y «News of the world».MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. en donde yo vivía. nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. Yo aprendí mucho de ellos. Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. Un par de semanas después traían otro disco de Queen. con muchas dificultades.

pero bueno. mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. su nombre es Freddie Mercury. . 112 .e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro. una búsqueda de la raíz latinoamericana». esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. Lo que hoy quiero decir es que para mí. el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió. su hermano Carlos la batería.

También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. que no el único. Su timbre de voz es inconfundible. a las que acompaña con letras interesantes. Y su más grande ejemplo. sino también belleza. Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. Esto no podemos saberlo con certeza. llena de ternura.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 . Su destreza como compositor inspirado en indiscutible. Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. es «Rhapsody bohemy». pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. Hay numerosas melodías de gran preciosidad. dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía.

calidad en su más alto nivel. Oír ese estribillo y caer después. Save me. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. «Love of my life» o «Somebody to love». tan limpia y sincera. I´m naked and I ´m far from home. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música. I can´t face this life alone. 114 . save me. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. la característica y majestuosa –royal. se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar. mágicamente tocada por Brian May y escuchar. músicos tocando de verdad. save me. save me. en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. save me.traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción. Save me. a los 2:20 minutos de la canción.guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura. seguidamente.

Es más. 115 . esa circunstancia le favorecía. especialmente al verlo cantar. porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar. del álbum «News Of The World. En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias.Quiero decir con énfasis. en ciertas composiciones. pero también en algunas canciones al escucharlo. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas. antes que nada. estoy convencido que en algunas ocasiones. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania.

Durante su niñez inició sus clases de piano. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. George Michael y Liza Minnelli. también grabó el álbum «Barcelona». Roger Daltrey. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo. Metallica. de una bronconeumonía. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda.” (4) 116 . uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991. Guns N´ Roses. John. Seal. Estrellas del firmamento pop y rock. (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”. se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido. David Bowie. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). Grabó 16 discos originales con Queen. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. Robert Plant. como Elton Johnn. (1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes. en 1987. Brian y Roger. titulado «Made In Heaven». “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. “En noviembre de 1995. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”.

Si Mercury nunca hubiese nacido. el día de su muerte fue muy triste. I sometimes wish I ´d never been born at all”. * Para los que crecimos con su música. “I don´t wanna die. como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70.Freddie Mercury en 1991. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. Esta fue la última vez que posó para una foto. A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. 117 . Con toda su creatividad enardecida. Con todo el ímpetu de la juventud. el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular. escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza.

118 .

(5) 119 .“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia. sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre. de entre todos ellos. Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. No obstante.

com/biografia/m/mercury. a mis hermanos Mario y Wendy.htm (5) Wikipedia. Y tenía razón. http://es. con la discografía completa del grupo. Freddie Mercury es el campeón. como un todo creativo e interpretativo. porque como cantante.wikipedia. ** y ***. la enciclopedia libre. siempre pienso en mis años de adolescencia.wikipedia. las cuales fueron extraídas de Wikipedia. ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo.biografiasyvidas. http://es.wikipedia. de su página: http://www.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. a Mario Romero Cárcamo. (1) Wikipedia. http://www. la enciclopedia libre: http://es. la enciclopedia libre. excepto las fotografías *. al Viex.org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen. pianista y compositor.geocities.org/wiki/Freddie_Mercury 120 .org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción. tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez. siendo un niño.html (4) Biografías y vidas.

pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. Hace unos días escribí «Mercurio». lo que podría llamarse rock-pesado. 121 . Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas. Muchos de los temas de Queen son. el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. como todo. la reina del rock.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. Sobre Mercury. Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock. el batero Roger Taylor. bueno. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. Empezaré en orden cronológico. pero mis discos favoritos son seis. tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música.

«My fairy king». cambió los vientos y dañó las 122 . «Liar». la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». el piano y la guitarra acústica. Pero de pronto toda la fantasía se rompe. «My fairy king». Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». con un ritmo rápido. pero que al ser escuchados hoy. son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo.El disco «QUEEN» de 1973. me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal. ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda. en retrospectiva. el primer disco del grupo. los cambios de ritmo. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. las abejas han perdido sus aguijones. El juego de sus voces. lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila. «The night comes down» y «Jesús». los dragones vuelan como gorriones a través del aire. El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia.

«Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. la percusión y el bajo. Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco. en la composición y en la interpretación. Hay un tiempo para esperar la salida del sol.mareas. que salió al mercado en 1974. Madre Mercurio. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones. Ahora sé lo que estoy haciendo. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano. El «SHEER HEART ATTACK». “Ayer mi vida estaba en la derrota.” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. que si bien es cierto 123 .es algo que enriquece la obra. Y ritmo. como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye». en todo se ve un trabajo minucioso.

La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods». me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables. 124 . en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal. El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono. no la letra. que han sido cuidadosamente hechos. ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. Las guerras nunca cesarán. que aunque es verdaderamente corta tiene. porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. «Dear friends». avanzo a través de cielos tormentosos. que no es la misma que mencioné antes. quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya. «In the lap of the gods». cantada con una pasión exorbitante. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico. que la hace una pieza inigualable y de gran belleza.” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. aunque se llame igual. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. sino musicalmente hablando. desde el punto de vista musical. breve pero sustanciosa. porque el lirio del valle la ignora.nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta. pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. que Queen enfatiza con sus voces. que nos anuncia el final. «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. Serpiente del Nilo. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. dame tu auxilio aunque sea por un momento. sigo cada maldición. Yago en espera con los ojos abiertos. y también debido a su rara y original melodía.

«Rhapsody bohemy».En este disco también están las famosas «Killer queen». «UNA NOCHE EN LA ÓPERA». «Now I´m here» y «Brighton rock». sacado al mercado en 1975. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial. que ya es un clásico. el perfeccionamiento. «Love of my life». En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. entre el rock y la ópera. La melodía es bellísima. que esta es una de las mejores de todo el disco. Esta colección de composiciones es como la elevación. es su cuarto disco grabado. Incluye una variedad de 125 . ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas. La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional. El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia. Iniciando con «The prophet’s song».

126 . bastante elaborada. explosiva. operística. pero resaltan también «Your my best friend». Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace. Todas las grabaciones son muy buenas. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. y la quinta y parte final es lenta y triste. como una especie de desahogo melódico. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música. Hay varias melodías rondando en toda la obra. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. Sin duda. la tercera parte es la meramente coral. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal. Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días. pero siempre sazonada con unos toques de música académica. la cuarta es la parte más típicamente rock. la segunda es una lenta balada de rock. que está fluidamente unida a la primera parte. «Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen.

«Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio. quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. lanzado en 1978. «All dead. cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar. el sexto disco grabado. 127 . Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. séptimo disco. La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado. por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». Del «JAZZ». Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». ¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender. hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia. le escucho más alma). all dead».«NEWS OF THE WORLD». la mejor de todo este álbum es «We are the champions».

Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen. Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen.«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980. De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen). Su portada plateada es inolvidable. 128 . «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love». Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust».

Lo siento más entregado y brioso. De cualquier manera. Queen es un grupo que nunca será olvidado. 129 . (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock. El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora. sino. más impresionante en sus composiciones.wikipedia. http://es.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70. con la discografía completa del grupo. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. ¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León. la enciclopedia libre.

130 .

TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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piano y otros instrumentos. no sólo en sus letras sino en la música. él solo lo llena todo. Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo. un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. arpa. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra. No estoy en contra de lo moderno. 135 . corno francés. este disco engrandece la música cubana. pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música. todo en una soberbia conjunción. es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano. La poesía está presente en todas las canciones. aunque pesa –para mi agrado.más lo primero. chelos.EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». Se escuchan violines.

que se llama «El baile». La voz de Silvio encaja con maestría. toda la orquesta está en su lugar.La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas. que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado. que se refiere a un pájaro negro cubano. La trompeta y los violines. el cuatro cubano y la flauta. Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder. innegable. 136 . Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia. «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico. Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. es una firme invitación a escuchar todo el disco. los referiría a escuchar la segunda canción del disco. La primera canción «Totí». su belleza es inherente. Es una composición finamente arreglada. cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar.

un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN». 137 . «EXPEDICIÓN». «Tiempo de ser fantasma». «Anoche fue la orquesta». «Quédate». Las otras canciones del disco son: «Fronteras». poesía en las palabras. Imágenes extraídas de Google. «Mancha».Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco. «Hace no sé qué tiempo ya». poesía musical. «Amanecer». a mi corazón.

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CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD. 139 . un año prácticamente después de su muerte. No tuve la dicha de presenciarlo en vivo.

Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella. el famoso actor Tom Hanks. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles.El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. quien además tocó un solo de cítara. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python. y las que él hizo como solista. incrustada admirablemente en una armonía sencilla. Luego aparecieron uno tras otro. en uno de los cuales por cierto participó. de la Ravi´s Orchestra. 140 . aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas.

(Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. la viuda de George. «Give me love» y otras más. siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. Luego siguieron «Old brown shoe». demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). cantada por Clapton. tocando una guitarra y haciendo coros. cantada por Jeff Lynne. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica. El concierto.Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison. y a su hijo Dhani. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you». Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. Luego siguieron con «If I needed someone». 141 .

Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones. pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman».Cantaron también Jools Holland. 142 . Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también. Sam Brown y Jim Capaldi.

Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados. 143 . Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back». ya más maduro y genial.Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. Preston grabó en los años ´60 con The Beatles. fue muy placentero. de Ringo Star y de Paul McCartney.

La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins. Cantó dos canciones. «Photograph». Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos. 144 . Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. Ringo. como siempre. una de ellas la compuso con George.Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie. hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público. mostró su simpática personalidad.

Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva. pero con más estruendo. En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. Después Paul cantó «All things must pass».). etc. Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue». 145 . violas. McCartney tocaba el piano. Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something». mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas). El público se puso de pie nuevamente. la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines.

Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown. cantada magistralmente por Billy Preston.Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto. Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. 146 . Un manjar para los amantes de la música.

Joe Brown. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. interpretada por Joe Brown. Por su lado. También ha sido usada en una película del mismo nombre. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». están Louis Armstrong. Doris Day y Ella Fitzgerald. Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. entre ellos. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. Joe Brown. por mencionar algunos. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción. Pat Boone. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924. Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas. nacido en 1941. 147 .TE VERÉ EN MIS SUEÑOS.

y dos. Lips that once were mine. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams».Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. Lips that once were mine. que creo será recordada por muchos años. tenía varios. tender eyes that shine. esa noche del concierto-homenaje para George Harrison. «Isn’t it a pity?» o. Someone took you out of my arms. they will light my way tonight. hold you in my dreams. Someone took you out of my arms. they will light my way 148 . «All those years ago». Pues bien. hold you in my dreams. utilizando un ukelele para acompañarse. según ha dicho su hijo Dhani. Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. la que le dedicó a John Lennon. agregando unas líneas a la letra original de la canción. I’ll see you in my dreams. instrumento del cual. I’ll see you in my dreams. Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele. La belleza de las melodías que componía es innegable. He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. como por ejemplo «Something». still I feel the thrill of your charms. tender eyes that shine. para mencionar algunas. still I feel the thrill of your charms.

Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 . Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long. al introducir ese lindo fragmento de letra. I’ll see you in my dreams.uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA. all the happiness that used to be.aol.COM http://www.com. Soon my eyes will close.com. I’ll see you in my dreams.musica.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images.tonight. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá. I’ll see you in my dreams.google. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”. twilight sings a song. me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison.ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images.co.com/letras.google. Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams. Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano.

150 .

93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. cello y orquesta en La Op. En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. Se presentaron dos grandes obras musicales. miembro de la 151 .BRAHMS. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. que duró más de un minuto. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme. hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. La primera obra fue la «Sinfonía No. 8 en Fa Op. de una belleza poderosa. asistimos. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. director asociado. ¿Y Brahms? Bueno. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. el violinista y el cellista. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. conducidas por Irving Ramírez. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. con nuestras cuatro hijas. de San Luís Talpa. 102» de Johannes Brahms. al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. por su lado.

la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. 3 en Mi bemol mayor. Op. obra conocida como «Heróica»). arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. el joven era una verdadera promesa musical. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . Según se dijo. asesinado hace apenas unos días. 55». En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. en la tuba que era su instrumento. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No. En problema de la violencia es muy complejo.Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. que incluso había tocado en diciembre pasado. una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski. lleno de un talento innato.

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 . en pocos años más seremos una horda de salvajes. Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes. La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos. similares a los de la época de las cavernas.talentos y creando fuentes de trabajo.

154 .

Pero además. La voz líder 155 .LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao. He ahí la clave de su popularidad. Por eso su música tiene aún gran actualidad. La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas. Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita. pero son las excepciones. Sus palabras salen del corazón. sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas. pero muy llenas de emoción.

«No basta rezar». «Perdóneme tío Juan». porque recordé que en los años ochenta. «Otra vez». a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 . cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador. En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral..Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. etc. El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes».

aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado. El bajista 157 . Érika y yo.escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte. Estuvimos. abrazando la tarima.

Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. ideologías políticas. Es más. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria. vecinos y hermanos. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 . que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. Yo.La gente estaba emocionada de oírlos. por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos. el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes.

excepto la última. tomada por José Alfaro.Después del concierto. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. una foto final con el percusionista. 159 .

160 .

Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». «Como la cigarra». Con ella se muere una parte de mi pasado. No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. etc. Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. 161 . Nunca he estado en Argentina. Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui. como era conocida en su patria. pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez.GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. a Leonardo Fabio y a Sandro. Todos ellos me han tocado el corazón. «Alfonsina y el mar». «Inconciente colectivo». «Al jardín de la república».

No todos los días se nos va una cantante de verdad.com. Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www. que hasta me parece un sueño lejano.ar 162 . Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos». A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años. Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento.pagina12. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos. ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica.

combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo. interpretando música de Brahms. músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). pero principalmente fue compositor. dirigida magistralmente por German Cáceres. presentando en su música un rostro muy original y profundo. 163 .

de estatura media y escaso cabello blanco. ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Y la segunda fue la “Sinfonía No. La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”. Dvorak. En esta última ya no participó Silverstein. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. Barber.En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. entre otros. de Robert Schumann. Silverstein. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. compuesto por Johannes Brahms. Beethoven. 4 en re menor op. 120”. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición). Ha interpretado a Mendelssohn. el tocar dos cuerdas al 164 . Tchaikovsky. Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. Schumann. Vivaldi. Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. Brahms. Su destreza tocando el violín fue tremenda.

Robert Schumann 165 . Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein. el público ovacionó de pie a los músicos.mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. Al final de la obra musical de Brahms.

En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856). pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo. la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente. Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones. un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. tanto como intérprete (era un gran pianista. dedicándose en su madurez especialmente a la música. como director invitado. 166 . que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños. La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres.

ca/academic/modern-languages/German/brahms. el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece.mystfx. podría salir adelante.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www.jpg 167 . Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada.israbox. Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país.com/uploads/posts/1177498732_face.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia. tan bañado con sangre de inocentes.

168 .

el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO. 169 .DON BOSCO. EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. montar y ejecutar esta pieza artística. continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir. EL MUSICAL.

Nos encantó mucho Regina Cañas. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. Mercedes López. escenografía. música y las magníficas voces de Samuel Bautista.La obra fue espectacular. 22 bailarines y 7 actores de reparto. Ángel Rivas. Omar Renderos. como el espíritu maligno. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora. danza. secretario del Cardenal. contó con alrededor de 80 artistas en escena. como el párroco. como mamá Margarita. quien personificó a Don Bosco. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. Oscar Guardado. y Luis Miguel Herrarte. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. como el Cardenal. 170 .

171 .Numa Bracamonte El coro. fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical. que acompañó a las voces principales. excelentemente dirigido por Numa Bracamonte.

172 . quien fue el director general. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas. el diseñador de vestuario y de escenografía.Ovacionada de pie por más de un minuto. se debió en gran parte a Beatriz Nájera. el éxito de la obra.

logró que cada personaje fuera creíble. La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia. El vestuario. llenó de colorido y robó las miradas del público. de buena confección. llamativo y acorde a la escena respectiva. 173 .Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente.

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 . lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades. Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística.Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada. Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales.

La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). en el cual hubo un combinado de narración histórica. 175 . poesía y música.

El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo.Con una muy buena dirección del evento. El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto. para luego interpretar algunas de sus composiciones. Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. a cargo del guionista Modesto López. interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. 176 . todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto. que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez.

La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy. 177 . hizo que nos erizáramos. de Nicaragua.

fue admirable. de México.El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. de Honduras. La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. 178 . nos dejó impresionados y muy satisfechos.

179 . Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados. El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA. Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. verse y de repetirse.Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse.

la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada. hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad. con la voz del propio Roque Dalton. 180 . realizados por Ana Valentina López de Cea.Entre videos. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton. Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. hijo del poeta homenajeado. fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”.

Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 .Jorge: vos tenés razón. en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad.

182 .

en mi cama a muy altas horas de la noche. 183 . Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos. eran un tanto difíciles en aquella época.los sonara eventualmente en algún programa nocturno. escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”. Únicamente sabía que eran argentinos. fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado. Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers. pero sólo en grabaciones auditivas.

Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini).Despertaron en mí una admiración hacia ellos. Y. 184 . nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers. les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. de las bromas entre nosotros. Hasta hace poco. relativamente. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar». Juego de palabras e ideas. Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. música y crítica social. comedia. son actores increíbles. Les Luthiers son una combinación de teatro. como si fuera poco. Son comedias finas. Manuel Darío. gracias a la tecnología y a algunos amigos. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy.

las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. Mastropiero. la música y las voces son las estrellas en el escenario. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. San Ícticola de los Peces. en las luces. de todo y de ellos mismos. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. nunca han abandonado sus raíces argentinas. a pesar de ser tan cosmopolitas. se ríe de todos. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural. A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD. Felicia y Abelardo.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. Manuel Darío. la ironía. son de nuestros personajes favoritos. Sin embargo para entender y 185 . como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. Esther Psícore. Ortega. Es admirable la perfección de sus actuaciones. Es importante también decir que ellos. en donde la risa. el Séptimo Regimiento. por ejemplo. es la práctica la que perfecciona las acciones. Escipión. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor.

larepublica. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas.com. Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.3 000.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www.sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 .lesluthiers. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.myopera.com/pag1.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.blogspot.com.r:16.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua.google.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.sv/imgres?imgurl=http://files. la música y el canto.google. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers.com.apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental.htm Fotografías extraídas de: http://www.

como por ejemplo en Fiesta. Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. Bienaventurados. Sin embargo. Del disco homenaje a Miguel Hernández. Cada loco con su tema. La gente va muy bien. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. Es mi derecho como amante de la música. Pueblo blanco. Historia de vampiros. por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. por mencionar sólo algunas. Esos locos bajitos. Antonio Machado y Mario Benedetti. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. el gran poeta de la guerra civil española. En esta selección no están todos sus discos. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. «Nanas de la cebolla» y 187 . una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. mis favoritas son «Elegía».MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. A quien corresponda. Soneto a mamá. Por las paredes (mil años hace). «Menos tu vientre».

me debéis cuanto he escrito. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. Y a cabo nada os debo. escarcha de tus días y de mis noches. Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla». he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero.«El niño yuntero». cebolla y hambre. debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. con sangre de cebolla se amamantaba. pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. él triste de cebolla. Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna. el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. nunca despiertes. pero tu sangre escarchada de azúcar. ya conocéis mi torpe aliño indumentario. me encontraréis a bordo ligero de equipaje.la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. casi desnudo como los hijos de la mar. sin lugar a dudas. al recibir una carta de su esposa. En la cuna del hambre mi niño estaba. hielo negro y escarcha grande y redonda. tu satisfecho. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”. hambre y cebolla. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares». 188 . ríete siempre. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. que también está en este álbum. triste llevo la boca. quien habla solo espera hablar a Dios un día. mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario. son «Retrato» y «Del pasado efímero». mi juventud veinte años en tierras de Castilla.” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. mi historia algunos casos que recordar no quiero. Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. No te derrumbes. a mi trabajo acudo. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. en el buen sentido de la palabra. en plena guerra civil española.

«Mi niñez». la cual es un poema del poeta Rafael Alberti. es un poema del poeta León Felipe.con una fina ironía. del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar. ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. «Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». dedicado a los poemas de Mario Benedetti. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho.Del disco El sur también existe. de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas. No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum». Del álbum Joan Manuel Serrat 1969. pero resaltan «De cartón-piedra». De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. y la segunda que es una denuncia de la pobreza. que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático. la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez». «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí. la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. pero también la dicotomía y la contradicción 189 . pero la última. «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena.la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». que era interpretada por ellos mismos. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. en todo caso. «Como un gorrión». «Vencido». las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa).

«Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». es que perdí el camino de regreso. «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina.irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. «Irene». es una colección muy buena de canciones. Y supe que el amor tiene ojos verdes. supe que lo sencillo no es lo necio. de lejos dicen que se ve más claro. que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja. Y si te toca llorar es mejor frente al mar. que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. que las flores nacen 190 . la flauta y la mandolina. pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil. Mis preferidas son «Ciudadano». que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. En este álbum está «De parto». 1978. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio. de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. que no hay nada que hacer. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. que no es igual quien anda y quien camina. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». «Cenicienta de Porcelana». pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo». juro por lo que fui que me iría de aquí. No es que no vuelva porque me he olvidado. tal vez mañana sonría la fortuna. que cuatro palos tiene la baraja. toma tu mula. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. que no hay que confundir valor y precio. tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna. mamá”. La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. de 1974. una copla muy tierna dedicada a las embarazadas.

No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»). Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. la llama persa del ciprés. la casa. dueños del camino del mar. es verdaderamente una obra de arte. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». moros y cristianos. «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». cortes y trovadores. Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos». la plata del olivo griego. Que el mar está agonizando. El mundo es de peaje y de experimentar. en nombre de la cristiandad. la cual rebosa de optimismo. que no hay quien confíe en su hermano. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné. Y el musulmán lo perdió todo. que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. En paz descansen esplendores de amor. He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen. 191 . que nadie conoce al vecino. Iberos y romanos. el sueño y la heredad. en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas.discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. fenicios y godos.

Nunca es triste la verdad. Bienaventurados. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. se hace de nuestra medida. besar a reñir. el instinto que la urbanidad. chupando un palo sentados sobre una calabaza. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades. me privan más los barrios que el centro de la ciudad.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. palpar a pisar. y disfrutar a medir. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. ganar a perder. la unicidad que hacen es tan 192 . Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». ni que me suba a un taburete. tomar a pedir. amar a querer. más que del diccionario. lo que no tiene es remedio…”. del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. bailar a desfilar. prefiero volar a correr. y un Siux más que el Séptimo de caballería. y que es la que le da nombre al álbum. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. y los artesanos más que las factorías. Su primera canción. se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. por conocer. ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. prefiero los caminos a las fronteras. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». Antes que nada soy partidario de vivir…”. la razón que la fuerza. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa.” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». hacer a pensar.

además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor. «Benito» e «Historia de vampiros». La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. presagio de mala muerte. que es el tema que da nombre al disco. liso y muy bien tocado.afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. en la canción «Mensajes de amor de curso legal». interpretado por el famoso cantante Dyango. sin atender. Van buscando los rincones sofocadas las parejas. «Bienaventurados». es decir que toda causa tiene un efecto. niño silvestre que acechando la acera viene y va. indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente. he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. Recién nacido con la inocencia amputada. «Bienaventurados». Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe». el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». hacen planes y se dejan llevar por las emociones. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. «Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. Niño sin niño. Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. Niño de nadie. 193 . que la manada redime su pecado de existir. imprudentes. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra.

que es un canto a la vida. en español y en catalán. la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción. Soledad Jiménez. Sombras de la china. «Y el amor» y «Disculpe el señor». nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos. «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. Mis favoritas: «Los macarras de la moral». de 1998. hasta explotar en una revolución marxista. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor. (Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. «El hombre y el agua». la cual desde la primera nota envuelve al oyente. un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales.Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José». Y «Fe de vida». «El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. por ejemplo. y Joan Manuel Serrat. 194 . Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír. «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica.

y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S). Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 .

LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados.wordpress.com 196 . 2011. ©Óscar Perdomo León. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.

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