LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
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LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

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Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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...155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)……………………………………………………………………….. Beethoven y la violencia…………………………………………………………………………..61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador……………………………………………………………………. Cri-Cri)………………………………………………….175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)………………………………………………………………………..………….....161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador…………………...……………….... El Payador Perseguido………………………………………………………………..…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 .………..51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)…………………………………..…131 Expedición (Silvio Rodríguez)………………………………………………………………………………….…....31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)…………………………………………………. de George benson…………………………………………………………...…….....9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés.…....163 Don Bosco.5 Un alud inevitable (The Beatles)………………..41 Atahualpa Yupanqui...….ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis………………………………………………………………………………………..37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)…………………………………………………..19 El otro lado del Abbey Road...….111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)…. Pamela Robin y El Ático)…………………….. de Ruben Blades………………………………………………………………………………….…………………………………………………….….……….139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)…………………………………………………………………………..27 The Steve Howe Album en Santa Ana…………………………………………………………………….55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)……………………………………………………….…...43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)………………………………………….... el musical…………………………………………………………………………………………..99 Mercurio (Freddie Mercury)……………………………………………………………………………….…..63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler..……….147 Brahms.169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….87 Pancho Lara………………………………………………………………………………………….…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….….. una búsqueda de la raíz latinoamericana…………………………………………………………. de Miles Davis……………………………………………………………….…...….77 Tres canciones de Sting…………………………………………………………………………………….13 Blue in Green..….…..…..73 Zunca..………….….......…151 Los Guaraguao en El Salvador………………………………………………………………………………..121 Tiempos..………………………………………………………….. Serrat y Páez)………………………………….91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson.….35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans………………………………………………………………………...135 Concierto para George (George Harrison)………………………………………………………………….

etc. socioeconómico. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla). Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. pues claro que ha empezado por muy mal camino. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. ¡de ningún tipo de música!. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. por ejemplo. y me parece triste e inconcebible 5 . Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales.BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas. Hay otra que puede deprimir un poco. le da un valor superior. Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música. es decir.S. Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra. La música también es un lenguaje. Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. pueda entender o apreciar a J. Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico. No se puede esperar. que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica. Bach.

desapareció para siempre de mis manos. el saxofón de John Coltrane. por mi lado. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. Beethoven… y la lista es grande. pero este disco –que se lo presté a alguien. Queen. el último traía la “novena”. pero creo que el cuarto movimiento. The Beatles. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. Pablo Milanés. las baladas que canta Marco Antonio Muñiz. digo. la trompeta de Miles Davis. con mi esposa Érika. lo hizo mucho más. por supuesto que en un disco LP. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No.que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. el coral. Me gustan los boleros de Manzanero. Toda la obra me impresionó mucho. Silvio Rodríguez. Pasé algunos años añorando oírla. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos. 6 . Yo. 9 en Re menor de Beethoven. Puccini.

lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor. Incluso. tan característica en el Jazz. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo. A thousand autumns. sus pasajes épicos. 7 . a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí.Son muchos los músicos. su desesperación. Y también posee una gran destreza para la improvisación. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad. A Beethoven lo admiro mucho. es una improvisación muy melódica. Réquiem. que en mi entierro me pongan Cassandra. Branford tiene un don increíble para la interpretación. la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado. lo recrea. su angustia. lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo. Me gusta su energía. lo desarma.si me muero. sus frases musicales de tristeza. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis. lo insinúa. me gusta como juega con el tema principal de la composición.

8 . convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón. Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis. separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo.Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960).

Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música. escuchar y sentir. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. mejor dicho. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos). que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos.UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. ritmos y contrapuntos. me iba a estrellar con fuerza. un par de años después. pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. más bien.los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo. 9 . «A day in the life» traía una batería tan novedosa. como me lo hacían ver -o. Yo compartía esa música con amigos y. Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado.

que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica. Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock. como en un plano cartesiano: las negras. como bien lo describió alguien. dejándome crecer el cabello. las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. “mechudo”. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. Y fue así como de pronto me vi. junto a otros amigos. 10 . sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle.

pasando después por un rock progresivo.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas. los días y las noches en los hospitales. pero con canciones originales. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. también como un alud inevitable. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. Mercedes Sosa y otros. con un aire folklórico. se nos rompieron en el camino. por senderos donde.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 . y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos. Yes y mucha música popular latinoamericana.files.com/2007/09/sargent-peppers. de ser como Los Beatles. como Serrat. Y los sueños. sin darme cuenta.wordpress.blogspot. como cada adolescente ingenuo desde los años ´60. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel.Luego cayó sobre mis oídos Queen. quizás para peor. Silvio Rodríguez. con un aire de son.wordpress. caminando cada quien hacia su propio destino. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara. La vida universitaria. Y de ser un grupo de pop-rock. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. y nuevas luchas me arrastraron. algo de marimba guatemalteca. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente.

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«Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte. y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares. Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos). La de Pablo Milanés dura 8 minutos. la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente.TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. 13 . en sus arreglos musicales. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. Lo mismo pasa con algunos cantantes.

Aparece la tortura como un macabro fantasma. Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte. así sin puntuaciones. botija.Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. el cual es muy conmovedor. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta. sino que también oír el tema del poema. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable. La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. Es una historia muy compleja. He aquí un fragmento del poema en cuestión. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar. lento y sobrio. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha. Dura ocho minutos e inicia con un piano.

El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado.“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés. La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita. La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España. es una combinación muy original. En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas.” 2.Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 .

que habla de diversos temas. la casa. Iberos y romanos. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. En paz descansen esplendores de amor. la plata del olivo griego. moros y cristianos. la llama persa del ciprés. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. el sueño y la heredad. fenicios y godos. en nombre de la cristiandad. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. Y el musulmán lo perdió todo. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. cortes y trovadores. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos.“Mil años hace que el sol pasa. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. dueños del camino del mar.

frustración de los argentinos. algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. Don Segundo y Martín Fierro. con ironía. «Desierto. Y hubo una fiesta de todos. “Argentina. Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza. con mucha creatividad. Fito Páez. aprovecha la ocasión para retratar la tristeza.irreverencia. expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. «La despedida» y «Buena estrella». embriagada. no se esconden en el río. el país de los inventos. «Ahí voy». Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia. Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra. Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”. No te metas. «Al lado del camino». delirante. «Torre de cristal». pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento. Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. «Dos en la ciudad». consta de 12 canciones: «Abre». «La casa desaparecida». en 17 . Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. «Habana». «Tu sonrisa inolvidable». en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). «Es sólo cuestión de actitud». a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. Pero no se detiene ahí. que dura 11 minutos con 29 segundos. El álbum ABRE. Los cadáveres se guardan. Lo hace con audacia. la frustración y algo de la personalidad del argentino. plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. que vio la luz en 1999. No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. con rítmicas palabras que por momentos se atropellan. Argentina. Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. la barbarie y los modales europeos.

18 . por el odio más brutal descuartizadas. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. Muy recomendable. tiernas o sarcásticas. Y tenemos pijas grandes. cada día. Gracias papi por las flores. No son sólo las ideas abundantes. el bandoneón -que no podía faltar.le pone un sabor rioplatense único. Y. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo. Vale la pena oír todo el álbum. nunca me metí en política. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida». largas como mil facones. la Argentina ensimismada. pega duro. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor. aun cuando haya palabras vulgares. el más fuerte penaliza. la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música. que los hombres van de putas para sentirse varones. te hace trizas. Yo que nunca anduve en nada. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. en esta última. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal. por las reivindicaciones. al final de la composición. Fotografías extraídas de Google. maten a los maricones. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. simplemente fui un muchacho hedonista. Nada personal. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. «Buena estrella» y «Habana».palacios de memoria ensangrentada. Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida. pero puede ser muy divino… ”.

El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001. «Freddie Freeloader».” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. 19 . Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis. « All blues» y «Flamenco sketches». época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana.BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. el piano por Bill Evans. ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos. El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte. el saxofón tenor por John Coltrane. el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. «Blue in green». ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado. pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002. constituida por cinco números especiales: «So what». Es relativamente corta. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días.

Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical. Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie. melódica y triste. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. excepto en «Blue in green». Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno. llenas de vida y de fuerza. muy bien tocado pero sin querer robarse el show. 20 . una verdadera joya que ya es parte de mi vida. con una sensualidad inherente. sin pedantería técnica. Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio.youtube. “Cannonball”. La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. Davis y Evans.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto. es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto. pueden seguir este enlace: http://www. Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas. De izquierda a derecha: Coltrane. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra.

org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .creativecommons. Perfiles: http://www.org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.(1) http://es.wikipedia.tomajazz.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search.creativecommons.com/musicos/miles/davis_kindof.org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.

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había sido grabado antes que el «Abbey Road».EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. 23 . era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte. de George Benson. aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. de The Beatles. es decir. Y es que. como «Something». de George Benson. «Golden slumbers» o «Here comes the sun». hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). como en una cadenita. como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together». El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. Portada del álbum «Abbey road». En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road».

muy musical. con ese arreglo tan bien hecho. después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra. Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. La versión original. es una de mis favoritas del «Abbey Road». lo que 24 . Pero las versiones de Benson. como «Something». es decir. Creo que en Jazz. con ese fondo de cuerdas tan elegante. y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados. también están llenas de mucha originalidad. También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones. con lo cual se siente su fuerza jazzística. con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». cantada por Paul McCartney. George Benson siempre ha sido un improvisador genial. en el año de 1969.

tiscali. Participan en la grabación. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines.coveralia. especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road». otras grandes figuras del Jazz.php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www. entre otros.quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas.it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. interpretada en vivo por George Benson.com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road. como Bob James.jpg 25 . Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun». etc.youtube.). junto a George Benson. Herbie Hancock y Ron Carter. Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road».com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www. como si no las estuviera inventando en el momento.com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web. Me encantan.musthear.

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pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales. Y hoy. Con el tiempo. dos colecciones equiparadas en calidad. lo sigo pensando. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969). el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat. pero alejadas en el tiempo. después de casi 30 años. Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones. Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. entre los cantautores de habla hispana. Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas.SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. 27 . debido al espacio de la cinta.

su calidad artística es indiscutible. Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. triste. Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes. sólo él y su guitarra. pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales. Unos con otros nos vamos pasando su música. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. porque los tiene. pero sin llegar al panfleto. 28 . en una película llamada «Palabras de amor». En El Salvador. Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño. porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo. En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos. llena de amor por lo que se dejaba.que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz. del disco «La paloma»*. su letra era nostálgica. de esta canción Serrat cantó un fragmento. Serrat es un artista relativamente poco conocido. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. de donde puedo hablar específicamente.

Fotografías extraídas de: http://www. No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América. pero la primer canción era La paloma. Con tanta música-basura. Todos esos discos son maravillosos. Antonio Machado y Miguel Hernández.cancioneros.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros.La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame. es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti. Joan Manuel Serrat. que se oye en estos días. superflua y sosa.com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro). un poema de Rafael Alberti.

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la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. Eso me gustaba mucho. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud. era de piel blanca. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. Una vez -bien lo recuerdo. Yo tocaba el bajo eléctrico. el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . era Bernardo el que tenía más carisma. él era el alma del grupo. bueno. Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana. el vocalista. ya lo había dicho.en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”. la batería Carlos… y. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin. De todos los miembros del grupo musical. Pero vayámonos al meollo del asunto. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran). el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria.

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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ha empezado la liberación del amante. tacones altos y labios bien dibujados. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. 35 . junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. Esa añeja canción. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”. mirándose. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. unos recuerdos de cosas que nunca he vivido. lado a lado. como otras similares. sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. me provocan un “deja vu”. la cual es «Seguiré mi viaje». tocándose las manos. pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo. coqueteando.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso.

jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop. así.fiu.edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661. ambas con un bello acompañamiento de orquesta.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz. de las que les he hablado: http://www. por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”.com/2010/03/olgaguillot52. una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún.youtube. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto.com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon.la conseguí en un remoto disco LP.files. sin que eso le reste belleza a la canción. con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida.jpg 36 .wordpress.

En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). Había nacido un nuevo estilo de Jazz. 37 .LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones. UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical. Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta. fumando. Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música. el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. Entre 1949 y 1950. las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. el Cool Jazz. Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso.

Kenny Clark. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido. creado principalmente por Dizzy Gillespie. describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 . Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40.”(2) El BeBop. (1) El Cool Jazz es “una música etérea. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos. Ron David.Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. flotante que usa cornos franceses. refiriéndose a Miles Davis. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso.

” (3) ** Más adelante. The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 . en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. especialmente Bird. “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». (4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». son pensadores imposiblemente rápidos. lento y tranquilo que cualquier otro. Pero es un pensador profundo.rápido que tocan Diz y Bird. Después de escucharlos unas pocas veces. te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave. Miles. no es un pensador resplandecientemente rápido. en 1957. a diferencia de Bird y Diz.

London. un disco necesario. p. Argentina.sv/index. 58 (3) Ron David. “Jazz”. “Jazz para principiantes”. «Summertime» (Gershwin). 1998. que es triste. «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans). Argentina. 1998.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 . 58 (4) Bill Kirchner. y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. Buenos Aires. p. todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein. p.com. 1997. Errepar. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio. p. 140 (2) Ron David. Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www.Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin). incluyendo a Miles.contrapunto. «My man´s gone now» (Gershwin). Thames and Hudson Ltd. 1998. (1) Mervyn Cooke. Y luego. “The best of Miles Davis/Gil Evans”. pero ya acercándose al final de la composición. Errepar. lento y apacible. “Their 40-year friendship”. «The best of Miles Davis/Gil Evans». “Jazz para principiantes”. Buenos Aires. todos los vientos metales.

Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo. es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras. 41 . Simplemente son geniales. como el saxofón o la flauta. intercalándose con diferentes instrumentos musicales. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. Esto es algo muy difícil de hacer. como lo decimos en español. Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia. que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra. Excelente interpretación. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello. es decir. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. o. Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”. por ejemplo. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan.cantantes muy buenas en este género musical.

porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”. en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. Un beso respetuoso para ambas.En «Blue skies». estas dos féminas asombrosas.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta. niveles casi alegremente orgásmicos. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. que alcanza. 42 . cantada por Ella. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos). (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista. Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. Fotografías extraídas de imágenes de Google. pero sólo por unos compases. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney.

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

Yo canto. su guitarra chamuscar. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. pero no sumisa.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal. ensalzador de la música. Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. Pueden su rostro manchar. 46 . El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón. Ambientalista. De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia. desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde. libre y denunciador de las injusticias. y al calabozo tirao como tarro al basural. respetuoso de su “paisanaje”. Se puede matar a un hombre. por ser antiguos cantos que ya son eternos. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. trabajadora. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos.

O puedo compartirlo con 47 . El estanciero presume de gauchismo y arrogancia. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. Mas. y se viene abajo el templo de la decencia del país. mas.¡Pero el ideal de la vida. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. cuando regreso a escucharlo. tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda. como granitos de maíz siembran los peores ejemplos. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. A Atahualpa Yupanqui.

Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás. de honor.alguien que también. pobreza. se transporte a un mundo gauchesco. silencioso y con ávidos oídos como yo. 48 . dignidad y espíritu de lucha.

pan. Tengo sueño.cancioneros.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”.com. he amado. tomado dehttp://amediavoz. lágrima. con la música y la palabra. he ganado el silencio. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar. No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre. Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 . tormenta. No dejes que tus labios hallen mis once letras. Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org.com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. el mundo externo e interno del ser humano.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo. la fatalidad de lo clandestino.google. Pronuncia flor.com/dalton. abeja. la intencionalidad del tono.

50 .

3 FM. «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador. conducido por Carlos Bautista. Chamba Elías. entre otros. Neto Buitrago. Óscar Alejandro y Ricky Loza. Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 . «Wave». «Perfidia». 103. Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. como Víctor Tomasino.ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. con repetición los domingos por las tardes. que se transmite todos los martes a las 13 horas. el programa “All that jazz”.

sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador. lo cual no es un pecado. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. En primer plano Neto Buitrago 52 . lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. claro que sí los tenemos. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas. Las condiciones en general no son muy adecuadas. Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte. como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa. pero se están perdiendo de un grandioso placer. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos.

es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte. excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza.Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León. Y felicitaciones también para Carlos Bautista. 53 . la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams». quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador.

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Mercedes Sosa y Gustavo Cerati. la cantora de Latinoamérica. siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. Mercedes Sosa (1935-2009). sin perder su esencia. Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas.ZONA DE PROMESAS. Y sin embargo. 55 .

y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas». un arco iris de voces y ritmos. porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 . que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. de Soda Stereo. La letra de esta canción es muy bonita. Joan Manuela Serrat. ¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas». Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación.Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”.

En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati. y al final al final hay recompensa.blogspot. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. Murió la diosa de la libertad. escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar. perdí una batalla. sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. que respetaba mucho a los otros artistas. Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras. Y además. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero. No está mal ser mi dueño otra vez.html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción. Tarda en llegar. dijo Maradona.Cerati. y no de poco interés es también la reacción de él. por mi lado. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”. al enterarse que ella había dicho eso.com/2009/10/gracias-la-vida. 57 . Yo. Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. Quiero regresar solo a besarla.

pequeña princesa. Se bucear en silencio. cuando regresé todo quemaba. No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas. 58 .Mamá sabe bien.

youtube.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www. Foto de la portada del disco “Zona de promesas.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa.com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www. Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental.youtube.com. en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos.youtube.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 . y hace otros comentarios más:http://www.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www.youtube.taringa. durante el velorio de Mercedes Sosa.youtube.com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www.

60 .

La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. but very wise was he. Natalie Cole. very far over land and sea. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas. A little shy and sad of eye. Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez. He oído muchas versiones de ella.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida. al final. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone. La hija de Nat King Cole. And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. They say he wandered very far. con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. a very strange enchanted boy. 61 . le imprime un ritmo latino. con el bellísimo acompañamiento de una orquesta. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”.youtube. porque es una interpretación vocal muy bien hecha.

sing365.Video de “Nature boy” http://www.unf.edu/35th/founders/images/nataliecole.allthegigs.com/music/lyric.nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .youtube.jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.com/concert-reviews/images/band_pics/1123.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.

Chepito Paiz (batería y tumbadoras). Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. en el siglo XIX. como es la música. El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América. Proyecto Acústico. Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. 63 . donde ha tenido un desarrollo muy variado. teclados y dirección musical). Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. Neto Buitrago (tumbadoras y batería).PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador.

Pues bien. en el corazón de San Salvador. el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa. tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. 64 . Casa y Arte. La Luna.

Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo. pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo. Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 .

Todos estos músicos son viejos lobos de mar.Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. improvisa jazzísticamente con su guitarra. con los ojos cerrados. 66 . ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño. que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz.

como la salsa.sino en otros géneros musicales. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero. la música académica y la música de corte folklórico. También Chamba Elías y Mario Romero. Neto Buitrago 67 . el rock. ambos en la guitarra. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien. tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas.

un joven músico con apenas 20 años de edad. con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica).Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. 68 . se intercambiaron los instrumentos. incluso. que toca el bajo de una manera excepcional. Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. increíble. quienes en una ocasión.

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público. Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. 70 . por su expresividad y variedad.Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público. por su parte. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. Carlos Romero.

subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. Al final del concierto musical.porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales. El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical. sin abandonar nuestra identidad cultural. 71 . quien interpretó “Afro blue”.

com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www.youtube. Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico.y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu. He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www.youtube.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 .Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.

Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas. y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar. -¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-. tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . el grillito cantor. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. ¡Órale. en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. Sus composiciones. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. mejor conocido como Cri Cri. -¡No! -le respondí inmediatamente-. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. al contrario. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños. que supuestamente van dirigidas a un público infantil.

Emmanuel. Víctor Manuel. salidas de un corazón muy observador y sensible. pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». como Plácido Domingo. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. por ejemplo. Miguel Bosé. La lista es casi infinita. pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero». la diferencia de clases sociales y la discriminación racial. no sabe con quién trata. parece que no sabe. Cortado entró el jicote. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea». entre otros. Me gustan casi todas. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas.pequeños. también me gusta mucha «Chinescas». Mocedades. Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. humilde de condición. JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero». araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». Pedro Infante. igualado bigotón». Eugenia León. Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. «Parece. Sus palabras suenan muy sinceras. Ana Belén. «Soy la reina. auténticas. alguien le quiere hablar». la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras.

no sabe con quién trata. la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. ese prieto barrigón». parece que no sabe. Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Silencio quedó el jicote con tanta humillación. porque su afán es que se ha de casar con un emperador. A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor. La sociedad sin clases la creí. pero a según las leyes del país 75 .no cuadra con mi amor». «Parece. La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. «Soy la reina. pero ya vio que no». En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal.

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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tocar «Necrópolis». No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. con todos sus cambios de ritmo. Smoke en 1981 79 . Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis». armonía y melodía era todo un reto.Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES. la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero.

Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. su armonía. se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. pero la calidad tenía que imponerse. buscando sus ritmos. los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país. Gustavo Pineda. por ejemplo. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. que no aparece en esta fotografía. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. 80 .En un punto en el que el grupo SMOKE. he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. De izquierda a derecha: Mario Romero. David. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país. su idiosincrasia. debía ser música popular. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. Aunque teníamos varias cosas en contra. que luego se extendió a lo caribeño. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces. allá por 1984.

Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. la quijada de burro. la caramba. el contrabajo.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. las tumbadoras. la chirimía. el cuatro. Carlos Romero y Chepito Pineda. la concertina. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe. las congas. el violín. 81 . quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. Juan Carlos. la marimba. las maracas. los timbales.como la guitarra. etc.

Carlos Romero. así como en Guatemala y Estados Unidos. sino que bailaba en ciertas canciones. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. 82 . ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya.no me acuerdo). Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León. También. de la estirpe de los pocomames. que estuvo pocos días. Otro miembro.ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador. tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo. Nacido en Atiquizaya. ingenieros y licenciados). otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. Juan Carlos Flamenco. que Zunca se llamó un príncipe precolombino. entre médicos. que no tocaba. José “Chepito” Pineda. quien no tocaba con el grupo. así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. fue David (de cuyo apellido –lo confieso. cuenta una leyenda popular. Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. Otto Hugo Urrutia. todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya.

El negro Nayo. Esa morena. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. El samangueón. la marimba y el contrabajo de Zunca. en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. el violín. Danza del requise. Hubo varias circunstancias. luego inicia la guitarra. corazón. Toñito (el cipote de Santiago). La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. María Blanquita.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. El debercito y La libertad de mi pueblo. cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. Quiero que sepas. La esperanza. 83 . es una tonadilla típica de Costa Rica. El indio Anastasio Aquino. Cada vez.

perteneciente al libro “Cuentos de barro”. 84 . 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. Pieza instrumental. 11-Quiero que sepas. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador. casi todas las características de un himno.El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. quien era un gran pitero. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. escribió Salarrué). La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. pero su letra fue extraída de un poema anónimo. Esta composición musical tiene. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. para mí. 5. 13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. Nos invita a pelear por un mundo mejor. además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. Chabelo. 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. 6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. Hay dos versiones aquí. de nuestro querido escritor Salarrué.

era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. pero el adorno de los hombros y el pecho. Sin embargo. 85 . logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día. que era muy vistoso.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó. ¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica. pero que en el poco tiempo que existió. de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. Sonsonate.

nada estaba de más. salía de nuestro joven y rebelde corazón. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. gran aporte.2. pero no tocaban música original. aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca. Pero lo más importante y trascendental.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. y nosotros. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos.” JUAN CARLOS FLAMENCO. Un abrazo Oscar. es que todo lo que hacíamos. en los textos. sino también por la presencia escénica del grupo. 86 . el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. pienso. en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos. andaban otros grupos. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios. poco tiempo de vida. siempre de esperanza y paz. “Oscar.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos.

Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio. entre otros. Y con el agregado que en la grabación participaron. la canción se volvió aún más querida para mí. Al ir entendiendo su letra. escrita e interpretada por Sting. en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. que me agrada más que la que hizo con The Police. Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. «They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. Una cosa es leer acerca de la tortura.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. Todos estábamos profundamente 87 . Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet.

Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena. La «Gueca solo». Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte. Danzan con los invisibles. Ellas bailan con los desaparecidos. o el baile solitario. hijas y madres de «desaparecidos». Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». Ellas danzan solas. Bailan con los muertos. El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. Danzan con sus hijos. de la policía y la fuerza armada. A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas. Danzan con sus esposos.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. es ejecutado públicamente por las esposas. danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. Y si ellas hablaran. sino practicada. de las fuerzas de seguridad. 88 . Danzan con su silenciosa angustia. Danzan con sus padres.afectados. víctimas de los escuadrones de la muerte. serían desaparecidas también.

Es el dinero extranjero el que lo sostiene. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra. se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis. ni presupuesto para sus armas. Un día ya no habrá más dinero. señor Pinochet. “a países que ellos nunca habían visto”. señor Pinochet. En 89 .Otra mujer en la mesa de tortura. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. todas esas jóvenes vidas traicionadas. Las dos grandes potencias mentían. Piense. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. usted ha sembrado una amarga cosecha. «Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. ni salario para los torturadores. “Un comercio amargo de muerte.

ciertas partes la letra de la canción es irónica. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. “En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos». Compartimos la misma biología. condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. En otras dice verdades espeluznantes. Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. Yo no me suscribo a este punto de vista. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos». (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting. 90 . P. Yo no me suscribo a este punto de vista. sino por la profundidad de sus letras. L.

Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. conocido popularmente como Pancho Lara.PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí. Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara. por pura casualidad. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales. 91 . a don Francisco Antonio Lara Hernández. El Dr. Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador.

se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. piano y mandolina. en San Salvador.Pues bien. jurisdicción de Santa Ana. marimba. el 03 de diciembre de 1900. pero fue asentado en la ciudad de Armenia. Guitarra de Pancho Lara 92 . Sonsonate. Aprendió a tocar guitarra. Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta.

Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros. «Jayaque» y «Las cortadoras». así como 24 prosas poéticas.Sus composiciones musicales más conocidas. hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad. sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero. como «El carbonero». Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 . porque las reconocen como propias. sus composiciones son muchas. Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente.

escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 . de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto. uno de nuestros más grandes literatos. “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica. era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social.algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. por lo que ella le escribió una carta de disculpa.

“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. nuestra más elegante poeta. señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura.” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. sin truco. mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. sin querer casi. nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. sin precio. Lara con el oído (no con las orejas). corazón ingenuo y modesto. diafanidad y sencillez. “Espíritu fino. “Hacer canciones al niño triste. al opacado niño de Cuscatlán. creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . es un milagro que Lara ha hecho sin fama. el corazón de Cuscatlán. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. pues que se sepa. temperamento poético y enamorado del terruño. oiga a Francisco A.

y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.” (2) 96 .nuestros días.

97 .com/biografia.pancholara.php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. porque eso hará más grande a nuestra patria. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original. la música. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara.Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba. (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica.

98 .

. reggue y otros. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana. cuya voz resalta en Guardabarranco. entre rock. pero bueno. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. etc. porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración. musicalmente hablando. Pamela Robin y Guillermo Anderson. Hubo también varios grupos salvadoreños. 99 . por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson. me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. con quien me une un lazo sentimental platónico. Llegué tarde.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. Empezaré con Guillermo Anderson. como Adhesivo. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. en San Salvador. Bajo tierra. así que me perdí de algunos músicos.

sombra de mazapán. baña mi ser. inspiración. reino que invitas al pelícano a jugar. calor. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. tamborista. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras. Costa y calor. noche dulce. originales. donde el mar es indiscutible rey. tabaco y ron. magia del mar. palmerita que baila yacunú. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 . muy coloridas. sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. Escuchar «Costa y calor». maraca. auténticas. canto de hombres que vienen de pescar. mango y bambú. Dame tu luz. tierra mía de yuca y caracol. Piel de coco y ojitos de carey. por ejemplo. Dios me puso a crecer bajo tu sol. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños.

guitarra o lo que sea. como piano. marimba. músico muy completo. también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente.Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. excelente percusionista. Carlos Romero 101 . charango. compositor y arreglista.

Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad. antes de que empezara a cantar. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. Pero la cantó muy bien. También tiene bastante presencia en escena. Con dignidad. le gritaron groserías a la fémina artista. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo. a pesar de las malas presiones. que se encontraban ya impacientes. cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación.*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada. 102 .

no sé dónde. Pamela se robó el show. uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad. no sé cuándo. pregunté cuándo vamos a llegar. estar aquí en el aire sin ti. al mismo tiempo. la dulzura y. Y la noche del concierto no fue diferente. de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional. en la parte que dice “No sé cómo.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. 103 . no sé cuándo. yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». es tan difícil. junto a mí. Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. como a un ángel. Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. Porque es tan difícil. No sé cómo.

estoy seguro que ella lo haría excelentemente. a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury. Pamela Robin: una voz exquisita. “Dear friends” o “Lily of the valley”.La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo. 104 . como “Love of my life”. Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales.

Afinados. Muy bien ensamblado. Un rock interesante y bien tocado. por ejemplo. uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). 105 . un grupo de rock progresivo muy bien coordinado. Y me refiero a El Ático. Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. De verdad que oírlos es un placer extremo. que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto. Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). era el grupo británico YES. La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock.*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. La base rítmica muy bien asentada.

Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. 106 . Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo. teórico y práctico. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos. con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento. Muy entregado. en cada parte de las composiciones.El batero no podía ser mejor.

107 . Ciertamente disfrutaba de su instrumento.El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión. Se le veía tocar muy suelto y seguro.

108 . Muy hábil. Limpio en su toque. con delicadeza al tocar solos lentos.El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales. Los acordes siempre bien armados. pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock. positivo en su propósito. Se observaba tranquilo. Rápido al ejecutar escalas.

en pocas palabras. un trío con gran calidad. El Ático. 109 .El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música.

Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson.Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo. Fotografías: Óscar Perdomo León 110 .

regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. No parábamos de oírlos y oírlos. «Sheer heart attack». lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. de 1974 y «News of the world». Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. mujer u hombre. de los discos y de los hermanos. Mario y Carlos.MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. un concierto grabado en vivo. Un par de semanas después traían otro disco de Queen. el «Jazz». nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. mas pensemos relativamente). me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad. los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción. era «Queen live killers». que sólo saben cacaraquear. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. Y empezamos también a tocar 111 . de 1978. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. de 1977. Yo quedé verdaderamente fascinado. en donde yo vivía. Atiquizaya. las gallinas. Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. con muchas dificultades. de 1979. cantando como sólo lo harían los dioses. Luego mi mamá me compró. Yo aprendí mucho de ellos. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos.

. su nombre es Freddie Mercury. su hermano Carlos la batería. Lo que hoy quiero decir es que para mí. 112 .e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. pero bueno. Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió. una búsqueda de la raíz latinoamericana». mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro.

También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. Esto no podemos saberlo con certeza.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia. es «Rhapsody bohemy». Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. Hay numerosas melodías de gran preciosidad. Su destreza como compositor inspirado en indiscutible. sino también belleza. Y su más grande ejemplo. pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía. De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 . llena de ternura. a las que acompaña con letras interesantes. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. Su timbre de voz es inconfundible. que no el único.

Oír ese estribillo y caer después. save me. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música. tan limpia y sincera. a los 2:20 minutos de la canción. Save me. la característica y majestuosa –royal. 114 . I´m naked and I ´m far from home. en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». save me. I can´t face this life alone. se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar. save me. «Love of my life» o «Somebody to love». calidad en su más alto nivel. músicos tocando de verdad. de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. seguidamente. save me. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. Save me. mágicamente tocada por Brian May y escuchar.guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura.traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción.

por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar. especialmente al verlo cantar. Es más. En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias. estoy convencido que en algunas ocasiones. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania. esa circunstancia le favorecía. del álbum «News Of The World.Quiero decir con énfasis. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas. 115 . porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». en ciertas composiciones. antes que nada. pero también en algunas canciones al escucharlo.

con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes.” (4) 116 . Seal. también grabó el álbum «Barcelona». David Bowie. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho. de una bronconeumonía. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”. como Elton Johnn. titulado «Made In Heaven». uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. Robert Plant.Durante su niñez inició sus clases de piano. Grabó 16 discos originales con Queen. en 1987. “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. Brian y Roger. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. George Michael y Liza Minnelli. Roger Daltrey. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. Metallica. Guns N´ Roses. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”. “En noviembre de 1995. (1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. John. Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda. Estrellas del firmamento pop y rock. se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido.

el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular. Con todo el ímpetu de la juventud. 117 . escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. Con toda su creatividad enardecida. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. “I don´t wanna die. Esta fue la última vez que posó para una foto. I sometimes wish I ´d never been born at all”. A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. * Para los que crecimos con su música. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza. como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70. Si Mercury nunca hubiese nacido. el día de su muerte fue muy triste.Freddie Mercury en 1991.

118 .

de entre todos ellos. Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. No obstante. (5) 119 . sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre.“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia.

la enciclopedia libre.wikipedia. con la discografía completa del grupo. al Viex.biografiasyvidas. la enciclopedia libre.org/wiki/Freddie_Mercury 120 . ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo. porque como cantante.geocities. tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez. Y tenía razón. http://es.org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen.com/biografia/m/mercury. a mis hermanos Mario y Wendy. siempre pienso en mis años de adolescencia. (1) Wikipedia. las cuales fueron extraídas de Wikipedia. excepto las fotografías *. http://es. a Mario Romero Cárcamo. siendo un niño. Freddie Mercury es el campeón. ** y ***. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción.wikipedia. de su página: http://www. pianista y compositor.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. http://www. la enciclopedia libre: http://es.org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen.htm (5) Wikipedia.html (4) Biografías y vidas.wikipedia. como un todo creativo e interpretativo.

Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. la reina del rock. como todo. el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. bueno. tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. pero mis discos favoritos son seis. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. Sobre Mercury. pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock. él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas. Empezaré en orden cronológico. lo que podría llamarse rock-pesado. Muchos de los temas de Queen son.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. 121 . Hace unos días escribí «Mercurio». el batero Roger Taylor. Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas.

El disco «QUEEN» de 1973. «My fairy king». el piano y la guitarra acústica. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia. ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. en retrospectiva. son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. con un ritmo rápido. cambió los vientos y dañó las 122 . las abejas han perdido sus aguijones. ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo. pero que al ser escuchados hoy. los dragones vuelan como gorriones a través del aire. El juego de sus voces. Pero de pronto toda la fantasía se rompe. Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». los cambios de ritmo. lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila. «Liar». la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal. «The night comes down» y «Jesús». «My fairy king». el primer disco del grupo.

en la composición y en la interpretación. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones. Madre Mercurio. El «SHEER HEART ATTACK». Ahora sé lo que estoy haciendo. ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho. la percusión y el bajo. «Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. “Ayer mi vida estaba en la derrota. Hay un tiempo para esperar la salida del sol. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. Y ritmo.es algo que enriquece la obra. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco.” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. que salió al mercado en 1974. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. que si bien es cierto 123 . como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye». en todo se ve un trabajo minucioso.mareas.

dame tu auxilio aunque sea por un momento. que la hace una pieza inigualable y de gran belleza. quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya. y también debido a su rara y original melodía. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta.” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. aunque se llame igual. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. «In the lap of the gods». desde el punto de vista musical. «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. no la letra. porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono. Yago en espera con los ojos abiertos. «Dear friends». sino musicalmente hablando. pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. que nos anuncia el final. breve pero sustanciosa. avanzo a través de cielos tormentosos. Serpiente del Nilo. 124 . cantada con una pasión exorbitante. me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables. porque el lirio del valle la ignora. que Queen enfatiza con sus voces. sigo cada maldición. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico.nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. que aunque es verdaderamente corta tiene. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. que no es la misma que mencioné antes. La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods». Las guerras nunca cesarán. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. que han sido cuidadosamente hechos. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal.

Esta colección de composiciones es como la elevación. La melodía es bellísima. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional. el perfeccionamiento. El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia.En este disco también están las famosas «Killer queen». «Rhapsody bohemy». «Love of my life». uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas. sacado al mercado en 1975. que esta es una de las mejores de todo el disco. Incluye una variedad de 125 . La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. entre el rock y la ópera. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial. ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. Iniciando con «The prophet’s song». es su cuarto disco grabado. «Now I´m here» y «Brighton rock». En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. que ya es un clásico. la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. «UNA NOCHE EN LA ÓPERA».

«Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen. como una especie de desahogo melódico. y la quinta y parte final es lenta y triste. Hay varias melodías rondando en toda la obra.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. la cuarta es la parte más típicamente rock. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal. pero siempre sazonada con unos toques de música académica. 126 . Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días. operística. la segunda es una lenta balada de rock. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace. la tercera parte es la meramente coral. pero resaltan también «Your my best friend». bastante elaborada. Sin duda. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música. que está fluidamente unida a la primera parte. explosiva. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas. con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. Todas las grabaciones son muy buenas.

cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar. «All dead. séptimo disco. por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». lanzado en 1978. 127 . En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. all dead». Del «JAZZ». la mejor de todo este álbum es «We are the champions». le escucho más alma). quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». el sexto disco grabado.«NEWS OF THE WORLD». Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia. Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». «Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio. La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado. ¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender.

«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980. 128 . Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen. Su portada plateada es inolvidable. De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen). «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love». Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust». Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen.

El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”.wikipedia. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar. Queen es un grupo que nunca será olvidado. más impresionante en sus composiciones. http://es. (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. Lo siento más entregado y brioso. la enciclopedia libre.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70. con la discografía completa del grupo. ¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia. De cualquier manera. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León. 129 . sino.

130 .

TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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chelos.EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». él solo lo llena todo. pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. aunque pesa –para mi agrado. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo.más lo primero. La poesía está presente en todas las canciones. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano. piano y otros instrumentos. Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50. un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. no sólo en sus letras sino en la música. corno francés. todo en una soberbia conjunción. Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra. arpa. Se escuchan violines. No estoy en contra de lo moderno. este disco engrandece la música cubana. 135 . Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo.

su belleza es inherente. «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder. es una firme invitación a escuchar todo el disco. que se refiere a un pájaro negro cubano. el cuatro cubano y la flauta. toda la orquesta está en su lugar. La voz de Silvio encaja con maestría. Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia. La trompeta y los violines. Es una composición finamente arreglada. La primera canción «Totí». innegable. cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar. que se llama «El baile». «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico. los referiría a escuchar la segunda canción del disco.La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas. 136 . que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado.

«Tiempo de ser fantasma». «Amanecer». un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN». 137 . poesía musical. «Anoche fue la orquesta». «EXPEDICIÓN». a mi corazón. «Hace no sé qué tiempo ya».Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco. Las otras canciones del disco son: «Fronteras». «Mancha». poesía en las palabras. «Quédate». Imágenes extraídas de Google.

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139 . No tuve la dicha de presenciarlo en vivo.CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD. un año prácticamente después de su muerte.

varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. 140 . el famoso actor Tom Hanks. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. quien además tocó un solo de cítara.El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python. Luego aparecieron uno tras otro. y las que él hizo como solista. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. en uno de los cuales por cierto participó. incrustada admirablemente en una armonía sencilla. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas. Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella. de la Ravi´s Orchestra.

«Give me love» y otras más. Luego siguieron «Old brown shoe». que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. Luego siguieron con «If I needed someone». Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». El concierto. 141 .Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison. siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica. la viuda de George. tocando una guitarra y haciendo coros. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you». y a su hijo Dhani. (Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). cantada por Jeff Lynne. cantada por Clapton.

Cantaron también Jools Holland. 142 . Sam Brown y Jim Capaldi. pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman». Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también. Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones.

de Ringo Star y de Paul McCartney.Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. Preston grabó en los años ´60 con The Beatles. ya más maduro y genial. 143 . Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back». fue muy placentero. Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados.

mostró su simpática personalidad. Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público. Ringo. como siempre. 144 . Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos. una de ellas la compuso con George. Cantó dos canciones. «Photograph».Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie. La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins.

En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. pero con más estruendo. etc. la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines. Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue». violas. mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas). Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something».Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva.). Después Paul cantó «All things must pass». El público se puso de pie nuevamente. McCartney tocaba el piano. 145 .

Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown. cantada magistralmente por Billy Preston. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto. Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados. 146 . Un manjar para los amantes de la música.

nacido en 1941. Por su lado. También ha sido usada en una película del mismo nombre. Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002. por mencionar algunos. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. 147 .TE VERÉ EN MIS SUEÑOS. Joe Brown. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. entre ellos. están Louis Armstrong. Pat Boone. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924. Doris Day y Ella Fitzgerald. interpretada por Joe Brown. Joe Brown.

Someone took you out of my arms. Pues bien. still I feel the thrill of your charms. they will light my way tonight. I’ll see you in my dreams. Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. tender eyes that shine. «Isn’t it a pity?» o. hold you in my dreams.Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. tenía varios. La belleza de las melodías que componía es innegable. utilizando un ukelele para acompañarse. I’ll see you in my dreams. instrumento del cual. la que le dedicó a John Lennon. He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. para mencionar algunas. Lips that once were mine. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams». hold you in my dreams. como por ejemplo «Something». y dos. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele. según ha dicho su hijo Dhani. Someone took you out of my arms. still I feel the thrill of your charms. Lips that once were mine. «All those years ago». esa noche del concierto-homenaje para George Harrison. que creo será recordada por muchos años. agregando unas líneas a la letra original de la canción. tender eyes that shine. they will light my way 148 .

me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison.tonight.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images.uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA. Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano.musica.aol. I’ll see you in my dreams. Soon my eyes will close.co. I’ll see you in my dreams.com. al introducir ese lindo fragmento de letra. I’ll see you in my dreams.google.COM http://www.com. Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long. all the happiness that used to be.google. twilight sings a song.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 .ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images.com/letras. Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar. Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá.

150 .

8 en Fa Op. al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme. con nuestras cuatro hijas. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. por su lado. La primera obra fue la «Sinfonía No. que duró más de un minuto. cello y orquesta en La Op. 93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. ¿Y Brahms? Bueno. asistimos. En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. el violinista y el cellista. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. miembro de la 151 . 102» de Johannes Brahms. conducidas por Irving Ramírez. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. de una belleza poderosa. Se presentaron dos grandes obras musicales.BRAHMS. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie. la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. de San Luís Talpa. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. director asociado.

el joven era una verdadera promesa musical. 3 en Mi bemol mayor. la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No. asesinado hace apenas unos días. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. en la tuba que era su instrumento. la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. En problema de la violencia es muy complejo. también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. 55». una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski. Según se dijo. lleno de un talento innato. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . que incluso había tocado en diciembre pasado. En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. Op. arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos.Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. obra conocida como «Heróica»).

en pocos años más seremos una horda de salvajes. La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos.talentos y creando fuentes de trabajo. similares a los de la época de las cavernas. Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 .

154 .

La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas. Pero además. He ahí la clave de su popularidad. Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. La voz líder 155 . Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita. Por eso su música tiene aún gran actualidad. sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas. Sus palabras salen del corazón. pero muy llenas de emoción. pero son las excepciones.LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao.

Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. «Perdóneme tío Juan». El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral. «Otra vez». El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes». a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 . cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador.. etc. porque recordé que en los años ochenta. «No basta rezar».

Érika y yo. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado.escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte. El bajista 157 . abrazando la tarima. aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años. Estuvimos.

por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos. Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 . vecinos y hermanos. ideologías políticas. Yo. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria. que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. Es más. el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes.La gente estaba emocionada de oírlos.

una foto final con el percusionista.Después del concierto. excepto la última. tomada por José Alfaro. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. 159 .

160 .

161 . Nunca he estado en Argentina. No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. a Leonardo Fabio y a Sandro.GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar. «Inconciente colectivo». «Como la cigarra». «Alfonsina y el mar». Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». Con ella se muere una parte de mi pasado. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. como era conocida en su patria. Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui. pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez. «Al jardín de la república». Todos ellos me han tocado el corazón. etc.

com.pagina12. que hasta me parece un sueño lejano. A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años.ar 162 . que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos. Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www. Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento. Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra.No todos los días se nos va una cantante de verdad. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos».

músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. dirigida magistralmente por German Cáceres. presentando en su música un rostro muy original y profundo. interpretando música de Brahms. El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). pero principalmente fue compositor. 163 . combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo.

de estatura media y escaso cabello blanco. el tocar dos cuerdas al 164 . En esta última ya no participó Silverstein. que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. Y la segunda fue la “Sinfonía No. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. compuesto por Johannes Brahms. Beethoven.En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. Dvorak. ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Su destreza tocando el violín fue tremenda. Ha interpretado a Mendelssohn. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. Brahms. Vivaldi. 120”. Schumann. Silverstein. de Robert Schumann. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”. Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. 4 en re menor op. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. Barber. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. entre otros. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. Tchaikovsky. Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición).

Al final de la obra musical de Brahms.mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. el público ovacionó de pie a los músicos. Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein. Robert Schumann 165 .

Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres. dedicándose en su madurez especialmente a la música. Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones. la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente.En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856). como director invitado. 166 . un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo. tanto como intérprete (era un gran pianista. pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños.

israbox. tan bañado con sangre de inocentes.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia. podría salir adelante. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada. Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país.ca/academic/modern-languages/German/brahms. el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www.mystfx.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www.com/uploads/posts/1177498732_face.jpg 167 .

168 .

continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. EL MUSICAL. 169 .DON BOSCO. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO. el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. montar y ejecutar esta pieza artística. Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir.

quien personificó a Don Bosco. Oscar Guardado.La obra fue espectacular. escenografía. y Luis Miguel Herrarte. Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. como el Cardenal. secretario del Cardenal. 170 . contó con alrededor de 80 artistas en escena. 22 bailarines y 7 actores de reparto. como el párroco. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. como el espíritu maligno. como mamá Margarita. Mercedes López. danza. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. música y las magníficas voces de Samuel Bautista. Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. Nos encantó mucho Regina Cañas. Ángel Rivas. Omar Renderos. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora.

fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical. que acompañó a las voces principales. excelentemente dirigido por Numa Bracamonte. 171 .Numa Bracamonte El coro.

se debió en gran parte a Beatriz Nájera. el éxito de la obra. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas. 172 .Ovacionada de pie por más de un minuto. el diseñador de vestuario y de escenografía. quien fue el director general.

Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. de buena confección. llenó de colorido y robó las miradas del público. La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia. El vestuario. 173 . logró que cada personaje fuera creíble. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente. llamativo y acorde a la escena respectiva.

Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades. Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 . lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento. Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística.

La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). en el cual hubo un combinado de narración histórica. 175 . poesía y música.

Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. 176 . a cargo del guionista Modesto López. que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez.Con una muy buena dirección del evento. todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto. para luego interpretar algunas de sus composiciones. El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo. El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto.

177 . de Nicaragua.La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy. hizo que nos erizáramos.

El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. fue admirable. La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. de México. nos dejó impresionados y muy satisfechos. de Honduras. 178 .

Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados. 179 . Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA.Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse. verse y de repetirse.

hijo del poeta homenajeado. fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”.Entre videos. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad. con la voz del propio Roque Dalton. realizados por Ana Valentina López de Cea. la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada. 180 . Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton.

en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad.Jorge: vos tenés razón. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 .

182 .

los sonara eventualmente en algún programa nocturno. eran un tanto difíciles en aquella época. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. en mi cama a muy altas horas de la noche. Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado. 183 . Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México. pero sólo en grabaciones auditivas.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers. así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. Únicamente sabía que eran argentinos.

Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. 184 . Y. como si fuera poco. Son comedias finas. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar». relativamente. música y crítica social. gracias a la tecnología y a algunos amigos. de las bromas entre nosotros. Manuel Darío. nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers.Despertaron en mí una admiración hacia ellos. son actores increíbles. Juego de palabras e ideas. Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini). les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. comedia. porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. Les Luthiers son una combinación de teatro. Hasta hace poco. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy.

Es admirable la perfección de sus actuaciones. Mastropiero. son de nuestros personajes favoritos.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD. se ríe de todos. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. en las luces. A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. Es importante también decir que ellos. nunca han abandonado sus raíces argentinas. Esther Psícore. las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor. Sin embargo para entender y 185 . Escipión. la ironía. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural. Manuel Darío. de todo y de ellos mismos. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. Ortega. como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. por ejemplo. el Séptimo Regimiento. Felicia y Abelardo. a pesar de ser tan cosmopolitas. en donde la risa. es la práctica la que perfecciona las acciones. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo. San Ícticola de los Peces. la música y las voces son las estrellas en el escenario.

google.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua.sv/imgres?imgurl=http://files.larepublica.3 000.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.com.apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429. la música y el canto.r:16.lesluthiers.google.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www.com.htm Fotografías extraídas de: http://www.sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 . Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas.myopera.com.com/pag1.blogspot.

por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. La gente va muy bien. Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. Esos locos bajitos. A quien corresponda. Cada loco con su tema. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. Del disco homenaje a Miguel Hernández. «Menos tu vientre». Historia de vampiros. Sin embargo. Soneto a mamá. mis favoritas son «Elegía». Pueblo blanco. Antonio Machado y Mario Benedetti. por mencionar sólo algunas. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. «Nanas de la cebolla» y 187 .MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. Por las paredes (mil años hace). una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. Bienaventurados. En esta selección no están todos sus discos. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. como por ejemplo en Fiesta. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera. el gran poeta de la guerra civil española. Es mi derecho como amante de la música.

en plena guerra civil española. nunca despiertes. escarcha de tus días y de mis noches. pero tu sangre escarchada de azúcar. mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. me debéis cuanto he escrito. me encontraréis a bordo ligero de equipaje. hielo negro y escarcha grande y redonda. son «Retrato» y «Del pasado efímero». ya conocéis mi torpe aliño indumentario.” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. Y a cabo nada os debo. que también está en este álbum. No te derrumbes. Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla».la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero. él triste de cebolla. debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. En la cuna del hambre mi niño estaba. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. tu satisfecho. el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho. mi juventud veinte años en tierras de Castilla. al recibir una carta de su esposa. en el buen sentido de la palabra. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. hambre y cebolla. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. triste llevo la boca.«El niño yuntero». a mi trabajo acudo. sin lugar a dudas. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. quien habla solo espera hablar a Dios un día. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares». Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna. pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. mi historia algunos casos que recordar no quiero. ríete siempre. con sangre de cebolla se amamantaba. cebolla y hambre. 188 . mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario. bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. casi desnudo como los hijos de la mar. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”.

que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas.la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». «Vencido». del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar. «Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. pero resaltan «De cartón-piedra». «Como un gorrión». «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». pero la última. mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez». De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. dedicado a los poemas de Mario Benedetti. pero también la dicotomía y la contradicción 189 . Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. «Mi niñez». la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. Del álbum Joan Manuel Serrat 1969. es un poema del poeta León Felipe. en todo caso. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho. ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. la cual es un poema del poeta Rafael Alberti. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático. así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa). «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí.con una fina ironía. No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. que era interpretada por ellos mismos. no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena. y la segunda que es una denuncia de la pobreza.Del disco El sur también existe. las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum».

que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». «Cenicienta de Porcelana». Mis preferidas son «Ciudadano». que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. que cuatro palos tiene la baraja. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. de lejos dicen que se ve más claro. pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina. supe que lo sencillo no es lo necio. que no hay nada que hacer. Y supe que el amor tiene ojos verdes. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. No es que no vuelva porque me he olvidado. que no es igual quien anda y quien camina. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. mamá”.irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. de 1974. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo». Y si te toca llorar es mejor frente al mar. la flauta y la mandolina. 1978. es una colección muy buena de canciones. La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. que las flores nacen 190 . toma tu mula. «Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». que no hay que confundir valor y precio. tal vez mañana sonría la fortuna. «Irene». no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». En este álbum está «De parto». juro por lo que fui que me iría de aquí. la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio. una copla muy tierna dedicada a las embarazadas. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. es que perdí el camino de regreso. pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil. de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna.

fenicios y godos. En paz descansen esplendores de amor. «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné. es verdaderamente una obra de arte. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. que no hay quien confíe en su hermano. moros y cristianos. El mundo es de peaje y de experimentar. 191 .discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos». en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas. la cual rebosa de optimismo. cortes y trovadores. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. Que el mar está agonizando. la llama persa del ciprés. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. dueños del camino del mar. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». en nombre de la cristiandad. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»). el sueño y la heredad. que nadie conoce al vecino. Iberos y romanos. la plata del olivo griego. Y el musulmán lo perdió todo. que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». la casa. He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen.

y que es la que le da nombre al álbum. por conocer. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. me privan más los barrios que el centro de la ciudad. Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. bailar a desfilar. Bienaventurados. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. besar a reñir. y disfrutar a medir. prefiero volar a correr. la unicidad que hacen es tan 192 . del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. hacer a pensar. más que del diccionario. la razón que la fuerza. si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto. prefiero los caminos a las fronteras. palpar a pisar. Nunca es triste la verdad. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. amar a querer. ni que me suba a un taburete. y un Siux más que el Séptimo de caballería.” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. chupando un palo sentados sobre una calabaza. se hace de nuestra medida. el instinto que la urbanidad. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. ganar a perder. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». Su primera canción. tomar a pedir. y los artesanos más que las factorías. lo que no tiene es remedio…”. ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle. Antes que nada soy partidario de vivir…”. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades.

«Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». «Bienaventurados». 193 . que es el tema que da nombre al disco. en la canción «Mensajes de amor de curso legal». liso y muy bien tocado. «Benito» e «Historia de vampiros». «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. Niño de nadie. Van buscando los rincones sofocadas las parejas. indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente. Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. hacen planes y se dejan llevar por las emociones. niño silvestre que acechando la acera viene y va. interpretado por el famoso cantante Dyango. Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad.afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. «Bienaventurados». Recién nacido con la inocencia amputada. además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor. sin atender. En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. que la manada redime su pecado de existir. presagio de mala muerte. el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. Niño sin niño. imprudentes. he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. es decir que toda causa tiene un efecto. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra. Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe».

«El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales. «Y el amor» y «Disculpe el señor». por ejemplo. 194 . la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. la cual desde la primera nota envuelve al oyente. nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos.Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José». «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. (Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). Mis favoritas: «Los macarras de la moral». «El hombre y el agua». que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. de 1998. Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. Sombras de la china. Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír. en español y en catalán. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. que es un canto a la vida. «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. y Joan Manuel Serrat. Soledad Jiménez. «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica. hasta explotar en una revolución marxista. Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción. Y «Fe de vida». puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor.

y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S). Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 .

LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados.com 196 . ©Óscar Perdomo León. 2011.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.wordpress. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon.

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