LA DIOSA MÚSICA

ARTÍCULOS DE OPINIÓN (con algo de anecdótico)

Óscar Perdomo León
Con la colaboración de

Érika Valencia-Perdomo
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LA DIOSA MÚSICA
Derechos Reservados, 2011.

©Óscar Perdomo León.

Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales

Blog personal:
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN

http://oscarperdomoleon.wordpress.com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo.com

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Introducción
(Enamorado de la música)
Lo primero que tengo que decir es que no soy crítico musical ni tengo estudios que me respalden para hacerlo. Todo lo que digo de uno u otro músico es en carácter de un simple y llano sujeto enamorado de la música. Este pequeño libro contiene, pues, mis opiniones muy personales, como melómano que soy, sobre algún músico o algún álbum que ha llamado mi atención. Muchos músicos se han quedado afuera de este trabajo y no es porque los crea menos importantes, sino porque no se me ha dado, por una u otra razón, el escribir sobre ellos. Todos los artículos que aparecen aquí son una recopilación de algunos ya aparecidos en mi bitácora en línea LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN o EN LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR. Debo mencionar también que 7 de los 34 textos que aparecen aquí («Proyecto acústico», «Brahms, Beethoven y la violencia», «Concierto para George», «Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador», «Don Bosco, el musical», «Mis canciones favoritas de Serrat» y «La casa desaparecida») los he co-escrito con mi esposa Érika Valencia-Perdomo. Mirando hacia atrás, cuando aún era yo un niño, me doy cuenta de la tremenda influencia que tuvo mi papá y mi mamá sobre mi amor por la música: casi siempre estaba encendido en mi casa un aparato de sonido, de donde salía muy variada música. Otra cosa muy importante que mencionaré como influencia –aunque otros lo encuentren trivial- es que mi papá cantaba en el baño y en las reuniones familiares y de amigos. Y lo hacía tan bien, con tanta pasión y entrega, con verdadera alegría e inspiración, que uno no podía menos que sentirse atraído por esa no sé si medicina o enfermedad que se llama música. Otra influencia fuerte fue mi encuentro con los hermanos Romero, Carlos y Mario. Ellos me mostraron otra música que yo nunca había escuchado en mi provinciana y pequeña ciudad natal. Además me enseñaron lo poco que sé de cómo tocar la guitarra y el bajo. El tocar un instrumento musical, por muy pobre que sea nuestra ejecución, le abre los ojos, o mejor dicho, los oídos a uno de una manera radical. He aquí pues, estos breves artículos de opinión sobre música.

Óscar Perdomo León

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..…………..99 Mercurio (Freddie Mercury)……………………………………………………………………………….….………... de Ruben Blades…………………………………………………………………………………...... Beethoven y la violencia…………………………………………………………………………. de Miles Davis………………………………………………………………....55 Nature boy (George Benson y Natalie Cole)………………………………………………………...…….….31 Seguiré mi viaje (Olga Guillot y Marco Antonio Muñiz)…………………………………………………..…..51 Zona de promesas (Mercedes Sosa y Gustavo Cerati)………………………………….121 Tiempos.147 Brahms...139 Te veré en mis sueños (Joe Bronw)…………………………………………………………………………. Pamela Robin y El Ático)……………………..………………..13 Blue in Green..……………………………………………………..73 Zunca.….91 Concierto en Metrocentro (Guillermo Anderson.….…...169 Artistas nacionales e internacionales en homenaje a Roque Dalton…………………………………….155 Gracias a la vida (Mercedes Sosa)………………………………………………………………………..…23 Serrat: un cantautor honesto………………………………………………………………………………….………………………………………………………….161 Brahms interpretado por Joseph Silverstein y la Orquesta Sinfónica de El Salvador………………….87 Pancho Lara…………………………………………………………………………………………..…....….41 Atahualpa Yupanqui...37 Dos voces en el jazz (Sara Vaughan y Ella Fitzgerald)………………………………………………….... el musical………………………………………………………………………………………….………. una búsqueda de la raíz latinoamericana…………………………………………………………..43 All that jazz (programa de radio de Carlos Bautista)………………………………………….….135 Concierto para George (George Harrison)………………………………………………………………….….….……….111 Mis discos favortios de Queen (la reina del rock)…..61 Proyecto acústico: jazz en El Salvador…………………………………………………………………….......5 Un alud inevitable (The Beatles)………………..….. El Payador Perseguido………………………………………………………………....... de George benson………………………………………………………….. Cri-Cri)………………………………………………….ÍNDICE Página Beethoven y Marsalis……………………………………………………………………………………….…..35 Lo mejor de Miles Davis y Gil Evans……………………………………………………………………….....9 Tres obras maestras de la música popular (Milanés. Serrat y Páez)………………………………….…131 Expedición (Silvio Rodríguez)…………………………………………………………………………………..…………...175 Les Luthiers (¡Vengan a El Salvador!)……………………………………………………………………….…151 Los Guaraguao en El Salvador……………………………………………………………………………….…183 Mis canciones favoritas de Serrat………………………………………………………………………………187 4 .19 El otro lado del Abbey Road..163 Don Bosco.77 Tres canciones de Sting……………………………………………………………………………………..….63 Jicote aguamielero (Gabilondo Soler...…..27 The Steve Howe Album en Santa Ana…………………………………………………………………….

No se puede esperar. le da un valor superior. Si alguien ha escuchado toda su vida sólo música que tiene “únicamente tres palabras” y además están mal escritas. Hay música que estimula y brinda una atmósfera de creatividad. Es cuestión de educación y de sensibilización del alma y del oído. sus contactos en el pasado con uno y otro tipo de música.BEETHOVEN y MARSALIS Jorge Luis Borges decía que a veces escribía con música de fondo y que ciertos compositores lo alentaban a escribir y otros lo frenaban. No quiero dejar de mencionar que he oído de algunas personas que no disfrutan de la música para nada. y me parece triste e inconcebible 5 . pueda entender o apreciar a J. Todo lenguaje para ser entendido presupone que los interlocutores conozcan el alfabeto y las palabras que intercambian. Todo depende del que escucha y sus antecedentes musicales. Pero también se debe aceptar que hay música más compleja que otra. que alguien que nunca ha escuchado ni siquiera dos minutos de música académica. socioeconómico. etc. y de la intencionalidad que tuvo su compositor. Todo tipo de música es bueno si se analiza y se lo ve desde el punto de vista de su origen histórico.S. pues claro que ha empezado por muy mal camino. ¡de ningún tipo de música!. A veces ese reto de comprender y nadar dentro de su complejidad (y hasta de compararla con la música más sencilla). es decir. Algún tipo de música ayuda a escribir o a pensar. Hay otra que puede deprimir un poco. Y otra desconcentra y ensucia la tranquilidad. por ejemplo. Es cuestión de tener el oído abierto a una nueva experiencia y mirar la música con otros ojos. Bach. La música también es un lenguaje.

6 . lo hizo mucho más. la trompeta de Miles Davis. 9 en Re menor de Beethoven. las baladas que canta Marco Antonio Muñiz. pero este disco –que se lo presté a alguien. Yo tengo el oído abierto a todo tipo de música que tenga cierto nivel de calidad que mi gusto me permita. Cuando era adolescente escuché por primera vez la Sinfonía No. Silvio Rodríguez. el primero que compré fue uno de Ludwig van Beethoven. el coral. por supuesto que en un disco LP. el saxofón de John Coltrane. Toda la obra me impresionó mucho.desapareció para siempre de mis manos. Yo. como lo hizo el grupo ABBA alguna vez: “I say thank you for the music!” Cuando empezaron a aparecer en El Salvador los primeros discos compactos. Queen.que alguien no tenga la sensibilidad para disfrutar de uno de los más grandes artes que ha inventado el ser humano. The Beatles. Puccini. Hace un par de semanas en San Salvador nos dispusimos a buscarla. en realidad adquirí una colección de su música que venía en ocho discos. Volver a oír la “novena” ha sido un gran nutriente para mi espíritu y algo tan gratificante. Pablo Milanés. con mi esposa Érika. Beethoven… y la lista es grande. Me gustan los boleros de Manzanero. Pasé algunos años añorando oírla. pero creo que el cuarto movimiento. por mi lado. digo. el último traía la “novena”.

la emoción que lo alienta a uno a seguir adelante. Trieste o cualquiera de los temas que toca Bradford Marsalis. a más de algunas de mis personas queridas y cercanas les he dicho que –aunque he decidido no morirme nunca. lo recrea. me gusta como juega con el tema principal de la composición. Incluso. A thousand autumns. Branford tiene un don increíble para la interpretación. Escuchar su música me hace creer en la grandeza de la humanidad. lo he escuchado tocar el saxofón soprano y el tenor. sus pasajes épicos. lo eleva a niveles insospechados: viaja hasta el cielo con una melodía diferente pero muy parecida al tema central. Y también posee una gran destreza para la improvisación. lo insinúa. Me gusta su energía.Son muchos los músicos. sin embargo Beethoven siempre ha tenido una magia sobre mí. El otro músico que me emociona y que me empuja a tener ideas o simplemente me eleva en una burbuja de placer es Branford Marsalis. su angustia. sus frases musicales de tristeza. lo desarma. es una improvisación muy melódica. que en mi entierro me pongan Cassandra. Y más al saber que la “novena” la escribió estando sordo.si me muero. 7 . uno de los mejores músicos de Jazz que he escuchado. su desesperación. tan característica en el Jazz. Réquiem. A Beethoven lo admiro mucho. sus momentos de triunfo o que incitan a luchar por un noble objetivo.

Fotografías extraídas de la portada del disco “The best of Beethoven” y de la portada del disco “Requiem” de Branford Marsalis.Beethoven (Bonn 1770 – Viena 1827) yMarsalis (Nueva Orleáns 1960). convergen ambos como una flecha lanzada directamente a mi corazón. 8 . separados por la geografía y por muchos años en la línea del tiempo.

pero para mí era como si apenas fuera 1967 y una explosión de genialidad y originalidad recién estuviera emergiendo. «A day in the life» traía una batería tan novedosa. ritmos y contrapuntos. tan bien sentido y con tanta intuición y sabiduría que nos lanzaba con toda serenidad en la cara que muchas veces “lo menos es lo más” (algo que deberían aprender los bateristas novatos).UN ALUD INEVITABLE Lo que yo no sabía es que después de esas fiebres delirantes que tuve cuando tenía 10 años. y yo sentía como si «La banda del club de corazones solitarios del sargento Pimienta» fuera la novedad más grande en el mundo. más bien. que Ringo daba cada golpe tan bien pensado o. Era 1976 y mis ojos y mis oídos estaban fascinados con su música. Hacía seis años que los Cuatro Fabulosos se habían separado. un par de años después.los músicos Mario Romero Cárcamo y Carlos Romero Cárcamo. como me lo hacían ver -o. 9 . me iba a estrellar con fuerza. un alud intenso pero suave del que nadie escapa si está a su alcance: Los Beatles. Yo compartía esa música con amigos y. contra una avalancha inmensa y llena de colores y sonidos. mejor dicho. escuchar y sentir.

como en un plano cartesiano: las negras. dejándome crecer el cabello. Sus melodías las veía en mi cabeza danzando en gráficos. 10 . como bien lo describió alguien.El álbum «La gira mágica y misteriosa» me gustaba completito y «Strawberry fields forever» y «All you need is love» eran como himnos en mi cabeza. con una guitarra al hombro y tratando de componer canciones. y exponiéndome ante un público deseoso de escuchar algo nuevo: fundamos un grupo de rock. junto a otros amigos. Y aunque yo era prácticamente un niño-adolescente pueblerino que no usaba drogas. las corcheas y las redondas subían y bajaban dentro de una lógica muy bella y casi matemática. que había escuchado relativamente muy poca música popular y académica. “mechudo”. Y fue así como de pronto me vi. sí podía con seguridad apreciar los múltiples colores que traía la música beatle.

Luego cayó sobre mis oídos Queen.blogspot. Y los sueños. y mis amigos y yo cambiábamos también (espero que para mejor) y al final terminamos separándonos. de ser como Los Beatles. mis amigos y yo llegamos a ser intérpretes de música sencilla y popular. como Serrat. Silvio Rodríguez. por senderos donde.jpg Fotografía de la portada del álbum “Magical mystery tour” extraída de:http://beatlesysolistas. pasando después por un rock progresivo. pero con canciones originales.com/2010/08/12/honor-y-fiebres/ 11 . y nuevas luchas me arrastraron. algo de marimba guatemalteca.wordpress. con un aire folklórico.files. caminando cada quien hacia su propio destino.wordpress. se nos rompieron en el camino. Yes y mucha música popular latinoamericana. La vida universitaria. Pepper´s Lonely Heart club band” extraída de: http://ideasdebabel. Y nuevos descubrimientos reventaron en mi cara. Mercedes Sosa y otros. con un aire de son.com/2007/09/sargent-peppers. Y los tiempos cambiaban en nuestro país. quedó perdida mi juventud musical… Fotografía de la portada del álbum “Sgt. como cada adolescente ingenuo desde los años ´60.html ARTÍCULOS RELACIONADOS “Honor y fiebres”: http://oscarperdomoleon. sin darme cuenta. los días y las noches en los hospitales. también como un alud inevitable. Y de ser un grupo de pop-rock. quizás para peor.com/2009/11/los-beatles-portadas-de-albumes-10. La Medicina me abrazó fuerte y era ella mi novia celosa y absorbente.

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Esta composición musical es el poema homónimo escrito por el uruguayo Mario Benedetti y musicado soberbiamente.TRES OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA POPULAR Hay tres obras maestras de la música popular que me han deslumbrado por muchos años. y la de Fito Páez dura más de 11 minutos. en la interpretación de la voz principal y en la extensión de la composición (lo cual siempre complica un poco las cosas a los músicos). Me encantan porque su fuerza no se centra en el famoso estribillo de las canciones populares. La de Pablo Milanés dura 8 minutos. sino más bien en la fuerza de sus letras corridas. Y las tres son interpretadas por tres excelentes cantautores iberoamericanos. la de Joan Manuel Serrat dura 7 minutos y 36 segundos. 13 . en sus arreglos musicales. 1-HOMBRE PRESO QUE MIRA A SU HIJO Siempre he admirado a los actores que en las películas se posesionan de un personaje tan fuertemente que le hacen creer a uno que ese actor no es un histrión sino un personaje real. que interpretan tan bien sus canciones que lo convencen a uno de que lo que están cantando lo han vivido realmente. Lo mismo pasa con algunos cantantes. Y esto ocurre magistralmente con el cubano Pablo Milanés en esta bellísima composición «Hombre preso que mira a su hijo» (que pertenece a su disco de 1982. «Yo me quedo») y quien interpreta con mucho corazón a través de su voz una singular pieza de arte.

He aquí un fragmento del poema en cuestión.Admiro lo complicado de su melodía y el acompañamiento de la orquesta. pero expresada de una manera admirablemente sencilla. ya que habla sobre un hombre que sufre prisión por cuestiones políticas y le cuenta a su hijo sus razones y sufrimientos. así sin puntuaciones. Estoy seguro que no fue tarea fácil la realización de esta obra de arte. Es una historia muy compleja. Dura ocho minutos e inicia con un piano. lento y sobrio. Aparece la tortura como un macabro fantasma. También la necia y heroica resistencia que la víctima hace para no delatar a sus compañeros de lucha. Sin embargo no sólo la música es algo que vale la pena escuchar. sino que también oír el tema del poema. tal como lo escribió Benedetti: “Cuando era como vos me enseñaron las maestras bondadosas y miopes que libertad o muerte era una redundancia a quien se le ocurría en un país donde los presidentes andaban sin capangas “realmente. La crítica a la manera de hacer educación en las escuelas me parece irrefutable. el cual es muy conmovedor. no sabían un corno pobrecitos creían que libertad era tan sólo una palabra aguda que muerte era tan sólo grave o llana que cárceles por suerte una palabra esdrújula “olvidaban poner el acento en el hombre “uno no siempre hace lo que quiere pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere 14 . botija. La voz de Pablo Milanés suena emocionada y muy convincente. al que se van agregando violines y otros instrumentos de la orquesta.

” 2.Por las paredes (mil años hace…) Esta composición de Joan Manuel Serrat apareció en su disco «1978» y desde el principio su tono es poético y épico. En «Por las paredes (mil años hace…)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. La sonoridad de la mandolina y los violines correteando una melodía tan bonita.“llorá nomás botija son macanas que los hombres no lloran aquí lloramos todos gritamos chillamos moqueamos berreamos maldecimos porque es mejor llorar que traicionar porque es mejor llorar que traicionarse llorá pero no olvidés. La voz de Serrat parece ser la de un potente juglar que narra con mucha propiedad la historia de España. es una combinación muy original. El acompañamiento de la orquesta está muy bien pensado. de dictaduras y amores de la madre patria: 15 .

no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. Iberos y romanos. En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. fenicios y godos. la casa. «La casa desaparecida» es una extensa canción de Fito Páez del álbum ABRE. que las flores nacen discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. dueños del camino del mar.“Mil años hace que el sol pasa. pero principalmente sobre los sentimientos de 16 . moros y cristianos. que habla de diversos temas. la plata del olivo griego. que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. así que lo siguiente que reproduzco es lo que ya habíamos escrito juntos. cortes y trovadores. el sueño y la heredad. En paz descansen esplendores de amor. en nombre de la cristiandad. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” 3-LA CASA DESAPARECIDA De esta profunda composición ya habíamos escrito algo hace un par de meses mi esposa Érika y yo. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. Y el musulmán lo perdió todo. la llama persa del ciprés.

a raíz de la derrota de la Argentina en el conflicto de las islas Malvinas. Don Segundo y Martín Fierro. la frustración y algo de la personalidad del argentino. con ironía. «La despedida» y «Buena estrella». en 17 . El álbum ABRE. que vio la luz en 1999. Lo hace con audacia. No te metas. No faltan las alusiones a las drogas y el alcohol. algo habrá hecho ese maleante…Madres muy desesperadas cocinaban y planchaban y hoy sus hijos son caníbales fantasmas. Y esa casa que dejaron escapando entre las balas era el caldo de cultivo a la nostalgia. al sexo y al fútbol (¿cómo olvidarse del Boca y de la copa del Campeonato Mundial de Fútbol?). con rítmicas palabras que por momentos se atropellan.frustración de los argentinos. «La casa desaparecida». «Desierto. Los cadáveres se guardan. la barbarie y los modales europeos. Avanza a través de las encrucijadas de las emociones de un país que ha sido herido en su dignidad y amputado también de su esperanza. Argentina. Fito Páez en la canción “La casa desaparecida”. «Es sólo cuestión de actitud». el país de los inventos. aprovecha la ocasión para retratar la tristeza. Su voz que inicia desgarrada con una denuncia de los horrores de la guerra.irreverencia. con mucha creatividad. ¿qué pasó en la Argentina? Es la casa desaparecida”. «Ahí voy». plasma los sentimientos de un soldado amputado de ambas piernas. delirante. Bienvenidos inmigrantes a este paraíso errante. «Habana». «Al lado del camino». no se esconden en el río. embriagada. Pero he aquí un fragmento de la susodicha copla: “Entre rosas y sarmientos. expresa con una lluvia de ideas mucho de la identidad argentina en un momento determinado de su historia. pero principalmente lo hace con una deliciosa –y acostumbrada en Fito. Fito Páez. «Dos en la ciudad». Y hubo una fiesta de todos. Ya se sabe que el que no arriesga no gana. Se necesita escuchar la canción entera para encontrar toda su grandeza. “Argentina. que dura 11 minutos con 29 segundos. «Tu sonrisa inolvidable». consta de 12 canciones: «Abre». en el reino del silencio cavernario de oropeles un concilio de miserias de rodillas en los cuarteles. «Torre de cristal». Pero no se detiene ahí. Maradona y los misterios del lenguaje metafísico y el gran resentimiento.

18 . Y anacrónicas arengas… La bandera enloquecida. en esta última. pero en lo personal creo que las otras canciones de belleza notable son «La despedida». largas como mil facones. «Buena estrella» y «Habana». al final de la composición. cada día. No son sólo las ideas abundantes. por el odio más brutal descuartizadas. tiernas o sarcásticas. maten a los maricones. Y tenemos pijas grandes.palacios de memoria ensangrentada. Yo que nunca anduve en nada. Fotografías extraídas de Google. que contiene enciclopedia de uno mismo… Es que el mundo es muy cretino. el más fuerte penaliza. Siempre el padre omnipresente de mirada contundente que escondía un seductor muy asexuado. te hace trizas. Muy recomendable. pero puede ser muy divino… ”. el bandoneón -que no podía faltar. en cierta parte de esta canción hay un placentero clímax de vientometales que hace que se ericen los vellos del cuerpo. cada noche y explicarle al mundo entero nuestra nada de la historia universal.le pone un sabor rioplatense único. Y chiquitos y chiquitas inocentes con un arma. la Argentina ensimismada. nunca me metí en política. el amor con que Fito le canta a esa capital latinoamericana es valioso y conmovedor. pega duro. simplemente fui un muchacho hedonista. vos sabés los hijos nunca te fallamos y si mami aún viviera hoy sería jardinera en el cementerio-club de las pasiones. por las reivindicaciones. Nada personal. es el sentido de que lo que uno escucha proviene directamente del corazón. Y. que los hombres van de putas para sentirse varones. Vale la pena oír todo el álbum. aun cuando haya palabras vulgares. naturaleza humana… Y seguir comiendo mierda. Gracias papi por las flores. sino el sincero sentimiento de Fito Páez que relumbra en toda su extensión y su extraordinaria interpretación. la melodía y el ritmo lo que cautiva de esta canción al amante de la música.

ciudad en la que estuve trabajando y que me gustaba mucho por su mezcla de urbe moderna y pueblón con olor a siglo pasado.BLUE IN GREEN de Miles Davis Portada del álbum «Kind of blue» «Blue in green» es una composición musical del género jazz que ha calado hondamente en mi corazón. ya que dura apenas 5 minutos con 37 segundos. el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. constituida por cinco números especiales: «So what». De tal manera que cada vez que escucho «Blue in green» no puedo dejar de relacionarla un poco con esa linda ciudad de occidente. el contrabajo por Paul Chambers y la batería por Jimmy Cobb. «Freddie Freeloader». el saxofón tenor por John Coltrane. Mi primer contacto con este álbum fue a finales del año 2001. Pertenece al «Kind of blue» de Miles Davis. Es relativamente corta.” (1) La trompeta es ejecutada por Miles Davis. El álbum de estudio «Kind of blue” vio la luz en el año de 1959 y es una obra maestra de arte. “La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días. « All blues» y «Flamenco sketches». 19 . el piano por Bill Evans. El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian “Cannonball” Adderley. época en que pasé muchas horas de mi vida en Santa Ana. «Blue in green». pero confieso que lo absorbí hasta principios del año 2002.

pueden seguir este enlace: http://www.com/watch?v=r7dnH5lYHFE «Blue in green» es una auténtica obra maestra.youtube. Le sigue la sublime interpretación de John Coltrane que es algo tan fuera de serie.” (2) Para quienes no hayan escuchado nunca esta pieza de arte del siglo XX y se sientan interesados en conocerla. De izquierda a derecha: Coltrane.Es importante saber que en el folleto adjunto al álbum se menciona que “Cannonball” Adderley tocó en todo el álbum el saxofón alto. una verdadera joya que ya es parte de mi vida. La entrada de la trompeta con sordina de Miles es alta y limpia. excepto en «Blue in green». 20 . melódica y triste. Esta composición musical es lenta y empieza con un piano sereno. Davis y Evans. Es una síntesis de todo lo que es el álbum «Kind of blue»: una amalgama de virtuosismo e ingeniosidad musical. con una compleja sencillez tan bella que puede dejar a cualquiera estupefacto. llenas de vida y de fuerza. Vuelve la trompeta de Miles como con la intención de reafirmar y luego cerrar el ciclo melódico. sin pedantería técnica. Baja el telón musical Bill Evans con una nostálgica serie de notas pausadas. es una de esas ejecuciones intachablemente perfectas. con una sensualidad inherente. “Cannonball”. muy bien tocado pero sin querer robarse el show. Continúa el piano de Bill Evans que suena sobrio. Bill Evans aportó «Blue In Green» y en «Flamenco Sketches» participó junto a Davis en su composición. Con respecto a la autoría del tema Antonio Martín dice lo siguiente: “Aunque en los créditos solo se atribuya a Miles Davis como compositor de los temas.

creativecommons.org/?q=blue+in+green&sourceid=Mozilla-search Fotografía de la grabación del Kind of blue extraída de http://search.com/musicos/miles/davis_kindof. Perfiles: http://www.htm Fotografía de la portada del álbum Kind o blue extraída de http://search.org/wiki/Kind_of_Blue (2) TOMAJAZZ.org/?q=bill+evans+y+miles+davis&sourceid=Mozilla-search 21 .wikipedia.(1) http://es.creativecommons.tomajazz.

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es decir. de The Beatles. hasta un disco que tenía algún tiempo de no escuchar: «El otro lado de Abbey Road». de George Benson. había sido grabado antes que el «Abbey Road». «Golden slumbers» o «Here comes the sun». como en una cadenita. como el popurrí de ocho canciones unidas de más o menos 16 minutos de duración o como «Come together».EL OTRO LADO DE ABBEY ROAD. aunque el álbum «Let it be» salió en 1970. Hace poco acaba de pasar el aniversario del nacimiento de John Lennon (09 de octubre de 1940) y estuve escuchando música de él como solista y también de los 4 Fabulosos y así llegué. Portada del álbum «Abbey road». En 1969 Los Beatles habían grabado y sacado a la luz uno de los más maravillosos discos que hayan hecho juntos: «Abbey Road». era como si esos cuatro genios de la música quisieran dejar como despedida una verdadera obra de arte. El álbum contiene algunas de las más recordadas y bellas composiciones de Los Beatles. que éste fue en verdad la última grabación que hicieron juntos (mientras estaba vivos). 23 . como «Something». Y es que. sin embargo creo que todas las canciones de este álbum merecen ser oídas. de George Benson.

También es interesante lo que hace Benson con las otras composiciones. con ese arreglo tan bien hecho. muy musical. Creo que en Jazz. (El «Abbey Road» fue lanzado el 26 de septiembre y «The other side of Abbey Road» fue grabado entre el 22 de octubre y el 02 de noviembre de 1969). con ese fondo de cuerdas tan elegante. con esa voz intensa y dulce con la que inicia su álbum. es una de mis favoritas del «Abbey Road». y la versión de ella que hace Benson está a la altura de la calidad y la sensibilidad de la original. con lo cual se siente su fuerza jazzística. Pero las versiones de Benson. Sus descargas guitarrísticas tienen un sentido muy melódico. es decir. lo que 24 . que está muy bien construida con una delicada guitarra y numerosos acordes adicionados.Lo increíble es que George Benson grabó y editó su propio álbum el mismo año que salió el original de Los Beatles. Se me hace difícil no sentirme extasiado al volver a escuchar cantar a George Benson «Golden slumbers». después de los cuales se puede apreciar la improvisación de George Benson con la guitarra. La versión original. George Benson siempre ha sido un improvisador genial. en el año de 1969. como «Something». cantada por Paul McCartney. también están llenas de mucha originalidad. que son un grandioso homenaje a los genios de Liverpool y en un estilo jazzístico muy bien elaborado.

como si no las estuviera inventando en el momento. etc.coveralia. Para terminar quiero dejarlos con el enlace del video de la composición de George Harrison «Here comes the sun».quiero decir es que el orden de notas en sus improvisaciones parecen ser melodías muy elaboradas. entre otros. tiene lo delicioso de la interpretación en vivo y un toque funky al final: http://www.musthear.youtube. Participan en la grabación.jpg 25 .com/caratulas/The-Beatles-Abbey-Road-Frontal. como Bob James.php Fotografía de la portada de “The other side of Abbey road” extraída de:http://www. que aunque no es igual a la grabación de estudio (le faltan los violines.it/abbeyroad_experience/ Fotografía de la portada de Abbey Road tomada por Ian MacMillan y extraída de: http://www. junto a George Benson. Me encantan.tiscali.com/music/wpcontent/uploads/2008/10/other-side-abbey-road. especialmente aquellos fanáticos de Los Beatles que ya conozcan previamente esa obra de arte musical llamada «Abbey Road».).com/watch?v=A152E46obM0 Fotografía de The Beatles extraída de: http://web. interpretada en vivo por George Benson. otras grandes figuras del Jazz. Herbie Hancock y Ron Carter. Es muy recomendable que todos escuchen «The other side of Abbey Road».

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entre los cantautores de habla hispana. Recuerdo que me quedé varios días impresionado escuchando detenidamente todas y cada una de las canciones. debido al espacio de la cinta. después de casi 30 años. dos colecciones equiparadas en calidad. pero hay una sinceridad en lo emocional y en lo intelectual en la música de Serrat que siempre me ha conmovido. Pensé entonces que esa cinta era uno de los mejores regalos que alguna vez me había dado alguien. lo sigo pensando. 27 . Sufrí porque las últimas canciones de cada álbum estaban cortadas. he llegado a coleccionar la mayoría de sus discos compactos originales. En un lado estaba «En tránsito» (de 1981) y en el otro lado estaba «La paloma» (de 1969). Recuerdo que los primeros álbumes que oí de él estaban grabados en un cassette que me regaló un amigo de Atiquizaya. pero alejadas en el tiempo. Y hoy. Con el tiempo.SERRAT: UN CANTAUTOR HONESTO Creo que. Es cierto que hay muchos otros que han hecho cosas bellísimas. el que más me gusta y al que más admiro es a Joan Manuel Serrat.

En El Salvador. pero sin llegar al panfleto. Y durante todo ese tiempo transcurrido siempre ha sabido mantener sus ideales de justicia y libertad. En Latinoamérica se le quiere mucho porque sus letras de alguna manera se identifican con el dolor y las alegrías de nuestros pueblos. Pero la versión de estudio tiene un toque tan especial que me sigue gustando mucho. llena de amor por lo que se dejaba. del disco «La paloma»*. pero eso no quiere decir que no tenga muchos fanáticos en todo el territorio salvadoreño. Unos con otros nos vamos pasando su música. triste. tiene también la creatividad y la sensibilidad muy grandes para hacerlo. Serrat es un artista relativamente poco conocido. sólo él y su guitarra. Y de estas grandes premisas habla Serrat en sus canciones. su calidad artística es indiscutible. de donde puedo hablar específicamente. Serrat tiene no sólo la vocación de componer y cantar. en una película llamada «Palabras de amor». porque los tiene. Su música me cautivó desde el principio: sus arreglos y en especial su melodía no eran nada comunes. pero también había una lucha interna que decía -no con estas palabras textuales. 28 . de esta canción Serrat cantó un fragmento. Creo que la trayectoria musical de Serrat ha sido larga y muy creativa. compartiéndola y recomendándola a quien no la conoce. su letra era nostálgica.Una de las canciones que más me gustaba era «En cualquier lugar». porque los programadores de música de la radio y la televisión lo han promovido muy poco.que el horizonte no terminaba frente a nuestra nariz.

Fotografías extraídas de: http://www. que se oye en estos días. También no puedo dejar de mencionar su trabajo con los poemas de Mario Benedetti. superflua y sosa.cancioneros. No está demás decir que él ha sido una influencia poderosa sobre otros cantautores europeos y de América. *«La paloma»: creo que se le llama así para distinguirlo de otros.com/gentdemarratxi/docs/serrat_-_discurso_complutense__ 29 . porque en su portada sólo aparecía el nombre Joan Manuel Serrat. Todos esos discos son maravillosos. De todo esto escribimos hace algún tiempo con mi esposa en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR («Mis canciones favoritas de Serrat» y que en esta ocasión se podrá leer al final de este libro).La mayoría de sus canciones originales mantienen el tono de calidad que hace que uno las ame. es un compositor honesto y de mucha fuerza interpretativa que deberían conocer y escuchar las nuevas generaciones. un poema de Rafael Alberti. pero la primer canción era La paloma. Joan Manuel Serrat. Antonio Machado y Miguel Hernández.com/cc/10/0/discografia-de-joan-manuel-serrat Recomiendo leer el discurso que Serrat dio al recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid: http://issuu. Con tanta música-basura.

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era de piel blanca. él era el alma del grupo. Recuerdo que tocábamos «covers» en inglés de los ´70 y los ´80 en fiestas alrededor de varias ciudades del occidente de El Salvador. Le encantaba cantar música de Led Zeppelin. Hace muchos años conocí a unos músicos intuitivos y apasionados -como casi todo durante la juventud. Pero vayámonos al meollo del asunto. En realidad la banda fue bautizada por Bernardo. Una vez -bien lo recuerdo. Yo tocaba el bajo eléctrico. el cabello rubio oscuro y una voz envidiable. porque aunque tocaba y cantaba canciones comunes y «comerciales» (como se le solía 31 . bueno. ya lo había dicho.tocamos en una fiesta de graduación del colegio San Luis junto al Grupo Bossa. Eso me gustaba mucho. era Bernardo el que tenía más carisma. el vocalista.en Santa Ana y juntos formamos un efímero grupo musical llamado “Barón Rojo”. la batería Carlos… y. y además un gusto musical por el pop-rock y el rock progresivo. el tiempo se ha encargado ya de borrar los nombres de los demás integrantes de mi memoria. la segunda guitarra la tocaba Alex Canizales.THE STEVE HOWE ALBUM en Santa Ana. De todos los miembros del grupo musical. (Ojalá alguno de ellos leyera estas líneas y me los recordaran).

llamar a la música que salía en los radios hasta hastiarlo a uno y que consumía la mayoría de la población), Bernardo realmente amaba la buena música. Yo lo seguía de vez en cuando hasta su casa para oír un rato los discos que tenía y así fue como escuché por primera vez «The Steve Howe Album». Inmediatamente le pedí que me lo grabara y ya en mi casa lo devoré por días y días. Algo que me gustó mucho fue el arte del álbum, la cubierta del disco era muy bonita y estaba llena de dibujos y de fotografías de las diferentes guitarras y mandolinas de Howe.

Yo sólo había escuchado antes a Steve Howe en el grupo de rock progresivo británico YES; pero este álbum de Howe realmente me tocó profundamente el corazón. Es un álbum muy variado en su contenido, tiene música country, pasando por un rock setentero pero muy bien elaborado, hasta llegar a cerrar con el Segundo Movimiento del Concierto en Re de Vivaldi, en donde el mismo Howe hizo un arreglo para guitarra y para un ensamble de cuerdas bellísimo. Steve Howe toca la guitarra solo, toca mientras canta una joven (Clair Hamill), toca su guitarra acompañado de una orquesta de 59 músicos, y por si fuera poco, lo acompañan también, si mal no recuerdo, dos integrantes del grupo YES: Bill Bruford y Alan White, ambos bateros increíbles.

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Steve Howe no tiene el toque de quien interpreta música académica (aunque la toca), ni tampoco la típica forma de rasgar la guitarra de los roqueros, los que lo han oído antes, saben que su manera de tocar la guitarra es absolutamente original. En fin, por todo lo que les he contado, me gustaría compartir con ustedes este enlace de la composición «All´s chord» que forma parte de «The Steve Howe Album»:
http://www.youtube.com/watch?v=Q3hMVdwJVRg

Imágenes del arte de la cubierta del álbum de Steve Howe extraídas de:

http://tralfaz-archives.com/coverart/H/howe.html

POST DATA He aquí el contenido de THE STEVE HOWE ALBUM

Pennants Cactus Boogie All’s a Chord Diary of a Man Who Vanished Look Over Your Shoulder Meadow Rag The Continental Surface Tension Double Rondo Concerto in D

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unos recuerdos de cosas que nunca he vivido. aunque puedas vivir con el mundo a tus pies. tocándose las manos. sin saber que esos “inocentes” juegos conducirán a la procreación de un sujeto que muchos años después en el futuro estará escribiendo cosas y cosas aquí. 35 . pero en realidad se trata de una composición musical de Álvaro Carrillo que ha sido interpretada por numerosos cantantes. lado a lado.SEGUIRÉ MI VIAJE Olga Guillot Cuando hay un amor no correspondido y el enamorado ha entendido que amar sin ser amado es una cruel quimera y entonces decide marcharse a buscar otro destino amoroso. como otras similares. la cual es «Seguiré mi viaje». Esa añeja canción. coqueteando. tacones altos y labios bien dibujados. si mi más grande amor tan pequeño lo ves”. Casi puedo ver a mi papá y a mi mamá adolescentes. junto a muchachas con peinados de los años ´40 del siglo pasado y faldas de paletones. me provocan un “deja vu”. Y la canción suena fuerte en mi cabeza: “No sufriré tu altivez. me veo caminando por las calles empedradas de mi pueblo. ha empezado la liberación del amante. Van a sentir que estoy hablando de una telenovela. mirándose.

youtube.files.jpg 36 .edu/discography_photos/jpgM/photo_M_661. una que la hizo en vivo en Bellas Artes de México y la otra -mucho más vieja aún. por la orquesta y por la voz de estos magníficos cantantes de una época de grandeza.com/2010/03/olgaguillot52. He aquí a Marco Antonio Muñiz con las dos versiones de “Seguiré mi viaje”.la conseguí en un remoto disco LP. sin que eso le reste belleza a la canción.Marco Antonio Muñiz Entre los cantantes que en más aprecio tengo por la manera tan sincera de como interpretan “Seguiré mi viaje” están la cubana Olga Guillot y el mexicano Marco Antonio Muñiz.com/watch?v=4D6JAXmkDhU Fotografía de Olga Guillot extraída de http://oscarperdomoleon. así. con el típico ruido de los viejos discos de aquella época ida.jpg Fotografía de Marco Antonio Muñiz extraída de http://latinpop.fiu. ambas con un bello acompañamiento de orquesta. Debo decir que me siento cautivado por el sonido de su vieja melodía. de las que les he hablado: http://www. De este último hay dos grabaciones que pongo muy en alto.wordpress.

fumando. La colaboración de estos dos músicos dio al Jazz uno de los aportes más grandes que ha recibido este género musical.LO MEJOR DE MILES DAVIS Y GIL EVANS Gil Evans y. el ensamble de Davis y Evans tuvo varias sesiones que desembocaron en varias grabaciones. Entre 1949 y 1950. Miles Davis es un genio en todas esas grabaciones tocando el bugle y la trompeta. UN POCO DE HISTORIA En agosto de 1948 Miles Davis (1926-91) formó un ensamble de nueve músicos. Desde que lo oí la primera vez me enamoré de las interpretaciones tan originales de Miles Davis y comprendí que tenía que escuchar «toda» su música. el cual él mismo describió como un “laboratorio cool de experimentación”. Miles Davis * Creo que para los amantes del Jazz el disco de recopilación «The best of Miles Davis/Gil Evans» fue un gran suceso. Para mí fue mi boleto de entrada al mundo de Miles Davis. 37 . Había nacido un nuevo estilo de Jazz. Así llegué después al «Kind of blue» y otros discos. las cuales terminaron siendo un álbum que se llamó “El nacimiento del Cool”. En el experimento participó en los arreglos el canadiense Gil Evans (1912-88). el Cool Jazz.

Kenny Clark. describe de la siguiente manera el nacimiento del Cool Jazz: “De acuerdo a los apócrifos del Jazz. fue un factor crucial en el nuevo sonido y una forma tangible en la cual su estilo influenció a los trompetistas posteriores”. Miles hizo un inventario de sus propias limitaciones como trompetista y decidió que tratar de tocar más rápido. refiriéndose a Miles Davis. más agudo y más caliente que todos los demás era una empresa condenada al fracaso.”(2) El BeBop. creado principalmente por Dizzy Gillespie. El Cool Jazz surgió como una respuesta contraria al estilo BeBop. una abordaje que demandaba control intelectual y restricción emocional. (1) El Cool Jazz es “una música etérea. arreglos complejos y solos delicadamente tejidos. más agudo y más caliente que Dizzy?) Con la primera audición no puedes más que asombrarte por lo 38 .Portada del disco “El nacimiento del Cool” ¿QUÉ ES EL COOL JAZZ? “Las sesiones del ensamble de nueve músicos fueron «cool» en el sentido que ellos ponían mucho más énfasis en la pre-composición y mucho menos en la improvisación. (¿Quién es capaz de tocar más rápido. Ron David. La tendencia propia de Davis a tocar sin la adición del vibrado expresivo. Thelonious Monk y Charlie (Bird) Parker era el estilo jazístico revolucionario que había nacido en los años ´40. flotante que usa cornos franceses.

(4) Luego grabaron «Porgy and Bess» y entre 1959 y 1960 grabaron «Sketches of Spain». Así que Miles toma el enfoque opuesto: toca más grave. en donde sobresale el adagio del Concierto de Aranjuez. lento y tranquilo que cualquier otro. Después de escucharlos unas pocas veces. Pero es un pensador profundo. especialmente Bird. a diferencia de Bird y Diz. en 1957. no es un pensador resplandecientemente rápido.rápido que tocan Diz y Bird. son pensadores imposiblemente rápidos. Miles. “Nunca antes el lirismo de Davis había recibido una vitrina tan adecuada”. te das cuenta de que no sólo son ejecutantes rápidos. Miles Davis y Gil Evans se vuelven a unir y dan a luz un álbum conocido como «Miles ahead». The best of Miles Davis/Gil Evans *** 39 .” (3) ** Más adelante.

Thames and Hudson Ltd. “Jazz para principiantes”. se van pausadamente a los agudos con una intensidad que me para los pelos del cuerpo. (1) Mervyn Cooke. Buenos Aires. London. 9 Fotografías: * tomada por Vern Smith y ** y *** tomadas por Don Hunstein. «My man´s gone now» (Gershwin). «Corcovado» (Antonio Carlos Jobim) y «The time of the Barracudas» (Davis-Evans). Errepar. «The best of Miles Davis/Gil Evans». que es triste. Argentina. “Their 40-year friendship”. todos paulatinamente vuelven a lo sosegado y a la profunda serenidad. “Jazz para principiantes”. p. pero ya acercándose al final de la composición. lento y apacible. Nota: este artículo fue publicado por ContraPunto: http://www. 58 (3) Ron David. Buenos Aires.com. «Summertime» (Gershwin). 58 (4) Bill Kirchner. un disco necesario.contrapunto. y el bugle de Miles tiene un acompañamiento muy elaborado. En «My man´s gone now» me gusta el contraste del inicio. “Jazz”.Entre mis composiciones favoritas que forman el álbum «The best of Miles Davis/Gil Evans» están «My ship» (Gershwin). Argentina. 1998. p. incluyendo a Miles. p. Y luego. p. 1997.php?option=com_content&view=article&id=1238:jazz-dos-grandes-un-disco&catid=90:elsalvador-cultura-arte-noticias-contrapunto-el-salvador&Itemid=50 40 .sv/index. 140 (2) Ron David. Errepar. 1998. “The best of Miles Davis/Gil Evans”. 1998. todos los vientos metales.

Hay un breve y sencillo solo de piano que es seguido en forma contrastante por un momentáneo solo de batería y entonces Sara despliega toda su creatividad con su “scat”. Esto es algo muy difícil de hacer. pero de entre las que yo he escuchado hay dos voces que llenan –y a veces sobrepasan. es tararear una melodía inventada en el momento usando sílabas sin sentido en vez de palabras.cantantes muy buenas en este género musical. pero Ella y Sara lo realizan de una manera magistral y lo hacen parecer muy sencillo. 41 . por ejemplo. o. Ambas son muy afinadas y con un excelente sentido del ritmo. a la cual impregna con su característica vibración de la voz. intercalándose con diferentes instrumentos musicales. En ambas canciones las dos cantantes -por separadomuestran su destreza para manejar el “scat”. que no es más que la improvisación de un trozo musical pero sin letra. Excelente interpretación. «Lullaby of Birdland» cantada por Sara es una delicia. es decir. Entra de golpe con los viento-metales tarareando y luego empieza con la letra.DOS VOCES EN EL JAZZ En la historia del Jazz ha habido -y hay. Si no las han escuchado se han perdido de todo un acontecimiento. Hay dos composiciones donde ambas hacen un alarde de calidad y de administración de la voz.todas mis exigencias musicales: Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. Simplemente son geniales. que el cantante tiene que hacer un solo de voz como si lo estuviese haciendo con un instrumento musical. hasta caer nuevamente en la letra y la melodía preestablecida de la canción. como lo decimos en español. como el saxofón o la flauta. Ambas tienen un registro vocal admirable y un timbre de voz muy bello.

estas dos féminas asombrosas. sería como si tratáramos de decidir entre Lennon y McCartney. pero sólo por unos compases. Un beso respetuoso para ambas. en la cabina de radio YSUCA –donde yo dirigía hace algunos años el programa “30 minutos de Jazz”. porque la Fitzgerald pronto se sumerge en un destello increíble de “scat”.) Si me preguntan cuál de ellas es la mejor. Creo que el Jazz no sería lo mismo sin el talento que dejaron afortunadamente grabado Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. 42 . (Recuerdo que «Blue skies» me fue revelada por mi amigo Carlos Bautista. niveles casi alegremente orgásmicos. lo cual lo convierte en una experiencia musical inolvidable. cantada por Ella. el cual continúa haciendo la mayor parte de la canción (que dura en total 3 minutos con 45 segundos). que alcanza. la combinación de ambas –la voz y la orquesta-. inicia con una breve probadita de “scat” que es seguida de la estructura preestablecida de la canción.En «Blue skies». Fotografías extraídas de imágenes de Google. A medida que su improvisación avanza se va incorporando cada vez con más intensidad la orquesta.

ATAHUALPA YUPANQUI, EL PAYADOR PERSEGUIDO

Él es considerado uno de los más grandes cantautores de su país. Y sus composiciones han sido interpretadas por numerosos artistas, como Los Chalchaleros, Mercedes Sosa, Alberto Cortez, Víctor Jara y muchos más.

Portada del disco de El payador perseguido

La primera vez que me enfrenté a su música, fue escuchando una de sus más bellas composiciones: «El payador perseguido». El viejo disco Long Play giraba bajo la aguja de diamante, allá a principios de 1980. “¿Quién es?” –pregunté, maravillado y aturdido. “Es el argentino Atahualpa Yupanqui” -me respondieron. Desde entonces su sonido quedó prendido como un rayo en mi memoria.

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Con su voz y su guitarra, Atahualpa Yupanqui (1908-1992) hizo que mis ojos y mi corazón miraran la pampa argentina, desconocida para mí, no develada hasta entonces con tanta fuerza, ni siquiera por Martín Fierro. «El payador perseguido» es un largo poema, en partes cantado y en otras, recitado, con el acompañamiento intermitente y siempre adecuado de una guitarra, tocada por el mismo Yupanqui.
Yo sé que muchos dirán que peco de atrevimiento si largo mi pensamiento pal rumbo que ya elegí, pero siempre hei sido ansi; galopiador contra el viento. Eso lo llevo en la sangre dende mi tatarabuelo. Gente de pata en el suelo fueron mis antepasaos; criollos de cuatro provincias y con indios misturaos. Mi agüelo fue carretero, mi tata fue domador; nunca se buscó dotor pues se curaban con yuyos, o escuchando los murmullos de un estilo de mi flor.

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Una cosa que me asombró y que me tocó profundamente desde el primer momento que lo escuché fue que Atahualpa Yupanqui no sonaba para nada falso en cada palabra que decía. Las coplas salidas de sus labios, dichas con un lenguaje sencillo y rural, pampero, eran hondas confesiones dolorosas, pequeñas anécdotas de lo cotidiano o profundas reflexiones filosóficas. Nunca sonaban sus palabras exageradas, teatrales –en el mal sentido de la palabra- o superficiales. Sus versos siempre provenían intensos desde lo más recóndito de su alma.
Si alguien me dice señor, agradezco el homenaje; mas, soy gaucho entre gauchaje y soy nada entre los sabios. Y son pa’ mi los agravios que le hagan al paisanaje. El trabajo es cosa buena, es lo mejor da la vida; pero la vida es perdida trabajando en campo ajeno. Unos trabajan de trueno y es para otros la llovida. Cuando sentí una alegría; cuando el dolor me golpió; 45

El pillo y el trapalón que se arreglen por su lado con payadores comprados y cantores de salón. trabajadora. respetuoso de su “paisanaje”. su guitarra chamuscar. Pueden su rostro manchar. Yo canto.cuando una duda mordió mi corazón de paisano. por ser antiguos cantos que ya son eternos. Ambientalista. ensalzador de la música. De esos oscuros caminos yo ya tengo la experiencia. pero no sumisa. Con fiereza sin igual más de una vez fui golpiao. desde el fondo de los llanos vino un canto y me curó… Sus pensamientos mostraban su esencia humilde. y al calabozo tirao como tarro al basural. y hasta parecen modernos por lo que en ellos vichamos. 46 . libre y denunciador de las injusticias. Se puede matar a un hombre. El cantor debe ser libre pa desarrollar su cencia. Por la fuerza de mi canto conozco celda y penal. Con el canto nos tapamos para entibiar los inviernos… Yo no canto a los tiranos ni por orden del patrón. Sin buscar la convenencia ni alistarse con padrinos.

mas. Él cree que es extravagancia que su peón viva mejor. no hay flojo que no se venda por una sucia moneda. siempre en mi tierra queda gauchaje que la defienda. y se viene abajo el templo de la decencia del país. Detrás del ruido del oro van los maulas como hacienda. Cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar pues adonde vaya a parar el canto de ese cristiano no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar. O puedo compartirlo con 47 . como granitos de maíz siembran los peores ejemplos. El estanciero presume de gauchismo y arrogancia.¡Pero el ideal de la vida. cuando regreso a escucharlo. La experiencia de escuchar a Atahualpa Yupanqui debe ser algo muy personal. esa es leñita prendida que naide ha de apagar! Los malos se van alzando todo lo que hallan por ahí. Mas. tengo que hacerlo entre el silencio y la serenidad de una habitación semi oscura. no sabe ese señor que por su peón tiene estancia. como cuando sentimos por primera vez el sabor de una fruta silvestre o aspiramos el olor fresco del cabello de nuestra primera novia. A Atahualpa Yupanqui.

dignidad y espíritu de lucha. de honor. Siempre hay alguna tapera en la falda de una sierra y mientras siga esta guerra de injusticias para mí yo he de pensar desde allí canciones para mi tierra. Amigos voy a dejar esta mi parte cumplida en la forma preferida de una milonga pampeana canté de manera llana ciertas cosas de mi vida. se transporte a un mundo gauchesco. pobreza.alguien que también. Y aunque me quiten la vida o engrillen mi libertad y aunque chamusquen quizás mi guitarra en los fogones han de vivir mis canciones en el alma de los demás. silencioso y con ávidos oídos como yo. 48 .

com. con el poema de nuestro querido poeta nacional Roque Dalton: la fuerza y la sinceridad de la interiorización de saberse el cantor del pueblo.com/dalton. he amado.com/nc/2180/0/coplas-del-payadorperseguido-atahualpa-yupanqui Fotografías y dibujos de Atahualpa Yupanqui extraídas de: http://images. con la música y la palabra. Pronuncia flor.No me nombren que es pecao ni comenten mis trinos yo me voy con mi destino hacia el lado donde el sol se pierde tal vez alguno se acuerde que aquí cantó un argentino. No puedo evitar sentir cierto paralelismo en los primeros dos versos de este último párrafo. Cuando sepas que he muerto di sílabas extrañas. tomado dehttp://amediavoz. Tengo sueño. la intencionalidad del tono. abeja. el mundo externo e interno del ser humano. Coplas de “El payador perseguido” extraídas de: http://www. la fatalidad de lo clandestino.sv/images?q=atahualpa%20yupanqui&oe=utf-8&rls=org.google.cancioneros. tormenta. Me refiero al poema “Alta hora de la noche”: Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre. No dejes que tus labios hallen mis once letras. pan. lágrima.mozilla:esAR:official&client=firefox-a&um=1&ie=UTF-8&sa=N&hl=es&tab=wi Fragmento del poema de Roque Dalton “Alta hora de la noche”. Atahualpa Yupanqui: toda una institución en el arte de mostrar. he ganado el silencio.htm#ALTA%20HORA%20DE%20LA%20NOCHE 49 .

50 .

entre otros. Neto Buitrago. con repetición los domingos por las tardes. «El carbonero» y los otros temas fueron grabaciones de presentaciones en vivo en diferentes lugares de El Salvador. «Perfidia». Chamba Elías.ALL THAT JAZZ Ricky Loza El domingo 25 de octubre de 2009 escuché a través de radio Clásica. el programa “All that jazz”. como Víctor Tomasino. que se transmite todos los martes a las 13 horas. Óscar Alejandro y Ricky Loza. «Wave». Carlos Romero Cárcamo tocando el xilófono 51 .3 FM. conducido por Carlos Bautista. Y qué refrescante fue haber escuchado de pronto un poco de jazz interpretado por músicos salvadoreños. 103.

Otro factor importante podría ser la falta de un conservatorio de música en nuestro país. quienes podrían crear y promover las condiciones para un progreso más acelerado de la cultura musical en El Salvador. y también debería ser un estímulo para las nuevas autoridades de la Secretaría de Cultura. Pero también debemos aceptar que otros pueblos en el mundo tienen una cultura musical más elevada que la que tenemos la mayoría de salvadoreños. pero se están perdiendo de un grandioso placer. Y sin embrago ha habido algunos intentos de formar agrupaciones. ni en El Salvador hay un público tan extenso que consuma jazz. lo cual impide la especialización y mejor formación de nuestros músicos. como tampoco hay muchos programas de radio ni televisión que le abran las puertas a la música de improvisación habilidosa. no estoy diciendo con esto que aquí no tengamos músicos buenos. sino más bien debe ser un reto para los músicos y el público en general. Y esa inconsistencia y falta de continuidad en el tiempo de los proyectos jazzísticos ha contribuido al poco desarrollo en la ejecución y la composición de este tipo de arte. que nos lleve a tratar de tener un oído con más apertura hacia la música. Si alguien no logra disfrutar una pieza de jazz es porque no ha entendido este bello género musical. Las condiciones en general no son muy adecuadas. pero la mayoría de estos grupos han tenido una vida muy esporádica. lo cual no es un pecado. En primer plano Neto Buitrago 52 . claro que sí los tenemos. Pero todo esto no debe servir para hacernos sentir acomplejados o inferiores.Sabemos muy bien que el jazz es un género musical muy poco cultivado en nuestro país. No hay lugares abundantes donde se les dé espacio a los músicos jazzistas.

la cual ha sido extraída de su disco «My Dreams». es uno de los mayores promotores de este altísimo y difícil arte. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León. quien con los varios programas que ha tenido de jazz durante muchos años en diferentes radios de El Salvador.Felicitaciones para los músicos que contra corriente se sumergen en el maravilloso mundo del jazz. Y felicitaciones también para Carlos Bautista. excepto la primera fotografía en donde aparece Ricky Loza. 53 .

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la cantora de Latinoamérica. Mercedes Sosa (1935-2009). siempre mantuvo un ideal y un mensaje inalterable: su canto fue siempre dedicado a los excluidos y pobres de nuestro sufrido continente. Mercedes Sosa y Gustavo Cerati. sin perder su esencia. Y sin embargo.ZONA DE PROMESAS. Mercedes tuvo la fortaleza de evolucionar y de cantar con otros artistas. 55 .

porque se sentía nerviosa de cantar junto a 56 . en ese disco había además una única canción nueva y era precisamente «Zona de promesas».Las últimas grabaciones que Mercedes Sosa hizo (Cantora 1 y Cantora 2) antes de morir son un ramillete de colores. Sin embargo hoy quiero hablar de una canción que compuso Gustavo Cerati y que me gusta mucho: «Zona de promesas». Joan Manuela Serrat. La letra de esta canción es muy bonita. que es una composición que salió publicada por primera vez en 1993 en el álbum del mismo nombre. ¿Quién no se refugia en su madre después de un fracaso? Pero también ¿quién no tiene la esperanza que el futuro todo saldrá mejor? Pues bien. un arco iris de voces y ritmos. Una que me estremeció al oírla fue “Aquellas pequeñas cosas”. y conformado básicamente por nuevas versiones de algunas de las canciones más representativas del grupo. Es interesante saber que ella dijo que no pudo dormir dos días antes de la grabación. la cual Mercedes canta con uno de mis cantautores favoritos. de Soda Stereo. esta nueva versión de «Zona de promesas» grabada por Mercedes y Cerati es una verdadera belleza.

sin importar que fueran más jóvenes o tal vez menos famosos que ella. Y esto nos lleva a deducir que era una verdadera amante de la música y que lo que cantaba lo sentía de veras. Tarda en llegar. Murió la diosa de la libertad. Creo que el cariño de todos hacia ella ha sido sincero. En el ciberespacio hay un pequeño video que documenta las palabras de Mercedes Sosa y de Gustavo Cerati. ZONA DE PROMESAS Mamá sabe bien. Lo anterior sólo demuestra la gran sensibilidad y la humildad de Mercedes Sosa. al enterarse que ella había dicho eso. con Mercedes Sosa y con Gustavo Cerati. Miles de frases de cariño han surgido de gente famosa y también del pueblo común y corriente. y Fito Páez refirió que Mercedes quedaba marcada para la eternidad. dijo Maradona. Y además.Cerati. y no de poco interés es también la reacción de él. No está mal ser mi dueño otra vez. 57 . escribí 05 de octubre de 2009 un pequeño comentario sobre Mercedes Sosa (“Gracias a la vida”) en LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR:http://laesquinaderikayoscar. ni temer que el río sangre y calme al contarle mis plegarias. por mi lado. perdí una batalla.com/2009/10/gracias-la-vida. Yo. Cerati expresó que cómo era posible que ella se pusiera nerviosa cuando ella era “LA VOZ”. Quiero regresar solo a besarla. y al final al final hay recompensa.blogspot.html Les dejo aquí abajo la letra de “Zona de promesas” y además las direcciones para que alcancen algunos videos de interés relacionados con esta canción. que respetaba mucho a los otros artistas.

No está mal sumergirme otra vez ni temer que el río sangre y calme.Mamá sabe bien. Se bucear en silencio. cuando regresé todo quemaba. 58 . pequeña princesa. Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… Tarda en llegar y al final al final hay recompensa… en la zona de promesas.

Fotografías del disco Cantora 1 y Cantora 2 fueron extraídas de Google imágenes.taringa. Foto de la portada del disco “Zona de promesas. en un concierto en homenaje a Soda Stereo: http://www.youtube.ar/soda_stereo/discografia/especiales/Zona_de_Promesas/ Canción “Zona de promesas” completa. y hace otros comentarios más:http://www.com/watch?v=nC9ClKdkxDQ&feature=related 59 .com/watch?v=4APYSwWYEBo Video documental de cuando Gustavo Cerati y Mercedes Sosa grabaron “Zona de promesas”:http://www.com/watch?v=GecEjNeBSgk http://www.com.youtube.youtube.net/posts/videos/3492977/Zona-de-promesas:-Cerati-+-M_-SosaDocumental.com/watch?v=FWUvFm7csvU&feature=related En la siguiente dirección pueden oír una versión en vivo de “zona de promesas” con Fito Páez.com/watch?v=W6NKFr2uQWI&feature=related Recomiendo estos dos videos en donde se habla brevemente de la vida de Mercedes Sosa: http://www. en donde él da sus impresiones en cuanto a que ella se sintiera nerviosa los días previos a que grabaran juntos. durante el velorio de Mercedes Sosa.youtube. con fotografías de Sosa y Cerati en: http://www. Mixes 1984 – 1993” extraída de:http://zonadepromesasweb.html Video de Gustavo Cerati dando declaraciones el 04 de octubre de 2009.youtube.

60 .

porque es una interpretación vocal muy bien hecha.youtube. le imprime un ritmo latino. La cantada por la chilena Claudia Acuña me gusta mucho. They say he wandered very far. como la del dios del jazz Miles Davis o la del japonés Makoto Ozone. but very wise was he. con un arreglo muy moderno de jazz y al cual. He oído muchas versiones de ella. fools and kings this he said to me: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”. And then one day a magic day he passed my way and while we spoke of many things. very far over land and sea.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-mainarea NATURE BOY There was a boy. 61 . grabó hace unos años un disco homenaje a su padre en donde cantó también “Nature boy”. Salió al aire por primera vez en 1947 y fue compuesta por Eden Ahbez. Pero la interpretación que hacen en vivo George Benson y Natalie Cole es una de las más grandiosas: http://www.NATURE BOY “Nature boy” es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida. La hija de Nat King Cole. al final. empezando por supuesto con la que canta Nat King Cole y pasando por algunas versiones instrumentales muy buenas. a very strange enchanted boy. con el bellísimo acompañamiento de una orquesta. Natalie Cole. A little shy and sad of eye.

nsf/Nature-Boy-lyrics-Nat-KingCole/ADF31EF29958DA5948256AF1000B59DE 62 .edu/35th/founders/images/nataliecole.youtube.Video de “Nature boy” http://www.com/concert-reviews/images/band_pics/1123.sing365.com/music/lyric.unf.com/watch?v=yqNRReLD9CU#watch-main-area Foto de George Benson extraída de: http://www.allthegigs.jpg Foto de Natalie Cole extraída de:http://www.jpg Letra de “Nature boy”: http://www.

donde ha tenido un desarrollo muy variado. Proyecto Acústico. 63 .PROYECTO ACÚSTICO: jazz en El Salvador. y desde entonces se ha extendido a casi todos los países del mundo. Chamba Elías (guitarra) y Carlos Alberto Romero Cárcamo (vibráfono. en el siglo XIX. como es la música. Neto Buitrago (tumbadoras y batería). Mario Edgardo Romero Cárcamo (guitarra). El jazz se originó como un germen de la expresión cultural y musical de los esclavos negros de los Estados Unidos de América. según la fusión que ha tenido este género musical con la cultura musical de cada país. Hay unos pocos músicos que andan por ahí tratando de mantener viva la llama del jazz en El Salvador. Excelente contribución para el desarrollo de una de las artes más bellas. De izquierda a derecha: Juan Carlos Romero Cárcamo (bajo). teclados y dirección musical). Chepito Paiz (batería y tumbadoras).

tuvo un lleno rotundo ante la presentación de Proyecto Acústico. La Luna. Casa y Arte. 64 . el cual fue muy aplaudido por su calidad interpretativa.Pues bien. en el corazón de San Salvador.

Carlos Alberto Romero Cárcamo 65 . pero principalmente interpretaron música original compuesta por Carlos Alberto Romero Cárcamo. Chamba Elías y Mario Edgardo Romero Cárcamo.Proyecto Acústico es un grupo musical salvadoreño de jazz y la noche del jueves 13 de enero de 2011 se presentó en un concierto con un par de composiciones ya clásicas en el jazz.

que han tenido una trayectoria importante y no sólo en jazz. 66 .Chamba Elías Mario Edgardo Romero Cárcamo. con los ojos cerrados. improvisa jazzísticamente con su guitarra. Todos estos músicos son viejos lobos de mar. ampliamente conocidos en el ámbito musical salvadoreño.

como la salsa. Neto Buitrago 67 . También Chamba Elías y Mario Romero. el rock. Es de hacer notar la forma tan relajada y limpia en como toca Carlos Romero. tuvieron unas improvisaciones jazzísticas muy destacadas. ambos en la guitarra.sino en otros géneros musicales. la música académica y la música de corte folklórico. Todos son excelentes músicos y saben tocar muy bien.

incluso. increíble. con un nivel de profesionalismo intachable (no en valde es miembro de la Sinfónica Nacional de El Salvador y ha sido seleccionado también para formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Centroamérica). que toca el bajo de una manera excepcional. quienes en una ocasión.Chepito Paiz La percusión fue hábilmente salvada por Neto Buitrago y Chepito Paiz. 68 . Es importante mencionar la presencia de Juan Carlos Romero Cárcamo. un joven músico con apenas 20 años de edad. se intercambiaron los instrumentos.

Juan Carlos Romero Cárcamo 69 .

Carlos Romero. Es importante resaltar el arreglo musical jazzístico que hizo Carlos Romero a la música folklórica de los Enmascarados de Cuisnahaut. También Mario Romero fue aplaudido al presentar una composición inspirada y dedicada a su pequeña hija Cristina. 70 . por su parte. por su expresividad y variedad. presentó varias composiciones originales que gustaron mucho al público.Las composiciones de Chamba Elías fueron muy bien aceptadas por el público.

sin abandonar nuestra identidad cultural.porque nos lleva a nuestras raíces de una manera diferente y especial. subió al escenario el saxofonista Roberto Vargas. El hecho que se retome la música folklórica para desarrollarla en otro género musical. quien interpretó “Afro blue”. 71 . Al final del concierto musical. sirve como base para exploraciones y experimentos hacia nuevas expresiones musicales.

Texto y fotografías: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Siguiendo estos enlaces podrán escuchar a PROYECTO ACÚSTICO.com/watch?v=PqACYuxETHI 72 . He aquí «Un nuevo día» (compuesta por Carlos Romero):http://www.com/watch?v=EdEmg7n4lmM&feature=uploademail y «Pronto te lo diré»(escrita por Chamba Elías):http://www.youtube. Sería fabuloso que en un futuro cercano pudiésemos escuchar en un disco compacto la música original de Proyecto Acústico.Nos alegra que haya gente tan talentosa como la de Proyecto Acústico que se atreve a ir más allá de la mera interpretación -que no es poco.youtube.y se arriesga a componer música de mucha calidad para satisfacer las necesidades del espíritu.

Me gusta que sus canciones sean muy descriptivas.JICOTE AGUAMIELERO Hace un par de años me encontré cerca de la UCA con un mexicano con quien entablé una amena plática. En este sentido Gabilondo Soler nunca subestimó la inteligencia de los niños. -¡Cri-Cri! -dijo asombrado el mexicano-. nació en México el 06 de octubre de 1907 y falleció el 14 de diciembre de 1990. -¡No! -le respondí inmediatamente-. Entre algunas de las cosas que hablamos le pregunté: -¿Quién es el mejor compositor de música popular de México? -Juan Gabriel -me respondió él sin vacilar. ¡Órale. y aprecio y reconozco que siempre use en ellas la palabra adecuada y la coloque donde debe estar. El mejor compositor de México se llama Gabilondo Soler. al contrario. Sus letras están cargadas de ingeniosidad y contienen un vocabulario bastante extenso. mejor conocido como Cri Cri. tienes razón! Francisco Gabilondo Soler. en realidad pueden ser disfrutadas por un público adolescente o adulto. Sus composiciones. creo que con sus composiciones trató de estimular la imaginación y el conocimiento de los 73 . que supuestamente van dirigidas a un público infantil. el grillito cantor.

Mocedades. pero ilusionado de pedir… pedirle su corazón. como Plácido Domingo. también me gusta mucha «Chinescas». JICOTE AGUAMIELERO La reina de las abejas estaba en el panal y le dijeron: «Regia majestad. Eugenia León. araña» o la magnífica fotografía de una ceremonia matrimonial en «Casamiento de los palomos». la diferencia de clases sociales y la discriminación racial. salidas de un corazón muy observador y sensible. por ejemplo. entre otros. parece que no sabe. Sus palabras suenan muy sinceras. no sabe con quién trata. puede uno de pronto reír al escuchar la picardía de la letra de «La olla y el comal» o la de «El ropavejero». Cortado entró el jicote. Víctor Manuel. «Parece. compuso más de 200 piezas y algunas de ellas fueron cantadas también por otros grandes artistas. Miguel Bosé. Algunos otros artistas como Alejandro Lora. auténticas. La temática de sus letras es muy variada y sus canciones tienen la característica de ser muy conmovedoras. en donde los personajes hablan según les corresponde y Gabilondo Soler retrata de una manera espléndida el amor no correspondido. Emmanuel. pero mi preferida es sin duda «Jicote aguamielero».pequeños. y pasar a las lágrimas con «Dí por qué» o con «La muñeca fea». la reina por bonita y un jicote aguamielero 74 . igualado bigotón». La lista es casi infinita. Pedro Martínez y Roberto Gómez Bolaños han compuesto canciones dedicadas a Cri Cri. y luego pasar a la nostalgia con «El ropero». Pedro Infante. Me gustan casi todas. pero tengo algunas favoritas como el tango «Che. Las composiciones de Francisco Gabilondo Soler son numerosas. alguien le quiere hablar». «Soy la reina. humilde de condición. Ana Belén.

Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. no sabe con quién trata. La sociedad sin clases la creí. la reina por bonita y un jicote aguamielero no cuadra con mi amor». Silencio quedó el jicote con tanta humillación. pero ya vio que no». Fruncido quedó el jicote arqueándose de dolor. parece que no sabe. La reina de las abejas estaba libando miel y una de sus obreras le gritó: « ¡Ahí está de nuevo aquel!» Mandando cerrar la puerta la reina se le negó. «Soy la reina. A la orgullosa reina del panal así le contestó: «Leí que éramos iguales a según la Constitución. pero a según las leyes del país 75 . «Parece. En su pesar cantando el infeliz así se despidió: «Adiós reinecita hermosa que me trató tan mal. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey. porque su afán es que se ha de casar con un emperador. ese prieto barrigón».no cuadra con mi amor».

aquí todos son igual». Y el jicote aguamielero con bigotes de aguacero rezumbando regresó a su maguey. Sin rubores en la frente porque ultimadamente a la sombra de las pencas es el rey.

¡Letras perspicaces, divertidas! ¿Y qué decir de su música? Toda está muy bien tocada y elaborada, y siempre muy adecuada al tema de la letra, lo cual es muy difícil de hacer. Muchos ritmos y tipos de música fueron ejecutados por Gabilondo Soler. Y esa combinación de música y letra de una manera tan magistral es un arte no muy abundante. Definitivamente Gabilondo Soler tenía un don admirable.

Fotografía: Óscar Perdomo León

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ZUNCA, una búsqueda de la raíz latinoamericana

José “Chepito” Pineda, una de las voces de Zunca.

Un joven de Atiquizaya, departamento de Ahuachapán, me escribió diciéndome entre otras cosas, lo siguiente: “…es un gusto para mi poderle escribir después de
haber visitado su blog y leer sobre el grupo Zunca. Actualmente estoy interesado por conocer más de la historia de Mi Ciudad Atiquizaya, tengo 25 años y nunca escuché de este grupo y me sorprende que estas cosas no se mencionen en la actualidad. Le escribo con el interés de informarme de parte suya sobre de este grupo…”

Smoke en una presentación en 1979. La batería era pequeña. Y nosotros éramos casi unos niños.

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Bueno, trataré de hablar de ZUNCA con la mayor honestidad y de la manera en que tengo alojados mis recuerdos de esa bella etapa de mi vida. El grupo musical ZUNCA nació como una contradicción. ¿Una contradicción? Sí. Para explicar esto debo remontarme en el tiempo, a la época en que unos amigos y yo, entre 1978 y el ´79 hicimos un grupo musical de pop-rock que llamamos SMOKE. Estos amigos eran los hermanos Mario y Carlos Romero.

Mi hermano, Mario Roberto Perdomo, tocó en los inicios del grupo SMOKE.

Tocábamos canciones originales; pero también tocábamos canciones de The Beatles, de Queen y de otros.

El 05 de diciembre de 1980 Smoke realizó un concierto. El local fue la escuela

Menéndez de Atiquizaya. De izquierda a derecha: Óscar Perdomo León en el bajo, Mario Romero en la guitarra eléctrica y Walter Cárcamo (ya fallecido) en la

guitarra acústica. Atrás: Carlos Romero en la batería.

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el Doctor Mario Edgardo Romero y la Licenciada Teresa Cárcamo de Romero. con todos sus cambios de ritmo.Este grupo fue evolucionando gradualmente y las composiciones originales se fueron haciendo cada vez más largas y complicadas. armonía y melodía era todo un reto. Y la composición musical original que más recuerdo de este período es «Necrópolis». tocar «Necrópolis». No puedo dejar de mencionar el soporte logístico y moral que nos daban los padres de Mario y Carlos Romero. Smoke en 1981 79 . Aquí estoy tocando el bajo eléctrico en mis días con Smoke. la cual tenía mucho trabajo en arreglos y recuerdo muy bien que el bajo tenía por su lado casi una melodía paralela a la melodía principal. ya en esta época estábamos muy influenciados por el rock del grupo británico YES.

En un punto en el que el grupo SMOKE. Tuvimos muy claro desde el inicio que no nos queríamos convertir en un grupo de música panfletaria. Aunque teníamos varias cosas en contra. 80 . como la revista ECA o los poemas de Roque Dalton. Carlos Romero y Juan Carlos Flamenco. allá por 1984. Más tarde se incorporó al grupo José “Chepito” Pineda. sin embargo ensayábamos y componíamos con mucha pasión. su armonía. buscando sus ritmos. su idiosincrasia. que no aparece en esta fotografía. he ahí la contradicción de la que hablaba al principio. De izquierda a derecha: Mario Romero. se había desarrollado bastante en cuanto a composición y ejecución de sus instrumentos. pero la calidad tenía que imponerse. Todos sentimos en nuestro corazón que no podíamos seguir tocando una música tan alejada de nuestras raíces. David. que luego se extendió a lo caribeño. Acurrucados: Óscar Perdomo León y Otto Hugo Urrutia. los miembros del grupo nos encontrábamos en un país en plena guerra civil y nos enfrentábamos cada vez más a menudo con lecturas muy críticas de la situación social y política del país. por ejemplo. como el hecho de no tener un equipo de sonido excelente ni un estudio de grabación adecuado. Gustavo Pineda. todo lo cual nos llevó a tomar partido por el bando que luchaba por conseguir la justicia social y la libertad de expresión que no había en nuestro país. entonces nos embarcamos en un viaje de investigación sobre la música salvadoreña y centroamericana. debía ser música popular.

como la guitarra. quien en aquellos días se presentó en varias ocasiones bailando al ritmo de Zunca. etc. el contrabajo. Juan Carlos. ZUNCA usaba instrumentos musicales -algunos de ellos propios o muy comunes de la región centroamericana y del caribe. las congas. Aquí estamos en una presentación en el teatro de Atiquizaya. En esta foto se puede observar a la izquierda a la actriz del grupo de teatro Hamlet Ofelia Bustos. la marimba. los timbales. la quijada de burro. Carlos Romero y Chepito Pineda. el violín. la concertina. el cuatro. la caramba. las tumbadoras.Prácticamente el grupo tenía cuatro primeras voces: Otto Hugo. las maracas. 81 . la chirimía.

También.no me acuerdo). Otro miembro. José “Chepito” Pineda.ZUNCA asistió a numerosos festivales que se organizaban en la Universidad de El Salvador. Cuando fuimos a Estados Unidos nos ayudó mucho José Max Portillo. Nacido en Atiquizaya. Otto Hugo Urrutia. que Zunca se llamó un príncipe precolombino. ingenieros y licenciados). cuenta una leyenda popular. Carlos Romero. sino que bailaba en ciertas canciones. Gustavo Pineda y Óscar Perdomo León. excepto Gustavo y en la actualidad ya todos son profesionales. de la estirpe de los pocomames. que estuvo pocos días. entre médicos. que no tocaba. todos estudiantes universitarios de aquellos días (y originarios de Atiquizaya. tuvo un amor frustrado con la princesa Agüijuyo. pero tenía mucha experiencia en aquel país y conocía muy bien Los Ángeles y San Francisco. 82 . El nombre ZUNCA se origina del nombre de un cantón perteneciente a la jurisdicción de Atiquizaya. el príncipe Zunca era un líder bondadoso con su pueblo. ZUNCA estaba constituido por Mario Romero. provenientes de los mayas de la zona occidental de lo que sería después El Salvador. Juan Carlos Flamenco. así como en Guatemala y Estados Unidos. fue David (de cuyo apellido –lo confieso. así como a otros eventos en los que se protestaba contra las injusticias de los gobiernos de turno (recuerdo que uno de los grupos populares musicales más famosos de esos días y que compartió escenario en varias ocasiones con ZUNCA fue GÜINAMA). otro miembro de la fase final del grupo fue Neto Buitrago. ZUNCA tocó en numerosos lugares del territorio salvadoreño. quien no tocaba con el grupo.

María Blanquita. es una tonadilla típica de Costa Rica. Cada vez. Toñito (el cipote de Santiago). en mi caso era difícil continuar con la música mientras estudiaba la absorbente carrera de Medicina. luego inicia la guitarra. Quiero que sepas. Esa morena. Danza del requise. El indio Anastasio Aquino. La esperanza.Nos gustaba tanto la música que llevábamos nuestros instrumentos a los ríos y a las caminatas que hacíamos. He aquí algunas de las composiciones musicales de ZUNCA: El surco de don Simeón. 2-Punto Guanacasteco es una canción instrumental con un ritmo alegre. El debercito y La libertad de mi pueblo. una de las de mayor peso fue que todos los miembros estábamos adquiriendo más responsabilidades con el estudio o con el trabajo. La canción habla sobre el problema de la tenencia de la tierra. Hubo varias circunstancias. corazón. cuya introducción es un fragmento de una grabación de la “Banda Típica de Ciudad Delgado”. El samangueón. la marimba y el contrabajo de Zunca. He aquí una explicación de cada una: 1-El surco de don Simeón. el violín. 83 . Casi a finales de los años ochenta en grupo ZUNCA se desintegró. El negro Nayo.

Nos invita a pelear por un mundo mejor. 7-La esperanza es una composición bellísima que habla sobre la ilusión de los hombres que se fueron a la lucha armada por ideales puros de justicia y democracia para El Salvador. La canción alude el levantamiento indígena de 1832 dirigido por Aquino. escribió Salarrué). quien era un gran pitero. En esta se usa el instrumento folclórico “la caramba” (“la caramba se toca con palito”. el cual se originó debido a que los indígenas fueron despojados de sus ejidos (terrenos que usaban los indígenas para cultivar de una manera comunitaria). perteneciente al libro “Cuentos de barro”.El indio Anastasio Aquino tiene música original de Zunca. 13-El debercito es una cumbia que roza entre la comedia y la denuncia. pero su letra fue extraída de un poema anónimo. le prestó su pito al negro Nayo y este de una forma autodidacta aprendió a tocar el pito de una manera maravillosa. 10-Toñito (el cipote de Santiago) habla sobre un niño pobre que “se rebusca” para sobrevivir y que no deja de pensar en la justicia que debería haber en El Salvador. Esta composición musical tiene. es quizá la composición que más se acerca a la visión de rescatar los valores musicales tradicionales del El Salvador. además en medio de la canción se recita un poema original de Roque Dalton que habla sobre Anastasio Aquino. Habla sobre como el aprendiz supera al maestro. 6-El samangueón es una tierna canción que habla sobre el terrible terremoto que golpeó a El Salvador en 1986. Chabelo. 9-Cada vez es un romance prohibido entre un hombre y una mujer. 5. 84 . casi todas las características de un himno. 11-Quiero que sepas. Pieza instrumental. corazón es un bolero que habla sobre el anhelo de tener el pan de cada día en la mesa y de dejar atrás la tristeza y el dolor. la original grabada en 1986 y la versión de 2008. para mí. 8-El negro Nayo está inspirado en el cuento “El negro”. Hay dos versiones aquí.3-María Blanquita es una cumbia que habla de amor y de la esperanza por una cambio en El Salvador “…mañana voy a darte un vestido color chiltota y la muerte de la opresión…” 4-Danza del requise. de nuestro querido escritor Salarrué. 12-Esa morena es una cumbia que habla sobre el amor en la pobreza. El nombre de su composición alude también el requise de armas durante la guerra civil salvadoreña.

que era muy vistoso. puedo decir hoy con propiedad que ZUNCA fue un grupo es cierto que de vida muy breve. pero el adorno de los hombros y el pecho.14-La libertad de mi pueblo es una composición que denuncia la falta de libertad de expresión y otras libertades básicas en los años ´80 en El Salvador y la ilusión de que eso tuviera un cambio. ANEXO Anexo: 1-En esta fotografía aparezco tocando el contrabajo y vestido con el cotón blanco que todos teníamos en Zunca. de la misma que muchas mujeres indígenas de la región usan en sus refajos. ¿Por qué no se oye hablar de Zunca en El Salvador y ni siquiera en la ciudad de Atiquizaya? Pues creo que es porque todos los salvadoreños tenemos una enfermedad de la cual todavía no nos hemos podido curar: la-falta-de-memoriahistórica. Sonsonate. 85 . Sin embargo. logró dejar un par de grabaciones originales que vale la pena que las conozcan nuestros nietos algún día. era una tela que compramos con mi mamá en Nahuizalco. mi mamá la cosió cuidadosamente sobre la tela blanca y me gustó mucho como quedó. pero que en el poco tiempo que existió.

sino también por la presencia escénica del grupo.Lo siguiente fue escrito por algunos de los integrantes de Zunca: “Bellos recuerdos del grupo Zunca y no sólo por el contenido de su mensaje. salía de nuestro joven y rebelde corazón. andaban otros grupos. siempre de esperanza y paz. lo más valioso del grupo Zunca era su autenticidad. dicen que lo bueno viene en frascos pequeños y eso fue Zunca. y nosotros. pero no tocaban música original. aunque tocábamos el Torito Pinto y un par más de “covers”. poco tiempo de vida. gran aporte. en los textos.2.” CARLOS ROMERO Totalmente de acuerdo con ustedes Carlos y Juan Carlos. sino de otros grupos musicales centroamericanos o sudamericanos. pienso. Un abrazo Oscar. es que todo lo que hacíamos. el 95 % de lo que tocábamos era la música original que habíamos compuesto. Pero lo más importante y trascendental. Y fíjense que una cosa que recuerdo es que en los días en que andábamos tocando en la universidad y todos esos lugares. nada estaba de más. 86 . en la instrumentación y en los arreglos que hacíamos.” JUAN CARLOS FLAMENCO. “Oscar. ÓSCAR PERDOMO LEÓN Fotografía de la entrega de pasajes extraída de la prensa nacional y el resto en su mayoría fueron tomadas por la familia Romero Cárcamo. la musicalización y lo sonoro de sus conciertos. en este sentido se logró una unidad temática entre presencia en los escenarios.

Una cosa es leer acerca de la tortura. Al ir entendiendo su letra. «They dance alone (Gueca solo)» es una canción del disco «…Nothing like the sun» de 1987. Y con el agregado que en la grabación participaron. Estos encuentros tuvieron un fuerte efecto en todos nosotros. en el folletito anexo al disco: “En el Tour Amnistía de 1986 los músicos fuimos presentados a prisioneros políticos de todo el mundo.TRES CANCIONES DE STING “Dark angels follow me…” (1) Sting tiene una amplia discografía como solista. Todos estábamos profundamente 87 . la canción se volvió aún más querida para mí. Sting escribió sobre «They dance alone (Gueca solo)» lo siguiente. Esta vez quiero hablar de tres de sus canciones que me gustan por su sentido social. escrita e interpretada por Sting. Es una composición musical que me atrajo desde el primer momento. Una obra que aguijonea la fatal dictadura de Augusto Pinochet. tres músicos muy conocidos: en la guitarra Eric Clapton. Bradford Marsalis en el saxofón y Rubén Blades en el fragmento hablado en español. que me agrada más que la que hizo con The Police. entre otros. víctimas de tortura y encarcelamiento sin juicio. pero hablar con una víctima te coloca un paso más cerca de la realidad que es tan espantosamente penetrante.

sino practicada. Danzan con sus hijos. El encarcelamiento con tortura y sin tener un juicio es una cosa común. Danzan con sus esposos. Danzan con sus padres. serían desaparecidas también. Danzan con los invisibles. La «Gueca» es una danza de cortejo tradicional chilena. Bailan con los muertos. A menudo ellas bailan con las fotografías de sus amados colgadas de sus ropas.” “¿Por qué están bailando aquí solas estas mujeres? ¿Por qué hay tristeza en sus ojos? ¿Por qué estos soldados aquí están con sus rostros como piedras? No puedo ver lo que ellos desprecian. de las fuerzas de seguridad. 88 . hijas y madres de «desaparecidos». La «Gueca solo». Miles de personas habían «desaparecido» en Chile. Y si ellas hablaran. Ellas bailan con los desaparecidos. Danzan con su silenciosa angustia. danzan solas… “Es la única forma de protesta que les es permitida. Ellas danzan solas. o el baile solitario. de la policía y la fuerza armada. víctimas de los escuadrones de la muerte. es ejecutado públicamente por las esposas.afectados. Es un gesto simbólico de protesta y dolor en un país donde la democracia no necesita ser «defendida». Yo he visto sus silenciosos rostros gritar muy fuerte.

ni salario para los torturadores. todas esas jóvenes vidas traicionadas. ni presupuesto para sus armas. ¿Qué más pueden ellas hacer? “Hey. Habla de los temores mundiales y de la ignorancia de muchos ciudadanos estadounidenses al no conocer a fondo a la gente de la extinta Unión Soviética y viceversa. En 89 . Un día ya no habrá más dinero.Otra mujer en la mesa de tortura. Es el dinero extranjero el que lo sostiene. señor Pinochet. se puede escuchar un suculento solo de saxofón soprano interpretado por Bradford Marsalis. “Un comercio amargo de muerte. en su propia madre bailando con su hijo invisible…” «Children´s crusade» es una canción del álbum «The dream of the blue turtles» de 1985 en la que Sting habla acerca de los jóvenes y casi niños que son enviados como carne de cañón a las guerras. “a países que ellos nunca habían visto”. Las dos grandes potencias mentían. «Russians» es una canción también del álbum «The dream of the blue turtles» y está enmarcada en la pasada guerra fría. todo por una cruzada de niños…” Además del mensaje de protesta contra la guerra. Piense. usted ha sembrado una amarga cosecha. señor Pinochet.

Traducción de los fragmentos de las letras de las canciones y las palabras de Sting que aparecen aquí: Ó. sino por la profundidad de sus letras. a pesar de la ideología…” Las canciones de Sting impactan no sólo por su calidad musical. condicionado a responder a todas las amenazas de los discursos retóricos de los soviéticos. L. El señor Reagan dice: «Nosotros los protegeremos».ciertas partes la letra de la canción es irónica. (1) Fragmento tomado de la canción “Why should I cry for you” de Sting. Yo no me suscribo a este punto de vista. P. Compartimos la misma biología. Yo no me suscribo a este punto de vista. Fotografías tomadas de los álbumes de Sting: “…Nothing like the sun”. “The dream of the blue turtles” y “Mercury falling”. Refiere Sting que una parte de la melodía la tomó prestada del compositor Sergei Prokofiev. El señor Krushchev dijo: «Nosotros los enterraremos». “En Europa y en América hay un creciente sentimiento de histeria. En otras dice verdades espeluznantes. 90 .

a don Francisco Antonio Lara Hernández. Recuerdo que don Pancho sonreía complacido. Fue en la época en que yo tocaba en el grupo musical Zunca y me encontraba esperando la hora del ensayo en la casa del Dr. conocido popularmente como Pancho Lara. Romero lo invitó a pasar e inmediatamente puso un disco LP donde estaba una versión de «Las cortadoras». El Dr. 91 . Por alguna razón salimos a la calle y en ese preciso momento iba pasando don Pancho Lara. Mario Edgardo Romero en la colonia Vista Hermosa de San Salvador. uno de nuestros más fructíferos y conocidos compositores musicales. por pura casualidad.PANCHO LARA No recuerdo si fue en el año de 1986 o en el ´87 que conocí.

se encuentra una sección dedicada al compositor salvadoreño que realmente vale la pena visitar. el 03 de diciembre de 1900. en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Aprendió a tocar guitarra. Caricatura realizada por el pintor y caricaturista atiquizayense Rigo Guzmán Pancho Lara nació en la hacienda «La Presa». marimba. Se dice que desde la edad de 15 años empezó a componer poemas y siempre fue un esmerado autodidacta. pero fue asentado en la ciudad de Armenia. jurisdicción de Santa Ana. en San Salvador. Sonsonate. piano y mandolina. Guitarra de Pancho Lara 92 .Pues bien.

«Jayaque» y «Las cortadoras». sus composiciones son muchas. Se cuenta que Lucha Villa le cambió 93 . Pancho Lara durante los días que estuvo en México Sus canciones han sido interpretadas por muchos artistas nacionales. porque las reconocen como propias. así como por artistas extranjeros como los mexicanos Jorge Negrete y Lucha Villa. así como 24 prosas poéticas. nos remiten inmediatamente a nuestra comarca y las amamos casi inconscientemente.Sus composiciones musicales más conocidas. como «El carbonero». como Los Hermanos Cárcamo y los Hermanos Flores. hasta el momento se han registrado 205 canciones compuestas por su creatividad. sin embargo las canciones de Pancho Lara no se reducen a unas tres o cuatro. esas canciones han hecho además brotar las lágrimas de los salvadoreños que viven en el extranjero. Toda su obra literaria se publicó distribuida en cinco libros.

de una manera amena a través de cartas que le escribía a un perro llamado Bismuto. era una columna llamada «Cartas a Bismuto» en la que hacía cierta crítica social.algunas palabras a la grabación que hizo del Carbonero y que Pancho Lara se molestó. por lo que ella le escribió una carta de disculpa. uno de nuestros más grandes literatos. La máquina de escribir de Pancho Lara Durante muchos años Pancho Lara publicó artículos de opinión en La Prensa Gráfica. escribió en el Diario Patria el 10 de abril de 1935 lo siguiente: 94 . “Muchas de esas cartas contienen muestras inequívocas de su intuitiva sensibilidad social y de la gran sabiduría que adquirió en el transcurso de su vida…” (1) Salarrué.

” El bastón y los lentes de Pancho Lara Y Claudia Lars. mostrarlas entre dedos trémulos de la emoción y soltarlas entre la gente niña. nuestra más elegante poeta. señaló: “Las cualidades de la canción de Pancho Lara son la ternura. corazón ingenuo y modesto. el más feliz intérprete cancionero que nos ha nacido: sus canción es fiel. nacida del grato dolor de una soledad interna sin más ambiciones que aquella laudable de atrapar las mariposas lindas del terruño. Lara con el oído (no con las orejas). creyendo en él siquiera a la manera deportiva? Lara sabe lanzar el disco de su canción y cada día bate su propio record. “Espíritu fino. ¿Se sabe esto aquí en la capital? Bueno. su canción campesina es la más cuzcatleca que El Salvador ha tenido hasta 95 . pues que se sepa.“Pancho Lara es un compositor de canciones nacionales. sin precio. “Hacer canciones al niño triste. “¿Cómo hacemos para que San Salvador. es un milagro que Lara ha hecho sin fama. el corazón de Cuscatlán. sin truco. al opacado niño de Cuscatlán. diafanidad y sencillez. temperamento poético y enamorado del terruño. sin querer casi. oiga a Francisco A.

nuestros días.” (2) 96 . y sus rondas infantiles son dignas de ser oídas al otro lado de las fronteras.

porque eso hará más grande a nuestra patria.php?id=1 (2) Palabras de Claudia Lars tomadas del Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica. Fotografías tomadas por Óscar Perdomo León en el Museo de Antropología de la Universidad Tecnológica.com/biografia. 97 . (1) Tomado de la página oficial de Pancho Lara: http://www.Pancho Lara fue un ejemplo de dedicación a lo que él más amaba. la música. Y es ahora un ejemplo para que los jóvenes talentos de nuestro país aprovechen el tiempo y dediquen muchas horas a estudiar y a componer música original. Datos biográficos tomados de la página oficial de Pancho Lara.pancholara.

98 .

Bajo tierra. así que me perdí de algunos músicos. 99 . Hubo también varios grupos salvadoreños. Pamela Robin y Guillermo Anderson. Casi llegué al final de la presentación del hondureño Guillermo Anderson. me gustaría dar algunos comentarios específicamente sobre tres de los que se presentaron. Llegué tarde. Su singularidad es tan cercana a nosotros y al mismo tiempo tan lejana. por ejemplo no oí a la nicaragüense Katia Cardenal. Por supuesto que el escuchar la música en vivo tiene unos beneficios insuperables y su contrapartida irremediable. cuya voz resalta en Guardabarranco. Empezaré con Guillermo Anderson.. con quien me une un lazo sentimental platónico. porque fueron los que más me emocionaron: El Ático. en San Salvador. reggue y otros. porque el haber oído ya uno de sus discos ha sido suficiente para rendirle mi admiración. etc. en el parqueo de la octava etapa de Metrocentro. entre rock. pero bueno.CONCIERTO EN METROCENTRO El domingo 21 de junio de 2009 se llevó a cabo un concierto de música popular variada. como Adhesivo. musicalmente hablando.

calor. reino que invitas al pelícano a jugar. maraca. tierra mía de yuca y caracol. noche dulce. Y en cuanto a sus letras tengo la impresión al oírlas de que son sinceras. por ejemplo. Escuchar «Costa y calor». auténticas. sol que baña de luz el corazón y que llega a la orilla hecha canción. baña mi ser. inspiración. mango y bambú. Costa y calor. Dios me puso a crecer bajo tu sol. palmerita que baila yacunú. sombra de mazapán. tamborista. es prácticamente como ser transportado a la orilla de una playa caribeña y a un trópico tan conocido para nosotros los centroamericanos: Una niña que juega junto al mar. muy coloridas. dame las fuerzas que me incitan a querer… 100 . originales.Su música es una especie de fusión de varios ritmos caribeños. Dame tu luz. magia del mar. tabaco y ron. donde el mar es indiscutible rey. canto de hombres que vienen de pescar. aunque se percibe también influencia de la Nueva Trova Cubana y lejanamente del pop estadounidense. Piel de coco y ojitos de carey.

Una sorpresa agradable fue encontrar que el batero que había sido invitado para acompañar a Guillermo Anderson era Carlos Romero Cárcamo. como piano. compositor y arreglista. marimba. guitarra o lo que sea. Carlos Romero 101 . charango. músico muy completo. también toca cualquier instrumento que se le ponga enfrente. excelente percusionista.

y en un arrebato de irrespeto y de intolerancia a la variedad.*** Pamela Robin es una mujer con una voz privilegiada. Pero la cantó muy bien. que se encontraban ya impacientes. antes de que empezara a cantar. Muchos nos quedamos con las ganas de seguirla escuchando. 102 . cantó únicamente una canción («Es tan difícil») y bajó de la tarima. le gritaron groserías a la fémina artista. de tal manera que uno siente la intención genuina de su interpretación. Con dignidad. Al subir al escenario dijo que cantaría sólo “dos rolas”. También tiene bastante presencia en escena. a pesar de las malas presiones. Pero además la pasión que le imprime a las canciones es muy especial. pero entre el público estaban los fanáticos de Adhesivo.

no sé dónde. no sé dónde…” hay un claro ejemplo de la calidad.Sé que dormía porque estaba soñando y tú estabas ahí. Yo hacía de todo y me dejé llevar por un miedo. no sé cuándo. Pamela invocó a las diosas del canto y ellas la sostuvieron e hicieron volar por los aires. no sé cuándo. es tan difícil. yo sólo quiero que esto sea más fácil para mí… En la grabación de estudio de «Es tan difícil». Yo sólo quiero con mi vida no esperar de más. de la fuerza que tiene la voz de esta cantante nacional. estar aquí en el aire sin ti. al mismo tiempo. junto a mí. como a un ángel. la dulzura y. uno tras otro… Nunca fui tan feliz junto a ti. 103 . Porque es tan difícil. Y la noche del concierto no fue diferente. Aun cuando hubo un pequeño problema técnico de sonido. No sé cómo. pregunté cuándo vamos a llegar. en la parte que dice “No sé cómo. Pamela se robó el show.

Y aunque sé que le gusta cantar casi sólo sus temas originales. a mí en lo personal (que me encantan las distintas versiones) me gustaría alguna vez oírla cantar un par de baladas que solía interpretar Freddie Mercury. 104 . “Dear friends” o “Lily of the valley”. como “Love of my life”. estoy seguro que ella lo haría excelentemente. Pamela Robin: una voz exquisita.La Robin es una de esas artistas que con la voz que tiene no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante del mundo.

*** En mi adolescencia empecé a escuchar algo de rock sinfónico y de rock progresivo. uno de los que más me gustaban (y me gusta todavía). era el grupo británico YES. por ejemplo. que al instante sentí que había valido la pena estar ahí en el concierto. De verdad que oírlos es un placer extremo. Con una armonía bien elaborada y unos giros métricos bien enlazados. un grupo de rock progresivo muy bien coordinado. Y me refiero a El Ático. Muy bien ensamblado. La base rítmica muy bien asentada. Porque tuve el goce de escuchar a un trío de músicos tocando con verdadera calidad por la tarde (mucho antes de que cantara Pamela Robin). Un rock interesante y bien tocado. Afinados. La banda de la que hablaré a continuación me recordó ese tipo de rock. 105 .

Este baterista de “El Ático” era realmente bueno. teórico y práctico. sino de un sentido del ritmo que no todos tenemos. en cada parte de las composiciones. Mantener la velocidad apropiada y “dar el platazo” en el momento justo requiere no sólo de entrenamiento continuo.El batero no podía ser mejor. 106 . con mucha intuición para dar el golpe adecuado a cada segmento de su instrumento. Muy entregado.

Ciertamente disfrutaba de su instrumento. Se le veía tocar muy suelto y seguro. 107 .El bajista estaba efectivamente compenetrado con las composiciones musicales y muy bien conectado con la percusión.

positivo en su propósito. Rápido al ejecutar escalas. Los acordes siempre bien armados. con delicadeza al tocar solos lentos. Las composiciones de este grupo fueron todas instrumentales.El guitarrista parecía estar todo el tiempo inspirado. Se observaba tranquilo. Muy hábil. Limpio en su toque. 108 . pero con la fuerza necesaria para las típicas distorsiones del rock.

El Ático. un trío con gran calidad. 109 . en pocas palabras.El público recibió muy bien a la banda El Ático y se mantuvo la mayor parte del tiempo hipnotizado con su música.

Mi esposa y mis hijas con Guillermo Anderson. Fotografías: Óscar Perdomo León 110 .Mi esposa Érika disfrutó de la música Unos jóvenes de Sensuntepeque acudieron al concierto La foto del recuerdo.

Poco a poco fuimos consiguiendo de una u otra manera todos sus discos. No sé si la comparación que voy a hacer es buena (ya que los gallos no son muy elegantes ni cantan tan bien que se diga. mas pensemos relativamente). las gallinas.MERCURIO Empieza a amanecer y los gallos con sus voces raspadas cantan con toda su energía. Cuando yo era adolescente los hermanos Romero. Yo aprendí mucho de ellos. lo cierto es que creo que de la misma manera también nosotros. en donde yo vivía. el «Jazz». en el que había una especie de recopilación de algunas de las mejores canciones del grupo musical británico Queen. de 1979. de 1977. Yo quedé verdaderamente fascinado. Mario y Carlos. No parábamos de oírlos y oírlos. que sólo saben cacaraquear. era «Queen live killers». Un par de semanas después traían otro disco de Queen. de los discos y de los hermanos. un concierto grabado en vivo. con muchas dificultades. me imagino que se asombran al oírlos y quedan extasiadas con ellos y sometidas a su autoridad. Atiquizaya. Casi siempre era música académica como Beethoven o Brahms y nos sentábamos frente al tocadiscos horas y horas a escuchar música. Y empezamos también a tocar 111 . cantando como sólo lo harían los dioses. de 1974 y «News of the world». mujer u hombre. «Sheer heart attack». Nos la pasábamos muy bien hablando de música y escuchándola. Luego mi mamá me compró. nos maravillamos al escuchar a otro ser humano. de 1978. Pero un día los hermanos Romero trajeron un disco diferente. regresaban de San Salvador con un disco LP nuevo cada fin de semana a su ciudad natal. los simples humanos que sólo medio podemos tararear una canción.

el mejor cantante de rock que ha habido alguna vez ya murió. pero bueno. su nombre es Freddie Mercury. Mario Romero tocaba la guitarra eléctrica. y sin embargo está más vivo en sus grabaciones y en mi corazón que ningún otro. una búsqueda de la raíz latinoamericana». su hermano Carlos la batería. . Lo que hoy quiero decir es que para mí.e intercalar las canciones de Queen con las canciones originales que hacíamos nosotros. esa es otra historia de la que ya hablé en «ZUNCA. mi hermano Mario la guitarra acústica y yo el bajo eléctrico. 112 .

Y su más grande ejemplo.Desde el inicio en que uno lo escucha se da cuenta que su voz no sólo tiene potencia. dicen también que nunca fue correspondido con el verdadero amor que se merecía. llena de ternura. Su timbre de voz es inconfundible. a las que acompaña con letras interesantes. es «Rhapsody bohemy». Su destreza como compositor inspirado en indiscutible. que no el único. Aunque se sabe que su pareja sentimental lo acompañó hasta fin de sus días. Esto no podemos saberlo con certeza. Mercury puede con su voz pasar de una melodiosa suavidad. sino también belleza. También es impresionante la manera en cómo Mercury fusiona la música rock con la música académica. a una afinada distorsión que le pone los pelos de punta a cualquiera. pero a veces pienso que algo de verdad debe haber en ello. Hay numerosas melodías de gran preciosidad. De cualquier manera todos hemos sufrido alguna vez la soledad o alguna 113 .

en canciones nostálgicas y tristes como «Save me». tan limpia y sincera. save me. save me. pero también un delicioso masoquismo para el que ha sufrido una decepción de amor. «Love of my life» o «Somebody to love». Save me. mágicamente tocada por Brian May y escuchar. canciones que él mismo había compuesto y que al escuchar la letra y combinarla con la música. la característica y majestuosa –royal. de pronto como en un abismo en el que se queda uno flotando durante 15 segundos en el fondo de una guitarra acústica. Quizás por eso su voz suena tan desgarrada emocionalmente. a los 2:20 minutos de la canción. I can´t face this life alone. músicos tocando de verdad. calidad en su más alto nivel. save me. Oír ese estribillo y caer después. I´m naked and I ´m far from home. seguidamente. 114 .traición de amor y Freddie no pudo haber sido la excepción. save me. se da uno cuenta de la calidad y de la honestidad de Mercury al componer e interpretar.guitarra eléctrica de Brian y entonces volver a la voz de Mercury: Each night I cry and still believe the lie I love you ´till I die… E inmediatamente oír esa guitarra eléctrica distorsionada que toca una melodía que es como un puñado de sal y un chorro de jugo de limón sobre una herida… Les aseguro que es eficacia pura. Save me.

115 . especialmente al verlo cantar.Quiero decir con énfasis. Es más. porque ¿quién cantaría mejor que él «My melancholy blues». por ejemplo»? El verdadero nombre de Freddie Mercury era Farrokh Bommi Bulsara y había nacido el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar. que respeto las inclinaciones sexuales de todas las personas. pero también en algunas canciones al escucharlo. esa circunstancia le favorecía. del álbum «News Of The World. antes que nada. En Freddie Mercury sus inclinaciones sexuales eran obvias. en ciertas composiciones. una isla del Océano Índico que ahora es parte de Tanzania. estoy convencido que en algunas ocasiones.

Durante su niñez inició sus clases de piano. Falleció en Londres el domingo 24 de Noviembre de 1991. como una severa complicación del SIDA que estaba padeciendo. Freddie fue cremado y no hay ninguna tumba para visitar. de una bronconeumonía. “Un funeral tranquilo y familiar se organizó tres días después de su muerte. también grabó el álbum «Barcelona». se reunieron para rendir tributo al cantante desaparecido. Roger Daltrey. con canciones que satisfacían a los oyentes más exigentes. “… y se esforzaba en cada una de ellas con empeño… Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría”. Grabó 16 discos originales con Queen. uno de los grupos de rock-pop más exitosos de la historia. “En noviembre de 1995. Fue el último trabajo que grabó la estrella con la banda. el mundo pudo escuchar a Freddie con un nuevo disco. David Bowie. Metallica. Seal. con la diva catalana de la ópera Montserrat Caballé. Guns N´ Roses. (1) Casi durante dos décadas dirigió a Queen. en memoria del alma inmortal de Freddie Mercury”. Robert Plant. Estrellas del firmamento pop y rock. (2) En sus últimos días su aspecto físico se había deteriorado mucho.” (3) “La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. dos discos en solitario («Bad Guy» de 1985 y «The Freddie Mercury Álbum» de 1992). como Elton Johnn. titulado «Made In Heaven».” (4) 116 . en 1987. John. aunque el álbum tuvieron que terminarlo en solitario. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. George Michael y Liza Minnelli. Brian y Roger.

A Freddie Mercury me gusta recordarlo así. I sometimes wish I ´d never been born at all”. el día de su muerte fue muy triste. como si en un momento de iluminación de presagio hubiese visto su fatídica muerte. “I don´t wanna die. Si Mercury nunca hubiese nacido. el mundo se hubiera perdido de uno de los mayores placeres musicales que ha habido en la música popular.Freddie Mercury en 1991. Con toda su creatividad enardecida. Con todo el ímpetu de la juventud. * Para los que crecimos con su música. escribió Mercury en su afamada “Rhapsody bohemy”. Yo sentí algo parecido a lo que experimenté cuando fue asesinado John Lennon: una mezcla de incredulidad y de tristeza. como se oía y veía a inicios y mediados de los años ´70. Esta fue la última vez que posó para una foto. 117 .

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No obstante. sentía una especial predilección por una hembra a la que llamó Delilah y a la que dedicó una canción con el mismo nombre. de entre todos ellos.“Freddie Mercury era un gran amante de los gatos y tenía un clan de 7 felinos en su residencia. Esta canción apareció en el disco Innuendo en 1991”. (5) 119 .

org/wiki/Freddie_Mercury Todas las fotografías extraídas del disco para computadora de Queen. al Viex. tocando la batería y cantando “Don´t stop me now”? ¿Cómo no recordar a mis amigos Shamba Góchez.wikipedia. un verdadero genio de la música y carismático como pocos. Y tenía razón. la enciclopedia libre: http://es. ** y ***.org/wiki/Freddie_Mercury (2) y (3) Fernando Ibiza Roselló.com/sunsetstrip/palladium/1574/freddie.geocities. pianista y compositor. http://es. http://www. de su página: http://www. ¿Cómo olvidar a Carlos Romero Cárcamo. excepto las fotografías *.wikipedia.html (4) Biografías y vidas. (1) Wikipedia. Freddie Mercury es el campeón.com/biografia/m/mercury. a mis hermanos Mario y Wendy. http://es. la enciclopedia libre.Estatua de Freddie Mercury en Montreux ** Cuando pienso en la música de Queen. siempre pienso en mis años de adolescencia. como un todo creativo e interpretativo.wikipedia.biografiasyvidas. las cuales fueron extraídas de Wikipedia. a Mario Romero Cárcamo.htm (5) Wikipedia. porque como cantante. que también eran amantes de la música de Queen? ¿Cómo ocultar mi satisfacción al pensar en las sesiones de escuchar y tocar música de las canciones que cantaba Freddie Mercury? «We are the champions» cantó Mercury con mucha emoción. la enciclopedia libre. siendo un niño. con la discografía completa del grupo.org/wiki/Freddie_Mercury 120 .

Tres de los miembros de la banda cantan la primera voz. una breve reseña sobre Freddie Mercury y mi amor por su música. Empezaré en orden cronológico. algunos son baladas rock y otros no tienen nada que ver con el rock. Esta vez quiero hablar en general sobre el grupo Queen y sobre mis particulares preferencias musicales que. pero mis discos favoritos son seis.MIS DISCOS FAVORITOS DE QUEEN. Sobre Mercury. 121 . lo que podría llamarse rock-pesado. bueno. como todo. el batero Roger Taylor. tiene por supuesto una gran carga de subjetividad. La voz de Taylor es muy adecuada para temas rock fuertes. Hace unos días escribí «Mercurio». el guitarrista Brian May y por supuesto Freddie Mercury. pero esa variedad es lo que me hace amar más su música. Este grupo tiene una extensa discografía acumulada durante casi dos décadas. él es uno de esos cantantes que pueden hacer con su voz lo que quiera. la de Brian May es más dulce y se escucha muy bien en baladas. Muchos de los temas de Queen son. la reina del rock.

Sin embargo el disco «Queen» fue su carta de presentación y de él las que más me gustan especialmente son las siguientes composiciones: «Doing alright». en retrospectiva. «My fairy king». el primer disco del grupo. «My fairy king». «Liar». me gusta mucho porque siendo el primero ya muestra la identidad del grupo como tal. «The night comes down» y «Jesús». el piano y la guitarra acústica. con un ritmo rápido.El disco «QUEEN» de 1973. los dragones vuelan como gorriones a través del aire. ha roto mi anillo del círculo de hadas y ha deshonrado al rey en su orgullo. El juego de sus voces. cambió los vientos y dañó las 122 . las abejas han perdido sus aguijones. son elementos que de alguna manera fueron perfeccionados a través del tiempo en cada disco que fue grabando Queen y que desembocaron en esa obra maestra de la música que es «A night at the Opera». ya se escuchan la originalidad y la calidad que caracterizan a la banda. lo transporta a uno a un mundo donde los caballos tienen alas de águila. pero que al ser escuchados hoy. El mundo ha cambiado y una voz dolorosa canta: “Alguien ha desgastado el color de mis alas. son algunos de los elementos que se disfrutan desde el inicio. Pero de pronto toda la fantasía se rompe. El ritmo rápido se detiene y el piano entra con una melodía que lo orienta a uno hacia una especie de cadencia. los ríos están hechos de vino para fluir eternamente y donde el rey lo ve todo y nunca se equivoca. la guitarra distorsionada tocada adecuadamente y sin caer en la monotonía. los cambios de ritmo.

hasta que la lentitud alcanza el final y la guitarra da un lamento y un adiós entristecido. El «SHEER HEART ATTACK». Ahora sé lo que estoy haciendo. es el tercer disco grabado por el grupo y contiene bellísimas composiciones. en la composición y en la interpretación. Los cambios de tono de la voz y sus permutaciones en suavización del timbre y luego sacándola con toda la fuerza -la voz de pecho.” En ésta hay cambios de ritmo y de melodías. El disco «Queen» contiene también canciones que ahora son muy famosas. Tengo el sentimiento de que debería estar haciendo lo correcto. que si bien es cierto 123 . la percusión y el bajo. hasta que el ritmo se torna rápido y se le une el piano.mareas. Y ritmo. “Ayer mi vida estaba en la derrota.es algo que enriquece la obra. como «Keep yourself alive» y «Seven seas of Rhye». ¡mirá lo que me han hecho! ¡No puedo huir ni me puedo ocultar!”. hay también una breve y leve imitación de un tipo de música brasileña. «Doing alright» es una afirmación de que uno puede tomar la decisión de hacer bien las cosas. en todo se ve un trabajo minucioso. Hay un tiempo para esperar la salida del sol. armonía y melodía se vuelven tormenta y tragedia. que salió al mercado en 1974. Madre Mercurio. Entonces entra la guitarra lenta y suavemente y va creciendo poco a poco.

que nos anuncia el final. sino musicalmente hablando. no la letra. Las guerras nunca cesarán. ¿Hay suficiente tiempo para la paz? El lirio del valle no crece. 124 . Serpiente del Nilo. dame tu auxilio aunque sea por un momento.” Y entonces escuchamos la guitarra triste de Brian May con una melodía que es una bellísima cadencia. «In the lap of the gods». que Queen enfatiza con sus voces. El mensajero de los siete mares ha volado hasta aquí para decir que el rey de Rhye ha perdido su trono. que han sido cuidadosamente hechos. breve pero sustanciosa. porque el lirio del valle la ignora. avanzo a través de cielos tormentosos. pero en realidad la melodía y la letras son diferentes. y también debido a su rara y original melodía.nunca alcanzaron la fama de otras canciones de Queen. Yago en espera con los ojos abiertos. quitá de mí tu hechizo y dejá que me vaya. me gusta mucho porque tiene una melodía al final con un carácter épico. en ésta demuestran su indiscutible eficacia vocal. porque su música es rica en arreglos instrumentales y vocales. De su letra puedo decir que nos introduce en una atmósfera de fantasía poética –que es reforzada por la música-. que no es la misma que mencioné antes. La canción inicial del disco es un claro ejemplo de los avances de Queen en calidad y evolución: «In the lap of the gods». que la hace una pieza inigualable y de gran belleza. ¡Mi reino por un caballo! Pero cada vez me vuelvo más viejo. «Dear friends». aunque se llame igual. que aunque es verdaderamente corta tiene. donde el cantante nos hace mirar todos los monstruos y demonios internos que lo atormentan: “Neptuno de los mares dame por favor una respuesta. «Lily of the valley» es para mí una de las más bellas composiciones de Queen. cantada con una pasión exorbitante. desde el punto de vista musical. Realmente «Lily of the valley» es una obra maestra. algo de himno y algo de nostalgia y esperanza. sigo cada maldición. me parece a mí que reúnen características de calidad que las hacen inolvidables.

«Now I´m here» y «Brighton rock». Desde el inicio barroco del piano y el arpa tocada con una gran limpieza. Esta colección de composiciones es como la elevación. Incluye una variedad de 125 .En este disco también están las famosas «Killer queen». En ésta los músicos lo van introduciendo a uno en una amalgama de la más refinada. Iniciando con «The prophet’s song». que esta es una de las mejores de todo el disco. «Rhapsody bohemy». El diálogo entre la guitarra y el piano es una delicia. el perfeccionamiento. La búsqueda de la perfección y lo grandioso es evidente. «Love of my life». entre el rock y la ópera. la acumulación y la culminación de lo que Queen había venido haciendo desde que sacó a la luz su primer disco en 1973. Hay una obra de arte de este disco que es muy conocida y que merece una mención especial. uno se siente invitado a flotar con empatía junto la atormentada voz de Mercury. La melodía es bellísima. «UNA NOCHE EN LA ÓPERA». que ya es un clásico. ya sentimos que estamos ante una banda de rock muy poco convencional. sacado al mercado en 1975. es su cuarto disco grabado. habla sobre un amor no correspondido y de una promesa de amor incondicional. Mercury la canta con un sentimiento tan genuino y las voces que lo acompañan son tan poderosas.

la cuarta es la parte más típicamente rock. 126 . y la quinta y parte final es lenta y triste.ritmos que se van sucediendo de una manera muy atinada. en donde Queen hace un efectivo alarde de su capacidad vocal. Todas las grabaciones son muy buenas. explosiva. con guitarra distorsionada y batería tocada con fuerza. Sin duda. principalmente la numerosa cantidad de canales para grabar los diferentes tonos y timbres de voz. la tercera parte es la meramente coral. bastante elaborada. la segunda es una lenta balada de rock. «´39» y la instrumental «God save the Queen» que es casi el himno y la etiqueta de este grupo musical. como una especie de desahogo melódico. musicalmente está muy bien construida: es un verdadero desenlace. Queen aprovecha todos los avances de la tecnología de aquellos días. que está fluidamente unida a la primera parte. Hay varias melodías rondando en toda la obra. Podría decirse que «Rhapsody bohemy» tiene cinco fragmentos: ya es un clásico su inicio breve casi «a cappella» de varias voces bien acopladas y afinadas. pero resaltan también «Your my best friend». operística. «Rhapsody bohemy» es la mejor composición hecha y ejecutada por Queen. pero siempre sazonada con unos toques de música académica. Es una obra de gran calidad que ha llegado a ser conocida por un amplio sector del público que gusta de la música.

el sexto disco grabado. La calidad de ésta es tan alta que si fuera la única canción que Queen hubiese grabado. En esta última destacan la melodía tan original y las voces muy bien logradas. «Spread your wings» tiene un mensaje en la letra tan positivo que nos hace reflexionar (y quisiera agregar que en la versión en vivo que se publicó en «Queen Live Killers» me gusta más como canta Mercury que en la grabación que se hizo en estudio. ¿Hay alguien que no la haya oído? Pero a mi entender. Una de las canciones que se podrían considerar como íconos del grupo es «We will rock you». habría bastado para eternizarlos como uno de los mejores grupos de rock de la historia. all dead». quizás es uno de los que tiene más variedad de ritmos y géneros musicales. séptimo disco. por supuesto que hay otras muy buenas como «Don´t stop me now» o «Bicycle race». Del «JAZZ». «All dead. le escucho más alma). lanzado en 1978. cantada por Brian May posee una de esas melodías que es imposible de olvidar. hay una canción que me gusta mucho y es «Jealousy». Una de las canciones que más me gustan es la que lleva un ritmo muy latino: «Who needs you». 127 . la mejor de todo este álbum es «We are the champions».«NEWS OF THE WORLD».

De este disco son tres las que más me gustan: «Save me» (que es una de mis favoritas de Queen). «Sail away sweet sister» y «Crazy little thing called love». Es tal vez el último disco que tiene algo de la inicial esencia-rock de Queen. Aquí apareció también la tan pegajosa «Another one bites the dust». Este disco tiene una particularidad para mí y es que este es el último de una era maravillosa de Queen. 128 . Su portada plateada es inolvidable.«THE GAME» es el décimo álbum de Queen y salió en 1980.

wikipedia. Lo siento más entregado y brioso. sino. la enciclopedia libre. http://es. más impresionante en sus composiciones. -Traducción libre de las letras de Queen que aparecen aquí: Óscar Perdomo León. Queen es una de los mejores grupos musicales que he escuchado en toda mi vida. con la discografía completa del grupo. lo que digo es que yo prefiero al Queen de los años ´70.org/wiki/Freddie_Mercury -Todas las fotografías extraídas del disco de Queen para computadora. 129 . ¡Dios salve a la reina! -(1) Wikipedia. (1) No digo que después de «The game» Queen no haya hecho nada bueno o que haya dejado de tocar rock. Queen me ha hecho más feliz y me ha hecho soñar.“El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho”. Queen es un grupo que nunca será olvidado. De cualquier manera. El Queen de los años setenta tenía por supuesto toda la energía de la juventud y no había estado quizás tan expuesto a las nuevas corrientes musicales “más comerciales”.

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TIEMPOS, de Rubén Blades

Hay discos que tocan mi corazón de una manera imborrable. Uno de ellos es «TIEMPOS» de Rubén Blades, que vio la luz en 1999 y en el cual se hizo acompañar de los músicos costarricenses del grupo Editus. El disco, aunque rompe un poco con el particular e intenso estilo musical afro-cubano de Blades, está lleno de una calidad muy importante y una urgente sinceridad. No quiero ser malentendido, sí hay ritmos africanos pero muchas veces son interpretados sutilmente. El disco ganó el Grammy al mejor disco pop latino de 1999. Muchas de las composiciones de Rubén Blades son consubstanciales con su filosofía de la vida. Él es uno de los artistas que más admiro, no sólo por su calidad al componer y cantar; sino por su compromiso con la lucha contra las injusticias del mundo. Un claro ejemplo es su canción «El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés» (del disco «Buscando América») en donde hace una clara alusión al martirio de Monseñor Oscar Arnulfo Romero. O en la canción «Plástico» (del el disco «Siembra») en donde nos alienta a no perder nuestra identidad latinoamericana.

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La colección de canciones del disco «TIEMPOS» tiene un tono melancólico, nostálgico. En la canción «Tú y mi ciudad» el amor, que fue primero fuente de ilusiones, se vuelve una frustración que se intenta superar con olvido. La voz de Rubén se muestra serena, pero se siente su dolor, su amor agonizante: “…en mis palabras duras deja el sabor que tiene la ilusión cuando no madura… Hoy quiero desaprenderte y no sé cómo empezar… ¿Cómo olvidarte si eres mi calendario? ¿Dónde multiplicarme si no es en ti?… Amor de besos ausentes acábate de apagar. Llegué hasta aquí por quererte y ahora te quiero olvidar.” Otras canciones hablan de temas sociales, como «Aguacero» que recuerda los días en que las ciudades eran más seguras. «Sicarios» que es una especie de monólogo de un asesino a sueldo, que da instrucciones a un aprendiz de verdugo. «Hipocresía» que toca el tema de la desintegración social y la corrupción de los gobiernos. Otras canciones son instrumentales, bellas, muy sentidas, limpiamente ejecutadas. He aquí una de las letras que componen la colección:
DÍA A DÍA (Blades/L. Carson Tiempos – 1999) Día a día, me despierto creyendo oír tu voz. Día a día, todavía, me duele nuestro adiós. Quien no se ha equivocado no trató. Quien nunca ha perdonado nunca amó.

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Y quien jamás pecó, jamás vivió. Día a día la nostalgia me impulsa a continuar. Día a día la distancia me aconseja olvidar. Tú y yo, con un pedazo de razón, y compartiendo el mismo corazón, que hemos partido en dos, día a día. (¡Agua!)Aunque lo intente mil veces no puedo ahogar lo que a tu alma pertenece,y así olvidar. Día a día me levanto queriendo ser mejory me acuesto, noche a noche,con me contradicción. Viviendo entre la espada y la paredenfrento al horizonte del ayer, y de él se asoma usted,¡día a día! (Óyeme Mora… me sigue matando) ¡Día a día! ¡Día a día!

“TIEMPOS”, un disco de mucha actualidad, con la calidad de lo que busca hacerse eterno. “TIEMPOS”, un disco que está dibujado con tinta indeleble en mi corazón.
Fotografías tomadas de Google imágenes.

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EXPEDICIÓN «EXPEDICIÓN». es una de los trabajos artísticos más bellamente realizados por este músico cubano. pero al escuchar el disco «EXPEDICIÓN» se enfrentarán con una orquesta acompañándolo. él solo lo llena todo. Creo que lo grandioso de este álbum es la fusión entre lo viejo y lo nuevo. pero tengo en gran estima la vieja manera de hacer música.más lo primero. que en sus principios tiene mucha influencia de los años ´60 y que al escucharlo pareciera que no necesita más. este disco engrandece la música cubana. arpa. Se escuchan violines. no sólo en sus letras sino en la música. todo en una soberbia conjunción. un disco de Silvio Rodríguez que vio la luz en 2002. 135 . chelos. La poesía está presente en todas las canciones. Muchos están acostumbrados a oír a Silvio (quien nació el 29 de Noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños) con el solo acompañamiento de su guitarra. corno francés. No estoy en contra de lo moderno. piano y otros instrumentos. aunque pesa –para mi agrado. Los arreglos de la instrumentación son muy cubanos y mezclan lo tradicional con lo moderno. Algo de lo que se escucha está inspirado en los años ´40 ó ´50.

Una canción que no podría dejar de mencionar es «Sortilegio». Es una composición finamente arreglada. que inicia con una melodía tan peculiar en un violín magníficamente tocado. «Ese hombre» que es una advertencia para los hombres que tienen tanto poder. Empieza con unas notas de piano que rápidamente son acompañadas por el bajo y una percusión que roza la perfección. que se llama «El baile». es una firme invitación a escuchar todo el disco. La primera canción «Totí». para que no olviden porque están donde están y que no se llenen de arrogancia. su belleza es inherente. cada pieza del conjunto está impecablemente pensada y colocada donde debe estar. La voz de Silvio encaja con maestría. «Expedición» tiene un toque que linda lo épico con lo filosófico y todo dentro de un clima lírico. 136 . que se refiere a un pájaro negro cubano. La trompeta y los violines. el cuatro cubano y la flauta. los referiría a escuchar la segunda canción del disco. toda la orquesta está en su lugar. Si me preguntaran cómo se debe tocar un bolero. innegable.La colección de canciones que forman «EXPEDICIÓN» son todas como honestas piedras preciosas.

a mi corazón. un disco adherido irreversiblemente «EXPEDICIÓN». «Anoche fue la orquesta». «EXPEDICIÓN». 137 .Algunas composiciones tienen tremendos solos instrumentales que apoyan y complementan muy bien el sentido de todo el disco. «Quédate». «Amanecer». Imágenes extraídas de Google. poesía musical. «Tiempo de ser fantasma». «Hace no sé qué tiempo ya». Las otras canciones del disco son: «Fronteras». «Mancha». poesía en las palabras.

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CONCIERTO PARA GEORGE El concierto en homenaje a George Harrison se llevó a cabo en el Albert Hall de Londres el 22 de noviembre de 2002. un año prácticamente después de su muerte. No tuve la dicha de presenciarlo en vivo. 139 . pero sí he visto todo el concierto grabado en dos discos DVD.

en uno de los cuales por cierto participó. aunque con un perfil bajo –pero muy adecuado al espectáculo-. Después hubo dos números musicales cómicos interpretados por Monty Python. de hecho fue necesaria la presencia de un «traductor» que pasara las notas musicales hindúes al solfeo conocido universalmente. incrustada admirablemente en una armonía sencilla. Algo interesante que conocí a través de este video es que en la India se aprende música con un método distinto al solfeo. varios grupos musicales ingleses interpretando las diversas canciones compuestas por George Harrison durante el tiempo que perteneció a The Beatles. quien además tocó un solo de cítara. el famoso actor Tom Hanks. Muchas de sus canciones tienen una melodía muy bella. Tocaron una obra bastante compleja compuesta por Ravi Shankar (maestro de cítara de George Harrison) y dirigida por su hija Anoushka Shankar. 140 .El concierto inició con las palabras del director musical del evento Eric Clapton y fue seguido por las ejecuciones musicales de varios músicos hindúes. aunque a veces se topa uno con sorpresas muy felices al darse cuenta que algunas armonías de las canciones de Harrison son bastante elaboradas. Luego aparecieron uno tras otro. de la Ravi´s Orchestra. y las que él hizo como solista.

(Aunque hay que hacer notar que el hijo de George tocó con todos los grupos y solistas que se presentaron. y a su hijo Dhani. «Give me love» y otras más. Luego siguieron «Old brown shoe». demostrando que conoce a la perfección las composiciones de su “fabuloso” padre). 141 . cantada por Jeff Lynne. cantada por Clapton.Desde el principio se pudo ver en primera fila a Olivia Harrison. que durante todo el tiempo mantuvo una calidad indiscutible de buen sonido. ex vocalista de la Orquesta de la Luz Eléctrica. Luego se presentó al escenario Joe Brown con la canción «Here comes the sun». Luego siguieron con «If I needed someone». siguió con el grupo dirigido por Eric Clapton y al cual habían llamado George´s band y del cual formaba parte también Dhani. El concierto. tocando una guitarra y haciendo coros. la viuda de George. La canción con la que iniciaron fue «I want to Tell you».

Sam Brown y Jim Capaldi. Aunque su interpretación de «I need you» fue muy buena también.Cantaron también Jools Holland. Tom Petty and The Heartbreakers tocaron un par de canciones. pero la que me gustó mucho por la energía que le impregnaron fue «Taxman». 142 .

Unos de los momentos mágicos del concierto fueron las apariciones de Billy Preston. de Ringo Star y de Paul McCartney. Preston grabó en los años ´60 con The Beatles. Pero oírlo cantar en este concierto «Isn´t it a pity» (junto a Clapton) y además tocar los teclados. 143 . fue muy placentero. ya más maduro y genial. Una grabación famosa de Preston es la de los teclados que toca en la canción «Get back».

Luego apareció Ringo Starr y el público lo ovacionó de pie. mostró su simpática personalidad. una de ellas la compuso con George. Después dijo que él y George siempre se habían amado como amigos. Ringo. 144 . «Photograph». Cantó dos canciones. Finalizó diciendo: “Quiero presentarles a otro amigo de George”. La otra canción fue «Money don´t» de Carl Perkins. como siempre. hizo una broma muy espontáneamente sobre su altura y el micrófono que hizo reír al público.

pero con más estruendo. Paul McCartney empezó de golpe cantando «For you blue».). McCartney tocaba el piano. En «While my guitar gently weeps» mientras la voz principal era cantada por Clapton. Después Paul cantó «All things must pass». etc.Entonces la aparición de McCartney en el escenario fue explosiva. violas. mientras tanto Ringo se había incorporado ya a una batería (en realidad habían tres baterías muy bien coordinadas). la cual fue reforzada después con las voces de Clapton y Jeff Lynne y de toda la orquesta (violines. El público se puso de pie nuevamente. 145 . Posterior a ésta contó una pequeña anécdota sobre el gusto de George por tocar el ukelele y entonces con este mismo instrumento tocó la bellísima canción «Something».

Un manjar para los amantes de la música. El concierto cerró con la canción «I´ll see you in my dreams» cantada con ukelele por Joe Brown. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías extraídas del DVD del concierto.Un momento electrizante del concierto fue cuando salió la canción «My sweet Lord». Al final todo el público terminó cantando la conocida melodía con los músicos. a quien se le unió después un hermoso arcoiris de violines y todos los músicos antes mencionados. cantada magistralmente por Billy Preston. Y una creativa pancarta entre el público decía “My sweet George”. 146 .

Cuando Los Beatles aún no eran famosos fueron teloneros de Joe Brown. El viernes 03 de abril de 2009 escribí con mi esposa Érika sobre el concierto que se llevó a cabo en homenaje a George Harrison en el año 2002. 147 . por mencionar algunos. Pat Boone. es un cantante británico que desde 1960 hasta la fecha se ha mantenido en los escenarios musicales y ha publicado numerosos discos. Por su lado. y estuvo 7 semanas en el primer lugar en las carteleras de popularidad y durante 16 semanas en total. están Louis Armstrong. entre ellos. Joe Brown. También ha sido usada en una película del mismo nombre. fue así como trabaron entre ellos una amistad que perduró con los años. Esta bella composición ha sido interpretada por numerosos artistas. interpretada por Joe Brown. «I´ll see you in my dreams» es una canción compuesta por Isham Jones y Gus Kahn y lanzada al público en 1924. En esa ocasión mencionamos que la última canción que se tocó en el concierto fue «I´ll see you in my dreams». nacido en 1941. Este día me gustaría profundizar un poquito acerca de esta canción.TE VERÉ EN MIS SUEÑOS. Joe Brown. Doris Day y Ella Fitzgerald.

Pues bien. still I feel the thrill of your charms. instrumento del cual. una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. tender eyes that shine. «Isn’t it a pity?» o. Y hay que decir que George era también un gran amante del ukelele. como por ejemplo «Something». tenía varios. Someone took you out of my arms. según ha dicho su hijo Dhani. «All those years ago». La belleza de las melodías que componía es innegable. tender eyes that shine. Someone took you out of my arms. they will light my way 148 . Lips that once were mine. agregando unas líneas a la letra original de la canción. I’ll see you in my dreams. hold you in my dreams. still I feel the thrill of your charms. esa noche del concierto-homenaje para George Harrison.Hay que mencionar que George Harrison era un gran compositor y cantaba de una manera muy dulce. para mencionar algunas. hold you in my dreams. que creo será recordada por muchos años. y dos. la que le dedicó a John Lennon. Pienso que Brown trató de homenajear a George de dos maneras con esa canción: una. He buscado la letra de «I´ll see you in my dreams» y la he escuchado con otros cantantes y lo que he oído y leído es lo siguiente: I’LL SEE YOU IN MY DREAMS I’ll see you in my dreams. utilizando un ukelele para acompañarse. I’ll see you in my dreams. Lips that once were mine. they will light my way tonight. Joe Brown interpretó de una manera genial una versión de «I´ll see you in my dreams».

com/letras. me parece que Joe Brown lo que hizo fue una parodia respetuosa y elegante de las composiciones de George Harrison.com.google.uk/video-detail/joe-brown-ill-see-you-in-mydreams/2847356105 Letra de “I´ll see you in my dreams” extraída de MUSICA.tonight. I’ll see you in my dreams. al introducir ese lindo fragmento de letra.ar/images?q=joe%20brown%20fotos&hl=es&ned=es_ar&tab=ni Fotografía de George Harrison extraída de Google Imágenes:http://images. I’ll see you in my dreams. hold you in my dreams…” Y tomando en cuenta la creencias muy arraigadas de George Harrison sobre la brevedad de la vida en la tierra y sobre la vida en el más allá.musica. Realmente esa versión de «I´ll see you in my dreams» es una joya que vale la pena escuchar. I’ll see you in my dreams.com. soon I’ll find repose and in dreams you’re always near to me”.COM http://www.co. all the happiness that used to be. twilight sings a song. Soon my eyes will close.google.sv/images?hl=es&source=hp&q=george+harrison&btnG=Buscar+im%C3 %A1genes&gbv=2&aq=f&oq= 149 . Pueden ustedes ver y escuchar el fragmento del Concierto para George en donde Joe Brown interpreta la bellísima canción de la que he estado hablando siguiendo esta dirección: http://video.asp?letra=943426 Fotografía de Joe Brown extraída de Google Imágenes http://images. Incluso el arreglo de los violines que lo acompañan me suena muy harrisoniano. Y luego sigue con la letra original: “I´ll see you in my dreams.aol. Joe Brown le agrega al principio de la canción: “Lonely days are long.

150 .

En el intermedio entre ambas grandes obras se hizo un minuto de silencio en memoria del joven músico de 14 años de edad Ezequiel Cruz. Al final los músicos recibieron de parte del público una merecida ovación de pie. 102» de Johannes Brahms. tocó de una manera limpia y nos dejó muy satisfechos. BEETHOVEN Y LA VIOLENCIA El jueves 29 de octubre de 2009. la obra de Brahms fue escrita para dos solistas y fue una grata coincidencia que ambos. de una belleza poderosa. 93» de Ludwig van Beethoven y la segunda obra fue el «Concierto para violín. ¿Qué podemos decir de Beethoven sino que nos causó una considerable emoción oír esa música tan intensa? Su «Sinfonía No. Se presentaron dos grandes obras musicales. que duró más de un minuto. 8» y la «Marcha fúnebre» son piezas llenas de sentimientos a veces serenos y a veces encontrados. cello y orquesta en La Op. La primera obra fue la «Sinfonía No. La Orquesta Sinfónica de El Salvador. el violinista y el cellista. ¿Y Brahms? Bueno. conducidas por Irving Ramírez. de San Luís Talpa.BRAHMS. miembro de la 151 . al Teatro Presidente a escuchar en su decimocuarto concierto a la Orquesta Sinfónica de El Salvador. asistimos. director asociado. hayan tocado sus instrumentos de una manera admirable. como solistas estuvieron en el violín el salvadoreño René Hernández y en el cello el argentino Juan Ignacio Emme. por su lado. 8 en Fa Op. con nuestras cuatro hijas.

una obra de gran dificultad y belleza: «El pájaro de fuego» de Igor Stravinski.Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador desde hacía tres años. arrancó unas lágrimas a más de alguno de los que asistimos. 3 en Mi bemol mayor. que incluso había tocado en diciembre pasado. 55». la cual tocada por nuestra Orquesta Sinfónica y en el contexto en que se hacía. la pérdida de valores morales y cívicos y la ola delincuencial son debido a la nula importancia que los gobiernos de derecha le dieron al fomento de las artes y el deporte. la Orquesta Sinfónica interpretó la «Marcha Fúnebre» de Beethoven (la cual es el segundo movimiento de la «Sinfonía No. asesinado hace apenas unos días. Op. Esperamos que el gobierno de izquierda tenga la visión que los gobiernos anteriores no tuvieron y se dé cuenta que el problema de maras. En honor a Ezequiel y rompiendo con el programa establecido. también la falta de oportunidades de trabajo que provocó la emigración de miles y miles de salvadoreños creó un desmembramiento de la familia y varias generaciones de niños y jóvenes han crecido sin la guía espiritual y la disciplina de sus padres. víctima de la violencia criminal que abate a nuestro país. obra conocida como «Heróica»). En problema de la violencia es muy complejo. Según se dijo. lleno de un talento innato. sin embargo el gobierno de Mauricio Funes y del FMLN debería dar un paso grande y en serio apoyando debidamente a los jóvenes 152 . en la tuba que era su instrumento. el joven era una verdadera promesa musical.

talentos y creando fuentes de trabajo. en pocos años más seremos una horda de salvajes. Si “el gobierno del cambio” (¿hay cambio en realidad?) no promueve una educación formal en artes en El Salvador e invierte con abundancia en los deportes. similares a los de la época de las cavernas. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Collages elaborados por Óscar Perdomo León 153 . La música interpretada por la Orquesta Sinfónica nos tocó el alma y nos hizo convencernos una vez más que en este país hay muchos verdaderos talentos.

154 .

Un par de años después se desató la guerra civil salvadoreña y su música se volvió proscrita.LOS GUARAGUAO EN EL SALVADOR Cuando era un joven escuché por primera vez la famosa canción «Las casas de cartón» del grupo venezolano Los Guaraguao. pero son las excepciones. Por eso su música tiene aún gran actualidad. pero muy llenas de emoción. Algunas de sus canciones ya están un poco desfasadas o son muy panfletarias. Pero además. He ahí la clave de su popularidad. sus letras tocan una fibra muy sensitiva de la América Latina: la denuncia de la pobreza y de la injusticia social en la que viven las grandes masas. Sus palabras salen del corazón. La estructura de su música y las letras que la acompañan son igualmente sencillas. La voz líder 155 .

«Perdóneme tío Juan». El tecladista Fue bien emocionante escucharlos y confieso que derramé un par de lágrimas cuando escuché canciones como «Los estudiantes». a Los Guaraguao los tenía que escuchar a 156 . etc.. «No basta rezar». «Otra vez». cuando la guerra recrudecía aquí en El Salvador. porque recordé que en los años ochenta.Su música nos acompañó a los salvadoreños en la Universidad “Nacional” y en la clandestina Radio Venceremos. El batero Muchos años después de eso tuvieron que pasar para escucharlos por primera vez en persona. En diciembre de 2008 vinieron a El Salvador y éste se encontraba ya en otro momento coyuntural histórico: en plena contienda electoral.

El bajista 157 . aunque algunas de las razones que inspiraron sus canciones aún están tan latentes cómo hace 25 años.escondidas y con bajo volumen porque existía el peligro de ser asesinado por los Escuadrones de la Muerte. abrazando la tarima. Érika y yo. Estuvimos. Afortunadamente ese nefasto período ya quedó en el pasado.

Se sentía en el ambiente la esperanza de un cambio pacífico. que sentara las bases para la remoción de la injusticia social y estableciera la unión y la tolerancia entre sectores sociales. Yo. La gente soñó esa noche al ritmo de las cuerdas y percusiones con que la educación y la salud echaran raíces de una vez por todas en nuestra patria.La gente estaba emocionada de oírlos. vecinos y hermanos. Una multitud escuchando a Los Guaraguao 158 . Es más. el cambio funcionaría mejor sin partidos políticos y sin los actuales líderes. ideologías políticas. por mi parte regresé a mi casa a dormir creyendo que el cambio es algo más que la alternancia de partidos políticos.

Después del concierto. tomada por José Alfaro. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León. excepto la última. 159 . una foto final con el percusionista.

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Ayer por la mañana llamó un amigo desde Alemania para contarles a mis amigas Daniela y Mariana la mala noticia del fallecimiento de “La Negra”. «Inconciente colectivo». No pudimos evitar emocionarnos y tomados de la mano derramamos en silencio unas lágrimas. a Leonardo Fabio y a Sandro.GRACIAS A LA VIDA Aprendí a amar a la Argentina sin conocerla personalmente a través de Jorge Luís Borges y de Julio Cortázar. «Al jardín de la república». Todos ellos me han tocado el corazón. Al medio día mi esposa Érika y yo nos sentamos juntos frente al iPod para escuchar «María va». como era conocida en su patria. Con ella se muere una parte de mi pasado. Hay alguien que me ha conmovido mucho también y que cantó alguna vez una de las más bellas versiones de la canción tan conocida de la chilena Violeta Parra “Gracias a la vida”: Mercedes Sosa. Nunca he estado en Argentina. a Alberto Cortez y a AtahualpaYupanqui. «Alfonsina y el mar». «Como la cigarra». etc. 161 . Recuerdo que escuchar a Mercedes Sosa en los años de la guerra civil salvadoreña era de alguna forma un viajar contra corriente y una manera de goce espiritual clandestino. pero cuando oigo a AstorPiazzolla casi puedo ver caminando por una calle de Buenos Aires a Facundo Cabral y a Fito Páez.

que hasta me parece un sueño lejano. ella era ciertamente una cantante de toda Latinoamérica.pagina12.No todos los días se nos va una cantante de verdad. Escucharla interpretar «Canción con todos» (que es una canción que me recuerda el «Canto General» de Pablo Neruda y «Las venas abiertas de la América Latina») hace que me eleve a otros niveles de emoción y pensamiento. Además Mercedes Sosa no era sólo una cantante de la Argentina. A Mercedes Sosa la vi cantar en vivo en San Salvador ya hace muchos años. que Mercedes cantó junto a Fito Páez porque es una belleza de mixtura de voces y de ritmos.ar 162 . Nosotros en El Salvador la sentimos como nuestra.com. Sin embargo este día salgo con Mercedes Sosa “a caminar por la cintura cósmica del sur… siento al caminar toda la piel de América en mi piel…” Fotografía extraída de www. Me gusta mucho «Detrás del muro de los lamentos».

pero principalmente fue compositor. combinando en sus obras el período Clásico con el período del Romanticismo. interpretando música de Brahms. presentando en su música un rostro muy original y profundo. músico alemán quien fue un buen violinista y un excelente pianista. 163 . dirigida magistralmente por German Cáceres.BRAHMS interpretado por JOSEPH SILVERSTEIN y la ORQUESTA SINFÓNICA de EL SALVADOR Johannes Brahms Johannes Brahms (1833-1897). El 05 de mayo de 2010 recién pasado por la noche los miembros de LA ESQUINA DE ÉRIKA Y ÓSCAR pudimos escuchar en el auditorio de FEPADE a la Orquesta Sinfónica de El Salvador.

de estatura media y escaso cabello blanco. Barber. ha sido además director de orquesta y ha ganado muchos reconocimientos. Silverstein. La primera fue el “Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77”. compuesto por Johannes Brahms. Joseph Silverstein es un destacado violinista de 78 años de edad. 4 en re menor op. Su interpretación de Brahms en San Salvador fue sólida y dejó sin aliento a los asistentes. Como invitado especial y ejecutando el violín estuvo el estadounidense Joseph Silverstein. En esta última ya no participó Silverstein. Schumann. Beethoven. tocó totalmente de memoria la obra y lo hizo con mucha concentración. Dvorak. entre otros. la concentración de los músicos y la secuencia natural de la composición). que ha tocado con numerosos músicos alrededor del mundo y que ha sido dirigido por los más prestigiosos directores del planeta. Su destreza tocando el violín fue tremenda. de Robert Schumann.En realidad esa noche se interpretaron dos grandes obras de la música clásica. quienes aplaudieron espontáneamente tras el primer movimiento del Concierto (rompiendo el protocolo. la limpieza y la fluidez de las frases musicales. Sus grabaciones han estado nominadas al premio Grammy. Vivaldi. Y la segunda fue la “Sinfonía No. Ha interpretado a Mendelssohn. 120”. Brahms. Tchaikovsky. el tocar dos cuerdas al 164 . Silverstein agradeció con una sonrisa y un gesto de humildad.

Al final de la obra musical de Brahms. Robert Schumann 165 .mismo tiempo y la rapidez de las escalas fueron perfectas. Las dificultades que toda la obra representa fueron superadas con creces por Silverstein. el público ovacionó de pie a los músicos.

pero una lesión de la mano derecha le impidió alcanzar la excelencia) así como compositor del período romántico. Estuvo casado con una mujer pianista que interpretó muchas de sus composiciones. Bajo la dirección del salvadoreño German Cáceres. que nos llenan de tanta alegría y orgullo a los que amamos la música. dedicándose en su madurez especialmente a la música. como director invitado. La ejecución de la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador fue impecable. un músico hijo de un librero que desde su juventud tuvo inclinaciones literarias y musicales. En LA ESQUINA soñamos con que llegue al poder alguna vez algún gobierno con la suficiente sensibilidad para dar un apoyo más decidido y contundente a los músicos salvadoreños. 166 . la Orquesta Sinfónica Nacional tiene asegurado el triunfo en cada escenario que se presente. tanto como intérprete (era un gran pianista.En la segunda parte de la noche la Orquesta Sinfónica interpretó a Robert Schumann (1810-1856). quien tiene un doctorado en composición y quien además ha dirigido numerosas orquestas del mundo.

podría salir adelante. Ojalá que con el apoyo de la empresa privada.ca/academic/modern-languages/German/brahms.Nos encantaría que la difusión de este tipo de eventos musicales fuera cada vez más amplia.mystfx. Creemos fervientemente que con un adecuado apoyo a las artes este país. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León Imagen de Brahms extraída de http://www.com/uploads/posts/1177498732_face.jpg 167 .israbox. tan bañado con sangre de inocentes.jpg Imagen de Shumann extraída dehttp://www. el MINED volviese a incluir en el sistema de educación la Educación Musical con la seriedad que merece.

168 .

el mansaje de solidaridad con los jóvenes de Don Bosco del siglo XIX. EL MUSICAL. continúa vigente y es muy necesario para la actual violenta sociedad salvadoreña. montar y ejecutar esta pieza artística. 169 . Hay que hacer notar que este musical sólo se había presentado En Italia y El Salvador tiene el mérito de ser el primer país latinoamericano que tomó el reto de traducir. EL MUSICAL Más allá de las creencias o prácticas religiosas. EL 30 de julio de 2010 los miembros de LA ESQUINA tuvimos la oportunidad de presenciar la tercera puesta en escena en El Salvador de DON BOSCO.DON BOSCO.

Mercedes López. la obra tuvo un tiempo de preparación de tres meses. quien actuó como Madre Mazzarelo y María Auxiliadora. Nos encantó mucho Regina Cañas. 22 bailarines y 7 actores de reparto. Omar Renderos. música y las magníficas voces de Samuel Bautista. más todas las personas tras bastidores que trabajaron arduamente. escenografía. entre un gran coro de 49 voces –entre masculinas y femeninas-. y Luis Miguel Herrarte. quien personificó a Don Bosco. 170 . Además se contó con las impresionantes actuaciones de Regina Cañas. como el Cardenal. como el espíritu maligno. Oscar Guardado. como el párroco. secretario del Cardenal.La obra fue espectacular. Imponente obra teatro-musical que ostentó vestuario. danza. así como también Samuel Bautista hizo lo suyo con Don Bosco. quien supo hacer suya la esencia de mamá Margarita. contó con alrededor de 80 artistas en escena. Ángel Rivas. como mamá Margarita.

171 . que acompañó a las voces principales. fue un apoyo definitivo y fundamental para el éxito del musical. excelentemente dirigido por Numa Bracamonte.Numa Bracamonte El coro.

172 . se debió en gran parte a Beatriz Nájera. quien fue el director general. el éxito de la obra.Ovacionada de pie por más de un minuto. el diseñador de vestuario y de escenografía. quien fue la productora general (del departamento de Arte y Cultura de la Universidad Don Bosco) y a Rossemberg Rivas.

llenó de colorido y robó las miradas del público. logró que cada personaje fuera creíble. 173 . La escenografía sobria y elegante logró sus objetivos de transportar con la imaginación al público hacia los diferentes lugares en que se desarrolló la historia. El vestuario.Beatriz Nájera Rossemberg Rivas La dirección fue muy acertada. tanto así que logró arrancar en más de una ocasión las lágrimas del público asistente. llamativo y acorde a la escena respectiva. de buena confección.

Nos alegramos y nos sentimos orgullosos de que una producción de tan alta calidad haya sido hecha por artistas y ciudadanos nacionales. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 174 . Felicitaciones a todos los involucrados en esta magna obra artística.Samuel Bautista Aplaudimos el apoyo de la empresa privada. lo que nos confirma que en nuestro país hay un gran talento. el cual muchas veces se encuentra aletargado por falta de oportunidades.

La actriz Mercy Flores y el escritor Roberto Laínez Díaz estuvieron a cargo de la narración y de la lectura de la poesía de Dalton. 175 . en el cual hubo un combinado de narración histórica.ARTISTAS INTERNACIONALES Y NACIONALES EN HOMENAJE A ROQUE DALTON Este 17 de julio de 2010 se realizó una presentación artística en homenaje a Roque Dalton en el auditórium «Ignacio Ellacuría» de la Universidad Centroamericana (UCA). poesía y música.

que con adecuada entonación y sentimiento hacían Mercy Flores y Roberto Laínez. Los encargados de las luces hicieron un buen trabajo. interpretada magistralmente por el costarricense Adrián Giozueta. El público brindó un fuerte aplauso cuando inició la canción dedicada a Farabundo Martí. 176 . Uno a uno los artistas invitados y los nacionales alternaron su presentación con la narración de la vida de Dalton. El grupo musical salvadoreño Exceso de Equipaje hizo de las suyas iniciando con unos pocos compases del Torito Pinto. todos los participantes salieron al escenario de una sola vez para ser ellos también espectadores y partícipes del acto. para luego interpretar algunas de sus composiciones.Con una muy buena dirección del evento. a cargo del guionista Modesto López.

hizo que nos erizáramos. de Nicaragua. 177 .La gran voz y la calidad de interpretación de Luis Enrique Mejía Godoy.

de México. fue admirable.El colorido y la versatilidad de la voz de Guillermo Anderson. de Honduras. La capacidad de robarse el escenario de Carlos Porcel “Nahuel”. 178 . nos dejó impresionados y muy satisfechos.

El gran sueño unionista de Morazán se vio materializado durante dos horas en el escenario de la UCA. Eduardo Galeano también se hizo presente en voz de Flores y Laínez cuando leyeron un texto que Galeano escribió acerca de la muerte de Dalton. 179 .Todos estos hombres formaron un espectáculo digno de oírse. Ellos con sus guitarras y los excelentes músicos que los acompañaban hicieron que este homenaje a Dalton fuera uno de los mejor realizados. verse y de repetirse.

hicieron que la poesía del poeta nos envolviera con brazos de amor y solidaridad. 180 .Entre videos. Y agregó: “No necesito que ningún Presidente me recuerda que Roque Dalton pertenece a todos ustedes”. Además agradeció a todos los músicos y artistas por el magnífico tributo a su padre. fue invitado a subir al escenario expresándose de esta manera: “No sé adónde diablos están los restos de mi padre”. la lectura de algunos de sus versos y la música apropiada. hijo del poeta homenajeado. realizados por Ana Valentina López de Cea. Viajamos durante dos horas por los inicios del siglo XX y aterrizamos cuando al final del evento Jorge Dalton. con la voz del propio Roque Dalton.

en LA ESQUINA estamos seguros que tu padre es de nosotros los salvadoreños y de toda la humanidad.Jorge: vos tenés razón. Texto: Érika Mariana Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografías: Óscar Perdomo León 181 .

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los sonara eventualmente en algún programa nocturno. eran un tanto difíciles en aquella época. Sin embargo el acceso a las producciones en español y de remate de origen distinto a México. sobre todo para una adolescente de 16 años viviendo en El Salvador. en mi cama a muy altas horas de la noche. pero sólo en grabaciones auditivas. Únicamente sabía que eran argentinos. así que lo que me quedaba era seguir esperando que la Doble S -radio vanguardista que programaba también a Soda Stereo cuando muchos aún no los conocían en este país. 183 . escuchando radio ”Super Stereo” o también llamada “Doble S”. Cuando les preguntaba a mis compañeras si los conocían me miraban como si era un ser extraño. Fue a finales de los años ´80 y si mi memoria no falla fue “La gallinita dijo eureka” la primera de sus creaciones que llegaron a mis oídos. a través de unos cassettes que unos amigos habían grabado. no paré de reír al escucharlos y quedé sedienta de más. *** ÓSCAR: Conocí a Les Luthiers a principios de la década de los años ´80. fue ahí cuando entendí que nunca los habían escuchado.LES LUTHIERS (¡Vengan a El Salvador!) ÉRIKA: Conocí a Les Luthiers.

Hasta hace poco. son actores increíbles. comedia. relativamente. Músicos extraordinarios: no hay género musical que ellos no interpreten de manera excelente. de las bromas entre nosotros. se han vuelto parte de nuestro «lenguaje familiar». Manuel Darío. que no había cosa en el mundo de la cual no pudiera uno reírse. gracias a la tecnología y a algunos amigos. Y. como si fuera poco. Son comedias finas. Hay cuatro actuaciones de Les Luthiers que me parecen magníficas: Felicia y Abelardo. nuestras hijas y nosotros disfrutamos con Les Luthiers. 184 . les he visto actuar a través de vídeos y me parecen aún más geniales. porque abordaban cada tema que se les antojara con una originalidad y una habilidad transgresora. música y crítica social. El sendero de Warren Sánchez y aquella en donde actúa la Comición Permanente de la Actualización de la Canción Patria (en donde sale el maestro Mangiacaprini). Juego de palabras e ideas. ÉRIKA Y ÓSCAR: El tiempo pasó y hoy.Despertaron en mí una admiración hacia ellos. Les Luthiers son una combinación de teatro.

la música y las voces son las estrellas en el escenario. por ejemplo. Es importante también decir que ellos. se plantan cada vez mejor en el escenario y nosotros reímos y reflexionamos más. son de nuestros personajes favoritos. de todo y de ellos mismos. Mastropiero. el Séptimo Regimiento. en las luces. a pesar de ser tan cosmopolitas. es la práctica la que perfecciona las acciones. Les Luthiers es un grupo que dice la verdad con humor.Cuando hemos tenido un mal día o hemos visto una película de miedo. Manuel Darío. nunca han abandonado sus raíces argentinas. Sin embargo para entender y 185 . A medida crecen en edad y experiencia los Les Luthiers disfrutan más. Esther Psícore. No se puede dejar de mencionar que algunos de sus instrumentos musicales son construidos por ellos mismos. La sencillez con la que se desenvuelven solo puede ser el resultado de la disciplina del ensayo. se ríe de todos. Es admirable la perfección de sus actuaciones. y todas aquellas personas que deben estar implicadas tras bambalinas en todas esas cosas tan necesarias que necesita la presentación en un escenario. ha habido ocaciones en que hemos tenido deprivación colectiva familiar Les Luthierica y después de cena vamos a ver alguno de los capítulos en DVD. las magníficas interpretaciones de los instrumentos y la entonación de sus voces. la ironía. Felicia y Abelardo. recurrimos a Les Luthiers para recuperar el buen humor. San Ícticola de los Peces. en donde la risa. como tampoco se puede obviar la importancia que hay de la gente que está detrás. Ortega. Escipión. Les Luthiers nos lleva por un viaje multicultural.

larepublica.jpg&i mgrefurl=http://elojoenlalengua. Ellos son verdaderos profesionales de las tablas.s:0& biw=1280&bih=699 http://www.com.com.com/paulchanseaud/blog/les_luthiers. pues ellos nos conducen por una pluraridad de culturas que no siempre son muy conocidas por estas latitudes.com.sv/images?rlz=1C1AVSX_enSV398SV408&q=les%20luthiers&um=1&ie=UTF8&source=og&sa=N&hl=es&tab=wi&biw=1280&bih=699 186 .apreciar la comedia de Les Luthiers se requiere tener un mínimo de conocimientos generales y un poco más de picardía mental.3 000.blogspot. la música y el canto.myopera.com/pag1.google.sv/imgres?imgurl=http://files.lesluthiers.r:16.uy/cultura/237435-les-luthiers-vuelven-a-punta-del-este http://www. Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Página oficial de Les Luthiers: http://www.htm Fotografías extraídas de: http://www. Particularmente creemos que el éxito alcanzado es la realización personal de cada uno de sus integrantes en otras esferas de la vida y que termina por enriquecer esa entidad tan completa como es Les Luthiers.com/2010/03/el-monologo-de-ravinovich-lesluthiers.300&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=453&vpy=76&dur=9285&hovh=198&hovw=255&tx=110&ty=127&ei=y 9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&oei=y9ojTejcMYydnwfP8oHtDQ&esq=1&page=1&ndsp=29&ved=1t:429.google.html&usg=__dNutppK7sROJZTZXIo1q3IXFaZw=&h=325&w=419&sz=19&hl=es&start=0&zoom=1&t bnid=xocApdb3ClcbgM:&tbnh=131&tbnw=169&prev=/images%3Fq%3Dles%2Bluthiers%26um%3D1%26hl%3 Des%26sa%3DN%26rlz%3D1C1AVSX_enSV398SV408%26biw%3D1280%26bih%3D699%26tbs%3Disch:10.

como por ejemplo en Fiesta. Antonio Machado y Mario Benedetti. Cada loco con su tema. A quien corresponda. Los macarras de la moral y Disculpe el señor. Esos locos bajitos. Se podría decir que no ha habido tal vez ningún tema que Serrat no haya tocado y en casi todas las canciones él expone su filosofía de la vida. Es mi derecho como amante de la música. siempre dejaremos algunas muy buenas afuera.MIS CANCIONES FAVORITAS DE SERRAT (Sólo para fanáticos de Serrat) La discografía de Joan Manuel Serrat es extensa y de una calidad incuestionable. una excepción a lo anterior es su afortunada incursión en la musicalización de los poemas de tres notables poetas iberoamericanos: Miguel Hernández. Por las paredes (mil años hace). En esta selección no están todos sus discos. el gran poeta de la guerra civil española. Historia de vampiros. por lo tanto al tratar de escoger las mejores de sus composiciones. La gente va muy bien. aunque en algunas canciones es más directo en este sentido. «Nanas de la cebolla» y 187 . Soneto a mamá. Del disco homenaje a Miguel Hernández. «Menos tu vientre». Como bien sabemos Serrat es un compositor muy original y él es prácticamente el autor de todos los temas de cada uno de sus discos. Pero una selección hecha con el corazón y ligada al más apegamiento subjetivo es siempre válida. Pueblo blanco. por mencionar sólo algunas. Bienaventurados. mis favoritas son «Elegía». Sin embargo.

Este álbum tiene arreglos musicales bastante adheridos a los años ´60 y hay que mencionar que el único poema al que no le hizo la música Serrat fue a «Nanas de la cebolla». debido a las letras y a la orquestación muy bien lograda en ambas. 188 .” No puedo obviar mencionar -por lo conocida que es. en plena guerra civil española. ya conocéis mi torpe aliño indumentario. No te derrumbes. en el buen sentido de la palabra. ríete niño que te traigo la luna cuando es preciso… Desperté de ser niño. En la cuna del hambre mi niño estaba. sin lugar a dudas.«El niño yuntero». él triste de cebolla. cuya música fue compuesta por el argentino Alberto Cortez y escrita por Miguel Hernández para su hijo. mi juventud veinte años en tierras de Castilla. Y a cabo nada os debo. el pan que me alimenta y el lecho en donde llago. Del disco de Antonio Machado mis distinguidas. Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido. escarcha de tus días y de mis noches. que también está en este álbum. me debéis cuanto he escrito. siempre en la cuna defendiendo la risa pluma por pluma… Vuela niño en la doble luna del pecho. Una mujer morena resuelta en lunas se derrama hilo a hilo sobre la cuna. no sepas lo que pasa ni lo que ocurre”.la canción que inicia con la famosa frase “Todo pasa y todo queda. tu satisfecho. a mi trabajo acudo. hambre y cebolla. con sangre de cebolla se amamantaba. mas recibí la flecha que me asignó cupido y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario. con mi dinero pago el traje que me cubre y la mansión que habito. son «Retrato» y «Del pasado efímero». mi historia algunos casos que recordar no quiero. en donde le decía que casi no tenían dinero y sólo comían pan y cebolla. cebolla y hambre. triste llevo la boca. pero mi verso brota de manantial sereno y más que un hombre al uso que sabe su doctrina soy. Y cuando llegue el día del último viaje y éste al partir la nave que nunca ha de tornar. ríete siempre. bueno… Converso con el hombre que siempre va conmigo. hielo negro y escarcha grande y redonda. he aquí un fragmento: “La cebolla es escarcha cerrada y pobre. he aquí un fragmento de Retrato: “Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla y un huerto claro donde madura el limonero. me encontraréis a bordo ligero de equipaje. pero tu sangre escarchada de azúcar. nunca despiertes. quien habla solo espera hablar a Dios un día. casi desnudo como los hijos de la mar. Hay en mis venas gotas de sangre jacobina. al recibir una carta de su esposa. mi soliloquio es plática con este buen amigo que me enseñó el secreto de la filantropía. pero lo nuestro es pasar…”: «Cantares».

que es una canción llena de erotismo y ternura y que al final le abofetea suavemente el rostro a las madres –o a los padres. que era interpretada por ellos mismos. pero también la dicotomía y la contradicción 189 . y la segunda que es una denuncia de la pobreza. en todo caso. de la cual un grupo salvadoreño realizó una versión en los años ´70. Del álbum Mi niñez todas me gustan mucho.con una fina ironía. ésta última nos recuerda que cuando dejamos de perseguir un objetivo entonces inconscientemente decidimos morir. dedicado a los poemas de Mario Benedetti. «Mi niñez». «Vencido». las otras dos que me gustan mucho de ese disco son «En cualquier lugar» y «Manuel». «Pueblo blanco» y «Tío Alberto». No se puede dejar de mencionar que en este mismo álbum está –aunque no sea de mis preferidas. «De cartón-piedra» cuenta la tierna historia de un loco solitario que está enamorado de un maniquí.Del disco El sur también existe. así como también está la versión del dúo que hizo Serrat con Mercedes Sosa). del conservadurismo y a contra parte propone el cambio de lugar. De sus 10 composiciones todas son obra de Serrat –por supuesto-. «Como un gorrión» habla de una mujer muy independiente y muy segura de su identidad. pero la última. «Pueblo blanco» habla acerca de alguien que está hastiado de lo estático. El disco Mediterráneo es una obra maestra de Serrat. De los primero discos de Serrat hay canciones que ya se han convertido en clásicas. pero resaltan «De cartón-piedra». no se puede dejar de mencionar que el este álbum están las notorias canciones «La mujer que yo quiero» y «Lucía» (de esta última la cantante española Rosario consiguió hacer una versión muy buena. Mi elegidas de este disco son «Mediterráneo». «Como un gorrión». «Fiesta» y «Si la muerte pisa mi huerto». de este disco no se puede dejar de mencionar la popular canción «Señora». la cual es un poema del poeta Rafael Alberti. la primera me transporta a ese deseo urgente del ser humano de ir más allá. Del álbum Joan Manuel Serrat 1969. mis canciones predilectas son «Poco antes de que den las diez». es un poema del poeta León Felipe.la conocidísima canción «Tu nombre me sabe a hierba». Es pertinente mencionar que la primera canción de este álbum se llama «La paloma». la búsqueda de sus sueños corriendo hacia otra parte. mis canciones preferidas son «El sur también existe» y «Currículum».

En este álbum está «De parto». la flauta y la mandolina. que no hay que confundir valor y precio. tal vez mañana sonría la fortuna. que nunca vuelve aquello que se pierde y la marea sube y luego baja. La melodía del piano que inicia «Arena y limo» es una de las más originales que escuchado. «Soneto a mamá» dice: “No es que no vuelva porque me he olvidado de tu olor a tomillo y a cocina. es una colección muy buena de canciones. tu hembra y tu arreo y sigue el camino del pueblo hebreo y busca otra luna. «Por las paredes (mil años hace)» y «Tordos y caracoles». pero los muertos están en cautiverio y no nos dejan salir del cementerio…” Canción infantil. Si yo pudiera unirme a un vuelo de palomas y atravesando lomas dejar mi pueblo atrás. «Cenicienta de Porcelana». Y supe que el amor tiene ojos verdes. así se llamó el disco que Serrat publicó ese año y es uno de mis favoritos. la cual muestra un ambiente de exquisita sobriedad al inicio.irse-quedarse: “Escapad gente tierna que esta tierra está enferma y no esperes mañana lo que no te dio ayer. juro por lo que fui que me iría de aquí. de 1974. de lejos dicen que se ve más claro. «Irene». reconociendo en cada casa el niño que acaba de nacer. Me gusta mucho no sólo por sus canciones en sí. «Soneto a mamá» y «Romance del curro El Palmo». es que perdí el camino de regreso. pero justo antes de llegar al estribillo cantado por Serrat hay una especie de orgasmo musical con la percusión. supe que lo sencillo no es lo necio. que cuatro palos tiene la baraja. sino debido a los arreglos tan interesantes que se les han hecho a cada uno de los instrumentos musicales que intervienen. que no hay nada que hacer. de dictaduras y amores de la amada España de Serrat: “Mil años hace que el sol pasa. En «Por las paredes (mil años hace)» podemos entrever toda una historia de guerras y conquistas. 1978. que no es igual quien anda y quien camina. Mis preferidas son «Ciudadano». pero mis predilectas son sin duda «Arena y limo». mamá”. No es que no vuelva porque me he olvidado. una copla muy tierna dedicada a las embarazadas. que las flores nacen 190 . que un manjar puede ser cualquier bocado si el horizonte es luz y el rumbo un beso. no obstante una de las canciones que más tocan mi corazón de esta creatividad serratiana es «Luna de día». que el monte dibuja perfiles suaves de pecho de mujer. Y si te toca llorar es mejor frente al mar. toma tu mula.

En cada valle una gente y cada cara esconde vientos diferentes. que es tan peculiar en su letra y en sus arreglos musicales. la plata del olivo griego. 191 . la casa. la cual rebosa de optimismo. Y el musulmán lo perdió todo.discretas y las bestias y la luz también mil años para nuestro bien. cortes y trovadores. El mundo es de peaje y de experimentar. En paz descansen esplendores de amor. descansa en paz ancestral grey vendida por tu propio rey. pero al entender bien el tono en que las dice podemos darnos cuenta que es una admirable forma de denunciar los males de este mundo moderno. Iberos y romanos. que la tierra cayó en manos de unos locos con carné. «Las malas compañías» y «Una de piratas» son dos canciones que no pueden evadirse. moros y cristianos. no había pez que se atreviese a transitarlos sin llevar las cuatro barras en el lomo. La otra composición de innegable belleza es «A quien corresponda». pero también está impregnada de una sutil dosis de crítica a la forma en que educamos a nuestros hijos y de análisis profundo de las relaciones padrehijo. Que el mar está agonizando. No puedo omitir mencionar que aquí se encuentra la muy famosa canción «No hago otra cosa que pensar en ti» (de la cual Joaquín Sabina hizo una interesante versión en «Eres único… Homenaje a Serrat»). He aquí un fragmento de «A quien corresponda»: “Que las manzanas no huelen. en esta canción Serrat expone sus opiniones que al principio nos parecen pesimistas. que a los viejos se les aparta después de habernos servido bien. que todo es desechable y provisional…” Otra canción que amo con descaro de este disco es «Hoy puede ser un gran día». es verdaderamente una obra de arte. en nombre de la cristiandad. que es una de las mejores canciones de amor que se hayan hecho. De mártires y traidores enlutaron tus campos los inquisidores…” El 1981 Serrat nos regaló uno de sus mejores trabajos discográficos: En tránsito. dueños del camino del mar. que nadie conoce al vecino. el sueño y la heredad. fenicios y godos. la llama persa del ciprés. Mil años que el hombre y la guerra dieron lengua y nombre a la tierra y al pueblo que rindió a sus pies. Este álbum contiene una de las más bellas composiciones que he escuchado en mi vida: «Esos locos bajitos». que no hay quien confíe en su hermano.

se suelta el pelo y me invita a salir con ella a escena…”. hacer a pensar. la unicidad que hacen es tan 192 . si quieres probaré a crecer…Cuéntale a tu corazón que siempre hay una razón escondida en cada gesto. y los artesanos más que las factorías. Su primera canción. El final de esta canción tiene una metáfora que siempre me parecido muy cinematográfica: “De vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. en ésta otra vez el arreglo musical unido a la letra y a la voz de Serrat nos dejan sin aliento. tomar a pedir. que estaba llena de caricaturas de diversos seres humanos en innumerables actividades. se hace de nuestra medida. amar a querer. un disco de 1987 contiene otra de las más bellas canciones de Serrat que es «Especialmente en abril». la razón que la fuerza. por conocer. De vez en cuando la vida toma conmigo café y está tan bonita que da gusto verla. lo que no tiene es remedio…”. besar a reñir. nos pasea por las calles en volandas y nos sentimos en buenas manos. ganar a perder. toma nuestro paso y saca un conejo de la vieja chistera y uno es feliz como un niño cuando sale de la escuela. ni que me suba a un taburete. Otro tema que vale la pena escuchar en este disco es «De vez en cuando la vida»: “De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas. palpar a pisar. que a los locos conocidos…Prefiero querer a poder. chupando un palo sentados sobre una calabaza.En 1985 Serrat publicó un álbum cuya carátula era inconfundible: Cada loco con su tema. más que del diccionario. el instinto que la urbanidad. prefiero los caminos a las fronteras. y que es la que le da nombre al álbum. Bienaventurados. es a mi parecer una extensión a la inversa de la canción «A quien corresponda» del disco «En tránsito». del derecho y del revés uno sólo es lo que es y anda siempre con lo puesto. me privan más los barrios que el centro de la ciudad. y una mariposa al Roquefeller Center y al sabio. y un Siux más que el Séptimo de caballería. prefiero volar a correr. ya que en «Cada loco con su tema» Serrat formula muchas de sus preferencias: “…soy partidario de las voces de la calle. la cual está bañada suavemente por una mesura musical que se acopla perfectamente a la voz de Serrat y al tema del cual nos habla: “… no me pidas que no piense en voz alta por mi bien. bailar a desfilar. Nunca es triste la verdad.” Mi tercera canción favorita de este álbum es «Sinceramente tuyo». y disfrutar a medir. Antes que nada soy partidario de vivir…”.

Hay que decir que en este disco hay un solo de trompeta sobrio. que buscándose la vida luce la avenida y le da mala fama a la ciudad. Van buscando los rincones sofocadas las parejas. el consejo de Neruda que las nieves son más crudas en abril especialmente…”. Niño de nadie. sin atender. que la manada redime su pecado de existir.afortunada que uno se ve inmediatamente imbuido en una atmósfera de ensimismamiento muy intelectual pero rebosando al mismo tiempo de una mansa emoción. imprudentes. indenfenso y asustado que aprende a fuerza de palos como las bestias a sobrevivir…” «Benito» es la historia de dos indigentes que viven bajo un puente. nos dice en otras palabras que uno cosecha en la mayoría de los casos lo que se siembra. que es el tema que da nombre al disco. «Bienaventurados». el cual contiene 3 canciones que me gustan mucho: «Niño silvestre». En 1994 Serrat divulgó su disco Nadie es perfecto. interpretado por el famoso cantante Dyango. «Bienaventurados». hacen planes y se dejan llevar por las emociones. niño silvestre que acechando la acera viene y va. es decir que toda causa tiene un efecto. Recién nacido con la inocencia amputada. 193 . he aquí un fragmento: “Especialmente en abril la razón se indisciplina y como una serpentina se enmaraña por ahí. Mis otras canciones mimadas de este disco son «La rana y el príncipe». liso y muy bien tocado. presagio de mala muerte. La primera es una imputación a la sociedad por los niños abandonados en las calles: “Hijo del cerro. «Historia de vampiros» es una gran metáfora que nos conduce por la vereda estrecha de la intolerancia hacia las ideas de los demás. Niño sin niño. «Los fantasmas del Roxi» es una canción que nos sumerge en el mundo de las viejas estrellas de Hollywood. «La rana y el príncipe» es una fábula que nos quiere dar a entender de una forma amena que debemos ser humildes y no creer que los animales sean inferiores a los humanos. «Benito» e «Historia de vampiros». «Llegar a viejo» y «Los fantasmas del Roxi». en la canción «Mensajes de amor de curso legal». Y la canción Llegar a viejo que es una denuncia al mal trato que reciben en nuestra sociedad moderna los hombres y mujeres de la tercera edad. además nos muestra que detrás un evento infortunado siempre hay una oportunidad para mejorar o a veces la vida después de una desgracia nos está preparando para algo mejor.

un trotamundos y otro que se queda en su país y a través de cartas mantiene una bonita comunicación. que es un canto a la vida. «Y el amor» es un renovado abordaje del viejo tema del amor. de 1998. y Joan Manuel Serrat. Soledad Jiménez. Es muy recomendable este disco ya que vale la pena oír.Utopía contiene 4 textos musicalizados que remueven las fibras del corazón: «Juan y José». Y «Fe de vida». hasta explotar en una revolución marxista. «Juan y José» cuenta la historia de dos amigos. y que han sido enriquecidas con una nueva versión en los arreglos orquestales. (Yo por mi parte prefiero cuando prevalecen los instrumentos acústicos). «Y el amor» y «Disculpe el señor». «El hombre y el agua». Sombras de la china. Mis favoritas: «Los macarras de la moral». en español y en catalán. puedo imaginar que Serrat escribió esta canción pensando en la exquisita voz de Soledad Jiménez. «El hombre y el agua» es un llamado a la reflexión sobre el cuidado del vital líquido. «Mediterráneo» con la voz ya madura de Serrat junto a una verdadera sinfónica. nos lleva desde el principio a través de unos arreglos musicales que mezclan instrumentos acústicos con instrumentos eléctricos. «Disculpe el señor» nos muestra a un mayordomo hablándole a su patrón y a medida que avanza la canción se ve a un puñado de gente pobre creciendo y creciendo. entre la ex cantante de Presuntos Implicados. la sencillez de la melodía es engrandecida por la voz de ella. 194 . Serrat Sinfónico es una recopilación de algunas de las canciones de Serrat. Además en este disco hay una colaboración muy dichosa en la canción «Pendiente de ti». que es un discurso con ritmo flamenco que delata a los que siempre nos quieren manipular con miedo y mentiras. la cual desde la primera nota envuelve al oyente. una historia que se ha repetido numerosas veces en América latina. lográndolo a través de un perfecto acoplamiento entre sus voces y el argumento de la canción. por ejemplo.

y TarresSerrat son algunos de los últimos trabajos de Serrat y que serán citados en otra ocasión.Para terminar hay que decir que los discos Cansiones (con S). Texto: Érika Valencia-Perdomo Óscar Perdomo León Fotografía: Óscar Perdomo León 195 .

LA DIOSA MÚSICA Derechos Reservados.com 196 .com/ e-mail: operdomo_leon@yahoo. 2011. ©Óscar Perdomo León. Diseño de la portada: ©Óscar Perdomo León Sin fines comerciales Blog personal: LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN http://oscarperdomoleon.wordpress.

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