P. 1
Los Pintores Postimpresionistas

Los Pintores Postimpresionistas

|Views: 90|Likes:
Publicado porAlex Quezada

More info:

Published by: Alex Quezada on Nov 27, 2011
Copyright:Attribution Non-commercial

Availability:

Read on Scribd mobile: iPhone, iPad and Android.
download as DOC, PDF, TXT or read online from Scribd
See more
See less

11/27/2011

pdf

text

original

Los pintores postimpresionistas Paul Gauguin.

Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.. Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,... Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Antecedentes
Todos los artistas agrupados bajo el término postimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas. El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento, supuso una revolución y sus obras recibieron fuertes críticas. Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el Postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura. El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura. Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible. Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron la calle, el

Henri de Toulouse-Lautrec Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses. Su experimentación subjetiva. . se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas. Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la luz y su movimiento. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas síguiendo los cánones renacentistas sino que se formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos. evocadoras de las emociones internas del artista. utilizando una rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque el color negro. Bruselas). Nueva York). no existía en la naturaleza. como en Pinos y rocas (1895-1898. MoMA de Nueva York). Utilizaba trazos sueltos. representando seres vivos y paisajes. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. Gauguin y Van Gogh La obra de Cézanne. se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas. Paul Gauguin. Palacio de Bellas Artes. Vincent Van Gogh. y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos. el paisaje. por su parte. Por lo tanto se dice que Van Gogh no fue postimpresionista sino impresionista. volúmenes y relaciones entre superficies. Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura. preludió el expresionismo.edificio. Cézanne. la persona. el hecho pero no en su concepción estática y permanente sino percibidos en ese momento casi único. ejemplificada en Noche estrellada (1889. según decían. como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889. en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular. cortos y vigorosos. MoMA. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

como el cubismo.Neoimpresionismo. Expresionismo. Simbolismo) Georges Seurat (Puntillismo) Henri de Toulouse-Lautrec (Expresionismo) Vincent van Gogh (Puntillismo. Corrientes posteriores Otros movimientos artísticos posteriores. el expresionismo. Abstraccionismo) Ferdinand Hodler Edvard Munch (Expresionismo) . el fauvismo. cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte 1884-1886. Abstraccionismo) Paul Gauguin (Fauvismo. Art Institute de Chicago). inventó una técnica denominada puntillismo. puntillismo y divisionismo Georges Seurat. el surrealismo y el futurismo. denominado neoimpresionista por sus criterios más próximos al impresionismo. presentaron algunas de las características de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el concepto abstracto del arte. Artistas postimpresionistasPaul Cézanne (Cubismo.

3. desde 1890 hasta su muerte en 1906. Acudía de vez en cuando a las tertulias en el café Guerbois. A lo largo de su vida sufrió una variación estilística en la que hay un denominador común: la búsqueda continua de un lenguaje pictórico que le permitiera expresar la intensidad de lo que percibía. donde se recogería durante largos periodos para pintar. donde conoce a Pissarro. Nació en una localidad del sur de Francia llamada Aix-en-Provence. encuentro con Manet y los impresionistas. 1873.Periodo «sintético». Pero el joven Cézanne perseveró y en 1862 se instala definitivamente en París para estudiar en la Academia Suisse. 1877 y 1881. Se suelen distinguir cuatro periodos en su vida artística. pero no se puede negar que cada uno de nosotros permaneció fiel a una única cosa importante: la propia sensación». Renoir y los demás impresionistas. lideradas por Manet. que son los que utilizaremos en nuestro estudio de la obra de Cézanne: 1.Periodo «constructivo» (1880-88): obras en L'Estaque (cerca de Marsella.Paul Cézanne (1839-1906) Cézanne es uno de los pintores que más influyó en la formación de las vanguardias históricas de principios del s. que en 1847 se hizo cargo de un banco. Monet. Según Pissarro: «Estábamos siempre juntos. Sus inicios como pintor fueron duros. 1874. Expone en la primera (1874) y tercera (1877) muestras Impresionistas.XX. consiguiendo grandes beneficios con este negocio. Intentos de ser aceptado en el Salon 2.Periodo «romántico»: 1862-70. 1880-83) y Gardanne (1885-88) 4. Su padre quería que estudiara derecho y se oponía a su carrera artística.Periodo «impresionista»1873-79: Trabajo con Pissarro y estancias con él en Pontoise y Auvers-sur-Oise en 1872. Etapa «romántica» Cézanne era hijo de un próspero fabricante de sombreros. . Visitas a París.

pero no se puede negar que cada uno de nosotros permaneció fiel a una única cosa importante: la propia sensación» Camille Pissarro Lo primero que hay que dejar claro es que Cézanne nunca fue un auténtico impresionista. Periodo «impresionista» «Estábamos siempre juntos. Cézanne buscó durante toda su vida expresar en sus obras una combinación de sensaciones articulada racionalmente de forma que pudiera reconstruir sobre el lienzo la realidad por él percibida en toda su intensidad. su realidad inmutable. Solía utilizar el impasto. Pasaba largas temporadas retirado en su pueblo natal de Aix-en-Provence o en otros lugares del sur de Francia pintando. con su volumen. pintando su estructura íntima. Utilizaba el color para dar forma a su experiencia visual. Cézanne marcó diferencias de enfoque fundamentales con respecto a los impresionistas: «los impresionistas querían reproducir sus sensaciones. Aunque expone en la primera (1874) y tercera (1877) muestras impresionistas. la influencia del Impresionismo sobre Cézanne fue limitada. . ¡yo no!». A Cézanne le gustaba trabajar solo. y con frecuencia aplicaba el óleo con espátula. Cézanne siempre se quejó de que «no puedo conseguir la intensidad de lo que veo con mis sentidos». El artista ponía una gran energía en todas sus obras. para tratar de armonizarla pictóricamente con la Naturaleza. Por el contrario Cézanne buscaba representar los objetos con su densidad. Pero había otra diferencia fundamental con respecto a los impresionistas. Éstos buscaban plasmar los objetos según la luz efímera.Estos primeros trabajos de Cézanne eran de un estilo un tanto expresionista. según su fugaz apariencia luminosa.

Las formas son sólidas. de forma que describan su estructura geométrica profunda. En este proceso el dibujo no . En esta obra es evidente que Cézanne ha asimilado el uso de la luz y el color según los principios del Impresionismo. En este cuadro realiza una composición espacial más elaborada. en un intento de captar lo esencial. en el arte de Cézanne. que cada lado de un objeto o de un plano se dirige hacia un punto central» Cézanne Entre 1880 y 1888. La solución que intenta dar Cézanne a este problema pasa por multiplicar planos de color alrededor de los objetos. todo ello en perspectiva. En esta etapa Cézanne se esfuerza por construir formas materializadas dentro de composiciones equilibradas según una lógica que el artista impone a lo que observa en la Naturaleza. De la obra destaca el personal sentido de masa y de planos en interacción de Cézanne. el cono. Esta «Casa del ahorcado». realizando varias estancias con él en Pontoise y Auverssur-Oise. que sobre todo enfatiza el papel de la luz en su incidencia sobre los objetos. Periodo «constructivo» «Tratar la Naturaleza por el cilindro. Sin embargo. tiene lugar la etapa que se suele llamar «constructiva». Cézanne aclara su paleta. lo duradero de la realidad.Entre los años 1873 y 1879 Cézanne realizaba frecuentes sesiones de trabajo con Pissarro. de 1873-74 es un ejemplo del trabajo de Cezanne en su intento de superar la captación fugaz del momento de los impresionistas. pierde la pincelada típica de este estilo. Como consecuencia de su trabajo con Pissarro. la esfera. es decir. se han materializado. utilizando colores más claros. en contraste con el enfoque puramente impresionista. aproximadamente.

El objetivo de Cézanne es construir una obra que alude a una Naturaleza ordenada. que sirven para delimitar los planos de color que crean las masas. izquierda y derecha. sino que utiliza la pincelada constructiva que sirve para delimitar los objetos mediante planos de color superpuestos. Respecto de la composición. Las formas del paisaje así delimitadas están descompuestas en los elementos geométricos básicos que las configuran. Estas ideas quedan perfectamente en un paisaje de este periodo: El castillo de Médan.). sino realizar sensaciones coloreadas» Paul Cézanne El estilo de Cézanne en etapa final de su vida (aproximadamente desde 1890 hasta su muerte en 1906) se caracteriza. no hay elementos que delimiten el encuadre. el cilindro (troncos de árboles) y el cono (los tejados y algunas masas vegetales). invitando al espectador a reconstruir el espacio que falta mas allá del cuadro. simple. Es el contraste y la superposición de colores lo que sustituye al dibujo. La expresión «pincelada constructiva» alude a un patrón característico de pinceladas paralelas. en la Naturaleza. etc. y que para Cézanne son la esfera (copas de los árboles. los elementos constructivos y estructurales que le sirvan al artista para edificar un nuevo . normalmente sesgadas y casi uniformemente aplicadas. El recurso técnico que Cézanne inventa para esta «materialización» de las formas es lo que el crítico Theodore Reft ha denominado pincelada constructiva de Cézanne. contraste de complementarios.juega un papel independiente del color. abajo. Para ello no se vale de los recursos meramente ópticos preferidos por los impresionistas (mezcla óptica. Ahora explora con mayor audacia. sobre todo por la simplificación de formas. que está «cortado» por arriba. Periodo «sintético» «Pintar no significa copiar el objeto. arbustos). con una cierta solemnidad.

Cézanne se esfuerza por reducir las formas imperfectas de los objetos tal y como se presentan a la sensación. En la serie de pinturas de Cézanne sobre la montaña de Sainte-Victoire. lo mismo que el sombrero del jugador de la izquierda. La función de este lenguaje es la de facilitar que el arte no sea una mera copia de la realidad. más pequeños e inscritos en el primero. En algunas de estas obras Cézanne llega a rozar la abstracción. cerca de Aix-en-Provence. y otros dos. En este caso. Hay una cierta desproporción entre el tamaño de las cabezas y la de los cuerpos. hay una serie de obras representativas de este periodo sintético. En esta parte final de la carrera de Cézanne. El sombrero del otro jugador parece semiesférico. los brazos son cilíndricos. Los personajes están construidos. que son las bañistas. el artista se esfuerza por transmitir la sensación de profundidad mediante la progresiva sucesión de planos conformados por pinceladas de color. Se trata de un recurso para transmitir mayor sensación de masa. el punto de partida de Cézanne es puramente mental: intentar realizar una obra configurada básicamente sobre una estructura modular basada en el triángulo.lenguaje expresivo. Así. Por último. hay una preocupación de síntesis entre dos fuentes de inspiración: la memoria y la Naturaleza. La composición está estructurada en torno a tres grandes triángulos: uno que domina toda la obra y que esta delimitado por los troncos de los árboles. al sacrificar la descripción óptica en favor de la transmisión de la sensación de masa de la enorme mole que es la montaña. a las formas puras que constituyen su esencia duradera. de estructura en las formas. en cuanto a masas y volúmenes. mediante el uso del color. . formados por dos grupos de bañistas a izquierda y derecha. sino algo duradero y construido con la contribución de la actividad intelectual del pintor. El entorno natural que sirve de decorado para la realización de este proyecto es el de unos bañistas a orillas del río Arc. Un ejemplo de obra de transición entre la etapa constructiva y la sintética es la conocida obra Los jugadores de cartas (1892-93).

Las influencia sobre corrientes artísticas posteriores es evidente en grupos como los simbolistas. que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros •Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental. en las que ya es manifiesto su interés por la expresión simbólica. combinada con grandes superficies de color plano. por: •La simplificación de formas. caracterizado. En nuestro estudio de la obra de Gauguin. en esta obra. y potenciada por el uso de masas de colores cálidos y fríos alternando. que parecen tener el tratamiento propio de meros objetos. que pronto sintió la necesidad de superar. para pasar a ser un elemento de la composición. Seguiremos con otros dos ejemplos del arte que desarrolló en . El personal camino que siguió para dar cauce a su necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que el llamaba «simbolismo sintético». La sensación de profundidad en el espacio se logra mediante la hábil disposición de los cuerpos en planos sucesivos. o Los Nabis. A continuación veremos dos muestras del periodo de trabajo que pasó Gauguin en la localidad bretona de Pont-Aven. •Un uso no convencional y simbólico del color. primero nos detendremos en el análisis de una de las obras de transición del Impresionismo con que manifestó una visión más personal de la expresión artística. El dibujo que delimita los cuerpos no impide que los colores del entorno se mezclen e invadan a algunas de las figuras humanas. Paul Gauguin (1848-1903) Paul Gauguin fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. esta despojado de toda sensualidad y expresividad. desde el punto de vista formal. De vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado».El cuerpo humano.

Su madre era hija de un virrey de Perú. Terminaremos analizando una de sus obras maestras. En un principio su pintura estaba muy cercana a los presupuestos impresionistas. buscando un entorno más propicio para la creación artística. coleccionaba obras impresionistas. y vivió allí desde 1849 a 1855. La influencia de Cézanne se manifiesta en la simplificación de formas enérgicamente modeladas. Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar la escena mostrando en un primer plano el perfil de su amigo Laval (desbordamiento del primer plano). donde pasó la mayor parte de los doce últimos años de su vida. de 1886. En 1865 el joven Gauguin se hizo marinero. En 1874 conoció a Pissarro y al resto de los impresionistas. y perdió muy pronto a su padre. tuvo cinco hijos y llevaba una agradable vida burguesa. En ese año comenzó a trabajar como agente de Bolsa. En 1885 deja a su mujer e hijos con su familia política en Copenhague para dedicarse al arte en exclusiva. . Sin embargo no tarda en distanciarse del impresionismo que había aprendido con Pissarro. comenzando a experimentar nuevos cauces de expresión. lo mismo que el uso del color (contraste de complementarios). Era un época en la que ganaba dinero. su obsesivo interés por la pintura le lleva a abandonar su trabajo. Primeros trabajos Paul Gauguin nació en una familia burguesa.Polinesia. se casó. Pero en 1883. se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne. en la que muestra su preocupación por las grandes cuestiones de la existencia humana: «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?». hasta 1871. con 35 años. y pasó el servico militar en la Marina. En el Bodegón con retrato de Charles Laval. La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista. Incluso expuso con ellos en todas sus muestras posteriores a 1880. cuando regresaron a Francia. demostrando que tenía buen olfato para los negocios.

Fue precisamente Emile Bernard quien ejerció una gran influencia sobre Gauguin.. Pont-Aven Amo la Bretaña. Estas conversaciones darían un impulso a Gauguin para encontrar una síntesis influencias (estampas japonesas. como Charles Laval (con quien irá en 1887 a Panamá y Martinica) y Emile Bernard. Israel. para comunicarle su nuevo nombre. inducida por el sermón que acaban de escuchar.) que desembocaría en la creación de su personal estilo. Esto junto con la alteración deliberada de la .Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la pintura. Encuentro en ella lo rústico. primitivismo. Bernard era un pintor con un buen conocimiento del simbolismo literario. mensajero de Dios.. Esta obra muestra un grupo de mujeres bretonas que tienen una visión. y las grandes zonas de color intenso están perfiladas por un borde negro. El afán de simplificación es evidente: no hay sombras. La visión muestra el episodio bíblico de la lucha entre Jacob y un ángel. monótono y vigoroso que trato de lograr en la pintura. Veamos en dos obras algunos rasgos de este nuevo estilo. Gauguin para enfatizar la sensación de aparición juega con el tamaño relativo de los ementos de la escena: la vaca es demasiado pequeña. lo primitivo. Rewald supone que las conversaciones de Bernard con Gauguin estimularían a este último ofreciéndole una justificación intelectual de los experimentos personal de pictóricos varias que realizaba por aquel entonces. “Paul Gauguin” En 1886 y 1888 Gauguin se va a un pueblo de Bretaña llamado PontAven. y por la diminuta vaca. Cuando mis zuecos de madera retumban sobre este suelo de granito. simbolismo. Sabemos que la acción sucede en Bretaña por el manzano cuyo tronco cruza en diagonal el cuadro (influencia de las estampas japonesas). las campesinas bretonas demasiado grandes. donde trabaja con jóvenes artistas que ya le admiran. escucho el tono sordo.

Es en 1891. usando sólo el medio del arte primitivo. Además las áreas de color están delimitadas por gruesos trazos negros. no ver nada más que salvajes. Quería ir allí en busca de inspiración «sin otra preocupación en el mundo más que expresar. la sencillez rústica y supersticiosa que pretende transmitir Gauguin con su obra. La eliminación que hace Gauguin de la perspectiva clásica se traduce. Esta obra la realizó Gauguin durante 1891. Participa con frecuencia en las reuniones simbolistas del café Voltaire de París. en términos de color. mientras que la otra tiene una actitud meditabunda. en la eliminación de la modulación tonal. su primer año de estancia en Polinesia. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen. religiosidad e inocencia de los habitantes de las islas de Polinesia. el único medio correcto. en el sur del Pacífico. a esta técnica se le denominaría «cloisonnisme». La escena representa a dos jóvenes tahitianas sentadas en la playa. cuando Gauguin decide irse a vivir a Tahití. como lo haría un niño. El desarrollo de esta técnica adaptada a la pintura sobre lienzo le sirve a Gauguin para superar el naturalismo impresionista que no le resultaba suficiente para expresarse. . En los mares del Sur Sólo quiero crear un arte sencillo. Los «cloison» son los compartimentos contorneados en negro o azul en los que se aplica el esmalte de color en las piezas de cerámica. en contacto con el primitivismo. las impresiones de mi mente.escala naturalista define el «primitivismo». a la edad de 42 años. Paul Gauguin En los últimos años de los 80 y principios de los 90 Gauguin ya es una figura muy apreciada en los ambientes simbolistas. Una de ellas realiza un trabajo artesanal. Su intención era llevar una existencia más sencilla y armoniosa. el único medio verdadero».

Veía en los nacimientos de niños y en la fuerza de los vínculos materno-filiales un motivo que le servía para expresar sus inquietudes intelectuales sobre el misterio de la vida. aplica gruesas pinceladas de colores planos sobre el lienzo. que está presente en tonos puros y brillantes. Gauguin transmite el mensaje simbólico de la inocencia mediante la florecilla del suelo. En el caso concreto de este cuadro Gauguin retrata una mujer tahitiana. Gauguin consigue un efecto decorativo mediante el uso equilibrado del color. Disfrutarán con las representaciones en brillantes colores de mujeres y otros animales de cuatro patas estirados en el suelo con ropas de billar. con la que tuvo un hijo en 1899. Pahura. Una de ellas. Por otro lado. Gauguin regresó a Francia en agosto 1893. y transmitir el primitivismo de la escena. un crítico escribió: «Si quiere que sus hijos se diviertan. corresponde a esta segunda estancia en Oceanía. Sobre este muestra en Durand-Ruel. regocijándose en su vulgaridad» Por eso decide regresar en 1895 a Polinesia. En el cuadro aparecen tres mujeres en la playa. sentada en el suelo. y estuvo allí hasta febrero de 1895. Parece que . y las que llevan las mujeres en el pelo. El uso de flores para simbilizar la inocencia será una constante en su obra. Por una parte. Una de las otras dos está en pie con un manojo de flores en sus manos. El cuadro que aquí comentamos. amamanta a un bebé. llévelos a la exposición de Gauguin. Las formas se han depurado y simplificado en consonancia con el mensaje de sencillez y armonía naturales. hasta su muerte en 1903. en áreas delimitadas por el dibujo negro («cloisonnisme»). El tema de la maternidad fue abordado por Gauguin en varias ocasiones. Su estancia en el mundo «civilizado» le resultó decepcionante: su reencuentro con su esposa danesa en Copenhague y la exposición de sus trabajos organizada por Durand-Ruel no rinden los frutos esperados. maternidad datado en 1896.En esta pintura Gauguin utiliza la técnica desarrollada en su etapa bretona para superar las limitaciones expresivas del Impresionismo.

la alusión simbólica a la inocencia. Con la elección de colores complementarios se subraya el interés decorativo que busca el artista.. Tal como dejó escrito el propio Gaugin. Fontainas” Las preocupaciones vitales de Gauguin tuvieron reflejo en muchas de sus obras. “Gauguin en una carta a A. Al lado de la mujer con el niño hay un perro. Se basa en dos triángulos inscritos en las dos mitades del lienzo. pero en ninguna tanto como en esta. En el triángulo de la derecha entran todas las personas del grupo de esa zona del cuadro. Está clara la despreocupación por la representación naturalista en el uso arbitrario del color y en el tamaño excesivamente pequeño de los hombres que pescan al fondo. en favor de la mayor libertad expresiva que busca Gauguin. consuelo imaginario de nuestros sufrimientos en cuanto comportan de vago e incomprensible ante el misterio de nuestro origen y de nuestro devenir. «¿De dónde venimos.está rezando. que está un poco desplazada hacia la derecha. En el de la izquierda se incluye el ídolo y dos figuras humanas sentadas en el suelo.. que analizaremos a continuación. simbolizando al propio Gauguin. o a punto de esparcir. Es evidente. como en su cuadro «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?» de 1897. . El uso de colores brillantes en tonos puros está de nuevo presente. ritualmente. de nuevo.?» El ídolo está allí como una estatua. la lectura del cuadro ha de hacerse de derecha a izquierda. las flores sobre la mujer con el bebé. Ya el mismo título compendia la formulación de los grandes enigmas de la existencia humana: «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?» Se trata de un lienzo de grandes dimensiones: 139'1 x 374'6 cm. No hay preocupación por la perspectiva. reinando en nuestra alma primitiva. La composición gira en torno a la figura central.

Junto a él. y representa el afán humano por vivir y buscar más vida. en el extremo izquierdo hay dos mujeres. reposa sentada en el suelo con actitud meditabunda. La más vieja. otro jovenzuelo se deleita comiendo la fruta. Tal y como sucede en otros cuadros. donde dominan los recursos técnicos que ya hemos comentado en otras obras del artista. domina la figura del ídolo. Pero más allá de los significados cifrados en las imágenes del lienzo. según el propio Gauguin (en una carta de 1901 a Morice): “Tras un árbol dos siniestras figuras. Las dos siniestras figuras que pasean detrás del hombre de espaldas. envueltas en ropas de color triste. Una de ellas. Bajo este presencia.En la parte derecha «¿De dónde venimos?» nos encontramos a tres mujeres junto con un bebé con actitud reflexiva presuntamente sobre esta pregunta. En la parte izquierda del lienzo. «¿Adónde vamos?». el perro que hay en el extremo derecho simboliza al propio artista. parece resignada ante la inminencia del final de su vida. Gauguin busca una representación sencilla. Gauguin representa un manantial. Al fondo. propia de un hombre primitivo. y rodeado de varios animalillos. Un poco más a la izquierda. La obra está realizada en 1897. evocando el inicio de la vida. en la zona del «¿Qué somos?» nos encontramos con otro hombre sentado de espaldas. con el pelo cano y la tez más oscura. ponen detrás del árbol de la ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia. que materializa la preocupación humana por la trascendencia. incluso en comparación con unos seres simples en una naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegria de vivir” El joven de la figura central se estira para retirar una fruta del árbol de la experiencia. la más joven. meditando sobre esta pregunta rascándose la cabeza. en la esquina superior derecha. poco antes de su intento de suicidio tragando una dosis de arsénico que no fue suficiente para acabar con su vida .

sobre todo. no adoptó plenamente ninguna de estas influencias. Antes de dedicarse a la pintura profesionalmente tuvo diversos oficios: primero trabajó como empleado de una . en Saint-Rémy (cerca de Arles). No se decidió a dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880. y numerosos dibujos. donde falleció apenas 10 años después de decidir dedicarse a la pintura. Los comedores de patatas.Vincent van Gogh (1853-1890) Si hay un personaje en la historia del arte que responda al prototipo de genio loco. Era hijo de un pastor protestante. analizaremos diversas obras correspondientes a sus estancias en Arles. Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística. recibió influencias de los impresionistas. Vincent van Gogh fue un pintor de vocación tardía. y. primeramente en el análisis de una de sus primeras obras. con devoción absoluta hacia el arte. Posteriormente. del divisionismo y de los simbolistas. solitario. como Gauguin. Desde el punto de vista del estilo. cuando tenía 27 años de edad. en el sur de Francia. por último algunas de sus últimas obras en Auvers-sur-Oise. en cuyo psiquiátrico fue recluido cuando arreciaban los ataques que desequilibraban su mente. En nuestro recorrido por la obra de Van Gogh nos detendremos. para el movimiento expresionista. Vincent van Gogh nació la localidad holandesa de Groot Zundert en 1853. ese es Vincent van Gogh. su vocación era tan fuerte que ese tiempo realizó más de 800 cuadros. Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración. sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. Sin embargo.

Londres y París. Se va a trabajar a una zona minera de Bélgica. la Goupil & Cie. Posteriormente trabaja como maestro en una pequeña ciudad inglesa. y sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes. en sus sedes de La Haya. . Mientras tanto. a la luz de su lámpara. por último. resaltando los duros rasgos de los rostros y las formas recias de las manos. “Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes. Su obsesión con la Teología le lleva a intentar prepararse como predicador. tomando el plato con las manos. después como ayudante de un predicador (estaba obsesionado con la religión) y en una librería de Dordrecht. en París. donde la vida es tremendamente dura para sus habitantes. Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones. y en ella hay una clara intención de denuncia social. Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan los personajes elige una paleta oscura. que. las mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas” “Vincent a Theo” Esta obra los comedores de papatas es la mejor muestra del trabajo de Vincent en esa época. Estando en Paris. y. La iluminación que elige el artista contribuye a remarcar el dramatismo de la escena. pero a pesar de la oposición familiar intenta formarse como pintor. con tonos marrones y pardos. su hermano menor Theo trabaja en la galería Goupil primero en Bruselas. Los tres años que permaneció allí le produjeron un estado perpetuo de depresión. El dibujo es enérgico. y realiza multitud de dibujos. Vincent mantendrá una copiosa correspondencia con su hermano Theo durante toda su vida. Hasta la muerte de su padre en 1885. comiendo sus patatas.de las empresas dedicadas al comercio del arte más importantes internacionalmente. de atribución al arte de una función moral. de gruesos trazos. en la que este le comunica su deseo de dedicarse al arte. Theo recibe una carta de Vincent. hacia 1880. tiene algunos problemas familiares. luego en La Haya.

divisionistas y simbolistas le sirven para aclarar su paleta. De París a Arles “Yo busco ahora exagerar lo esencial. sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza”.Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación por lograr efectos de luz. En Arles “Quería ver una luz diferente. Sin embargo en el fondo. que será su marca identificativa en adelante. Una buena muestra es este retrato de Père Tanguy. repleto de estampas japonesas. Pissarro. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos. El conocimiento que adquiere de las nuevas tendencias impresionistas. que por conseguir efectos expresivos a través del color. como en Los comedores de patatas. Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en beneficio de la expresión del artista también será constante a lo largo de su obra. Signac. un comerciante de material para pintores muy conocido entre los impresionistas. Van Gogh emplea una pincelada suelta. etc. En el taller del pintor Cormon conocerá a jóvenes artistas como Toulouse-Lautrec. y experimentar con el uso arbitrario del color con fines expresionistas. hay un fuerte colorido. En esta obra se puede apreciar muy bien la evolución de su estilo en París. donde continuará su formación artística. Seurat. Gauguin. En la pincelada y el uso del color se deja notar la influencia divisionista que conoció directamente de Seurat y Signac. Vincent a Theo En marzo de 1886 Vincent llegará a París. creí que observar la naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses” . La línea roja del contorno de Tanguy contrasta con los verdes que predominan en el contorno. El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo vigoroso. También en las manos y barba hay toques de verde. Bernard. alargada y empastada.

van Gogh no trabajaba sólo sobre motivos al aire libre. Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan magistralmente en tonos fríos y cálidos para configurar el reflejo del puente sobre el agua. En esa parte de su vida se dedica a pintar el paisaje provenzal con pasión y con una dedicación obsesivas. En este caso. “En mi cuadro Café de noche he intendado expresar que el café es un lugar en el que uno puede arruinarse. ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la izquierda (detrás) de los cipreses? Van Gogh. Una excelente muestra del uso del color arbitrario con fines . La sensación de profundidad se consigue aclarando el azul cerca de la línea del horizonte. símbolo de la muerte. bajo un sol más fuerte. símbolo de paso. La diagonal de la ribera en la esquina inferior derecha aporta dinamismo a la composición y acerca al espectador a la contemplación del paisaje.Vincent a Theo En febero de 1888. volverse loco. de transición entre la juventud y la madurez. la influencia de las estampas japonesas es decisiva. transforma una estampa aparentemente anodina en una alegoría de la vida como camino hacia la muerte. Vincent deja París y decide irse a Arles. En este primer cuadro “el puente de langlois” van Gogh pinta el puente de Langlois. hacia los que se dirige la carreta y la mujer que está sobre el puente. que había apasionado a los impresionistas de la vieja escuela. Van Gogh ha añadido dos cipreses. Vincent ya había copiado alguna estampa de Hiroshige con el tema del puente. en busca de un paisaje más luminoso. En este caso van Gogh se deleita con la plasmación de la limpia atmósfera provenzal. es un tema enormemente sugestivo. en el sur de Francia. El puente. cometer un crimen” Vincent a Theo En su estancia en Arles. que era un maestro de la sugestión simbólica. cerca de la desembocadura del Ródano.

Es llamativa la contraposición del verde (techo. Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito a su hermano Theo que buscaba «crear una atmósfera de horno infernal.expresivos es este Café de noche. En esta atmósfera asfixiante aparecen varios parroquianos juntos en el mismo local. subordinada a las necesidades expresivas del artista. destaca el punto de vista muy elevado y en diagonal. por ejemplo. Degas con su obra El ajenjo. El cuadro es una auténtica sinfonía de uso arbitrario del color a base de pares de complementarios. la contraposición de complementarios es entre el azul-violeta (del cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de la tarima. mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes. Interior. la pared y la parte inferior del toldo) La composición es más clásica. El verde de un árbol recortado en la parte superior derecha. Van Gogh se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas. La perspectiva está algo distorsionada. El objetivo de Vincent era transmitir. Aquí la intención expresiva de Vincent es diferente: se olvida de la sordidez y la sordidez para centrarse en la alegría de disfrutar de un rato agradable en buena compañía. sólo hecho a base de un maravilloso azul.» En esta escena de interior. violeta y verde” Vincent a Theo En este otro cuadro Café de noche. una atmósfera de soledad y degradación semejante a la que había logrado. mesa de billar. con una perspectiva con el punto de fuga en el centro. pero en una pesada soledad. . Hay una especie de lucha entre la iluminación natural de un maravilloso cielo estrellado y la luz artificial de la lámpara de gas que ilumina la terraza. Exterior se recoge la terraza en el exterior de otro café. En este caso. para expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho. de azufre desvaído. Una puerta abierta provoca una mayor sensación de profundidad. la luz proviene únicamente de las lámparas del techo. En la composición de la escena. mediante el color. “Aquí tienes un nocturno pintado sin una mota de negro. y de la habitación que se abre en la pared del fondo.

pero Vincent. para reforzar la viveza del color elige para ellas un azul claro. Las paredes en realidad eran blancas. La pincelada es tremendamente pastosa.) una plasmación simbólica de los deseos de afecto del artista. Por eso gastaba mucha pintura. Al marcar el dibujo en negro. . que se transforman en un color rosa terroso. dos pares de cuadros. por lo que la mesa está paralela a la pared del fondo. complementario de los naranjas y amarillos predominantes en los objetos.. se consigue enfatizar aún mas el uso de los colores llenado los objetos. y cada poco pedía colores a su hemano Theo.así como el portal también cortado en la parte izquierda facilitan la sensación de inmersión del espectador en la agradable plaza. por lo tanto. Lo esencial era el tratamiento cromático que se le daba para transmitir el estado de ánimo del pintor. Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas de objetos (dos almohadas. Esto también explica que la cama parezca más cercana al fondo en nuestra parte izquierda que en la derecha. “Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio. Sabemos que las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de 120 grados. dos sillas. dejando sitio para la percha con las ropas. solamente el color debe hacerlo todo” Vincent a Theo Cualquier cosa podía servir a van Gogh como motivo de trabajo. la perspectiva y el tamaño relativo de los objetos están deliberadamente distorsionados. Con frecuencia pintaba con los colores extraidos directamente del tubo. reforzando su presencia En cuanto a la composición. Los toques de rojo en la manta de la cama y de amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza al conjunto. También sabemos que el suelo era de baldosas rojizas. En el caso de su habitación de Vincent en Arles transmite un uso expresivo del color: la silla era más oscura. pero la pinta amarilla (su color predilecto en Arles).. Al aplicar el color sigue la veta de la madera. sin mezclas.

Esta es una de las más bonitas. Vincent disfrutaba pintando escenas nocturnas. hay unas barcas en el recodo del río. “Noche estrellada sobre Ródano” En la parte inferior un detalle conmovedor. Tuvieron una turbulenta relación de colaboración artística. con los reflejos de las luces de lámparas de gas de la ciudad de Arles sobre el agua del río Ródano es sencillamente maravillosa. A finales de diciembre Vincent. En el psiquiátrico Entre finales de octubre y finales de diciembre de 1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose en la casa alquilada por Vincent. . intercambiando opiniones. Pero no son dos enamorados cualquiera: mirados con atención resultan ser una pareja de ancianos que pasean a la luz de las estrellas. Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy. El artista con frecuencia establecía un plan previo que ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis. Esta obra emana una poesía que cala hasta en los espíritus menos sensibles. en palabras del propio Vincent en una carta a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de enamorados en primer plano». Vincent se cortó el lóbulo de su oreja izquierda. Su fiebre creativa de esta parte de su vida le llevó a pintar sin descanso una media de una obra cada dos o tres días. Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos (con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba. Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles. Próximas a ellos. y salió hacia un burdel en busca de su amigo. que empezaron a llamarle «el loco del pelo rojo». Este tipo de extravagancias provocó la desconfianza de los vecinos de Arles.En septiembre de 1888. que. con frecuencia acaloradamente. para ofrecérselo como muestra de arrepentimiento. Charlaban. asustado se fue a pasar la noche a un hotel. La convivencia de las estrellas en el cielo. poco antes de la llegada de Gauguin a Arles. presa de un ataque psicótico intentó agredir a Gauguin. Está probado que estos ataques en nada influyeron sobre Vincent para la creación directa de cuadros. Para pintar los nocturnos utilizaba velas prendidas alrededor de su sombrero y del lienzo. Arrepentido.

los cipreses cumplen la función de dotar al cielo estrellado de su verdadera profundidad y dimensión. Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado. La presencia imponente de los cipreses a la izquierda queda equilibrada por la de la luna. “Los cipreses me preocupan siempre (. junto con los girasoles. Incluso se le permitía salir del hospital a pintar al aire libre acompañado de un vigilante “La Noche estrellada” En este cuadro combina dos de los elementos que más le apasionaban durante esta época de su vida: los cipreses y las estrellas. La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada. a la derecha.10) en el que José tiene un sueño con once estrellas. Se ha comentado que esta obra quizá se refiera al episodio bíblico del Génesis (37.) me sorprende que nadie los haya pintado todavía como yo los veo. Los cipreses.. y otra que utilizaba como estudio. que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. dando el protagonismo al cielo. que se alzan como dos llamas negras sobre un cielo estrellado con la luna en cuarto menguante al fondo. La composición de este cuadro está marcada por la presencia de los cipreses. con deslumbrantes estrellas.. aunque ya habían aparecido en algunos cuadros (por ejemplo en El puente de Langlois) le empezaron a obsesionar durante su estancia en Saint-Rémy. Van Gogh ya había pintado varios nocturnos. a Vincent se le permitió ocupar dos estancias: una para dormir. el sol y la luna (en el cuadro ambos parecen unidos). que. Un investigador español (José .Analizaremos una de sus obras producidas en el psiquiátrico de SaintRémy La noche estrellada. En cuanto a líneas y proporciones un ciprés es bello como un obelisco egipcio” Vincent a Theo Cuando estuvo recluído en el psiquiátrico de Saint-Rémy. es quizá la obra más conocida de van Gogh. Interpretaciones aparte. La línea del horizonte está baja. pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos.

Según Crepaldi algunos críticos han creído identificar al propio Vincent en el preso rubio que mira al espectador. El final de su vida “Bueno. Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el tema de la obra. que así queda deificada. Hay muchas intrepretaciones posibles y para todos los gustos: en términos de regreso de Vincent a sus convicciones religiosas de juventud. en cuarto menguante. bajo la vigilancia de unos guardias. lo cósmico. mi trabajo. como en la pintura. En la obra aparecen un grupo de presos caminando en círculo. por esos días la luna estaba.Navarro) ha demostrado que la constelación que aparece es la de Aries. que es cuando se estima que se pintó el cuadro. que puede ayudar a entender cómo se sentía en esa etapa de su vida. Otros autores excluyen la interpretación religiosa sin negar que van Gogh pretenda expresar sentimientos relacionados lo eterno. La capacidad expresiva de van Gogh para retratar su propio mundo interior alcanza una cima en esta obra. visible desde el sur de Francia en las noches del 14 al 19 de junio de 1890. o como sacralización de la naturaleza. Además. El mensaje de van Gogh parece más nítido si a ello unimos las dos mariposas blancas. que parecen elevarse entre los muros de la prisión. arriesgo en él mi vida. dentro de los altos muros de una prisión. Este cuadro “La Ronda de los Presos” es un maravilloso ejemplo de la extraordinaria capacidad de van Gogh para transmitir a las imágenes una carga simbólica estrechamente unida a sus estados de ánimo. y mi razón se ha hundido en él hasta la mitad” Vincent a Theo en una carta que portaba el día que murió . símbolo de la libertad. Los únicos elementos de color son el rojizo de los ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.

. El carácter del cuadro y el hecho conocido del suicido de Vincent días más tarde incitan a pensar en ello. presente y futuro de la vida del artista. Van Gogh estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers-sur-Oise. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado. Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos sobre el agitado trigal. Murió dos días después. En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales. que los pasó fumando en pipa junto a Theo. resulta atractivo especular sobre su significado. empecemos con otro malentendido: la función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent. y un día decidió salir al campo y se disparó en el pecho. Campo de trigo con cuervos Esta pintura es otra de las más conocidas. Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet. y sobre la que hay algunos malos entendidos. Después de pasar un año en Saint-Rémy. En cuanto a la interpretación del cuadro. médico homeópata aficionado a la pintura y conocido de los impresionistas. con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo. Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida.Quizá impresionado por cuadros como La ronda de los presos. Theo se decidió a seguir el consejo de Pissarro y trasladar a Vincent al norte. El cuadro está vigorosamente pintado con espátula. no es la última obra de Vincent (a pesar de lo que se cuente en algunas películas). un pueblecito cerca de París. pero Vincent seguía teniendo alucinaciones. Para empezar. Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo pictórico. Los cuidados del doctor parece que iban dando sus frutos. Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo.

Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh. la interpretación es una tarea que el artista deja al juicio del espectador. y en las grandes obras de arte. .

You're Reading a Free Preview

Descarga
scribd
/*********** DO NOT ALTER ANYTHING BELOW THIS LINE ! ************/ var s_code=s.t();if(s_code)document.write(s_code)//-->