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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

aunque sólo sea un instante.. una mano que trata de coger una mariposa. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. No me importaría nada que fuera algo así. verdaderamente inolvidable». Dorothy aventurándose por el arco iris. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. toda una colección de clásicos del cine. bueno. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que.. me sentiría muy halagado. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante.. la Muerte jugando una partida de ajedrez. mientras exista el cine.. En cierta ocasión. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. me conformaría. Años más tarde. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". Mientras rodaba un western en un remoto paraje. Tímidamente. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. les deleitó o. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray.. por lo tanto.. la búsqueda de un elusivo halcón negro. En suma. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. simplemente. Este libro es. Los clásicos del cine . les instruyó. y morir sabiendo. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había. en su momento. no hay nada que tenga más valor. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. les entretuvo. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. les conmovió.

Los marineros se hacen con el 13 . PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh).El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Levchenko (Contramaestre). uno de ellos. Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. MÚSICA: Edmund Meisel. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). se ordena su ejecución. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. provocándose así el estallido de la revuelta. Vakulinchuk. Repnikova (Mujer de las escaleras). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). MONTAJE: Sergei Eisenstein. Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). Sin embargo. DURACIÓN: 75 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. Popov. B/N.

Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. la tripulación del Potemkin. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. De esta forma se cumplían. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. según el cual. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. ante el temor de posibles represalias. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. 1987). de forma inmediata. hoy en día. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. el más reciente de ellos. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. hasta cierto punto. . las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. no obstante. Lo más significativo fue. Si bien. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. que ha muerto durante la refriega. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje.

comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. Posiblemente. Gran innovador de la técnica cinematográfica. Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. 1928) y La edad de oro (1930). Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. dando lugar a dos llamativas producciones. 1920). su impacto a principios de siglo fue revolucionario. Hoy en día. en Rusia. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. En la escena que da título a esta película. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. Gish. Griffíth.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. en cambio. W. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. aunque un tanto diluido. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. Un perro andaluz (Un chien andalou. Así. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. . En 1919. así como en la subsiguiente persecución. el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. Aflash-back o el montaje alternado. 1922). quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. en los cines de todo el mundo. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Pickford. siempre estuvo en entredicho. No obstante. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. Entre tanto. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. Griffíth. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. De Mille. Y de hecho. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. Chaplin. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos.

PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). Peter Fitz (Muller). Julien descubre que Jean es un muchacho judío. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. a pesar de ser bastante travieso. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. la Francia ocupada. tan sencillo como sugerente. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. El argumento. realiza en el mercado negro. resulta absolutamente creíble. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. Francois Berléand (Padre Michel). INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. La relación entre los dos muchachos. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . éste delata al Padre Jean a la Gestapo. en venganza por haber sido despedido. D U RACIÓN: 104 minutos. Quentin). está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. muy querido. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Julien Quentin. el pinche de la escuela. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. aunque quizá esté un tanto idealizada. GUIÓN: Louis Malle. un muchacho de doce años. y clausuran la escuela. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. una experiencia que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. MONTAJE: Emmanuelle Castro. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. Francois Negret (Joseph). Comentario Argumento Año 1944. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. y su hermano Francois. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean).18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. Francine Racette (Mme. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y.

PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). Helena Rojo (Inés de Atienza). Armando Polanah (Armando). la legendaria ciudad de oro de los incas. y seguramente impremeditado. EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). la cólera de Dios Argumento Perú.se va apoderando del control de la expedición. Del Negro (Gaspar de Carvajal). el líder del Frente Nacional. DER ZORN GOTTES Alemania. Dany Ades (Perucho). Aguirre. fruto del resentimiento. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. El acto de venganza de Joseph. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. junto a algunos de los chicos de la escuela. permite prever lo que habrá de ocurrir. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. Edward Roland (Okello). Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. Aguirre sigue adelante. viene de manos de Joseph. Impulsado por su maníaca empresa. MÚSICA: Popol Vuh. La traición. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. la cólera de Dios AGUIRRE. DURACIÓN: 93 minutos. Pizarra. Tan sólo alguna intrusión ocasional. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). 1560. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. Aguirre. que viaja acompañado de su esposa Inés. cuando finalmente se produce.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. sella el destino de Bonnet. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). . se dedica a trapichear en el mercado negro. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. Al llegar al Amazonas. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. su jefe.

Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. Reúne un vasto ejército . Fitzcarraldo (1982). Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. de una fuerza arrebatadora. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. Sin embargo. 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. N. Abrikosov (Gavrilo Olexich). noble de Novgorod). Alexander L. V. que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. N. La escena final. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. Orlov (Ignat. Arski (Domash. Nikolai P. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. Dimitri N. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. el último superviviente. fruto de la imaginación. CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. en la que Aguirre. Sin embargo. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. una actitud que le valió numerosas críticas. constituye una imagen inolvidable. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. la verdadera motivación de su delirante empresa. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. otra película de Herzog. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. B/N. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. MÚSI- Sergei Prokofiev. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. K. durante el rodaje. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. maestro armero). Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. Aunque el propio Herzog reconoció que. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. gobernador de Pskov). Okhlopov (Vassily Buslai). La película. constituye un estudio. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. Novikov (Pavsha.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. PRODUCCIÓN: Mosfilm. DURACIÓN: 112 minutos. cuando las balsas emprenden su largo viaje.

a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). Daniel Boulanger (Inspector Vital). No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. 1959 Jean-Luc Godard. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». mandada por el Príncipe. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut).I: Martial Solal. en el año 1242. a orillas del lago Peipus. las películas de las décadas siguientes. MÜSIC. A pesar de lo dicho anteriormente. sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein.24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. 1928). llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». Liliane Robin (Minouche). conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . libra una batalla campal decisiva. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. B/N. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. 1967). presentan unos rasgos mucho más tradicionales. En este sentido. sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. MONTAJE: Cecile Decugis. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. Para los espectadores contemporáneos. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. DURACIÓN: 90 minutos. PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). Eisenstein. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. el primer fruto de su estilo tardío. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. Roger Hanin (Cari Zubart). 1942-1946).

sin ningún reparo. les sigue la pista cada vez de más cerca. Escrita en colaboración con Truffaut. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. Tras regresar de una cita. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. se hacen de otras películas. una estudiante americana que aspira a ser periodista. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. . Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. uno de ellos morirá. Tras haber pasado la noche juntos. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. entre tanto. a partir de mediados de los cincuenta. Claude Chabrol y Eric Rohmer). en cambio. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. Al serle imposible recuperar su dinero. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. La policía. y contando con Chabrol como consejero técnico. Conmocionado. la nueva ola de cineastas franceses. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. que. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. para alabar.

Argumento El recluso Randle P. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. que es. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. además. interpretando un pequeño papel en la película de su marido.UU. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. Danny De Vito (Martini). GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). Louise Fletcher. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. Michael Berryman (Ellis). Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). posteriormente.BradDourif (Billy Bibbit). McMurphy intenta estrangularla. MONTAJE: Richard Chew. que le tuviera a él como protagonista. Lynzee Kingman y Sheldon Khan. según parece. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Alguien voló sobre el nido del cuco. Entre las actrices que. éste se suicida. DURACIÓN: 133 minutos. el Jefe Bromden. se encontraban Anne Bancroft. es. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. pero es domeñado y. precisamente. cuando llamó la atención del director Milos Forman. parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. A la mañana siguiente. Cuando regresa a su sala. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». una noche. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. Angela Lansbury. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. McMurphy. 1975 Milos Forman. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). las salas del hospital. Ellen Burstyn y Geraldine Page. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. William Fraker y Bill Butler. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. rechazaron el papel. llevándoselos sin permiso de excursión. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. una de las pelí- . uno de sus compañeros. que sería quien finalmente encarnara al personaje. William Redfield (Harding). Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. Finalmente. Thieves like us (1974). se le somete a una lobotomía. Sería él quién haría el proyecto realidad. al amenazarle con informar de ello a su madre. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados.. es trasladado a una casa de salud mental del estado. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy).

Steve Cochran (Big Ed Somers).30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . Por otro lado. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. conduce al FBI hasta Cody. B/N. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. Al rojo vivo nato. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. y Jarrett. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. entabla amistad con él.. MÚSICA: Max Steiner. En la prisión. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). Hank Fallón. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. Virginia Mayo (Verna Jarrett). 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). Edelman). Jarrett está a punto de enloquecer. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. al verse atrapado en la refinería. Margaret Wycherly (Ma Jarrett). MONTAJE: Owen Marks. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. John Archer (Phillip Evans).UU. la esposa de Jarrett. Vera. No obstante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. GUIÓN: EE. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. un infiltrado de la policía. DURACIÓN: 114 minutos. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. por la que su hijo siente auténtica devoción. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. Entre tanto.

La cima del mundo». Mientras regresan a su casa en barca. que.Farrell MacDonald (El fotógrafo). 1943) o The Time ofYour Life (1948). tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. Janet Gaynor (La mujer). Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). Al rojo vivo. Reconciliado con su esposa. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. J. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. cuando llega el momento. como El vagabundo (Johny Come Lately. En cierta ocasión. está basado. Ralph Sipperly (El barbero).. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). por el que obtuvo un Osear. B/N. en Arthur «Doc» Barker. en un verdadero tour de forcé de emotividad.UU. en cuyo caso. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. finalmente. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. Cohan en Yanqui Dandy (1942). aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. realizados para su propia productora. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. Bodil Rosing (La doncella). y otros trabajos menores. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. mientras grita un desafiante. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). se enfrenta al oleaje. le de- .32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. El campesino. Ma. visité Ward's Island. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. W. El papel de George M. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. DURACIÓN: 117 minutos. es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. porque. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. 1927 F. Murnau. de joven. «Lo conseguí. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. El personaje de Cody Jarrett. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. según parece. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. ¡Dios mío. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. ambos pasan el día en la ciudad. de Hermann Sudermann).

sin embargo. a otras de un mayor naturalismo. tanto en los decorados como en la interpretación. Murnau. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. resulta absolutamente prodigiosa. A pesar de que la película fue un fracaso comercial.UU. Su esposa. Nina Foch (Milo Roberts). Leslie Carón (Lise Bouvier). es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. Georges Guetary (Henri Baurel). a la mejor fotografía y a la mejor actriz. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. . Eugene Borden (George Mattieu).. cree que ha ejecutado su plan. a diferencia de lo que suele ser habitual. Aun evaluándola con criterios actuales. DURACIÓN: 113 minutos. 1928). Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. el campesino corre eufórico a su encuentro.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. GUIÓN: Alan Jay Lerner. se desprende de la totalidad de la historia. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. Melodrama pictórico y poético. reconciliación o sospecha. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. un soldado norteamericano. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. Argumento Jerry Mulligan. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. Osear Levant (Adam Cook). Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. hasta el punto de que. Aunque es posible que fuera él mismo quien. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. sigue sin aparecer. W. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). MÚSICA: George e Ira Gershwin. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. MONTAJE: Adrienne Fazan. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro.

daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes.5 millones de dólares. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. bailes. Sin embargo. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. Finalmente. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). No obstante. Mientras celebra su suerte en un club nocturno. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. conviene mencionar que. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. Milo Roberts. de la compañía de la chiquillería del barrio. Por otro lado. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. . ésta se resistirá al idilio. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. diálogos y decorados. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. pues se trata de la prometida de Baurel. director y bailarín y. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. cantante. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. en tiempos recientes. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. que dirigía el productor Arthur Freed. Manet y otros artistas. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. especialmente.

Mayer o Harry Cohn. Por otro lado. Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. a excepción de la palabra «cuchillo». Entre tanto.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). una modesta empresa creada por Harry Cohn. la Universal. La M-G-M. al otro lado del Atlántico. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. Deeds Go to Town. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. La R-K-O. como Louis B. . entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). mientras que la Columbia. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». Marlene Dietrich y Gary Cooper. 1943). Judy Garland y Greta Garbo. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. durante un breve período de tiempo. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. la primera película hablada del cine británico. hayan sido objeto de numerosas críticas. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. 1931). sin embargo. Conviene no olvidar. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. Sin embargo. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929).y El cuarto mandamiento (1942). se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. Entre tanto. en el Reino Unido. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. por su parte. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. sin embargo. 1936). 1939).

DURACIÓN: 185 minutos. Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. vertiendo lágrimas de dicha. un monje y pintor de iconos del siglo xv. Solaris (1972) y Stalker (1979). En el curso de sus peregrinaciones. Argumento Rusia. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. Paradójicamente. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. Irma Raush (La muchacha sordomuda). Nikolai Grinko (Daniel el Negro). se entretiene con un bufón. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. El espejo (Zerkalo. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. Como cabía esperar. comenzará a dudar del valor de su existencia. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). Más adelante. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. Ivan Lapikov (Kirill). PRODUCCIÓN: Mosfilm. siglo xv. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). Color y B/N.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. posteriormente.S. el rostro de Andrei. A la conclusión de la obra. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. Inspirado por esta visión. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que. y su film de reminiscencias personales. las autoridades soviéticas. Nikolai Burlyayev (Boriska). hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. . fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros.. es raptada. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales.R. entre ellas. El dubitativo protagonista. El héroe epónimo. cuyas irreverencias serán severamente castigadas.S. El fantasma de Teófanes se le aparece. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. el pintor de iconos Andrei Rubliov. 1974).

Rosa Valette (Guste. se contrató a Dietrich. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). Eduard von Wínterstein (Director del colegio). pero se queda cautivado por Lola-Lola. regresa a su antiguo colegio y muere. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. la seductora artista del espectáculo. B/N. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. su mujer). y habiendo perdido toda su autoestima. Borracho de placer y de champán. Argumento El profesor Immanuel Rath. De regreso a Alemania. Trude Hesterberg. 1928). Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. es despedido. publicada en 1904. un mago). y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. MÚSICA: Friedrich Hollander. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. La última orden {The Last Command. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. y fue el propio director quién le sugirió que. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. Hans Albers (Mazeppa). y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . sin embargo. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. Kurt Gerron (Kiepert. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. La trama básica de la película.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. Briggite Helm. que le convence para que se case con ella. DURACIÓN: 103 minutos. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. pasa toda la noche en el local. en su lugar. con la llegada de las películas habladas. Abatido. Marlene Dietrich. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. una novela de Heinrich Mann. iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. uno de los puntales de la comunidad. MONTAJE: Sam Winston. GUIÓN: Robert Liebmann. Henchido de dolor. filmaran El ángel azul. regresa junto a Lola-Lola. de Heinrich Mann). Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh.

escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. una periodista.). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. MÚSICA: Varios. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. en este caso. Annie Hall. y en el vuelo de regreso a Nueva York. finalmente. La Venus rubia [Blonde Venus].44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. se produce la separación.. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. Joffe para United Artists (Charles H. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. tiene algo de . deciden volver a separarse. a la que el director vestía e iluminaba. ini- Con Annie Hall. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. Shelley Duval (Pam). tras realizar un fútil intento de reconciliación. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. 1935. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. etc. 1934. Paul Simón (Tony Lacey). Tony Roberts (Rob). constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. muestra por Annie. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. Alvy inicia una relación con Pam. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. despierta los celos de Alvy y.UU.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. 1930. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. la pareja volverá a reunirse. Joffe). 1932. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. Tony Lacey. Carol Kane (Allison). Diane Keaton (Annie Hall). tras una pelea. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. hoy en día. Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. negado para la vida. y Alvy. pero.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. Comentario AnnieHall EE. Capricho español [The Devil is a Woman]. El interés que el magnate del mundo discográfico. DURACIÓN: 93 minutos.

se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. le consigue un inesperado ascenso. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. mejor director y mejor guión. C. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. Panavisión. Tras declarar su apartamento zona prohibida.. Por todas estas razones. Diamond. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. un empleado de una aseguradora. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). DURACIÓN: 125 minutos. Rodada con su habitual secretismo. Sheldrake). 1960 Billy Wilder. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». Baxter. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). envalentonado por su nueva situación. acuciado por su conciencia. bajo el título provisional de «Anhedonia». Diane Keaton. y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. MONTAJE: Daniel Mandell. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. colocándole. el director de la empresa. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. una circunstancia reconocida por la propia Academia. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. L. A. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. Baxter.46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. Dreyfus). a su vez. D. la ascensorista de la empresa. Edie Adams (Miss Olsen). MÚSICA: Adolph Deutsch. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. GUIÓN: Billy Wilder e I. En recompensa por la cesión de su apartamento. más bien. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. Sheldrake.el film es. Ray Walston (Mr. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). Fred MacMurray (J. D. B/N.UU. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». Dobisch). para crear un efecto cómico. Baxter. J. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. Jack Kruschen (Dr. Marshall MacLuhan. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. entre ellos los de mejor película. .

ciertamente. el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. y. aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. L. Diamond). DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. de Joseph Conrad). e insta a Wi- . INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. The Doors. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. Francis Coppola. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. Wilder combina ambas en El apartamento.UU. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). El resultado fue El apartamento (1960). fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). Wagner. Kurtz). Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. El triunvirato formado por Wilder. un capitán harto de combatir. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. Harrison Ford (Coronel Lucas). MÚSI- CA: Carmine Coppola. Gerald B. 1964). FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla.. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. (70 mm) (35 mm. Dennis Hopper (Fotógrafo). hasta entonces apenas explotada. Greenberg y Lisa Fruchtman. Willard.. que. fue nominada para diez premios de la Academia. Frederic Forrest («Chef» Hicks). Larry Fishburne («Limpio»). Cuando se produce el encuentro. versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). etc. a su vez. MONTAJE: Walter Murch. Kurtz le explica su filosofía. DURACIÓN: 141 minutos. Este último. en ocasiones. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. A. Argumento Vietnam. una de sus obras más populares. 1963). Technicolor. una generación más tarde. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. de la que. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). Willard). con ella. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. Apocalypse Now EE. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid].

que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. Abadie y Marie Murray. «Bronco Billy» Anderson. 1903 DIRECTOR: Edwin S. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . Porter. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita.. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). B/N. justo antes de que un tren llegue a la estación. Es Vietnam. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. pasando de 12 a 31 millones de dólares. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Éste. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. S. produciendo un efecto verdaderamente turbador. Eliot en La tierra baldía. sin embargo. Willard parte río abajo. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. entre otros. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. Finalmente. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. irónicamente. según lo utilizó T. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir.» Con esta ampulosa declaración. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar. C. Martin Sheen. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». A. el horror». Michael «Crónicas» Herr. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados.fue. Tras unírseles otros cuatro forajidos.M. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. la película. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. tan típica suya. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. horror y absurda belleza.UU. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. A continuación. George Barnes. INTÉRPRETES: G. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company.

Jean Daste (Jean). la joven campesina con la que acaba . una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. B/N. aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. «Bronco Billy» Anderson. L'Atalante Francia. el circo. Nounez). Louis Lefebvre (Muchacho). INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. Dita Parlo (Juliette). finalmente. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». de Edwin S. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. MÚSICA: Maurice Jaubert. se forma una partida al mando del sheriff. abandonó la realización de películas en 1916. el capitán de la gabarra L'Atalante. algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. constituye un importante jalón en ese proceso. Atrapados cuando procedían al reparto del botín. vivo o muerto (TheBounty Killer. la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. DURACIÓN: 85 minutos. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. No obstante. Asalto y robo a un tren. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. y se emprende la persecución de los ladrones. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. MONTAJE: Louis Chavance. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. Rápidamente. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. En cuanto al principal actor. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. Argumento Jean. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. por comparación. 1965). entre las cuales se contaban el melodrama teatral.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). Comentario A principios del siglo xx. Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. Porter. conformando una especie de retablo. Durante la década siguiente.hasta que. Entre tanto.

En la película El último tango en París (1972). Traba amistad con Pére Jules. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. por un golpe de fortuna. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. Al estrellarse contra el agua. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). el viejo y gárrulo compañero de Jean. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. Dos semanas más tarde. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. alternando momentos de comedia con otros de tensión. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. a la que. consigue localizar. arroja un flotador por la borda. Distanciados ahora el uno del otro. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. a primera vista. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. al hallarse momentáneamente separados. uno de los grandes estudios franceses. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. Al llegar a Le Havre.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. Juliette se escapa a tierra. y Jean. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. Cuando Gaumont. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. finalmente. franceses y belgas. decide soltar amarras y partir sin ella. . Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. le contrató para que realizara lo que. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. fuera de sí. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. Sus cortometrajes anteriores. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos.

las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. La preponderancia de la figura de Cecil B. se encuentran Sergei Eisenstein. no obstante. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. 1977) y Gandhi (1982). 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. la enormidad de los costes. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. Finalmente. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. El Rey de reyes (The King ofKings. De Mille. no tenía ninguna posibilidad de competir. sin olvidar otras producciones que. unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). caso de Guerra y paz (War and Peace. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916).56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. Guerra y paz (Voina i mir. 1956). 1968). pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. en 1923 y 1956). Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. la pequeña pantalla. De Mille. de algún episodio bíblico. autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). 1956) o Ben-Hur (1959). la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. por lo general. Sería. cultivó gran variedad de géneros. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. resultaban igualmente espectaculares. una producción italiana. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. o Werner Herzog. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. 1962). 1965) y tantos otros más. el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. W. Cabiria (1914). con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. que protagonizó Richard Burton. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. como Robin de los bosques (Robin Hood. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. o las primeras obras de Cecil B. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. Por otra parte. 1953). Sergio Leone. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. En el momento presente. De ese modo. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. La respuesta del público fue tan entusiasta. Douglas Fairbanks. 1966-1967). De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. aunque no de carácter bíblico. en cualquier caso. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. por ejemplo. . Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. 1949). a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. la que indujo a D. Sergei Bondarchuk. por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). se embarcó en empresas de gran envergadura. 1954).

INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). como ocurre con una de las escenas culminantes. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. se estrella con su coche. presa de la angustia.UU. MÜSICA: Maurice Jarre.. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. consigue ahogar a Alex. cuya realización fue confiada a otro compatriota. Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. titulado Diversión. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. Jaffe y Sherry Lansing).la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. Más adelante. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. pero ésta vuelve a levantarse. 1986). A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. éste es un film con más estilo que sustancia. Glenn Cióse (Alex Forrest). ha mantenido con Alex Forrest. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. a todas luces desproporcionada. conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. Beth. una virulenta proclama a favor de la monogamia. En la pelea que se producirá a continuación. Ellen Foley (Hildy). Berger. Más adelante. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). GUIÓN: James Dearden. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. Cada vez más desesperada. Stuart Pankin (Jimmy). una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. Adrián Lyne. calcada de una escena similar en Las . un hombre felizmente casado. Anne Archer (Beth Gallagher). Dan. DURACIÓN: 120 minutos. aparentemente. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. solteras y liberadas sexualmente. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. Michael Douglas y Anne Archer. En un principio. 1987 Adrián Lyne. momento en que Beth acaba con ella de un disparo.

Erich von Stroheim. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente.000 dólares en la lotería. como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. Caballerosamente. pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. McTeague. escrita por Frank Norris. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. de Frank Norris). porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. al representarla. cada vez de forma más manifiesta. al desvelar que ejerce sin licencia y. esposados el uno al otro. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). a la que terminará por abandonar. Jean Hersholt (Marcus Schouler). bajo el sol abrasador del desierto. INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague).UU. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. McTeague. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. Una vez que McTeague y Trina se casan. 1921). Frank Hull y Marguerite Faust. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. es su prometida. Consigue atraparle una vez muerta"». se establece en . Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. se filmó un final distinto. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. la prima de éste. «Sin dolor» Potter).60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. MÚSICA: Leo A. Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. donde ambos morirán. una crónica de los bajos fondos de San Francisco.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. Jimmy Wang (Cocinero chino). que. 1955). abandona la ciudad. Kempinsky. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels.. luego. además. desesperado. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. Stroheim. Marcus arruina a McTeague. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. San Francisco. B/N. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. un joven minero. Gibson Gowland (McTeague). Tras algunos pases previos en Estados Unidos. Marcus deja el camino libre a su amigo. y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. Gunther von Ritzau (Dr. Zasu Pitts (Trina). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. Con posterioridad. MONTAJE: Erich von Stroheim.

La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. DURACIÓN: 145 minutos. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. James Addams (Corrado). 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. el arquitecto Sandro. Lea Massari (Anna). por desgracia. Sin embargo. más tarde. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. en compañía de Claudia. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. Monica Vitti (Claudia). De un montaje inicial de nueve horas de duración. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. La aventura L'AVVENTURA Italia. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). Anna y su prometido. mientras termina la noche y comienza a amanecer. a cuatro. resulta inusitada. . GUIÓN: Michelangelo Antonioni. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). A pesar de todo ello. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). no conseguirán encontrar su cuerpo. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. hacen el amor. pasó primero a siete y. Mientras continúa la búsqueda.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. Renzo Ricci (Padre de Anna). un feroz alegato contra la avaricia humana. Dominique Blanchar (Giulia). pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. MONTAJE: Eraldo da Roma. Esa misma noche. Más adelante. pero. cuando. B/N. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. MÚSICA: Giovanni Fusco. Argumento Tras un mes de separación. Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata.

Argumento Año 1863. se establece en una granja abandonada. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. vive o muere y. Rodney A. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). Grant («Cabello al viento»). la tribu trabará amistad con él. finalmente. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. Una vez allí. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). parece carecer de sentido. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos.UU. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. 1955 y Elgrito[Il grido].64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. Stephen Potter y Chip Masamitsu. más adelante. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). tampoco tiene la más mínima importancia). se enamorará de «En pie . la utilización de la cámara como un elemento distanciador. Graham Greene («Pájaro peleón»). 1975). el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. que. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. Dunbar). 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. era poco menos que obligatoria. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. en última instancia. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela).. Un malestar social tan abrumador es. el Teniente John J. MÚSICA: John Barry. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. en este caso. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. que permanecen vigilantes ante su presencia. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. Tras haber sido condecorado por su valor. por supuesto. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE. Más adelante. MONTAJE: William Hoy. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. y evaluada. una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. DURACIÓN: 180 minutos. más que carecer de alegría.

Brahim Haggiag (Ali La Pointe). Yacef Saadi (Saadi Kader). obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. en suma. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. Ali La Pointe. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. Argumento Octubre. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). Costner. 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. B/N. sino que recibió siete Osear. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Dotado de un buen ojo para el paisaje. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». Además de constituir. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux.66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). 1991). Michele Kerbash (Fathia). La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. un entusiasta del género. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. entre ellos el concedido a la mejor película. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. Fawzia El Kader (Haahmal). DURACIÓN: 135 minutos. entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. por si fuera poco. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. Tommas Neri (Capitán Dubois). A su regreso a Fort Sedgwick. 1964). Atrapado en su casa. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. 1965 Gillo Pontecorvo. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). 1957. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares.

el único superviviente será La Pointe. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. Sometido a tortura. Sin embargo. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. Finalmente. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. Sin embargo. la resistencia contra los franceses no cesa y. un camarada revela su paradero. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. En 1954. una película que contó con Marión Brando como protagonista. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. Así. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. El FLN convoca a una huelga general. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. A principios de 1957. habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. que desata una brutal ola de represión y torturas. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). Argelia obtiene su independencia. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. por ejemplo. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. y en el Octubre. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. sino que aumente aún más. sin embargo. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. en 1962. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. . consiguiendo así que el impacto de la película. no sólo no disminuya.

Vicki comienza a desentrañar el misterio. o al menos parte de ella. No obstante. caerá en una cuba de productos químicos. muñecos. Batman es. El actor. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. un ser deforme y trastornado. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. La película fue objeto de una comercialización. utilizando personajes creados por Bob Kane). Robert Wuhl (Alexander Knox). Antón Furst. «The Joker» reta a Batman a un duelo. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). Dadas las expectativas despertadas. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. seguramente. el misterioso luchador contra el crimen. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. Napier sobrevive y. su director. hizo que Hollywood . la obtención de un Osear. el personaje interpretado por Jack Nicholson. camisetas alusivas. debido a la intervención de Batman. Tras tomar a Vicki como rehén. según se dice. Cari Grisson. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. un millonario que lleva una existencia recluida.UU. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. Pat Hingle (Inspector Gordon). MONTAJE: Ray Lovejoy. Entre tanto. Kim Basinger (Vicki Vale). con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. 50 millones de dólares. El presupuesto declarado.. se desdobla en la figura de Batman. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. Argumento Gotham City. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. ignorando que éste posee una doble personalidad. Tim Burton. canciones de Prince. Sin embargo. tratará de vengarse de Grisson. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. DURACIÓN: 126 minutos. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. convertido en «The Joker». lo cierto es que la película. organiza el asesinato de Jack Napier que. Con gran inteligencia. El jefe del hampa.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. haciendo gala de una gran astucia. libros y un largo etcétera. cuando sea raptada por «The Joker». en última instancia. Bruce Wayne. Billy Dee Williams (Harvey Dent). convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. MÚSICA: Danny Elfman. El éxito obtenido por Batman.

se siente a disgusto con ella.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. uno de los empleados.UU. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. el verdadero adúltero es despedido. con la colaboración.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. che en que se dispone a conocer a su amada. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. DURACIÓN: 97 minutos. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. Argumento Budapest. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. como para darle demasiada importancia. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. Frank Morgan (Hugo Matuschek). MÚSICA: Werner R.72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. Heymann. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. James Stewart (Alfred Kralik). Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. 1992). MONTAJE: Gene Ruggerio. Alfred Kralik. para evitar caer en el precipicio del mal gusto. 1997). pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). de Ben Hecht). INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak).. Kralik protesta y es despedido. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. B/N. Rubottom. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. una combinación de ingenio. finura y elegancia visual. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. Félix Bressart (Pirovitch). Sara Haden (Flora). no recogida en los títulos de crédito. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. 1942). La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . de Nikolaus Lazslo. FOTOGRAFÍA: William Daniels. finalmente. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. ahora como jefe de tienda. otras como Robin Hood.

en consecuencia. un antiguo amigo de la infancia. Leonard haría una nueva versión de la película. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). Más adelante. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. Haya Harareet (Esther). Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. Antes de morir. DURACIÓN: 217 minutos. La túnica sagrada (The Robe. 1953). Hugh Griffith (Jeque Liderim ). S. She Loves Me.UU. Martha Scott (Miriam). 1959 DIRECTOR: William Wyler. que. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. Behrman y Gore Vidal. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas.. Ben-Hur EE. Stephen Boyd (Messala). Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. en cierta ocasión. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. en particular. reconoce en él al hijo de un carpintero que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. MÚSICA: Miklos Rosza. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. Argumento Jerusalén. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. entre las que se cuentan. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. MONTAJE: Ralph E. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. La fastuosa producción de la Fox. N. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. del general Lew Wallace). de Christopher Fry. no recogida en los títulos de crédito. Winters y John Dunning. Technicolor. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). Jack Hawkins (Quintus Arrius). Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. una pareja que. el Cinemascope. Maxwell Anderson. en represalia. Horning y Edward Carfagno. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Varios años más tarde. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. . Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. éstas se han curado milagrosamente de su mal. mientras asiste a su crucifixión. Robert Z. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. se compadeció de él. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan.

MÚSICA: Frank Churchill. Billy Gilbert (Alérgico). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. hasta que. Dick Richard.. McLaren Stewart. 1956). INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. Gustaf Tenggren. Paul Smith y Larry Morey. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. en un primer momento. Sin embargo. GUIÓN: Ted Sears. la convence para que se coma una manzana envenenada. DURACIÓN: 83 minutos. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. aquélla ordenará su muerte. En 1925. la Reina visita a Blancanieves y. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. Hugh Hennesy. Perseguida por los enanitos. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. un buen día. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. . PRODUCCIÓN: Walt Disney. Y todos vivieron felices y comieron perdices.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. la Reina cae por un precipicio y perece. Disfrazada de vieja bruja. 1956). se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). Kendall O'Connor y Hazel Sewell. recibe la visita del Príncipe Encantador.y aunque. Argumento Criada por un reina perversa. Otto Englander.UU. Tom Codrick. 1937 Walt Disney. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. Rodada en Italia durante un período de diez meses. Earl Hurd. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. Incapaz de cumplir semejante orden. Moroni Olsen (Espejo mágico). Lucile La Verne (La Reina). Kenneth Anderson. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. Destaca en ella la dirección de William Wyler. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. Harold Miles. Richard Creedon. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. Terrel Stapp. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. Leigh Harline. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). con engaños. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. Dorothy Ann Blank. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Harry Stockwell (Príncipe Encantador).

78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». a la vez. sin embargo. del que le hizo entrega Shirley Temple. anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. con contribuciones. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. un mecánico. En compañía de C. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. la película había costado 1. Moss). Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. tanto de los personajes humanos de corte «realista». Pollard (C. de Robert Towne. W. que le promete un emocionante futuro. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. utilizó 250. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. Faye Dunaway (Bonnie Parker).000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. Moss. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). como de los enanitos. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración. entretenimiento mágico y musical de primer orden. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». en . y de Buck. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. poco a poco. el hermano de Clyde. J. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. no recogidas en los títulos de crédito.UU.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. MONTAJE: Dede Alien. Obra llena de innovaciones y. Sin embargo. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). caso de Blancanieves. MÚSICA: Charles Strouse. y su esposa. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. durante las Navidades de 1937. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. satisfacen las ansias de fama de Bonnie.500.. Argumento Aburrida de la vida provinciana. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. y. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. Denver Pyle (Frank Hamer). Estelle Parsons (Blanche). el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. una camarera. Gene Wilder (Eugene Grizzard). Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve. Bonnie Parker. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. Gene Hackman (Buck Barrow). GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. DURACIÓN: 111 minutos. muy importantes. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. W.500. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE.000 dólares. En 1934. el cazador y el Príncipe Encantador.

En un claro. para Ellen Parson. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. con frecuencia. Buck muere y Blanche queda ciega. Carol Lynley. antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. y a la mejor fotografía.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. más bien. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. corrupto. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. . Comentario Una de las películas clave de su época. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. Natalie Wood. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo.

Si Billy Wilder. No obstante. como Sopa de ganso (Duck's Soup. de la extensa serie Carry on. parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). su repudio del sentimentalismo. Un caso. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. el desvalido y acrobático vagabundo. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. éste no obtendría renombre internacional hasta que.. 1949). en parte similar.82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. y. Walter Matthau y Jack Lemmon. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box.. Doris Day y Rock Hudson. entre los personajes de series como TheRoad to. En cuanto a la situación en el Reino Unido. Bob Hope y Dorothy Lamour. Hoy en día. 1988). maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). . protagonizada por Bing Crosby. Tony Curtís. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. Durante muchos años. más tarde.. llena de calidez y buen humor.. iniciadas con Annie Hall (1977). siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. por ejemplo. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. una vez concluida la guerra. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo.. como la formada por Abbott y Costello. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. 1933) y Una noche en la Ópera (1935). Junto a Grant y Hepburn. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. sin embargo. Judy Holliday. y un largo etcétera. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). En cualquier caso. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). cuyo más famoso personaje. tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. ejercerían una gran influencia en el género. la relación. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. Si bien otras parejas. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. fue el de Harold Lloyd. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. en compañía de la propia Hepburn. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico.

GUIÓN: David Lean. Consternada.la película de David Lean. Alee Harvey). por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. Breve encuentro. resulta mucho menos premeditada. de ser nominada por la Acade- . pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. Como era de prever. E. una mujer casada de clase media. De vuelta a su casa. tras un nuevo encuentro fortuito. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. de sus clases medias. B/N. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. quedarían para ir juntos al cine y. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). contempla la posibilidad de suicidarse. la visita de la pareja al cine. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. Stanley Holloway (Albert Godby. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. StillLife). Cyrill Raymond (Fred Jesson). acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. Luego. actor y celebridad. P. guardia de la estación). como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. más adelante. al parque. más en concreto. al campo y a un restaurante.84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. relativamente rara para una película británica. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. Francke. típicamente británica y. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. 1970). al encontrarse con unos viejos amigos. Breve encuentro consiguió también la hazaña. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. Calthorp. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. En este sentido. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. 1945 DIRECTOR: David Lean. es abandonada por el Dr. Williams y G. MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. Trevor Howard (Dr. y bastante más conmovedora. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. DURACIÓN: 85 minutos. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. Joyce Carey (Myrtle Bagot). Margaret Barton (Beryl Waters). INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). Alee Harvey en la cafetería de la estación. Laura Jesson. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes.

y Hanson mo- . el rock. la versión televisiva. Phil Spector (Contacto). donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. que han obtenido mediante la venta de drogas. 1969 Dennis Hopper. sin embargo. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. era el principal componente del público que asistía al cine. por otro lado. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson.y tienen un mal viaje de ácido. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. sólo en los Estados Unidos. Fiantes ofPassion (1990). un abogado alcohólico. Los dos motoristas siguen su camino. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. Mac Mashourian (Guardaespaldas). regresa para matar también a Wyatt. la postura antisistema. Deciden seguir por carretera hacia Florida. DURACIÓN: 94 minutos. Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. donde su presencia no es bien recibida. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. En 1974. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. MONTAJE: Donn Cambren. GUIÓN: Peter Fonda. Dennis Hoppery Terry Southern. Más tarde serán atacados por el sheriff. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre.. Argumento Bien provistos de fondos. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. rirá apaleado. de Richard Kwietniowski. Jack Nicholson (George Hanson). Llegan a un pueblo. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. recogen a un par de chicas de un burdel. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. MÜSICA: Varios.UU.y los de la mayoría.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

por lo menos. Ella le regala un mechero. como sucede. y no amor. GUIÓN: Claude Chabrol. que. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. la maestra de la escuela. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. Roger Rudel (Inspector de policía). mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. la sofisticada pero distante Héléne. Antonio Passalia (Angelo). en esta ocasión. pero con un lado oculto atávico y brutal. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. Jean Yanne (Popaul Thomas). Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. MONTAJE: Jacques Gaillard. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. del posterior fu- . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. el carnicero. dejando a la maestra sola con su culpa. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. una sobria historia de amor con tintes trágicos. Pasquale Ferone (Padre Charpy). De entre el bullanguero gentío. DURACIÓN: 94 minutos. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. Héléne descubre el cadáver de una joven y. Mario Beccaria (Léon Hamel). Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. como desearía Popaul. en el Périgord. por ejemplo. el enfrentamiento entre la maestra. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. sin embargo. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). parece estar inexorablemente predeterminado. Chabrol. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. Su verdadera culpa. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. completamente opuesta. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). un mechero. Popaul se suicida. un ser dulce y atento. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. o de haberle. De hecho. decide mantenerlo oculto. según la cual. En El carnicero. que rápidamente esconde. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. William Guérault (Charles). y Popaul. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. más como víctima que como asesino. y el carnicero Popaul. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. pero. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. MÚSICA: Pierre Jansen. tras el cual. Comentario Chabrol. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. al hacerlo. junto a él.

Nick Farrell (Aubrey Montague). del que Liddell sale vencedor. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. Daniel Gerroll (Henry Stallard). GUIÓN: Colin Welland. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. 1919. proferida con ferviente entusiasmo. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. a su vez. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. Al negarse a correr en Sabbath. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). Ian Holm (Sam Mussabinni). Liddell correrá los 400 metros y. que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. La película. pero enormemente pegadizo. se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. MONTAJE: Terry Rawlings. y ganadora de cuatro de ellos. Nigel Havers (Andrew Lindsey). Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. . un ambicioso atleta. en Escocia. Aunque esta amenaza. El expreso de medianoche (Midnight Express.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. 1978).» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». FOTOGRAFÍA: David Watkin. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. que ganará Abrahams. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. las hazañas atléticas de Eric Liddell. DURACIÓN: 123 minutos. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. The Foxes (1980). MÚSICA: Vangelis. Entre tanto. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. Argumento Cambridge. Finalmente. representando al Reino Unido. siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. un publicista reconvertido en cineasta). han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. Ian Charleson (Eric Liddell). los ganará en un tiempo récord. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams).con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. Harold Abrahams. Nominada para siete premios de la Academia. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. llevado en volandas por su fe. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. un tema musical algo anacrónico.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. por delante del norteamericano Scholz. que vienen los británicos». proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. el hijo de un misionero. incluidos los de mejor película y mejor canción original.

GUIÓN: Julius J. Claude Reins (Capitán Louis Renault).. sin embargo. de Rick. Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. de Murray Burnett y Joan Alison). tanto las estadísticas de producción. a América. Paul Henreid (Victor Laszlo). B/N. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). Ingrid Bergman (Usa). no pare de crecer. DURACIÓN: 102 minutos. Hoy en día. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. propiedad del cínico Richard Blaine. dos visados de tránsito caen en sus manos. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. cuya interpretación de un jefe de policía.UU. desde allí. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. Peter Lorre (Ugarte). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine).100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. al conseguir restaurar. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. MÚSICA: Max Steiner. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. MONTAJE: Owen Marks. fue nominada para un Osear). Inesperadamente. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. la fe en la industria autóctona tras una década en la que. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. y Phillip G. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. los orígenes de la película no era muy prometedores. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. lleno de oficio. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. Wallis). pero éste. aunque fuera momentáneamente. como los niveles de calidad artística. Conrad Veidt (Mayor Strasser). parecían indicar una situación de declive inexorable. Casablanca EE. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. su esposa. en un principio. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. Ésta había sido antes la amante . nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. Como se ve. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. delicadamente siniestro. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. lo cual le convierte en objeto de especial interés. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro.

que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. del régimen comunista de posguerra. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. 1972). de emular a Bogart. y a la aspiración. Maciek. Bogumil Kobiela (Drewnowski). Mientras espera en un hotel. Por otro lado. Tras leer una inscripción en un cementerio. Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. recibe el disparo de un oficial borracho. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. último día de la Segunda Guerra Mundial. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. una mujer que acaba de conocer. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. Jan Ciecierski (El portero). La película completó una trilogía informal. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. muy generalizada. muchacho». y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. Adam Pawlikowski (Andrzej). a su vez. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). y Cenizas y diamantes. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. en cierto modo. . DURACIÓN: 105 minutos. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. recibe la orden de matar a Szczuka. Sam». Woody Alien rindió homenaje a la película. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. B/N. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). Ewa Kryzjewska (Krystyna). GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. pasa la noche con Krystyna. el antihéroe desencantado. Andrzej Wajda.)> o la inolvidable As Time Goes By. lo que aviva aún más sus dudas. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. Argumento Polonia. igualmente oscura. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. MONTAJE: Halina Nawrocka. etc. se despiden.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. Stanislaw Milski (Pieniazjek). Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. «Tócala otra vez.

DURACIÓN: 119 minutos. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. Natalie Wood (Debbie Edwards). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. Cooper y C. Whitney). hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. a su vez. John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. Ward Bond (Capellán castrense.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. En el camino. MÚSICA: Max Steiner. Cuando el combate concluye. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. Hoch. VistaVision. se encuentra muy próximo al estado salvaje. cuando por fin encuentran a Lucy.. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. tras asesinar a todos los adultos. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. pero que. John Qualen (Lars Jorgensen). Embargado de un obsesivo deseo de venganza. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. V. y. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. Vera Miles (Laurie Jorgensen). a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. GUIÓN: Frank S. la chica tiene que enfrentarse a Edward. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. V. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. MONTAJE: Jack Murray. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. finalmente. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). 1956 DIRECTOR: John Ford. Samuel Johnson Clayton). se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. Nugent (basado en una novela de Alan Le May). que. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. FOTOGRAFÍA: Winton C. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). Sin embargo. Technicolor. PRODUCCIÓN: C. gers cuando los comanches asalten el rancho.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. Whitney (Merian C.UU. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. la mate.

finalmente. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. Alfredo. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. espacial y psicológica. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. MONTAJE: Mario Morra. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. se enamorará de una chica. .106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). GUIÓN: Giuseppe Tornatore. en el operador del cine. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. además. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. con toda la vida salvaje). Argumento El fallecimiento de su mentor. Salvatore Cascio (Salvatore niño). Agnese Nano (Elena). que era el proyeccionista de la sala. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. No obstante. sólo que. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. MÚSICA: Ennio Morricone. por otro. Su regreso está teñido de tristeza. Salvatore rodará un documental. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). en este caso. por un lado. el legado de Alfredo. 1977). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. él mismo se convirtió en sus ojos y. que también trata del pasado del cine. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). sus implicaciones van más allá y lo convierten. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. Si. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. Durante su adolescencia. Pupella Maggio (María). en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. Gracias a Alfredo.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. por extensión. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne.

GUION: Hermán J. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. . más que de lamento. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. ultramodernas e impersonales salas multicines. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». Mankiewicz y Orson Welles. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. Se divorcia y se casa con Susan. B/N. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. George Colouris (Walter Parks Thatcher). Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. Everett Sloane (Mr. MÚSICA: Bernard Herrmann. Mientras el periodista deja Xanadú. Ray Collins (James W. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. DURACIÓN: 119 minutos. Un periodista tratará de descubrir su significado. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Más tarde. Dorothy Comingore (Susan Alexander). Joseph Cotten (Jedediah Leland). MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. Bernstein). fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. Gettys). Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». Darrell Silvera y Hilyard Brown. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo.O. de los niños revoltosos.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada.K. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane).. (Orson Welles). Agnes Moorehead (Madre de Kane). antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. Kane morirá en la más absoluta soledad. interrogando a sus antiguos amigos y empleados.UU. la mansión del magnate. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador.

Desechando la puesta en escena convencional. Logan). 1959 Billy Wilder e I. una película de 1933. tanto en los escenarios como en la radio. ante todo. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). Thoeren y M. en su lugar.UU. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). DURACIÓN: 120 minutos. está basada en un personaje real. Si su admirada estructura. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. Joe E. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. MONTAJE: Arthur Schmidt. un millonario que colecciona matrimonios. según la cual. haciéndose pasar por un rico playboy. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. planos cortos y primeros planos. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. productor. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. Ciudadano Kane fue. por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. que ansia conocer el verdadero amor.O. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. Argumento Año 1929. Joe y Jerry. granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». Jack Lemmon (Jerry/Daphne). conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen.K. por ejemplo. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. Pat O'Brien (Mulligan). INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». Brown (Osgood Fielding III). GUIÓN: EE. Entretanto. Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. MÚSICA: Adolph Deutsch. Tony Curtís (Joe/Josephine).. y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. A.110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. Orson Welles fue contratado por la R. la cantante de la banda. Durante sus dos primeros años en los estudios. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. En Miami Beach. Osgood Fielding III. USA». en 1939. B/N. Sin embargo. el gran magnate William Randolph Hearst. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. Joe. George Raft (Spats Columbo). se sentirá atraído por «Daphne». La película. le había valido grandes elogios. perdido en el inmenso vacío de su mansión). y apostando. Antiguo niño prodigio. Joan Shawlee (Sweet Sue). La celebración de una . Diamond (inspirado en un relato de R. corteja a Susan.

Sin embargo. disminuyeron las presiones. . crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. El pintor Neville es contratado por Mrs. entre ellos los de mejor director y mejor actor. Herbert. Joe. Herbert). PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). una dama de la aristocracia. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. MÜSICA: Michael Nyman. Neville). DURACIÓN: 108 minutos. Billy Wilder. y garantía segura de diversión. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). Inglaterra. Más adelante. David Gant (Mr. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. Argumento Wiltshire. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. para Jack Lemmon. Con todo. cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. Janet Suzman (Mrs. Neil Cunningham (Mr.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. el terror del hampa (Scarface. MONTAJE: John Wilson. No obstante. Noyles). Talmann). tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. 1932). Seymour). Talmann). para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. Sin embargo. una agilísima modulación rítmica. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. Dave Hill (Mr. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». El papel de su compañero. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. GUIÓN: Peter Greenaway. un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. Hugh Fraser (Mr. y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad.1972). 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. lo que se ve en la pantalla es pura magia. le fue asignado a Tony Curtis. 1694. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. Sin embargo. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. Irma la dulce (Irma La Douce. Herbert). por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. Anne Louise Lambert (Mrs. su guionista y director. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. razones de índole comercial.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo.

Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. . DURACIÓN: 113 minutos. que. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. suele desconocer la obra de otros realizadores. Talmann. Frederic Forrest (Mark). Según la propia descripción de su director. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. infrecuentes en una cinematografía como la británica. Finalmente.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. MONTAJE: Richard Chew. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. la película es un intrincado juego conceptista. algo a lo que ella consiente. por ejemplo.. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul).UU. al regresar para realizar un postrer dibujo. a partir de ese momento. Con todo. Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. es cegado y dado muerte. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. Alien Garfield (Bernie Moran). GUIÓN: Francis Ford Coppola. el cual. MÚSICA: David Shire. Harrison Ford (Martin Stett). la película. aunque sea de forma paródica. John Cázale (Stan). la iconografía y la música de Michael Nyman. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. Neville coquetea también con Mrs. 1974 Francis Ford Coppola. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. como. la hija de los Herbert. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. Como condición para realizar el trabajo. entendida como ejercicio cinematográfico. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. Talmann. que. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. A fecha de hoy. por lo general. La familia le echa las culpas a Neville. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. Derek Jarman o Ken McMullen. mucho más fragmentarias y viscerales. Herbert en el foso. Neville exige que Mrs. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. se descubre el cadáver de Mr. Cindy Williams (Ann). filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales.

constituye. Por otro lado. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. que. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). La conversación. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. No obstante. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. el director de la misma. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. en el transcurso de tan sólo dos horas. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). sin embargo. a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. una de las películas más gratificantes de su director. la culpa personal. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. hasta entonces. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. la redención y la alienación contemporánea. Aunque su trabajo ya ha concluido. en algún momento. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. . En las oficinas de la empresa. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. la película también permite que Hackman. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad».

A pesar de todo ello.118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. En los Estados Unidos. más tardíamente. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. en el movimiento del Free Cinema británico. domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. dirigido asimismo por Rossellini. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. ciudad abierta (1945). 1950). siempre que ello fuera factible. inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. 1963). Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. de hecho. Sábado noche. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. un acontecimiento que. 1978). cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). . su última película juntos. que se plantea la posibilidad de suicidarse. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. y Umberto D (1952). de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. la fantasía alegórica. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. de actores no profesionales. Cain.1947) y.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. caso de La regla deljuego (1939). en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. en general. El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. Ladrón de bicicletas (1948). un film compuesto de varios episodios. el neorrealismo fue. en sentido estricto. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. 1946). 1989). de los pobres y. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». En estas últimas. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin.

M. MÚSICA: Franz Waxman. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. Su guión. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. decidirá permanecer al lado de Norma. que le anima a que siga con su propio trabajo. está salpicado de humor negro. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. Pola Negri. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. Mientras se la llevan arrestada. B/N. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. En cuanto al papel de la actriz principal. Mary Pickford. eran similares a las suyas. La elección de Swanson. Gillis continúa viendo a Betty. exmarido y actual sirviente. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. Marshman júnior. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. Norma visita a Cedí B. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo.UU. así como la de Erich von Stroheim. e incluso Mae West. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. Cuando Gillis trate de abandonarla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Sin embargo. revelará que es un mantenido. Fred Clark (Sheldrake). 1950 Billy Wilder. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. Charles Brackett y D. una lectora de guiones.. DURACIÓN: 110 minutos. en el papel de su antiguo mentor. a pesar de lo cual. celosa. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. FOTOGRAFÍA: John F. Max. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . le matará de un disparo. precisamente. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. entre ellas. Lloyd Gough (Morino). Gloria Swanson (Norma Desmond). No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). Seitz. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. Argumento El guionista Joe Gillis. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. Nancy Olson (Betty Schaefer). INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). GUIÓN: Billy Wilder. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. fue un gran acierto. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. el escritorzuelo necesitado de recursos. pero Norma.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. aunque afortunadamente no su temperamento. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma.

Agnes Moorehead (Fanny Amberson).O. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. Por otro lado. (Orson Welles).122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. Isabel sufre un ataque al corazón. Sin embargo. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. llegaran a su fin. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. Nilsson y H. Tras un accidente en el que está a punto de morir. mejor dirección artística y mejor banda sonora. DURACIÓN: 88 minutos. B. podrá contar con ayuda. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. tanto a nivel individual como en conjunto. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). con W. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). la película tan sólo obtuvo tres de ellos. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. MÚSICA: Bernard Herrmann. C.. Nominada para once Osear de la Academia. 1942 DIRECTOR: Orson Welles. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). acaudalado Wilbur Minafer. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. el indolente hijo de Isabel. B/N.UU. Jack Moss y Mark Robson. una novela de Booth Tarkington. sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . que se la llevará a Europa. Anne Baxter (Lucy Morgan).K. Años más tarde. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. Fields como protagonista. Tim Holt (George Amberson Minafer). Warner. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. Anna Q. en el futuro. el de mejor guión. que se casa con el . se descubre que las arcas de la familia están vacías. MONTAJE: Robert Wise. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). Ray Collins (Jack Amberson). en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto.

Masayuki Mori (Genjuro). vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata).250. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. es violada por unos soldados y. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. Su mujer. B/N. Kinuyo Tanaka (Miyagi. se dedica a la prostitución en un burdel. incluido el de mejor película. entre tanto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. En cuanto a Tobei. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. un fantasma. con tan mala suerte que. Por su parte. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. a raíz de ello. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. . a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. la encontrará su marido. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. Welles. de 131. Tras haber dejado montada una versión completa. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista. primero con un metraje de 148 minutos y. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. Argumento Japón. Sakae Ozawa (Tobei). MONTAJE: Mitsuji Miyata.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. Mitsuki Mito Ohama. constituía toda una declaración de principios. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia.K.000 dólares frente a una inversión de 1. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. finalmente. La película.K. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). durante su ausencia.que le encierra en una tierra encantada. A pesar de ello. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). sin embargo. en el siglo xvi.O. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. DURACIÓN: 96 minutos. El eslogan de la nueva dirección. Sugisaku Aoyama (Viejo monje).». 500.000. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. en su papel de narrador omnisciente. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. esposa de Genjuro).O. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. Tras asistir a un pase previo de la película. finalmente. se produjo un cambio en la dirección de la R. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. esposa de Tobei). junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. donde. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R.

cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. Ésta. Christian es herido de muerte. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. A ojos de un occidental. pero. MONTAJE: Noelle Boisson. Argumento París. ignorando los sentimientos de Cyrano. DURACIÓN: 138 minutos. Pronto la pareja se casará y. se le muestra un mundo distinto. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. por lo general sigue considerándose una obra maestra.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. Philippe MorierGenoud (Le Bret). PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). guiado ahora por el fantasma de su esposa. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. A su vuelta. como si las dos realidades. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . La belleza casi pictórica de sus imágenes. y lo mismo. el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Cyrano de Bergerac Francia. Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. Roland Bertin (Ragueneau). FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. le ocurre a su cuñado Tobei. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. Al principio. 1640. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. Jacques Weber (Conde De Guiche). Anne Brochet (Roxane). una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. el espadachín y poeta. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. en lugar de constituir dos entidades divergentes. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. A lo largo de la película. MÜSICA: Jean-Claude Petit. aunque de distinta manera.

Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor.. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . tras lo cual se retira a un convento. Depardieu era. un músico de poca monta. Sam Levene (Frank D'Angelo). todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. MONTAJE: Alan Crosland júnior. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. Tony Curtís (Sidney Falco). Posteriormente.UU. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. soldado y personaje trágico. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess. Marty Milner (Steve Dallas ). Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. J. Jean-Paul Rappeneau. DURACIÓN: 96 minutos. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. un agente de prensa sin principios. por otro lado. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. Argumento Sidney Falco. no deja de ser bastante convencional.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. Años más tarde. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. sino también a la destreza con que su director y coguionista. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. B/N.que engloba la personalidad de Cyrano. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. y Steve Dallas. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. la adorada hermana de Hunsecker. J. Hunsecker. en su versión inglesa. humorista. sin duda. Barbara Nichols (Rita). supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. Susan Harrison (Susan Hunsecker). J. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. MÚSICA: Elmer Bernstein. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. En colaboración con Jean- Claude Carriére. El éxito de esta película. Hunsecker). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. cuyo estilo. la única opción posible para interpretar a Cyrano.

lo cierto es que. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. J. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. gracias a esta película. J. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. Será a Falco a quién J. 1951). DURACIÓN: 131 minutos. que cuando fue realizada. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. Alonzo. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. haga arrestar ahora por un cargo de drogas. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. Gittes para que . Stewart Campbel. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. seguramente. J. Argumento Los Ángeles. GUIÓN: Robert Towne. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. Chinatown EE.UU. mientras que las cuestiones que plantea. 1955) y Trapecio (Trapeze. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. John Hillerman (Yelburton). cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. 1937. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. Por su parte. Ida Sessions. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans).. MONTAJE: Sam O'Steen. FOTOGRAFÍA: John A. Susie. J. MÚSICA: Jerry Goldsmith. Como recompensa. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). John Huston (Noah Cross). contrata al detective J. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. son más actuales hoy en día. Gittes). en represalia. ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). se las arregla para que J. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. se le promete que podrá escribir la columna de J. y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. 1956). Con posterioridad. Sin embargo. J. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. 1967). INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. cuando éste se encuentre de vacaciones. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. Perry López (Escobar). 1959).

J. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. de Faye Dunaway. mientras que Katherine resulta ser. aunque caballeroso detective. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. aparecen en un periodicucho sensacionalista. el vicepresidente de la Paramount. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. al haber sido ésta violada por Cross. a un tiempo. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. por entonces la mujer de Evans. son atrapados en Chinatown. concedido al siga a su marido. El guionista y antiguo policía. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. especialmente. tuvo que conformarse con un solitario premio. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. creando los personajes del cínico. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. Katherine.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. la hija y la hermana de Evelyn.y el de la compleja Evelyn Mulwray. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. La película. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. . J. concebido en un principio para Ali McGraw. donde Evelyn muere. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. Robert Towne.

El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. todos sus compañeros. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. le hacen el vacío. ambientada en 1959. cuartel de Schofield. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato.134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. envueltos por las olas.. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. Deborah Kerr (Karen Holmes). un recién llegado al cuartel. y no Fred Zinnemann. DURACIÓN: 118 minutos. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. Prewitt. en cuya tercera parte. hasta entonces prohibidas-. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. La muerte de Maggio. PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. MÜSICA: George Duning. una prostituta. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. el Sargento de la prisión militar. pide su readmisión en el ejército. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. partiendo de un reparto plagado de estrellas. basado en una novela de James Jones). la desengañada esposa del comandante. el jefe de la Columbia. B/N. a pesar de los años. como Aldo Ray o John Derek. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. De aquí a la eternidad es una obra que. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. Two Jakes (1990). Lee Prewitt). Tras muchas demoras y problemas. con Karen Holmes. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Donna Reed (Lorene). Embarcadas en el mismo barco. Warden.UU. Montgomery Clift (Cabo Robert E. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. Prewitt se enamora de Lorene. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. Por su parte. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. A consecuencia de ello. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. Frank Sinatra (Angelo Maggio). Argumento Año 1941. Honolulú. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). MONTAJE: William Lyon.

por detrás de La túnica sagrada. aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. a la que él mismo había matado. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. Raymond Bailey (El doctor). ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». MONTAJE: George Tomasini.500. conoce a Judy Barton. Nominada para trece Osear. Argumento Al descubrir que padece acrofobia. Judy. En 1979. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). DURACIÓN: 128 minutos. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). Ella se reconoce culpable y le declara su amor. había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. Cuando «Scottie» lo averigua. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). cae al vacío y muere. en realidad. con la impresionante cifra de 12. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. Madeleine. MÚSICA: Bernard Herrmann. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. tirándola desde lo alto del campanario. 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. pero mientras visitan juntos una vieja misión. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. En cuanto al personaje de Maggio. hicieron que finalmente se le concediera el papel.000 dólares. a la que siguió una serie. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac).. Bert Allenberg: «Habráse visto. y. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock).UU.000 dólares como remuneración. Gavin Elster. De entre los muertos VÉRTIGO EE. le contrata para que siga a su mujer. Tom Helmore (Gavin Elster). Henry Jones (Juez de instrucción). pero. . «Scottie» se enamora de ella. asustada por la súbita aparición de una monja. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. Barbara Bel Geddes (Midge). unidos a su aceptación de unos miserables 8.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. un antiguo amigo. Con respecto al principal papel femenino.

el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. etc. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. aunque no se reconociera así. 6 a. Chip conoce a Brunhilde. una estudiante de antropología. Moore.1973). 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). por lo tanto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. Gabey entrevé a la chica de un póster. Willis y Jack D. con el título de Fascinación (Obsession. Un éxito fruto del trabajo en equipo. El director. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). . esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. Gabey localiza a su chica. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. Jules Munshin (Ozzie). Edwin B. ocurre. cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. DURACIÓN: 98 minutos. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. también. y se pone a seguirla. Los marineros Gabey. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. «Miss Torniquetes». mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. Vera-Ellen (Ivy Smith). no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. Argumento Brooklyn.. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. MONTAJE: Ralph E. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. Frank Sinatra (Chip).m. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. Sin embargo. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. Winters. Cada uno sigue su camino por separado. Ann Miller (Claire Huddesen). que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. una taxista. GUIÓN: EE. su peinado. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. en referencia al papel que interpreta Stewart. sin embargo. La película. está incurriendo en necrofilia». que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta.UU. Jack Marín Smith. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). que se une a la búsqueda. y que.

B/N. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. menos aún. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). de Ernest Haycox). avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. Josiah Boone). Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. La película. Mientras se despiden en el muelle. W. Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. 1939 DIRECTOR: John Ford. una bailarina de ballet.UU. MONTAJE: Otho Lovering. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. abrió nuevos caminos en diversas áreas. John Carradine (Hatfield). Por otro lado. un fugitivo de la justicia que busca a los . Donald Meek (Samuel Peacock). especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. MÚSICA: Richard Hagerman. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género.. Claire Trevor (Dallas). además de ser tan dominantes como los personajes masculinos.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. donde filmaron el número del principio y el final de la película. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. en vez de detener el desarrollo de la trama. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». su música y sus bailes. Finalmente. que. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. Con todo. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. mientras la policía les va pisando los talones. DURACIÓN: 97 minutos. La pandilla la sigue en un taxi robado. Thomas Mitchell (Dr. sale huyendo. Andy Devine (Buck). La diligencia STAGECOACH EE. Franke Harling. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. John Leipold.

que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. un jugador de nombre Hatfield. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. como el racismo y los valores morales de la sociedad. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. la Señora Mallory. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción.Ringo Kid dará muestras de su valor. David O. el banquero Gatewood es arrestado. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. un doctor aficionado a la bebida. junto a Tierra de audaces (Jesse James). se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. gracias al respaldo de Walter Wanger. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. ante todo. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. a la que ha conquistado con su caballerosidad. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. un productor independiente. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. Una vez en Lordsburg. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. una prostituta. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. acusado de desfalco. es atendida por Boone. y toca una serie de aspectos. y por Dallas. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. en la vibrante secuencia de la persecución. como puede apreciarse. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. una elección que le produjo numerosos contratiempos.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. una de las pasajeras. No obstante. De hecho. Finalmente. que se encuentra en trance de dar a luz. prosiguen su viaje. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. durante el cual. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. . uno de los estrenos del año 1939 que. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas.

Aunque esta moda fue pasajera. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). o que. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. precisamente. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. 1968) y Cabaret (1972). el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. Inexplicablemente. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. hoy y por siempre (For the Boys. esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. la Liza Minelli de esta última película y de New York. aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. 1936). todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. ya a finales de la década. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. Ira Gershwin y Colé Porter. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. . como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. 1974). hasta Alice Faye y Bing Crosby. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). 1952) y Melodías de Broadway (1953). 1944) y El pirata (The Pírate. 1947). Bette Midler con La rosa (The Rose. en los primeros momentos del cine sonoro. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. mientras que fueron. 1991). Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. muchos y muy variados talentos.144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. Sin embargo. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. por su condición de primera película hablada. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. con sus populares operetas. no es de extrañar que. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. de nuevo Gene Kelly. no obstante. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. Los años treinta produjeron. 1977) y Grease( 1978). Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. Excepción hecha de unas cuantas películas. Deanna Durbin y. 1979) y Ayer. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. 1929). caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). el canto y la danza. a cual más descerebrada.

un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. MÚSICA: Kenyon Hopkins. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. Poco a poco irá minando su seguridad. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- .° 7). nada frecuente.° 8). partiendo de su propia obra televisiva de 1954. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. Henry Fonda. El hecho de que. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. como se aprecia en el hecho. MONTAJE: Cari Lerner.° 1). pasados más de cuarenta años. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. por lo tanto. accesible a cualquiera. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. Adaptado por Reginald Rose. Cobb (Jurado n. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). y Sidney Lumet. Lee J.. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. Marshall (Jurado n. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. efectivamente. DURACIÓN: 96 minutos. Con Doce hombres sin piedad. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras.adquiriera dinamismo y fluidez. Jack Warden (Jurado n. Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. G. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta.UU. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. la película siga transmitiendo esa sensación. E.° 4). que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. se debe a que sus actores dieron. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. El veredicto unánime será de no culpable. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. B/N. Dado que abriga algunas dudas. Martin Balsam (Jurado n. desde hace mucho tiempo.° 3).146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. como director. en su doble vertiente de actor y productor. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. Ed Begley (Jurado n° 10).

Alain Curry (Steiner). consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. una especie de relato de las andanzas de un vividor. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. MONTAJE: Leo Cattozo. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. sin embargo. incomprensible desde una perspectiva actual. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. 1960 Federico Fellini. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). del sexo. entre ellas la de mejor película. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. conviene no olvidar. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. la sensa- El escándalo. Ennio Flaiano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . Durante una noche loca.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. matando a la vez a sus hijos. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. Tullio Pinelli y Brunello Rondi.han pasado a formar parte del lenguaje común. Marshall. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. Marcello Rubini. supuestamente explícito. Yvonne Fumeaux (Emma). La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). GUIÓN: Federico Fellini. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. el gacetillero que interpreta Mastroianni. B/N. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. G. Comentario La dolce vita Italia/Francia. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). Anita Ekberg (Sylvia Rank). Argumento Roma. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. MÚSICA: Niño Rota. La película. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. Anouk Aimée (Maddalena). mientras va de fiesta en fiesta.

según definición de su propio director. el observador de la luna).250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. tres compañeros. Bowman continuará el viaje en solitario. idéntico al anterior. Heywood Floyd). pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. MÚSICA: Richard Strauss. se descubre enterrado en la luna un monolito. Leonard Rossiter (Smyslov). que. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. una odisea del espacio. un ordenador infalible. simulará un fallo mecánico. no deja de ser irónico que. pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. Johann Strauss. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. que emite señales hacia Júpiter. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. GUIÓN: Comentario Reino Unido. William Sylvester (Dr. ciendo el miedo que les produce. 2001. sin embargo. MONTAJE: Ray Lovejoy. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. que. mantenidos en un estado de hibernación. y se envía una nave para investigarlo. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). Daniel Richter (Moonwatcher. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. ocho y medio (1963). una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. ese magistral espectáculo que es Fellini. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. ni más ni menos. una circunstancia que. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). Gary Lockwood (Frank Poole). Al acercarse a un monolito negro. unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. Ya en el presente. una película cuya temática aborda. a medida que van ven- . FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. y HAL. DURACIÓN: 141 minutos.

más adelante. Van Helsing. En este sentido. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). sin embargo. Odisea Dos (2010). en última instancia. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). improvisado con unos candelabros. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. que fue dirigida por Peter Hyams. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. Melissa Stribling (Mina Holmwood). eso sí. Entretanto. abre de golpe las cortinas. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. En 1984. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. 1958 Terence Fisher. un experto vampirólogo. Sin embargo. . caerá víctima del Conde. de forma magistral. una película inteligente y bastante accesible. según se dijo. Drácula Reino Unido. se estrenaría su continuación. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). Christopher Lee (Conde Drácula). DURACIÓN: 82 minutos. MÚSICA: James Bernard. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. mucho más que en los propios personajes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. aunque inevitablemente decepcionante. Nominada para cuatro premios de la Academia. y comienza a estrechar su cerco sobre él. Carol Marsh (Lucy Holmwood). 2010. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. John van Eyssen (Jonathan Harker). Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón.o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). partiendo de un presupuesto que. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. la bella prometida de Harker. había alcanzado los 11 millones. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. Michael Gough (Arthur Holmwood). encuentra una referencia al Conde. la esposa del hermano de Lucy. que vieron en ella «un viaje alucinante». Justo antes de sucumbir a su voluntad. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo.

entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. Sin embargo. En su autobiografía. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. Su gran éxito. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. algo que. Tall. la chica. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). en la que no se permite que nada altere la compostura social. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. muy característico. el intrépido Van Helsing. 1956). Beethoven. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. A continuación. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. Dark and Gruesome. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. En un castillo medieval. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). .154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. Mendelssohn. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. Debussy. le chupará un dedo del pie a una estatua. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. con toda lógica. en particular. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. Caridad de Laberdesque. entre tanto. MÚSICA: MO- zart. unos obispos se hacen con el control de una isla.000 libras esterlinas. DURACIÓN: 60 minutos. 1973).serie de secuelas que la siguieron. Wagner. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. hasta el momento. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. Pierre Prevert. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. Lya Lys (La mujer). La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. Max Ernst. de Bela Lugosi. José Antigás. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. tan sólo se había mostrado de forma velada. B/N. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos.

Acto seguido se oye un grito aterrador. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. típicamente surrealistas. DURACIÓN: 115 minutos.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). el no menos excéntrico Salvador Dalí. posteriormente. donde ésta será secuestrada por Belloq. al cabo de un rato. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). la película se retiró de las pantallas parisinas y. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. Ronald Lacey (Toht). y que. Denholm Elliott (Brody).UU. en la casa de Dalí en España. En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE.. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. no volvió a estrenarse en Francia. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. Karen Alien (Marión Ravenswood). acompañado ahora de una jovencita. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. un personaje que evoca a la figura de Cristo. entre los que se encuentra el Duc de Blangis. Paul Freeman (Belloq). La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. Argumento Año 1936.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). hasta 1979. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. Los temas. hasta destruir prácticamente el local. sobre todo. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. Marión. sembrando así la semilla de su propia destrucción. métodos y yuxtaposiciones. por su escena inicial. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). parte en dirección a El Cairo. su enemigo mortal y aliado de . MONTAJE: Michael Kahn. John Rhys-Davies (Sallan). Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. El arqueólogo Indiana Jones. 1928) -conocido. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). volverá a aparecer. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. Una semana más tarde. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. El resultado. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. MÚSICA: John Williams. que aparecen en la película. Un perro andaluz (Un chien andalou.

ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. sin embargo.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. . sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. Pronto. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. al no hallarse éste disponible. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. En cualquier caso. Tras escapar. le pisó el papel y lo hizo suyo. el Han Solo de Lucas. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. Harrison Ford. Con el personaje de Indiana Jones. Blackhawk y Sgt. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. durante unas vacaciones en Hawai. y el Arca vuelve a quedar sellada. aparecen los nazis. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. 1985). a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. en este caso. 1984). Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. 1989). y el director se entusiasmó con la idea. Libres al fin. aunque respaldado. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. Rock.

rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. No obstante. así. en Solo ante el peligro (1952). una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. 1950).I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. 1968). 1924). 1976). los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. como Tom Mix y William S. Género inmensamente maleable. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. un cineasta italiano. Clint Eastwood. conferiría a John Wayne el rango de estrella. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. 1988). Sería. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. una vez más. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). y si bien es cierto que. 1946). 1962) de John Ford. 1949). en 1939. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). aunque con cierto retraso. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. Hart. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. Soldado azul (Soldier Blue. 1973). Sergio Leone. 1930). a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. no obstante. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). a lo largo de toda la época del cine mudo. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. y La diligencia que. el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. Sin embargo. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. que dirigió el propio Clint Eastwood. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. . daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona.

tras responder a los mensajes de paz. MÚSICA: John Williams. Watch the Skies. Robert Hall. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. Richard Dreyfuss. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. En un primer momento. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. un planteamiento que. Entre tanto. pero. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). William A. Fraker. Guiler. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). Francois Truffaut (Claude Lacombe). (1982). Roy Neary. Melinda Dillon (Jillian Guiler). resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. Dennis Muren y Richard Yuricich. teniendo en cuenta que la película recaudó . y Barry es abducido. se encaminan a la Torre del Diablo. Allí aparece una gigantesca nave que. Desde su más tierna infancia. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. la elección definitiva recaería en un actor más joven. MONTAJE: Michael Kahn. en Wyoming. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. un técnico de mantenimiento. Cary Guffey (Barry Guiler). que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. ya en 1970. les permitirá comunicarse con los alienígenas.. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres.T. Dave Stewart. Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. Laszlo Kovacs. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. DURACIÓN: 135 minutos. combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull).162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos.UU. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). Teri Garr (Ronnie Neary). desarrollará de forma aún más elaborada en E. y muchos otros. Por fin. Por su parte. cuando llegue el momento. había escrito un relato breve titulado «Experiences». es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. Titulada en un principio. decidió encargarse él mismo de escribirla. el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. posteriormente. entre ellos el propio Barry. Douglas Slocombe. Don Jarel. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. finalmente. tras el éxito cosechado por Tiburón. que también han tenido encuentros similares. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). Alonzo. Neary. GUIÓN: Steven Spielberg. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A.

DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. Spielberg sacó una nueva versión de la película. B/N. Les enfants du paradis. 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. María Casares (Natalie). MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. que se ha visto involucrada sin querer en un robo. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. un rufián de los bajos fondos. perseguida por Baptiste. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). Marcel Herrand (Lacenaire). El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. Un día la lleva al Grand Reíais. un amigo de Baptiste. ignorando que Lacenaire. 1938) y Amanece (Lejourse leve. a pesar de que la película fue . con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. ha apuñalado de muerte al Conde. Les visiteurs du soir (1942). Garance se ha convertido en la amante del Conde. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. 1939). FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. Pierre Renoir (Jericho). en otras palabras. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). Natalie ruega a Garance que les deje en paz. Años más tarde. En 1980.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. que lleva puesto su traje de Pierrot. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. donde conoce a Lemaitre. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. INTÉRPRETES: Arletty (Garance). GUIÓN: Jacques Prévert. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. El muelle de las brumas (Quai des brumes. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. finalmente. Garance. Comentario Les enfants duparadis Francia. Los dos amantes pasan su última noche juntos. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. del que se enamora. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. al que retará a un duelo.

una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. escenarios al aire libre y combates. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. . con unas pinceladas extremadamente precisas. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. La magistral obra de Carné. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. entre ellas. Finalmente. Arletty. Robert Newton (El viejo Pistol). La interpretación de la actriz principal. basado en la obra de William Shakespeare. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. una mujer tan terca como independiente. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). las más sutiles emociones. dramatismo. en el papel de Garance. MÚSICA: William Walton. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. MONTAJE: Reginald Beck. 1936). de que ésta se estrenaría después de la liberación. Con un ejército de 30. al frente de unas tropas exhaustas. y Como gustéis (As You Like It. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Renee Asherson (La princesa Catherine). inmediatamente. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. finalmente cumplida. interpretada por el propio Laurence Olivier. En realidad. se convertiría en un auténtico hito. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. a la vez que traza. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. donde se narra la historia de Enrique V. obtiene una resonante victoria. pero.000 hombres asedia el norte de Francia. El 30 de octubre. Comentario A la altura del año 1940. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. las dos familias reales se unen. sería el Enrique Vde este último la obra que. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. No obstante. y el drama regresa al Teatro del Globo. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. sin sufrir un número de bajas importante.000 hombres. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. 1935). Se firma un tratado de paz en Rouen. Leslie Banks (Coro). DURA- CIÓN: 137 minutos. donde obtiene numerosas victorias. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. Esmond Knight (Fluellen). cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice).166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. en Azincourt. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff.

Con todo. La película. el capitán de la guardia. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). MÚSICA: Alfred Newman. sin embargo.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». la adapta- . la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. PRODUCCIÓN: R. Maureen O'Hara (Esmeralda). La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. mientras que Robert Donat. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. Berman). Edmond O'Brien (Gringoire). Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. muere. Vivien Leigh. Alan Marshall (Proebus). DURACIÓN: 115 minutos. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. K. finalmente. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). Esmeralda. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. Thomas Mitchell (Clopin). En cuanto a los actores. Condenada a morir en la horca. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. Selznick. aún ligada por contrato a David O. la famosa arenga del Día de San Crispín. que también tenía un compromiso con la M-G-M. la rescatará. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. Cuasimodo. B/N. Proebus. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. el poeta gitano Gringoire. que le ofrecerá refugio en la catedral. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier.. (Pandro S.UU. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. O. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. FOTOGRAFÍA: Joseph August.

Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. al recibir un mensaje de «su casa». había salido a la caza de talentos.UU.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. esto.826. con tintes de la Bella y la Bestia. DURACIÓN: 115 minutos.K.000 dólares. Robert MacNaughton (Michael). que. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. Peter Coyote («Keys»). un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton..K.O. como si se tratara del mismísimo Tarzán. Sorprendentemente. Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. este último. 1935). de esa manera. donde es descubierto por Elliott.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . pero no ocurrirá lo mismo con E. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. Elliott se recuperará. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. Henry Thomas (Elliott). GUIÓN: Melissa Mathison. en 1939. un muchacho de diez años. MONTAJE: Carol Littleton. además de hacer toda una exhibición de agilidad física.T. Rodada con un presupuesto de 1. No obstante. Drew Barrymore (Gertie).. Sometido a cuidados médicos.T. a Orson Welles. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E.C. Martel (Greg). vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. la R. por ejemplo.. del que 250. fichando. para acudir al rescate de Esmeralda. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. E. que fallece. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. Finalmente.. K. Elliott irá cayendo enfermo. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). Bissell. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda.T. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). E. terminará . La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary).O. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor.. MÚSICA: John Williams.T. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo.

se gana la confianza de Margo Channing. Marilyn Monroe (Miss Casswell). Gary Merrill (Bill Simpson). INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). T.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. George Sanders (Addison de Witt). sin duda. Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. Argumento La manipuladora Eva Harrington. 1950 DIRECTOR: Joseph L. B/N. Zanuck). una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura.T. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. Anne Baxter (Eva Harrington). donde es recogido por su nave espacial. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. Davis. las nueve nominaciones obtenidas por E. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película.UU. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. una actriz famosa y. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». y que fue definida por la revista especializada Variety. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner.. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. MONTAJE: Barbara McLean. MÚSICA: Alfred Newman. La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. De este modo. Celeste Holm (Karen Richards). a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. sólo se materializaron en tres premios menores. en los últimos tiempos. Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. GUIÓN: Joseph L. de Mary Orr). tras en- . Hugh Marlow (Lloyd Richards). Mankiewicz. DURACIÓN: 138 minutos. permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. Comentario La película E. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad.

antes de que Joseph L. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. Consagrada como estrella. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. . muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. Mankiewicz. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. La película. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. por el contrario. para el papel de Eva. The Wisdom ofEve. Margo Channing. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. Eva al desnudo es. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert.asociación con la Warner. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. Finalmente. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. Repuesta en numerosas ocasiones. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. de hecho. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. Applause. fue nominada para 14 premios de la Academia. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. Karen. aún hoy. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. para el de Margo. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. pero Margo. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. y la de George Sanders. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro.

MacNeill). una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. Cobb (Teniente Kinderman). las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. sin embargo. una niña de doce años. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. DURACIÓN: 121 minutos. MÚSICA: Jack Nitzche. 1973) de Larry Cohén. y. 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. No deja de ser cierto. un joven sacerdote. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. que sufre un ataque al corazón. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin.UU. MONTAJE: Norman Gay. cuya fe pasa por un momento de debilidad.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. los espectadores que buscaban emociones fuertes. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. acompañadas de sus respectivas secuelas. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. Una noche. Argumento Regan. Lee J.. que hasta entonces habían sido considerados marginales. El exorcista. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. su madre contacta con el Padre Karras. los vómitos de puré de guisantes. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. un experto en exorcismos. mientras que otras películas. fue un fenómeno de similares características. Jordán Leondopoulos. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. Jack MacGowran (Burke). Max von Sydow (Padre Merrin). FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. Jason Miller (Padre Karras). En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. De ese modo. Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. Linda Blair (Regan).supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». de hecho. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). Evan Lottman y Bud Smith. caso de La profecía {The Ornen.

Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. que les esconde en su tienda de antigüedades.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. Alian Edwall (Osear Ekdahl). Es como si Bergman. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). Aunque. 1977). Poco tiempo después. . considerado. Argumento Navidades de 1907. que Alexander padecerá con especial rigor. a la vez que su guionista y productor. Su madre. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. La madre. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). tras haber recuperado a su familia. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. muere de resultas de un ataque al corazón. Por otro lado. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). Emilie. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. entre ellas las de mejor película y mejor director. esta última dirigida por William Peter Blatty.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. Más adelante. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. su padre. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. No obstante. Emilie. 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. da luz a una niña. 1990). DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). No obstante. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. autor de la novela en que se había basado la primera entrega. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. termina por unirse a ellos. en tiempos. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. En una pequeña localidad sueca. GUIÓN: Ingmar Bergman. tras drogar al obispo para poder escapar. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. Osear. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. como era de esperar. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). se casa entonces con el obispo Vergerus. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. MÜSICA: Daniel Bell. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia.

Bill Roberts. Joseph Sabo. DURACIÓN: 124 minutos. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Norman Ferguson. Tom Codrick. a continuación. Jim Handley. Kenneth Anderson. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Leo Thiele. Zack Schwartz. Charles Payzant. Bill Peet. William Martin. Webb Smith. 1940 James Algar. Hee. 1972). tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. Yale Gracey.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Elmer Plummer. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. John Hubley. Gritos y susurros (Viskingar och rop. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. cuya existencia se justifica por sí misma. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. John Fraser McLeish. Arthur Heinemann. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky.UU. Al Zinnen.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Terrell Stapp. Kendall O'Connor. Herbert Ryman. Phil Dike. Perkins. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. J. . la que dibuja un cuadro y la «música pura». Wilfred Jackson. Paul Satterfield. Otto Englander. T. Norman Wright. Cari Fallberg. Ernest Nordli. Aparece luego Mickey Mouse. Gordon legg. PRODUCCIÓN: Walt Disney. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Ford Beebe. Erdman Penner. un colaborador habitual de Bergman. Thor Putnam. Harold Doughty. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. de por sí. Hugh Hennessy. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Charles Philipi. Lance Nolley. Bianca Majolie. GUIÓN: Lee Blair. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. Arthur Byram. Kay Nielsen. Robert Sterner. Bruce Bushman. Sylvia Moberly-Holland. Perce Pearce. Finalmente. Dick Kesley. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. Curtiss D. Campbell Grant.. George Sallings. al mejor vestuario. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Graham Heid. Hamilton Luske. Fantasía EE. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. Albert Heath. MacLaren Stewart.

eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. Comentario A lo largo de la década de los treinta. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. GUIÓN: Fellini. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. Blancanievesy los siete enanitos (1937). No obstante. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. el productor). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Claudia Cardinale (Claudia). no consigue comenzar a rodar. En general. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. ese mismo año. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. Rossella Falk (Rossella). y de resultas de ello nació Fantasía. el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. a pesar de lo cual. llega la serenidad del Ave Marta. Argumento Guido. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. MONTAJE: Leo Catozzo.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. El aprendiz de brujo. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. un director de éxito. MÚSICA: Niño Rota. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. Mickey Mouse. Fantasound. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. entre . Sandra Milo (Carla). la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). Barbara Steele (Gloria Morin). Anouk Aimée (Luisa Anselmi). Ennio Flaiano. Con todo. algunas partes están bastante más logradas que otras. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. Guido Alberti (Pace.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. por ejemplo. 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. B/N. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. así. DURACIÓN: 138 minutos. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música.

DURA- CIÓN: 102 minutos. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. Walter Catlett (Agente Slocum).. a primera vista. No obstante. por lo general. primero. no sólo de realizar una obra de arte. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. MÚSICA: Roy Webb. La película concluye sin que la situación se resuelva. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. en su caso. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho.O. mientras su protagonista contempla diversas opciones. invita a establecer una conexión entre ambos. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell.UU. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. basado en un relato de Wilde. PRODUCCIÓN: R. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. Si bien es cierto que. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. May Robson (Tía Elizabeth). el director de cine Guido.K. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. Barry Fitzgerald (Gogarty). verdadero. Argumento El día antes de su boda. aunque. sino de reconciliarse con la vida. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. no conviene fiarse nunca de lo que. A algunos espectadores. nunca consigue que su película avance. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. suele aferrarse a las narraciones lineales. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). con algo de desfile de monstruos o de circo. MONTAJE: George Hively. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. su reconstrucción de un brontosaurio . La película. El director italiano. En cualquier caso. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. el suicidio. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. puede pa- recer obvio. esa mirada cáustica. sin duda. tratándose de Fellini. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. entre una compañía de payasos y. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. entre ellas. entre los propios actores del film.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. se refugia. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). Cary Grant (David Huxley). Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. más adelante. B/N. rara vez conseguido por un medio como el cine que. El hecho de que el personaje principal. (Howard Hawks).

O. . había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. El género se inició. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. No obstante. También Hawks se vio afectado por su fracaso. este último desempeñando un papel que. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. mientras tonteaban entre sí. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. finalmente. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. En cualquier caso. poco más o menos en 1934. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. etc. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant.K.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. un enloquecido cazador. Ronald Colman y Robert Montgomery. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. sin gran dificultad. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). donde se le rinde homenaje. la rica heredera Susan Vanee. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. Despojado de sus ropas y de su dignidad. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. la sigue hasta una granja de Connecticut. la forma en que Susan descubre el hueso perdido. doctor? (What's up Doc. La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. trastoque por completo su vida. Sin embargo. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. 1972) de Peter Bogdanovich. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. 1940). bufonadas. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. la película no fue un éxito de taquilla.000 dólares.) y un contagioso espíritu anárquico.. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. según parece. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. propiciando así su vuelta al teatro. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada.

cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). 1946).188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. 1944). o el sádico y rufianesco Mike Hammer. Retorno alpasado (Out ofthePast. la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. el detective creado por Mike SpiUane. 1955). Forajidos (The Killers. un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. de Howard Hawks. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. Nosferatu. Los timadores (The Grifters. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. 1922. si bien. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. Detour (1945). 1947). de Raoul Walsh. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. sobre todo. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. 1984). el término «cine negro». o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. de Jules Dassin. Una combinación de factores. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. Hoy en día. con películas como Chinatown (1974). 1919. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. El gabinete del doctor Caligari. la aparición de la figura de la «mujer fatal». el vampiro. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. de Nicholas Ray. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. Con el tiempo. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. de El beso mortal (Kiss Me Deadly. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. o Noche en la ciudad (Night and the City. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). .film noir. de Robert Siodmark. creando personajes como Cody Jarret. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. o El vampiro de Dusseldorf. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. 1926. Metrópolis. 1939). cuya denominación viene del irancés. de Edward J. de Jacques Tourneur. Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). El sueño eterno (1946). de Fritz Lang.]. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. Ulmer. 1990) y After Dark My Sweet (1990). de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). 1931). 1950). pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante.

Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. un interés que. Por otro lado. Argumento Mark Lewis. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. terminará por despertar las sospechas de la policía. Al descubrir a Helen en su propia casa.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. Entabla amistad con Helen Stephens.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. Finalmente. así como los cambios constantes en la textura visual de la película. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. el espectador se ve forzado. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. 1959 Leo Marks. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. Shirley Ann Field (Diane Ashley). se da cuenta de que allí hay algo extraño. Seguramente. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). viendo las películas de sus asesinatos. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. a pesar de los años . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. un empleado de un estudio cinematográfico.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. aunque no de forma tan directa. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. a pesar de ser ciega. la vecina del piso de abajo. le hacía su padre cuando él era niño. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. y la deja ver las inquietantes películas que. aún hoy. GUIÓN: Reino Unido. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. DURACIÓN: 109 minutos. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. Su original utilización del color y de la iluminación. es interrumpido por la madre de Helen que. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). seguramente. Aunque. MONTAJE: Noreen Ackland. Anna Massey (Helen Stephens). Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). que comienza a seguirle. A lo largo de la película. hacen de ella la más radical de sus obras y. la más controvertida. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. MÚSICA: Brian Easdale. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara.

Prosiguen su viaje. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. en otro. Bibi Andersson (Sara). DURACIÓN: 90 minutos. pero que. Naima Wifstrand (Madre de Isak). Marianne. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. MÚSICA: Erik Nordgren. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. como siempre están discutiendo. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Julián Kindahl (Agda). en buena parte. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. Recogen a Sara. Gunnar Bjórnstrand (Evald).y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. mientras que. pero. Ingmar Bergman. y se detienen para visitar a la madre del profesor. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. cuando éste mira en el interior de la caja. . Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. Más adelante. Ingrid Thulin (Manarme). el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. la nuera decide expulsarlos del coche. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). finalmente. pero finalmente recibe su título honorario. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. MONTAJE: Osear Rosander. Folke Sundquist (Anders). terminará por comprender su valor. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. desde luego. 1957 En Suecia. GUIÓN: Comentario Suecia. su contemplación sigue produciendo inquietud. una anciana de noventa y cinco años. B/N. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. un hombre frío y distante. el más grande director sueco anterior a Bergman. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud.

Pabst. Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. Argumento Cómodamente sentado. se encara con el doctor y . en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. de G. se trata de un retrato compasivo y. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. falsas perspectivas y sombras pintadas.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. W. es raptada por Cesare. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». posiblemente. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. B/N. su inquietante argumento y sus decorados. Hans Heinz von Twardowski (Alan). INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. Jane. Conradt Veidt (Cesare). 1929). Friedrich Feher(Francis). que. la novia de Francis. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. Como es natural. era algo que saltaba a la vista. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). eran la principal atracción. DURACIÓN: 78 minutos. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. Caligari). le lanza sus acusaciones. FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Una vez acabada la narración. donde Caligari y su asistente sonámbulo. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. Posteriormente. en última instancia. realizados a base de ángulos deformados. esa dimensión «artística». Walter Rohrig y Walter Reimann. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. Rudolf Lettinger (Dr. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. Sin duda. afirmativo de la vida humana. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. hace que Francis sospeche de Caligari. W. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. no obstante. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. Cesare. Murnau y. Olsen). morirá mientras es sometido a una persecución. A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. Lili Dagover (Jane).

la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. MONTAJE: Mario Serandrei. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando.UU. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. al viejo orden estamental. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). MÚSICA: Niño Rota. década de 1860. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. del que ya se había ocupado en Senso (1954). La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. bajo la dirección de Roger Kay.. Argumento Sicilia. Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. Al no estar ninguno de ellos disponible. la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. obra igualmente de un noble. la hija del alcalde. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. Don Calogero. permitiéndole retomar un momento histórico crucial. Romolo Valii (Padre Pirrone). A pesar de ello. Riña Morelli (Maria Stella). Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). Aunque pertenece . La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. como es el Risorgimento. su sobrino Tancredi se enamora de Angélica.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. DURACIÓN: 205 minutos. Alain Delon (Tancredi). y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti.

aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. trata de seducirlo. durante el trayecto. No obstante. La elección no pudo ser más acertada. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. le pide que la lleve a casa en coche y. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. regresa a su hogar en Los Ángeles.UU. Braddock). dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. Cuando. De resultas de todo ello surgiría El graduado. al mismo tiempo. 1974). Robinson trata de poner fin a esa relación. Robinson). FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. Murray Hamilton (Mr. ya será tarde. una graduada universitaria como él. No obstante. el director. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. en contra de lo que había opinado en un principio. Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. un estudiante de familia rica. Robinson. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. más adelante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. Katharine Ross (Elaine Robinson). Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. Mrs.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. William Daniels (Mr. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). pues se encuentra prometida con Cari Smith. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. optó por Burt Lancaster. Elizabeth Wilson (Mrs. DURACIÓN: 105 minutos. 1966).. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. Elaine. contándole a Elaine que Benjamín la violó. oiga la versión de Benjamín. cuando me- . escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. finalmente. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). una amiga de la familia. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. Robinson). Argumento Benjamín Braddock. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. Braddock). nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). MONTAJE: Sam O'Steen. Mrs.

traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. Tras haber sido abatidos durante una misión. 1937 Jean Renoir. Al margen de sus alardes estilísticos. . Argumento La Primera Guerra Mundial. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. son traslados a Wintersborn.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. interesantes. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. B/N. permitiéndole obtener. Nominada en siete categorías para los Osear. sin embargo. por ejemplo. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). con toda razón. uno de los ases de la aviación alemana. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. PROCinedis. tan sólo en los Estados Unidos. Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. En el campo de prisioneros de Hallbach. No obstante. los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. lo rechazó. que se ha visto forzado a abandonar el frente. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. DURACIÓN: 117 minutos. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. Dita Parlo (Campesina). fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. Robinson. Joseph Kosma. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). que. aunque. no muy satisfecho con el resultado. Durante su viaje de 200 millas. MONTAJE: Marguerite Renoir. una recaudación de 50 millones de dólares. cuando casi han terminado su túnel de huida. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. se vio forzado a reemplazarlo. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. Carette (Un actor). el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. Marcel Dalio (Rosenthal). También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. finalmente. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. Así. Finalmente. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. Mike Nichols. un actor de treinta años. en un determinado momento. alegando. Robinson y.

La película. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. rango. MÚSICA: Jerry Fielding. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). que interpreta Pierre Fresnay. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. Ryan (Deke Thornton). uno de los miembros de la banda. Pike mata de un disparo . Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. posee tal variedad y riqueza. trasciende las barreras de clase. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. Warren Oates (Lyle Gorch). elaborada a lo largo de cerca de 45 años. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. permite que el personaje de Von Stroheim.UU. No obstante. Tejas. Argumento Starbuck. INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. Edmond O'Brien (Sykes). donde un bandido. un director cuya obra. Ernest Borgine (Dutch). caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. le hace encerrar. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. le dispare.. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. un antiguo miembro de la banda. Irónicamente. e incluso nacionalidad. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. la banda se dirige a México. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner).202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. 1914. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. Al descubrir Mapache que Ángel. como un acto de patriotismo. Así. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. Mapache degüella a Ángel. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. DURACIÓN: 143 minutos. Jaime Sánchez (Ángel). credo. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. tanto en el bando francés como en el alemán. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. su homólogo en graduación y en rango social. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. MONTAJE: Louis Lombardo. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. cuando el oficial de la clase alta francesa. el «General» Mapache.

El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. No obstante. MÚSICA: John Williams. con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. también decidirá unirse a ellos.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». y de un modo increíblemente sangriento. DURACIÓN: 121 minutos. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. en . en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). Marcia Lucas y Richard Chew. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. GUIÓN: George Lucas. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. cuando llegue Thornton. Desde un punto de vista técnico. precipitando así un sangriento enfrentamiento.. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. sino sangriento y espantoso. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. siguiendo su estela. rápido y sencillo. a pesar de que mueran por propia voluntad. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. ha terminado por convertirse en un lugar común. a lo mejor llegamos a alguna parte». MONTAJE: Paul Hirsch. 1977 George Lucas. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. en el que morirán los miembros del Grupo. A medida que se va desarrollando la caza. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. desgraciadamente. en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. del lado de la Revolución Mexicana. Anthony Daniels (C3PO). supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. La película.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. a diferencia de otras películas de acción que. Harrison Ford (Han Solo).UU. Aunque la fórmula no tiene nada de original. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces.

los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. antes. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). una especie de poder interior similar al zen. Como ha señalado Lucas. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. sean personajes carentes de ambigüedad. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. consigue destruirla.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. (1982). Una vez llegados al planeta rebelde. la película y sus dos secuelas. Mientras el resto del grupo salva a Leia. No obstante. representados respectivamente por el joven héroe. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». consigue escapar. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. dirección artística. en particular Han Solo. montaje. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. traspasa «La Fuerza» a Luke. literalmente atiborrados de efectos especiales. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot.T. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. La amenaza fantasma (Phantom Menace). la película supone. . sonido. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. Sin embargo. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. 1983]. constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. vestuario y banda sonora original. El primer episodio del ciclo. con la ayuda de Han Solo. no obstante. Darth Vader y el Imperio. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. Luke Skywalker. vería la luz en 1999. llevándose los premios a los efectos especiales. 1983). además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. C3P0. un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. Luke Skywalker. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. pero. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. y por sus enemigos mortales.

El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad.. Alfinalde la escapada (1959). .. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). a su entender. Lo cierto es que tal denominación. de Claude Chabrol. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups.208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). 1958). Los miembros del movimiento. acuñado según parece por Francois Giroud. de Godard. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. Truffaut. Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. entre ellos Francois Truffaut. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. se defendía la teoría del autor. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». violencia. tiene más bien poco valor. Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. 1959). y se mantuvo firme. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. odio. y Alain Resnais. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. De ese modo.. mon amour (1959).en una palabra: emoción». la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. Hiroshima. acción. lo único que existe es el mar». se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. . 1965). que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. como sucede en El carnicero (1969). Godard. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. tanto política como estéticamente. es amor. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. en cuyos artículos. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). unido a sus innovaciones arguméntales. de Francois Truffaut. de Alain Resnais. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). En años sucesivos. publicados en la revista Cahiers du Cinema. Una de sus últimas películas. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. declara: «Una película es como un campo de batalla. y Vivresa vie (1962). en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. muerte. les permitieron crear un cine alternativo. aunque con desigual fortuna. protagonizada por Alain Delon. convirtiéndose así en el único autor de la misma. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. 1961). basada en una idea de Truffaut. Pierrot el loco (Pierrot lefou. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara.

Barton MacLane (Teniente Dundy). Finalmente. el sicario de Gutman. A su pesar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. una actriz muy experimentada. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. en el papel del desafortunado Jacobi. Brigid O'Shaughnessy. MONTAJE: Thomas Richards. con ese mismo título. Argumento Cuando su socio. Lee Patrick (EfFie Periné). y Sydney Greenstreet. B/N. DU- RACIÓN: 100 minutos. Gladys George (Iva Archer). que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. sin embargo.. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. Floyd Thursby. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). son asesinados. Walter Huston. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. En este caso. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. El sombrío humor.Wallis). los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. Finalmente. y la presa a la que perseguía. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. Por su parte. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta.sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. mientras que la pareja formada por Peter Lorre.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. acusada del asesinato de Archer. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). el Capitán Jacobi. Para negociar un precio por la estatuilla. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». 1941 DIRECTOR: John Huston. MÜSICA: Adolph Deutsch. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). enfundado en su sempiterna gabardina. de paso. bajo el título Satán Meets a Lady. O'Shaughnessy y Wilmer. actor y padre del director. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. Valerie. Miles Archer. apuntan a lo que será . Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman.UU. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. un actor de origen húngaro. El detective convoca a una reunión a Gutman. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. Peter Lorre (Joel Cairo). Cairo. la versión de 1941. Mary Astor. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson.

un temprano experimento en Technicolor.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. conoce a su benefactora. es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. 1937). James Masón (Norman Maine). hasta que. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». La pareja se casa. una estrella de . de este modo. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. finalmente. la pantalla con problemas de alcoholismo. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing.Wellman y Robert Carson. ponen en evidencia a Esther en público. La nueva y espléndida versión de 1954 es. 1975). por encima de todo. Charles Bickford (Oliver Niles). PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es.. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. una película realizada igualmente por George Cukor. inspirado en la película Hollywood al desnudo). la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. desde hace más de sesenta años. a medida que fue transcurriendo la década. Jack Carson (Matt Libby). está basado en un relato de William A. DURACIÓN: 182 minutos. MÚSICA: Harold Arlen. MONTAJE: Folmar Blangsted. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. Norman Maine.UU. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. Esther Blodgett. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. GUIÓN: MOSS Hart EE. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. alcanza el estrellato. 1953). que. Lucy Marlowe (Lola Lavery). FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. 1932). que. a su vez. tras la enésima parranda. Alan Campbell y Robert Carson que. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. un tema recurrente del cine dramático. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. Tom Noonan (Danny McGuire). y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. Su desconsolada viuda se retira del mundo. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. la preparan para obtener el éxito. a su vez. hasta que. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. Norman se suicida. que.

su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. John Larch (El jefe).llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. John Vermon (El alcalde). en este caso. El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. ambientada. Harry Guardino (Teniente Bressler). sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. MÜSICA: Lalo Schifrin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). Argumento San Francisco. GUIÓN: Harry Julián Fink. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. amenazando con asesinar cada día a una persona. el sucio . Judy Garland. como señaló la revista Time. Harry. MONTAJE: Cari Pingitore. para Warner Brothers (Don Siegel). pero éste rechazo la propuesta. Rita M. PRODUCCIÓN: Malpaso. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. Nominada para seis Osear.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. que. Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink).. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. sin embargo. no obtuvo ningún premio. la película. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. Andy Robinson (Asesino). entre ellos. a la vez que su amargura. DURACIÓN: 101 minutos. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. Harry. el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. 1971 Don Siegel.UU. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. Reni Santoni (Chico). La segunda opción fue James Masón. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera.

en la que Harry se desprende de su placa de policía. más adelante. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. 1988). arroja su placa de policía al río. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. finalmente. pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. secuestre un autobús escolar. en uno de sus niveles de lectura. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. el fuerte (Magnum Force. Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales.l973). la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. mientras éste emprende la huida. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. Impacto súbito (Sudden Impact. 1976). La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber».216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. le forzaron a renunciar al papel. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. Cuando.en películas como Harry. el alcalde decide pagar. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. una herida en la mano y su «inminente» retiro. Sin embargo. Harry. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. Frank Sinatra aceptó el papel. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. hasta que. . 1974). en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. La última escena. para muchos críticos. Comentario El papel protagonista de Harry. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. Para Eastwood. Paul Newman y John Wayne. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. el ejecutor (The Enforcer. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. acto seguido. No obstante. No obstante. Se contactó con Steve McQueen. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. A partir de ese momento. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales.

se construye en torno a esa escena. Cukor.Mujerdtas {Little Women. Howard (George Kittredge). El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. Katharine Hepburn (Tracy Lord). un viejo compañero en varios repartos. Tracy. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). K. Dexter Haven). Tracy y Haven. Argumento C. B/N. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. Toda la película. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia.. una vez más. Roland Young (Tío Willie). se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. lames Stewart (Macaulay Connor). No obstante. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. Katharine Hepburn aparece en el umbral. a partir de la cual. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. a cambio. además. Rubottom. George Kittredge. sin embargo. algo que consigue. optó por elegir a la M-GM. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. El resultado fue Historias de Filadelfia. indignada. Katharine Hepburn. cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. DURACIÓN: 112 minutos. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. MONTAJE: Frank Sullivan. A continuación Cary Grant llama al timbre y. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. Mankiewicz). sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. Su prometido suspende la boda. pero la ceremonia sigue su curso. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. 1932). MÚSICA: Franz Waxman. una joven malcriada y mundana. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway.UU. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. aunque el novio y la novia serán. sus compañeros en escena. K.218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. la recibe dándole un empellón en toda la cara. Tracy Lord. cuando la Hepburn abre la puerta. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. 1935). entre ellas la de Sam Goldwyn. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. 1940 George Cukor.

El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L.UU. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. a menudo. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. DURACIÓN: 70 minutos. finalmente será él mismo quien. GUIÓN: Hal Roach. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). tenga que escalar los doce pisos del edificio. Tim Whelan y Sam Taylor. donde la propia vida del actor corría peligro. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. Mickey Daniels (El niño). junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. luego. tras escalar un edificio. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. al ser arrestado su compañero. Noah Young (La ley). como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos.. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. logra completar la escalada. se hace con el dinero y conquista a la chica. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. una red de tenis. Mildred Davis (La chica). en realidad. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. un joven obrero metalúrgico que. Sin embargo. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. es el director del establecimiento. se repartan el dinero a medias. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película.220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. Guiol. B/N. Bill Strothers (El amigo). MONTAJE: Fred L.Clarke (El jefe de vendedores). . obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin.000 dólares por un buen ardid publicitario. se incluían escenas con rascacielos. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. Guiol. es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. Comentario Considerado. Westcott B. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse.

al ver aquello. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. El resultado maravilló al público. Si pudiera captar algo así en una pantalla. Aoi Nakajima (Toku). FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. se añaden otros participantes. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. aunque el director fue declarado inocente.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. Mientras viajan de un lado para otro. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. Finalmente.. Comentario Esta película. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. si yo pudiera ofrecer eso al público. a los que. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. MÚSICA: Minoru Miki. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. de los cuales 643. accederá a que Sada le estrangule. Argumento Sada. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. pensó: «Dios bendito. una sirvienta y antigua prostituta. con la asombrosa cifra de 1. Hot Water. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. justificación o análisis alguno.588..545 dólares. DURACIÓN: 105 minutos. Sada amputa el pene de su amante muerto y. la pareja ejerce una actividad sexual constante. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). alojándose en moteles y en casas de geishas.. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. MONTAJE: Keiichi Uraoka. INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. días más tarde. y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). Eiko Matsuda (Sada). provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. ocasionalmente.. sin añadir prácticamente comentario. Meika Seri (Doncella Matsuko). GUIÓN: Nagisa Oshima. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. . Hiroko Fuji (Doncella Tsune).842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. Oshima se limita a presentar la situación. La obsesión no tardará en ser recíproca.

Bitzer y Karl Brown. Se trata del momento en que.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental).es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». Constance Talmadge (La chica de la montaña). Erich von Stroheim (Fariseo). B/N. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna).C. W. FOTOGRAFÍA: G. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. en un estreno que hubo de hacer época. Mae Marsh (La mujer querida). no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue.UU. una historia sobre la miseria social contemporánea. MONTAJE: James y Rose Smith. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. que ya tenía prácticamente acabada cuando. el futuro». Griffith. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). Griffith. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. W. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. GUIÓN: D. Bessie Love (La novia de Cana). sufrió el rey Baltasar. Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. extraídos de Hojas de hierba. PRODUCCIÓN: D. 1916 DIRECTOR: D.. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. W. la pasión y crucifixión de Cristo. «Recién salida de la cuna. la traición que. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). Comentario En el otoño de 1914. «El propósito de esta obra -explicaría. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. habiéndose separado temporalmente de ella. cada vez más interrelacionadas. W.uniendo el presente y . Griffith. en el 539 a. The Mother and The Law. con la agitación obrera como telón de fondo.

FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks.UU.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. Por desgracia. comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». Carolyn Jones (Theodora). la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. De nuevo en el tiempo presente. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. Para algunos. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. MONTAJE: Robert S. DURACIÓN: 80 minutos. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. Eisen. y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. MÚSICA: Carmen Dragón. Ralph Dumke (Nick). A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). A partir de esa secuencia. Larry Gates (Dr. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. Miles Bennell). King Donovan (Jack). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. pero finalmente también se apoderan de Becky. INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas». sino también hacer pensar. Dana Wynter (Becky DriscoU).. . Jean Willes (Sally). B/N. Danny Kauffman). aún hoy. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). El hombre. Intentan una huida desesperada. Argumento Los Ángeles. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. La película. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película.

B/N. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. Henri Serré (Jim). Al igual que el guionista. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. no contó con la aprobación de Siegel. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. MONTAJE: Claudine Bouche. Sabine Haudepin (Sabine). Daniel Mainwaring. DURACIÓN: 105 minutos. Jules le revela. ahora completamente solo. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». A medida que todo se desmorona a su alrededor. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. Jim visita a la pareja. estaba siendo absorbida por unas vainas. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. en un sentido literal e ineluctable. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. 1961 Francois Truffaut. y anima a Jim a que se acueste con ella. Durante la Primera Guerra Mundial. sin embargo. Boris Bassiak (Albert). Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. una vez terminada la contienda. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia.228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. pero. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. MÚSICA: Georges Delerue. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). En lugar de ello. No obs- . y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. Vanna Urbino (Gilberte). PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). aparentemente indestructible. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. Oskar Werner (Jules).

1971). Jim regresará a París para estar junto a su novia. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). . realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. más adelante. pero desigual versión. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. Jules y Catherine se van a vivir a París. y un día. madurez e imaginación cinematográfica. saltos de imagen. Varios años después. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. que. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. típicamente francés. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. y constituye la más excelsa demostración de cómo. Su cautivadora volubilidad. dejando solo a Jules para llorarlos. fundidos en iris. planos de archivo.. que interpreta Jeanne Moreau. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. etc. 1980). donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante.sin embargo. a modo de homenaje. El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. Comentario Para muchos espectadores. La película es una crónica llena de vitalidad.

como Cadenas rotas (Great Expectations. Así. 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946).232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. que sacó el musical a los escenarios naturales. que contribuyó a popularizar el ballet. que durante tanto tiempo había parecido indestructible. también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. o en películas concretas. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. Por otro lado. mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. en adaptaciones de Dickens. El poder de los estudios de Hollywood. También el western. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). 1946). por ejemplo. como Un tranvía llamado Deseo (1951). con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. más tarde. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». 1959). especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). Irónicamente. Narciso negro (Black Narcissus. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. floreció en películas como Roma. Por otro lado. Por su parte. comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. y la oscarizada Un americano en París (1951). The Archers. . produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. como la 3-D y la pantalla gigante. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. En Italia. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). 1946). de Mizoguchi. el neorrealismo. Por otra parte. domingo mañana (1960). mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. en un intento. caso del cine negro y de la ciencia-ficción. insólito dentro del cine británico.

A Ernest B. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. El simio consigue escaparse. Bruce Cabot (Driscoll). Frank Reicher (Englehorn). apuntan la idea de que el monumental primate representa. Aunque el gran simio representa. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. sino la belleza». se dedican a exhibirla ante el público. sin duda. Alfred Hermán. Schoedsack y Merian C. de regreso a Nueva York. según la película. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon.K. una liberación a la que. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. siembra la destrucción por toda la ciudad y. . La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. Taylor. llamada la Isla de la Calavera.UU. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. finalmente. Noble Johnson (Jefe indígena).. Cooper y Edgar Wallace). King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica. Cooper). EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. a través de la ventana de un rascacielos. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. Al margen de su virtuosismo técnico. Crabbe. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. Una vez en el lugar de rodaje.O. DURACIÓN: 99 minutos. consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. Éste resulta ser un descomunal simio. El hijo de Kong (Son ofKong. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. 1933 DIRECTORES: Ernest B.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. MÚSICA: Max Steiner. el mono gigante. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. se apodera de su querida Ann. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. PRODUCCIÓN: R. Vernon Walker y J. Willis O'Brien. se ha de poner freno. B/N. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. MONTAJE: Ted Cheesman. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. Cooper. King Kong. igualmente. pero. Radio Pictures (Ernest B. Sam Hardy (Weston). como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. O. Mario Larrinaga y Byron L. Seguramente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. Robert Armstrong (Cari Denham). la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. Schoedsack y Merian C. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo».

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

Ya iniciado el rodaje. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. que. MONTAJE: Bert Jordán. Cuando. Laura es arrestada. estableció muchos de los principios del cine negro. Royce. un cámara que era más de su agrado. Mamoulian aseguraría que. con su fotografía saturada y atmosférica. Sharon Lynne (Lola Marcel). de esa forma. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. GUIÓN: Charles Rogers. será abatido por la policía. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. INTÉRPRETES: Stan Laurel. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. lo único seguro es que Laura. B/N. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). el concedido a la mejor fotografía. Zanuck. no tardó en prescindir de Mamoulian. intente atentar contra la vida de Laura. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. esbozados con vividas pinceladas. Rosina Lawrence (Mary Roberts). para que el verdadero asesino se descubra. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. intervino y la elevó a la categoría A. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. Horne. Sea cual sea la verdad. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. . que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. DURACIÓN: 65 minutos. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. El culpable resulta ser Lydecker. Oliver Hardy. El papel de la cautivadora Laura. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. Nominada para cinco premios de la Academia. de nuevo. Zanuck. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. 1937 W.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. recaería en Gene Tierney. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. descontento con los resultados. Stanley Fields (Sheriff). su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero.UU. MÚSICA: Marvin Hatley. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. Alexander Woolcott). Darryl Z. su utilización del flash-back. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. James Finlayson (Mickey Finn). Más tarde. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin.. PRODUCCIÓN: Stan Laurel. cuando el jefe de los estudios. a modo de treta.

así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. Hardy. mientras que Laurel le comunicará a Mary. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. la fregona del local. para hacerse cargo de la mina. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. la mujer de Laurel en aquel momento. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. A pesar de ello. por ejemplo. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. el rufián Mickey Finn. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. sus personajes. Cuando se dan cuenta del engaño. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. el film es pura diversión. a Ruth. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». La chica a la que buscan es Mary Roberts. Finalmente. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. los dos amigos abandonan la ciudad. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. Lola Maxwell.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. Comentario Desde principios de los años treinta. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. tras más de medio siglo. tanto él como Hardy. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. En la persecución que tiene lugar a continuación. En estas obras. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». en compañía de Mary. En Laurel y Hardy en el Oeste. . o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». ya perfectamente perfilados. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. en concreto. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. con todo el tacto del mundo. según parece. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. pero son descubiertos por Finn. Así. A la noche intentan recobrarlo de nuevo.«At the Ball. That's All». el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. tratan de recuperar el documento.

Lawrence. 1970). una epopeya inteligente y emotiva. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. Al mando de un pequeño destacamento. Apoyado por los británicos. Sin embargo. Jack Hawkins (General Allenby). se convierte en un héroe para las tropas nativas. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). se decidió finalmente por Peter O'Toole. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. José Ferrer (Rey turco). el versátil aventurero T. sino de la crisis de . GUIÓN: Robert Bolt. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. Ornar Sharif (Sheriff Ali). no sólo de las batallas. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. FOTOGRAFÍA: Freddie A. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. Lean. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Young. E. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. Argumento Tras su muerte. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). 1962 DIRECTOR: David Lean. Lawrence de Arabia es. Alee Guinness (Príncipe Feisal). Por su parte. Feisal y Allenby. MONTAJE: Maurice Jarre. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. E. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). MÚSICA: John Stoll. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T. Sin embargo. por el contrario.son ejecutadas a la perfección. es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. cuyas maniobras -como cabía esperar. lo que confiere unidad a la película. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe.

se siente atraído por Edie. Nominada para diez premios de la Academia. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. B/N. no obstante. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). y muy poco heroico. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. Milford. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. Escrita por el novelista Budd Schulberg. iluminar las pantallas norteamericanas . en la novela que publicaría con posterioridad. en una de las reuniones a las que asiste. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. Lee }. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. Pat Henning («Kayo» Dugan). la hermana de éste. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). que le pedirá su ayuda. pero. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. Karl Malden (Padre Barry). Eva Marie Saint (Edie Doyle). DURACIÓN: 108 minutos. Al día siguiente. MÚSICA: Leonard Bernstein. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. que Schulberg optaría por un final distinto. Charley Malloy. Argumento Nueva York. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. El papel de Malloy. Es interesante subrayar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. ganó siete de ellos. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. Cobb (Johnny Friendly). en realidad. Obedeciendo las órdenes de su hermano.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence.UU. Rod Steiger (Charles Malloy). año tras año. espiarles. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano.. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. es brutalmente agredido en los muelles. Edie. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». MONTAJE: Arthur E.

252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. Escarlata. fue nominada en doce categorías. antes incluso de su publicación. obteniendo ocho premios. ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. DURACIÓN: 222 minutos. El famoso discurso del «podría haber tenido clase. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. que no tardará en morir de sarampión. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. los derechos de una novela que. jura que Tara. con el tiempo. podría haber sido un aspirante al título». Selznick).UU. La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). MONTAJE: Hal C. Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. Escarlata. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). entre ellos los otorgados a la mejor película. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. la espectacular versión cinematográfica que David O. desplegando una determinación in- . Hattie McDaniel (Mammy). Aunque no consigue retenerle. W. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). En cuanto a la película. Argumento Año 1861. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. toma la decisión de volver a conquistarlo. Rhett sigue estando presente en su vida. el ambicioso Selznick. que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. Kern y James E. mejor director y mejor guión. Newcorn. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Si la obra de D. Leslie Howard (Ashley Wilkes). recobrará su antiguo esplendor. la propiedad de su familia. En el baile de Los Doce Robles. despechada. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. se casa con el hermano de Melanie. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). que Terry le suelta a su hermano en un taxi. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). Tras la muerte de su segundo marido. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny).. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. Tras haberse asegurado. MÚSICA: Max Steiner. Lo que el viento se llevó. No obstante. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. 1953).

1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. Chaplin. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. que. Hank Mann (El boxeador). A lo largo de los tres años siguientes. Una serie de percances harán que acabe en prisión. MONTAJE: Charles Chaplin. no se acuerda de él cuando está sobrio.a la M-G-M. como es habitual. GUIÓN: Charles Chaplin. una vez cumplida la condena. DURACIÓN: 86 minutos. George Cukor y Sam Wood. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. Scarlett O'Hara. MÚSICA: Charles Chaplin. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. Hall. en diciembre de 1939. Argumento El pequeño vagabundo. Florence Lee (La abuela). le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood.UU. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. queda prendado de la belleza de una florista ciega. una actriz británica casi desconocida. no obstante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. Virginia Cherril (La muchacha ciega). descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. . Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. la película obtuvo finalmente ocho Osear. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. En 1994 se estrenaría Scarlett. Alian García (El mayordomo). Rhett Butler. rico y bien parecido. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. B/N. Comentario En 1928.25 millones de dólares) jamás filmada.. su exuberancia. una secuela dirigida por John Erman. y el gallardo picaro. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. Cuando regrese.que participaron en su realización.254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. Harry Myers (El millonario).

El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. Donald Houston (Charles Soames). En su ensayo de 1949. al verse cruelmente abandona- . Murnau. está empeñado en conquistar a Susan Brown. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. entre los asistentes a su estreno. sobre todo. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. Laurence Harvey (Joe Lampión). Griffith o F. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. de la que llegará a enamorarse. en esta película. No obstante. Joe Lampton. por lo tanto. pero es que. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. DURACIÓN: 117 minutos. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). W. Argumento Decidido a hacer carrera. MONTAJE: Ralph Kemplen. Ambrosine Philpot (Mrs. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. La gran época de la comedia. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. B/N. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. W. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. trasciende las innovaciones técnicas del momento. contando con un Chaplin que. con unos ingresos de un millón de dólares. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. a finales de aquel mismo año. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. Alice. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. la hija de un magnate de la localidad. Brown). Brown). Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. como atestigua el hecho de que. MÜSICA: Mario Nacimbene. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). Donald Wolfit (Mr. además. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. al anunciar ella que se encuentra embarazada. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. se encontraron personajes como Winston Churchill. Heather Sears (Susan Brown). una mujer casada y de más edad. A diferencia de lo que ocurre con figuras como D.

de forma un tanto vaga. mientras Lampton. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. 1979 DIRECTOR: George Miller. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. Joanne Samuel (Jessie). En términos cinematográficos. Roger Ward (Fifi Macaffee). Tim Burns (Johnny the Boy). Alian Sillitoe. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. DURACIÓN: 91 minutos. Comentario A finales de los años cincuenta. con Sábado noche. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. se suicida. en particular. 1963). Stan Barstow). sobre todo. surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. MadMax. las de aquellos cineastas que. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. FOTOGRAFÍA: David Eggby.258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). MÚSICA: Brian May. Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). contrae matrimonio con Susan. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). Salvajes de autopista MAD MAX Australia. Un lugar en la cumbre. gracias. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. que. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. tres años después de su inicio. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. estrellándose con su coche. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. 1959) y de Braine. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. Cuando el poli- . hundido en la miseria. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Steve Bisley (Jim Goose). Man at the Top. Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. mientras que el personaje de Joe Lampton. Nominada para seis premios de la Academia. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. dirigida por Ted Kotcheff. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera.

supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». otro motorista psicópata. insiste en que abandone el cuerpo. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. a un tiempo. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. armado hasta los dientes. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. Mad Max es.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. Con todo. promete vengarse. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. la novia de Max. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. 1981). «El Cortador de Dedos». que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. un motorista demente. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. Cuando Goose es asesinado. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. a bordo de un Pursuit Special V8. Mel Gibson. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. Jessie.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. Max abandona el cuerpo de policía. 1985). y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia.pasara sin pena ni gloria. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. persigue a los motoristas y acaba con ellos. pero que posee también una poderosa textura emocional. Miller. rebosante de acción. Mad Max 2. un licenciado en medicina. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. . haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. Su director y co-guionista. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. pero éste. George Miller. Entre tanto. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. Max vuelve a unirse al cuerpo y. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. y que. uno de los miembros de la banda. a su vez. todo lleno de puntillas y miriñaques. la estrella de las tres películas.

por ejemplo. regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. como por ejemplo. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. Greer Garson y Walter Pidgeon y. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). pero las historias de amor. Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. 1959). Olivia de Havilland y Errol Flynn. aunque una selección circunscrita.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. Niebla en el pasado (Random Harvest. por Les enfants duparadis (1944). La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. Ghost. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). 1935). a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). 1957. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940).a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. nunca se pasan de moda. o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). . revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. más recientemente. a Marcel Carné. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. o que han tenido un final trágico. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. 1942). por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. Con frecuencia. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). 1989). Ariane [Love in the afternoon]. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). l990)oPretty Woman (1990). más allá del amor (Ghost. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton.

algo mayor para el papel. MÜSICA: Herbert Stothart. La película. siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. Baum). 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. 1940). El personaje del Mago. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). Frank Morgan (El mago). el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. lo cierto es que. La alternativa de Judy Garland.UU. De camino. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. fue considerada un mal menor. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. que finalmente interpretaría Frank Morgan. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. con sus diecisiete años era. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . Dorothy y su perro Toto son capturados. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. como El pájaro azul (The Blue Bird. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. en un primer momento. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. Edna May Oliver o Gale Sondergaard. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. DURACIÓN: 101 minutos. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. Fields. es devuelta a Kansas. Aunque. Sin embargo. fue concluida por King Vidor.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. Dorothy. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. siguiendo las instrucciones que le han dado. B/Ny Color. Aunque el Mago resulta ser un fraude. en ese preciso instante. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). iniciada por Victor Fleming. hoy en día. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. GUIÓN: Noel Langley. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. una bruja buena. que. C. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. MONTAJE: Blanche Sewell. en rigor. Allí se encuentra con Glinda. le fue ofrecido en un principio a W. Bille Burke (Glinda). Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. capacidad de asombro y vulnerabilidad.

pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. un mundo fantástico (Return to Oz). hasta llegar incluso a rodar en . 1990).266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. Argumento Al estallar la guerra. Devereaux Jennings y Bert Haines. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. la tecnología y los escenarios de la época. obra de la factoría Disney. mientras que. INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. y de escaso interés. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. Jim Farley (General Thatcher). Marión Mack (Annabelle Lee). Charles Smith (Padre de Annabelle). Cuando llegan al puente de Rock River.UU. los efectos especiales. inspirado en The Great Locomotive Chase. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. Más adelante. Un año más tarde. ya muy adentrado en territorio enemigo. Johnnie emprende la persecución y. FOTOGRAFÍA: J. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. Schenck). bajo el título de Oz. inmerecido pero quizá inevitable. DURACIÓN: 74 minutos. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. en 1985. Glen Cavender (Capitán Anderson). PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. de William Pittinger). Afortunadamente. la memorable dirección artística. B/N. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. de forma más sobria. aparecía una secuela tardía. rescata a Annabelle. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. importancia de su profesión. serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. protagonizada por Diana Ross. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color.. Frederick Vroom (General del Sur). el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. Buster Keaton. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. el armamento. la querida locomotora que conduce John Gray. los encantadores Munchkins. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz).

Al empezará a beber en exceso. Argumento Al Stephenson. la hija de Al. que ha descubierto que Marie. mientras que Fred. tres soldados que regresan a casa. B/N. Gloryfor Me. se ha convertido en una extraña. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. mientras que Fred. Millie. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). Fred Derry y Homer Parrish.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. MONTAJE: Daniel Mandell. George Jenkins y Julia Heron. DURACIÓN: 182 minutos. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. No obstante. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. su prometida. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. Dana Andrews (Fred Derry). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. . encontrará mucha más comprensión en Peggy. 1946 DIRECTOR: William Wyler. Homer. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. así como de su exquisita y relajada forma de actuar. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. Virginia Mayo (Marie Derry). insista en que nada cambiará el amor que siente por él. Fredric March (Al Stephenson). GUIÓN: Robert E. pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. MÜSICA: Hugo Friedhofer. Harold Russell (Homer Parrish). Por su parte. de MacKinlay Kantor). Sherwood (basado en la novela en verso. su atractiva mujer.UU. tras haberse separado de su mujer.

Ava Gardner (Estrella invitada). decide embarcarse en el proyecto. de Wyler. fue todo un acierto. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). Tony Hunter. MONTAJE: Albert Akst. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. posiblemente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. DURACIÓN: 112 minutos. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia.UU. una estrella de Hollywood.su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. Lester y Lily Marton. su cámara habitual. Con inquebrantable tenacidad. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. Wyler empezó por encuadrar la película. Contando con la colaboración de Gregg Toland. el más logrado ejemplo del oficio consumado. Tony se vuelca en el trabajo. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. Cyd Charisse (Gaby). entre otros el concedido a la mejor película. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. la bailarina Gaby Berard. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. a continuación. ajena a las grandes efusiones. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. Sus leales amigos. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). con una minuciosidad impecable. Nanette Fabray (Lily Marton).270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. aunque un tanto impersonal. crean un espectáculo musical a la medida de su talento.. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». a la que considera inadecuada para el papel. a pesar de contar con una primera actriz. Osear Levant (Lester Marton). en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. el extravagante Jef- . obtuvo seis de ellos. ya entrada en años. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. que finalmente sería el encargado del guión. 1944). A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. Nominada para ocho premios de la Academia. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Sherwood. y un director. mientras que el actor no profesional. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. Harold Russell. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey).

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. White). MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. triunfe el amor. Benn W. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. Mientras se prepara para posar. Argumento Durante una cena con su prometido. compuesta por trabajadores esclavizados. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. Charles Patón (Mr. posteriormente. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. GUIÓN: Alfred Hitchcock. se estrenara en junio de 1927. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). Donald Calthrop (Tracy). que lo utilizará para chantajear a Webber. finalmente. hoy en día. Cyril Ritchard (El artista).000 figurantes). Arnold y Norman Arnold. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. Webber decide poner en evidencia a Tracy. por Tracy. lo que sigue fascinando a los espectadores. al que. la que entonces era su mujer. atormentada por sus remordimientos. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. 1929 Hitchcock. el artista trata de aprovecharse de ella. que ha sido asignado para el caso. Thea von Harbou. White). Sara Allgood (Mrs. uno de los cuales será encontrado por Webber. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. acompañará a su estudio. en última instancia. MONTAJE: Emile De Ruelle. Por su parte. No obstante. . Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. pero olvida sus guantes. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. Alice. John Longden (Frank Webber). lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. el detective de Scotland Yard Frank Webber. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. y el otro. con su científico loco. B/N. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. La película. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). anunciada a bombo y platillo. la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura.

INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». Bitzer. MONTAJE: James Smith. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). EE. Psicosis. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. GUIÓN: D. Muchos serán los que mueran du- . consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. 1946. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. 1935.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción.UU. desayuna con su familia. W. el pequeño coronel). Walthall (Ben Cameron. entre otras muchas). Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. sin embargo. Mae Marsh (Flora Cameron. Griffith. Mary Alden (Lydia Brown. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. todas ellas de Thomas Dixon Jr.). Henry W. PRODUCCIÓN: Epoch (D. Argumento Año 1860. Marnie.. El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. 1964). Griffith. donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. Griffith). Aunque toda la película. 1915 W. FOTOGRAFÍA: C. el ama de llaves mulata de los Stoneman). que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. a excepción del último rollo. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. mitad enigmáticos.W. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. B/N. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. a pesar de lo cual. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas.W. Anny Ondra. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. W. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). 1960. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. así como en la novela The Leopard's Spots. Griffith y Frank E. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. la hermana pequeña).282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. la ladrona [Marnie]. Miriam Cooper (Margaret Cameron).

sin embargo. Si. en última instancia. Ben Cameron. verdadero espanto. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. que ha caído prisionero. The Clansman. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. obteniendo. según reza uno de los rótulos). sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. Phil Stoneman y su protegido negro. hoy en día. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. contraigan matrimonio. . son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. la película posee un argumento. y Margaret y Phil. Silas Lynch. Lo que. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. firme defensor de la supremacía blanca. Dixon. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. de paso. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. los indisciplinados y lujuriosos negros. En cualquier caso. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. cuya mera sinopsis produce. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. su hermana. Lynch coge prisionera a Elsie. Llegada la paz. desde una perspectiva ideológica. por otro. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. por un lado. desde un punto de vista artístico. Ben Cameron. Por su parte. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman.000 dólares.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. No obstante. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». según se dijo.

Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. Jeckyll and Mr.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. 1976). 1941). El exorcista (1973). como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. Sin embargo. 1927). 1959). cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. 1980) con sus innumerables secuelas.286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. Hyde. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. 1954). por ejemplo. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. cuyas grandes orquestaciones de color. . Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. 1964). de Alfred Hitchcock. caso. o como Psicosis (1960). Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. Con El hombre lobo (The WolfMan. caso de La noche de Halloween (Halloween. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. 1956). que figuró en la película Nosferatu. Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). la productora de King Kong (1933). elvampiro (1922). La profecía (The Ornen. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. 1978). al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). 1962). de Drácula. una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. Por su parte. Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). 1942). 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. Posesión infernal (The EvilDead. una película dirigida por el británico James Whale. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. 1920). más o menos truculentas. que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. como Mario Bava y Dario Argento. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. 1931).

escena tras escena. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. y de manera harto novedosa. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). B/N. En la actualidad. dado que la película sólo recoge su infancia. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. sin embargo. Lo que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. Alexandre Koubitzky (Danton). convertido ya en teniente. Napoleón no constituye una excepción. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. quedan restringidas a una sola pantalla. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. juventud y los inicios de su carrera militar. Años más tarde. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. DURACIÓN: 270 minutos. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. no existe una copia definitiva de Napoleón. las posibilidades de la cámara que. en este sentido. entonces como ahora. sin duda. Cuando se estrenó en París. En todo caso. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. Argumento En la academia militar. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). MÚSICA: Arthur Honegger.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. e incluso en el momento de su estreno. Posteriormente. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. existían ya varias versiones de la misma. no llegó a realizarse. realizando todo tipo de picados y giros. A pesar de su longitud y de su escala. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). Meinhardt y Eugene Lourie. Lochavoff. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . finalmente. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). Pierre Schildknecht. Antonin Artaud (Marat). trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. GUIÓN: Abel Gance. Jacouty. donde las imágenes. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. el retrato está incompleto. se mueve con extraordinaria agilidad. siguiendo la norma habitual. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. sí consiguió fue explotar al máximo. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. En todas sus películas.

Famoso por su utilización de un sonido multipistas. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas.UU. como el joven Kenny Fraiser. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. GUIÓN: Joan Tewkesbury. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. o la aspirante a cantante. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. muy alejada de los estereotipos del cine negro. Por su parte. y Un largo adiós (The Long Goodbye. Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. Keith Carradine (Tom Frank). una adaptación de Raymond Chandler. como Haven Hamilton y Barbara Jean. DURACIÓN: 161 minutos. un ferviente partidario de Walker. entre ellas. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. la reportera de la BBC.. Tennessee. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. 1973). Ronee Blakely (Barbara Jean). de forma irreverente. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). cuyo marido. Fraiser . algunas ya veteranas. Durante el concierto. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. Geraldine Chaplin (Opal). consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. Argumento Nashville. produciendo una sensación de aparente espontaneidad. Delbert Reese. 1971). MÚSICA: arreglos de Richard Baskin.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. que huye de un matrimonio desgraciado. Opal. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta.LilyTomlin(LinneaReese). utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. la película. como Los vividores (McCabe andMrs. FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. saca un revolver y dispara contra el escenario. que incluye todo el metraje conservado de la película. Albuquerque. Miller. Barbara Harris (Albuquerque). Entre los resultados se encuentran un western revisionista.

que. DURACIÓN: 120 minutos. Natalie Baye (Ayudante). MÚSICA: Georges Delerue. por «Fin Easy». MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. Jacqueline Bisset (Julie). la llegada de su marido. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. el actor que hace de padre en la película. o de calidad aún no probada. Dani (Lilianna). se está recuperando de una crisis nerviosa. a partir de entonces. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. Julie. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. la madre en Pamela. Concluido el rodaje. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. o de Lily Tomlin. un hombre comprensivo. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). sin embargo. La muerte en un accidente de coche de Alexander. GUIÓN: Francois Truffaut. la actriz que hace de esposa. que trata de un joven francés cuya visita a . una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. Alphonse. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. restablece la calma.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. mientras que Severine. Ferrand. alcanzaron el éxito. Valentina Córtese (Severine). La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. está destrozada por la enfermedad de su hija. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). Jean-Pierre Léaud (Alphonse). que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. el protagonista masculino. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. su director. Jean Champion (Bertrand). Tal sería el caso de Ronee Blakely. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista.

intenta trabar amistad con él. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. Ben Harper. interpretado magistralmente por el propio Truffaut. Powell ha encontrado la horma de su zapato. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. Powell es . No obstante. Los niños. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. B/N. un supuesto predicador ambulante. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. Lillian Gish (Rachel Cooper). una galería de personajes absurdos y. Shelley Winters (Willa Harper). asesina a Willa. mediante la utilización de un filtro especial. un parado que ha asaltado un banco. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. a la vez. Antes de ser aprehendido. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. su compañero de celda. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. MONTAJE: Robert Golden.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). «la nuit americaine». la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). recurriendo a todo tipo de malabarismos. Cuando salga de prisión. desengaños amorosos. Harry Powell.. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. finalmente. tras huir río abajo. malentendidos matrimoniales e. ha de hacer frente. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. la mujer de Harper. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. Poco antes de que Ben sea ejecutado. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. DURACIÓN: 93 minutos. MÚSICA: Walter Schumann. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. para poder sacar adelante la película. pero el obstinado Powell consigue localizarlos.UU. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. John y Pearl. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. Argumento West Virginia. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. razón por la cual los franceses la denominan. Peter Graves (Ben Harper). al trazar. perfectamente creíbles. incluso. James Cleason (Birdie). que guardarán el secreto. y a las que el director. Evelyn Varden (Icey Spoon).

Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. Los desnudos y los muertos. que con el papel de Harry Powell. FOTOGRAFÍA: George A. GUIÓN: John A.terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. encogidos por el miedo.UU. Duane Jones (Ben). Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. Romero. A resultas de ese fracaso. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. "déjame a mí al frente de esa sección"». DURACIÓN: 96 minutos. Judith Riley (Judy). el de Robert Mitchum. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. especialmente. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos.. descubren a otro grupo de rezagados. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. "¡Presente!". Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). B/N. Karl Hardman (Harry Cooper). Ocultos en el sótano. relatada según los cánones del cine de suspense. le dije. No obstante. que ha sido víctima de un asalto similar. donde se encuentra con Ben. le respondí. Russo. se van congregando en el exterior. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. en número creciente. Con todo. Barbara huye a una casa cercana. Marilyn Eastman (Helen Cooper). Barbara y Johnny son atacados por un zombi. abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Keith Wayne (Tom).296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. 1968 DIRECTOR: George A. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. "Charles". Romero. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum.

Ben. matando a todos menos a Ben. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. 1935 Sam Wood. DURACIÓN: 90 minutos. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. Al Boasberg. La Guerra de los Mundos. Claypool que le presentará a la alta .UU. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. El embaucador empresario Otis B. MÚSICA: Herbert Stothart. 1985). que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. y es abatido a tiros por error.. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. basado en un relato de James Kevin McGuinness. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. Driftwood). B/N. Argumento Milán. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. contribuyen a hacer la historia más convincente. Harpo Marx (Tomasso). Margaret Drumont (Mrs. MONTAJE: Wiliam Levanway. Morrie Ryskind. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead.los zombis asaltan la casa. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. George A. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. Romero. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. que consigue atrincherarse en el sótano. Kaufman. Alian Jones (Riccardo Baroni). Claypool). Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. Bert Kalmar y Harry Ruby. FOTOGRAFÍA: Merritt B. 1978). y el tono amateur que de ello se deriva. abandona su escondrijo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. Chico Marx (Fiorello). Gerstad. GUIÓN: George S. aliviado al verse rescatado.

no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. en Un día en las carreras (1937). se dirigen a su hotel. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. el niño prodigio de la M-G-M. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. el agente de Baroni. con resultados sólo ligeramente inferiores.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. También dejó que. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. Afortunadamente. .l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. que no paraban de tomar notas. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. El intento de ampliar su público. De ese modo. el novio de la Castaldi. un ayudante de camerino. el productor Irving Thalberg. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. iniciado por Thalberg. antes de pisar los estudios. cuya estrella es Rosa Castaldi. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. Tomasso. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. y Fiorello. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. Por desgracia.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup.

H. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. el empleado). un cambio que. Como era de esperar. su esposa). a pesar de lo cual. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. Greta Schroeder (Ellen. ciudad que. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. Gustav von Wangenheim (Hutter. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. creando una situación verdaderamente confusa). B/N. un agente de la propiedad). Ellen. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. G. el propietario del barco). tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. Alemania.Schnell (Harding. en parte. Ruth Landshoff (Annie. un empleado de una inmobiliaria. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. para el público actual. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. Nosferatu). pero. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. sin muchas ceremonias. Tras un viaje lleno de premoniciones. su esposa). DURACIÓN: 75 minutos. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. el principal interés de la película resi- Nosferatu. el destructor. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. de Bram Stoker). es recogido por un veloz carruaje que. PRODUCCIÓN: Prana. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. el vampiro NOSFERATU. en un principio. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. En este sentido. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. pero Ellen en la película. Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. precisamente. W. se verá asolada por la peste. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. . uno de cuyos referentes eran. 1922 Murnau. a convertirse en un pelele inútil. a su llegada. las teorías postvictorianas de Freud. No obstante. Argumento Hutter. Alexander Granach (Knock. Aunque. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. que siempre había sido su punto fuerte. le deposita frente a las puertas del castillo.

Ernest Thesiger (Dr. Hall. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. con desiguales resultados.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. pero fue Werner Herzog quien. con su Nosferatu. de la primera. Henry Frankenstein. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. Phantom derNacht. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Balderston. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). 1979). Colin Clive (Henry Frankenstein). Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein).). vampiro de la noche {Nosferatu. Sin embargo. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. Septimus Pretorius). la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. su creador. intentó. el Monstruo continúa causando estragos. un ermitaño ciego. Heggie (El ermitaño). el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. Más tarde. P. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. y seguramente todavía. Tras una breve estancia en la cárcel. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. 1935 DIRECTOR: James Whale. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta.UU. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. a diferencia de lo que solía ser la norma. DURACIÓN: 76 minutos. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr.. Entre tanto. B/N. GUIÓN: William Hurlbut y John L. Con todo. O. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. Una O'Connor (Minnie). desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. mejor versión del mito. MÚSICA: Franz Waxman. The Return of Frankenstein. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Pretorius. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). trabará amistad con Pretorius. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. FOTOGRAFÍA: John Mescall. y a menudo también la letra. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). Enfurecido por semejante rechazo. Pretorius para que colabore con él. invocar el espíritu. MONTAJE: Ted Kent. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. que le enseña a hablar.

que él mismo ha creado. Sin embargo. La mezcla de terror y humor negro. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). Orfeo ORPHÉE Francia. reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. 1944). 1974). que según él mismo asegura es su «única debilidad». Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. MÚSICA: George Auric. se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». tras lo cual morirá asaltado por una turba. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. el Dr. cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. GUIÓN: Jean Cocteau. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa.306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. por ejemplo. con Peter Boyle en el papel del Monstruo. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. Édouard Dermithe (Cegeste). volverá a reunirse con Eurídice. 1939). 1958). B/N. Niemann. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. de El hijo de Kong [Son ofKong]. Francois Perier (Heurtebise). Juliette Greco (Aglaonice). también ha muerto. hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. le informe de que Eurídice. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. caso. María Casares (La Princesa). FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. el chofer de la Princesa. embelesado por la enigmática Princesa. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. 1934). su esposa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. Al llegar a casa de la Princesa. Marie Dea (Eurídice). sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. Argumento Orfeo. PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. DURACIÓN: 112 minutos. no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. consolidando así su posición como nuevo padrino. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). en particular. no mencionada en los títulos de crédito. en un fantástico mundo subterráneo. La película. DURACIÓN: 175 minutos. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. Al Pacino (Michael Corleone). se refugia en Sicilia. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. Orfeo. no obstante. MONTAJE: William Reynolds. Haciendo gala de una portentosa imaginación. Robert Duvall (Tbm Hagen). un capo rival. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. Marc Laub y Murray Solomon.a una concepción del cine como poesía visual. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. 1930) y Le testament d'Orphée (1960). su antigua novia. Sterling Hayden (McCluskey). y el otro.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». Peter Zinner. de Robert Towne). es su película más conseguida. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. 1972 Francis Ford Coppola. MÚSICA: Niño Rota. a menudo. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. y con la colaboración. por el mito de Orfeo.UU. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. efectuada por Sollozzo. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. Su hijo Michael. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo.. Ruddy). Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. ambientada en el mundo actual. Richard Castellano (Clemenza). atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. se casa con Kay Adams. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. Desafiante siempre y. al ser abatido a tiros en la calle. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. por el contrario. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. De regreso a los Estados Unidos. . el director funde su obsesión por los mitos griegos y. el protector de aquél en el cuerpo de policía. está a punto de costarle la vida. también divertida. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. James Caan (Sonny Corleone). tras lo cual. están filmadas de manera muy realista.

tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. Part II. Parts. MONTAJE: Peter Przygodda. moral y económica del país. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. en consecuencia. a quien se consideraba un guionista de talento y. una saga sobre la «Cosa Nostra». por encima de todo. 1974). rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. Natassja Kinski (Jane). El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. Robinson). Dean Stockwell (Walter Anderson). Texas Alemania occidental/Francia. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. Walt y su mujer Ann han adoptado . el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. Hunter Carson (Hunter Anderson). un nombre más asequible. como son la presencia de estrellas en el reparto. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. MÚSICA: Ry Cooder. Gracias a su tenacidad. En este sentido. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. con un genuino toque de autor. Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. Aurore Clement (Anne Anderson). antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. Argumento Travis Anderson.000 dólares. Aunque en un principio permanece en silencio. va contándole a su hermano Walt su historia. Laurence Olivier. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). consiguió que se aumentara el presupuesto. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. DURACIÓN: 148 minutos. se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. 1968). Orson Welles y Edward G.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. y. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. FOTOGRAFÍA: Robby Muller. 1990). orquestada con tonos operísticos. y en El Padrino III (The Godfather III. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. seguramente. M. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. "Kit" Carson).

de la música y del cine. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. su mujer. en la que se desvelará el motivo de su separación. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. Texas. Hunter insiste en acompañarle. Irónicamente. Michel Simón (Jean Lemaitre). La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. París. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. la escena clave del film. empezando por su propio título. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). Alfinal. muy exitosa película. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. no llegará a solucionarse. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. B/N. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. Comentario Aunque esta austera y. de Joseph Deltell). Louis Ravet (Jean Beaupére). Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. París. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. si bien se trata de una problemática que. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. su mejor papel hasta la fecha). Como él mismo ha señalado. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. la adolescente . Texas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. sin embargo. Travis se marchará solo. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. el hijo de Travis. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). sobre todo. terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. DU- RACIÓN: 114 minutos. en el que es. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. sin duda. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. en último término. a través de los libros y. sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. Antonin Artaud (Massieu).

Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. pero ella se mantiene firme ante sus captores. considerado revolucionario en su época. Aunque su cuerpo haya sido destruido. Pather Panchali India. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. el director danés optó por Juana de Arco. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. Con la cabeza rapada. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. . una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. era el único reino verdadero: el del alma. pide que se le aplique la pena. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. pero triunfa en lo que. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. Karuna Banerjee (Sarbajaya). PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. pero. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). una vez más. Chúmbala Devi (La tía). la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. cuya canonización se había producido en 1920. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. para su director. MONTAJE: Dulal Dutta. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. Dreyer trató con extrema dureza. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. Subir Banerjee (Apu). B/N. MÚSICA: Ravi Shankar. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. particularmente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. debido a la complejidad de los decorados. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. es llevada a la estaca donde morirá quemada. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. según se dice. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. DURACIÓN: 115 minutos. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. Como ocurre en el resto de su obra. El verdadero tema de la película. Urna Das Gupta (Durga). gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. se resiste a hacerlo.

A pesar de todas estas dificultades. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). y su anciana Tía. Apu. reinició la filmación ya en 1953. . Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. Apu conocerá también el significado de la muerte. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. Finalmente. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. sin ningún resultado. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. si llegaba a completarse. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. tras un parón de varios meses. posteriormente. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. para cuando Ray la filmó. aunque teñida de lirismo. de Durga. sin embargo.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. ya en los años cincuenta. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. lo estuvo mostrando. En la escena más famosa de la película. se había convertido en un clásico contemporáneo. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. entre otras razones. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. sus hijos Apu y Durga. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. esta película. a lo largo de un año. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. acompañado de su hermana. Que esto fuera así se debió. a varios patrocinadores en potencia. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad.

con El padrino (1972) y Martin Scorsese. 1962). Mad. Fred Schepisi y Peter Weir. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. caso por ejemplo de La conversación (1974). la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. o producciones convencionales del género de terror. Peter Bogdanovich. a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. 1976) y que.318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). . También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. 1969) o Love Story (1970). terminaría trabajando en los Estados Unidos. 1974). Volker Schlóndorff. con Malas calles (Mean Streets. Aeropuerto (Airport. El día más largo (The Longest Day. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. 1969). No obstante. finalmente. 1966). 1975). a principios de la década de los setenta. Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. 1970). en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. 1963). ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. mientras otros directores. estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. 1962) o El mundo está loco. Mad. Texas (1984). con La última película (1971). durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. loco (It's a Mad. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. 1973). Lo cierto es que. como El exorcista (1973). con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. donde realizó París. mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. caso de Pasolini o Bertolucci. Francis Ford Coppola. sería la película Mad Max. No obstante. el director de Aguirre. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. 1972). la cólera de Dios (1972). Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. loco. Mad World.como Sonrisas y lágrimas (1965).

INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). El protagonista masculino. Jean Heather (Lola Dietrichson). Adaptación de un relato de James M. DURACIÓN: 106 minutos. 1947. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. y el mordaz Billy Wilder. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. sospechó que se trataba de un fraude y. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). detective de la compañía. Retorno al pasado [OutofthePast]. un vendedor de seguros. su deseo por esa mujer le llevó.. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. Argumento Walter Neff. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. Three ofa Kind). pero antes de que él la matara. tras llamar a la policía. trata de consolar a su amigo antes de que muera. realizada al alimón por Raymond Chandler. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. Fred MacMurray es condenado por ase- . 1981. a pesar de lo cual. MÚSICA: Miklos Rozsa. que. FOTOGRAFÍA: John F. Tom Powers (Mr. con frecuencia. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. Cain. primero. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Edward G.UU. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. Jackson). creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M.). B/N. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. etc. En el final original de la película. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. Dietrichson). Neff. 1946. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. luego. Keyes. Seitz. En el caso de Perdición. con sus diálogos afilados. cada vez más asqueado. otro de los decanos de la novela policiaca. tuvo tiempo de dispararle. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. Cain. Porter Hall (Mr. Robinson (Barton Keyes). Sin embargo. antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. finalmente. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. MONTAJE: Doane Harrison.

momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). DURACIÓN: 81 minutos. Según se cree. Su estado. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. pertenecientes a la fantasía del adolescente. que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. Vogler). PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. por contraste. inesperadamente. Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. MÚSICA: Lars-Johan Werle. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. MONTAJE: UUa Ryghe. que. Comentario Persona. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. Margarethe Krook (La doctora). fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. a mitad del film. Cuando llega el marido de Eli- . GUIÓN: Ingmar Bergman. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. el celuloide parecerá quemarse. B/N. Bibi Andersson (La enfermera Alma). Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. Jorgen Lindstrom (El muchacho). No obstante. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. habla sin parar. donde Elisabeth comienza a recuperarse. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. que. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. sabeth.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. Gunnar Bjornstrand (Mr. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. que no tiene explicación médica. Esos 20 minutos de película. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. Alma. Persona Suecia.

INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. Pierre Etaix (Cómplice). va adquiriendo. esa ambigüedad. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. a la vez. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. precisamente. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. vuelve a encontrarse con Jeanne. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. dromo. Cuando regrese. Argumento Michel. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. B/N. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . Apesadumbrado tras la muerte de su madre. Pierre Leymarie (Jacques). Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra).sino por el propio acto en sí. GUIÓN: Robert Bresson. no obstante. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. En última instancia. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. Jean Pelegri (Inspector de policía). no es más que parte de la ilusión creada por el cine. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. MONTAJE: Raymond Lamy. un estudiante solitario y sin dinero. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. Tras ser detenidos dos de sus colegas.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. Marika Green (Jeanne). un Pickpocket Francia. DURACIÓN: 80 minutos. Kassagi (Carterista). 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. La policía le detiene. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. por principio. y es. se ve forzado a abandonar Francia. vuelve a quedar en libertad. pero. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. debida a un director que. al poco tiempo. tan evasiva. después de mucho tiempo.

no puede considerarse una adaptación de la novela. MÚSICA: Ennio Morricone. Marianne Koch (Marisol). consiguiendo ese efecto. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. en los que muchos serán los que mueran. toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. Los Rojo. típicamente bressoniano. Sin embargo. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. La película. le contratan para que trabaje a su servicio. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. decidido a devolver el oro robado. Antonio Prieto (Benito Rojo). 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Wolfgang Lukschy (John Baxter). GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. MONTAJE: Robert Cinquini. enemigos declarados de aquéllos. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. Luego engaña a los Rojo. . Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. A continuación se sucederán los enfrentamientos. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. Finalmente abandona la ciudad.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. de Kurosawa. llegarán para investigar su desaparición. una versión oficiosa del Mercenario. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. comenzó a buscar al protagonista que. dándoles a su vez un cierto toque operístico. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. Psicosis PSYCHO EE. Marión Crane llega al Motel Bates. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). de calidad muy inferior. Poco después Sam Loomis y Lila. aunque. FOTOGRAFÍA: John L. DURACIÓN: 109 minutos. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. La película. la hermana de Marión. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. Atraído por el guión. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). Más tarde. B/N. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. no demasiado caro. así como por sus duelos interminables y ritualistas. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. a poder ser. Martin Balsam (Milton Arbogast). Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. también morirá a machetazos. MONTAJE: George Tomasini. John Mclntire (Sheriff Chambers). Vera Miles (Lila Crane). del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. debía tratarse de un actor conocido del público.UU.000 dólares pertenecientes a su jefe.000 dólares.000 dólares. Mientras exploran la mansión de los Bates. El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. en apariencia inagotable. sin embargo. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide).328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. Argumento Tras haber huido con 40. mediante unos primeros planos brutales.. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . por lo general. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. Janet Leigh (Marión Crane). que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Russell. Si Steve Reeves estaba descartado. preferiblemente. John Gavin (Sam Loomis). Norman Bates decide darle una habitación. MÚSICA: Bernard Hermann. A pesar de la aparente oposición de su madre.

dirigida por el propio Perkins). mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . son. así como a su fotografía y dirección artística. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. aparentemente cuerdo. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. por otro. que.330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. MONTAJE: Ed McCormick. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. dos delincuentes juveniles. B/N. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. 1931 DIRECTOR: William Wellman. por un lado. Joan Blondell (Mamie). Más adelante. Beer and Blood). un asesino y necrófago de Wisconsin. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. interviene Sam. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. una consecuencia del modesto presupuesto de 800. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. así como las técnicas empleadas en su realización. ya bajo atención psiquiátrica. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. GUIÓN: Kubec Glasmon. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. Un Norman. Beryl Mercer (Ma Powers). Ed Gein. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. a pesar de lo cual. una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). La utilización del blanco y negro. Donald Cook (Mike Powers). Jean Harlow (Gwen Alien). se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. 1986. a su vez. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. The Public Enemy EE. MÚSICA: David Mendoza. 1983). DURACIÓN: 84 minutos..UU. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. Edward Woods (Matt Doyle). Norman. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. Zanuck). anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha.no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. Psicosis III (Psycho III.

Aunque. cuyo personaje. sobre todo. Sin embargo. Tom promete a su familia que. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». había sido elegido para interpretar a Doyle. el jefe de la banda rival. Cagney. Sin embargo. Bill. tras más de sesenta años. y le mata de un disparo en la sien. Cagney. bordó su papel y creo. tras tres días de rodaje. un papel mucho menos relevante. En un principio. James Cagney. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. con su característico estilo bronco y agresivo. seguirá el camino recto. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. las películas de gángsters están acabadas. un rubia explosiva. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. ha pasado a la pequeña historia del cine. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. más violenta y más realista que jamás hayas visto». la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. envuelto en vendas. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. está basado en el gángster de Chicago. . es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. Comentario Se cuenta que. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. éste le respondió lo siguiente: «Mira. pero la banda de Schemer le saca del hospital. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. el arquetipo del gángster hollywoodiense. según se cree. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. en adelante. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera.

Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios.. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. casi perfecta. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. B/N. su madre sería una viuda solitaria. Donna Reed (Mary Hatch). se plantea la posibilidad de suicidarse. sin embargo. MONTAJE: William Hornbeck. pero se le aparece Clarence. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. devorado por el rencor. había adquirido los derechos. Hundido en la desesperación. de Michael Wilson. Clifford Odets y Jo Swerling). que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. GUIÓN: Francés Goodrich. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. un actor que. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. hacen de esta . aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. DU- RACIÓN: 129 minutos. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. Smith Goes To Washington. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. Potter). contando también con la colaboración. Lionel Barrymore (Dr. 1939). 1938) y Caballero sin espada (Mr. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. Desde el primer momento. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. Potter. En cuanto al papel de esposa. Henry Travers (Clarence). recayó en un principio en Jean Arthur. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. Beulah Bondi (Mrs. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. no reflejada en los títulos de crédito.K. cuando Bailey. Corren las fechas navideñas. Bailey). INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey). el papel principal se destinó a James Stewart. un ángel. 1946 DIRECTOR: Frank Capra. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. Thomas Mitchell (Tío Billy). la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean.O. un banquero sin escrúpulos. al igual que Capra.UU. Aunque la R. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas.

en el transcurso de la cual Elvira. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades.. Jane contrata al pianista Edwin Flagg. una mujer cada vez más perturbada.UU. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. a Blanche. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. Finalmente. pagando tan sólo 50. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. Jane. con la intención de enterrarla viva. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. Cuando llega la policía. es asesinada cuando trataba de liberarla. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». El resultado. de los que no obtuvo ninguno. la película fue. Della Flagg).336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. en los últimos tiempos.000 dólares a cada una de sus estrellas. Nominada para cinco Osear. Marjorie Bennett (Mrs. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). sumida en la más profunda locura. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. MONTAJE: Michael Luciano. provocando una sádica guerra de nervios. Jane se la lleva a Malibu Beach. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). Bates). las oportunidades descienden vertiginosamente. Blanche decide vender su casa. el ama de llaves. causó sensación. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. DURACIÓN: 132 minutos. En vista de ello. Victor Buono (Edwin Flagg). A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. Anna Lee (Mrs. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow.000 dólares. Cuando éste descubre . una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. B/N. vive a merced de su hermana Jane. además. Joan Crawford (Blanche Hudson). Argumento Blanche Hudson. Maidie Norman (Elvira Stitt). 1962 Robert Aldrich. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. MÚSICA: Frank De Vol. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). un fracaso comercial en el momento de su estreno.

Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. alfiny al cabo. GUIÓN: Charles Chaplin. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). Betty Morrissey. Se produce una pelea. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. DURACIÓN: 82 minutos. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. querida (Fanatic. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. Mack Swaim (Big Jim McKay). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. McKay. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. ya iniciado el rodaje. Entretanto. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. el vagabundo se reúne con Georgia. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. En adelante. donde se enamora de Georgia. B/N. fugiados en una remota cabana. una corista. que ha recuperado la memoria. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. Hall. Sin embargo. 1967). si bien.. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. para que le ayude a encontrar su mina de oro. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. que ha descubierto su filón de oro. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. Más adelante. Hush Sweet Charlotte. en su viaje de regreso. Georgia Hale (Georgia). 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. a la que invita a su fiesta de nochevieja. MONTAJE: Charles Chaplin.UU. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero.1964). los proble- . Tom Murray (Black Larson).l964). Un rey en Nueva York (A King in New York. debido a una enfermedad. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria.

partiendo de los objetos más comunes. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. una escena donde consigue crear. Por su parte. Atrapado por una tormenta. No obstante. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. 1951 Akira Kurosawa.5 millones de dólares. un tanto desmañada. MÚSICA: Fumio Hayasaka. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. sostiene que se trató de un combate limpio. realizada por el propio Chaplin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. y de la violación de su mujer. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. el pequeño vagabundo. Minoru Chiaki (Monje). DIRECTOR: Argumento Japón. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. El bandido Tajomaru. Machiko Kyo (Masago). Takehiro. DURACIÓN: 88 minutos. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). enormemente popular desde el momento de su estreno. La película. tras ser violada. de Ryunosuke Akutagawa). fue una de las producciones mudas más taquilleras. Estos rasgos se aprecian. Siguiendo un esquema característico de su autor. Masago afirma que. sometido a una persecución por toda la cabana. por ejemplo. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. El relato deprime a un monje allí presente que. acusado del asesinato de aquel hombre.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. Takashi Shimura (Tratante de leña). pero que Tajomaru actuó en defensa propia. . la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. Masayuki Mori (Takehiro). jura que Takehiro se vio forzado a combatir. Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. B/N. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. sin embargo. sin embargo. Masago. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. El leñador. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). A través de una médium. Rashomon Japón. siglo VIII. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella.

se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. Jim Stark. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. su innovadora estructura narrativa. la guerra. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. dirigida por Martin Ritt.1964). temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. Dennis Hopper (Goon). FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. por encima de todo. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. por ejemplo. en compañía de Judy y Platón.un exotismo que. el jefe de una pandilla. sin duda. posteriormente. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. 1955 Nicholas Ray. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. MÚSICA: Leonard Rosenman. como la víctima. fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . un taciturno adolescente. Ann Doran (Madre de Jim). Jim da parte a la policía.. Sal Mineo (Platón). Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. Jim Backus (Padre de Jim). El comentario realizado por el propio Kurosawa. hace amistad con Platón.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. y Laurence Harvey en el papel de marido. justo antes de saltar. quizá erróneamente. un autor que se suicidó en los años veinte. MONTAJE: William Zeigle. la película. ha llevado a algunos críticos a considerarla. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. En su primer día conoce a Judy. Desoyendo el consejo de sus padres. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara.Ras- homon sería objeto de una versión. Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera.UU. Natalie Wood (Judy). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. pero. un muchacho huérfano. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). de los Siete samurais. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. El resultado no estuvo a la altura del original. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». Sin embargo. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). DURACIÓN: 111 minutos. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. la solidez de su trabajo actoral y. convertida en el western Los siete magníficos. titulada Cuatro confesiones (Outrage.

La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. Mila Parley (Genéviéve). al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. es abatido a tiros por la policía. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. mejor actriz secundaria. a partir de Mozart. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. Jean Renoir (Octave). Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. Monsigny y Saint-Saéns. MONTAJE: Marguerite Renoir. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). ropas. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). B/N. cuando finalmente accede a hacerlo. películas y otros tantos productos similares. para Natalie Wood. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. Paulette Dubost (Lisette). por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. la esposa del Marqués De la Chesnaye. para Sal Mineo. de Elia Kazan. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. que trata de vengarse. Sin embargo. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. y mejor actor secundario. trata de encontrar unos valores que le sean propios. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. como Rebelde sin causa. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. Marcel Dalio (Robert. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. Por otro lado. Pues. Christine. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. marqués De La Chesnaye).344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. llamado James Dean. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). 1956). siguen rebosando autenticidad. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. se entera de que su ma- . No obstante.

la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. Repleta de momentos memorables. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. Por todos estos motivos. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». más adelante. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. más adelante. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. . finalmente. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. más tarde. Aunque. con ese toque humano tan característico del director. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. un amigo de la infancia. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. Por su parte. en realidad. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. Renoir señalaría. Una de las frases emblemáticas de la película. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. prohibida por las autoridades de Vichy. Sin embargo. La regla del juego sería amputada drásticamente y.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. el guarda de la finca. En vista de ello. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. hasta componer. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos.y es uno de esos raros casos en que. aunque todos dan por sentado que. una farsa actualizada de Beaumarchais. se descubre una nueva faceta de la misma. cada vez que se contempla. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo.

el James Dean de Rebelde sin causa (1955). a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. y los rebeldes apasionados. el cine ha demostrado. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. seguramente sea Indiana Jones. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). o. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. 1936). Una escena. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. Rocketeer (The Rocketeer. 1974). En la historia del cine norteamericano. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). Como señaló su hijo. No obstante. 1937). como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. por lo menos. el romántico solitario. como Matt Helm o Derek Flint. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. que encarnó Sean Connery. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. . Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. 1938) y The Sea Hawk (1940). Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. 1941). el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. acompañadas de sus respectivas secuelas. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. algunas de ellas. sugerida por el propio Harrison Ford. más adelante. Paul Newman o Steve McQueen. en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. 1991). 1991). Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). aunque no demasiado brillante. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. sin embargo. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). un hombre cínico y desencantado. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). como Marión Brando. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. unos héroes dedicados a hacer el bien. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». Eljusticiero de la ciudad (Death Wish.

Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. Ya de vuelta en Hollywood. M. Elizabeth Young (Ebba Sparre). Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. a instancias de su amiga Salka Viertel. Harwood. Mayer. perdidamente enamorada. más adelante. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). una reina sueca del siglo xvn. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. siguen viéndose en secreto. descubre su relación. finalmente. Aubrey Smith (Aage). una escena que se rodó al compás de un metrónomo. y que. Greta Garbo. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. Con todo. MÚSICA: Herbert Stothart. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. mientras monta a caballo. N. B/N. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces. MONTAJE: Blanche Sewell. Willis. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. Ian Keith (Magnus). la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. Don Antonio de la Prada. Salka Viertel y S. pasan juntos dos días de absoluta dicha. Nils Asther y Franchot Tone. Magnus. Un día. tras quitarse su disfraz. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. 1927). sin embargo. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. se encuentra con el embajador español. Cuando su anterior amante. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). le seguirá a España. Argumento Suecia.UU. GUIÓN: H. siglo xvn. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. se sintió atraída por la vida de Cristina. DURACIÓN: 97 minutos. Mientras se encontraba en Suecia. Sir C. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. Entre ellos. Harta de tanta guerra. La Reina abdica. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . con la promesa de que. Cristina manda partir a Antonio.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. John Gilbert. aquel en que.. se prescindió del actor británico. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). en aquel preciso momento. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. se va deslizando por la habitación de la posada.

La escena. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. Theodore Bikel (Primer Oficial). la Primera Guerra Mundial. MONTAJE: Ralph Kemplen. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. a resultas del cual muere un misionero. Aquel año. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. Peter Bull (Capitán del Louisa). La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. AUnut dispone unos torpedos en su lancha.100 millas del río Congo. Eagle [Sam Spiegel]).. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. Rose. Forrester). lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. Finalmente llegan al . DURACIÓN: 105 minutos. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. Tras un ataque alemán. Condenados a morir ahorcados. una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. S. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». Por su par- John Huston. Más adelante. P. por ejemplo. que terminará por convertirse en amor. aún hoy. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. Walter Cotell (Segundo Oficial). encuentra refugio a bordo de La reina de África. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. la mojigata hermana de aquél. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. Cuando John Huston se incorporó al proyecto. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman).352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. Technicolor. Entretanto. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. Argumento África Central.UU. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). libres de todo peligro. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. un individuo que siente debilidad por la ginebra. El sentimentalismo de la película (que contrasta. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Katharine Hepburn (Rose Sayer). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut). MÚSICA: Alan Gray. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine.

encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. McCampbell). MONTAJE: Folmar Blangsted. Más adelante se unirá a ellos Colorado. Argumento La certeza de que Nathan. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. reflejados en la novela Cazador blanco. corazón negro. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks).1955). Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. favorecido por una buena provisión de dinamita. su ayudante Dude. Chance. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. En un primer momento. al que aceptará como ayudante. Kuter. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. en un nuevo ataque. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. y un marine. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. 1975). creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. H. Katharine Hepburn. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. el hermano de Joe Burdette. pero. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. Chance). Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. Finalmente. Chance se salva de un atentado contra su vida. Allison. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. se impone a la banda de Burdette. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. Dean Martin (Dude). un joven pistolero. papel que correspondió a Robert Mitchum.. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. que el director utiliza como Río Bravo EE. casi abstracto. más bien se trata de un telón de fondo. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. Stumpy. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. MÜSICA: Dimitri Tiomkin. y un lisiado. Angie Dickinson (Feathers). que contaba con la pareja formada por una monja. Walter Brennan (Stumpy). Por su parte. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. el guardián de la cárcel. 1957). en compañía de un John Wayne aficionado a la botella.UU. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. está tramando un plan para liberarlo. Dude es tomado como rehén. Ward Bond (PatWheeler). interpretada por Deborah Kerr. DURACIÓN: 141 minutos. Ricky Nelson (Colorado Ryan). INTÉRPRETES: John Wayne (John T.

ambientado en la Martinica. el viejo. su amigo alcohólico y. Chance. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). Olivia de Havilland (La doncella Marian). MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. Howard Greene. GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. Wallis y Henry Blanke). la fórmula. Miller. por tanto. MONTAJE: Ralph Lawson. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. Claude Reins (El príncipe Juan). Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. 1944). en particular.UU. En la película que nos ocupa. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. en 1976. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). John Carpenter. sin demasiados cambios. por otro. por un lado. Sol Polito y W. con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. Río Lobo (1970). pero valeroso carcelero. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. y Tenery no tener (To Have and Have Not. Chance y Dude. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. No es de sorprender. a todos los efectos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. 1939). que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. está la relación entre el sheriff]ohn T. el pistolero Colorado y la corista Feathers. Patrie Knowles (Will Scarlet). mientras que. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito.. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. así. donde figuraba como montador un tal John T. Eugene Pallete (Fray Tuck). el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. era una nueva versión.356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. DURACIÓN: 102 minutos. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley.

año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. En uno de sus asaltos. romántico. el resultado final es un relato sin fisuras. Su único oponente. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. A pesar de ello. En el combate que se desencadenará a continuación. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. Ganadora de tres Osear. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. Comentario Desde 1908. Robin de Locksley. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. en fecha más reciente. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. 1976) y. Sin embargo. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. atlético y picaro de todos ellos. que recayeron en las personas de Weyl. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. Korngold y el montador Ralph Lawson. 1936). El Príncipe Juan y su aliado. 1922). y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. 1991). además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. en compañía de Robin y de sus hombres. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. que no tardará en enamorarse de su captor. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Cuando Ricardo regresa. Kevin Costner en Robin Hood. Guy de Gisbourne. Con Flynn como protagonista principal. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. Jack L. que se hizo cargo del rodaje de interiores. La película.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. roe de las películas románticas y de aventuras. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. coge prisionera a la doncella Marian. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood.

Harry Feist (Mayor Bergmann). en la medida de lo posible. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. filmados. El día antes de su boda con la viuda Pina.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. La película. GUIÓN: Roberto Rossellini. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. Francesco. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). que aún hoy sigue conmoviendo. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. B/N. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. y Roma. Manfredi. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. un cura de su total confianza. Cain realizada por Visconti en 1942. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. el carácter melodramático de su trama. Aunque desde un punto de vista analítico. PRODUCCIÓN: Excelsia. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. una antigua amante de éste. MÚSICA: Renzo Rossellini. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. todo ello. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). Megna. la adaptación de la obra de James M. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). DURACIÓN: 100 minutos. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. Más adelante. el proyecto. Marcello Pagliero (Manfredi). La crítica sigue dudando entre Ossessione. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. Marai Michi (Marina). ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. Argumento Roma. uno de los jefes de la resistencia comunista. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. Francesco Grandjacquet (Francesco). e incluso sus muebles. MONTAJE: Eraldo Da Roma. mientras que Don Pietro será fusilado. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha.

GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). se le resistirá. entre los que se contaban Stan Barstow. Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. El papel de la mujer casada y de más edad. pero. Rachel Roberts (Brenda). todos ellos personajes perfectamente definidos. Unido. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. Arthur tratará de que aborte y. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. aprovechando que su marido se encuentra ausente. Norman Rossington (Bert). En cuanto al personaje de Finney. DURACIÓN: 89 minutos.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. Cuando a Jack le asignen el turno de noche. Bryan Pringle (Jack). PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. mientras se encuentran bus- . un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. el actor teatral Albert Finney. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. Tras pasar la tarde en elpub. Shirley Anne Field (Doreen). Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. Dando signos de mayor responsabilidad. 1959). John Osborne y Alan Sillitoe. uno de ellos el hermano de Jack. que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. le asegura que sus días de juerga no han terminado. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. como Visco nti y Vittorio De Sica. le fue ofrecido a Diana Dors. Arthur Seaton. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. una chica que. Hylda Baker (Tía Ada). Por otro lado. Comentario Sábado noche. B/N. Sin embargo. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. como el Joe Lampton de Sábado noche. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. un obrero de las Midlands. le propinarán una paliza. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). MÚSICA: Johnny Dankworth. poco después. MONTAJE: Seth Holt. en un principio. no es ni un joven airado. Arthur se compromete con Doreen. se dispone a disfrutar por todo lo alto. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. este último el autor de la novela en que está basada la película. Con esta película. cando piso. dos soldados. su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. ni un arribista. 1960). los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. hace noche en casa de Brenda.

Con objeto de frenar a Vargas. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. Marlene Dietrich (Tanya). que permanece drogada. Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). MONTAJE: Virgil M. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). u n policía mexicano. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. Joanna Moore (Marcia Linnekar). aunque. Esa visión limitada y. el voluminoso policía norteamericano . uno de los sospechosos. Víctor Millan (Manolo Sánchez). FOTOGRAFÍA: Russell Metty. Orson Welles (Hank Quinlan). Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. 1958 Sed de mal encargado del caso. Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. para que su marido abandone sus pesquisas. la culpabilidad del policía norteamericano. Vargas. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. mediante una grabación. En el tiroteo que se sucede a continuación. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. según se descubrirá..364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). da a la película un tono adusto y casi desconsolador. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). Ray Collins (Adair). Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. Joseph Calleia (Pete Menzies). MÚSICA: Henry Mancini. entre otras razones. el ayudante de Quinlan. Vogel y Aaron Stell. No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. preparan una trampa que demuestre. Janet Leigh (Susan Vargas). el jefe de una red de narcotráfico. derrotista. Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. B/N. Vargas y Menzies. en última instancia. de Whitt Masterson). Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. Argumento México. Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin.UU.

un personaje de otros tiempos. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. Fraker. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. Quinlan es una creación inolvidable. DURACIÓN: 136 minutos. rodado desde una grúa. que había dado por sentado que Welles. posiblemente. y que. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston.UU. Todo en este film. un actor que trata de salir adelante. y su esposa Rosemary. un su- perviviente de la época de la frontera. Guy Woodhouse. Sidney Blackmer (Román Castevet). Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. es. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. John Cassavettes (Guy Woodhouse). A pesar de sus excesos estilísticos. con objeto de sacarle una confesión. probablemente. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. Vargas. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. Sapirstein). Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. Ralph Bellamy (Dr. si actúa así. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. FOTOGRAFÍA: William A. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. Maurice Evans (Hutch). Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. donde traban amistad con sus vecinos. MÚSICA: Krzysztof Komeda. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable.. ante todo. Quinlan es. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). además de actuar. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). lo cual no obstó para que. se verá forzado a recurrir a una trampa. es desmesurado. se mudan a su nuevo apartamento. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. Guy le propone a Rosemary que tengan . es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. Ruth Gordon (Minnie Castevet). 1968 Román Polanski. Sea como sea. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. más adelante. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. Welles sólo había sido contratado como actor. En un principio. Hank Quinlan. sería el director del film. Argumento Nueva York. Román y Minnie Castevet. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración.

que. en ese preciso momento. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. Su golpe maestro fue. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. 1975) yLaprofecía (The Ornen. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. muere de forma misteriosa. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. dejándole un libro sobre brujería. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. Rosemary se siente indispuesta y. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. La monja poseída (To the Devil A Daughter. un brujo. dirigida por Sam O'Steen. . recaería en John Cassavettes. sin embargo. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto.1961). famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. al poco tiempo. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. se decide a consultar a su amigo Hutch que. tras ser rechazado por Robert Redford. al despertar a la mañana siguiente. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. 1976). el montador de la cinta original. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. Por otro lado. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. en el que era violada por un monstruo con cuernos. dará a luz. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. en realidad. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. así como la nominación para dos Osear. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow.1974). La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. En cuanto al papel de Guy. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. finalmente. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. en el que se da a entender que Castevet es. La película rodada para la televisión.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria.

y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. por el contrario. se instituiría el Código de Producción de Películas. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. se guiaría durante los próximos treinta años. el espectador ha de ser protegido. a cuyo frente se situó a Will H. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. Muchos países.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». de hecho. el sexo sigue siendo algo de lo que. han prohibido películas por motivos políticos y. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. más conocido como el Código Hays. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. Salvaje {The Wild One. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. en Sucedió una noche (1934). el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. 1933). a la vez que. En el Reino Unido. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. según parece. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. los días del Código Hays estaban contados. Aunque. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. . muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. Como consecuencia del Código. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. hoy en día. delante de los niños. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. creada por la propia industria. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. conocida como «Las murallas de Jericó». mientras que una película como Víctima (Victim. desafiando así a las leyes de la época. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. en Estados Unidos. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. poco después. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). y buena parte de la producción cinematográfica en general. En el Reino Unido. en cualquier caso. Hays. domingo mañana (1960). los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. el último tabú de la censura cinematográfica. 1945). A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). la violencia extrema o la inmoralidad.comparten habitación para pasar la noche. Entre tanto. un antiguo director general de correos. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. En la actualidad. por ejemplo. donde se trataba el tema de la drogadicción. en teoría. 1955).

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. a unas 25 millas al oeste de Munich. si bien. Sin novedad en elfrente. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. Harris). Ralph Meeker (Cabo Paris). 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). se decide éste a actuar en consecuencia.UU. GUIÓN: Stanley Kubrick. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia..372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. FOTOGRAFÍA: George Krause. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). Wayne Morris (Teniente Roget). que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Adolphe Menjou (General Broulard). el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. finalmente. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. George Macready (General Mireau). sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. Así. pero los artilleros se niegan a obedecer. La película. Kubrick. Strangelove . B/N. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). MÚSICA: Gerald Fried. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. Argumento Año 1916. Dada la inutilidad del intento. en nombre de una supuesta justicia. mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. MONTAJE: Eva Kroll. muy alabada por la crítica. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. el General Broulard. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. DURACIÓN: 86 minutos.

acertada. Dios y la Muerte. el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. Nils Poppe (Joff). sigue siendo una obra notable. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. el amor. Varios ayudantes y electricistas. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. MÚSICA: Erik Nordgren. pues la Muerte no tardará en visitar a Block. Tramalning). Gunnar Bjorns- trand (Jons). Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. En compañía de un herrero y demás gentes. su mujer. una decisión . tanto por su audaz temática. Bengt Ekerot (La Muerte). Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. Lundgren. B/N. Curiosamente. reúne a su familia y parte de inmediato. DURACIÓN: 96 minutos. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. que forman Jof. toma su título de un pasaje de la Biblia. 1964). Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. que fue rodada durante el verano de 1956. casi desleído. A. Bibi Andersson (Mia). A día de hoy. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. de la fotografía de Gunnar Fischer. desafiándola a una partida de ajedrez. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. MONTAJE: Lennart Wallen.374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. 7-8. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. La película. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. Mia. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. y sus hijos.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. 1987). Block se dirige al castillo de su familia. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. Argumento Tras regresar de las Cruzadas.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. Ake Fridell (Plog). FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día.

mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. Andie MacDowell (Ann Millaney). Graham. ya se diera cuenta. GUIÓN: Steven Soderbergh. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. Soderbergh parece querer indicar que. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. pero tiene una relación con Cynthia. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. gada por todo el asunto. Argumento John. accederá a ser grabada. Más tarde. En este sentido. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». Cuando ella le confiese que. Éste destruye sus cintas y. mentiras y cintas de vídeo SEX. LIES AND VIDEOTAPES EE. un abogado de éxito. la hermana de ésta. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. que descarga su ira sobre Graham. DURACIÓN: 100 minutos. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. Sexo. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- .UU. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. en su opinión. Ann le pide el divorcio a John. MÚSICA: Cliff Martínez.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. 1961). la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. trata de iniciar una relación con Ann. Peter Gallagher (John Millaney). Cynthia. se da demasiada importancia al sexo. Ron Vawter (Terapeuta). en nuestra sociedad. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. está casado con Ann. sólo se puede ir cuesta abajo». FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. una pieza para cuatro manos. él reconocerá que es impotente. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). Comentario Sexo. grabadas por él mismo. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). manifiestamente impresionado. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. posteriormente. se desenmaraña. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. de forma vacilante. La película muestra cómo se va creando y.. aunque fuera de forma inconsciente. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. mientras que Ann. En cambio. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. mentiras y cintas de vídeo. carente de pretensiones. MONTAJE: Steven Soderbergh.

La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. Daisuke Kato (Shichiroji). INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). En cualquier caso. En vista de ello. Aunque peque de cierto esquematismo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. suele ignorar. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. Yoshio Inaba (Gorobei). Hideo Oguni y Akira Kurosawa. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. Kambei y Shichiroji se marchan. en gran medida. Minoru Chiaki (Heihachi). Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. Terminado el combate. DURACIÓN: 200 minutos. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. B/N. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. suscitó algunos equívocos. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. PRODUCCIÓN: Toho. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. a . MÚSICA: FU- mio Hayasaka. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). cuyo carácter escabroso. pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. blo en previsión de que se produzca un ataque. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. Siji Miyaguchi (Kyuzo).

se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Ted Levine (Jame Gumb). entre tanto. para entonces. DURACIÓN: 118 minutos. Scott Glenn (Jack Crawford). es secuestrada. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. Anthony Heald (Dr. el climax. Lawrence A. sospecha que el asesino es Jame Gumb. Catherine Martin. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. Para obtener información vital. a escala mucho mayor. . GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). un western de Hollywood. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. 1960). aprovecha un momento de descuido para escaparse. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. resulta de una gran eficacia. la hija de una senadora. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. 1980) yRan (1985). con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. Hannibal Lecter). INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. Hannibal «El Caníbal» Lecter. MONTAJE: Craig McKay. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. un asesino que se encuentra en prisión. Sin embargo. Como consecuencia de ello. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. de donde rescatará a Catherine. tras matar a Jame de un disparo. apodado «Buffalo Bill». mientras Crawford. dirigido por John Sturges. Frederick Chilton). es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. La sombra del guerrero (Kagemusha. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. En su ceremonia de graduación.UU.380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. Clarice recibe una llamada desde Haiti. MÚSICA: Howard Shore. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. Kenneth Utt y Ron Bozman). El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). creará Kurosawa en películas como Kagemusha. como es habitual en el director. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. Anthony Hopkins (Dr. Lecter.. Argumento Clarice Starling. dos grupos hostiles por naturaleza. Entretanto. gracias a la pista de la mariposa. una agente del FBI en prácticas. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. Bonney (Instructor del FBI).

en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. MONTAJE: Elmo Williams. una adaptación de la novela de Thomas Harris.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. B/N. treinta años atrás. En un prolongado tiroteo. ha convencido para que se quede.. de John W. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. y su prometida. la antigua novia de Kane. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. típicamente norteamericano. Solo y asustado. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. un personaje de una pieza. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti».UU. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. mitad maestro. La protagonista. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. Otto Kruger (Percy Mettrick). asqueado. Katy Jurado (Helen Ramírez). DURACIÓN: 84 minutos. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. mientras que será la propia Amy -a la que Helen. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). Lo cierto es que. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. Argumento Hadleyville. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. El dragón rojo. Kane. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. arroja . junio de 1865. en lo que hace referencia a los personajes. como no tardará en descubrir. obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. Amy. el asesino invertido. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. de los asesinos en serie. consigue acabar con tres de ellos.quien mate al cuarto. No obstante. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). Grace Kelly (Amy Kane). utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. que. sólo en Estados Unidos. MÚSICA: Dmitri Tiomkin. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. Cunningham). un sheriff a punto de retirarse. Lloyd Bridges (Harvey Pell). mitad asesino.

Rupert Crosse (Rupe). con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. un drama sobre el mundo del boxeo.000 dólares. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real. Sombras SHADOWS EE. más que a su mensaje político subyacente. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia).384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. Foreman. DURACIÓN: 87 minutos. Tom y Dennis. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. 1966) o Julia (1977). Anthony Ray (Tony). se pasa todo el día con sus amigos blancos. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). que. MÚSICA: Charles Mingus. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. El actor. Solo ante el peligro. El tema se repite una y otra vez en su obra. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . titulado «The Tin Star». Por su parte. fue contratado por la exigua cantidad de 60. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. Ben. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. que en lugar de su tarifa habitual de 275.. por su parte. más adelante.UU. Tom Alien (Tom). Lelia se enamora de Tony. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. sin embargo. comparte piso con su hermano Ben.000. y con su hermana Lelia. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. un joven de piel más clara. B/N. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. Hugh. Hugh Hurd (Hugh). Argumento Manhattan. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. un cantante negro. más un porcentaje en los beneficios.000 dólares. interpretando el papel de un hombre valiente que. Ben Carruthers (Ben). MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. se ve asaltado por unos temores muy humanos. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés.

fotografía de grano grueso. Eric Blore (Bates. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. el mayordomo). y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. etc. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. Helen Broderick (Madge Hardwick). Argumento Londres. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. Al partir de un guión mínimo. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). Comentario Muy probablemente. y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. como Faces (1968). En cuanto a Hugh. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. MONTAJE: William Hamilton. PRODUCCIÓN: R. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE.UU. Berman). Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas.O. con una trama apenas esbozada. de Alexander Farago y Aladar Laszlo). Walker. la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. DURACIÓN: 101 minutos. 1974).K. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante. Max Steiner (dirección musical). (Pandro S. Ginger Rogers (Dale Tremont). Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. B/N. Edward Everett Horton (Horace Hardwick).). la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . Realizada con un presupuesto muy bajo. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal.. Hugh le echa del piso. Sin embargo. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. Mientras practica en la habitación de su hotel. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. a pesar de las discusiones con su representante. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. Erik Rhodes (Alberto Beddini). 1935 Mark Sandrich.

se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. erróneamente.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. Indignada. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. en realidad.K. realizar otras seis películas juntos. consigue ir limando asperezas. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. un antiguo bailarín de Broadway. y Ginger Rogers. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento.000 dólares realizada por los estudios. Beddini. «Isn't This A Lovely Day» y. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. otra residente del hotel. sentirán desbordarse su alegría. sin mediar palabra. un profundo afecto. posteriormente. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». permitiéndoles. La alegre divorciada (The GayDivorcee. en su momento. en realidad. Sombrero de copa se quedó sin Osear. Enterada Madge del malentendido. una ex actriz de vodevil. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. 1934) y Robería (1935). 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». le propina una bofetada. oficiada por el mayordomo de los Hardwick.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. Travers y Madge la siguen. con el ingenioso dúo de amor-odio. En ella. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa. Dale le abofetea y decide casarse con Beddini.O. Nominada para cuatro premios de la Academia. . Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. Dale y Jerry libres ya para casarse. hasta que una nota induzca a Dale a creer.. que figuraba en el quinto lugar del cartel. que se presenta en su habitación y. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. el endeble guión sobre una confusión de identidades. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. fue la pareja formada por Fred Astaire. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio.

trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. la bibliotecaria de la Academia. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. Louis B. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. Una semana más tarde. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme.30 centímetros de altura y pesa 3. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G.. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. en la actualidad. mientras que la ceremonia. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929. sin embargo.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. la Academia cuenta con cerca de 3.. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. al margen del prestigio que supone. Hoy en día. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. para que. discutible. Afincada en Beverly Hills. que amenizó la velada con sus canciones. una figura chapada en oro.. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. sean votadas por el conjunto de la Academia. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. con buen criterio. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). A fuer de ser precisos habría que señalar que. o la de F. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. 1927). y la presencia en el evento de Al Jolson.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. sin embargo. con posterioridad. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. tuvo cierto aire de fiesta privada. tiene 34. en cierta ocasión. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año».que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. Murray Abraham. la historia más plausible parece ser que. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. con sonido incorporado. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. en su conjunto.. Margaret Herrick.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984).» . La estatuilla. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel.8 kilos.

es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). DURACIÓN: 174 minutos. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). MONTAJE: William Reynolds. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. en la revista Esquire.UU. Según parece. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. Dwight MacDonald. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. Argumento Salzburgo. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. una muchacha algo varonil que vive en un convento. sin una nota en falso. a su vez. Richard Haydn (Max Detweller).. No obstante. sin el más mínimo ápice de realidad». hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. Eleanor Parker (La baronesa). supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado.pero bastante ajustado. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. y esta película tenía ambas cosas. utilizando como tapadera un gran festival musical. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. Éste se niega a hacerlo y. adaptación. Charmian Carr (Liesl). cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. tras cruzar las montañas. y Maria regresa junto a Von Trapp. huye con su familia que. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. antes de que la tarea recayera en Robert Wise. un espectáculo kitsch en estado puro. Maria. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. Peggy Wood (Madre superiora). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. Naturalmente. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. encuentra refugio en Suiza. un viudo con siete hijos. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. en 1959. Sin embargo. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . 1965 DIRECTOR: Robert Wise. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. Una vez allí. sin embargo. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). Maria regresa a la abadía de Nonnberg. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse).392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). 1938.

una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. El joven la lleva consigo a Stromboli. trata de escapar. cinco de las cuales. en un sentido más general. cuando se recupera. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. a lo que habría que añadir en favor de la película. Traba amistad con Sponza. en algunos lugares. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. pero. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. Art Cohén. Renzo Cesana (El cura). que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. GUIÓN: Roberto Rossellini. (Roberto Rossellini). Callegari. sin embargo. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. en este caso. la diminuta isla donde nació. 1947 [ Germania. TERRA DI DIO Italia. entre ellas las de mejor película y mejor director. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto.K. llegara incluso a boicotearse la película. los espectaculares paisajes de la isla. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. el experimento no funcionaría igual de bien. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. B/N. con la ayuda del farero. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. que. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. Sergio Amedei y C. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. La combinación resulta violenta y refleja. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. año cero. .O. La actriz. 1946 y Alemania. 1953). Mario Vítale (Antonio). ciudad abierta. En la pantalla. se convertirían en premios. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. el farero. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. Al descubrir que está embarazada. P. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. MÚSICA: Renzo Rossellini. Renzo Cesana. 1945. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. Paisa. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. Mario Sponza (El farero). El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. DURACIÓN: 81 minutos. atino zero]).

pero la petición fue denegada por Louis B.. caso de Miriam Hopkins. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. 1927). Clark Gable (Peter Warne).000 dólares por cuatro semanas de rodaje. mientras que la Paramount. Roscoe Karns (Osear Shapeley). el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. MONTAJE: Gene Havlick. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. Mayer. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. el mandamás de la M-GM. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. además. 1934 DIRECTOR: Frank Capra. Argumento Ellie Andrews. DURACIÓN: 105 minutos. Exigió que se le pagaran 50. y ambos se fugan. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. rechazaron el papel. Margaret Sullavan y Constance Bennett. En él viaja también Peter Warne. al igual que había sucedido con la Metro. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. que. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. Jameson Thomas (King Westley). Una manta tendida entre sus camas. el film que supuso su debut cinematográfico. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. El día de su boda con otro hombre. Walter Connolly (Alexander Andrews). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. una rica heredera. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. Claire MacDowell (Madre). Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. B/N. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). a la que denominan «las murallas de Jericó». de Samuel Hopkins Adams).UU. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. MÚSICA: Louis Silvers. seis días y cuatro horas. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. Es sabido que otras actrices. un periodista que acaba de ser despedido. «Night Bus». Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. . permite a Ellie conservar su pudor.

MONTAJE: Christian Nyby. MÜSICA: Max Steiner. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. DURACIÓN: 114 minutos. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. La pista de la desaparecida Sra. Lauren Bacall (Vivian Rutledge). Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar.398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. la seductora hermana de Carmen. John Ridgley (Eddie Mars). de Eddie Mars). PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). El choque entre personalidades opuestas. Sin embargo. B/N. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars.. el jugador Eddie Mars.UU. en realidad.que. pero no inaccesible. Peggy Knudsen (Sra. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. aparece desnuda. había sido asesinado por Carmen. Mars. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. Dorothy Malone (Dueña de la librería). Martha Vickers (Carmen Sternwood). . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. El hombre en cuestión es asesinado. 1934) o La fiera de mi niña (1938). al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). GUIÓN: William Faulkner. con su personaje de una belleza distante. Mars le conduce hasta un garaje. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. una de sus hijas. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. y hacia Vivian.

primeros años del siglo xx. en La dama del lago {The Lady in the Lake. 1979 Volker Schlóndorff. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). My Sweet. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). Argumento Polonia. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). MÚSICA: Maurice Jarre. aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. Jan. GUIÓN: Jean-Claude Carriére. DURACIÓN: 142 minutos. Tener y no tener (To Have and Have not. ¡qué diablos. que quizá sea el padre de Oskar. da a luz a Agnes. cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. 1945) o Robert Montgomery. Katherina Thalbach (María Matzerath). es un lacónico eufemismo de la muerte). Los fascistas toman Danzig. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). 1975). que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. si ni siquiera yo lo sabía!». particularmente en el intercambio de pullas que. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. Mario Adorf (Alfred Matzerath). más adelante. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. eran ya marido y mujer. La pareja. A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. se realizó una nueva y torpe versión. en Historia de un detective {Murder. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. se echan Bogart y Bacall. MONTAJE: Suzanne Barón. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. entretan- . como si fueran pelotas de tenis. Franz Seitz y Volker Schlóndorff.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. un tendero de Danzig. como Dick Powell. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. idéntico al de la película. Angela Winkler (Agnes Matzerath). Agnes se casa con Alfred. Oskar. 1946). (basado en la novela de Günter Grass). Terminada la Primera Guerra Mundial. en este caso ambientada en Londres. pero. entre ellos algunos nombres ilustres. cuando ya era posible tratar cualquier tema. muñeca {FarewellMyLovely. 1944). la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). En 1978.

y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. sin lugar a dudas.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. Schlóndorff. Tras la liberación. y sería. Jan es fusilado. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. Más adelante. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. que se encuentra sitiada. se refugia bajo las faldas de su abuela. que ha sido acusado de colaboracionista. que. regresa a Danzig. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. en la actuación de David Bennent. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. levemente trabados entre sí. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. no obstante. . donde asiste al fusilamiento de Alfred. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. Tras ser capturado por los alemanes. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. La película es un tour deforcé visual. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. precisamente. El papel requería un niño de tres años. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. Con todo. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. sino mediante una serie de episodios. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto.

durante el día. Cumplida su misión tratará de suicidarse. Argumento Nueva York. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. MÚSICA: Bernard Herrmann. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. Cuando conoce a Iris. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. este retrato arquetípico de la vida urbana. Albert Brooks (Tom). ofreciendo una visión satinada. De noche trabaja de taxista y. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). MONTAJE: Marcia Lucas. Travis Bickle. una prostituta de doce años. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. Cybill Shepherd (Betsy). alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. cargándose a un atracador en un supermercado. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). Posteriormente. pero pronto es rechazado. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. consigue plasmar una frustración casi existencial. DURACIÓN: 112 minutos. Por su parte. una empleada de un equipo electoral. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. Con referencia a esta película. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». Peter Boyle (Wizard). Harvey Keitel (Sport). Foster (Iris Steensman). un veterano de Vietnam. Tom Rolf y Melvin Shapiro. Lo logrará tras asesinar a Sport. y . partiendo de una inversión inicial de 2 millones. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella..UU. y un guionista como Paul Schrader. GUIÓN: Paul Schrader. Las connotaciones religiosas del drama son constantes. concebida como una especie de infierno en la tierra. Una película que trata de la angustia religiosa. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. que se define a sí mismo como católico. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. el chulo de la chica. para que acepte una cita con él. Consigue engatusar a Betsy. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista.

auspiciando así la reunión con Orson Welles. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. Una noche. Martins mata de un tiro a Lime. DURACIÓN: 104 minutos. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. Bernard Lee (Sargento Paine). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. 1960). y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. tras abandonar el piso de Anna. B/N.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. MÚSICA: Antón Karas. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. se trata del mismísimo Lime. Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. Wilfred Hyde-White (Crabbit). Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. Terminado el entierro de éste. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). añadió a la elección de actores un toque de genialidad. Calloway amenaza con deportar a Anna. Alida Valli (Anna Schmidt). dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. mientras Anna. la novia de Lime. Trevor Howard (Comandante Calloway). atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. Joseph Bato y John Hawksworth. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. En vista de todo ello. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). cia a los delitos que ha cometido. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. Martins decide descubrir la verdad. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. Argumento Al llegar a Viena. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. GUIÓN: Graham Greene. Orson Welles (Harry Lime).

1980). La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. 1976). MONTAJE: Duwayne Dunham. Hope Lange (Mrs. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. Williams). tuvieron quinientos años de amor. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. le valió una nominación para el Osear al mejor director. un extravagante thriller con toques surrealistas. Y. GUIÓN: David Lynch. Cuando llega Frank.. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. Dejando a un lado otros proyectos. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. por el contrario. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). En su calidad de autor de sus propios diálogos. FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. Laura Dern (Sandy Williams).408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. En Suiza. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso.» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. pero surgieron Miguel Ángel. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). guerras y matanzas.UU. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. no hubo más que terror. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. Dennis Hopper (Frank Booth ). ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. en treinta años de dominación de los Borgia. Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. Dean Stockwell (Ben). donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. «En Italia. aparente- . democracia y paz. 1986 DIRECTOR: David Lynch. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-. Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. MÚSICA: Angelo Badalamenti. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. DURACIÓN: 120 minutos. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden.

tras rodearlos. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. Brody. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo.. En una reunión de los vecinos del pueblo. Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. TICA: Joseph Alves júnior. no recogidas en los títulos de crédito. Con Hooper temporalmente fuera de combate. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. en un acto de desesperación. Cari Gottlieb (Meadows). de Howard Sackler y John Milius). Cuando finalmente avistan a la bestia. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. de más ocho metros de longitud. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). . introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. Sin embargo.UU. un viejo lobo de mar. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. Lorraine Gary (Ellen Brody). Acompañado por Brody y Hooper. ésta los arrastra mar adentro y. Matt Hooper. su alcalde. hace volcar el barco y devora a Quint. MÚSICA: John Williams.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). MONTAJE: Verna Fields. un experto en el tema. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. DURACIÓN: 124 minutos. Cuando se capture a un tiburón. con colaboraciones. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. Robert Shaw (Capitán Quint). Quint. se hace a la mar. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. Zanucky David Brown). evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper).

Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. Con todo. Hal Holbrook (Garganta Profunda). de los miedos primordiales de la humanidad. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. MONTAJE: Robert L. 1976 DIRECTOR: Alan J. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. con calidad siempre decreciente. Pakula.resultara creíble. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. DURACIÓN: 138 minutos. Wolfe. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. con estas ideas en mente. Martin Balsam (Howard Simons). MÚSICA: David Shire. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. En relación con éste. no tuvo nada que ver con las secuelas que. El proyecto. Jason Robards (Ben Bradlee). Sin embargo. basado en una novela de éxito. Robert Redford (Bob Woodward). Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. se irían sucediendo a partir de entonces.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. Jack Warden (Harry Rosenfield). sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. hacerse con sendos Osear por su montaje. insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». los resultados fueron extraordina- ríos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. a la manera de Hitchcock. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. 1974)..UU. su primer largometraje para la pantalla grande. además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. cuya obra sería pasada por alto por la Academia. se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward). Según su concepción. Spielberg. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb.

Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. Siguiendo las orientaciones de su informante. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». finalmente. el Asesor Especial de la Presidencia. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). supondrá la caída del presidente Nixon.000 dólares. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. Seguirán trabajando en el caso. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. ya era una inversión considerablemente alta.750. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. en este caso.000 ejemplares. que. que administra el antiguo Ministro de Justicia. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. «Garganta Profunda». para entonces. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. 1972). Alan J. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. mejor dirección artística. . con actores de segunda fila. al poco de haber jurado un nuevo mandato. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». para proteger la que. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. había vendido ya 2. mejor guión y mejor actor secundario. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. para finales del año 1975. el Jefe de Personal de la Casa Blanca. Animados por el apoyo del actor. a convertirse en una película de primera categoría. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. John Mitchell. los medios de comunicación y el gobierno. el director del Post.

inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. este último. 1991). 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. Sin embargo. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. su carácter imprevisible. En busca del arca perdida (1981). Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. un cineasta que. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. autor. precisamente. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. En un mundo como el del cine. Voces distintas (Distant Voices. 1988) o con las películas de Derek Jarman. 1980). (1982). Fuera del ámbito norteamericano. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. de El gran azul (Le grand bleu.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). Así. o Jonathan Demme.T. 1983). antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. la sombra del guerrero (Kagemusha. John Sayles y Spike Lee. tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. con su Terciopelo azul (1986). o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. Un tipo genial (Local Hero. No obstante. 1988). Still Lives. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. Al otro extremo de la pirámide de las edades. hoy en día. la obra más taquillera de la década en su país natal. . tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. 1986). especialmente. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. con El silencio de los corderos (1991). gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. La guerra de las galaxias (1977) y E. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. Las puertas del cielo (Heaven's Gate. al promover una visión adolescente del mundo. Martin Scorsese. este último. La cinematografía china. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. cuyo éxito. un film que supondría su despedida del cine. no obstante. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). que. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. El contrato del dibujante (1982). David Lynch. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. En cualquier caso. caso de El color del dinero (The Color ofMoney. por su parte.

se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. Frank Vincent (Salvy). DURACIÓN: 129 minutos. típicamente católica. su disciplina se relaja. mientras el rodaje estuvo detenido. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. que produce la dicotomía cuerpo/alma. Nicholas Colasanto (Tommy Como). A pesar de que. pierde a su esposa. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. golpea a su leal hermano y pierde también su título. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. MONTAJE: Thelma Schoonmaker.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. Theresa Saldana (Lenore). es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. Por otro lado. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. en otro nivel. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). Cathy Moriarty (Vickie La Motta). Kirk Axtell y Sheldon Haber. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. Una vez alcanzado su objetivo.UU. En su calidad de dueño de un club nocturno. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. un colaborador habitual de Scorsese. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. se niega a entrenar. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos.. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. GUIÓN: EE. A lo largo de la película. Joe Pesci (Joey). B/N. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). finalmente. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década».de un total de ocho nominaciones. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. tanto dentro como fuera del ring. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. con más del doble de votos que su más próximo rival.

420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. llamado Marión Brando. Karl Malden (Mitch). Argumento Comentario Nueva Orleans. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski.. Marión Brando (Stanley Kowalski). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. dejando solo a Stanley. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. DURACIÓN: 125 minutos. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Rudy Bond (Steve Hubbell). FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. se mantuvo a Elia Kazan como di- . Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. MONTAJE: David Weisbart. basado en el drama de Williams. Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. que le escucha encantado. Kim Hunter (Stella Kowalski). Nick Dennis (Pablo Gonzales). Stanley. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. Feldman). entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso.UU. B/N. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar.

la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. la maestría del montaje de . Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. básicamente. Por otro lado. que. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. DURACIÓN: 120 minutos. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. 1950). El film fue nominado para doce premios de la Academia. inspirado en las ideas de Stanislavsky. Josef Goebels. de dentro afuera. Muy pronto. que fueron a parar a Vivien Leigh. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. un documental. MÚSICA: Herbert Windt. B/N. la psique de su personaje. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. Karl Malden y a la dirección artística. de Vivien Leigh. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. obteniendo tres de ellos. MONTAJE: Leni Riefenstahl. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. con la notable excepción de Jessica Tandy. efectuado por el propio Hitler. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. igualmente eficaz. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. Hitler y su ministro de Información. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. Aunque el film es. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. Tanto en las primeras escenas. que fue sustituida por Vivien Leigh. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. noticiarios. así como la decisión con que exploró. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania.

en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». Entretanto. un acaudalado joven. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». un muchacho retrasado. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. una vez concluida la guerra.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. DURACIÓN: 118 minutos. 1938). Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). Cuando Billy. Ben Johnson (Sam El León). Duane. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon.. se sentirá muy apenado. Su siguiente obra. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. MONTAJE: Donn Cambern. Aunque. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. en cierto modo. Argumento Año 1951. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. sea asesinado. de una factura técnica impresionante. Anarene. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). 1971 Peter Bogdanovich. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. Jeff Bridges (Duane Jackson). . Ellen Burstyn (Lois Farrow). Friedman). GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). B/N. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. cuando el viejo muera. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. es otro documental de corte propagandístico. Texas. Cloris Leachman (Ruth Popper).UU. pero son interceptados por los padres de la chica. Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. frustrado por el comportamiento de Jacy. Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny.

DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. ambientada muchos años después. No obstante. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. Richard Boone (Mike Sweeney). James Stewart (Dr. compasión y emotividad descarnada. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. que. MONTAJE: Douglas Stewart. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). Hostetler. PRODUCCIÓN: Mike J. 22 de junio de 1901. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. Gillon interviene para matar al camarero. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. el director John Ford. obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. Argumento Carson City. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. Hostetler).426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. 1967). pero. Ron Howard (Gillom Rogers). volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. Texasville (1990). aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. sólo en los Estados Unidos. finalmente. pero queda gravemente herido. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. Lauren Bacall (Bond Rogers). un periodista pasado a la dirección cinematográfica. El último pistolero THE SHOOTIST EE. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. una secuela. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). MÚSICA: Elmer Bernstein. y allí traba amistad con Gillon. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. asqueado. Decidido a asegurarse una salida digna. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. el hijo de ésta. DURACIÓN: 100 minutos. Acaba con los tres. Hugh O'Brien (Pulford). Frankovich y William Self. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. 1976 DIRECTOR: Don Siegel..UU. un thriller lleno de originalidad y tensión. Nevada. arroja lejos de sí el .

hacen allí mismo el amor. 1972 Bernardo Bertolucci.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. caso de John Carradine. o James Stewart. Mauro Marchetti (Cámara de TV). Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. Por otro lado. Jean-Pierre Leaud (Tom). Franco Arcalli y Agnes Varda. Después. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. María Schneider (Jeanne). la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. Darling Legitimus (Portera). contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. DURACIÓN: 129 minutos. el jugador de La diligencia (1939). algo que también es aplicable al propio género del western. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. MÚSICA: Gato Barbieri. el agua corriente. 1962). Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros.que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. Al día siguien- .que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. donde hace poco se suicidó su mujer. 1962). MONTAJE: Franco Arcalli. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. Lauren Bacall. Paul y Jeanne. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Catherine Sola (Script de TV). la electricidad. 1972). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. que hace del enterrador de Carson City. Argumento París. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. él regresa a su hotel. con toda su pintoresca gama de pistoleros. que acaban de conocerse en un piso vacío. por ejemplo. el cineasta Tom. 1955). Todo en esta película. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. Al principio de la película.

o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. MONTAJE: Robert Simpson. tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. Russell Simpson (Pa Joad).UU. Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. El último tango en París rebosa veracidad emocional. y a pesar de sus fallos. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. John Carradine (Casy). Charley Grapewin (Abuelo Joad). Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. Sin lugar a duda. MÜSICA: Alfred Newman. Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. DURACIÓN: 125 minutos. Dorris Bowdon (Rosaham). El encanto se ha roto. Mark Lee Kirk y Thomas Little. Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. la segunda de ellas la de mejor director). a veces. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella. B/N.. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Comentario El último tango en París. con final en matrimonio. . Jeanne regresa al piso. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. Zanuck). el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. Jane Darwell (Ma Joad). puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. 1940 DIRECTOR: John Ford. Con todo.430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. Por desgracia. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland.

por la magnífica interpretación de Henry Fonda. En un campamento al que llegan. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. . e incluso quemada. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. Darryl F. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. encargó el guión a Nunnally Johnson. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. Nominada para siete premios de la Academia. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. entre ellos el de mejor actor. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. Casy. Publicado en marzo de 1939. en cualquier caso. un antiguo reportero de prensa. Sin duda. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». Ella. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. y contrató a John Ford para la dirección. por su parte. 1946). En los años sesenta. en varios lugares de América. el jefe del estudio. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. Zanuck. Tom venga su muerte. que llegó a ser prohibida. De hecho. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. convirtiéndose en un fugitivo. Novela controvertida. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. encuentra un refugio provisional. 1964). un sacerdote.tuvo algo que ver en ello. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. En un campamento estatal de tránsito. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. en este caso bien organizado. el único compañero fiel son las múltiples privaciones.000 dólares. pero. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio.

. 1979). confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. 1902). T. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. o la obra de Stanley Kubrick. 1968) y sus numerosas secuelas. En la década de los setenta. El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. sobre sus desconocidos efectos secundarios. una serie que aún hoy sigue impactando. 1958). sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. generalmente hostiles. 1953). 1990) mantuvieron la vitalidad del género. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. la más impactante de todas. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). a la vez que un espectáculo visual arrebatador. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. como ocurría en La humanidad en peligro (Them. en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. 1973). un film que. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). a todos los efectos. No obstante. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. 1951). El género. Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. Wells en La vida futura (Things To Come. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. Douglas Trumbull. 1953) y. 1981). con la película Star TrekILapelícula (Star Trek.en una entrañable cursilería. una odisea del espacio (1968). G. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. 1973) o Soylent Green. sin embargo. Invasores de Marte (Invaden from Mars. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976).434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. que fue merecedora de una nominación para los Osear. 1954).y con Atmósfera cero (Outland. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. cuando los encuentros con seres extraterrestres. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. un colaborador de Kubrick en aquel film. Sin embargo. más en concreto. una fe que. debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. (1982) había derivado . El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale.o degenerado. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. cuando salió a la luz su obra E. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. 2001. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. 1936). la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. el octavo pasajero (Alien. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables.

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». . que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. Tras la guerra. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. George Tobías (Dietz). Joan Leslie (Mary). B/N.UU. al igual que sucedía en la novela. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. tal decisión no le resta impacto a la película. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. une a la familia por última vez. INTÉRPRETES: James Cagney (George M. Irene Manning (Fay Templeton). Walter Huston (Jerry Cohan). GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. Cohan. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. DURACIÓN: 126 minutos. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. Sin embargo. La composición de George Washington Jr. Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. estaba previsto que en la película. De igual modo. En cualquier caso. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North).. En un principio. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. productor asociado). MÚSICA Y LETRAS: George M. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. MONTAJE: George Amy. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. Cohan). El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. Richard Whorf (Sam Harris).

en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. La vida de casado no es precisamente sencilla. Daniel G. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. que se encontraba ya muy enfermo. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana.000 fueron a parar a manos de Cohan. Sin embargo. B/N. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. Eleanor Boardman (Mary). Dell Henderson (Dick).000 dólares -de los que 100. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. Tomlinson (Jim). James Cagney que. según parece. sin embargo. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). fue. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. La película. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. Narrada mediante flash-backs. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. Tras quedarse huérfano en su juventud. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. interpretando el papel de la hermana de Cohan. INTÉRPRETES: James Murray (John).500. GUIÓN: King Vidor.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. un 4 de julio. Contando con un presupuesto estimado en 1. Estelle Clark (Jane). Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. John V. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. el verdadero dueño de la misma es. DURACIÓN: 95 minutos. John queda destrozado y comienza a ir . Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE.. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. Bert Roach (Bert). cuando su hija muere atropellada por un camión. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. al mismo tiempo. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. A.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. en un papel que le valió su único Osear. gracias a su inmensa experiencia.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. hasta los momentos finales.UU. en todo momento. MONTAJE: Hugh Wynn. Jeanne. 1928 King Vidor.

Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). Francois Perier (Elfiscal). El actor principal. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. en 1936. Jacques Perrin (El periodista). Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. algo que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. un carismático parlamentario de la opo- . todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. al que la película sacó del anonimato. John toca fondo y decide suicidarse. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. DURACIÓN: 125 minutos. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. James Murray. «Z». Durante bastante tiempo no se supo nada de él. hasta que. sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. Georges Geret (Nick). Jean-Louis Trintignant (El juez). multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. MÚSICA: Mikis Theodorakis. según se determinó se había quitado la vida. Vuelve a unirse a Mary. su cuerpo fue hallado en el río Hudson.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. no era demasiado frecuente. MONTAJE: Francoise Bonnot.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. pero no obtuvo premio alguno. Cuando años más tarde. En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. Argumento Un país mediterráneo. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). en la época. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. su orgullo le impidió aceptarlo. z Francia/Argelia. 1934). un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas.Irene Papas (Helene). California. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud.

la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. 1973) o Desaparecido (Missing. asegura que estaba borracho. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. Al margen de su dimensión política. Finalmente. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. En Estados Unidos. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. un testimonio que es corroborado por Vago. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. No obstante. por lo demás. no ocurre lo mismo con Z. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. unos rasgos que. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. el otro ocupante del vehículo. el conductor de la furgoneta.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. En última instancia. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. . además. sin embargo. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. 1981). obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. Con todo. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. Sin embargo. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. interpretado. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. Yago. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera.

Es interesante señalar que. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. Tras dos semanas de rodaje. por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. finalmente. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. una comedia de Neil Simón. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. tras dos semanas de rodaje en Suiza. sería abandonada definitivamente. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston.The Deep (1957). . Por otro lado. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. 1989). o The Jackpot (1975). una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. 1941) y El halcón maltes (1941). No obstante. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. pero que nunca pasaron de ahí. si pueden. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). Empieza el espectáculo (1979). aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. poco tiempo después. que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. en algún momento. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. 1991). Ocurre a veces. se le pasaron a alguien por la cabeza. 1977). En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. sin embargo. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. (1966). a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. dirigida por Mike Nichols. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. Ése fue el caso de Bette Davis. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). o la versión de la novela de Conrad Nostromo. cuya financiación solía ser muy precaria. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. que ganaría el Osear por su papel en una película que. un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. en la actualidad. El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962).

La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 . El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. delante de los niños.en una palabra: emoción». La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». todos a bailar. El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine.índice de artículos monográficos El silencio es oro. El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. El cine negro «. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos».. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto». no..

El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós. Los Osear El presente. La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos».. la cólera de Dios (Aguirre. muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es.». derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 ..

el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 .T. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda.T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. (E._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) .

domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 ... 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) .460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max. el vampiro (Nosferatu. lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli. Texas (París. Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) .... mentiras y cintas de vídeo (Sex. 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París. Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche.. eine Symphonie des Grauens). Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma... 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead).

445 VittorioDeSica. 266 LuisBuñuel. 273 WilliamFriedkin. 429 Peter Bogdanovich.141. 164 John Cassavetes. 49. 313 Sergei Einsestein. Cooper. 65 AlanCrosland. 169 Walt Disney. 288 . 385 ClaudeChabrol.212. 181 Ford Beebe. 234 Francis Ford Coppola. 100.218 Michael Curtiz. 381 WilliamDieterle. 324 Clyde Bruckman.91 GeorgeCukor. 252. 77 Stanley Donen.322. 257 Jean Cocteau. 374 Bernardo Bertolucci. 155 Tim Burton.338 Jack Clayton. 13.23 Federico Fellini. 307 Merian C. 176 Abel Gance. 181 Terence Fisher. 255. 309 Constantin Costa-Gavras. 104. 28 John Frankenheimer. 181 RobertAldrich. 148.139 Cari Dreyer.357.115.192.431 Milos Forman.290 Michelangelo Antonioni. 63 Samuel Armstrong. 88.96 Charles Chaplin.336 Woody Alien.183 Norman Ferguson. 153 Víctor Fleming.396 Marcel Carné. 70 FrankCapra. 425 Robert Bresson. 44 RobertAltman.índice de directores James Algar.264 John Ford. 449 Kevin Costner. 181 Ingmar Bergman.238 Jonathan Demme.334. 178.

181 George A. 220 MikeNichols.364 WilliamWellman. 245 HughHudson. 67 Edwin S. 150. 198 Laurence Olivier.33.241. 134. 25 Peter Greenaway. 423 Bill Roberts. 102 RaoulWalsh. 42 Erich von Stroheim.171.220 Giuseppe Tornatore.352 Wilfredjackson. 315 CarolReed. 362 Jean Renoir.367 Gillo Pontecorvo.162. 18 Alexander Mackendrick. 404. 276 Andrei Tarkovsky. 109. 139 Buster Keaton. 413 Sam Peckinpah. 266 WilliamKeighley. 243 Jean-Paul Rappeneau.398 T. 203 Arthur Penn.418 DonSiegel.331 WimWenders. 113 D. 250.392 SamW6od. 35.224. 190 Otto Preminger. Schoedsack.387 VolkerSchlondorff.394 Paul Satterfield. 343 SatyajitRay.383 . 196 Andrzej Wajda. 40 SamTaylor. Mankiewicz.357 Stanley Kubrick. 411 Josef von Sternberg.420 Gene Kelly. 327 ErnstLubitsch.281. 222 Alan J.181 Howard Hawks. 234 Martin Scorsese.111.72 George Lucas.406 Karel Reisz.269 FredZinnemann.98 John Huston.302 Fred Newmeyer. 146 Hamilton Luske.Pakula. 58 Rouben Mamoulian.74. 181 MarkSandrich. 125 EW. 376 Steven Spielberg. 86 James W. Porter.299 WilliamWyler. 127 Nicholas Ray.Murnau. 181 Elia Kazan. 166 Nagisa Oshima.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard.30. 137.320 RobertWiene. 47. 131. 106 Francois Truffaut. 201. 229. 205 SidneyLumet. 442 Steven Soderbergh.378 FritzLang. 173 George Miller.345 Leni Riefenstahl.Hee. Romero. 51 Michael Powell.354.292 KingVidor.236 Orson Welles. 210. 304 Billy Wilder.372 Akira Kurosawa.227.278.181 Werner Herzog.Griffith. 84. 129 Joseph L. 157. 181 David Lynch.215. 341.427 Víctor Sjóstrom.401 Ernest B. 259 Vincente Minnelli. 350 LouisMalle. 60 Prestan Sturges. 408 Adrián Lyne.271 Kenji Mizoguchi. Horne. 185.W.436 Charles Laughton.122. 20 Alfred Hitchcock. 194 RobertWise. 360. 297 Roberto Rossellini. 440 Istvan Szabo. 79 Román Polanski. 438 Dennís Hopper.248 Sergio Leone. 295 David Lean.329. 53 Luchino Visconti.120.447 Jean Vigo.283 JimHandley.311 James Whale.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .