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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

aunque sólo sea un instante.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que. en su momento.. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". no hay nada que tenga más valor. simplemente.. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray. la búsqueda de un elusivo halcón negro. En cierta ocasión. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. les conmovió. toda una colección de clásicos del cine. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos.. me conformaría. Tímidamente. mientras exista el cine. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia.. Años más tarde. les entretuvo. una mano que trata de coger una mariposa. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. y morir sabiendo. les deleitó o. les instruyó. me sentiría muy halagado. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. bueno. por lo tanto. En suma. verdaderamente inolvidable». Los clásicos del cine . Este libro es. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. la Muerte jugando una partida de ajedrez. No me importaría nada que fuera algo así... un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. Dorothy aventurándose por el arco iris.

Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. uno de ellos. FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V.El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. DURACIÓN: 75 minutos. Repnikova (Mujer de las escaleras). Sin embargo. Vakulinchuk. Levchenko (Contramaestre). GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. Los marineros se hacen con el 13 . Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. provocándose así el estallido de la revuelta. se ordena su ejecución. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. Popov. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). MONTAJE: Sergei Eisenstein. Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. B/N. MÚSICA: Edmund Meisel.

un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. Si bien. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. Lo más significativo fue. el más reciente de ellos. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. la tripulación del Potemkin. no obstante. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. que ha muerto durante la refriega. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. . mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. 1987). donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. De esta forma se cumplían. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. de forma inmediata. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. hasta cierto punto.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. hoy en día. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. según el cual. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. ante el temor de posibles represalias. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa.

Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. su impacto a principios de siglo fue revolucionario. 1920). Gish. en cambio. Hoy en día. De Mille. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Chaplin. 1922). Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. Griffíth. Y de hecho. No obstante. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. En la escena que da título a esta película. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. 1928) y La edad de oro (1930). Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). W. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. Entre tanto. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. así como en la subsiguiente persecución. el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. siempre estuvo en entredicho. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. dando lugar a dos llamativas producciones. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. En 1919. Un perro andaluz (Un chien andalou. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. Pickford. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). Así. Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. aunque un tanto diluido. quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. Aflash-back o el montaje alternado. Posiblemente. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). en los cines de todo el mundo. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. en Rusia. . También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. Griffíth. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. Gran innovador de la técnica cinematográfica. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular.

Al descubrirse las trapícheos que Joseph. MONTAJE: Emmanuelle Castro. Francois Negret (Joseph). Julien Quentin.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. muy querido. resulta absolutamente creíble. éste delata al Padre Jean a la Gestapo. Quentin). hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. y clausuran la escuela. está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. una experiencia que. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. La relación entre los dos muchachos. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. Comentario Argumento Año 1944. realiza en el mercado negro. Francois Berléand (Padre Michel). El argumento. PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. aunque quizá esté un tanto idealizada. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Francine Racette (Mme. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. GUIÓN: Louis Malle. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. Peter Fitz (Muller). MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). a pesar de ser bastante travieso. un muchacho de doce años. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). el pinche de la escuela. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. la Francia ocupada. Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. en venganza por haber sido despedido. D U RACIÓN: 104 minutos. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . tan sencillo como sugerente. marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. y su hermano Francois.

La traición. junto a algunos de los chicos de la escuela. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). Armando Polanah (Armando). Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. Del Negro (Gaspar de Carvajal). envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. DER ZORN GOTTES Alemania. DURACIÓN: 93 minutos. Helena Rojo (Inés de Atienza). EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. 1560. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». Dany Ades (Perucho). MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. viene de manos de Joseph. la cólera de Dios Argumento Perú. MÚSICA: Popol Vuh. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. sella el destino de Bonnet. cuando finalmente se produce. el líder del Frente Nacional. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). la legendaria ciudad de oro de los incas. Edward Roland (Okello). Impulsado por su maníaca empresa. y seguramente impremeditado. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. permite prever lo que habrá de ocurrir. fruto del resentimiento. Al llegar al Amazonas. se dedica a trapichear en el mercado negro. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. que viaja acompañado de su esposa Inés. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). Aguirre. El acto de venganza de Joseph. su jefe. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. Aguirre. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Tan sólo alguna intrusión ocasional. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. Aguirre sigue adelante. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. la cólera de Dios AGUIRRE. . Pizarra.se va apoderando del control de la expedición.

Orlov (Ignat. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. Novikov (Pavsha. cuando las balsas emprenden su largo viaje. MÚSI- Sergei Prokofiev. durante el rodaje.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. Sin embargo. de una fuerza arrebatadora. Nikolai P. Abrikosov (Gavrilo Olexich). noble de Novgorod). Aunque el propio Herzog reconoció que. Okhlopov (Vassily Buslai). B/N. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. otra película de Herzog. Fitzcarraldo (1982). DURACIÓN: 112 minutos. Dimitri N. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. la verdadera motivación de su delirante empresa. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. V. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. N. gobernador de Pskov). 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. una actitud que le valió numerosas críticas. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. Reúne un vasto ejército . fruto de la imaginación. que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. constituye una imagen inolvidable. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. en la que Aguirre. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. maestro armero). cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. La película. PRODUCCIÓN: Mosfilm. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. K. N. el último superviviente. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. Sin embargo. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. Arski (Domash. Alexander L. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. La escena final. constituye un estudio.

PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). libra una batalla campal decisiva. Para los espectadores contemporáneos. A pesar de lo dicho anteriormente. Daniel Boulanger (Inspector Vital). Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. MÜSIC. sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. DURACIÓN: 90 minutos.I: Martial Solal. En este sentido. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. mandada por el Príncipe. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). el primer fruto de su estilo tardío. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. 1942-1946). en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». Liliane Robin (Minouche).24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. Eisenstein. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . en el año 1242. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. Roger Hanin (Cari Zubart). para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. 1928). entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). las películas de las décadas siguientes. a orillas del lago Peipus. 1967). B/N. 1959 Jean-Luc Godard. MONTAJE: Cecile Decugis. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). presentan unos rasgos mucho más tradicionales. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard.

para alabar. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. la nueva ola de cineastas franceses. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. a partir de mediados de los cincuenta. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. sin ningún reparo. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. Tras regresar de una cita. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. uno de ellos morirá. en cambio. les sigue la pista cada vez de más cerca. se hacen de otras películas. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. Claude Chabrol y Eric Rohmer). Tras haber pasado la noche juntos. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. y contando con Chabrol como consejero técnico. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. . que. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. Al serle imposible recuperar su dinero. una estudiante americana que aspira a ser periodista. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. La policía.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. Conmocionado. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. Escrita en colaboración con Truffaut. entre tanto.

Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). Finalmente. Sería él quién haría el proyecto realidad. según parece. una de las pelí- . FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. Lynzee Kingman y Sheldon Khan. es. 1975 Milos Forman. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. éste se suicida. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. Cuando regresa a su sala.. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. McMurphy intenta estrangularla. el Jefe Bromden. que es. Entre las actrices que. William Redfield (Harding). cuando llamó la atención del director Milos Forman. llevándoselos sin permiso de excursión. además. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. Michael Berryman (Ellis). que sería quien finalmente encarnara al personaje. precisamente. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. Danny De Vito (Martini). posteriormente. se encontraban Anne Bancroft. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. al amenazarle con informar de ello a su madre. parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. interpretando un pequeño papel en la película de su marido. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. uno de sus compañeros. Ellen Burstyn y Geraldine Page. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. es trasladado a una casa de salud mental del estado.BradDourif (Billy Bibbit). rechazaron el papel. Louise Fletcher. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. se le somete a una lobotomía. GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. DURACIÓN: 133 minutos. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). una noche. Argumento El recluso Randle P. MONTAJE: Richard Chew. que le tuviera a él como protagonista.UU. Alguien voló sobre el nido del cuco. A la mañana siguiente. Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. pero es domeñado y. William Fraker y Bill Butler. Thieves like us (1974). McMurphy. Angela Lansbury. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). las salas del hospital.

entabla amistad con él.. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. En la prisión. y Jarrett. Por otro lado. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares.30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. un infiltrado de la policía. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). por la que su hijo siente auténtica devoción. No obstante. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . B/N. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. GUIÓN: EE. Entre tanto. DURACIÓN: 114 minutos. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). la esposa de Jarrett. Steve Cochran (Big Ed Somers). Jarrett está a punto de enloquecer. John Archer (Phillip Evans). al verse atrapado en la refinería. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. Edelman). el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. MONTAJE: Owen Marks. Al rojo vivo nato. MÚSICA: Max Steiner. Virginia Mayo (Verna Jarrett). INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. Vera. Hank Fallón.UU. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. conduce al FBI hasta Cody. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. Margaret Wycherly (Ma Jarrett).

de joven. DURACIÓN: 117 minutos. se enfrenta al oleaje. Cohan en Yanqui Dandy (1942). Ralph Sipperly (El barbero). ¡Dios mío. Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. mientras grita un desafiante. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. en Arthur «Doc» Barker.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. le de- . ambos pasan el día en la ciudad. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. El personaje de Cody Jarrett. según parece. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. como El vagabundo (Johny Come Lately. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. Mientras regresan a su casa en barca. en un verdadero tour de forcé de emotividad. en cuyo caso.Farrell MacDonald (El fotógrafo). James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. La cima del mundo». Bodil Rosing (La doncella). Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. porque. realizados para su propia productora. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. En cierta ocasión. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». El campesino. tras empujar a su mujer para tratar de salvarla.. y otros trabajos menores. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). 1943) o The Time ofYour Life (1948).32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). Murnau. cuando llega el momento. está basado. es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. que. J. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese.UU. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. Ma. Reconciliado con su esposa. El papel de George M. La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. de Hermann Sudermann). B/N. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. finalmente. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. W. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. por el que obtuvo un Osear. Al rojo vivo. «Lo conseguí. 1927 F. Janet Gaynor (La mujer). 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. visité Ward's Island. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker.

. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. reconciliación o sospecha. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. Eugene Borden (George Mattieu). sigue sin aparecer. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. el campesino corre eufórico a su encuentro. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. MÚSICA: George e Ira Gershwin. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). un soldado norteamericano. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. Murnau. Nina Foch (Milo Roberts). FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. A pesar de que la película fue un fracaso comercial. Argumento Jerry Mulligan. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. a diferencia de lo que suele ser habitual. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. resulta absolutamente prodigiosa. Georges Guetary (Henri Baurel). la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. como El séptimo cielo (Seventh Heaven.. Su esposa. a la mejor fotografía y a la mejor actriz.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. Melodrama pictórico y poético. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. Aunque es posible que fuera él mismo quien. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. sin embargo. hasta el punto de que. 1928). PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). cree que ha ejecutado su plan. a otras de un mayor naturalismo. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Leslie Carón (Lise Bouvier). DURACIÓN: 113 minutos.UU. se desprende de la totalidad de la historia. Osear Levant (Adam Cook). Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. MONTAJE: Adrienne Fazan. Aun evaluándola con criterios actuales. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. GUIÓN: Alan Jay Lerner. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. W. tanto en los decorados como en la interpretación.

en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. director y bailarín y. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. Manet y otros artistas. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). cantante. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. No obstante. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. Milo Roberts. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. Por otro lado. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. especialmente. que dirigía el productor Arthur Freed. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. Finalmente. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. en tiempos recientes. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. bailes. Sin embargo. pues se trata de la prometida de Baurel. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. diálogos y decorados. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. .el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. de la compañía de la chiquillería del barrio. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). Mientras celebra su suerte en un club nocturno. ésta se resistirá al idilio. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». conviene mencionar que. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película.5 millones de dólares.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes.

de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. una modesta empresa creada por Harry Cohn.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. Mayer o Harry Cohn. a excepción de la palabra «cuchillo». 1943). se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). sin embargo. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. la Universal. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. Entre tanto. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). Marlene Dietrich y Gary Cooper. La R-K-O. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. mientras que la Columbia. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. hayan sido objeto de numerosas críticas. también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. Judy Garland y Greta Garbo. 1936). La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. Entre tanto. Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros.y El cuarto mandamiento (1942). considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. 1931). se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. La M-G-M. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. al otro lado del Atlántico. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. Conviene no olvidar. la primera película hablada del cine británico. en el Reino Unido. 1939). fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. . con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). durante un breve período de tiempo. a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. Sin embargo. Deeds Go to Town. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. por su parte. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929). como Louis B. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. Por otro lado. sin embargo.

El dubitativo protagonista. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. En el curso de sus peregrinaciones.S. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. comenzará a dudar del valor de su existencia. posteriormente.. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que. El espejo (Zerkalo. Como cabía esperar. un monje y pintor de iconos del siglo xv. entre ellas. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. Solaris (1972) y Stalker (1979). vertiendo lágrimas de dicha. Nikolai Burlyayev (Boriska). se entretiene con un bufón. hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. Argumento Rusia. el pintor de iconos Andrei Rubliov. A la conclusión de la obra. PRODUCCIÓN: Mosfilm.S. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. DURACIÓN: 185 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva.R. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. las autoridades soviéticas. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. siglo xv. es raptada. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. Color y B/N. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. El fantasma de Teófanes se le aparece. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. Más adelante. y su film de reminiscencias personales. . La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. Ivan Lapikov (Kirill). y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. el rostro de Andrei. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). Paradójicamente.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. 1974). Irma Raush (La muchacha sordomuda). MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. El héroe epónimo. Inspirado por esta visión. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. Aunque se encontraba ya acabado en 1965.

el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. B/N. De regreso a Alemania. un mago). iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. MÚSICA: Friedrich Hollander. y habiendo perdido toda su autoestima. Kurt Gerron (Kiepert. Rosa Valette (Guste. es despedido. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). se contrató a Dietrich. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. MONTAJE: Sam Winston. Borracho de placer y de champán. regresa a su antiguo colegio y muere. en su lugar. Hans Albers (Mazeppa). La trama básica de la película. Henchido de dolor. Abatido. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. Argumento El profesor Immanuel Rath. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. DURACIÓN: 103 minutos. de Heinrich Mann). Briggite Helm. La última orden {The Last Command. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). uno de los puntales de la comunidad. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. pasa toda la noche en el local. Marlene Dietrich. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. regresa junto a Lola-Lola. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). que le convence para que se case con ella. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. la seductora artista del espectáculo. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. sin embargo. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. y fue el propio director quién le sugirió que. filmaran El ángel azul. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. pero se queda cautivado por Lola-Lola. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. con la llegada de las películas habladas. el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. Trude Hesterberg. 1928). antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. su mujer). una novela de Heinrich Mann. publicada en 1904. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. GUIÓN: Robert Liebmann. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania.

deciden volver a separarse. Comentario AnnieHall EE. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. negado para la vida. hoy en día. Joffe para United Artists (Charles H. Tony Roberts (Rob). etc. en este caso. se produce la separación. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. pero. tiene algo de . PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. Alvy inicia una relación con Pam. tras una pelea.).UU. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. finalmente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. Shelley Duval (Pam). 1977 DIRECTOR: Woody Alien. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. Capricho español [The Devil is a Woman]. tras realizar un fútil intento de reconciliación. y en el vuelo de regreso a Nueva York. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. Tony Lacey. DURACIÓN: 93 minutos. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. ini- Con Annie Hall.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. Joffe). MÚSICA: Varios. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. la pareja volverá a reunirse. Diane Keaton (Annie Hall). escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. 1930. despierta los celos de Alvy y. Paul Simón (Tony Lacey).será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. una periodista. La Venus rubia [Blonde Venus]. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. El interés que el magnate del mundo discográfico. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. Annie Hall. Carol Kane (Allison). constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. 1932. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. y Alvy. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. 1934. a la que el director vestía e iluminaba. muestra por Annie. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. 1935. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que..

bajo el título provisional de «Anhedonia». el director de la empresa. a su vez. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). 1960 Billy Wilder. Dreyfus). una circunstancia reconocida por la propia Academia. mejor director y mejor guión. Marshall MacLuhan. D. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. Por todas estas razones. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. C. entre ellos los de mejor película. B/N. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. J. . Diamond. MÚSICA: Adolph Deutsch. un empleado de una aseguradora. Sheldrake.46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella.UU.el film es. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. Baxter. colocándole. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. Ray Walston (Mr. Rodada con su habitual secretismo. Jack Kruschen (Dr. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). A. L. Edie Adams (Miss Olsen). MONTAJE: Daniel Mandell. Diane Keaton.. le consigue un inesperado ascenso. acuciado por su conciencia. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. En recompensa por la cesión de su apartamento. Fred MacMurray (J. y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. Panavisión. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». GUIÓN: Billy Wilder e I. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. envalentonado por su nueva situación. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. Baxter. Sheldrake). Tras declarar su apartamento zona prohibida. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. para crear un efecto cómico. D. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. DURACIÓN: 125 minutos. Baxter. Dobisch). se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. más bien. la ascensorista de la empresa.

Harrison Ford (Coronel Lucas). Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). (70 mm) (35 mm. ciertamente. Apocalypse Now EE. INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. Kurtz). Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. Technicolor. MONTAJE: Walter Murch. Willard. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. con ella. El triunvirato formado por Wilder. Dennis Hopper (Fotógrafo). FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). fue nominada para diez premios de la Academia. e insta a Wi- .. DURACIÓN: 141 minutos. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. Este último.. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. hasta entonces apenas explotada. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. una generación más tarde. a su vez.UU. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. una de sus obras más populares. en ocasiones. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). Argumento Vietnam. L. aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. The Doors. Kurtz le explica su filosofía. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. Gerald B. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. Francis Coppola. MÚSI- CA: Carmine Coppola. Frederic Forrest («Chef» Hicks). según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. de la que. y. 1963). Wilder combina ambas en El apartamento. que.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. Willard). El resultado fue El apartamento (1960). A. Cuando se produce el encuentro. 1964). Larry Fishburne («Limpio»). 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. etc. el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. Wagner. un capitán harto de combatir. fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. Greenberg y Lisa Fruchtman. de Joseph Conrad). Diamond). que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944).

PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. George Barnes.fue. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. «Bronco Billy» Anderson. S. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir. A.UU. Tras unírseles otros cuatro forajidos. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor.. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. según lo utilizó T.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Finalmente. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. Michael «Crónicas» Herr. entre otros. C. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. sin embargo. INTÉRPRETES: G.» Con esta ampulosa declaración. Abadie y Marie Murray. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . el horror». Las tormentas tropicales destruyeron los decorados.M. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. Éste. B/N. Es Vietnam. Willard parte río abajo. la película. produciendo un efecto verdaderamente turbador. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. 1903 DIRECTOR: Edwin S. Porter. justo antes de que un tren llegue a la estación. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». horror y absurda belleza. Martin Sheen. Eliot en La tierra baldía. A continuación. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. pasando de 12 a 31 millones de dólares. tan típica suya. irónicamente.

Atrapados cuando procedían al reparto del botín. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. abandonó la realización de películas en 1916. la joven campesina con la que acaba . se forma una partida al mando del sheriff. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara.hasta que. de Edwin S. B/N.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. L'Atalante Francia. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. Louis Lefebvre (Muchacho). y se emprende la persecución de los ladrones. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. Nounez). No obstante. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. Durante la década siguiente. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). Comentario A principios del siglo xx. finalmente. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. Porter. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. constituye un importante jalón en ese proceso. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. «Bronco Billy» Anderson. MÚSICA: Maurice Jaubert. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. Rápidamente. Asalto y robo a un tren. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. vivo o muerto (TheBounty Killer. Argumento Jean. el circo. Entre tanto. por comparación. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. 1965). Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. MONTAJE: Louis Chavance. el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. Dita Parlo (Juliette). Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). Jean Daste (Jean). aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. conformando una especie de retablo. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. DURACIÓN: 85 minutos. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. En cuanto al principal actor. el capitán de la gabarra L'Atalante.

estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. Al estrellarse contra el agua. Al llegar a Le Havre. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. Traba amistad con Pére Jules.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. franceses y belgas. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. consigue localizar. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. uno de los grandes estudios franceses. Sus cortometrajes anteriores. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. y Jean. por un golpe de fortuna. . hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. el viejo y gárrulo compañero de Jean. finalmente. alternando momentos de comedia con otros de tensión. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. le contrató para que realizara lo que. a primera vista. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. Dos semanas más tarde. al hallarse momentáneamente separados. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. En la película El último tango en París (1972). ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. Juliette se escapa a tierra. fuera de sí. Cuando Gaumont. arroja un flotador por la borda. decide soltar amarras y partir sin ella. a la que. Distanciados ahora el uno del otro. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes.

Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. La respuesta del público fue tan entusiasta. El Rey de reyes (The King ofKings. no tenía ninguna posibilidad de competir. 1968). por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). por lo general. la que indujo a D. en cualquier caso. la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. Finalmente. 1953). 1966-1967). 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. se encuentran Sergei Eisenstein. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. 1977) y Gandhi (1982).56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. 1956) o Ben-Hur (1959). Douglas Fairbanks. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. En el momento presente. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. 1965) y tantos otros más. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. 1954). cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. sin olvidar otras producciones que. caso de Guerra y paz (War and Peace. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. 1956). El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. como Robin de los bosques (Robin Hood. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). . pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. De ese modo. Sería. se embarcó en empresas de gran envergadura. Por otra parte. resultaban igualmente espectaculares. que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. Sergei Bondarchuk. Sergio Leone. no obstante. por ejemplo. aunque no de carácter bíblico. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. que protagonizó Richard Burton. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. la enormidad de los costes. la pequeña pantalla. De Mille. o las primeras obras de Cecil B. la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). 1962). a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. cultivó gran variedad de géneros. 1949). autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). en 1923 y 1956). La preponderancia de la figura de Cecil B. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. de algún episodio bíblico. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. W. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. Guerra y paz (Voina i mir. Cabiria (1914). una producción italiana. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. o Werner Herzog. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. De Mille.

En un principio. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. se estrella con su coche. ha mantenido con Alex Forrest. Cada vez más desesperada. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. consigue ahogar a Alex. aparentemente.UU. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. En la pelea que se producirá a continuación. solteras y liberadas sexualmente. Berger. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. calcada de una escena similar en Las . Adrián Lyne. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. 1986). FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. pero ésta vuelve a levantarse. conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. Más adelante. 1987 Adrián Lyne. Michael Douglas y Anne Archer. Dan. Jaffe y Sherry Lansing). Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. MÜSICA: Maurice Jarre. Anne Archer (Beth Gallagher). éste es un film con más estilo que sustancia. Más adelante. Stuart Pankin (Jimmy). un hombre felizmente casado. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. a todas luces desproporcionada.la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Beth. cuya realización fue confiada a otro compatriota. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. presa de la angustia. Glenn Cióse (Alex Forrest). Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. DURACIÓN: 120 minutos. titulado Diversión. GUIÓN: James Dearden. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). una virulenta proclama a favor de la monogamia. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. momento en que Beth acaba con ella de un disparo.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. Ellen Foley (Hildy). como ocurre con una de las escenas culminantes. A sus repetidos intentos de poner fin a su relación.

INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). Tras algunos pases previos en Estados Unidos. esposados el uno al otro. escrita por Frank Norris. Erich von Stroheim. una crónica de los bajos fondos de San Francisco. 1955). se establece en . GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. Frank Hull y Marguerite Faust. McTeague. Marcus arruina a McTeague. Una vez que McTeague y Trina se casan.UU. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas.000 dólares en la lotería. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. Gibson Gowland (McTeague). como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. MÚSICA: Leo A. al representarla. McTeague. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. Stroheim. desesperado. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. Jimmy Wang (Cocinero chino). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. donde ambos morirán. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. abandona la ciudad. un joven minero. a la que terminará por abandonar. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. Jean Hersholt (Marcus Schouler). que. además. Caballerosamente. MONTAJE: Erich von Stroheim. de Frank Norris). Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. al desvelar que ejerce sin licencia y. Consigue atraparle una vez muerta"». Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Gunther von Ritzau (Dr. cada vez de forma más manifiesta. es su prometida. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. Zasu Pitts (Trina). Kempinsky. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse.. B/N. «Sin dolor» Potter). DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. San Francisco. y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. Marcus deja el camino libre a su amigo. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. la prima de éste.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. bajo el sol abrasador del desierto. se filmó un final distinto. Con posterioridad. luego. 1921). Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina.

A pesar de todo ello. Dominique Blanchar (Giulia). FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). no conseguirán encontrar su cuerpo. 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. por desgracia.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. Argumento Tras un mes de separación. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. resulta inusitada. DURACIÓN: 145 minutos. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. La aventura L'AVVENTURA Italia. Monica Vitti (Claudia). MÚSICA: Giovanni Fusco. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. a cuatro. pero. Más adelante. Lea Massari (Anna). Mientras continúa la búsqueda. MONTAJE: Eraldo da Roma. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. cuando. más tarde. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. en compañía de Claudia. Renzo Ricci (Padre de Anna). Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. De un montaje inicial de nueve horas de duración. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. pasó primero a siete y. hacen el amor. mientras termina la noche y comienza a amanecer. un feroz alegato contra la avaricia humana. parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. Anna y su prometido. Sin embargo. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. B/N. Esa misma noche. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. el arquitecto Sandro. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. . James Addams (Corrado). ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. GUIÓN: Michelangelo Antonioni.

Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. por supuesto. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). 1990 DIRECTOR: Kevin Costner.. era poco menos que obligatoria. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. Un malestar social tan abrumador es. se enamorará de «En pie . finalmente. MÚSICA: John Barry. Rodney A. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. Argumento Año 1863. que permanecen vigilantes ante su presencia. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. MONTAJE: William Hoy. Una vez allí. que. el Teniente John J. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. y evaluada. tampoco tiene la más mínima importancia). FOTOGRAFÍA: Dean Semler. vive o muere y. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. 1975). Stephen Potter y Chip Masamitsu. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE.UU.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. Dunbar). en última instancia. en este caso. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. parece carecer de sentido. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. la tribu trabará amistad con él. una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. más adelante. se establece en una granja abandonada. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. Más adelante. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. 1955 y Elgrito[Il grido]. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. DURACIÓN: 180 minutos. Graham Greene («Pájaro peleón»). la utilización de la cámara como un elemento distanciador. Grant («Cabello al viento»). en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. más que carecer de alegría. Tras haber sido condecorado por su valor. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ).

Michele Kerbash (Fathia). Además de constituir. Brahim Haggiag (Ali La Pointe). PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. 1991). B/N. El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). Argumento Octubre. DURACIÓN: 135 minutos. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Dotado de un buen ojo para el paisaje. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. Tommas Neri (Capitán Dubois). También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. sino que recibió siete Osear. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. entre ellos el concedido a la mejor película. por si fuera poco. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . Atrapado en su casa. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. Yacef Saadi (Saadi Kader). Ali La Pointe. un entusiasta del género. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. A su regreso a Fort Sedgwick. 1964). 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. 1957. 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). Costner. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. en suma. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. 1965 Gillo Pontecorvo. Fawzia El Kader (Haahmal).66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña).

La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. Argelia obtiene su independencia. y en el Octubre. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. En 1954. El FLN convoca a una huelga general. Sin embargo. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. la resistencia contra los franceses no cesa y. por ejemplo. una película que contó con Marión Brando como protagonista. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. en 1962. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. un camarada revela su paradero. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. que desata una brutal ola de represión y torturas. Finalmente. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. sino que aumente aún más. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. el único superviviente será La Pointe. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). no sólo no disminuya. consiguiendo así que el impacto de la película. . Así. Sin embargo. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. Sometido a tortura. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. sin embargo.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. A principios de 1957.

50 millones de dólares. Pat Hingle (Inspector Gordon). un ser deforme y trastornado.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. ignorando que éste posee una doble personalidad. Dadas las expectativas despertadas. cuando sea raptada por «The Joker». debido a la intervención de Batman. Bruce Wayne. caerá en una cuba de productos químicos. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. organiza el asesinato de Jack Napier que. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. camisetas alusivas. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. Robert Wuhl (Alexander Knox). consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. DURACIÓN: 126 minutos. en última instancia. se desdobla en la figura de Batman. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. El presupuesto declarado. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). «The Joker» reta a Batman a un duelo. canciones de Prince. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Tras tomar a Vicki como rehén. Batman es. El éxito obtenido por Batman. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. el misterioso luchador contra el crimen. MÚSICA: Danny Elfman. MONTAJE: Ray Lovejoy. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). Vicki comienza a desentrañar el misterio. el personaje interpretado por Jack Nicholson. tratará de vengarse de Grisson. lo cierto es que la película. Sin embargo. «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. convertido en «The Joker». 1989 DIRECTOR: Tim Burton. la obtención de un Osear. No obstante. haciendo gala de una gran astucia. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. Kim Basinger (Vicki Vale). su director. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. Billy Dee Williams (Harvey Dent). Entre tanto. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. seguramente. Napier sobrevive y.. un millonario que lleva una existencia recluida. una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. o al menos parte de ella. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. utilizando personajes creados por Bob Kane). Con gran inteligencia. El actor. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. La película fue objeto de una comercialización. Tim Burton. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral.UU. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). Antón Furst. libros y un largo etcétera. Cari Grisson. según se dice. hizo que Hollywood . muñecos. Argumento Gotham City. El jefe del hampa. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt.

1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. Heymann. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. 1942). 1992). El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. DURACIÓN: 97 minutos. La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear .parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. finalmente. Alfred Kralik. finura y elegancia visual. la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. de Nikolaus Lazslo.72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar.UU. de Ben Hecht). Sara Haden (Flora).. uno de los empleados. para evitar caer en el precipicio del mal gusto. otras como Robin Hood. FOTOGRAFÍA: William Daniels. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. una combinación de ingenio. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. ahora como jefe de tienda. con la colaboración. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. Argumento Budapest. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. B/N. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. Frank Morgan (Hugo Matuschek). James Stewart (Alfred Kralik). quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). Rubottom. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. che en que se dispone a conocer a su amada. el verdadero adúltero es despedido. se siente a disgusto con ella. 1997). «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. como para darle demasiada importancia. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. Félix Bressart (Pirovitch). MONTAJE: Gene Ruggerio. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. MÚSICA: Werner R. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. no recogida en los títulos de crédito. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. Kralik protesta y es despedido. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak).

Varios años más tarde. de Christopher Fry. Stephen Boyd (Messala). Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. Horning y Edward Carfagno. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. Ben-Hur EE. S. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). en particular. 1953). entre las que se cuentan. Martha Scott (Miriam). Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. un antiguo amigo de la infancia. Jack Hawkins (Quintus Arrius). fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. . se compadeció de él.. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). DURACIÓN: 217 minutos. reconoce en él al hijo de un carpintero que. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. no recogida en los títulos de crédito. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. en cierta ocasión. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. Argumento Jerusalén. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Robert Z. Más adelante. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. Technicolor. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. del general Lew Wallace). Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y.UU. La fastuosa producción de la Fox. una pareja que. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. éstas se han curado milagrosamente de su mal. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. mientras asiste a su crucifixión. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. She Loves Me. MONTAJE: Ralph E. La túnica sagrada (The Robe. que. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. el Cinemascope. Winters y John Dunning. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. Antes de morir. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). en consecuencia. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Behrman y Gore Vidal. en represalia. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. Maxwell Anderson. MÚSICA: Miklos Rosza. N. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. 1959 DIRECTOR: William Wyler. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. Leonard haría una nueva versión de la película. Haya Harareet (Esther).

Kenneth Anderson. Moroni Olsen (Espejo mágico). En 1925. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. Disfrazada de vieja bruja. DURACIÓN: 83 minutos. Tom Codrick. Terrel Stapp. Incapaz de cumplir semejante orden. Otto Englander. 1956). Dorothy Ann Blank. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. Gustaf Tenggren.y aunque. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. con engaños. Earl Hurd. Destaca en ella la dirección de William Wyler. Sin embargo. aquélla ordenará su muerte. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE.. Y todos vivieron felices y comieron perdices. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. Dick Richard. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. GUIÓN: Ted Sears. Richard Creedon. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. Billy Gilbert (Alérgico). en un primer momento. 1956). a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. la convence para que se coma una manzana envenenada. hasta que. Harold Miles. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. Harry Stockwell (Príncipe Encantador). la Reina cae por un precipicio y perece. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. Kendall O'Connor y Hazel Sewell. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. McLaren Stewart. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Lucile La Verne (La Reina). finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. recibe la visita del Príncipe Encantador. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. Rodada en Italia durante un período de diez meses. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). Leigh Harline. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Perseguida por los enanitos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. un buen día. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. Hugh Hennesy. . la Reina visita a Blancanieves y. MÚSICA: Frank Churchill. 1937 Walt Disney. invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. Paul Smith y Larry Morey. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. Argumento Criada por un reina perversa.UU.

En compañía de C. MONTAJE: Dede Alien. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. la película había costado 1. W. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración. y. Moss).. en . sin embargo.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. y de Buck. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. En 1934. Pollard (C. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood.UU. Estelle Parsons (Blanche). como de los enanitos. Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. el cazador y el Príncipe Encantador. Denver Pyle (Frank Hamer). no recogidas en los títulos de crédito. MÚSICA: Charles Strouse. durante las Navidades de 1937. y su esposa. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. Gene Wilder (Eugene Grizzard). DURACIÓN: 111 minutos. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). tanto de los personajes humanos de corte «realista». Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. entretenimiento mágico y musical de primer orden. Faye Dunaway (Bonnie Parker). FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. satisfacen las ansias de fama de Bonnie. caso de Blancanieves. W. Obra llena de innovaciones y. Sin embargo. que le promete un emocionante futuro.000 dólares. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. Argumento Aburrida de la vida provinciana. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. una camarera. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. con contribuciones. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. utilizó 250. poco a poco. anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. Gene Hackman (Buck Barrow).000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. el hermano de Clyde. a la vez. un mecánico. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn.78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas».500. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). muy importantes. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». del que le hizo entrega Shirley Temple. de Robert Towne. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. Bonnie Parker. Moss. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. J. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve.500.

Carol Lynley. para Ellen Parson. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. y a la mejor fotografía. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. Comentario Una de las películas clave de su época. En un claro. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. Buck muere y Blanche queda ciega.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Natalie Wood. corrupto. . Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. más bien. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. con frecuencia.

Doris Day y Rock Hudson. Junto a Grant y Hepburn. el desvalido y acrobático vagabundo. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). de la extensa serie Carry on. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. Durante muchos años. por ejemplo. como la formada por Abbott y Costello. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. entre los personajes de series como TheRoad to. 1988).. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. cuyo más famoso personaje. Hoy en día. más tarde. Si Billy Wilder.. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. En cualquier caso. Un caso. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. fue el de Harold Lloyd. . se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. llena de calidez y buen humor. terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. protagonizada por Bing Crosby. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. Walter Matthau y Jack Lemmon. sin embargo. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. Tony Curtís. En cuanto a la situación en el Reino Unido. el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. éste no obtendría renombre internacional hasta que. No obstante. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. la relación. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). su repudio del sentimentalismo. como Sopa de ganso (Duck's Soup. en compañía de la propia Hepburn. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. Bob Hope y Dorothy Lamour. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio... se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. y un largo etcétera. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea..82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. Si bien otras parejas. ejercerían una gran influencia en el género. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo. una vez concluida la guerra. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. 1949). unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. y. iniciadas con Annie Hall (1977). 1933) y Una noche en la Ópera (1935). 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. en parte similar. Judy Holliday. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923).

de ser nominada por la Acade- . 1945 DIRECTOR: David Lean. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. relativamente rara para una película británica. P. quedarían para ir juntos al cine y. Williams y G. Breve encuentro. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. más adelante. DURACIÓN: 85 minutos. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. StillLife). Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. Consternada. De vuelta a su casa. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. tras un nuevo encuentro fortuito. típicamente británica y. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. Luego. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. B/N. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. Joyce Carey (Myrtle Bagot). resulta mucho menos premeditada. 1970). MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. al encontrarse con unos viejos amigos. Francke. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B.84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. actor y celebridad. Alee Harvey). INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). guardia de la estación). como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. y bastante más conmovedora. Calthorp. Cyrill Raymond (Fred Jesson). E. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. Stanley Holloway (Albert Godby. al campo y a un restaurante. al parque. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. Breve encuentro consiguió también la hazaña. una mujer casada de clase media. es abandonada por el Dr.la película de David Lean. de sus clases medias. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. Como era de prever. contempla la posibilidad de suicidarse. Margaret Barton (Beryl Waters). ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. En este sentido. más en concreto. la visita de la pareja al cine. GUIÓN: David Lean. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. Laura Jesson. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. Alee Harvey en la cafetería de la estación. Trevor Howard (Dr.

Mac Mashourian (Guardaespaldas). seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. por otro lado. Jack Nicholson (George Hanson). llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. que han obtenido mediante la venta de drogas. 1969 Dennis Hopper. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). la postura antisistema. Deciden seguir por carretera hacia Florida. DURACIÓN: 94 minutos. Llegan a un pueblo. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. era el principal componente del público que asistía al cine.y tienen un mal viaje de ácido. sin embargo. rirá apaleado. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren.UU. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. MONTAJE: Donn Cambren. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. Dennis Hoppery Terry Southern. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. GUIÓN: Peter Fonda. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. Fiantes ofPassion (1990). Los dos motoristas siguen su camino. la versión televisiva. de Richard Kwietniowski. donde su presencia no es bien recibida. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda).. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). Phil Spector (Contacto). recogen a un par de chicas de un burdel. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. MÜSICA: Varios. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. Argumento Bien provistos de fondos. regresa para matar también a Wyatt. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. Más tarde serán atacados por el sheriff. Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. En 1974. y Hanson mo- . Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. el rock. sólo en los Estados Unidos. un abogado alcohólico.y los de la mayoría.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

Antonio Passalia (Angelo). ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. como sucede. el enfrentamiento entre la maestra. En El carnicero. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. en esta ocasión. Jean Yanne (Popaul Thomas). junto a él. y no amor. Su verdadera culpa. por ejemplo. al hacerlo. parece estar inexorablemente predeterminado. pero con un lado oculto atávico y brutal. del posterior fu- . por lo menos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. Mario Beccaria (Léon Hamel). que rápidamente esconde. De entre el bullanguero gentío. y el carnicero Popaul. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. Roger Rudel (Inspector de policía). todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. William Guérault (Charles). GUIÓN: Claude Chabrol. Popaul se suicida. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. tras el cual. MÚSICA: Pierre Jansen. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. completamente opuesta.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. Comentario Chabrol. Chabrol. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. pero. una sobria historia de amor con tintes trágicos. la maestra de la escuela. según la cual. el carnicero. Pasquale Ferone (Padre Charpy). y Popaul. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. más como víctima que como asesino. o de haberle. Héléne descubre el cadáver de una joven y. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. sin embargo. DURACIÓN: 94 minutos. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. De hecho. como desearía Popaul. un mechero. en el Périgord. la sofisticada pero distante Héléne. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). dejando a la maestra sola con su culpa. decide mantenerlo oculto. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. un ser dulce y atento. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. que. MONTAJE: Jacques Gaillard. Ella le regala un mechero.

Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. a su vez. FOTOGRAFÍA: David Watkin. en Escocia. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. los ganará en un tiempo récord. Nominada para siete premios de la Academia. En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. Entre tanto. Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. el hijo de un misionero. un tema musical algo anacrónico. por delante del norteamericano Scholz. MÚSICA: Vangelis. Nigel Havers (Andrew Lindsey). el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. El expreso de medianoche (Midnight Express. . pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. GUIÓN: Colin Welland. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. Al negarse a correr en Sabbath. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. representando al Reino Unido. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. que ganará Abrahams. DURACIÓN: 123 minutos. Liddell correrá los 400 metros y. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. proferida con ferviente entusiasmo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. MONTAJE: Terry Rawlings. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. del que Liddell sale vencedor.con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. un ambicioso atleta. Daniel Gerroll (Henry Stallard). un publicista reconvertido en cineasta). Ian Holm (Sam Mussabinni).a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. llevado en volandas por su fe. Finalmente. La película. que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. Nick Farrell (Aubrey Montague). las hazañas atléticas de Eric Liddell. 1978). Argumento Cambridge. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. 1919. y ganadora de cuatro de ellos. pero enormemente pegadizo. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. Aunque esta amenaza. incluidos los de mejor película y mejor canción original. Ian Charleson (Eric Liddell). no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. que vienen los británicos». Harold Abrahams. The Foxes (1980).

Paul Henreid (Victor Laszlo). Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica.. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. aunque fuera momentáneamente. GUIÓN: Julius J. su esposa. Inesperadamente. la fe en la industria autóctona tras una década en la que. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. como los niveles de calidad artística. nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. de Rick. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. Conrad Veidt (Mayor Strasser). lo cual le convierte en objeto de especial interés. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. en un principio. B/N. Ésta había sido antes la amante . un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. los orígenes de la película no era muy prometedores. Hoy en día. delicadamente siniestro. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. parecían indicar una situación de declive inexorable. sin embargo. no pare de crecer. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). Peter Lorre (Ugarte). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). Claude Reins (Capitán Louis Renault). Ingrid Bergman (Usa). Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. al conseguir restaurar. pero éste. Wallis). Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. cuya interpretación de un jefe de policía. Como se ve. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. y Phillip G. MÚSICA: Max Steiner. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. Casablanca EE. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. propiedad del cínico Richard Blaine. DURACIÓN: 102 minutos.UU. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. a América. de Murray Burnett y Joan Alison). tanto las estadísticas de producción. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. desde allí. dos visados de tránsito caen en sus manos. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. lleno de oficio. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. MONTAJE: Owen Marks. fue nominada para un Osear). para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento.

FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. Stanislaw Milski (Pieniazjek). las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). Maciek.)> o la inolvidable As Time Goes By. La película completó una trilogía informal. recibe el disparo de un oficial borracho. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. Andrzej Wajda. se despiden. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. una mujer que acaba de conocer. Sam». cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). Bogumil Kobiela (Drewnowski). muchacho». en cierto modo. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. igualmente oscura. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Woody Alien rindió homenaje a la película. pasa la noche con Krystyna. Jan Ciecierski (El portero). Ewa Kryzjewska (Krystyna). Argumento Polonia. recibe la orden de matar a Szczuka. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. MONTAJE: Halina Nawrocka. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. B/N. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. y Cenizas y diamantes. el antihéroe desencantado. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). muy generalizada. Por otro lado. «Tócala otra vez. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). a su vez. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. Adam Pawlikowski (Andrzej). 1972). el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. lo que aviva aún más sus dudas. etc. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. .102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. de emular a Bogart. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. del régimen comunista de posguerra. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. y a la aspiración. Tras leer una inscripción en un cementerio. DURACIÓN: 105 minutos. último día de la Segunda Guerra Mundial. Mientras espera en un hotel. que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia.

En el camino. FOTOGRAFÍA: Winton C. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. la mate. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. V. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. que. gers cuando los comanches asalten el rancho. DURACIÓN: 119 minutos. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste.UU. Ward Bond (Capellán castrense. Samuel Johnson Clayton). INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. cuando por fin encuentran a Lucy. Hoch. John Qualen (Lars Jorgensen). Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. MONTAJE: Jack Murray. Technicolor. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. finalmente. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. se encuentra muy próximo al estado salvaje. MÚSICA: Max Steiner. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. Whitney (Merian C. V. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. VistaVision. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. 1956 DIRECTOR: John Ford. Whitney).resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. a su vez. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. pero que. Nugent (basado en una novela de Alan Le May).104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. la chica tiene que enfrentarse a Edward. GUIÓN: Frank S. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. Cuando el combate concluye. Sin embargo. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. Natalie Wood (Debbie Edwards). tras asesinar a todos los adultos. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. Vera Miles (Laurie Jorgensen). ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. PRODUCCIÓN: C.. Cooper y C.

el legado de Alfredo. Alfredo. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. espacial y psicológica. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. Argumento El fallecimiento de su mentor. que también trata del pasado del cine. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos).106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. Gracias a Alfredo. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. 1977). Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). además. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. sus implicaciones van más allá y lo convierten. se enamorará de una chica. Salvatore rodará un documental. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. por otro. sólo que. Agnese Nano (Elena). Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. él mismo se convirtió en sus ojos y. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. No obstante. Salvatore Cascio (Salvatore niño). que era el proyeccionista de la sala. Si. con toda la vida salvaje). por un lado. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). MÚSICA: Ennio Morricone. en este caso. MONTAJE: Mario Morra. finalmente. en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. por extensión. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. Durante su adolescencia. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. en el operador del cine. . Pupella Maggio (María). INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). Su regreso está teñido de tristeza. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne.

Ray Collins (James W. ultramodernas e impersonales salas multicines. Kane morirá en la más absoluta soledad. . GUION: Hermán J.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». Mientras el periodista deja Xanadú. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). B/N.O. Dorothy Comingore (Susan Alexander). Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. (Orson Welles). Agnes Moorehead (Madre de Kane). Bernstein). la mansión del magnate. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. de los niños revoltosos. Gettys). Se divorcia y se casa con Susan. interrogando a sus antiguos amigos y empleados. George Colouris (Walter Parks Thatcher). Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Más tarde. Un periodista tratará de descubrir su significado. MÚSICA: Bernard Herrmann. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. Mankiewicz y Orson Welles. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan.K. antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa.UU. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». más que de lamento. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland.. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. Joseph Cotten (Jedediah Leland). fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. Darrell Silvera y Hilyard Brown. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. DURACIÓN: 119 minutos. Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. Everett Sloane (Mr. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase.

le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». el gran magnate William Randolph Hearst. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada.. A. ante todo. George Raft (Spats Columbo). está basada en un personaje real. corteja a Susan. Joe E. La película. Joe. productor. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. Si su admirada estructura. Durante sus dos primeros años en los estudios.UU. haciéndose pasar por un rico playboy. Osgood Fielding III. Joan Shawlee (Sweet Sue).110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. perdido en el inmenso vacío de su mansión). MÚSICA: Adolph Deutsch. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. en 1939. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». le había valido grandes elogios. Tony Curtís (Joe/Josephine). su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. Argumento Año 1929. un millonario que colecciona matrimonios. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. Antiguo niño prodigio. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. tanto en los escenarios como en la radio. Joe y Jerry. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). Pat O'Brien (Mulligan). se sentirá atraído por «Daphne». USA». según la cual. que ansia conocer el verdadero amor. Brown (Osgood Fielding III). Desechando la puesta en escena convencional. Diamond (inspirado en un relato de R. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. MONTAJE: Arthur Schmidt. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). en su lugar. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. Orson Welles fue contratado por la R. y apostando. En Miami Beach. la cantante de la banda. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual.K. DURACIÓN: 120 minutos. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. Entretanto. una película de 1933. Sin embargo. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. Logan). por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. Ciudadano Kane fue. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. planos cortos y primeros planos.O. GUIÓN: EE. por ejemplo. Thoeren y M. y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. 1959 Billy Wilder e I. La celebración de una .

1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. Sin embargo. Talmann). y garantía segura de diversión. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. disminuyeron las presiones. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. MONTAJE: John Wilson. DURACIÓN: 108 minutos. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. El papel de su compañero. Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. Joe. Seymour). Neil Cunningham (Mr. Sin embargo. 1694. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Neville). cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. Talmann). Sin embargo. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). entre ellos los de mejor director y mejor actor. tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. Noyles). un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. Inglaterra. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad. David Gant (Mr. Más adelante. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. Dave Hill (Mr. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. MÜSICA: Michael Nyman. razones de índole comercial. Billy Wilder. El pintor Neville es contratado por Mrs. Argumento Wiltshire. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. GUIÓN: Peter Greenaway. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. Anne Louise Lambert (Mrs. . Janet Suzman (Mrs. Herbert. el terror del hampa (Scarface. Hugh Fraser (Mr. le fue asignado a Tony Curtis. su guionista y director. No obstante. Irma la dulce (Irma La Douce.1972). una agilísima modulación rítmica. 1932). una dama de la aristocracia. para Jack Lemmon.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. Herbert). lo que se ve en la pantalla es pura magia. Herbert). Con todo. y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra.

La familia le echa las culpas a Neville. GUIÓN: Francis Ford Coppola. MONTAJE: Richard Chew. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. Talmann. como. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. al regresar para realizar un postrer dibujo. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. mucho más fragmentarias y viscerales. aunque sea de forma paródica. se descubre el cadáver de Mr. el cual. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). . se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr.. Neville coquetea también con Mrs. que. Cindy Williams (Ann). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. a partir de ese momento. filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. 1974 Francis Ford Coppola. por ejemplo. por lo general. la película es un intrincado juego conceptista. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). infrecuentes en una cinematografía como la británica. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. A fecha de hoy. es cegado y dado muerte. Finalmente. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). Herbert en el foso. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. Talmann. Según la propia descripción de su director. MÚSICA: David Shire. Frederic Forrest (Mark). Alien Garfield (Bernie Moran). Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. la película. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido.UU. que. DURACIÓN: 113 minutos. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. la hija de los Herbert. John Cázale (Stan). entendida como ejercicio cinematográfico. Harrison Ford (Martin Stett). Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. la iconografía y la música de Michael Nyman. Con todo. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. algo a lo que ella consiente. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. Neville exige que Mrs. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. Como condición para realizar el trabajo. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. Derek Jarman o Ken McMullen.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. suele desconocer la obra de otros realizadores.

imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. hasta entonces. en el transcurso de tan sólo dos horas. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. la culpa personal. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. En las oficinas de la empresa. la redención y la alienación contemporánea. La conversación. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. Aunque su trabajo ya ha concluido. el director de la misma. una de las películas más gratificantes de su director. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. Por otro lado. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. en algún momento. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. No obstante. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. . Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. la película también permite que Hackman. que. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. sin embargo. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. constituye. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta.

1978). Milagro en Milán (Miracolo a Milano. cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. un acontecimiento que. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. Ladrón de bicicletas (1948). Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). Sábado noche. dirigido asimismo por Rossellini. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades».e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. un film compuesto de varios episodios. 1950). la fantasía alegórica. el neorrealismo fue. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. en sentido estricto. En los Estados Unidos. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. ciudad abierta (1945). de actores no profesionales. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. siempre que ello fuera factible. que se plantea la posibilidad de suicidarse. y Umberto D (1952). domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. de hecho. su última película juntos. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. caso de La regla deljuego (1939). Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. en el movimiento del Free Cinema británico. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». el impacto que produjo este movimiento fue trascendental.1947) y. más tardíamente. .118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. En estas últimas. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». 1963). La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. de los pobres y. el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Cain. 1946). en general. (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. A pesar de todo ello. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. 1989). donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país.

Fred Clark (Sheldrake). acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Mientras se la llevan arrestada. Sin embargo. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). decidirá permanecer al lado de Norma. En cuanto al papel de la actriz principal. Marshman júnior. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. Max. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. Norma visita a Cedí B. una lectora de guiones. La elección de Swanson. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett).UU. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. GUIÓN: Billy Wilder. el escritorzuelo necesitado de recursos. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. Pola Negri. fue un gran acierto. FOTOGRAFÍA: John F. MÚSICA: Franz Waxman. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. M.. así como la de Erich von Stroheim. B/N. eran similares a las suyas. Lloyd Gough (Morino). escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. aunque afortunadamente no su temperamento. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. precisamente. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). Charles Brackett y D. DURACIÓN: 110 minutos. exmarido y actual sirviente. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. Seitz. Cuando Gillis trate de abandonarla. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. Gloria Swanson (Norma Desmond). 1950 Billy Wilder. Gillis continúa viendo a Betty. Su guión. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. celosa. e incluso Mae West. a pesar de lo cual.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. Mary Pickford. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. que le anima a que siga con su propio trabajo. está salpicado de humor negro. pero Norma. entre ellas. revelará que es un mantenido. Argumento El guionista Joe Gillis. le matará de un disparo. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. en el papel de su antiguo mentor. De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. Nancy Olson (Betty Schaefer). cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas.

Fields como protagonista. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. mejor dirección artística y mejor banda sonora.K. Tras un accidente en el que está a punto de morir. Isabel sufre un ataque al corazón. B. acaudalado Wilbur Minafer. B/N. sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. 1942 DIRECTOR: Orson Welles.O. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. se descubre que las arcas de la familia están vacías. la película tan sólo obtuvo tres de ellos. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. Anna Q. Sin embargo. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. que se casa con el . GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). Ray Collins (Jack Amberson). publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. Nilsson y H. Anne Baxter (Lucy Morgan). Agnes Moorehead (Fanny Amberson). una novela de Booth Tarkington. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. que se la llevará a Europa. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Años más tarde. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que.. C. MÚSICA: Bernard Herrmann. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). MONTAJE: Robert Wise. DURACIÓN: 88 minutos. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. Tim Holt (George Amberson Minafer). Jack Moss y Mark Robson. Nominada para once Osear de la Academia.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. (Orson Welles). llegaran a su fin. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton.UU. en el futuro. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. tanto a nivel individual como en conjunto. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). con W. el de mejor guión. Warner. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. podrá contar con ayuda. Por otro lado. el indolente hijo de Isabel.

Argumento Japón. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista.que le encierra en una tierra encantada. a raíz de ello. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. en el siglo xvi. 500. en su papel de narrador omnisciente. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. Mitsuki Mito Ohama. El eslogan de la nueva dirección. . se dedica a la prostitución en un burdel. un fantasma.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. La película. sin embargo. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje.250. Tras asistir a un pase previo de la película. incluido el de mejor película. donde. Su mujer. es violada por unos soldados y. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. entre tanto. En cuanto a Tobei. Sakae Ozawa (Tobei). se produjo un cambio en la dirección de la R. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. con tan mala suerte que. B/N. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. finalmente. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. esposa de Tobei). de 131. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. A pesar de ello.000 dólares frente a una inversión de 1. DURACIÓN: 96 minutos.O. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad.».y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa).K. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). Masayuki Mori (Genjuro). primero con un metraje de 148 minutos y. la encontrará su marido. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. durante su ausencia.K. finalmente. esposa de Genjuro).O. Kinuyo Tanaka (Miyagi. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). constituía toda una declaración de principios. MONTAJE: Mitsuji Miyata. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R.000. Por su parte. Tras haber dejado montada una versión completa. Welles.

Cyrano de Bergerac Francia. por lo general sigue considerándose una obra maestra. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. A ojos de un occidental. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. le ocurre a su cuñado Tobei. Roland Bertin (Ragueneau). el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. pero. aunque de distinta manera. Ésta. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. 1640. Philippe MorierGenoud (Le Bret). Christian es herido de muerte. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). MONTAJE: Noelle Boisson. Al principio. DURACIÓN: 138 minutos. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). se le muestra un mundo distinto. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. ignorando los sentimientos de Cyrano. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. como si las dos realidades. Pronto la pareja se casará y. en lugar de constituir dos entidades divergentes. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. A lo largo de la película. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. guiado ahora por el fantasma de su esposa. Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. Anne Brochet (Roxane). La belleza casi pictórica de sus imágenes. y lo mismo. Argumento París. el espadachín y poeta. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac).126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . A su vuelta. MÜSICA: Jean-Claude Petit. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. Jacques Weber (Conde De Guiche). Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado.

Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. Depardieu era. sin duda. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. MONTAJE: Alan Crosland júnior. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. Hunsecker). no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. DURACIÓN: 96 minutos. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). en su versión inglesa. un agente de prensa sin principios. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. Posteriormente. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. Barbara Nichols (Rita). y Steve Dallas. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. Sam Levene (Frank D'Angelo).UU. Tony Curtís (Sidney Falco).128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. humorista. Hunsecker. El éxito de esta película. MÚSICA: Elmer Bernstein. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. cuyo estilo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Jean-Paul Rappeneau. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. la adorada hermana de Hunsecker. tras lo cual se retira a un convento. la única opción posible para interpretar a Cyrano. Marty Milner (Steve Dallas ). debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. por otro lado. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. Susan Harrison (Susan Hunsecker). B/N.que engloba la personalidad de Cyrano. J. En colaboración con Jean- Claude Carriére. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. soldado y personaje trágico. no deja de ser bastante convencional. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. Argumento Sidney Falco. J. J. Años más tarde. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . sino también a la destreza con que su director y coguionista.. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. un músico de poca monta. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento».

gracias a esta película. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. 1955) y Trapecio (Trapeze. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. Perry López (Escobar). cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. Gittes). mientras que las cuestiones que plantea. MÚSICA: Jerry Goldsmith. Gittes para que . que cuando fue realizada. GUIÓN: Robert Towne. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. Chinatown EE. lo cierto es que. Alonzo. Stewart Campbel. 1937. se las arregla para que J. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. DURACIÓN: 131 minutos. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). 1951). Con posterioridad. cuando éste se encuentre de vacaciones. John Hillerman (Yelburton). J. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). haga arrestar ahora por un cargo de drogas. John Huston (Noah Cross). Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Por su parte. Como recompensa. J.UU. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. 1967). Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. 1959). y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple.. MONTAJE: Sam O'Steen. FOTOGRAFÍA: John A. J. contrata al detective J. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. Será a Falco a quién J. en represalia. Susie. se le promete que podrá escribir la columna de J. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. son más actuales hoy en día. Sin embargo. Argumento Los Ángeles. ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. 1956). seguramente. Ida Sessions. J. J.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción.

el vicepresidente de la Paramount. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. J. La película. Robert Towne. aunque caballeroso detective.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. por entonces la mujer de Evans. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. son atrapados en Chinatown. de Faye Dunaway. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. a un tiempo. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. al haber sido ésta violada por Cross. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. . mientras que Katherine resulta ser.y el de la compleja Evelyn Mulwray. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. tuvo que conformarse con un solitario premio. J. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. creando los personajes del cínico. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. donde Evelyn muere. la hija y la hermana de Evelyn. especialmente. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. Katherine. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. concedido al siga a su marido. concebido en un principio para Ali McGraw. aparecen en un periodicucho sensacionalista. El guionista y antiguo policía.

Warden. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. Por su parte. DURACIÓN: 118 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. A consecuencia de ello. Lee Prewitt). mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). La muerte de Maggio. un recién llegado al cuartel. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. Embarcadas en el mismo barco. el Sargento de la prisión militar. le hacen el vacío. MONTAJE: William Lyon. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. en cuya tercera parte. como Aldo Ray o John Derek. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. MÜSICA: George Duning. hasta entonces prohibidas-. basado en una novela de James Jones). De aquí a la eternidad es una obra que. con Karen Holmes.. y no Fred Zinnemann. cuartel de Schofield. Honolulú. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. partiendo de un reparto plagado de estrellas. la desengañada esposa del comandante. una prostituta. Prewitt. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. Two Jakes (1990). Montgomery Clift (Cabo Robert E. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. Argumento Año 1941. ambientada en 1959. todos sus compañeros. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. Tras muchas demoras y problemas. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. envueltos por las olas. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). a pesar de los años. Deborah Kerr (Karen Holmes).UU. Prewitt se enamora de Lorene. pide su readmisión en el ejército. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. B/N. el jefe de la Columbia. Frank Sinatra (Angelo Maggio). pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann.134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). Donna Reed (Lorene). De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE.

Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. Raymond Bailey (El doctor). fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. En 1979. tirándola desde lo alto del campanario. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). Judy.. pero. en realidad. un antiguo amigo. Henry Jones (Juez de instrucción). DURACIÓN: 128 minutos.UU. con la impresionante cifra de 12. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). Nominada para trece Osear. pero mientras visitan juntos una vieja misión. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead.000 dólares. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. asustada por la súbita aparición de una monja. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. cae al vacío y muere. Gavin Elster. Barbara Bel Geddes (Midge). a la que él mismo había matado. Tom Helmore (Gavin Elster). se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. Con respecto al principal papel femenino. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. conoce a Judy Barton. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). . le contrata para que siga a su mujer. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). y. aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. «Scottie» se enamora de ella. De entre los muertos VÉRTIGO EE. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. Madeleine. Argumento Al descubrir que padece acrofobia. unidos a su aceptación de unos miserables 8. Cuando «Scottie» lo averigua. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. hicieron que finalmente se le concediera el papel. En cuanto al personaje de Maggio. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía.500. Bert Allenberg: «Habráse visto. a la que siguió una serie. por detrás de La túnica sagrada. Ella se reconoce culpable y le declara su amor. MONTAJE: George Tomasini. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. MÚSICA: Bernard Herrmann.000 dólares como remuneración.

Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen.m. Los marineros Gabey.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. Chip conoce a Brunhilde. Gabey entrevé a la chica de un póster. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. Ann Miller (Claire Huddesen). una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. Sin embargo. Jules Munshin (Ozzie). Vera-Ellen (Ivy Smith). que se une a la búsqueda. La película. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). sin embargo. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. ocurre. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. y se pone a seguirla. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. su peinado. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. Willis y Jack D. está incurriendo en necrofilia». una taxista. Moore.. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. . cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. Frank Sinatra (Chip). aunque no se reconociera así. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y.1973). por lo tanto. «Miss Torniquetes». también. GUIÓN: EE. Edwin B. DURACIÓN: 98 minutos. MONTAJE: Ralph E. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. Cada uno sigue su camino por separado. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. con el título de Fascinación (Obsession. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. una estudiante de antropología. y que. Winters. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. etc. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. Jack Marín Smith. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. El director. en referencia al papel que interpreta Stewart. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. Gabey localiza a su chica.UU. 6 a. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. Un éxito fruto del trabajo en equipo. Argumento Brooklyn. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí.

como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». mientras la policía les va pisando los talones. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. Josiah Boone). sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. John Carradine (Hatfield). Donald Meek (Samuel Peacock). Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. sale huyendo. de Ernest Haycox). Con todo. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. B/N. abrió nuevos caminos en diversas áreas. 1939 DIRECTOR: John Ford. Claire Trevor (Dallas). que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. MÚSICA: Richard Hagerman. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. Por otro lado. menos aún. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. donde filmaron el número del principio y el final de la película. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid).. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época).140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. La pandilla la sigue en un taxi robado. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. Andy Devine (Buck). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. Thomas Mitchell (Dr. W. Finalmente. DURACIÓN: 97 minutos. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. Mientras se despiden en el muelle. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. John Leipold. un fugitivo de la justicia que busca a los . el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. que. avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island.UU. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. en vez de detener el desarrollo de la trama. La película. MONTAJE: Otho Lovering. una bailarina de ballet. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. Franke Harling. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. La diligencia STAGECOACH EE. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. su música y sus bailes.

un jugador de nombre Hatfield. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. Una vez en Lordsburg. acusado de desfalco. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. y toca una serie de aspectos. uno de los estrenos del año 1939 que. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. prosiguen su viaje. a la que ha conquistado con su caballerosidad. ante todo. una prostituta. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. un productor independiente. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. en la vibrante secuencia de la persecución. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. un doctor aficionado a la bebida. No obstante. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. el banquero Gatewood es arrestado. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. . junto a Tierra de audaces (Jesse James).142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano.Ringo Kid dará muestras de su valor. como puede apreciarse. gracias al respaldo de Walter Wanger. De hecho. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. la Señora Mallory. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). es atendida por Boone. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. una de las pasajeras. David O. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. durante el cual. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. y por Dallas. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. Finalmente. como el racismo y los valores morales de la sociedad. que se encuentra en trance de dar a luz. una elección que le produjo numerosos contratiempos.

la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. Deanna Durbin y. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. mientras que fueron. en los primeros momentos del cine sonoro. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. 1952) y Melodías de Broadway (1953). Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. Excepción hecha de unas cuantas películas. caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). . afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. 1929). 1968) y Cabaret (1972). esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952).144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). hoy y por siempre (For the Boys. precisamente. 1936). hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. ya a finales de la década. el canto y la danza. Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. por su condición de primera película hablada. desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. no es de extrañar que. no obstante. 1974). Bette Midler con La rosa (The Rose. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. hasta Alice Faye y Bing Crosby. aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. 1977) y Grease( 1978). muchos y muy variados talentos. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. a cual más descerebrada. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. la Liza Minelli de esta última película y de New York. Inexplicablemente. Ira Gershwin y Colé Porter. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. o que. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. con sus populares operetas. el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. de nuevo Gene Kelly. 1991). todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. Sin embargo. 1979) y Ayer. John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. 1947). que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. Aunque esta moda fue pasajera. 1944) y El pirata (The Pírate. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. Los años treinta produjeron. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza.

lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta. pasados más de cuarenta años. por lo tanto. un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. Jack Warden (Jurado n. Lee J.° 1). Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». se debe a que sus actores dieron. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados.adquiriera dinamismo y fluidez. Henry Fonda. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. Adaptado por Reginald Rose. como se aprecia en el hecho. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable.° 8). hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. como director. El veredicto unánime será de no culpable. El hecho de que. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- . la película siga transmitiendo esa sensación. E. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. Cobb (Jurado n. G.146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. Martin Balsam (Jurado n. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso.° 4). Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet. DURACIÓN: 96 minutos. accesible a cualquiera. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. Poco a poco irá minando su seguridad. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J. nada frecuente. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. MÚSICA: Kenyon Hopkins. en su doble vertiente de actor y productor.° 7). efectivamente. MONTAJE: Cari Lerner.° 3). desde hace mucho tiempo. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. y Sidney Lumet. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. Ed Begley (Jurado n° 10). de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. B/N. Marshall (Jurado n.UU. partiendo de su propia obra televisiva de 1954. Dado que abriga algunas dudas. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman.. Con Doce hombres sin piedad. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell.

pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido.han pasado a formar parte del lenguaje común. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. entre ellas la de mejor película. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Alain Curry (Steiner). incomprensible desde una perspectiva actual. La película. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. matando a la vez a sus hijos. la sensa- El escándalo. Durante una noche loca. MONTAJE: Leo Cattozo. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. Comentario La dolce vita Italia/Francia. B/N. MÚSICA: Niño Rota. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. Ennio Flaiano. La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . G. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. mientras va de fiesta en fiesta. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. Marcello Rubini. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. Yvonne Fumeaux (Emma). Anita Ekberg (Sylvia Rank). GUIÓN: Federico Fellini. Anouk Aimée (Maddalena). supuestamente explícito. una especie de relato de las andanzas de un vividor. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. Marshall. sin embargo. del sexo. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. Argumento Roma. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli).148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. el gacetillero que interpreta Mastroianni. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. conviene no olvidar. 1960 Federico Fellini.

Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. se descubre enterrado en la luna un monolito. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. que emite señales hacia Júpiter. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. Heywood Floyd). GUIÓN: Comentario Reino Unido. MONTAJE: Ray Lovejoy. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. ni más ni menos. que. MÚSICA: Richard Strauss. idéntico al anterior. tres compañeros. Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. ciendo el miedo que les produce. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. Ya en el presente. unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. según definición de su propio director. DURACIÓN: 141 minutos. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). Daniel Richter (Moonwatcher. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. un ordenador infalible. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. a medida que van ven- . que. Johann Strauss. y se envía una nave para investigarlo. sin embargo. ese magistral espectáculo que es Fellini. y HAL. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. Leonard Rossiter (Smyslov). provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. no deja de ser irónico que. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». una circunstancia que. simulará un fallo mecánico. una película cuya temática aborda. ocho y medio (1963). mantenidos en un estado de hibernación. Al acercarse a un monolito negro. el observador de la luna). 2001.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. Bowman continuará el viaje en solitario. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. William Sylvester (Dr. una odisea del espacio. Gary Lockwood (Frank Poole).

Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón.o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). Van Helsing. de forma magistral. 2010. la esposa del hermano de Lucy. más adelante. aunque inevitablemente decepcionante. John van Eyssen (Jonathan Harker).152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. Melissa Stribling (Mina Holmwood). había alcanzado los 11 millones. Nominada para cuatro premios de la Academia. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). Christopher Lee (Conde Drácula). sin embargo. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. se estrenaría su continuación. en última instancia. que vieron en ella «un viaje alucinante». Justo antes de sucumbir a su voluntad. . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). abre de golpe las cortinas. DURACIÓN: 82 minutos. un experto vampirólogo. Drácula Reino Unido. y comienza a estrechar su cerco sobre él. mucho más que en los propios personajes. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. MÚSICA: James Bernard. la bella prometida de Harker. Sin embargo. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. 1958 Terence Fisher. Carol Marsh (Lucy Holmwood). Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. Michael Gough (Arthur Holmwood). y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). según se dijo. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. encuentra una referencia al Conde. En 1984. una película inteligente y bastante accesible. improvisado con unos candelabros. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. En este sentido. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. que fue dirigida por Peter Hyams. Entretanto. partiendo de un presupuesto que. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. caerá víctima del Conde. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. eso sí. Odisea Dos (2010).

154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. la chica. Lya Lys (La mujer). Max Ernst. Mendelssohn. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. MÚSICA: MO- zart. 1956). El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. DURACIÓN: 60 minutos. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. tan sólo se había mostrado de forma velada. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. Caridad de Laberdesque. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. . en particular. con toda lógica. Sin embargo. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. en la que no se permite que nada altere la compostura social. entre tanto. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical.serie de secuelas que la siguieron. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. José Antigás. 1973). En su autobiografía. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. de Bela Lugosi. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. Beethoven. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. Su gran éxito. Debussy. Tall. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. B/N. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. le chupará un dedo del pie a una estatua. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. algo que. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. Dark and Gruesome. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). Wagner. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. el intrépido Van Helsing. A continuación. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. En un castillo medieval. muy característico. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. hasta el momento. Pierre Prevert. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica.000 libras esterlinas. unos obispos se hacen con el control de una isla.

PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). acompañado ahora de una jovencita. John Rhys-Davies (Sallan). El resultado. MÚSICA: John Williams. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. en la casa de Dalí en España.. Un perro andaluz (Un chien andalou. donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. su enemigo mortal y aliado de . En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. volverá a aparecer. Paul Freeman (Belloq). la película se retiró de las pantallas parisinas y. Marión. Argumento Año 1936. sobre todo. y que. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. El arqueólogo Indiana Jones. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). métodos y yuxtaposiciones. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). por su escena inicial. no volvió a estrenarse en Francia. Karen Alien (Marión Ravenswood). 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. típicamente surrealistas. un personaje que evoca a la figura de Cristo. al cabo de un rato. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. Denholm Elliott (Brody). MONTAJE: Michael Kahn. Una semana más tarde. DURACIÓN: 115 minutos. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. Los temas. el no menos excéntrico Salvador Dalí. 1928) -conocido. sembrando así la semilla de su propia destrucción. donde ésta será secuestrada por Belloq. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. parte en dirección a El Cairo. que aparecen en la película. posteriormente. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. hasta 1979. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). Acto seguido se oye un grito aterrador. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. Ronald Lacey (Toht). entre los que se encuentra el Duc de Blangis.UU. hasta destruir prácticamente el local.

Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. Libres al fin. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. y el Arca vuelve a quedar sellada. Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). aunque respaldado. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. Rock. sin embargo. durante unas vacaciones en Hawai. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. Tras escapar. 1984). se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. le pisó el papel y lo hizo suyo. en este caso. y el director se entusiasmó con la idea. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. Harrison Ford. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. En cualquier caso.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. el Han Solo de Lucas. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. al no hallarse éste disponible. Blackhawk y Sgt. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. Pronto. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. . y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. 1985). aparecen los nazis. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. Con el personaje de Indiana Jones. 1989).

Género inmensamente maleable. 1924). 1930). y si bien es cierto que. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. una vez más. y La diligencia que. 1988). antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). 1950). Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. No obstante. el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. 1973). rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. Hart. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. que dirigió el propio Clint Eastwood. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. no obstante. Clint Eastwood. en 1939. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. 1968). Sin embargo. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. 1949). aunque con cierto retraso. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. a lo largo de toda la época del cine mudo. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. Sergio Leone. Soldado azul (Soldier Blue. 1946). los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. en Solo ante el peligro (1952). como Tom Mix y William S. Sería. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. un cineasta italiano. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. así. 1976). como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). 1962) de John Ford.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». . una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. conferiría a John Wayne el rango de estrella.

Laszlo Kovacs. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. Guiler. Fraker. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. MÚSICA: John Williams. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. Dennis Muren y Richard Yuricich. Douglas Slocombe. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. Por su parte. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. GUIÓN: Steven Spielberg. Teri Garr (Ronnie Neary). Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Melinda Dillon (Jillian Guiler). cuando llegue el momento. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. que también han tenido encuentros similares. finalmente. (1982). posteriormente. desarrollará de forma aún más elaborada en E.. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. Dave Stewart. Por fin. entre ellos el propio Barry. MONTAJE: Michael Kahn. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante.UU. Desde su más tierna infancia. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). tras responder a los mensajes de paz. les permitirá comunicarse con los alienígenas. En un primer momento. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. pero. un técnico de mantenimiento. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. se encaminan a la Torre del Diablo. DURACIÓN: 135 minutos. ya en 1970. y Barry es abducido. había escrito un relato breve titulado «Experiences». 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. Neary.162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. Don Jarel. Allí aparece una gigantesca nave que. combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). William A. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). Cary Guffey (Barry Guiler). Richard Dreyfuss. Titulada en un principio. en Wyoming. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. Francois Truffaut (Claude Lacombe). y muchos otros. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. Watch the Skies. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. tras el éxito cosechado por Tiburón. un planteamiento que. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). teniendo en cuenta que la película recaudó . que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. Alonzo. Robert Hall. Roy Neary. decidió encargarse él mismo de escribirla. el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. Entre tanto. la elección definitiva recaería en un actor más joven.T. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. Años más tarde. ignorando que Lacenaire. INTÉRPRETES: Arletty (Garance). Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. B/N. ha apuñalado de muerte al Conde. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. que se ha visto involucrada sin querer en un robo. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. GUIÓN: Jacques Prévert. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. perseguida por Baptiste. un amigo de Baptiste. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. del que se enamora. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. Los dos amantes pasan su última noche juntos. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. que lleva puesto su traje de Pierrot. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. Les enfants du paradis.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. El muelle de las brumas (Quai des brumes. Garance se ha convertido en la amante del Conde. Garance. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. a pesar de que la película fue . una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. 1939). un rufián de los bajos fondos. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. Spielberg sacó una nueva versión de la película. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. en otras palabras. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). 1938) y Amanece (Lejourse leve. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. María Casares (Natalie). y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. Comentario Les enfants duparadis Francia. Les visiteurs du soir (1942). donde conoce a Lemaitre. Pierre Renoir (Jericho). 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. Marcel Herrand (Lacenaire). finalmente. En 1980. FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. al que retará a un duelo. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. Un día la lleva al Grand Reíais.

las dos familias reales se unen. 1935). Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. se convertiría en un auténtico hito. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). y el drama regresa al Teatro del Globo. una mujer tan terca como independiente. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. Con un ejército de 30. MÚSICA: William Walton. finalmente cumplida. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. en el papel de Garance. . Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. El 30 de octubre. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. obtiene una resonante victoria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. Esmond Knight (Fluellen). mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. basado en la obra de William Shakespeare. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica.000 hombres. dramatismo. DURA- CIÓN: 137 minutos. entre ellas.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). 1936). Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. con unas pinceladas extremadamente precisas. donde se narra la historia de Enrique V. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. interpretada por el propio Laurence Olivier. sería el Enrique Vde este último la obra que. La interpretación de la actriz principal. Se firma un tratado de paz en Rouen. y Como gustéis (As You Like It. en Azincourt. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. a la vez que traza. sin sufrir un número de bajas importante.000 hombres asedia el norte de Francia. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. Finalmente. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). No obstante. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. escenarios al aire libre y combates. Comentario A la altura del año 1940. al frente de unas tropas exhaustas. pero. las más sutiles emociones. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. inmediatamente. La magistral obra de Carné. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. donde obtiene numerosas victorias. En realidad. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. Arletty. de que ésta se estrenaría después de la liberación. Leslie Banks (Coro). Robert Newton (El viejo Pistol). MONTAJE: Reginald Beck. Renee Asherson (La princesa Catherine). Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V.

de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. Sir Cedric Hardwicke (Frollo).168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier.. Alan Marshall (Proebus).UU. En cuanto a los actores. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». Esmeralda. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. aún ligada por contrato a David O. MÚSICA: Alfred Newman. mientras que Robert Donat. que le ofrecerá refugio en la catedral. Cuasimodo. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). Proebus. la rescatará. O. Con todo. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. PRODUCCIÓN: R. la famosa arenga del Día de San Crispín. Edmond O'Brien (Gringoire). 1939 DIRECTOR: William Dieterle. Vivien Leigh. finalmente. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. Condenada a morir en la horca. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. Maureen O'Hara (Esmeralda). Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. (Pandro S. el capitán de la guardia. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. Selznick. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. el poeta gitano Gringoire. DURACIÓN: 115 minutos. La película. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. Berman). muere. Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. que también tenía un compromiso con la M-G-M. K. FOTOGRAFÍA: Joseph August. B/N. sin embargo. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. la adapta- . no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. Thomas Mitchell (Clopin). finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección.

T. la R. Elliott se recuperará. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. Drew Barrymore (Gertie). La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal.O.826. que. había salido a la caza de talentos. por ejemplo. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. un muchacho de diez años. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos.. ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael. al recibir un mensaje de «su casa». además de hacer toda una exhibición de agilidad física. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. 1935). K.. E. Sometido a cuidados médicos. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. MONTAJE: Carol Littleton. No obstante. donde es descubierto por Elliott. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires..170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. Bissell. Sorprendentemente. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton. de esa manera.C. E. con tintes de la Bella y la Bestia.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. en 1939. pero no ocurrirá lo mismo con E. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. a Orson Welles. para acudir al rescate de Esmeralda. terminará .T. esto. MÚSICA: John Williams. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo.UU.K. Martel (Greg).T. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora. Peter Coyote («Keys»). del que 250.000 dólares.T. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. que fallece. Robert MacNaughton (Michael). como si se tratara del mismísimo Tarzán.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. este último. Rodada con un presupuesto de 1. Elliott irá cayendo enfermo. fichando.K.. Henry Thomas (Elliott).. Finalmente.O. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. GUIÓN: Melissa Mathison. DURACIÓN: 115 minutos.

T. Anne Baxter (Eva Harrington).. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. 1950 DIRECTOR: Joseph L. una actriz famosa y. tras en- . permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. donde es recogido por su nave espacial. GUIÓN: Joseph L. MÚSICA: Alfred Newman. sólo se materializaron en tres premios menores. George Sanders (Addison de Witt). FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. Argumento La manipuladora Eva Harrington. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. B/N. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. las nueve nominaciones obtenidas por E. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. en los últimos tiempos. Gary Merrill (Bill Simpson). y que fue definida por la revista especializada Variety. Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. DURACIÓN: 138 minutos.UU. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. sin duda. Mankiewicz.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. Hugh Marlow (Lloyd Richards). la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. Marilyn Monroe (Miss Casswell). de Mary Orr). proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. Celeste Holm (Karen Richards). una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. MONTAJE: Barbara McLean. La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. Davis.T. Zanuck). Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. Comentario La película E. se gana la confianza de Margo Channing. De este modo. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad.

para el papel de Eva. . Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. The Wisdom ofEve. aún hoy. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. Applause. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. Karen. Margo Channing. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. y la de George Sanders. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. Consagrada como estrella. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. Repuesta en numerosas ocasiones. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. por el contrario. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. para el de Margo. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. antes de que Joseph L. Eva al desnudo es. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. La película. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. Mankiewicz. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. fue nominada para 14 premios de la Academia. de hecho. Finalmente. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. pero Margo. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria.asociación con la Warner. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony.

caso de La profecía {The Ornen.supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». Lee J. DURACIÓN: 121 minutos. De ese modo. para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. los vómitos de puré de guisantes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. MONTAJE: Norman Gay. una niña de doce años. Jack MacGowran (Burke). las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. los espectadores que buscaban emociones fuertes. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. su madre contacta con el Padre Karras. que hasta entonces habían sido considerados marginales. se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . un experto en exorcismos. 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. Argumento Regan. acompañadas de sus respectivas secuelas.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. Evan Lottman y Bud Smith. MÚSICA: Jack Nitzche. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. Cobb (Teniente Kinderman). El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco.. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. sin embargo. de hecho. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. mientras que otras películas. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan.UU. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). Jordán Leondopoulos. No deja de ser cierto. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. que sufre un ataque al corazón. y. Jason Miller (Padre Karras). Max von Sydow (Padre Merrin). GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). El exorcista. que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. un joven sacerdote. Linda Blair (Regan). que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. fue un fenómeno de similares características. Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. cuya fe pasa por un momento de debilidad. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). 1973) de Larry Cohén. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. MacNeill). Una noche.

se casa entonces con el obispo Vergerus. Emilie. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). en tiempos. 1990). DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). No obstante. Más adelante. da luz a una niña. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. considerado. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. MÜSICA: Daniel Bell. termina por unirse a ellos. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). Poco tiempo después. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. Alian Edwall (Osear Ekdahl). que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. como era de esperar. GUIÓN: Ingmar Bergman. muere de resultas de un ataque al corazón. Osear. tras drogar al obispo para poder escapar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. Es como si Bergman. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). entre ellas las de mejor película y mejor director. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. a la vez que su guionista y productor. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. No obstante. autor de la novela en que se había basado la primera entrega. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. Por otro lado. Emilie.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. La madre. tras haber recuperado a su familia. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. Su madre. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. 1977). Argumento Navidades de 1907. Aunque.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. En una pequeña localidad sueca. . que Alexander padecerá con especial rigor. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). esta última dirigida por William Peter Blatty. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. que les esconde en su tienda de antigüedades. su padre. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman.

cuya existencia se justifica por sí misma. Albert Heath. Charles Payzant. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. de por sí. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. Charles Philipi. Arthur Heinemann.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. Joseph Sabo. Al Zinnen. Aparece luego Mickey Mouse. George Sallings.UU. Lance Nolley. un colaborador habitual de Bergman. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Webb Smith. a continuación. Kendall O'Connor. 1940 James Algar. Robert Sterner. J. Perkins. Gritos y susurros (Viskingar och rop. Thor Putnam. Hamilton Luske. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Jim Handley. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Otto Englander. MacLaren Stewart. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Perce Pearce. Norman Wright. Bill Roberts. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. Fantasía EE. . William Martin. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. Sylvia Moberly-Holland. Graham Heid. John Fraser McLeish. Zack Schwartz. Curtiss D. DURACIÓN: 124 minutos. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Yale Gracey. Wilfred Jackson. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. Tom Codrick. John Hubley. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. Ford Beebe. Paul Satterfield. Kay Nielsen. Bill Peet. Cari Fallberg. Herbert Ryman. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. Erdman Penner. Hee. Finalmente. Elmer Plummer. Phil Dike. Gordon legg. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. T. la que dibuja un cuadro y la «música pura». GUIÓN: Lee Blair. Kenneth Anderson. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Bruce Bushman. 1972). que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. al mejor vestuario. Ernest Nordli. Leo Thiele. Norman Ferguson. Hugh Hennessy.. Campbell Grant. Dick Kesley. Terrell Stapp. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Harold Doughty. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Arthur Byram. Bianca Majolie.

MONTAJE: Leo Catozzo. Mickey Mouse. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). Comentario A lo largo de la década de los treinta. MÚSICA: Niño Rota. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. ese mismo año. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. Rossella Falk (Rossella). 1963 DIRECTOR: Federico Fellini.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. así. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. por ejemplo. Blancanievesy los siete enanitos (1937). PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). Claudia Cardinale (Claudia).182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. GUIÓN: Fellini. El aprendiz de brujo. Fantasound. llega la serenidad del Ave Marta. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. y de resultas de ello nació Fantasía. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. algunas partes están bastante más logradas que otras.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. Barbara Steele (Gloria Morin). un director de éxito. el productor). Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). Argumento Guido. no consigue comenzar a rodar. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. entre . el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. Ennio Flaiano. Sandra Milo (Carla). DURACIÓN: 138 minutos. eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. B/N. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. No obstante. Con todo. Guido Alberti (Pace. sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. En general. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. a pesar de lo cual.

May Robson (Tía Elizabeth).. su reconstrucción de un brontosaurio . sin duda. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. Cary Grant (David Huxley).UU. MONTAJE: George Hively. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. esa mirada cáustica. por lo general. (Howard Hawks). El hecho de que el personaje principal. A algunos espectadores. rara vez conseguido por un medio como el cine que. el suicidio. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. se refugia. no conviene fiarse nunca de lo que. tratándose de Fellini. mientras su protagonista contempla diversas opciones. verdadero. puede pa- recer obvio. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. El director italiano. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. DURA- CIÓN: 102 minutos. La película concluye sin que la situación se resuelva. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). basado en un relato de Wilde. suele aferrarse a las narraciones lineales.O. el director de cine Guido. MÚSICA: Roy Webb. entre una compañía de payasos y. más adelante. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. a primera vista. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. PRODUCCIÓN: R.K. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. entre ellas. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. invita a establecer una conexión entre ambos. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. no sólo de realizar una obra de arte. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). entre los propios actores del film. primero. Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. con algo de desfile de monstruos o de circo. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. Argumento El día antes de su boda. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. sino de reconciliarse con la vida. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. B/N. nunca consigue que su película avance. aunque.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. No obstante. Barry Fitzgerald (Gogarty). Si bien es cierto que. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. En cualquier caso. en su caso. La película. Walter Catlett (Agente Slocum).

La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. trastoque por completo su vida. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. finalmente. mientras tonteaban entre sí. Ronald Colman y Robert Montgomery. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. donde se le rinde homenaje. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. bufonadas.O.K. . según parece. La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. No obstante. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. Despojado de sus ropas y de su dignidad. propiciando así su vuelta al teatro. doctor? (What's up Doc. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. etc.) y un contagioso espíritu anárquico. este último desempeñando un papel que. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. 1972) de Peter Bogdanovich.000 dólares. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. También Hawks se vio afectado por su fracaso.. la película no fue un éxito de taquilla. sin gran dificultad. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. Sin embargo. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. 1940). la forma en que Susan descubre el hueso perdido. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. la sigue hasta una granja de Connecticut. El género se inició. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. poco más o menos en 1934. En cualquier caso. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. un enloquecido cazador. la rica heredera Susan Vanee.

el detective creado por Mike SpiUane.188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. Retorno alpasado (Out ofthePast. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. cuya denominación viene del irancés. creando personajes como Cody Jarret. la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. Detour (1945). con películas como Chinatown (1974). La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). 1922. de Jacques Tourneur. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. 1955). Ulmer. de Robert Siodmark.]. 1919. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. El gabinete del doctor Caligari. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. la aparición de la figura de la «mujer fatal». la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. si bien. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). o Noche en la ciudad (Night and the City. Una combinación de factores. un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. Con el tiempo. 1939). parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. Los timadores (The Grifters. 1950). Nosferatu. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. sobre todo. 1944). de Jules Dassin. 1984). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. 1947). . de El beso mortal (Kiss Me Deadly. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. de Fritz Lang.film noir. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. 1926. Forajidos (The Killers. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). o El vampiro de Dusseldorf. de Edward J. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. 1990) y After Dark My Sweet (1990). el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). 1931). que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. Metrópolis. de Nicholas Ray. el término «cine negro». muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). El sueño eterno (1946). de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). de Howard Hawks. el vampiro. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. Hoy en día. de Raoul Walsh. 1946).

y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). Por otro lado. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. a pesar de ser ciega. se da cuenta de que allí hay algo extraño. es interrumpido por la madre de Helen que. el espectador se ve forzado. Finalmente. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. hacen de ella la más radical de sus obras y. Argumento Mark Lewis. la más controvertida. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. GUIÓN: Reino Unido. le hacía su padre cuando él era niño. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. un empleado de un estudio cinematográfico. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). 1959 Leo Marks. aún hoy. a pesar de los años . un interés que. la vecina del piso de abajo. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). seguramente. DURACIÓN: 109 minutos. Entabla amistad con Helen Stephens. Aunque. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. aunque no de forma tan directa. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. Seguramente. MÚSICA: Brian Easdale.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. A lo largo de la película. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. terminará por despertar las sospechas de la policía. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. MONTAJE: Noreen Ackland. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. Shirley Ann Field (Diane Ashley). Su original utilización del color y de la iluminación. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. que comienza a seguirle. Anna Massey (Helen Stephens). a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. viendo las películas de sus asesinatos.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. así como los cambios constantes en la textura visual de la película. Al descubrir a Helen en su propia casa. y la deja ver las inquietantes películas que.

Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. pero que. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. Naima Wifstrand (Madre de Isak). desde luego. 1957 En Suecia. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. una anciana de noventa y cinco años. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Folke Sundquist (Anders). un hombre frío y distante. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. MONTAJE: Osear Rosander. DURACIÓN: 90 minutos. Prosiguen su viaje. B/N. finalmente. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. Más adelante. Ingrid Thulin (Manarme). pero finalmente recibe su título honorario. MÚSICA: Erik Nordgren. cuando éste mira en el interior de la caja. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). en otro. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. Recogen a Sara. y se detienen para visitar a la madre del profesor. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. . Marianne. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. terminará por comprender su valor. recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. GUIÓN: Comentario Suecia. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. mientras que. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. Bibi Andersson (Sara). Ingmar Bergman. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. el más grande director sueco anterior a Bergman. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. en buena parte.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. la nuera decide expulsarlos del coche. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Gunnar Bjórnstrand (Evald). pero. Julián Kindahl (Agda). INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. su contemplación sigue produciendo inquietud. como siempre están discutiendo.

en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. W. Argumento Cómodamente sentado. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. Caligari). El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. Una vez acabada la narración. Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. que. Murnau y. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. B/N. eran la principal atracción. reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. le lanza sus acusaciones. Friedrich Feher(Francis). toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. Conradt Veidt (Cesare). DURACIÓN: 78 minutos. 1929). Como es natural.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. posiblemente. realizados a base de ángulos deformados. esa dimensión «artística». Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. Hans Heinz von Twardowski (Alan). Lili Dagover (Jane). El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. Pabst. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. afirmativo de la vida humana. de G. se encara con el doctor y . la novia de Francis. Cesare. donde Caligari y su asistente sonámbulo. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. Olsen). Jane. así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. no obstante. era algo que saltaba a la vista. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). se trata de un retrato compasivo y. falsas perspectivas y sombras pintadas. morirá mientras es sometido a una persecución. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. en última instancia. Rudolf Lettinger (Dr. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. Posteriormente. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. W. su inquietante argumento y sus decorados. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. Walter Rohrig y Walter Reimann. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. hace que Francis sospeche de Caligari. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. es raptada por Cesare. Sin duda.

permitiéndole retomar un momento histórico crucial. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa).UU. como es el Risorgimento. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). MÚSICA: Niño Rota. década de 1860. bajo la dirección de Roger Kay. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. la hija del alcalde. del que ya se había ocupado en Senso (1954). que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. Don Calogero.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. Alain Delon (Tancredi). La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. Romolo Valii (Padre Pirrone). Argumento Sicilia. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. Aunque pertenece .. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. obra igualmente de un noble. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. Riña Morelli (Maria Stella). el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). A pesar de ello. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). MONTAJE: Mario Serandrei. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). al viejo orden estamental. DURACIÓN: 205 minutos. Al no estar ninguno de ellos disponible. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti.

FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Katharine Ross (Elaine Robinson). Argumento Benjamín Braddock. una graduada universitaria como él. Elaine. en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). Braddock). aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. Robinson trata de poner fin a esa relación. Elizabeth Wilson (Mrs. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile.. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. pues se encuentra prometida con Cari Smith. cuando me- . Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. No obstante. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. trata de seducirlo. un estudiante de familia rica. De resultas de todo ello surgiría El graduado. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. La elección no pudo ser más acertada. Robinson). una amiga de la familia. William Daniels (Mr. regresa a su hogar en Los Ángeles. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. 1974). Mrs. MONTAJE: Sam O'Steen. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). en contra de lo que había opinado en un principio. contándole a Elaine que Benjamín la violó. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. oiga la versión de Benjamín. finalmente. el director. Murray Hamilton (Mr. optó por Burt Lancaster.UU. Robinson). Cuando. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. 1966). Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. Robinson. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. Mrs. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. ya será tarde. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. DURACIÓN: 105 minutos. más adelante. Braddock). Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. le pide que la lleve a casa en coche y. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). durante el trayecto. al mismo tiempo. No obstante.

aunque. Tras haber sido abatidos durante una misión. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. uno de los ases de la aviación alemana. Joseph Kosma. . tan sólo en los Estados Unidos. no muy satisfecho con el resultado. alegando. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. PROCinedis. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. Robinson. También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. con toda razón. interesantes. Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. que. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. B/N. Mike Nichols. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. Al margen de sus alardes estilísticos. lo rechazó. por ejemplo. Dita Parlo (Campesina). un actor de treinta años. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. finalmente. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. En el campo de prisioneros de Hallbach. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. 1937 Jean Renoir. MONTAJE: Marguerite Renoir. Argumento La Primera Guerra Mundial. una recaudación de 50 millones de dólares. se vio forzado a reemplazarlo. Robinson y. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). cuando casi han terminado su túnel de huida. Así. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. Finalmente. No obstante. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. en un determinado momento. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. Nominada en siete categorías para los Osear. son traslados a Wintersborn. los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. que se ha visto forzado a abandonar el frente. sin embargo. Marcel Dalio (Rosenthal). Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. Durante su viaje de 200 millas. permitiéndole obtener. DURACIÓN: 117 minutos.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. Carette (Un actor).

Tejas. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. como un acto de patriotismo. un director cuya obra. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión.UU. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. DURACIÓN: 143 minutos. posee tal variedad y riqueza. que interpreta Pierre Fresnay. la banda se dirige a México. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. tanto en el bando francés como en el alemán. le hace encerrar. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. Irónicamente. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. Mapache degüella a Ángel. trasciende las barreras de clase. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. MONTAJE: Louis Lombardo. La película. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. el «General» Mapache. le dispare. credo. un antiguo miembro de la banda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. Pike mata de un disparo . Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. 1914. cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). e incluso nacionalidad. donde un bandido. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. Ernest Borgine (Dutch). Warren Oates (Lyle Gorch). Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. Ryan (Deke Thornton). permite que el personaje de Von Stroheim. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. Edmond O'Brien (Sykes). les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. su homólogo en graduación y en rango social. MÚSICA: Jerry Fielding. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. uno de los miembros de la banda. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. Argumento Starbuck. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). No obstante. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas.202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. Al descubrir Mapache que Ángel. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. elaborada a lo largo de cerca de 45 años. Jaime Sánchez (Ángel). Así.. rango. cuando el oficial de la clase alta francesa.

Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. 1977 George Lucas. Marcia Lucas y Richard Chew. cuando llegue Thornton. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. GUIÓN: George Lucas.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana.. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. Desde un punto de vista técnico. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. Aunque la fórmula no tiene nada de original.UU. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. a diferencia de otras películas de acción que. a pesar de que mueran por propia voluntad. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). también decidirá unirse a ellos. MONTAJE: Paul Hirsch. precipitando así un sangriento enfrentamiento. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. La película. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. sino sangriento y espantoso. en . Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. Anthony Daniels (C3PO). MÚSICA: John Williams. FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. A medida que se va desarrollando la caza. siguiendo su estela. en el que morirán los miembros del Grupo. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. DURACIÓN: 121 minutos. desgraciadamente. No obstante. en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. Harrison Ford (Han Solo). a lo mejor llegamos a alguna parte». se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. rápido y sencillo. y de un modo increíblemente sangriento. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). ha terminado por convertirse en un lugar común. del lado de la Revolución Mexicana. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica.

fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. traspasa «La Fuerza» a Luke. una especie de poder interior similar al zen. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél).parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Mientras el resto del grupo salva a Leia. El primer episodio del ciclo. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. la película y sus dos secuelas. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. Luke Skywalker. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. vería la luz en 1999. representados respectivamente por el joven héroe. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. vestuario y banda sonora original. la película supone. no obstante. consigue escapar. Darth Vader y el Imperio. Luke Skywalker. dirección artística. Como ha señalado Lucas. en particular Han Solo. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. antes. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. La amenaza fantasma (Phantom Menace). C3P0.T. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. Una vez llegados al planeta rebelde. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. 1983]. sean personajes carentes de ambigüedad. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. 1983). Sin embargo. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. pero. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. sonido. llevándose los premios a los efectos especiales. con la ayuda de Han Solo. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. y por sus enemigos mortales. consigue destruirla. constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. . un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. literalmente atiborrados de efectos especiales. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. (1982). montaje. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». No obstante.

Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut.. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. tiene más bien poco valor. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. Hiroshima. odio. Godard. declara: «Una película es como un campo de batalla. aunque con desigual fortuna. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. unido a sus innovaciones arguméntales.. en cuyos artículos. Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. les permitieron crear un cine alternativo. y se mantuvo firme. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. Truffaut. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. Pierrot el loco (Pierrot lefou. entre ellos Francois Truffaut. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época.. tanto política como estéticamente. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. 1958). publicados en la revista Cahiers du Cinema. La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). . Lo cierto es que tal denominación. El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. mon amour (1959). el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). Una de sus últimas películas. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. como sucede en El carnicero (1969). es amor. y Alain Resnais. 1961). Los miembros del movimiento. acción. acuñado según parece por Francois Giroud. de Alain Resnais. convirtiéndose así en el único autor de la misma. 1959). a su entender. . 1965). violencia. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). muerte. basada en una idea de Truffaut. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard.208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. En años sucesivos. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. lo único que existe es el mar». De ese modo. protagonizada por Alain Delon. de Claude Chabrol. y Vivresa vie (1962). de Godard. de Francois Truffaut.en una palabra: emoción». se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. Alfinalde la escapada (1959). abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. se defendía la teoría del autor. en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional.

sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. con ese mismo título. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. B/N. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. Para negociar un precio por la estatuilla.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. Argumento Cuando su socio. la versión de 1941. MÜSICA: Adolph Deutsch. El detective convoca a una reunión a Gutman. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó.. MONTAJE: Thomas Richards. El sombrío humor. Walter Huston. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. Peter Lorre (Joel Cairo). en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. En este caso. en el papel del desafortunado Jacobi. enfundado en su sempiterna gabardina. Lee Patrick (EfFie Periné). Finalmente. Finalmente. apuntan a lo que será . O'Shaughnessy y Wilmer. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). Cairo. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. Brigid O'Shaughnessy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Floyd Thursby. mientras que la pareja formada por Peter Lorre.UU. Miles Archer. el Capitán Jacobi. actor y padre del director. y Sydney Greenstreet. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. el sicario de Gutman. Por su parte. una actriz muy experimentada. Barton MacLane (Teniente Dundy). de paso. son asesinados. 1941 DIRECTOR: John Huston. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. también realizó una breve aparición a modo de amuleto.Wallis). cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. acusada del asesinato de Archer. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). Valerie. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». Gladys George (Iva Archer). Mary Astor. un actor de origen húngaro. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). DU- RACIÓN: 100 minutos. sin embargo. A su pesar. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. bajo el título Satán Meets a Lady. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. y la presa a la que perseguía.

1937). hasta que. a su vez. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). a medida que fue transcurriendo la década.UU. hasta que. La pareja se casa. una película realizada igualmente por George Cukor. que. a su vez. que. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». Tom Noonan (Danny McGuire). Jack Carson (Matt Libby). Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. MONTAJE: Folmar Blangsted.Wellman y Robert Carson. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. Esther Blodgett. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. alcanza el estrellato. Su desconsolada viuda se retira del mundo. DURACIÓN: 182 minutos. desde hace más de sesenta años. de este modo. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. La nueva y espléndida versión de 1954 es. 1975). está basado en un relato de William A. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. tras la enésima parranda. sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. que. un temprano experimento en Technicolor. finalmente. por encima de todo. conoce a su benefactora. inspirado en la película Hollywood al desnudo). Norman se suicida. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. 1932). y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. Alan Campbell y Robert Carson que. la pantalla con problemas de alcoholismo. MÚSICA: Harold Arlen.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. 1953). ponen en evidencia a Esther en público. la preparan para obtener el éxito. Lucy Marlowe (Lola Lavery). se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. Norman Maine.. una estrella de . James Masón (Norman Maine). un tema recurrente del cine dramático. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. Charles Bickford (Oliver Niles). GUIÓN: MOSS Hart EE. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt.

1971 Don Siegel. Harry.llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. a la vez que su amargura. la película. que. La segunda opción fue James Masón. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. para Warner Brothers (Don Siegel). el sucio . MONTAJE: Cari Pingitore. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. John Larch (El jefe). el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. Andy Robinson (Asesino). Harry. amenazando con asesinar cada día a una persona. pero éste rechazo la propuesta. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan).UU. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. sin embargo.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. Reni Santoni (Chico). no obtuvo ningún premio. El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. Nominada para seis Osear. John Vermon (El alcalde). Argumento San Francisco. Rita M.. DURACIÓN: 101 minutos. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. PRODUCCIÓN: Malpaso. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. GUIÓN: Harry Julián Fink. entre ellos. ambientada. MÜSICA: Lalo Schifrin. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. en este caso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». como señaló la revista Time. Judy Garland. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. Harry Guardino (Teniente Bressler). cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera.

para muchos críticos. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. A partir de ese momento. el ejecutor (The Enforcer. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. Sin embargo. No obstante. Cuando. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». secuestre un autobús escolar.l973). una herida en la mano y su «inminente» retiro. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. 1988). pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. La última escena. más adelante. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero.en películas como Harry. No obstante. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. mientras éste emprende la huida. hasta que. Paul Newman y John Wayne. Frank Sinatra aceptó el papel. 1976). en la que Harry se desprende de su placa de policía. Se contactó con Steve McQueen. en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. Para Eastwood. . el fuerte (Magnum Force. Impacto súbito (Sudden Impact. en uno de sus niveles de lectura. arroja su placa de policía al río. Harry. finalmente. le forzaron a renunciar al papel. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. 1974). Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. acto seguido. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. el alcalde decide pagar. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. Comentario El papel protagonista de Harry.

Mankiewicz). sus compañeros en escena. Tracy. una joven malcriada y mundana. pero la ceremonia sigue su curso. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. 1940 George Cukor. MÚSICA: Franz Waxman. sin embargo. a cambio. A continuación Cary Grant llama al timbre y. cuando la Hepburn abre la puerta. Cukor. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. MONTAJE: Frank Sullivan. B/N. optó por elegir a la M-GM. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. aunque el novio y la novia serán.Mujerdtas {Little Women. No obstante. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. además. Argumento C. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry).. indignada. a partir de la cual. Katharine Hepburn aparece en el umbral. 1932). Katharine Hepburn. Rubottom. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. Tracy Lord. haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. K. 1935). rompe sobre sus rodillas un palo de golf. se construye en torno a esa escena. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones.UU. Su prometido suspende la boda. Roland Young (Tío Willie). lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. Howard (George Kittredge). entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. un viejo compañero en varios repartos. entre ellas la de Sam Goldwyn. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). K. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. El resultado fue Historias de Filadelfia. Toda la película. cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. la recibe dándole un empellón en toda la cara. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. Tracy y Haven. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. lames Stewart (Macaulay Connor).218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. Katharine Hepburn (Tracy Lord). algo que consigue. George Kittredge. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. Dexter Haven). DURACIÓN: 112 minutos. una vez más. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad.

220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. Westcott B. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. Guiol. Mildred Davis (La chica). logra completar la escalada. luego.. Comentario Considerado. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1.Clarke (El jefe de vendedores). La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. donde la propia vida del actor corría peligro. Bill Strothers (El amigo). juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. Noah Young (La ley). al ser arrestado su compañero. un joven obrero metalúrgico que. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. Mickey Daniels (El niño). tras escalar un edificio. se hace con el dinero y conquista a la chica. GUIÓN: Hal Roach. una red de tenis. DURACIÓN: 70 minutos. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. . B/N. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. Guiol. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers.000 dólares por un buen ardid publicitario. se incluían escenas con rascacielos. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. es el director del establecimiento. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. Sin embargo. es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. Tim Whelan y Sam Taylor. se repartan el dinero a medias.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. en realidad. finalmente será él mismo quien. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. a menudo. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. MONTAJE: Fred L. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). tenga que escalar los doce pisos del edificio.

Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). Finalmente. se añaden otros participantes. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa.588. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. si yo pudiera ofrecer eso al público. Aoi Nakajima (Toku). al ver aquello. Si pudiera captar algo así en una pantalla. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. con la asombrosa cifra de 1. una sirvienta y antigua prostituta. accederá a que Sada le estrangule... ocasionalmente. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. pensó: «Dios bendito. alojándose en moteles y en casas de geishas.545 dólares. MONTAJE: Keiichi Uraoka. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. . PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). sin añadir prácticamente comentario. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. Hot Water.842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. la pareja ejerce una actividad sexual constante. Comentario Esta película. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. días más tarde. GUIÓN: Nagisa Oshima. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. El resultado maravilló al público. MÚSICA: Minoru Miki.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. Argumento Sada.. Eiko Matsuda (Sada). Más adelante Harold Lloyd recordaría que. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. de los cuales 643. DURACIÓN: 105 minutos. Mientras viajan de un lado para otro. aunque el director fue declarado inocente. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico. La obsesión no tardará en ser recíproca. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. a los que. Meika Seri (Doncella Matsuko). para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua.. INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). Hiroko Fuji (Doncella Tsune). Sada amputa el pene de su amante muerto y. Oshima se limita a presentar la situación. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. justificación o análisis alguno.

Griffith. W. en un estreno que hubo de hacer época. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. el futuro». la pasión y crucifixión de Cristo.uniendo el presente y . B/N. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. Bessie Love (La novia de Cana). Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. Bitzer y Karl Brown. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. The Mother and The Law. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. W. Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). GUIÓN: D. habiéndose separado temporalmente de ella. con la agitación obrera como telón de fondo. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. extraídos de Hojas de hierba.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». FOTOGRAFÍA: G. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual.UU. «El propósito de esta obra -explicaría. «Recién salida de la cuna. MONTAJE: James y Rose Smith.. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. PRODUCCIÓN: D. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. W. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. la traición que. que ya tenía prácticamente acabada cuando. Griffith. Griffith. Mae Marsh (La mujer querida). 1916 DIRECTOR: D.C. cada vez más interrelacionadas. Erich von Stroheim (Fariseo). Constance Talmadge (La chica de la montaña). Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. una historia sobre la miseria social contemporánea. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. Se trata del momento en que. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. W. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. sufrió el rey Baltasar. Comentario En el otoño de 1914. en el 539 a.

un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. King Donovan (Jack). Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. pero finalmente también se apoderan de Becky. MÚSICA: Carmen Dragón. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. sino también hacer pensar. MONTAJE: Robert S. Miles Bennell).UU. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. La película. De nuevo en el tiempo presente. Danny Kauffman). Larry Gates (Dr. Intentan una huida desesperada. B/N. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. Por desgracia. A partir de esa secuencia. . comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. Jean Willes (Sally). El hombre. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). Argumento Los Ángeles. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. Para algunos.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. Eisen. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). 1956 DIRECTOR: Don Siegel. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. aún hoy. Carolyn Jones (Theodora). Ralph Dumke (Nick). El número de vainas que descubren es cada vez mayor. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas».. Dana Wynter (Becky DriscoU). INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. DURACIÓN: 80 minutos.

Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. pero. Oskar Werner (Jules). En lugar de ello. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Henri Serré (Jim). Boris Bassiak (Albert). A medida que todo se desmorona a su alrededor. MÚSICA: Georges Delerue. B/N. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. DURACIÓN: 105 minutos. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. Vanna Urbino (Gilberte). y anima a Jim a que se acueste con ella. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». Daniel Mainwaring. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. una vez terminada la contienda. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. aparentemente indestructible. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). estaba siendo absorbida por unas vainas.228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. Jim visita a la pareja. 1961 Francois Truffaut. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. Durante la Primera Guerra Mundial. MONTAJE: Claudine Bouche.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. en un sentido literal e ineluctable. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. ahora completamente solo. Sabine Haudepin (Sabine). sin embargo. Jules le revela. No obs- . huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. no contó con la aprobación de Siegel. Al igual que el guionista. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje.

El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. 1980). fundidos en iris. Jules y Catherine se van a vivir a París. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. que. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. etc. a modo de homenaje. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. típicamente francés. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). saltos de imagen. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. Varios años después. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. Jim regresará a París para estar junto a su novia. 1971). más adelante. y constituye la más excelsa demostración de cómo. La película es una crónica llena de vitalidad. planos de archivo. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. y un día. Su cautivadora volubilidad. dejando solo a Jules para llorarlos. que interpreta Jeanne Moreau.. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. Comentario Para muchos espectadores. madurez e imaginación cinematográfica.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. .sin embargo. pero desigual versión.

mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. The Archers. Por otra parte. Por su parte. El poder de los estudios de Hollywood. mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. . que sacó el musical a los escenarios naturales. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). También el western. de Mizoguchi. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). floreció en películas como Roma. insólito dentro del cine británico. 1946). Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. 1959). caso del cine negro y de la ciencia-ficción. que contribuyó a popularizar el ballet. Así. 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. más tarde. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. como Un tranvía llamado Deseo (1951). produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948).232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. Irónicamente. y la oscarizada Un americano en París (1951). Por otro lado. Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. como Cadenas rotas (Great Expectations. la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. como la 3-D y la pantalla gigante. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. en adaptaciones de Dickens. el neorrealismo. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. En Italia. por ejemplo. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. o en películas concretas. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. Por otro lado. Narciso negro (Black Narcissus. domingo mañana (1960). 1946). que durante tanto tiempo había parecido indestructible. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). en un intento.

234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica. Alfred Hermán. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). DURACIÓN: 99 minutos. Willis O'Brien. según la película. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. A Ernest B. Schoedsack y Merian C. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». B/N. finalmente. pero. Radio Pictures (Ernest B. Seguramente. Una vez en el lugar de rodaje. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales.K. se dedican a exhibirla ante el público. MÚSICA: Max Steiner. O. de regreso a Nueva York. una liberación a la que. consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. llamada la Isla de la Calavera. apuntan la idea de que el monumental primate representa. la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. Cooper). el mono gigante.. 1933 DIRECTORES: Ernest B. Vernon Walker y J.O. Cooper. Al margen de su virtuosismo técnico. El simio consigue escaparse. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. Cooper y Edgar Wallace). King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. PRODUCCIÓN: R. Frank Reicher (Englehorn). Sam Hardy (Weston). Éste resulta ser un descomunal simio. Robert Armstrong (Cari Denham). sin duda. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. Taylor. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. se ha de poner freno. MONTAJE: Ted Cheesman.UU. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. sino la belleza». a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. Noble Johnson (Jefe indígena). a través de la ventana de un rascacielos. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. Aunque el gran simio representa. . siembra la destrucción por toda la ciudad y. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. igualmente. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. se apodera de su querida Ann. El hijo de Kong (Son ofKong. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. King Kong. Bruce Cabot (Driscoll). de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. Mario Larrinaga y Byron L. Crabbe. Schoedsack y Merian C.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

PRODUCCIÓN: Stan Laurel. que. de esa forma. esbozados con vividas pinceladas. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. descontento con los resultados. lo único seguro es que Laura. Oliver Hardy.UU. El papel de la cautivadora Laura.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. no tardó en prescindir de Mamoulian. INTÉRPRETES: Stan Laurel. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. Laura es arrestada. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. MÚSICA: Marvin Hatley. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. intervino y la elevó a la categoría A. el concedido a la mejor fotografía. El culpable resulta ser Lydecker. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. Zanuck. . a modo de treta. con su fotografía saturada y atmosférica. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin. Sea cual sea la verdad. para que el verdadero asesino se descubra. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE.. cuando el jefe de los estudios. un cámara que era más de su agrado. 1937 W. Royce. Rosina Lawrence (Mary Roberts). James Finlayson (Mickey Finn). recaería en Gene Tierney. Nominada para cinco premios de la Academia. Alexander Woolcott). Horne. Stanley Fields (Sheriff). Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. Ya iniciado el rodaje. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). GUIÓN: Charles Rogers. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. MONTAJE: Bert Jordán. Sharon Lynne (Lola Marcel). Más tarde. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. Cuando. Mamoulian aseguraría que. intente atentar contra la vida de Laura. estableció muchos de los principios del cine negro. su utilización del flash-back. DURACIÓN: 65 minutos. Darryl Z. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. será abatido por la policía. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. B/N. Zanuck. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. de nuevo.

así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. según parece. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. para hacerse cargo de la mina. a Ruth. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. Comentario Desde principios de los años treinta. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. La chica a la que buscan es Mary Roberts. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. En la persecución que tiene lugar a continuación. En Laurel y Hardy en el Oeste. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. Hardy. tanto él como Hardy. Así. el rufián Mickey Finn. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. en concreto. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. A pesar de ello. Cuando se dan cuenta del engaño.«At the Ball. tratan de recuperar el documento. . el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. el film es pura diversión. la fregona del local. Finalmente. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». los dos amigos abandonan la ciudad. En estas obras. con todo el tacto del mundo. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. tras más de medio siglo. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». por ejemplo. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. en compañía de Mary. la mujer de Laurel en aquel momento. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. sus personajes. ya perfectamente perfilados. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. That's All». pero son descubiertos por Finn. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. mientras que Laurel le comunicará a Mary. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. Lola Maxwell.

dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. Alee Guinness (Príncipe Feisal). Por su parte. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. el versátil aventurero T.son ejecutadas a la perfección. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. José Ferrer (Rey turco). cuyas maniobras -como cabía esperar. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. por el contrario. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). se convierte en un héroe para las tropas nativas. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. E. no sólo de las batallas. Sin embargo. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. Argumento Tras su muerte. INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. Al mando de un pequeño destacamento. Ornar Sharif (Sheriff Ali). se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. 1970). Apoyado por los británicos. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. lo que confiere unidad a la película. GUIÓN: Robert Bolt. E. Jack Hawkins (General Allenby). 1962 DIRECTOR: David Lean. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). Lean. una epopeya inteligente y emotiva. sino de la crisis de . es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. Lawrence de Arabia es. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. FOTOGRAFÍA: Freddie A. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. se decidió finalmente por Peter O'Toole. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). Feisal y Allenby. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. MÚSICA: John Stoll. Sin embargo. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. MONTAJE: Maurice Jarre. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. Lawrence. Young. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T.

Milford. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. Rod Steiger (Charles Malloy). pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. Escrita por el novelista Budd Schulberg. Al día siguiente. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. no obstante. Lee }. El papel de Malloy. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy).. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. DURACIÓN: 108 minutos. Edie. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. ganó siete de ellos. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. Eva Marie Saint (Edie Doyle). y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. en la novela que publicaría con posterioridad. Charley Malloy. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. que le pedirá su ayuda. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. es brutalmente agredido en los muelles. en una de las reuniones a las que asiste. MÚSICA: Leonard Bernstein. B/N. que Schulberg optaría por un final distinto. Argumento Nueva York. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). año tras año.UU. Karl Malden (Padre Barry). espiarles. la hermana de éste. Nominada para diez premios de la Academia. en realidad. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. se siente atraído por Edie. Cobb (Johnny Friendly). Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. Pat Henning («Kayo» Dugan). utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. MONTAJE: Arthur E. iluminar las pantallas norteamericanas . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Es interesante subrayar. Obedeciendo las órdenes de su hermano. y muy poco heroico. pero. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director.

Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). Tras la muerte de su segundo marido. 1953). sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. En cuanto a la película. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. En el baile de Los Doce Robles. jura que Tara. Rhett sigue estando presente en su vida. despechada.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. podría haber sido un aspirante al título». Selznick). toma la decisión de volver a conquistarlo. Escarlata. se casa con el hermano de Melanie. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). entre ellos los otorgados a la mejor película. El famoso discurso del «podría haber tenido clase. Hattie McDaniel (Mammy). Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. Newcorn. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). recobrará su antiguo esplendor. Si la obra de D. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). Aunque no consigue retenerle. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. W. Leslie Howard (Ashley Wilkes). ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. el ambicioso Selznick. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. Tras haberse asegurado. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). la espectacular versión cinematográfica que David O. MÚSICA: Max Steiner. Argumento Año 1861. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. que Terry le suelta a su hermano en un taxi. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. Kern y James E. Escarlata. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. mejor director y mejor guión. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. antes incluso de su publicación. MONTAJE: Hal C. La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. No obstante. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley.UU. Lo que el viento se llevó. obteniendo ocho premios. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. DURACIÓN: 222 minutos. fue nominada en doce categorías. la propiedad de su familia. con el tiempo. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo.. los derechos de una novela que. desplegando una determinación in- . que no tardará en morir de sarampión. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas.

B/N. que. Florence Lee (La abuela).. una vez cumplida la condena. . Alian García (El mayordomo). GUIÓN: Charles Chaplin. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha.254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. Virginia Cherril (La muchacha ciega). en diciembre de 1939. la película obtuvo finalmente ocho Osear. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. queda prendado de la belleza de una florista ciega. DURACIÓN: 86 minutos. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D.que participaron en su realización. MONTAJE: Charles Chaplin. Scarlett O'Hara. su exuberancia. MÚSICA: Charles Chaplin. A lo largo de los tres años siguientes. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. En 1994 se estrenaría Scarlett. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. rico y bien parecido. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood. no obstante. Hank Mann (El boxeador). descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). Rhett Butler.a la M-G-M. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). Cuando regrese. Chaplin. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. como es habitual. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. para finalmente decidirse por Vivien Leigh.25 millones de dólares) jamás filmada. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. Comentario En 1928. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. no se acuerda de él cuando está sobrio. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. Hall. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. Argumento El pequeño vagabundo. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. una actriz británica casi desconocida. Una serie de percances harán que acabe en prisión. Harry Myers (El millonario). le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo.UU. y el gallardo picaro. una secuela dirigida por John Erman. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. George Cukor y Sam Wood.

256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. al anunciar ella que se encuentra embarazada. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. W. de la que llegará a enamorarse. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. Laurence Harvey (Joe Lampión). además. trasciende las innovaciones técnicas del momento. la hija de un magnate de la localidad. pero es que. MÜSICA: Mario Nacimbene. MONTAJE: Ralph Kemplen. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. en esta película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. a finales de aquel mismo año. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. Joe Lampton. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. como atestigua el hecho de que. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). contando con un Chaplin que. W. Brown). Griffith o F. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. Alice. entre los asistentes a su estreno. al verse cruelmente abandona- . cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. En su ensayo de 1949. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. Donald Houston (Charles Soames). Ambrosine Philpot (Mrs. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. una mujer casada y de más edad. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. sobre todo. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. DURACIÓN: 117 minutos. por lo tanto. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. Heather Sears (Susan Brown). está empeñado en conquistar a Susan Brown. B/N. con unos ingresos de un millón de dólares. No obstante. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. Brown). un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. se encontraron personajes como Winston Churchill. Murnau. La gran época de la comedia. Argumento Decidido a hacer carrera. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Donald Wolfit (Mr.

sobre todo. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. tres años después de su inicio. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. MÚSICA: Brian May. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Steve Bisley (Jim Goose). Alian Sillitoe. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. contrae matrimonio con Susan. Tim Burns (Johnny the Boy). se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). FOTOGRAFÍA: David Eggby. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. DURACIÓN: 91 minutos. se suicida. 1979 DIRECTOR: George Miller. Joanne Samuel (Jessie). la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. Comentario A finales de los años cincuenta. Un lugar en la cumbre. Man at the Top. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. mientras Lampton. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. gracias. 1963).258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. Stan Barstow). Roger Ward (Fifi Macaffee). surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. hundido en la miseria. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). que. las de aquellos cineastas que. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. En términos cinematográficos. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. con Sábado noche. MadMax. 1959) y de Braine. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. Cuando el poli- . Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. mientras que el personaje de Joe Lampton. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. Nominada para seis premios de la Academia. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. en particular. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. de forma un tanto vaga. estrellándose con su coche. Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. dirigida por Ted Kotcheff. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson.

a un tiempo. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. rebosante de acción. «El Cortador de Dedos». Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. Mad Max 2. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. a su vez. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. Max abandona el cuerpo de policía. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. pero que posee también una poderosa textura emocional. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. promete vengarse. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. un motorista demente. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. la novia de Max. todo lleno de puntillas y miriñaques. Mel Gibson. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. . que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. insiste en que abandone el cuerpo. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. Cuando Goose es asesinado. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. George Miller. Entre tanto. un licenciado en medicina. persigue a los motoristas y acaba con ellos. 1985). Con todo. otro motorista psicópata. Mad Max es. Jessie. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. Miller. 1981).pasara sin pena ni gloria.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». Max vuelve a unirse al cuerpo y. armado hasta los dientes. y que. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. Su director y co-guionista. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. pero éste. a bordo de un Pursuit Special V8. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. la estrella de las tres películas. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. uno de los miembros de la banda.

a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. Con frecuencia. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. 1989). o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. por ejemplo.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. Niebla en el pasado (Random Harvest. Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. pero las historias de amor. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. 1942). una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). como por ejemplo. aunque una selección circunscrita. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. . caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). Olivia de Havilland y Errol Flynn. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. por Les enfants duparadis (1944). más recientemente. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). Ghost. 1957. Greer Garson y Walter Pidgeon y. Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. Ariane [Love in the afternoon]. l990)oPretty Woman (1990). a Marcel Carné. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. o que han tenido un final trágico. cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. 1959). a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). 1935). más allá del amor (Ghost. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. nunca se pasan de moda.

Bille Burke (Glinda). DURACIÓN: 101 minutos. Dorothy. Aunque el Mago resulta ser un fraude. fue considerada un mal menor. le fue ofrecido en un principio a W. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). como El pájaro azul (The Blue Bird. La alternativa de Judy Garland.UU. siguiendo las instrucciones que le han dado. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. B/Ny Color. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. en rigor. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. que. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. Baum). A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. que finalmente interpretaría Frank Morgan. Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). 1940). algo mayor para el papel. Fields. Dorothy y su perro Toto son capturados. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. C. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. Edna May Oliver o Gale Sondergaard. lo cierto es que. es devuelta a Kansas. Sin embargo. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). Frank Morgan (El mago). en ese preciso instante. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. una bruja buena. Allí se encuentra con Glinda. MÜSICA: Herbert Stothart. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. De camino. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. capacidad de asombro y vulnerabilidad. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. Aunque. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. GUIÓN: Noel Langley. con sus diecisiete años era. hoy en día. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. fue concluida por King Vidor. El personaje del Mago. MONTAJE: Blanche Sewell. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. en un primer momento.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. iniciada por Victor Fleming. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). La película. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson.

protagonizada por Diana Ross. Buster Keaton. PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. Devereaux Jennings y Bert Haines. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. Jim Farley (General Thatcher). bajo el título de Oz.. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. rescata a Annabelle. Argumento Al estallar la guerra. en 1985. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. hasta llegar incluso a rodar en . Johnnie emprende la persecución y. ya muy adentrado en territorio enemigo. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. 1990).UU. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. obra de la factoría Disney. la tecnología y los escenarios de la época.266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. Cuando llegan al puente de Rock River. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. Charles Smith (Padre de Annabelle). se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. DURACIÓN: 74 minutos. un mundo fantástico (Return to Oz). INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). Más adelante. de forma más sobria. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. la memorable dirección artística. inspirado en The Great Locomotive Chase. los encantadores Munchkins. importancia de su profesión. serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. el armamento. aparecía una secuela tardía. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. Glen Cavender (Capitán Anderson). Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. inmerecido pero quizá inevitable. y de escaso interés. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. Schenck). En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). Un año más tarde. Frederick Vroom (General del Sur). El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. FOTOGRAFÍA: J. de William Pittinger). un artista cuyo declive durante la era del sonoro. la querida locomotora que conduce John Gray. los efectos especiales. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. B/N. Afortunadamente. mientras que. Marión Mack (Annabelle Lee).

pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. Virginia Mayo (Marie Derry). de MacKinlay Kantor). algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. 1946 DIRECTOR: William Wyler. DURACIÓN: 182 minutos. GUIÓN: Robert E. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. Gloryfor Me. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. la hija de Al. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. tras haberse separado de su mujer. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. mientras que Fred. se ha convertido en una extraña. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. Harold Russell (Homer Parrish). tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. Millie.. George Jenkins y Julia Heron. Argumento Al Stephenson. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. MÜSICA: Hugo Friedhofer. Fredric March (Al Stephenson). Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Homer. su atractiva mujer. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson.UU. No obstante. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Dana Andrews (Fred Derry). tres soldados que regresan a casa. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. Sherwood (basado en la novela en verso. Por su parte. Al empezará a beber en exceso. mientras que Fred. su prometida. encontrará mucha más comprensión en Peggy. B/N. . que ha descubierto que Marie. MONTAJE: Daniel Mandell. que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. Fred Derry y Homer Parrish. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). así como de su exquisita y relajada forma de actuar. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn.

Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. a la que considera inadecuada para el papel.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. 1944). una estrella de Hollywood. MONTAJE: Albert Akst. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. Ava Gardner (Estrella invitada).su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. el extravagante Jef- . mientras que el actor no profesional. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. ya entrada en años. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. a continuación. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. que finalmente sería el encargado del guión. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). ajena a las grandes efusiones. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey). Sherwood. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. Contando con la colaboración de Gregg Toland. a pesar de contar con una primera actriz. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. decide embarcarse en el proyecto. con una minuciosidad impecable. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. posiblemente. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. Osear Levant (Lester Marton). PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. entre otros el concedido a la mejor película. de Wyler. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. Tony Hunter. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. Lester y Lily Marton. su cámara habitual. y un director. Nominada para ocho premios de la Academia. decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. aunque un tanto impersonal. fue todo un acierto. Wyler empezó por encuadrar la película. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. DURACIÓN: 112 minutos.. Cyd Charisse (Gaby). INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). el más logrado ejemplo del oficio consumado. Nanette Fabray (Lily Marton). la bailarina Gaby Berard.UU. Harold Russell. Sus leales amigos. Con inquebrantable tenacidad. obtuvo seis de ellos. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. Tony se vuelca en el trabajo.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. John Longden (Frank Webber). Mientras se prepara para posar. MONTAJE: Emile De Ruelle. No obstante. el artista trata de aprovecharse de ella. en última instancia. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). B/N. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. White). . Thea von Harbou. la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. posteriormente. Argumento Durante una cena con su prometido. Webber decide poner en evidencia a Tracy. Charles Patón (Mr. se estrenara en junio de 1927. por Tracy. Alice. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). uno de los cuales será encontrado por Webber. la que entonces era su mujer. GUIÓN: Alfred Hitchcock. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. 1929 Hitchcock. Arnold y Norman Arnold. el detective de Scotland Yard Frank Webber. lo que sigue fascinando a los espectadores. acompañará a su estudio. Cyril Ritchard (El artista). que ha sido asignado para el caso.000 figurantes). Sara Allgood (Mrs. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. La película. Donald Calthrop (Tracy). ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. finalmente. White).280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. atormentada por sus remordimientos. anunciada a bombo y platillo. Por su parte. hoy en día. pero olvida sus guantes. compuesta por trabajadores esclavizados. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. Benn W. al que. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. y el otro. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. triunfe el amor. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. con su científico loco. Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. que lo utilizará para chantajear a Webber. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente».

se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». desayuna con su familia. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). FOTOGRAFÍA: C. Argumento Año 1860. GUIÓN: D. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. la ladrona [Marnie]. Mae Marsh (Flora Cameron.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. Aunque toda la película. Henry W. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. W. 1946. así como en la novela The Leopard's Spots. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. Griffith. Mary Alden (Lydia Brown. MONTAJE: James Smith.W. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). Bitzer. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. Anny Ondra. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. a pesar de lo cual.W..). Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. Miriam Cooper (Margaret Cameron). sin embargo. El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. Walthall (Ben Cameron. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). 1960. B/N. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. Muchos serán los que mueran du- . la hermana pequeña). Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959.UU. Psicosis. Griffith. Griffith). el ama de llaves mulata de los Stoneman). entre otras muchas). a excepción del último rollo. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. 1915 W. 1964). EE. 1935. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. Griffith y Frank E. mitad enigmáticos. W. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. todas ellas de Thomas Dixon Jr. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. Marnie. el pequeño coronel). PRODUCCIÓN: Epoch (D.

se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. de paso. según se dijo. Dixon. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. . No obstante. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo».000 dólares. la película posee un argumento. desde una perspectiva ideológica. contraigan matrimonio. por otro. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. Ben Cameron. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. Phil Stoneman y su protegido negro. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. los indisciplinados y lujuriosos negros. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. En cualquier caso. sin embargo. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). cuya mera sinopsis produce. obteniendo. firme defensor de la supremacía blanca. Lynch coge prisionera a Elsie. que ha caído prisionero. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. y Margaret y Phil. Lo que. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. Por su parte.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. Silas Lynch. The Clansman. según reza uno de los rótulos). Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. su hermana. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. Ben Cameron. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. Llegada la paz. hoy en día. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. por un lado. Si. en última instancia. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. verdadero espanto. desde un punto de vista artístico. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y.

1920). 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. caso de La noche de Halloween (Halloween. Con El hombre lobo (The WolfMan. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. 1959). 1980) con sus innumerables secuelas. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. Jeckyll and Mr. 1978).286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. 1927). como Mario Bava y Dario Argento. 1964). elvampiro (1922). Sin embargo. Hyde. 1942). que figuró en la película Nosferatu. El exorcista (1973). Drácula (1958) o La momia (TheMummy. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. Por su parte. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. La profecía (The Ornen. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. la productora de King Kong (1933). cuyas grandes orquestaciones de color. 1931). Posesión infernal (The EvilDead. más o menos truculentas. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1962). que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. de Alfred Hitchcock. o como Psicosis (1960). el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. 1941). Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. caso. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. una película dirigida por el británico James Whale. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. 1956). el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. por ejemplo. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). de Drácula. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. 1976).con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. . 1954). donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas.

se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. se mueve con extraordinaria agilidad. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. existían ya varias versiones de la misma. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. e incluso en el momento de su estreno.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. Años más tarde. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. no existe una copia definitiva de Napoleón. En todo caso. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). Lo que. sí consiguió fue explotar al máximo. en este sentido. Cuando se estrenó en París. siguiendo la norma habitual. escena tras escena. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. dado que la película sólo recoge su infancia. sin duda. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). donde las imágenes. En todas sus películas. DURACIÓN: 270 minutos. realizando todo tipo de picados y giros. Meinhardt y Eugene Lourie. las posibilidades de la cámara que. Pierre Schildknecht. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. B/N. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. Napoleón no constituye una excepción. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. Jacouty. A pesar de su longitud y de su escala. quedan restringidas a una sola pantalla. Alexandre Koubitzky (Danton). convertido ya en teniente. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. MÚSICA: Arthur Honegger. juventud y los inicios de su carrera militar. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. GUIÓN: Abel Gance. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. entonces como ahora. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. Argumento En la academia militar. el retrato está incompleto. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. Posteriormente. En la actualidad. y de manera harto novedosa. no llegó a realizarse. finalmente. Lochavoff. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. Antonin Artaud (Marat). Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. sin embargo.

Durante el concierto. algunas ya veteranas. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. Entre los resultados se encuentran un western revisionista. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. un ferviente partidario de Walker. Barbara Harris (Albuquerque). Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). Por su parte. y Un largo adiós (The Long Goodbye. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. que incluye todo el metraje conservado de la película. Famoso por su utilización de un sonido multipistas. que huye de un matrimonio desgraciado. 1971). entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. cuyo marido. como Haven Hamilton y Barbara Jean. Opal. produciendo una sensación de aparente espontaneidad.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. entre ellas. una adaptación de Raymond Chandler. como el joven Kenny Fraiser.UU. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. Geraldine Chaplin (Opal). Ronee Blakely (Barbara Jean). 1973). muy alejada de los estereotipos del cine negro. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. Miller. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. saca un revolver y dispara contra el escenario. Tennessee.LilyTomlin(LinneaReese). Delbert Reese. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. Albuquerque. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. o la aspirante a cantante. Fraiser . MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. como Los vividores (McCabe andMrs. Keith Carradine (Tom Frank). DURACIÓN: 161 minutos. la película. FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica.. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. Argumento Nashville. GUIÓN: Joan Tewkesbury. la reportera de la BBC. de forma irreverente.

Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. DURACIÓN: 120 minutos. La muerte en un accidente de coche de Alexander. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). GUIÓN: Francois Truffaut. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. sin embargo. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. Concluido el rodaje. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. restablece la calma. Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. está destrozada por la enfermedad de su hija. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. un hombre comprensivo. Jacqueline Bisset (Julie). que. Alphonse. alcanzaron el éxito. por «Fin Easy». INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). la madre en Pamela. el actor que hace de padre en la película. mientras que Severine. la llegada de su marido. MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. MÚSICA: Georges Delerue. o de Lily Tomlin. que trata de un joven francés cuya visita a . a partir de entonces. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. Tal sería el caso de Ronee Blakely. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. Dani (Lilianna). una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). Ferrand. el protagonista masculino. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. la actriz que hace de esposa. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». su director. Valentina Córtese (Severine). mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. Julie. Natalie Baye (Ayudante). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. o de calidad aún no probada. se está recuperando de una crisis nerviosa. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. Jean Champion (Bertrand).

intenta trabar amistad con él. interpretado magistralmente por el propio Truffaut. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. pero el obstinado Powell consigue localizarlos. su compañero de celda. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. Powell es . El hecho de que Truffaut use la expresión como título. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. «la nuit americaine». Cuando salga de prisión. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. Harry Powell. MÚSICA: Walter Schumann. John y Pearl. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. un supuesto predicador ambulante. DURACIÓN: 93 minutos. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). desengaños amorosos. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. a la vez. y a las que el director. malentendidos matrimoniales e. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). al trazar. ha de hacer frente. incluso. para poder sacar adelante la película. asesina a Willa. Peter Graves (Ben Harper). recurriendo a todo tipo de malabarismos. MONTAJE: Robert Golden.UU. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. tras huir río abajo. finalmente. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. Poco antes de que Ben sea ejecutado. Evelyn Varden (Icey Spoon). la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. Powell ha encontrado la horma de su zapato. mediante la utilización de un filtro especial. perfectamente creíbles.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. la mujer de Harper. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). esconde el botín y hace jurar a sus hijos. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. Ben Harper. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns.. No obstante. que guardarán el secreto. James Cleason (Birdie). sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. B/N. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. razón por la cual los franceses la denominan. Los niños. Antes de ser aprehendido. Lillian Gish (Rachel Cooper). hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. Argumento West Virginia. un parado que ha asaltado un banco. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. una galería de personajes absurdos y. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. Shelley Winters (Willa Harper).

296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Judith Riley (Judy). Karl Hardman (Harry Cooper). Russo. Duane Jones (Ben). que con el papel de Harry Powell. Romero. 1968 DIRECTOR: George A. Con todo. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. se van congregando en el exterior. en número creciente. descubren a otro grupo de rezagados.terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. Romero. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. Barbara huye a una casa cercana. A resultas de ese fracaso. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. "déjame a mí al frente de esa sección"». donde se encuentra con Ben. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. Los desnudos y los muertos. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. Keith Wayne (Tom). DURACIÓN: 96 minutos. relatada según los cánones del cine de suspense. encogidos por el miedo. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". No obstante. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. Marilyn Eastman (Helen Cooper). Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de .UU. le dije. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. el de Robert Mitchum. FOTOGRAFÍA: George A.. especialmente. le respondí. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". que ha sido víctima de un asalto similar. Ocultos en el sótano. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. "¡Presente!". "Charles". B/N. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. GUIÓN: John A. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood.

INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Ben. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. MONTAJE: Wiliam Levanway. 1985). El embaucador empresario Otis B. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. Argumento Milán. 1935 Sam Wood. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. Al Boasberg. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. B/N. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. La Guerra de los Mundos.los zombis asaltan la casa. abandona su escondrijo. basado en un relato de James Kevin McGuinness.UU. Harpo Marx (Tomasso). que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. Romero. MÚSICA: Herbert Stothart. Gerstad. contribuyen a hacer la historia más convincente. 1978). matando a todos menos a Ben. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). DURACIÓN: 90 minutos. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. Bert Kalmar y Harry Ruby. Claypool que le presentará a la alta .. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Margaret Drumont (Mrs. Claypool). Chico Marx (Fiorello). En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. FOTOGRAFÍA: Merritt B. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. Kaufman. y el tono amateur que de ello se deriva. Morrie Ryskind. que consigue atrincherarse en el sótano. aliviado al verse rescatado. George A. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. GUIÓN: George S. Driftwood). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. y es abatido a tiros por error. Alian Jones (Riccardo Baroni).

no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. el niño prodigio de la M-G-M.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. Por desgracia. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. se dirigen a su hotel. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. que no paraban de tomar notas. También dejó que. en Un día en las carreras (1937). El intento de ampliar su público. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. antes de pisar los estudios. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. y Fiorello. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. De ese modo. iniciado por Thalberg. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa. el productor Irving Thalberg. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. . lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. el novio de la Castaldi. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. un ayudante de camerino. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. Tomasso. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). Afortunadamente. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. el agente de Baroni. con resultados sólo ligeramente inferiores. cuya estrella es Rosa Castaldi. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York.

para el público actual. el destructor. Ellen. . EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F.Schnell (Harding. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. a su llegada. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. Ruth Landshoff (Annie. en un principio. creando una situación verdaderamente confusa). Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. PRODUCCIÓN: Prana.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. Como era de esperar. Tras un viaje lleno de premoniciones. le deposita frente a las puertas del castillo. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. B/N. Alemania. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. en parte. que siempre había sido su punto fuerte. el propietario del barco). No obstante. el principal interés de la película resi- Nosferatu. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. las teorías postvictorianas de Freud. Aunque. a convertirse en un pelele inútil. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. su esposa). sin muchas ceremonias. 1922 Murnau. Nosferatu). Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. su esposa). GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. uno de cuyos referentes eran. es recogido por un veloz carruaje que. un agente de la propiedad). FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. un empleado de una inmobiliaria. el empleado). algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. se verá asolada por la peste. pero Ellen en la película. Gustav von Wangenheim (Hutter. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. Alexander Granach (Knock. pero. un cambio que.H. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. el vampiro NOSFERATU. Argumento Hutter. G. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. de Bram Stoker). acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. W. DURACIÓN: 75 minutos. precisamente. a pesar de lo cual. ciudad que. En este sentido. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. Greta Schroeder (Ellen. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina.

Henry Frankenstein. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. Pretorius para que colabore con él.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. de la primera. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo.UU. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). Con todo. mejor versión del mito. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). 1979). y seguramente todavía. Más tarde. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Septimus Pretorius). O. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. DURACIÓN: 76 minutos. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. trabará amistad con Pretorius. Phantom derNacht. B/N.). Entre tanto. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. GUIÓN: William Hurlbut y John L. pero fue Werner Herzog quien. MONTAJE: Ted Kent. Sin embargo. 1935 DIRECTOR: James Whale. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. P. vampiro de la noche {Nosferatu. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. FOTOGRAFÍA: John Mescall. que le enseña a hablar. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. Colin Clive (Henry Frankenstein). Hall. MÚSICA: Franz Waxman. Una O'Connor (Minnie). un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). a diferencia de lo que solía ser la norma. la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. con desiguales resultados. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. su creador. Pretorius. y a menudo también la letra. con su Nosferatu. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . Heggie (El ermitaño). Tras una breve estancia en la cárcel. Ernest Thesiger (Dr. Enfurecido por semejante rechazo. invocar el espíritu.. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. el Monstruo continúa causando estragos. un ermitaño ciego. Balderston. intentó. The Return of Frankenstein.

volverá a reunirse con Eurídice. que él mismo ha creado. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. 1944). el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. Édouard Dermithe (Cegeste). con Peter Boyle en el papel del Monstruo. Francois Perier (Heurtebise). hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Niemann. MÚSICA: George Auric. le informe de que Eurídice. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. Argumento Orfeo. 1974). María Casares (La Princesa). DURACIÓN: 112 minutos. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. Al llegar a casa de la Princesa. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. por ejemplo. cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. también ha muerto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. Orfeo ORPHÉE Francia. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». de El hijo de Kong [Son ofKong]. 1939). GUIÓN: Jean Cocteau. B/N. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. Sin embargo. el Dr. embelesado por la enigmática Princesa. se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. su esposa.306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. 1934). Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. caso. Juliette Greco (Aglaonice). Marie Dea (Eurídice). el chofer de la Princesa. que según él mismo asegura es su «única debilidad». El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. tras lo cual morirá asaltado por una turba. 1958). La mezcla de terror y humor negro. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff.

el director funde su obsesión por los mitos griegos y. consolidando así su posición como nuevo padrino. Ruddy).UU. MÚSICA: Niño Rota. . 1930) y Le testament d'Orphée (1960). INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. por el mito de Orfeo. MONTAJE: William Reynolds. Su hijo Michael. es su película más conseguida. por el contrario. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. su antigua novia. no obstante. de Robert Towne). Orfeo es la obra maestra de Cocteau. está a punto de costarle la vida. Desafiante siempre y. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. Richard Castellano (Clemenza). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. La película. Haciendo gala de una portentosa imaginación. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. 1972 Francis Ford Coppola. y con la colaboración. ambientada en el mundo actual. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. el protector de aquél en el cuerpo de policía. a menudo. al ser abatido a tiros en la calle. tras lo cual. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. DURACIÓN: 175 minutos. tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». Orfeo. efectuada por Sollozzo. Marc Laub y Murray Solomon. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. no mencionada en los títulos de crédito. De regreso a los Estados Unidos. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». en un fantástico mundo subterráneo. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. también divertida. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. se casa con Kay Adams. PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. y el otro. en particular. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. Sterling Hayden (McCluskey). que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. se refugia en Sicilia.. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. James Caan (Sonny Corleone). Robert Duvall (Tbm Hagen). FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. Al Pacino (Michael Corleone). Peter Zinner. están filmadas de manera muy realista. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. un capo rival.a una concepción del cine como poesía visual. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. 1968). En este sentido. Orson Welles y Edward G. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. Parts. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. orquestada con tonos operísticos. va contándole a su hermano Walt su historia. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. un nombre más asequible. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. Laurence Olivier. por encima de todo. 1974). un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. 1990). Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. como son la presencia de estrellas en el reparto. FOTOGRAFÍA: Robby Muller. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. Texas Alemania occidental/Francia. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. moral y económica del país. Aurore Clement (Anne Anderson). seguramente. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. Walt y su mujer Ann han adoptado . que se puede apreciar en el uso de colores apagados.000 dólares. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. con un genuino toque de autor. consiguió que se aumentara el presupuesto. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. "Kit" Carson). DURACIÓN: 148 minutos. Argumento Travis Anderson. Dean Stockwell (Walter Anderson). Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. a quien se consideraba un guionista de talento y. M. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. MONTAJE: Peter Przygodda. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. y en El Padrino III (The Godfather III. Aunque en un principio permanece en silencio. una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. y. MÚSICA: Ry Cooder. Gracias a su tenacidad. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. Robinson). Part II. Hunter Carson (Hunter Anderson). supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. en consecuencia. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. Natassja Kinski (Jane). Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. una saga sobre la «Cosa Nostra». se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y.

PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. DU- RACIÓN: 114 minutos. sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. Irónicamente. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. la escena clave del film. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). si bien se trata de una problemática que. París. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. París. el hijo de Travis. de Joseph Deltell). su mejor papel hasta la fecha). sin duda. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. Texas. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. sobre todo. Michel Simón (Jean Lemaitre). muy exitosa película. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. Como él mismo ha señalado. Alfinal. de la música y del cine. Louis Ravet (Jean Beaupére). Hunter insiste en acompañarle. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. sin embargo. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. su mujer. empezando por su propio título. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. Texas.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. la adolescente . B/N. en último término. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. Antonin Artaud (Massieu). terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. a través de los libros y. Travis se marchará solo. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. no llegará a solucionarse. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. Comentario Aunque esta austera y. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. en el que es. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. en la que se desvelará el motivo de su separación. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders.

generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. El verdadero tema de la película. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. B/N. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. DURACIÓN: 115 minutos. pero. Karuna Banerjee (Sarbajaya). Chúmbala Devi (La tía). Pather Panchali India. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. es llevada a la estaca donde morirá quemada. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. particularmente. Subir Banerjee (Apu). cuya canonización se había producido en 1920. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). Aunque su cuerpo haya sido destruido. debido a la complejidad de los decorados. se resiste a hacerlo. . gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. pero triunfa en lo que. Como ocurre en el resto de su obra. considerado revolucionario en su época. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. Con la cabeza rapada. para su director. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. era el único reino verdadero: el del alma. Dreyer trató con extrema dureza. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. según se dice. pero ella se mantiene firme ante sus captores. el director danés optó por Juana de Arco. pide que se le aplique la pena. MÚSICA: Ravi Shankar. MONTAJE: Dulal Dutta. Urna Das Gupta (Durga). Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. una vez más.

entre otras razones. posteriormente. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. esta película. Que esto fuera así se debió. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. Finalmente. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. a lo largo de un año. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. A pesar de todas estas dificultades. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. aunque teñida de lirismo. sin ningún resultado. Apu. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. tras un parón de varios meses. a varios patrocinadores en potencia. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. acompañado de su hermana. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y. de Durga. ya en los años cincuenta. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. y su anciana Tía. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. si llegaba a completarse. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. sin embargo. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. se había convertido en un clásico contemporáneo. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. para cuando Ray la filmó. . Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. Apu conocerá también el significado de la muerte. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. lo estuvo mostrando. En la escena más famosa de la película. reinició la filmación ya en 1953. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. sus hijos Apu y Durga. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y.

en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. o producciones convencionales del género de terror. a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. 1969).318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). 1963). durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. El día más largo (The Longest Day. con La última película (1971). sería la película Mad Max. a principios de la década de los setenta. Lo cierto es que. Aeropuerto (Airport. caso de Pasolini o Bertolucci. finalmente. 1969) o Love Story (1970). Peter Bogdanovich. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). Mad. Fred Schepisi y Peter Weir. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. como El exorcista (1973). Mad. mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. la cólera de Dios (1972). 1962). 1974). entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. con Malas calles (Mean Streets. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong.como Sonrisas y lágrimas (1965). Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. Volker Schlóndorff. engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. 1973). No obstante. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). 1972). Francis Ford Coppola. loco (It's a Mad. mientras otros directores. buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. 1975). Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. 1970). No obstante. terminaría trabajando en los Estados Unidos. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. Mad World. Texas (1984). con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). con El padrino (1972) y Martin Scorsese. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. . el director de Aguirre. 1976) y que. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. donde realizó París. Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. 1966). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. 1962) o El mundo está loco. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). caso por ejemplo de La conversación (1974). En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. loco. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos.

El protagonista masculino.UU. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. con sus diálogos afilados. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. su deseo por esa mujer le llevó. detective de la compañía. etc. y el mordaz Billy Wilder. Keyes. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. Jean Heather (Lola Dietrichson). a pesar de lo cual. tras llamar a la policía. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. En el caso de Perdición. a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. Jackson). En el final original de la película. cada vez más asqueado. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. Edward G. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). MONTAJE: Doane Harrison. realizada al alimón por Raymond Chandler. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. DURACIÓN: 106 minutos. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. FOTOGRAFÍA: John F. Retorno al pasado [OutofthePast]. Cain. Adaptación de un relato de James M. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. Seitz. sospechó que se trataba de un fraude y. pero antes de que él la matara. 1946. primero. Cain.).320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. trata de consolar a su amigo antes de que muera. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. otro de los decanos de la novela policiaca. tuvo tiempo de dispararle. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). luego.. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. Sin embargo. MÚSICA: Miklos Rozsa. Neff. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. con frecuencia. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. un vendedor de seguros. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. que. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. 1947. antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. finalmente. Argumento Walter Neff. Tom Powers (Mr. 1981. Three ofa Kind). Robinson (Barton Keyes). Fred MacMurray es condenado por ase- . B/N. Porter Hall (Mr. Dietrichson).

el celuloide parecerá quemarse. inesperadamente. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. que no tiene explicación médica. Vogler). FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. a mitad del film. Esos 20 minutos de película. por contraste.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. que. Comentario Persona. Jorgen Lindstrom (El muchacho). momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. que. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. No obstante. B/N. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. DURACIÓN: 81 minutos. donde Elisabeth comienza a recuperarse. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Según se cree. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. Bibi Andersson (La enfermera Alma). que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. sabeth. Alma. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. MÚSICA: Lars-Johan Werle. pertenecientes a la fantasía del adolescente. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). vuelven a aparecer a mitad de la cinta. Su estado. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. Cuando llega el marido de Eli- . Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. Persona Suecia. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. Margarethe Krook (La doctora). habla sin parar. GUIÓN: Ingmar Bergman. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). Gunnar Bjornstrand (Mr. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. MONTAJE: UUa Ryghe.

Apesadumbrado tras la muerte de su madre. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. DURACIÓN: 80 minutos. precisamente. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). un estudiante solitario y sin dinero. MONTAJE: Raymond Lamy. no es más que parte de la ilusión creada por el cine. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. y es. pero. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. esa ambigüedad. Kassagi (Carterista). vuelve a quedar en libertad. Pierre Etaix (Cómplice). un Pickpocket Francia. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. Jean Pelegri (Inspector de policía). INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. al poco tiempo. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. va adquiriendo.sino por el propio acto en sí. Marika Green (Jeanne). debida a un director que. tan evasiva. Tras ser detenidos dos de sus colegas. se ve forzado a abandonar Francia. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. La policía le detiene. Pierre Leymarie (Jacques). a la vez. En última instancia. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. Argumento Michel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. GUIÓN: Robert Bresson. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. después de mucho tiempo. dromo. por principio. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. vuelve a encontrarse con Jeanne. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. no obstante. Cuando regrese. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. B/N.

Wolfgang Lukschy (John Baxter). este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. consiguiendo ese efecto. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. MONTAJE: Robert Cinquini. Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. decidido a devolver el oro robado. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. Los Rojo. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). 1964 DIRECTOR: Sergio Leone.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. Finalmente abandona la ciudad. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. no puede considerarse una adaptación de la novela. pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. enemigos declarados de aquéllos. Sin embargo. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). Antonio Prieto (Benito Rojo). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. . FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. Luego engaña a los Rojo. le contratan para que trabaje a su servicio. A continuación se sucederán los enfrentamientos. MÚSICA: Ennio Morricone. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. La película. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. en los que muchos serán los que mueran. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). Marianne Koch (Marisol). haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. típicamente bressoniano.

que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. DURACIÓN: 109 minutos. Norman Bates decide darle una habitación. John Mclntire (Sheriff Chambers). 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . también morirá a machetazos. aunque. A pesar de la aparente oposición de su madre. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. no demasiado caro. Vera Miles (Lila Crane).000 dólares. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. Psicosis PSYCHO EE. por lo general. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). una versión oficiosa del Mercenario.000 dólares pertenecientes a su jefe. MÚSICA: Bernard Hermann.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. sin embargo. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. Russell. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. Más tarde. Argumento Tras haber huido con 40. de calidad muy inferior. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. mediante unos primeros planos brutales. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). MONTAJE: George Tomasini.UU. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella.. Martin Balsam (Milton Arbogast). las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. en apariencia inagotable. Mientras exploran la mansión de los Bates. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. Atraído por el guión. la hermana de Marión. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. John Gavin (Sam Loomis). Poco después Sam Loomis y Lila. dándoles a su vez un cierto toque operístico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. llegarán para investigar su desaparición. comenzó a buscar al protagonista que. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. Janet Leigh (Marión Crane). B/N. Marión Crane llega al Motel Bates. de Kurosawa. preferiblemente. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. Si Steve Reeves estaba descartado. adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. así como por sus duelos interminables y ritualistas. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera.000 dólares. FOTOGRAFÍA: John L. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. a poder ser. debía tratarse de un actor conocido del público. La película.

MONTAJE: Ed McCormick. Zanuck). como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. dos delincuentes juveniles. Donald Cook (Mike Powers). una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. por otro. 1931 DIRECTOR: William Wellman. MÚSICA: David Mendoza. La utilización del blanco y negro. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. así como a su fotografía y dirección artística. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. así como las técnicas empleadas en su realización. Jean Harlow (Gwen Alien). Un Norman. se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. Joan Blondell (Mamie). reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. B/N. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. Psicosis III (Psycho III. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker.330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. Beryl Mercer (Ma Powers). dirigida por el propio Perkins). un asesino y necrófago de Wisconsin. 1983). The Public Enemy EE. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. que. Beer and Blood).no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. a su vez. interviene Sam. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments.UU. a pesar de lo cual. Norman. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. son. por un lado.. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. 1986. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. DURACIÓN: 84 minutos. ya bajo atención psiquiátrica. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. GUIÓN: Kubec Glasmon. Ed Gein. aparentemente cuerdo. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. Edward Woods (Matt Doyle). una consecuencia del modesto presupuesto de 800. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. Más adelante.

para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. En un principio. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. Comentario Se cuenta que. según se cree. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. Sin embargo. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. más violenta y más realista que jamás hayas visto». un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). un papel mucho menos relevante.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. había sido elegido para interpretar a Doyle. Bill. tras más de sesenta años. bordó su papel y creo. seguirá el camino recto. cuyo personaje. Tom promete a su familia que. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. con su característico estilo bronco y agresivo. está basado en el gángster de Chicago. éste le respondió lo siguiente: «Mira. pero la banda de Schemer le saca del hospital. el jefe de la banda rival. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. Cagney. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. envuelto en vendas. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». . Sin embargo. tras tres días de rodaje. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. James Cagney. ha pasado a la pequeña historia del cine. las películas de gángsters están acabadas. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. en adelante. y le mata de un disparo en la sien. sobre todo. Aunque. Cagney. un rubia explosiva. el arquetipo del gángster hollywoodiense. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods.

Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. el papel principal se destinó a James Stewart. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. Hundido en la desesperación. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. un actor que. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey). Beulah Bondi (Mrs. 1939). Henry Travers (Clarence). había adquirido los derechos. sin embargo. Bailey). aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. GUIÓN: Francés Goodrich. su madre sería una viuda solitaria. 1946 DIRECTOR: Frank Capra.O. MONTAJE: William Hornbeck. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. casi perfecta. sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios. hacen de esta . Clifford Odets y Jo Swerling). pero se le aparece Clarence. un ángel. Desde el primer momento.K. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. Potter). Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. no reflejada en los títulos de crédito. 1938) y Caballero sin espada (Mr. de Michael Wilson. Lionel Barrymore (Dr. recayó en un principio en Jean Arthur. Corren las fechas navideñas. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano.. cuando Bailey. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. Donna Reed (Mary Hatch). vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. Smith Goes To Washington. Aunque la R. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica.UU. que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. DU- RACIÓN: 129 minutos. En cuanto al papel de esposa. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. contando también con la colaboración.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. B/N. devorado por el rencor. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. un banquero sin escrúpulos. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. Potter. al igual que Capra. se plantea la posibilidad de suicidarse. Thomas Mitchell (Tío Billy).

que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». Cuando éste descubre . Cuando llega la policía. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. en los últimos tiempos. Jane se la lleva a Malibu Beach. Blanche decide vender su casa. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). En vista de ello. Finalmente. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. MÚSICA: Frank De Vol. B/N. pagando tan sólo 50. Maidie Norman (Elvira Stitt). Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. Victor Buono (Edwin Flagg). FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. además. la película fue. una mujer cada vez más perturbada. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. vive a merced de su hermana Jane. MONTAJE: Michael Luciano. con la intención de enterrarla viva. Anna Lee (Mrs. sumida en la más profunda locura. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). Joan Crawford (Blanche Hudson). Nominada para cinco Osear. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». a Blanche. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. Della Flagg). en el transcurso de la cual Elvira. las oportunidades descienden vertiginosamente. Bates).000 dólares. un fracaso comercial en el momento de su estreno. de los que no obtuvo ninguno. Marjorie Bennett (Mrs. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. El resultado.UU. causó sensación. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. Jane. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE.000 dólares a cada una de sus estrellas. es asesinada cuando trataba de liberarla. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días.. DURACIÓN: 132 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. el ama de llaves. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. Argumento Blanche Hudson. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). 1962 Robert Aldrich. Jane contrata al pianista Edwin Flagg. provocando una sádica guerra de nervios. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos.

donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. querida (Fanatic.1964). y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. Más adelante. McKay. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. Mack Swaim (Big Jim McKay). autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. alfiny al cabo. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). MONTAJE: Charles Chaplin. Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. el vagabundo se reúne con Georgia.l964). 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. En adelante. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos.. Georgia Hale (Georgia). a la que invita a su fiesta de nochevieja. ya iniciado el rodaje. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. en su viaje de regreso. una corista.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). B/N. GUIÓN: Charles Chaplin. Tom Murray (Black Larson). fugiados en una remota cabana.UU. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. donde se enamora de Georgia. los proble- . Se produce una pelea. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. Sin embargo. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. debido a una enfermedad. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. Betty Morrissey. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. Entretanto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. Hall. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. DURACIÓN: 82 minutos. Hush Sweet Charlotte. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. si bien. 1967). Un rey en Nueva York (A King in New York. que ha recuperado la memoria. Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). para que le ayude a encontrar su mina de oro. que ha descubierto su filón de oro.

PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). Takehiro. fue una de las producciones mudas más taquilleras. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. un tanto desmañada. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. de Ryunosuke Akutagawa). Minoru Chiaki (Monje). jura que Takehiro se vio forzado a combatir. sostiene que se trató de un combate limpio. Masago afirma que. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. DIRECTOR: Argumento Japón. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. Rashomon Japón. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. A través de una médium. . Estos rasgos se aprecian. por ejemplo. Masago. Siguiendo un esquema característico de su autor. siglo VIII. realizada por el propio Chaplin. Machiko Kyo (Masago). La película. sin embargo. El bandido Tajomaru. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. Masayuki Mori (Takehiro). ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. tras ser violada. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. MÚSICA: Fumio Hayasaka.5 millones de dólares. una escena donde consigue crear. Por su parte. sometido a una persecución por toda la cabana. sin embargo. Takashi Shimura (Tratante de leña). En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. 1951 Akira Kurosawa. DURACIÓN: 88 minutos. enormemente popular desde el momento de su estreno. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). B/N.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. partiendo de los objetos más comunes. No obstante. y de la violación de su mujer. El relato deprime a un monje allí presente que. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. acusado del asesinato de aquel hombre. El leñador. el pequeño vagabundo. Atrapado por una tormenta.

Jim Stark. Sin embargo.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. y Laurence Harvey en el papel de marido. El comentario realizado por el propio Kurosawa. En su primer día conoce a Judy. un taciturno adolescente. la guerra. temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. Jim da parte a la policía.un exotismo que.UU. convertida en el western Los siete magníficos. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. 1955 Nicholas Ray. DURACIÓN: 111 minutos.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica.Ras- homon sería objeto de una versión. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. como la víctima. por encima de todo. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. El resultado no estuvo a la altura del original. Natalie Wood (Judy). se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. favoreció el impacto que produjo en Europa y América.1964). GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). un muchacho huérfano. hace amistad con Platón. dirigida por Martin Ritt. quizá erróneamente.. Jim Backus (Padre de Jim). su innovadora estructura narrativa. MÚSICA: Leonard Rosenman. el jefe de una pandilla. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. sin duda. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. justo antes de saltar. Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. MONTAJE: William Zeigle. de los Siete samurais. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». ha llevado a algunos críticos a considerarla. titulada Cuatro confesiones (Outrage. pero. la película. en compañía de Judy y Platón. Ann Doran (Madre de Jim). Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. la solidez de su trabajo actoral y. posteriormente. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. un autor que se suicidó en los años veinte. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. Sal Mineo (Platón). Desoyendo el consejo de sus padres. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). Dennis Hopper (Goon). fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. por ejemplo.

Sin embargo. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). que trata de vengarse. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. Por otro lado. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. Pues. de Elia Kazan. llamado James Dean. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. trata de encontrar unos valores que le sean propios. mejor actriz secundaria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. películas y otros tantos productos similares. MONTAJE: Marguerite Renoir. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). Monsigny y Saint-Saéns. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. para Natalie Wood. se entera de que su ma- . la esposa del Marqués De la Chesnaye. marqués De La Chesnaye). No obstante. para Sal Mineo. cuando finalmente accede a hacerlo. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). como Rebelde sin causa. Jean Renoir (Octave). DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. Marcel Dalio (Robert. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. Paulette Dubost (Lisette). 1956). Christine. siguen rebosando autenticidad.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. Mila Parley (Genéviéve). contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. y mejor actor secundario. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. ropas. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. a partir de Mozart. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. B/N. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. es abatido a tiros por la policía.

ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. en realidad. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. un amigo de la infancia. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos. una farsa actualizada de Beaumarchais. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. Una de las frases emblemáticas de la película. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. finalmente. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. más adelante. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. cada vez que se contempla. Renoir señalaría. Por todos estos motivos. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. más tarde.y es uno de esos raros casos en que. el guarda de la finca. hasta componer. se descubre una nueva faceta de la misma. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. más adelante. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. aunque todos dan por sentado que. Por su parte. con ese toque humano tan característico del director. prohibida por las autoridades de Vichy. La regla del juego sería amputada drásticamente y. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. Aunque. . avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. Sin embargo. En vista de ello. Repleta de momentos memorables. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir.

el romántico solitario. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. 1974). pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. como Marión Brando. sugerida por el propio Harrison Ford. sin embargo. Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. acompañadas de sus respectivas secuelas. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. algunas de ellas. por lo menos. el cine ha demostrado. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. 1991). o. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. Como señaló su hijo. 1936). demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. 1937). príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». Paul Newman o Steve McQueen. aunque no demasiado brillante. 1941). el James Dean de Rebelde sin causa (1955). El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). unos héroes dedicados a hacer el bien. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. . en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. y los rebeldes apasionados. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). como Matt Helm o Derek Flint. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. más adelante. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). En la historia del cine norteamericano. No obstante. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. que encarnó Sean Connery. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942).348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. un hombre cínico y desencantado. 1991). sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. seguramente sea Indiana Jones. desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. Una escena. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. 1938) y The Sea Hawk (1940). Rocketeer (The Rocketeer. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y.

una reina sueca del siglo xvn. se encuentra con el embajador español. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. sin embargo.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. tras quitarse su disfraz. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. M. Magnus. La Reina abdica. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces. aquel en que. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. en aquel preciso momento. Aubrey Smith (Aage). a instancias de su amiga Salka Viertel. Nils Asther y Franchot Tone. GUIÓN: H.. MÚSICA: Herbert Stothart. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. y que. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. Con todo. DURACIÓN: 97 minutos. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. con la promesa de que. Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. se prescindió del actor británico. siglo xvn. 1927). se sintió atraída por la vida de Cristina. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . B/N. finalmente. Harwood. Cuando su anterior amante. Cristina manda partir a Antonio. perdidamente enamorada. más adelante. Ian Keith (Magnus). pasan juntos dos días de absoluta dicha. Harta de tanta guerra. Un día. mientras monta a caballo. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). Salka Viertel y S. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). pero Antonio muere en un duelo con Magnus. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. Argumento Suecia. Elizabeth Young (Ebba Sparre). se va deslizando por la habitación de la posada. le seguirá a España. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. N. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). Greta Garbo. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. Mayer. John Gilbert. Entre ellos. Willis. Don Antonio de la Prada. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. descubre su relación. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). MONTAJE: Blanche Sewell. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. siguen viéndose en secreto. Mientras se encontraba en Suecia.UU. Sir C. Ya de vuelta en Hollywood.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. aún hoy. Cuando John Huston se incorporó al proyecto. Technicolor. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. libres de todo peligro. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. Aquel año. Entretanto. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1.352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. El sentimentalismo de la película (que contrasta. Condenados a morir ahorcados. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. S. MONTAJE: Ralph Kemplen. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. Forrester). PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. un individuo que siente debilidad por la ginebra. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. Tras un ataque alemán. P. a resultas del cual muere un misionero. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. Finalmente llegan al . una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. Más adelante.UU. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). Por su par- John Huston. Peter Bull (Capitán del Louisa). frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. la Primera Guerra Mundial. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. encuentra refugio a bordo de La reina de África. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. por ejemplo. MÚSICA: Alan Gray. Eagle [Sam Spiegel]).. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos.100 millas del río Congo. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. Rose. que terminará por convertirse en amor. Walter Cotell (Segundo Oficial). Theodore Bikel (Primer Oficial). Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman). Katharine Hepburn (Rose Sayer). La escena. Argumento África Central. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut). Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». la mojigata hermana de aquél. con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. DURACIÓN: 105 minutos. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense.

más bien se trata de un telón de fondo. papel que correspondió a Robert Mitchum. reflejados en la novela Cazador blanco. Más adelante se unirá a ellos Colorado. pero. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje.. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). Chance).UU. Allison. el guardián de la cárcel. Finalmente. en un nuevo ataque. . McCampbell). Ricky Nelson (Colorado Ryan). está tramando un plan para liberarlo. Stumpy. Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. Chance. Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. el hermano de Joe Burdette. y un marine. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. que contaba con la pareja formada por una monja. que el director utiliza como Río Bravo EE. interpretada por Deborah Kerr. DURACIÓN: 141 minutos. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. su ayudante Dude. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio.1955). Por su parte. Katharine Hepburn. al que aceptará como ayudante. favorecido por una buena provisión de dinamita. Chance se salva de un atentado contra su vida. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. se impone a la banda de Burdette. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. Dude es tomado como rehén. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. 1957). MONTAJE: Folmar Blangsted. Ward Bond (PatWheeler). Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. INTÉRPRETES: John Wayne (John T. H. Walter Brennan (Stumpy).fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. Angie Dickinson (Feathers). creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. MÜSICA: Dimitri Tiomkin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. un joven pistolero. En un primer momento. Argumento La certeza de que Nathan. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. 1975). y un lisiado. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. corazón negro. Dean Martin (Dude). Kuter. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. casi abstracto.

mientras que. Olivia de Havilland (La doncella Marian). su amigo alcohólico y. FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film.356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. era una nueva versión. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. En la película que nos ocupa. por tanto.. Patrie Knowles (Will Scarlet). John Carpenter. GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. por otro. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. y Tenery no tener (To Have and Have Not. Claude Reins (El príncipe Juan). con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. Río Lobo (1970). el pistolero Colorado y la corista Feathers. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. pero valeroso carcelero. está la relación entre el sheriff]ohn T. sin demasiados cambios. Sol Polito y W. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. DURACIÓN: 102 minutos. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. ambientado en la Martinica. por un lado. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. Wallis y Henry Blanke). 1939). Miller. 1944). Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. en 1976. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. MONTAJE: Ralph Lawson. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. la fórmula. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. en particular. Chance.UU. donde figuraba como montador un tal John T. Eugene Pallete (Fray Tuck). un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. a todos los efectos. el viejo. Howard Greene. Chance y Dude. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. No es de sorprender. así.

gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. en compañía de Robin y de sus hombres. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. el resultado final es un relato sin fisuras. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. La película. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. El Príncipe Juan y su aliado. Jack L. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. que se hizo cargo del rodaje de interiores. En el combate que se desencadenará a continuación. en fecha más reciente. atlético y picaro de todos ellos. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. Su único oponente. 1936). El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. En uno de sus asaltos. 1991). coge prisionera a la doncella Marian. Ganadora de tres Osear.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. Guy de Gisbourne. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. Sin embargo. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. roe de las películas románticas y de aventuras. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. Robin de Locksley. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. Cuando Ricardo regresa. Comentario Desde 1908. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. que no tardará en enamorarse de su captor. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. A pesar de ello. que recayeron en las personas de Weyl. 1922). Korngold y el montador Ralph Lawson. Con Flynn como protagonista principal. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. 1976) y. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. Kevin Costner en Robin Hood. romántico.

donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. DURACIÓN: 100 minutos. ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. el proyecto. todo ello. Cain realizada por Visconti en 1942. uno de los jefes de la resistencia comunista. una antigua amante de éste. MONTAJE: Eraldo Da Roma. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. Francesco. la adaptación de la obra de James M. y Roma. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. un cura de su total confianza. GUIÓN: Roberto Rossellini. Argumento Roma. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. La película. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. e incluso sus muebles. La crítica sigue dudando entre Ossessione. Aunque desde un punto de vista analítico.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. que aún hoy sigue conmoviendo. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. Megna. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). Harry Feist (Mayor Bergmann). el carácter melodramático de su trama. filmados. PRODUCCIÓN: Excelsia. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. B/N. Más adelante. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. El día antes de su boda con la viuda Pina. mientras que Don Pietro será fusilado. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. en la medida de lo posible. Manfredi. Marai Michi (Marina). MÚSICA: Renzo Rossellini. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. Francesco Grandjacquet (Francesco). Marcello Pagliero (Manfredi). Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma.

Shirley Anne Field (Doreen). 1959). Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. en un principio. Bryan Pringle (Jack). domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. Norman Rossington (Bert). no es ni un joven airado. Arthur tratará de que aborte y. un obrero de las Midlands. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. Hylda Baker (Tía Ada). todos ellos personajes perfectamente definidos. el actor teatral Albert Finney. En cuanto al personaje de Finney. Dando signos de mayor responsabilidad. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. le asegura que sus días de juerga no han terminado. como Visco nti y Vittorio De Sica. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. B/N. por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. El papel de la mujer casada y de más edad. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. Arthur se compromete con Doreen.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. Tras pasar la tarde en elpub. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. aprovechando que su marido se encuentra ausente. Comentario Sábado noche. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. Sin embargo. MONTAJE: Seth Holt. se dispone a disfrutar por todo lo alto. Rachel Roberts (Brenda). 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. MÚSICA: Johnny Dankworth. 1960). cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. Con esta película. Cuando a Jack le asignen el turno de noche. Unido. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. uno de ellos el hermano de Jack. como el Joe Lampton de Sábado noche. Por otro lado. se le resistirá. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. hace noche en casa de Brenda. dos soldados. John Osborne y Alan Sillitoe. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). entre los que se contaban Stan Barstow. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. ni un arribista. poco después. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. le fue ofrecido a Diana Dors. Arthur Seaton. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. pero. le propinarán una paliza. DURACIÓN: 89 minutos. una chica que. cando piso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. mientras se encuentran bus- . este último el autor de la novela en que está basada la película.

el jefe de una red de narcotráfico. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). Víctor Millan (Manolo Sánchez). el ayudante de Quinlan. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. Vargas. Esa visión limitada y. la culpabilidad del policía norteamericano. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan.364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). en última instancia. B/N. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte.. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos).UU. Vargas y Menzies. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. Janet Leigh (Susan Vargas). Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. entre otras razones. que permanece drogada. aunque. derrotista. preparan una trampa que demuestre. de Whitt Masterson). FOTOGRAFÍA: Russell Metty. el voluminoso policía norteamericano . Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. Joanna Moore (Marcia Linnekar). 1958 Sed de mal encargado del caso. En el tiroteo que se sucede a continuación. mediante una grabación. uno de los sospechosos. Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. u n policía mexicano. Argumento México. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). MÚSICA: Henry Mancini. Joseph Calleia (Pete Menzies). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. Con objeto de frenar a Vargas. Orson Welles (Hank Quinlan). Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. Ray Collins (Adair). para que su marido abandone sus pesquisas. Vogel y Aaron Stell. MONTAJE: Virgil M. Marlene Dietrich (Tanya). da a la película un tono adusto y casi desconsolador. según se descubrirá.

GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. Guy Woodhouse. un personaje de otros tiempos. probablemente. posiblemente. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. Quinlan es una creación inolvidable. además de actuar. es. Maurice Evans (Hutch). más adelante. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. Sapirstein). un actor que trata de salir adelante. Román y Minnie Castevet. rodado desde una grúa. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. A pesar de sus excesos estilísticos. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. Sidney Blackmer (Román Castevet). Argumento Nueva York. y que. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. sería el director del film. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. Vargas. es desmesurado. se verá forzado a recurrir a una trampa. John Cassavettes (Guy Woodhouse). MÚSICA: Krzysztof Komeda. un su- perviviente de la época de la frontera. que había dado por sentado que Welles. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. lo cual no obstó para que. Hank Quinlan. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. 1968 Román Polanski.. Welles sólo había sido contratado como actor. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). se mudan a su nuevo apartamento. Ruth Gordon (Minnie Castevet). Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. FOTOGRAFÍA: William A. En un principio. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). Fraker. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). si actúa así. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. con objeto de sacarle una confesión. Guy le propone a Rosemary que tengan . DURACIÓN: 136 minutos. Ralph Bellamy (Dr.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar.UU. ante todo. donde traban amistad con sus vecinos. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. Sea como sea. Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. Quinlan es. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. Todo en este film. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. y su esposa Rosemary.

recaería en John Cassavettes. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. La película rodada para la televisión. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. 1975) yLaprofecía (The Ornen.1974). al despertar a la mañana siguiente. que. en el que se da a entender que Castevet es. en el que era violada por un monstruo con cuernos. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow. muere de forma misteriosa. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. . en ese preciso momento. al poco tiempo. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. Por otro lado. Su golpe maestro fue. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. se decide a consultar a su amigo Hutch que. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. dirigida por Sam O'Steen. sin embargo. el montador de la cinta original. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. dejándole un libro sobre brujería. en realidad. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. así como la nominación para dos Osear. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. tras ser rechazado por Robert Redford. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. 1976). que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. dará a luz. Rosemary se siente indispuesta y. finalmente.1961). La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. La monja poseída (To the Devil A Daughter. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. En cuanto al papel de Guy. un brujo. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie.

Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. Hays. el sexo sigue siendo algo de lo que. Entre tanto. delante de los niños. 1933). El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. conocida como «Las murallas de Jericó». por ejemplo. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. según parece. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. Salvaje {The Wild One. 1945). poco después. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. un antiguo director general de correos. en teoría. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. Como consecuencia del Código. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. En el Reino Unido. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. . del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. en Estados Unidos. a cuyo frente se situó a Will H. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. domingo mañana (1960). donde se trataba el tema de la drogadicción. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. por el contrario. se guiaría durante los próximos treinta años.comparten habitación para pasar la noche. el espectador ha de ser protegido. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. han prohibido películas por motivos políticos y. muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. de hecho. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. En la actualidad. se instituiría el Código de Producción de Películas. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. hoy en día. mientras que una película como Víctima (Victim. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». Muchos países. creada por la propia industria. en Sucedió una noche (1934). 1955). y buena parte de la producción cinematográfica en general. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. en cualquier caso. más conocido como el Código Hays. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. el último tabú de la censura cinematográfica. desafiando así a las leyes de la época. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. los días del Código Hays estaban contados. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. la violencia extrema o la inmoralidad. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. Aunque. En el Reino Unido. a la vez que.

Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor.UU. FOTOGRAFÍA: George Krause. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. se decide éste a actuar en consecuencia. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. Argumento Año 1916. muy alabada por la crítica. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. Harris). si bien. Adolphe Menjou (General Broulard). el General Broulard. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. pero los artilleros se niegan a obedecer. DURACIÓN: 86 minutos. GUIÓN: Stanley Kubrick. MONTAJE: Eva Kroll. Así. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. Kubrick. en nombre de una supuesta justicia. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. a unas 25 millas al oeste de Munich.372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. MÚSICA: Gerald Fried. Dada la inutilidad del intento. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. Wayne Morris (Teniente Roget). La película. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. Strangelove . Ralph Meeker (Cabo Paris). Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. Sin novedad en elfrente. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. finalmente. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. B/N. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. George Macready (General Mireau). mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide..

MONTAJE: Lennart Wallen. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). B/N. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. acertada. 1987). que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». Argumento Tras regresar de las Cruzadas.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. La película. Mia. Block se dirige al castillo de su familia. El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. Nils Poppe (Joff). una decisión . Curiosamente. reúne a su familia y parte de inmediato. Bibi Andersson (Mia). sigue siendo una obra notable. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. y sus hijos. Dios y la Muerte. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre.374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. el amor. su mujer. que forman Jof. A. tanto por su audaz temática. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. Gunnar Bjorns- trand (Jons). A día de hoy. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. desafiándola a una partida de ajedrez. Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. En compañía de un herrero y demás gentes. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. 1964). DURACIÓN: 96 minutos. toma su título de un pasaje de la Biblia. Varios ayudantes y electricistas. Tramalning). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. casi desleído. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. que fue rodada durante el verano de 1956. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. Bengt Ekerot (La Muerte). FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Ake Fridell (Plog). pues la Muerte no tardará en visitar a Block. MÚSICA: Erik Nordgren. Lundgren. 7-8. de la fotografía de Gunnar Fischer. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte.

cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . Éste destruye sus cintas y. Ann le pide el divorcio a John. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. La película muestra cómo se va creando y. MONTAJE: Steven Soderbergh. mentiras y cintas de vídeo SEX. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. posteriormente. se desenmaraña. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. aunque fuera de forma inconsciente. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. pero tiene una relación con Cynthia. Peter Gallagher (John Millaney). instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. manifiestamente impresionado. MÚSICA: Cliff Martínez. DURACIÓN: 100 minutos. GUIÓN: Steven Soderbergh. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». Graham. 1961). unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. está casado con Ann. Sexo. Ron Vawter (Terapeuta). PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). grabadas por él mismo. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. Andie MacDowell (Ann Millaney). la hermana de ésta. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. Cuando ella le confiese que. En cambio. Más tarde. ya se diera cuenta. en nuestra sociedad. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. Soderbergh parece querer indicar que. una pieza para cuatro manos. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. En este sentido. mentiras y cintas de vídeo. sólo se puede ir cuesta abajo». mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. mientras que Ann. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. accederá a ser grabada. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. trata de iniciar una relación con Ann. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). en su opinión.. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). que descarga su ira sobre Graham. Cynthia. él reconocerá que es impotente. LIES AND VIDEOTAPES EE. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. Comentario Sexo. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. carente de pretensiones. gada por todo el asunto. un abogado de éxito. Argumento John. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. se da demasiada importancia al sexo. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd.UU. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. de forma vacilante.

suscitó algunos equívocos. cuyo carácter escabroso. a . PRODUCCIÓN: Toho. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. blo en previsión de que se produzca un ataque. Daisuke Kato (Shichiroji). Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. Yoshio Inaba (Gorobei). Terminado el combate. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. En vista de ello. Kambei y Shichiroji se marchan. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). En cualquier caso. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. en gran medida. aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. suele ignorar. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. DURACIÓN: 200 minutos. Aunque peque de cierto esquematismo. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. Siji Miyaguchi (Kyuzo).378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. B/N. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. Minoru Chiaki (Heihachi).

a escala mucho mayor. Anthony Hopkins (Dr. . creará Kurosawa en películas como Kagemusha. Hannibal Lecter). una agente del FBI en prácticas.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. La sombra del guerrero (Kagemusha. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. mientras Crawford. Catherine Martin. MONTAJE: Craig McKay. para entonces. Lawrence A. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. Argumento Clarice Starling. Clarice recibe una llamada desde Haiti. un asesino que se encuentra en prisión. Como consecuencia de ello. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. la hija de una senadora. Sin embargo. Lecter. Entretanto. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford).UU. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. Kenneth Utt y Ron Bozman).. tras matar a Jame de un disparo. 1980) yRan (1985). MÚSICA: Howard Shore. Hannibal «El Caníbal» Lecter. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Frederick Chilton). sospecha que el asesino es Jame Gumb. Scott Glenn (Jack Crawford). como es habitual en el director. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. aprovecha un momento de descuido para escaparse. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. dos grupos hostiles por naturaleza. Anthony Heald (Dr. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. DURACIÓN: 118 minutos. 1960). Ted Levine (Jame Gumb). es secuestrada. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). gracias a la pista de la mariposa. es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. Bonney (Instructor del FBI).380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. resulta de una gran eficacia. apodado «Buffalo Bill». entre tanto. Para obtener información vital. un western de Hollywood. de donde rescatará a Catherine. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. el climax. dirigido por John Sturges. En su ceremonia de graduación.

Grace Kelly (Amy Kane). la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. Lloyd Bridges (Harvey Pell). No obstante. sólo en Estados Unidos. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). un personaje de una pieza. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. el asesino invertido. arroja . Amy. Kane. mientras que será la propia Amy -a la que Helen. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. que. Otto Kruger (Percy Mettrick). típicamente norteamericano. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star».de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. Lo cierto es que.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. ha convencido para que se quede. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). asqueado. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. y su prometida.quien mate al cuarto. junio de 1865. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. de John W. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. En un prolongado tiroteo. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. mitad maestro. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. El dragón rojo. consigue acabar con tres de ellos. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. la antigua novia de Kane. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. MONTAJE: Elmo Williams. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. treinta años atrás. B/N. Solo y asustado. Cunningham). MÚSICA: Dmitri Tiomkin. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. una adaptación de la novela de Thomas Harris. como no tardará en descubrir. de los asesinos en serie. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. Argumento Hadleyville. Katy Jurado (Helen Ramírez). las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill».UU. un sheriff a punto de retirarse. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. La protagonista. DURACIÓN: 84 minutos. mitad asesino. en lo que hace referencia a los personajes. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad..

Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. Anthony Ray (Tony). un joven de piel más clara. Lelia se enamora de Tony. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés. por su parte. un drama sobre el mundo del boxeo.000 dólares. Hugh. se pasa todo el día con sus amigos blancos. Argumento Manhattan. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. que en lugar de su tarifa habitual de 275. MÚSICA: Charles Mingus. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real.000 dólares.384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. más un porcentaje en los beneficios. Foreman. fue contratado por la exigua cantidad de 60. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . interpretando el papel de un hombre valiente que. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. B/N. El actor. más que a su mensaje político subyacente. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. Ben. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. El tema se repite una y otra vez en su obra.. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). comparte piso con su hermano Ben. Tom Alien (Tom). PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). Ben Carruthers (Ben). Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. DURACIÓN: 87 minutos. 1966) o Julia (1977). Por su parte. que. un cantante negro. titulado «The Tin Star». Sombras SHADOWS EE. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. más adelante. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. Hugh Hurd (Hugh). 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. y con su hermana Lelia. sin embargo. Tom y Dennis. se ve asaltado por unos temores muy humanos. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. Solo ante el peligro. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. Rupert Crosse (Rupe).UU. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's.000.

DURACIÓN: 101 minutos.. Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. Eric Blore (Bates. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante. 1935 Mark Sandrich. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared.UU. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. Berman). 1974). continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. Al partir de un guión mínimo. PRODUCCIÓN: R. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. Mientras practica en la habitación de su hotel. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. Realizada con un presupuesto muy bajo. Helen Broderick (Madge Hardwick). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase.O. a pesar de las discusiones con su representante. el mayordomo). Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. con una trama apenas esbozada. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. (Pandro S. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). de Alexander Farago y Aladar Laszlo). El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . como Faces (1968). Max Steiner (dirección musical). la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. Ginger Rogers (Dale Tremont). B/N. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película.). y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). fotografía de grano grueso. Walker. MONTAJE: William Hamilton. Argumento Londres.K. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. En cuanto a Hugh. Comentario Muy probablemente. etc. Hugh le echa del piso. Sin embargo. Erik Rhodes (Alberto Beddini). Edward Everett Horton (Horace Hardwick). la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus.

Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. Nominada para cuatro premios de la Academia..K. una ex actriz de vodevil. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. Dale y Jerry libres ya para casarse. Sombrero de copa se quedó sin Osear. «Isn't This A Lovely Day» y. que se presenta en su habitación y. 1934) y Robería (1935). pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. que figuraba en el quinto lugar del cartel. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. sentirán desbordarse su alegría. Enterada Madge del malentendido. con el ingenioso dúo de amor-odio. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. el endeble guión sobre una confusión de identidades. sin mediar palabra. un antiguo bailarín de Broadway. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». permitiéndoles. fue la pareja formada por Fred Astaire. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». otra residente del hotel. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. y Ginger Rogers.000 dólares realizada por los estudios. en realidad.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. realizar otras seis películas juntos. Indignada. erróneamente. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo.O. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. Beddini. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. posteriormente. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. La alegre divorciada (The GayDivorcee. hasta que una nota induzca a Dale a creer. En ella. le propina una bofetada. en su momento. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. Travers y Madge la siguen. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. consigue ir limando asperezas. un profundo afecto. . en realidad.

. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. tuvo cierto aire de fiesta privada.8 kilos. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. 1927). Murray Abraham. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. una figura chapada en oro. con posterioridad. con sonido incorporado. Louis B. en cierta ocasión. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax. sin embargo. Margaret Herrick.» . tiene 34. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». sin embargo. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías.. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. y la presencia en el evento de Al Jolson. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. que amenizó la velada con sus canciones. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. para que. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. con buen criterio. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es.. sean votadas por el conjunto de la Academia. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G.30 centímetros de altura y pesa 3. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. en su conjunto. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. o la de F. en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». A fuer de ser precisos habría que señalar que. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. Afincada en Beverly Hills.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. Una semana más tarde. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. la bibliotecaria de la Academia. discutible. mientras que la ceremonia. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. Hoy en día. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. al margen del prestigio que supone. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984).y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. la historia más plausible parece ser que. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer.. La estatuilla. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. en la actualidad. la Academia cuenta con cerca de 3.

UU. Naturalmente. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). Maria regresa a la abadía de Nonnberg. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. Richard Haydn (Max Detweller). arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. Según parece. a su vez. Una vez allí. en 1959. y esta película tenía ambas cosas. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. 1965 DIRECTOR: Robert Wise. tras cruzar las montañas. huye con su familia que. sin una nota en falso. Argumento Salzburgo. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos.pero bastante ajustado. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. adaptación. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. antes de que la tarea recayera en Robert Wise.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. y Maria regresa junto a Von Trapp. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. MONTAJE: William Reynolds. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que.. hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. un espectáculo kitsch en estado puro. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). sin embargo. sin el más mínimo ápice de realidad». Charmian Carr (Liesl). GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. 1938. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. DURACIÓN: 174 minutos. Éste se niega a hacerlo y. encuentra refugio en Suiza. Maria. utilizando como tapadera un gran festival musical. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. Peggy Wood (Madre superiora). Eleanor Parker (La baronesa). Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). una muchacha algo varonil que vive en un convento. en la revista Esquire. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. Dwight MacDonald. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. Sin embargo. No obstante. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. un viudo con siete hijos.

el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). DURACIÓN: 81 minutos. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. cinco de las cuales. se convertirían en premios. Mario Vítale (Antonio). Renzo Cesana (El cura). que. que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. P. Paisa. (Roberto Rossellini). en un sentido más general. . año cero. B/N. MÚSICA: Renzo Rossellini. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. con la ayuda del farero. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. Traba amistad con Sponza. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. Callegari. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. Renzo Cesana. ciudad abierta. 1947 [ Germania. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. el experimento no funcionaría igual de bien. TERRA DI DIO Italia. la diminuta isla donde nació. 1953). cuando se recupera. a lo que habría que añadir en favor de la película. pero.O. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. Sergio Amedei y C. los espectaculares paisajes de la isla. El joven la lleva consigo a Stromboli. entre ellas las de mejor película y mejor director. 1946 y Alemania.K. en este caso. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. el farero. Art Cohén. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. Mario Sponza (El farero). trata de escapar. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. en algunos lugares. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. Al descubrir que está embarazada. En la pantalla. La combinación resulta violenta y refleja. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. sin embargo. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. La actriz. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. GUIÓN: Roberto Rossellini. llegara incluso a boicotearse la película. atino zero]). 1945.

Margaret Sullavan y Constance Bennett. rechazaron el papel. Roscoe Karns (Osear Shapeley). El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. de Samuel Hopkins Adams). 1927). el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. «Night Bus». GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. mientras que la Paramount. Argumento Ellie Andrews. DURACIÓN: 105 minutos. una rica heredera. Una manta tendida entre sus camas. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. El día de su boda con otro hombre. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. Mayer. . convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. y ambos se fugan. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. a la que denominan «las murallas de Jericó».000 dólares por cuatro semanas de rodaje. Claire MacDowell (Madre). En él viaja también Peter Warne. Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. Es sabido que otras actrices. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. seis días y cuatro horas.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. Jameson Thomas (King Westley). que. Clark Gable (Peter Warne).UU.. además. B/N. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. Exigió que se le pagaran 50. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. Walter Connolly (Alexander Andrews). La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. MONTAJE: Gene Havlick. pero la petición fue denegada por Louis B. el mandamás de la M-GM. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. un periodista que acaba de ser despedido. el film que supuso su debut cinematográfico. al igual que había sucedido con la Metro. MÚSICA: Louis Silvers. 1934 DIRECTOR: Frank Capra. permite a Ellie conservar su pudor. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. caso de Miriam Hopkins.

Dorothy Malone (Dueña de la librería). GUIÓN: William Faulkner. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. había sido asesinado por Carmen. 1934) o La fiera de mi niña (1938). El choque entre personalidades opuestas. pero no inaccesible. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. Martha Vickers (Carmen Sternwood). El hombre en cuestión es asesinado. con su personaje de una belleza distante. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe).398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. Sin embargo. Peggy Knudsen (Sra. Mars.. John Ridgley (Eddie Mars). en realidad. MONTAJE: Christian Nyby. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. MÜSICA: Max Steiner. . el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. B/N. la seductora hermana de Carmen. aparece desnuda. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). y hacia Vivian. DURACIÓN: 114 minutos. de Eddie Mars). FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. Mars le conduce hasta un garaje. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. La pista de la desaparecida Sra.que. una de sus hijas. el jugador Eddie Mars. Lauren Bacall (Vivian Rutledge).

primeros años del siglo xx. 1945) o Robert Montgomery. en este caso ambientada en Londres. como Dick Powell. Angela Winkler (Agnes Matzerath). Oskar. My Sweet. Jan. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). es un lacónico eufemismo de la muerte). PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. cuando ya era posible tratar cualquier tema. aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. DURACIÓN: 142 minutos. Terminada la Primera Guerra Mundial. La pareja. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. idéntico al de la película. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). FOTOGRAFÍA: Igor Luther. eran ya marido y mujer. entre ellos algunos nombres ilustres. 1979 Volker Schlóndorff. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. Argumento Polonia. da a luz a Agnes. un tendero de Danzig. en Historia de un detective {Murder. se realizó una nueva y torpe versión. 1946). y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. se echan Bogart y Bacall. pero. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. 1944). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. ¡qué diablos. que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. Agnes se casa con Alfred. (basado en la novela de Günter Grass).400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. 1975). el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. GUIÓN: Jean-Claude Carriére. entretan- . Los fascistas toman Danzig. muñeca {FarewellMyLovely. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. particularmente en el intercambio de pullas que. A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. como si fueran pelotas de tenis. Tener y no tener (To Have and Have not. MONTAJE: Suzanne Barón. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. en La dama del lago {The Lady in the Lake. más adelante. Katherina Thalbach (María Matzerath). si ni siquiera yo lo sabía!». Franz Seitz y Volker Schlóndorff. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. que quizá sea el padre de Oskar. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). MÚSICA: Maurice Jarre. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. En 1978. Mario Adorf (Alfred Matzerath).

precisamente. que. en la actuación de David Bennent. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. se refugia bajo las faldas de su abuela. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. Con todo. Schlóndorff. no obstante. que se encuentra sitiada. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. Tras ser capturado por los alemanes. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. El papel requería un niño de tres años.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. Más adelante. . regresa a Danzig. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. sino mediante una serie de episodios. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. sin lugar a dudas. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. donde asiste al fusilamiento de Alfred. levemente trabados entre sí. La película es un tour deforcé visual. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. que ha sido acusado de colaboracionista. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. Tras la liberación. Jan es fusilado. y sería.

el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. Lo logrará tras asesinar a Sport. Travis Bickle. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese.UU. cargándose a un atracador en un supermercado. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». De noche trabaja de taxista y. Albert Brooks (Tom). este retrato arquetípico de la vida urbana. Posteriormente. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. ofreciendo una visión satinada. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). Una película que trata de la angustia religiosa. durante el día. Tom Rolf y Melvin Shapiro. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). Cuando conoce a Iris. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. Consigue engatusar a Betsy. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. para que acepte una cita con él. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. Con referencia a esta película. MONTAJE: Marcia Lucas. Foster (Iris Steensman). el chulo de la chica. que se define a sí mismo como católico. Harvey Keitel (Sport). Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Las connotaciones religiosas del drama son constantes. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. GUIÓN: Paul Schrader. concebida como una especie de infierno en la tierra. un veterano de Vietnam. pero pronto es rechazado. la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. una empleada de un equipo electoral. MÚSICA: Bernard Herrmann. Peter Boyle (Wizard). partiendo de una inversión inicial de 2 millones. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. consigue plasmar una frustración casi existencial. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. Por su parte. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). Cybill Shepherd (Betsy). DURACIÓN: 112 minutos. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. Cumplida su misión tratará de suicidarse. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. Argumento Nueva York. una prostituta de doce años. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. y . se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno.. y un guionista como Paul Schrader.

algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). Una noche. 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. Martins decide descubrir la verdad. atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. Argumento Al llegar a Viena. En vista de todo ello. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. Joseph Bato y John Hawksworth. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. Trevor Howard (Comandante Calloway). FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Orson Welles (Harry Lime). Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. Wilfred Hyde-White (Crabbit). PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. Calloway amenaza con deportar a Anna. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . la novia de Lime. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. Terminado el entierro de éste. MÚSICA: Antón Karas.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. Martins mata de un tiro a Lime. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. mientras Anna. Alida Valli (Anna Schmidt). cia a los delitos que ha cometido. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. se trata del mismísimo Lime. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. B/N. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. auspiciando así la reunión con Orson Welles. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. Bernard Lee (Sargento Paine). añadió a la elección de actores un toque de genialidad. tras abandonar el piso de Anna. GUIÓN: Graham Greene. DURACIÓN: 104 minutos. 1960). El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad.

1980). Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. por el contrario. aparente- . el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. democracia y paz. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». pero surgieron Miguel Ángel. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. DURACIÓN: 120 minutos. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Laura Dern (Sandy Williams).408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. no hubo más que terror. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). MONTAJE: Duwayne Dunham. tuvieron quinientos años de amor. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. MÚSICA: Angelo Badalamenti. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. Cuando llega Frank. En su calidad de autor de sus propios diálogos. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. Williams). Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. le valió una nominación para el Osear al mejor director. 1976). En Suiza. Y. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. Hope Lange (Mrs. un extravagante thriller con toques surrealistas. GUIÓN: David Lynch.. Dejando a un lado otros proyectos. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. Dennis Hopper (Frank Booth ). y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. 1986 DIRECTOR: David Lynch. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). Dean Stockwell (Ben).» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. en treinta años de dominación de los Borgia. como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. guerras y matanzas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris.UU. «En Italia. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-.

TICA: Joseph Alves júnior. ésta los arrastra mar adentro y. MONTAJE: Verna Fields. INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). En una reunión de los vecinos del pueblo. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). DURACIÓN: 124 minutos. tras rodearlos. Cuando finalmente avistan a la bestia. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. Cari Gottlieb (Meadows). PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. un viejo lobo de mar. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. se hace a la mar. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. un experto en el tema. Quint. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). . se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. Robert Shaw (Capitán Quint). Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. Zanucky David Brown). de más ocho metros de longitud. en un acto de desesperación. Lorraine Gary (Ellen Brody). el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper).410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica.. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. no recogidas en los títulos de crédito. Acompañado por Brody y Hooper. de Howard Sackler y John Milius). Brody. su alcalde. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. Matt Hooper. MÚSICA: John Williams. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. Sin embargo. Cuando se capture a un tiburón.UU. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. Con Hooper temporalmente fuera de combate. introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. hace volcar el barco y devora a Quint. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. con colaboraciones.

Hal Holbrook (Garganta Profunda). como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. no tuvo nada que ver con las secuelas que. los resultados fueron extraordina- ríos. Wolfe.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo. Jason Robards (Ben Bradlee). cuya obra sería pasada por alto por la Academia. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. se irían sucediendo a partir de entonces. con estas ideas en mente.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». Con todo. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. de los miedos primordiales de la humanidad.UU. a la manera de Hitchcock. además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. Pakula. 1974). Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward). INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). En relación con éste. Jack Warden (Harry Rosenfield). se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. El proyecto. con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. hacerse con sendos Osear por su montaje. con calidad siempre decreciente. sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. Sin embargo. Robert Redford (Bob Woodward). 1976 DIRECTOR: Alan J. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. basado en una novela de éxito. Según su concepción. antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. su primer largometraje para la pantalla grande. MONTAJE: Robert L.resultara creíble. DURACIÓN: 138 minutos. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. Martin Balsam (Howard Simons). la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. Spielberg. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE.. MÚSICA: David Shire.

750. para proteger la que. con actores de segunda fila. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. había vendido ya 2. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. Siguiendo las orientaciones de su informante. . Alan J. supondrá la caída del presidente Nixon. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. el Asesor Especial de la Presidencia. para entonces.000 dólares. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. que administra el antiguo Ministro de Justicia. a convertirse en una película de primera categoría. para finales del año 1975. que. al poco de haber jurado un nuevo mandato. 1972). John Mitchell.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. «Garganta Profunda». Seguirán trabajando en el caso. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. el director del Post.000 ejemplares. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. mejor dirección artística. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. mejor guión y mejor actor secundario. Animados por el apoyo del actor. por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. ya era una inversión considerablemente alta. los medios de comunicación y el gobierno. en este caso. el Jefe de Personal de la Casa Blanca. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. finalmente. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio».

tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. la obra más taquillera de la década en su país natal. (1982). elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. No obstante. antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. 1988) o con las películas de Derek Jarman. En un mundo como el del cine. tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. Sin embargo. o Jonathan Demme. un cineasta que. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. Voces distintas (Distant Voices. David Lynch. 1991). por su parte. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. . Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. En busca del arca perdida (1981). o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). Martin Scorsese. Un tipo genial (Local Hero. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). caso de El color del dinero (The Color ofMoney. al promover una visión adolescente del mundo. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. La guerra de las galaxias (1977) y E. En cualquier caso. la sombra del guerrero (Kagemusha. Las puertas del cielo (Heaven's Gate. Fuera del ámbito norteamericano. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. La cinematografía china. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. John Sayles y Spike Lee. Así. El contrato del dibujante (1982). 1988). de El gran azul (Le grand bleu. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. autor. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). este último. Still Lives. 1986). de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. cuyo éxito. con El silencio de los corderos (1991). precisamente. Al otro extremo de la pirámide de las edades. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. hoy en día. 1983). su carácter imprevisible. un film que supondría su despedida del cine. que. este último. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977).T. no obstante. 1980). especialmente. con su Terciopelo azul (1986). optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk.

Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . tanto dentro como fuera del ring. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. Por otro lado. pierde a su esposa. que produce la dicotomía cuerpo/alma. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. DURACIÓN: 129 minutos. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. GUIÓN: EE. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. con más del doble de votos que su más próximo rival. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. mientras el rodaje estuvo detenido. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). se niega a entrenar. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. en otro nivel. B/N. Frank Vincent (Salvy). Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. un colaborador habitual de Scorsese. En su calidad de dueño de un club nocturno. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. Una vez alcanzado su objetivo. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. A pesar de que. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). Cathy Moriarty (Vickie La Motta). pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan.de un total de ocho nominaciones. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». finalmente. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. Joe Pesci (Joey). su disciplina se relaja. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película.. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. típicamente católica. golpea a su leal hermano y pierde también su título.UU. Kirk Axtell y Sheldon Haber. Theresa Saldana (Lenore). Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. Nicholas Colasanto (Tommy Como). Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. A lo largo de la película. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados.

Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. Nick Dennis (Pablo Gonzales). te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. Kim Hunter (Stella Kowalski).. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. se mantuvo a Elia Kazan como di- . dejando solo a Stanley. Rudy Bond (Steve Hubbell). Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. B/N. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. Marión Brando (Stanley Kowalski). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. basado en el drama de Williams. Feldman).420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. DURACIÓN: 125 minutos.UU. Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. Stanley. que le escucha encantado. llamado Marión Brando. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. Karl Malden (Mitch). Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. Argumento Comentario Nueva Orleans. MONTAJE: David Weisbart.

noticiarios. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. la psique de su personaje. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. DURACIÓN: 120 minutos. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). básicamente. que fue sustituida por Vivien Leigh. Por otro lado. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. igualmente eficaz. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. la maestría del montaje de . de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. Muy pronto. de Vivien Leigh. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. así como la decisión con que exploró. MONTAJE: Leni Riefenstahl. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. de dentro afuera. con la notable excepción de Jessica Tandy. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. Hitler y su ministro de Información. 1950). Josef Goebels.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. Tanto en las primeras escenas. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. El film fue nominado para doce premios de la Academia. obteniendo tres de ellos. que fueron a parar a Vivien Leigh. Karl Malden y a la dirección artística. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. efectuado por el propio Hitler. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. que. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. inspirado en las ideas de Stanislavsky. MÚSICA: Herbert Windt. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. Aunque el film es. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. B/N. un documental.

DURACIÓN: 118 minutos. un muchacho retrasado. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». un acaudalado joven.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Entretanto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. Friedman). Cloris Leachman (Ruth Popper). Aunque. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. de una factura técnica impresionante. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador.UU. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. Ben Johnson (Sam El León). sea asesinado. es otro documental de corte propagandístico. en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. pero son interceptados por los padres de la chica. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). frustrado por el comportamiento de Jacy. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. cuando el viejo muera. Texas. en cierto modo. . no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). B/N. Ellen Burstyn (Lois Farrow). Su siguiente obra. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. Cuando Billy. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte).. 1971 Peter Bogdanovich. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. una vez concluida la guerra. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. 1938). Anarene. Jeff Bridges (Duane Jackson). se sentirá muy apenado. Argumento Año 1951. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. MONTAJE: Donn Cambern. Duane.

compasión y emotividad descarnada. DURACIÓN: 100 minutos. Frankovich y William Self. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. El último pistolero THE SHOOTIST EE. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. asqueado. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. finalmente. pero queda gravemente herido. Ron Howard (Gillom Rogers). Hostetler). Hugh O'Brien (Pulford). un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. arroja lejos de sí el . y allí traba amistad con Gillon. James Stewart (Dr. el director John Ford. sólo en los Estados Unidos.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. el hijo de ésta. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). MÚSICA: Elmer Bernstein. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. pero. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión.UU. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. Acaba con los tres. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. Argumento Carson City. 22 de junio de 1901. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. Nevada. Richard Boone (Mike Sweeney). enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. ambientada muchos años después. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. Gillon interviene para matar al camarero. Hostetler. una secuela. PRODUCCIÓN: Mike J. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). Decidido a asegurarse una salida digna. un thriller lleno de originalidad y tensión. Texasville (1990). obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich.. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. que. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. No obstante. MONTAJE: Douglas Stewart. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. Lauren Bacall (Bond Rogers). 1967).

algo que también es aplicable al propio género del western. él regresa a su hotel. Darling Legitimus (Portera). que acaban de conocerse en un piso vacío. MONTAJE: Franco Arcalli. Franco Arcalli y Agnes Varda. donde hace poco se suicidó su mujer. coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. 1955). 1962). la electricidad. el cineasta Tom. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). DURACIÓN: 129 minutos. el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. Jean-Pierre Leaud (Tom). Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Después. Al principio de la película. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real).que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. el jugador de La diligencia (1939).428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. caso de John Carradine. MÚSICA: Gato Barbieri. Lauren Bacall. 1962).que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. Por otro lado. o James Stewart. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. María Schneider (Jeanne). Paul y Jeanne. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. hacen allí mismo el amor. con toda su pintoresca gama de pistoleros. Argumento París. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. Catherine Sola (Script de TV). que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. Al día siguien- . 1972 Bernardo Bertolucci. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. el agua corriente. Todo en esta película. 1972). El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Mauro Marchetti (Cámara de TV). que hace del enterrador de Carson City. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. por ejemplo. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor.

PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Sin lugar a duda. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. Comentario El último tango en París. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). Dorris Bowdon (Rosaham). MÜSICA: Alfred Newman. Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. Jane Darwell (Ma Joad). John Carradine (Casy). Charley Grapewin (Abuelo Joad). la segunda de ellas la de mejor director).UU. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella. tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. MONTAJE: Robert Simpson. El último tango en París rebosa veracidad emocional. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. Jeanne regresa al piso. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. El encanto se ha roto. Russell Simpson (Pa Joad). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. Mark Lee Kirk y Thomas Little. a veces.. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. y a pesar de sus fallos. Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. . Zanuck). puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. Con todo. con final en matrimonio. aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. Por desgracia. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck).430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. DURACIÓN: 125 minutos. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. B/N. 1940 DIRECTOR: John Ford. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico.

y contrató a John Ford para la dirección. en este caso bien organizado. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. el jefe del estudio. . por su parte. En un campamento al que llegan. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. Tom venga su muerte. Darryl F. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. en varios lugares de América. Casy. Nominada para siete premios de la Academia. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). En los años sesenta. un sacerdote. 1964). Sin duda. convirtiéndose en un fugitivo. en cualquier caso. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. un antiguo reportero de prensa. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. Novela controvertida. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta.tuvo algo que ver en ello. que llegó a ser prohibida. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. entre ellos el de mejor actor. Ella. pero. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. encargó el guión a Nunnally Johnson. 1946). De hecho. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». Zanuck. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. e incluso quemada. encuentra un refugio provisional.000 dólares. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. Publicado en marzo de 1939. En un campamento estatal de tránsito. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford.

434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. No obstante. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. 1954). 1953). 1973) o Soylent Green. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. más en concreto. con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976).en una entrañable cursilería. 1990) mantuvieron la vitalidad del género. 1968) y sus numerosas secuelas. confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. 1979). Invasores de Marte (Invaden from Mars. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional.o degenerado. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. la más impactante de todas. debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. 1953) y. un colaborador de Kubrick en aquel film. cuando salió a la luz su obra E. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. un film que. T. generalmente hostiles. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. cuando los encuentros con seres extraterrestres. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. sin embargo. a todos los efectos. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). 1958). o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos.y con Atmósfera cero (Outland. una serie que aún hoy sigue impactando. . que fue merecedora de una nominación para los Osear. 1951). 1973). una odisea del espacio (1968). en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. como ocurría en La humanidad en peligro (Them. sobre sus desconocidos efectos secundarios. G. Douglas Trumbull. (1982) había derivado . 2001. una fe que. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. 1936). Sin embargo. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. o la obra de Stanley Kubrick. 1902). 1981). la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. el octavo pasajero (Alien. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. Wells en La vida futura (Things To Come. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). En la década de los setenta. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. El género. con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana.

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary.UU. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. Cohan. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. B/N. Richard Whorf (Sam Harris). Cohan). Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. De igual modo. En un principio. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. . con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». La composición de George Washington Jr. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. En cualquier caso. DURACIÓN: 126 minutos. tal decisión no le resta impacto a la película. MÚSICA Y LETRAS: George M. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. George Tobías (Dietz). al igual que sucedía en la novela. INTÉRPRETES: James Cagney (George M. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. productor asociado). el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. une a la familia por última vez. Tras la guerra. Irene Manning (Fay Templeton). Joan Leslie (Mary). MONTAJE: George Amy.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. Walter Huston (Jerry Cohan). Sin embargo. que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura.. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. estaba previsto que en la película. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales.

Contando con un presupuesto estimado en 1. el verdadero dueño de la misma es. A. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. al mismo tiempo. Bert Roach (Bert). fue.000 dólares -de los que 100. que se encontraba ya muy enfermo. John V. Tras quedarse huérfano en su juventud. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. La vida de casado no es precisamente sencilla. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. Eleanor Boardman (Mary). Daniel G.500..UU. según parece. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. Sin embargo. INTÉRPRETES: James Murray (John). B/N. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. DURACIÓN: 95 minutos. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. MONTAJE: Hugh Wynn. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. 1928 King Vidor. John queda destrozado y comienza a ir . sin embargo. Jeanne. James Cagney que.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. Narrada mediante flash-backs. Dell Henderson (Dick). un 4 de julio. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). cuando su hija muere atropellada por un camión. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. interpretando el papel de la hermana de Cohan. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. La película. Tomlinson (Jim). Uno de los grandes éxitos de su tiempo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. hasta los momentos finales. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. GUIÓN: King Vidor. gracias a su inmensa experiencia. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. en un papel que le valió su único Osear. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que.000 fueron a parar a manos de Cohan. Estelle Clark (Jane). en todo momento.

todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). Francois Perier (Elfiscal). James Murray. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. DURACIÓN: 125 minutos. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. Vuelve a unirse a Mary. Jacques Perrin (El periodista). no sólo como una forma de entretenimiento de masas. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. en la época. Georges Geret (Nick). 1934). según se determinó se había quitado la vida. pero no obtuvo premio alguno. Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. Cuando años más tarde. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. no era demasiado frecuente. un carismático parlamentario de la opo- . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. «Z». Durante bastante tiempo no se supo nada de él. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. z Francia/Argelia. California. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. algo que. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. en 1936. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. su cuerpo fue hallado en el río Hudson. su orgullo le impidió aceptarlo. A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. El actor principal.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. Argumento Un país mediterráneo. John toca fondo y decide suicidarse. al que la película sacó del anonimato. MÚSICA: Mikis Theodorakis.Irene Papas (Helene). sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. MONTAJE: Francoise Bonnot. hasta que. Jean-Louis Trintignant (El juez).448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador.

la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. Finalmente. sin embargo. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. Sin embargo. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. 1981). Yago. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. no ocurre lo mismo con Z. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. el otro ocupante del vehículo. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. . aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. No obstante. En última instancia. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. un testimonio que es corroborado por Vago. 1973) o Desaparecido (Missing. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. por lo demás. interpretado. Al margen de su dimensión política. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. además. unos rasgos que. En Estados Unidos. Con todo. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. asegura que estaba borracho. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. el conductor de la furgoneta.

por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. 1991). un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. dirigida por Mike Nichols. que ganaría el Osear por su papel en una película que. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. .452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. Ocurre a veces. Es interesante señalar que. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. Por otro lado. tras dos semanas de rodaje en Suiza. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. en la actualidad. si pueden. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. pero que nunca pasaron de ahí. o The Jackpot (1975). 1989). o la versión de la novela de Conrad Nostromo. poco tiempo después. un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. (1966). sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. finalmente. en algún momento. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. sin embargo. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. cuya financiación solía ser muy precaria. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). Ése fue el caso de Bette Davis. una comedia de Neil Simón. No obstante. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. Empieza el espectáculo (1979). famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas.The Deep (1957). 1941) y El halcón maltes (1941). que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. Tras dos semanas de rodaje. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). se le pasaron a alguien por la cabeza. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. 1977). y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. sería abandonada definitivamente. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles.

La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad. todos a bailar. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. delante de los niños. no. El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas».en una palabra: emoción». El cine negro «. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 . El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos». El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto».. El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine. La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso.índice de artículos monográficos El silencio es oro..

El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós.». muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre.. La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos». Los Osear El presente.. derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 . la cólera de Dios (Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es.

T. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E. (E. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 .458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) . (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry.T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista.

297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead)... mentiras y cintas de vídeo (Sex. domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo. el vampiro (Nosferatu.. Texas (París.. eine Symphonie des Grauens).. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 ... lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli. 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) . Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) .460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max.. ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche. Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives).

88. Cooper. 44 RobertAltman. 49. 252.115. 309 Constantin Costa-Gavras.23 Federico Fellini. 273 WilliamFriedkin. 13. 178.396 Marcel Carné. 425 Robert Bresson.218 Michael Curtiz.212. 181 Ford Beebe. 176 Abel Gance.431 Milos Forman. 307 Merian C.334.91 GeorgeCukor.índice de directores James Algar. 313 Sergei Einsestein. 63 Samuel Armstrong. 266 LuisBuñuel. 169 Walt Disney. 324 Clyde Bruckman.192. 181 Ingmar Bergman.290 Michelangelo Antonioni. 155 Tim Burton. 381 WilliamDieterle. 255. 153 Víctor Fleming. 164 John Cassavetes. 70 FrankCapra. 257 Jean Cocteau.141.322.264 John Ford. 100. 104. 148.445 VittorioDeSica.238 Jonathan Demme. 449 Kevin Costner. 374 Bernardo Bertolucci.183 Norman Ferguson.336 Woody Alien.357. 65 AlanCrosland. 181 Terence Fisher. 181 RobertAldrich. 288 .96 Charles Chaplin. 234 Francis Ford Coppola. 77 Stanley Donen.139 Cari Dreyer.338 Jack Clayton. 429 Peter Bogdanovich. 28 John Frankenheimer. 385 ClaudeChabrol.

354.248 Sergio Leone.345 Leni Riefenstahl. 181 Elia Kazan.392 SamW6od. 201. 413 Sam Peckinpah.420 Gene Kelly. 203 Arthur Penn. 266 WilliamKeighley. 47.383 . 51 Michael Powell. 113 D. 67 Edwin S. 229. 404. 84.283 JimHandley. 127 Nicholas Ray. 198 Laurence Olivier. 438 Dennís Hopper.74. 129 Joseph L. 222 Alan J.72 George Lucas. 58 Rouben Mamoulian. 408 Adrián Lyne.Griffith.30. 139 Buster Keaton.364 WilliamWellman.111.171. 106 Francois Truffaut. 440 Istvan Szabo.98 John Huston.436 Charles Laughton.227.181 Howard Hawks.236 Orson Welles. 423 Bill Roberts.418 DonSiegel. 146 Hamilton Luske. 245 HughHudson. 259 Vincente Minnelli. 210. Horne.215. 157. 185.372 Akira Kurosawa. 190 Otto Preminger. 376 Steven Spielberg.398 T. 125 EW.269 FredZinnemann.352 Wilfredjackson. 194 RobertWise. 79 Román Polanski.378 FritzLang.241. 181 MarkSandrich. 134. 25 Peter Greenaway. 442 Steven Soderbergh. 40 SamTaylor.281.Pakula.220 Giuseppe Tornatore. 327 ErnstLubitsch. 295 David Lean.Murnau. 53 Luchino Visconti.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard.401 Ernest B. 18 Alexander Mackendrick.331 WimWenders.367 Gillo Pontecorvo. 276 Andrei Tarkovsky. 137.299 WilliamWyler. 196 Andrzej Wajda. 297 Roberto Rossellini.302 Fred Newmeyer. 60 Prestan Sturges. 42 Erich von Stroheim.Hee.120. Porter.357 Stanley Kubrick. 86 James W.162. 341.394 Paul Satterfield. 304 Billy Wilder. 173 George Miller. 102 RaoulWalsh. 35.278.33. 181 George A. 109.387 VolkerSchlondorff.271 Kenji Mizoguchi.181 Werner Herzog. 350 LouisMalle. Romero. 315 CarolReed. Mankiewicz. 20 Alfred Hitchcock. 150. Schoedsack.427 Víctor Sjóstrom. 181 David Lynch.W. 360.329. 243 Jean-Paul Rappeneau. 131.311 James Whale.406 Karel Reisz.320 RobertWiene.292 KingVidor.224.122. 220 MikeNichols. 411 Josef von Sternberg. 250.447 Jean Vigo. 343 SatyajitRay. 362 Jean Renoir. 166 Nagisa Oshima. 205 SidneyLumet. 234 Martin Scorsese.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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