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28522186 Hunter Allan Ed Los Clasicos Del Cine

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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

les entretuvo. Tímidamente. Los clásicos del cine . puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. En suma. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". En cierta ocasión. aunque sólo sea un instante. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había.. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. simplemente. les conmovió. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State.. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. no hay nada que tenga más valor. les instruyó. en su momento.. verdaderamente inolvidable». Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. la búsqueda de un elusivo halcón negro. les deleitó o.. la Muerte jugando una partida de ajedrez. bueno.. me conformaría. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia. Dorothy aventurándose por el arco iris. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. No me importaría nada que fuera algo así. toda una colección de clásicos del cine. mientras exista el cine. Años más tarde. Este libro es.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que.. y morir sabiendo. una mano que trata de coger una mariposa. me sentiría muy halagado. por lo tanto.

se ordena su ejecución. Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). Vakulinchuk. Repnikova (Mujer de las escaleras). FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. Sin embargo.El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. Popov. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. MÚSICA: Edmund Meisel. provocándose así el estallido de la revuelta. MONTAJE: Sergei Eisenstein. B/N. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). Levchenko (Contramaestre). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. uno de ellos. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. DURACIÓN: 75 minutos. Los marineros se hacen con el 13 . conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes.

son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa. . hasta cierto punto.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. ante el temor de posibles represalias. el más reciente de ellos. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. Si bien. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. según el cual. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. De esta forma se cumplían. Lo más significativo fue. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. 1987). donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. que ha muerto durante la refriega. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. de forma inmediata. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. hoy en día. la tripulación del Potemkin. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. no obstante. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine.

1922). Hoy en día. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). Chaplin. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. Gish. Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. Posiblemente. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. en los cines de todo el mundo. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. 1920). el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. Entre tanto. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. 1928) y La edad de oro (1930). En 1919. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. su impacto a principios de siglo fue revolucionario. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). siempre estuvo en entredicho.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. Un perro andaluz (Un chien andalou. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). en Rusia. Así. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Aflash-back o el montaje alternado. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. En la escena que da título a esta película. De Mille. . W. dando lugar a dos llamativas producciones. Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. Pickford. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. Griffíth. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. No obstante. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). Griffíth. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. Y de hecho. en cambio. Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. aunque un tanto diluido. así como en la subsiguiente persecución. Gran innovador de la técnica cinematográfica.

El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. en venganza por haber sido despedido. Julien Quentin. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. un muchacho de doce años. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. Francois Berléand (Padre Michel). Francine Racette (Mme.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. realiza en el mercado negro. El argumento. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). aunque quizá esté un tanto idealizada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. el pinche de la escuela. tan sencillo como sugerente. PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). a pesar de ser bastante travieso. muy querido. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. resulta absolutamente creíble. Quentin). GUIÓN: Louis Malle. Peter Fitz (Muller). 1987 DIRECTOR: Louis Malle. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». y su hermano Francois. Comentario Argumento Año 1944. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). éste delata al Padre Jean a la Gestapo. la Francia ocupada. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. una experiencia que. MONTAJE: Emmanuelle Castro. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. D U RACIÓN: 104 minutos. marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. Francois Negret (Joseph). La relación entre los dos muchachos. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). y clausuran la escuela. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin).

Aguirre. Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. El acto de venganza de Joseph. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. la legendaria ciudad de oro de los incas.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. Armando Polanah (Armando). Aguirre sigue adelante. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. . su jefe. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. Aguirre. Al llegar al Amazonas. La traición. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). junto a algunos de los chicos de la escuela. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. la cólera de Dios Argumento Perú. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). Helena Rojo (Inés de Atienza). Tan sólo alguna intrusión ocasional. Impulsado por su maníaca empresa. DURACIÓN: 93 minutos. que viaja acompañado de su esposa Inés. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. se dedica a trapichear en el mercado negro. MÚSICA: Popol Vuh. DER ZORN GOTTES Alemania. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. fruto del resentimiento. 1560. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). Pizarra. permite prever lo que habrá de ocurrir. la cólera de Dios AGUIRRE. Dany Ades (Perucho). el líder del Frente Nacional.se va apoderando del control de la expedición. cuando finalmente se produce. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. y seguramente impremeditado. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). Edward Roland (Okello). a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). sella el destino de Bonnet. viene de manos de Joseph. Del Negro (Gaspar de Carvajal). Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo.

Orlov (Ignat. una actitud que le valió numerosas críticas. Okhlopov (Vassily Buslai). La escena final. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). maestro armero). a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. Alexander L. K. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). PRODUCCIÓN: Mosfilm. CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. La película. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). Sin embargo. constituye una imagen inolvidable. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. B/N. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. gobernador de Pskov). MÚSI- Sergei Prokofiev. cuando las balsas emprenden su largo viaje. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. en la que Aguirre. sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. de una fuerza arrebatadora. V. durante el rodaje. DURACIÓN: 112 minutos. Novikov (Pavsha. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. Nikolai P. Dimitri N. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. Aunque el propio Herzog reconoció que. Reúne un vasto ejército . otra película de Herzog. 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. el último superviviente. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. constituye un estudio. Abrikosov (Gavrilo Olexich). N. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. la verdadera motivación de su delirante empresa. fruto de la imaginación. Sin embargo. Arski (Domash. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. N. Fitzcarraldo (1982). Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. noble de Novgorod). desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia.

I: Martial Solal. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. En este sentido. libra una batalla campal decisiva. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. Liliane Robin (Minouche).24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). las películas de las décadas siguientes. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. Roger Hanin (Cari Zubart). B/N. MONTAJE: Cecile Decugis. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. presentan unos rasgos mucho más tradicionales. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. A pesar de lo dicho anteriormente. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». 1967). Daniel Boulanger (Inspector Vital). a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. Para los espectadores contemporáneos. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». mandada por el Príncipe. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. en el año 1242. 1959 Jean-Luc Godard. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). DURACIÓN: 90 minutos. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . 1928). PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. a orillas del lago Peipus. 1942-1946). Eisenstein. el primer fruto de su estilo tardío. MÜSIC.

en cambio. les sigue la pista cada vez de más cerca.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. la nueva ola de cineastas franceses. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. Escrita en colaboración con Truffaut. para alabar. se hacen de otras películas. . entre tanto. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. sin ningún reparo. una estudiante americana que aspira a ser periodista. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. Tras haber pasado la noche juntos. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. uno de ellos morirá. Conmocionado. Tras regresar de una cita. Al serle imposible recuperar su dinero. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. Claude Chabrol y Eric Rohmer). una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. que. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. a partir de mediados de los cincuenta. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. y contando con Chabrol como consejero técnico. La policía. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados.

Cuando regresa a su sala. MONTAJE: Richard Chew. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. es. Angela Lansbury. Sería él quién haría el proyecto realidad. el Jefe Bromden. una noche. al amenazarle con informar de ello a su madre. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). éste se suicida. Ellen Burstyn y Geraldine Page.UU. Lynzee Kingman y Sheldon Khan. Finalmente.. Danny De Vito (Martini). en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. Entre las actrices que. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. pero es domeñado y. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. rechazaron el papel.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. interpretando un pequeño papel en la película de su marido. se encontraban Anne Bancroft. Thieves like us (1974). se le somete a una lobotomía. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). McMurphy intenta estrangularla. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. una de las pelí- . que es. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. Argumento El recluso Randle P. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). además. es trasladado a una casa de salud mental del estado. posteriormente. William Redfield (Harding). Alguien voló sobre el nido del cuco. que le tuviera a él como protagonista. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). que sería quien finalmente encarnara al personaje. según parece. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. llevándoselos sin permiso de excursión. A la mañana siguiente. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. 1975 Milos Forman. DURACIÓN: 133 minutos. Louise Fletcher. cuando llamó la atención del director Milos Forman.BradDourif (Billy Bibbit). precisamente. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. uno de sus compañeros. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. William Fraker y Bill Butler. Michael Berryman (Ellis). McMurphy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. las salas del hospital.

Steve Cochran (Big Ed Somers). Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. Jarrett está a punto de enloquecer. al verse atrapado en la refinería. No obstante. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. la esposa de Jarrett. GUIÓN: EE. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . En la prisión. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección.. Virginia Mayo (Verna Jarrett). John Archer (Phillip Evans). 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). Vera. y Jarrett. MONTAJE: Owen Marks. por la que su hijo siente auténtica devoción. MÚSICA: Max Steiner. Entre tanto. Por otro lado. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. entabla amistad con él. un infiltrado de la policía. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. Margaret Wycherly (Ma Jarrett). La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. DURACIÓN: 114 minutos. conduce al FBI hasta Cody. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). Al rojo vivo nato.30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. Hank Fallón. Edelman).UU. B/N.

y otros trabajos menores. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). de Hermann Sudermann). en cuyo caso. J. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). En cierta ocasión. visité Ward's Island.32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). Janet Gaynor (La mujer). Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad.UU. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. realizados para su propia productora. Ralph Sipperly (El barbero). está basado. en Arthur «Doc» Barker. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. de joven. DURACIÓN: 117 minutos. porque. en un verdadero tour de forcé de emotividad. finalmente. 1927 F. se enfrenta al oleaje. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. le de- . Reconciliado con su esposa. Mientras regresan a su casa en barca. ambos pasan el día en la ciudad. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. Cohan en Yanqui Dandy (1942). donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. El personaje de Cody Jarrett. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. mientras grita un desafiante. por el que obtuvo un Osear. Ma. La cima del mundo». Al rojo vivo. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. «Lo conseguí. El campesino. Murnau. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. B/N. según parece. que. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. 1943) o The Time ofYour Life (1948). Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. Bodil Rosing (La doncella). W. El papel de George M. ¡Dios mío. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese.. cuando llega el momento.Farrell MacDonald (El fotógrafo). 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. como El vagabundo (Johny Come Lately. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit.

Georges Guetary (Henri Baurel). a la mejor fotografía y a la mejor actriz. W. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. MÚSICA: George e Ira Gershwin. a otras de un mayor naturalismo. Aun evaluándola con criterios actuales. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. se desprende de la totalidad de la historia. Melodrama pictórico y poético. 1928). 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. reconciliación o sospecha. hasta el punto de que. el campesino corre eufórico a su encuentro. a diferencia de lo que suele ser habitual. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. sigue sin aparecer. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. Argumento Jerry Mulligan. tanto en los decorados como en la interpretación. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio.UU. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. Leslie Carón (Lise Bouvier). GUIÓN: Alan Jay Lerner. resulta absolutamente prodigiosa. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. un soldado norteamericano. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. DURACIÓN: 113 minutos. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. Nina Foch (Milo Roberts). Murnau. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. Osear Levant (Adam Cook). de acuerdo con el guionista Cari Mayer. MONTAJE: Adrienne Fazan. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. Aunque es posible que fuera él mismo quien. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. Eugene Borden (George Mattieu). es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro.. Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Su esposa. cree que ha ejecutado su plan. . A pesar de que la película fue un fracaso comercial. sin embargo.

Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. pues se trata de la prometida de Baurel. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. Mientras celebra su suerte en un club nocturno. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. Sin embargo. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. de la compañía de la chiquillería del barrio. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. ésta se resistirá al idilio. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). que dirigía el productor Arthur Freed. Por otro lado. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). Manet y otros artistas. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas».5 millones de dólares. No obstante. . Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. director y bailarín y. especialmente. cantante. conviene mencionar que. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. diálogos y decorados. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. en tiempos recientes. bailes. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. Finalmente.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. Milo Roberts. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre.

. Entre tanto. Por otro lado. la Universal. de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. 1931). fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. la primera película hablada del cine británico. Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. como Louis B. 1939). durante un breve período de tiempo. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). hayan sido objeto de numerosas críticas. Deeds Go to Town. mientras que la Columbia. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. por su parte. Mayer o Harry Cohn. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. sin embargo. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». sin embargo. y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929). el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939).y El cuarto mandamiento (1942). Judy Garland y Greta Garbo. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. Marlene Dietrich y Gary Cooper. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. en el Reino Unido. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. a excepción de la palabra «cuchillo». Conviene no olvidar. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. una modesta empresa creada por Harry Cohn. al otro lado del Atlántico. Sin embargo.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). La M-G-M. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. 1936). Entre tanto. comedias y musicales destinadas a levantar la moral.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. 1943). Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. La R-K-O. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés.

MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). DURACIÓN: 185 minutos. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. Nikolai Burlyayev (Boriska). Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). El fantasma de Teófanes se le aparece. PRODUCCIÓN: Mosfilm. se entretiene con un bufón. El héroe epónimo. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). el pintor de iconos Andrei Rubliov. entre ellas. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. A la conclusión de la obra.S. fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. . FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. el rostro de Andrei. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto.. siglo xv. un monje y pintor de iconos del siglo xv. Paradójicamente. Irma Raush (La muchacha sordomuda). Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad.R. es raptada. Inspirado por esta visión. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. Ivan Lapikov (Kirill). comenzará a dudar del valor de su existencia. vertiendo lágrimas de dicha. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. Argumento Rusia. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. En el curso de sus peregrinaciones. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. Más adelante. El dubitativo protagonista. Solaris (1972) y Stalker (1979). y su film de reminiscencias personales. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. 1974). Aunque se encontraba ya acabado en 1965. El espejo (Zerkalo.S. posteriormente. Como cabía esperar. hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. Color y B/N. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. las autoridades soviéticas. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que.

1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . conocida ante todo por su papel en Metrópolis. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. con la llegada de las películas habladas. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. una novela de Heinrich Mann. de Heinrich Mann). De regreso a Alemania. Hans Albers (Mazeppa). PRODUCCIÓN: Erich Pommer. Henchido de dolor. y habiendo perdido toda su autoestima. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. en su lugar. regresa junto a Lola-Lola. que le convence para que se case con ella. sin embargo. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. regresa a su antiguo colegio y muere. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. la seductora artista del espectáculo. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). Rosa Valette (Guste. DURACIÓN: 103 minutos. pero se queda cautivado por Lola-Lola. filmaran El ángel azul. Abatido. Argumento El profesor Immanuel Rath. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. MONTAJE: Sam Winston. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. es despedido. GUIÓN: Robert Liebmann. y fue el propio director quién le sugirió que. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. publicada en 1904. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). La trama básica de la película. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. su mujer). Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. pasa toda la noche en el local. uno de los puntales de la comunidad. Briggite Helm. un mago). MÚSICA: Friedrich Hollander. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. Trude Hesterberg. iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). Marlene Dietrich. Borracho de placer y de champán. se contrató a Dietrich. Kurt Gerron (Kiepert. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. 1928). antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. B/N. La última orden {The Last Command. el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista.

Joffe). Capricho imperial [TheScarletEmpress]. y Alvy. se produce la separación. Alvy inicia una relación con Pam. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. tras una pelea. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. etc. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. La Venus rubia [Blonde Venus]. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. Joffe para United Artists (Charles H. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. y en el vuelo de regreso a Nueva York.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. finalmente. pero. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. 1935. Diane Keaton (Annie Hall). Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. 1930. Carol Kane (Allison). Annie Hall. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. una periodista.. DURACIÓN: 93 minutos. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. Paul Simón (Tony Lacey).). hoy en día. Comentario AnnieHall EE. la pareja volverá a reunirse. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. deciden volver a separarse. Tony Roberts (Rob). en este caso. ini- Con Annie Hall.UU. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). Shelley Duval (Pam). muestra por Annie. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. tras realizar un fútil intento de reconciliación. tiene algo de . negado para la vida. MÚSICA: Varios. 1934. Tony Lacey. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. El interés que el magnate del mundo discográfico. 1932. despierta los celos de Alvy y. Capricho español [The Devil is a Woman]. a la que el director vestía e iluminaba. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas.

que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. envalentonado por su nueva situación. Jack Kruschen (Dr. se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. D..UU. En recompensa por la cesión de su apartamento. Fred MacMurray (J. Shirley MacLaine (Fran Kubelik).46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. Diamond. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. L. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. la ascensorista de la empresa. MÚSICA: Adolph Deutsch. bajo el título provisional de «Anhedonia». INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). Rodada con su habitual secretismo. Marshall MacLuhan. Diane Keaton. Baxter. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. colocándole. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. DURACIÓN: 125 minutos. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. Baxter. más bien. . Por todas estas razones. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. mejor director y mejor guión. Sheldrake). le consigue un inesperado ascenso. GUIÓN: Billy Wilder e I. 1960 Billy Wilder. el director de la empresa. Dreyfus). Ray Walston (Mr. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. un empleado de una aseguradora. Baxter. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. para crear un efecto cómico. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. Dobisch). añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». MONTAJE: Daniel Mandell. entre ellos los de mejor película. C. J. acuciado por su conciencia. Edie Adams (Miss Olsen). Panavisión. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake.el film es. Tras declarar su apartamento zona prohibida. A. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. a su vez. B/N. una circunstancia reconocida por la propia Academia. D. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. Sheldrake.

el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. Apocalypse Now EE. The Doors. que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). 1964). Wagner. una generación más tarde. Diamond). con ella. Kurtz). Willard. INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. Argumento Vietnam. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión.. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. MÚSI- CA: Carmine Coppola.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. A. Harrison Ford (Coronel Lucas). aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. Technicolor. Francis Coppola. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. El triunvirato formado por Wilder. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. Kurtz le explica su filosofía. Dennis Hopper (Fotógrafo). DURACIÓN: 141 minutos. en ocasiones. ciertamente.. El resultado fue El apartamento (1960). versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. etc. Willard). hasta entonces apenas explotada. Gerald B. e insta a Wi- . Frederic Forrest («Chef» Hicks). Cuando se produce el encuentro. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). a su vez. de Joseph Conrad). y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. L. de la que. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. Wilder combina ambas en El apartamento. Este último. Larry Fishburne («Limpio»). GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. y.UU. un capitán harto de combatir. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. (70 mm) (35 mm. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. fue nominada para diez premios de la Academia. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. una de sus obras más populares. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. MONTAJE: Walter Murch. que. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. Greenberg y Lisa Fruchtman. 1963). Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce.

B/N. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir. Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. S. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». según lo utilizó T. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. Martin Sheen. irónicamente. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. Tras unírseles otros cuatro forajidos. Finalmente. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. Comentario «Mi película no trata de Vietnam.fue. tan típica suya. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). C.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. George Barnes.M.. el horror».» Con esta ampulosa declaración.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. la película. Éste. Willard parte río abajo. Es Vietnam. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. horror y absurda belleza. A continuación. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. 1903 DIRECTOR: Edwin S. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. «Bronco Billy» Anderson. pasando de 12 a 31 millones de dólares. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato.UU. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. A. entre otros. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. justo antes de que un tren llegue a la estación. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Porter. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. produciendo un efecto verdaderamente turbador. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. Abadie y Marie Murray. Michael «Crónicas» Herr. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. Eliot en La tierra baldía. INTÉRPRETES: G. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados. sin embargo. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación.

se forma una partida al mando del sheriff. No obstante. MONTAJE: Louis Chavance. L'Atalante Francia. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. el capitán de la gabarra L'Atalante. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. por comparación. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. el circo.hasta que. Asalto y robo a un tren. constituye un importante jalón en ese proceso. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. Comentario A principios del siglo xx. Entre tanto. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. Louis Lefebvre (Muchacho). vivo o muerto (TheBounty Killer. Atrapados cuando procedían al reparto del botín. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. Argumento Jean. Durante la década siguiente.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. Nounez). 1965). y se emprende la persecución de los ladrones. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. Rápidamente. INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. En cuanto al principal actor. «Bronco Billy» Anderson. Jean Daste (Jean). Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». abandonó la realización de películas en 1916. DURACIÓN: 85 minutos. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. conformando una especie de retablo. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. B/N. Dita Parlo (Juliette). de Edwin S. Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. MÚSICA: Maurice Jaubert. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. Porter. la joven campesina con la que acaba . Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. finalmente.

tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. franceses y belgas. Al estrellarse contra el agua. a primera vista. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. finalmente. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. Cuando Gaumont. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. Traba amistad con Pére Jules. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. fuera de sí. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. decide soltar amarras y partir sin ella. . Sus cortometrajes anteriores. Dos semanas más tarde. Al llegar a Le Havre. y Jean. Juliette se escapa a tierra. Distanciados ahora el uno del otro. el viejo y gárrulo compañero de Jean. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. a la que. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. consigue localizar. En la película El último tango en París (1972). y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. por un golpe de fortuna. arroja un flotador por la borda. alternando momentos de comedia con otros de tensión. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. uno de los grandes estudios franceses. al hallarse momentáneamente separados. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. le contrató para que realizara lo que.

Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. W. en 1923 y 1956). unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). . 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. no obstante. por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. 1968). Sergei Bondarchuk.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. no tenía ninguna posibilidad de competir. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. caso de Guerra y paz (War and Peace. la pequeña pantalla. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. 1962). De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. La respuesta del público fue tan entusiasta. 1966-1967). 1949). 1956). con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. aunque no de carácter bíblico. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. El Rey de reyes (The King ofKings. 1954). pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. Por otra parte. autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. o las primeras obras de Cecil B. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. Guerra y paz (Voina i mir. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. por lo general. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. como Robin de los bosques (Robin Hood. de algún episodio bíblico. De Mille. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. Cabiria (1914). La preponderancia de la figura de Cecil B. sin olvidar otras producciones que. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. De Mille. Sergio Leone. en cualquier caso. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. se encuentran Sergei Eisenstein. que protagonizó Richard Burton. 1953). Sería. cultivó gran variedad de géneros. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. una producción italiana. a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. se embarcó en empresas de gran envergadura. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. por ejemplo. la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. o Werner Herzog. En el momento presente. la que indujo a D. la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. Douglas Fairbanks. 1977) y Gandhi (1982). el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. Finalmente. 1956) o Ben-Hur (1959). resultaban igualmente espectaculares. 1965) y tantos otros más. De ese modo. la enormidad de los costes.

un hombre felizmente casado. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. Glenn Cióse (Alex Forrest). donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. En la pelea que se producirá a continuación. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. DURACIÓN: 120 minutos. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. Adrián Lyne. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. se estrella con su coche. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). MÜSICA: Maurice Jarre.UU. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. presa de la angustia. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. Jaffe y Sherry Lansing). pero ésta vuelve a levantarse. a todas luces desproporcionada. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. 1987 Adrián Lyne. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. Stuart Pankin (Jimmy). A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. solteras y liberadas sexualmente. cuya realización fue confiada a otro compatriota. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. GUIÓN: James Dearden. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. Cada vez más desesperada. una virulenta proclama a favor de la monogamia. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. Beth. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. titulado Diversión. Ellen Foley (Hildy). Michael Douglas y Anne Archer. 1986). momento en que Beth acaba con ella de un disparo. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. Más adelante. En un principio. ha mantenido con Alex Forrest. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. éste es un film con más estilo que sustancia. consigue ahogar a Alex. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. calcada de una escena similar en Las . Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. aparentemente. Berger. Dan. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E.. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. Anne Archer (Beth Gallagher). como ocurre con una de las escenas culminantes.la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. Más adelante.

PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). Zasu Pitts (Trina). al desvelar que ejerce sin licencia y.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. MÚSICA: Leo A. donde ambos morirán. cada vez de forma más manifiesta. Consigue atraparle una vez muerta"». INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. 1921). Kempinsky. Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. de Frank Norris). la prima de éste. que. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. Frank Hull y Marguerite Faust. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. MONTAJE: Erich von Stroheim. Marcus deja el camino libre a su amigo. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. se filmó un final distinto. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. se establece en . Jimmy Wang (Cocinero chino).000 dólares en la lotería. una crónica de los bajos fondos de San Francisco. abandona la ciudad. un joven minero. esposados el uno al otro. es su prometida. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. desesperado. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. a la que terminará por abandonar. Stroheim. Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Gunther von Ritzau (Dr. McTeague. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero.. San Francisco. Erich von Stroheim.UU. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. B/N. además. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. al representarla. «Sin dolor» Potter).60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. luego. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. bajo el sol abrasador del desierto. 1955). Con posterioridad. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. Marcus arruina a McTeague. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. Jean Hersholt (Marcus Schouler). Gibson Gowland (McTeague). como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. Caballerosamente. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. Una vez que McTeague y Trina se casan. escrita por Frank Norris. McTeague. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente.

resulta inusitada. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. Esa misma noche. Mientras continúa la búsqueda. Más adelante. no conseguirán encontrar su cuerpo. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. De un montaje inicial de nueve horas de duración. MÚSICA: Giovanni Fusco. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. mientras termina la noche y comienza a amanecer. 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. Lea Massari (Anna). por desgracia. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. Sin embargo. más tarde. FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. pero. Monica Vitti (Claudia). reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. Renzo Ricci (Padre de Anna). MONTAJE: Eraldo da Roma. Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. un feroz alegato contra la avaricia humana. . INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). cuando. James Addams (Corrado). a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. Dominique Blanchar (Giulia). DURACIÓN: 145 minutos. B/N. a cuatro. ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. el arquitecto Sandro.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. hacen el amor. en compañía de Claudia. A pesar de todo ello. parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. Anna y su prometido. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). La aventura L'AVVENTURA Italia. Argumento Tras un mes de separación. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. pasó primero a siete y. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. GUIÓN: Michelangelo Antonioni. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente.

Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE. Más adelante. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. vive o muere y.UU. el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. parece carecer de sentido. Argumento Año 1863. Tras haber sido condecorado por su valor. más adelante. en este caso. Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. Rodney A. Un malestar social tan abrumador es. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. era poco menos que obligatoria. se establece en una granja abandonada. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. 1975). Graham Greene («Pájaro peleón»). en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. que permanecen vigilantes ante su presencia. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. Stephen Potter y Chip Masamitsu. tampoco tiene la más mínima importancia). Dunbar). FOTOGRAFÍA: Dean Semler. por supuesto. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. MÚSICA: John Barry. y evaluada. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. el Teniente John J. finalmente. en última instancia. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux.. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). DURACIÓN: 180 minutos. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». la tribu trabará amistad con él. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). más que carecer de alegría. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. MONTAJE: William Hoy. Grant («Cabello al viento»). la utilización de la cámara como un elemento distanciador. se enamorará de «En pie . Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. 1955 y Elgrito[Il grido]. Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. Una vez allí. que.

1990) o Corazón trueno (Thunderheart. Ali La Pointe. un entusiasta del género. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). entre ellos el concedido a la mejor película. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. Michele Kerbash (Fathia). DURACIÓN: 135 minutos. 1957. junto a Flecha rota (Broken Arrow. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. A su regreso a Fort Sedgwick. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. Atrapado en su casa. en suma. B/N. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. Yacef Saadi (Saadi Kader). INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). Brahim Haggiag (Ali La Pointe). 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. Dotado de un buen ojo para el paisaje. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». 1965 Gillo Pontecorvo. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. 1991). Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. Fawzia El Kader (Haahmal). Argumento Octubre. que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. sino que recibió siete Osear. por si fuera poco. un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. Costner. Tommas Neri (Capitán Dubois). Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. 1964). El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. Además de constituir. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana.66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN).

Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. Sin embargo. que desata una brutal ola de represión y torturas. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. en 1962. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. una película que contó con Marión Brando como protagonista. sino que aumente aún más. Finalmente. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. Sin embargo. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. . Argelia obtiene su independencia. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. Sometido a tortura. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. A principios de 1957. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. sin embargo. por ejemplo. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. consiguiendo así que el impacto de la película. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. y en el Octubre. En 1954. el único superviviente será La Pointe. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. un camarada revela su paradero. no sólo no disminuya.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. Así. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. El FLN convoca a una huelga general. la resistencia contra los franceses no cesa y.

Tras tomar a Vicki como rehén. Con gran inteligencia. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. se desdobla en la figura de Batman. libros y un largo etcétera. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. El presupuesto declarado. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. el misterioso luchador contra el crimen. Sin embargo. un millonario que lleva una existencia recluida. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). camisetas alusivas. según se dice. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. El éxito obtenido por Batman. lo cierto es que la película. debido a la intervención de Batman. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. 50 millones de dólares. MONTAJE: Ray Lovejoy. No obstante. El actor. Batman es. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. Vicki comienza a desentrañar el misterio. muñecos. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. Tim Burton. Entre tanto. Robert Wuhl (Alexander Knox). una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas.UU. Kim Basinger (Vicki Vale). organiza el asesinato de Jack Napier que. cuando sea raptada por «The Joker».70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. convertido en «The Joker». DURACIÓN: 126 minutos. el personaje interpretado por Jack Nicholson. un ser deforme y trastornado. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). será precisamente Batman quien acuda a su rescate. El jefe del hampa. en última instancia. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. Cari Grisson. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. tratará de vengarse de Grisson. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. o al menos parte de ella. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. haciendo gala de una gran astucia. seguramente. Billy Dee Williams (Harvey Dent). Pat Hingle (Inspector Gordon). Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). hizo que Hollywood . Dadas las expectativas despertadas. «The Joker» reta a Batman a un duelo. Antón Furst. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. la obtención de un Osear. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. La película fue objeto de una comercialización. utilizando personajes creados por Bob Kane). DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. ignorando que éste posee una doble personalidad. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. caerá en una cuba de productos químicos. MÚSICA: Danny Elfman. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Argumento Gotham City. Napier sobrevive y.. su director. Bruce Wayne. canciones de Prince. 1989 DIRECTOR: Tim Burton.

finalmente. DURACIÓN: 97 minutos.. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. Sara Haden (Flora). La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. como para darle demasiada importancia.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. 1942). GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. James Stewart (Alfred Kralik). Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. Heymann. Rubottom. Argumento Budapest. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. el verdadero adúltero es despedido. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. finura y elegancia visual. Frank Morgan (Hugo Matuschek). che en que se dispone a conocer a su amada. MONTAJE: Gene Ruggerio. no recogida en los títulos de crédito. Alfred Kralik. otras como Robin Hood. la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. de Ben Hecht).72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. con la colaboración. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa.UU. ahora como jefe de tienda. 1997). Félix Bressart (Pirovitch). FOTOGRAFÍA: William Daniels. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. Kralik protesta y es despedido.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. 1992). de Nikolaus Lazslo. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. se siente a disgusto con ella. uno de los empleados. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). B/N.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. una combinación de ingenio. PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). para evitar caer en el precipicio del mal gusto. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. MÚSICA: Werner R. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch».

el Cinemascope. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. se compadeció de él. Antes de morir. La túnica sagrada (The Robe. 1959 DIRECTOR: William Wyler. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. de Christopher Fry. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción.. en consecuencia. DURACIÓN: 217 minutos. en particular. que. Ben-Hur EE. Stephen Boyd (Messala). Argumento Jerusalén. Robert Z. una pareja que. entre las que se cuentan. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. Más adelante. no recogida en los títulos de crédito. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. Leonard haría una nueva versión de la película. éstas se han curado milagrosamente de su mal. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. She Loves Me. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. Technicolor. del general Lew Wallace). Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. MONTAJE: Ralph E. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. Horning y Edward Carfagno. N. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. en cierta ocasión. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. Jack Hawkins (Quintus Arrius). y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). Behrman y Gore Vidal. S. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). MÚSICA: Miklos Rosza. . 1953). un antiguo amigo de la infancia. Maxwell Anderson. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. Winters y John Dunning. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. Martha Scott (Miriam). Varios años más tarde. La fastuosa producción de la Fox.UU. mientras asiste a su crucifixión. en represalia. reconoce en él al hijo de un carpintero que.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. Haya Harareet (Esther).

en un primer momento. Harry Stockwell (Príncipe Encantador). a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. la Reina cae por un precipicio y perece. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). aquélla ordenará su muerte. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. Y todos vivieron felices y comieron perdices. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Dorothy Ann Blank. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. la convence para que se coma una manzana envenenada. Lucile La Verne (La Reina). Dick Richard. Disfrazada de vieja bruja. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. PRODUCCIÓN: Walt Disney.. . Perseguida por los enanitos. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. hasta que.UU. Sin embargo. recibe la visita del Príncipe Encantador. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. la Reina visita a Blancanieves y. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. Terrel Stapp. Gustaf Tenggren. 1937 Walt Disney. Kenneth Anderson. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi.y aunque. GUIÓN: Ted Sears. Richard Creedon. Tom Codrick. Destaca en ella la dirección de William Wyler. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. con engaños. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. Harold Miles. 1956). Otto Englander. Earl Hurd. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. MÚSICA: Frank Churchill. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. Rodada en Italia durante un período de diez meses. Billy Gilbert (Alérgico). En 1925. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón).76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. un buen día. DURACIÓN: 83 minutos. Hugh Hennesy. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. Argumento Criada por un reina perversa. McLaren Stewart. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. 1956). Kendall O'Connor y Hazel Sewell. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. Moroni Olsen (Espejo mágico). una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. Paul Smith y Larry Morey. Leigh Harline. Incapaz de cumplir semejante orden.

Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. el cazador y el Príncipe Encantador. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). satisfacen las ansias de fama de Bonnie. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. W. Argumento Aburrida de la vida provinciana. Denver Pyle (Frank Hamer).78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». J. caso de Blancanieves. con contribuciones. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. a la vez. la película había costado 1. durante las Navidades de 1937. Pollard (C. utilizó 250. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. Sin embargo. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. y su esposa.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. En 1934. Moss). poco a poco.500. Moss. muy importantes. MONTAJE: Dede Alien. tanto de los personajes humanos de corte «realista». en . el hermano de Clyde.. Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. sin embargo. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. como de los enanitos. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood. MÚSICA: Charles Strouse. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. Obra llena de innovaciones y. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades.000 dólares. Faye Dunaway (Bonnie Parker). anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. W.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. que le promete un emocionante futuro. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). Bonnie Parker. y de Buck. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. Gene Wilder (Eugene Grizzard). del que le hizo entrega Shirley Temple.500. entretenimiento mágico y musical de primer orden. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. y. una camarera. En compañía de C. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. DURACIÓN: 111 minutos. no recogidas en los títulos de crédito. Estelle Parsons (Blanche). como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. de Robert Towne. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. un mecánico. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Gene Hackman (Buck Barrow).

se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. En un claro. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. para Ellen Parson. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. y a la mejor fotografía. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. Natalie Wood. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. corrupto. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. Carol Lynley. Buck muere y Blanche queda ciega. más bien. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. . antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. Comentario Una de las películas clave de su época. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. con frecuencia.

Bob Hope y Dorothy Lamour. entre los personajes de series como TheRoad to. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. de la extensa serie Carry on. más tarde. Walter Matthau y Jack Lemmon. En cuanto a la situación en el Reino Unido. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. Si bien otras parejas. sin embargo. En cualquier caso. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). fue el de Harold Lloyd. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. en parte similar. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. llena de calidez y buen humor. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. protagonizada por Bing Crosby. 1988). cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. en compañía de la propia Hepburn. Doris Day y Rock Hudson.. y. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. por ejemplo. Judy Holliday. siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. Junto a Grant y Hepburn. Si Billy Wilder. éste no obtendría renombre internacional hasta que. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. su repudio del sentimentalismo. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. iniciadas con Annie Hall (1977). el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). cuyo más famoso personaje. ejercerían una gran influencia en el género.. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. Un caso. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. Durante muchos años. Tony Curtís. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. una vez concluida la guerra. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas.82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. la relación. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. Hoy en día. como la formada por Abbott y Costello. el desvalido y acrobático vagabundo.. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). como Sopa de ganso (Duck's Soup. y un largo etcétera.. No obstante. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. 1949). la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. . 1933) y Una noche en la Ópera (1935).. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams.

que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. al campo y a un restaurante. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. De vuelta a su casa. tras un nuevo encuentro fortuito. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. una mujer casada de clase media. 1945 DIRECTOR: David Lean. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. Alee Harvey en la cafetería de la estación. más adelante. En este sentido. Calthorp. típicamente británica y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L.84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. actor y celebridad. la visita de la pareja al cine. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). Stanley Holloway (Albert Godby. quedarían para ir juntos al cine y. Francke. Cyrill Raymond (Fred Jesson). Joyce Carey (Myrtle Bagot). DURACIÓN: 85 minutos. Williams y G. 1970). acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. guardia de la estación). produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. Como era de prever. al parque. Trevor Howard (Dr.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. al encontrarse con unos viejos amigos. Laura Jesson. de ser nominada por la Acade- . MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. B/N. Luego. StillLife). Margaret Barton (Beryl Waters). FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. y bastante más conmovedora. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. GUIÓN: David Lean.la película de David Lean. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. resulta mucho menos premeditada. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. Breve encuentro consiguió también la hazaña. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. es abandonada por el Dr. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. Consternada. P. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. más en concreto. Alee Harvey). como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. E. contempla la posibilidad de suicidarse. de sus clases medias. relativamente rara para una película británica. Breve encuentro.

Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. que han obtenido mediante la venta de drogas. sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. Llegan a un pueblo. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). Más tarde serán atacados por el sheriff. Fiantes ofPassion (1990). 1969 Dennis Hopper. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. Mac Mashourian (Guardaespaldas). Dennis Hoppery Terry Southern.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. un abogado alcohólico. GUIÓN: Peter Fonda.UU. DURACIÓN: 94 minutos. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. la postura antisistema. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre.. Deciden seguir por carretera hacia Florida. Argumento Bien provistos de fondos. la versión televisiva. rirá apaleado. Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. el rock. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. donde su presencia no es bien recibida. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas.y los de la mayoría. Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. recogen a un par de chicas de un burdel. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson. MONTAJE: Donn Cambren. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. Jack Nicholson (George Hanson). los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. Los dos motoristas siguen su camino. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive.y tienen un mal viaje de ácido. Phil Spector (Contacto). regresa para matar también a Wyatt. En 1974. era el principal componente del público que asistía al cine. de Richard Kwietniowski. y Hanson mo- . MÜSICA: Varios. por otro lado. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. sólo en los Estados Unidos. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda).

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. parece estar inexorablemente predeterminado. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. en el Périgord. junto a él. Popaul se suicida. decide mantenerlo oculto. De entre el bullanguero gentío. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. De hecho. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). pero. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. Antonio Passalia (Angelo). MÚSICA: Pierre Jansen. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. el enfrentamiento entre la maestra. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. completamente opuesta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. como desearía Popaul. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. el carnicero. sin embargo. que. en esta ocasión. la sofisticada pero distante Héléne. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. Pasquale Ferone (Padre Charpy). MONTAJE: Jacques Gaillard. que rápidamente esconde. o de haberle. GUIÓN: Claude Chabrol. En El carnicero. por lo menos. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. del posterior fu- . ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. según la cual. pero con un lado oculto atávico y brutal. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. como sucede. Héléne descubre el cadáver de una joven y. y el carnicero Popaul. más como víctima que como asesino. tras el cual.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. Roger Rudel (Inspector de policía). le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. la maestra de la escuela. Chabrol. Ella le regala un mechero. un ser dulce y atento. al hacerlo. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. y Popaul. Jean Yanne (Popaul Thomas). encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. William Guérault (Charles). 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. por ejemplo. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. un mechero. Mario Beccaria (Léon Hamel). aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. una sobria historia de amor con tintes trágicos. y no amor. Comentario Chabrol. dejando a la maestra sola con su culpa. Su verdadera culpa. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. DURACIÓN: 94 minutos.

Daniel Gerroll (Henry Stallard). Harold Abrahams. Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. pero enormemente pegadizo. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». un ambicioso atleta. un tema musical algo anacrónico. representando al Reino Unido. GUIÓN: Colin Welland. Aunque esta amenaza. Finalmente. llevado en volandas por su fe. siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. el hijo de un misionero. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. 1919. proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. La película.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. Liddell correrá los 400 metros y. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. Ian Holm (Sam Mussabinni). Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. El expreso de medianoche (Midnight Express. . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. Al negarse a correr en Sabbath. MONTAJE: Terry Rawlings. incluidos los de mejor película y mejor canción original. DURACIÓN: 123 minutos. Nick Farrell (Aubrey Montague). Argumento Cambridge. un publicista reconvertido en cineasta). Ian Charleson (Eric Liddell). 1978). el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. del que Liddell sale vencedor. por delante del norteamericano Scholz. Nigel Havers (Andrew Lindsey).con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. que vienen los británicos». Entre tanto. The Foxes (1980). fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. proferida con ferviente entusiasmo. MÚSICA: Vangelis. que ganará Abrahams. a su vez. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». en Escocia. FOTOGRAFÍA: David Watkin. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). los ganará en un tiempo récord. Nominada para siete premios de la Academia. que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. y ganadora de cuatro de ellos. las hazañas atléticas de Eric Liddell. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros.

Paul Henreid (Victor Laszlo). Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. fue nominada para un Osear).UU. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. los orígenes de la película no era muy prometedores. pero éste. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. MÚSICA: Max Steiner. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. de Murray Burnett y Joan Alison). delicadamente siniestro. parecían indicar una situación de declive inexorable. Claude Reins (Capitán Louis Renault). Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. GUIÓN: Julius J. sin embargo. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. B/N. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). en un principio. a América. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. de Rick. como los niveles de calidad artística. dos visados de tránsito caen en sus manos. DURACIÓN: 102 minutos. Peter Lorre (Ugarte). lleno de oficio. lo cual le convierte en objeto de especial interés. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. propiedad del cínico Richard Blaine. Ésta había sido antes la amante . que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. Conrad Veidt (Mayor Strasser). tanto las estadísticas de producción. Wallis). la fe en la industria autóctona tras una década en la que. aunque fuera momentáneamente. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. Casablanca EE. Hoy en día. desde allí.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. MONTAJE: Owen Marks.. y Phillip G. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. su esposa. cuya interpretación de un jefe de policía. Como se ve. al conseguir restaurar. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. no pare de crecer. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Ingrid Bergman (Usa). Inesperadamente. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración.

Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. último día de la Segunda Guerra Mundial. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. lo que aviva aún más sus dudas. Ewa Kryzjewska (Krystyna). La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. de emular a Bogart. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. Andrzej Wajda. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. recibe la orden de matar a Szczuka. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). B/N. a su vez. Argumento Polonia. «Tócala otra vez. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. Stanislaw Milski (Pieniazjek). 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. etc. del régimen comunista de posguerra. Mientras espera en un hotel. . MONTAJE: Halina Nawrocka. DURACIÓN: 105 minutos. pasa la noche con Krystyna. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. igualmente oscura. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. el antihéroe desencantado.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. y a la aspiración. Adam Pawlikowski (Andrzej). 1972). muchacho». nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. La película completó una trilogía informal. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular.)> o la inolvidable As Time Goes By. Bogumil Kobiela (Drewnowski). Tras leer una inscripción en un cementerio. una mujer que acaba de conocer. Sam». nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). se despiden. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). en cierto modo. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Jan Ciecierski (El portero). Maciek. muy generalizada. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. Woody Alien rindió homenaje a la película. y Cenizas y diamantes. recibe el disparo de un oficial borracho. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. Por otro lado. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo.

Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). DURACIÓN: 119 minutos. la chica tiene que enfrentarse a Edward. Cuando el combate concluye. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. Samuel Johnson Clayton). Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. FOTOGRAFÍA: Winton C. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. Natalie Wood (Debbie Edwards).UU. Ward Bond (Capellán castrense. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. Vera Miles (Laurie Jorgensen). Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. a su vez. cuando por fin encuentran a Lucy. V. y. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie.. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. MÚSICA: Max Steiner. se encuentra muy próximo al estado salvaje. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. PRODUCCIÓN: C. En el camino. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. 1956 DIRECTOR: John Ford. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. Cooper y C. gers cuando los comanches asalten el rancho. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. VistaVision. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. Technicolor. GUIÓN: Frank S. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. pero que. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). Sin embargo. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. MONTAJE: Jack Murray. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . Whitney). la mate. Hoch. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. John Qualen (Lars Jorgensen).resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. finalmente. Nugent (basado en una novela de Alan Le May). que. V. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. tras asesinar a todos los adultos. Whitney (Merian C.

cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. Gracias a Alfredo.106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. se enamorará de una chica. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. Salvatore rodará un documental. Si. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. que también trata del pasado del cine. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. . en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. con toda la vida salvaje). El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. en el operador del cine. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). Argumento El fallecimiento de su mentor. MONTAJE: Mario Morra. espacial y psicológica. además. No obstante. sus implicaciones van más allá y lo convierten. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. el legado de Alfredo. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. en este caso. 1977). Mario Leonardi (Salvatore adolescente). Su regreso está teñido de tristeza. por otro.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. Pupella Maggio (María). finalmente. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. Durante su adolescencia. él mismo se convirtió en sus ojos y. que era el proyeccionista de la sala. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). por extensión. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. MÚSICA: Ennio Morricone. Agnese Nano (Elena). A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. por un lado. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. Alfredo. sólo que. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). Salvatore Cascio (Salvatore niño). 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y.

Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. . Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane).UU. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. Dorothy Comingore (Susan Alexander). fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. B/N. ultramodernas e impersonales salas multicines. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. (Orson Welles). de los niños revoltosos. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». Mankiewicz y Orson Welles.K. GUION: Hermán J. Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. Joseph Cotten (Jedediah Leland). la mansión del magnate. interrogando a sus antiguos amigos y empleados. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. Se divorcia y se casa con Susan. 1941 DIRECTOR: Orson Welles.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. Gettys).. George Colouris (Walter Parks Thatcher). PRODUCCIÓN: Mercury para la R. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. Bernstein). pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración.O. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. Darrell Silvera y Hilyard Brown. Mientras el periodista deja Xanadú. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. MÚSICA: Bernard Herrmann. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Everett Sloane (Mr. Kane morirá en la más absoluta soledad. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. Más tarde. Ray Collins (James W. DURACIÓN: 119 minutos. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. más que de lamento. Agnes Moorehead (Madre de Kane). de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. Un periodista tratará de descubrir su significado.

en su lugar. por ejemplo. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. La película. Joe. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). una película de 1933. el gran magnate William Randolph Hearst. Antiguo niño prodigio. B/N. haciéndose pasar por un rico playboy. planos cortos y primeros planos. corteja a Susan. MÚSICA: Adolph Deutsch. la cantante de la banda. Thoeren y M. Orson Welles fue contratado por la R. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres.K. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. 1959 Billy Wilder e I. que ansia conocer el verdadero amor.UU. Argumento Año 1929.. Pat O'Brien (Mulligan).110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. A. Joan Shawlee (Sweet Sue). En Miami Beach. ante todo. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. se sentirá atraído por «Daphne». granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. productor. le había valido grandes elogios. Logan). dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». basada en el montaje de una sucesión de planos generales. La celebración de una . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. Joe E. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. tanto en los escenarios como en la radio. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. DURACIÓN: 120 minutos. y apostando. Osgood Fielding III. según la cual. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). Si su admirada estructura. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. George Raft (Spats Columbo). Ciudadano Kane fue. Durante sus dos primeros años en los estudios. en 1939. USA». Desechando la puesta en escena convencional. Entretanto. Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. Brown (Osgood Fielding III). Joe y Jerry. Diamond (inspirado en un relato de R.O. GUIÓN: EE. un millonario que colecciona matrimonios. Sin embargo. Tony Curtís (Joe/Josephine). MONTAJE: Arthur Schmidt. perdido en el inmenso vacío de su mansión). está basada en un personaje real. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. por una compo- sición en profundidad en cada encuadre.

vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. MÜSICA: Michael Nyman. Sin embargo. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. Herbert.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. lo que se ve en la pantalla es pura magia. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». MONTAJE: John Wilson. Talmann). 1932). El papel de su compañero. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. Inglaterra. le fue asignado a Tony Curtis. Neville). cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. Dave Hill (Mr. DURACIÓN: 108 minutos. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. entre ellos los de mejor director y mejor actor. Noyles). una agilísima modulación rítmica. el terror del hampa (Scarface. Irma la dulce (Irma La Douce. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). razones de índole comercial. una dama de la aristocracia. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. Talmann). .1972). Con todo. Herbert). disminuyeron las presiones. David Gant (Mr. Herbert). Neil Cunningham (Mr. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Sin embargo. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. Más adelante. Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. GUIÓN: Peter Greenaway. Joe. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. No obstante. Billy Wilder. Seymour). PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». para Jack Lemmon. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. 1694. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. Janet Suzman (Mrs. Argumento Wiltshire. y garantía segura de diversión. su guionista y director. Anne Louise Lambert (Mrs. El pintor Neville es contratado por Mrs. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. Sin embargo. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. Hugh Fraser (Mr. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad.

que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. la película es un intrincado juego conceptista. Finalmente. infrecuentes en una cinematografía como la británica. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. Harrison Ford (Martin Stett). pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. la hija de los Herbert. Neville exige que Mrs. Derek Jarman o Ken McMullen. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. A fecha de hoy. Neville coquetea también con Mrs. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). Herbert en el foso. a partir de ese momento. MÚSICA: David Shire. al regresar para realizar un postrer dibujo. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. MONTAJE: Richard Chew. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. algo a lo que ella consiente. Talmann. aunque sea de forma paródica. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). Talmann. DURACIÓN: 113 minutos. es cegado y dado muerte. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. Alien Garfield (Bernie Moran). El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. John Cázale (Stan). el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. que. se descubre el cadáver de Mr.UU. el cual. como. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. que. Cindy Williams (Ann). la película. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. Según la propia descripción de su director. La familia le echa las culpas a Neville. la iconografía y la música de Michael Nyman. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. mucho más fragmentarias y viscerales. GUIÓN: Francis Ford Coppola. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. Con todo. entendida como ejercicio cinematográfico. por lo general. 1974 Francis Ford Coppola. Frederic Forrest (Mark). Como condición para realizar el trabajo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. suele desconocer la obra de otros realizadores. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. por ejemplo. ..

Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). la redención y la alienación contemporánea. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. Por otro lado. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». el director de la misma. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. En las oficinas de la empresa. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. No obstante. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. hasta entonces. La conversación. sin embargo. en algún momento. a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. que. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. la película también permite que Hackman. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. la culpa personal. . Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. constituye. en el transcurso de tan sólo dos horas. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). Aunque su trabajo ya ha concluido.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. una de las películas más gratificantes de su director. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior.

en general. En estas últimas. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. 1946). 1950).118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. 1963). (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. Sábado noche. que se plantea la posibilidad de suicidarse. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. de hecho. el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. de los pobres y. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. de actores no profesionales. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. y Umberto D (1952). el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. Ladrón de bicicletas (1948). domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. A pesar de todo ello. más tardíamente. El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. un film compuesto de varios episodios. Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. su última película juntos. el neorrealismo fue. la fantasía alegórica.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). un acontecimiento que. En los Estados Unidos. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. dirigido asimismo por Rossellini. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. caso de La regla deljuego (1939). 1989). siempre que ello fuera factible. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. 1978). Cain. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas.1947) y. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. en el movimiento del Free Cinema británico. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. ciudad abierta (1945). un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. en sentido estricto. .

B/N. decidirá permanecer al lado de Norma. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. En cuanto al papel de la actriz principal. entre ellas. celosa. el escritorzuelo necesitado de recursos. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. pero Norma. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). FOTOGRAFÍA: John F. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. eran similares a las suyas. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt.UU.. Mary Pickford. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. GUIÓN: Billy Wilder.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. le matará de un disparo. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. Pola Negri. aunque afortunadamente no su temperamento. está salpicado de humor negro. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. Gillis continúa viendo a Betty. en el papel de su antiguo mentor. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. Charles Brackett y D. M. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. que le anima a que siga con su propio trabajo. a pesar de lo cual. Nancy Olson (Betty Schaefer). De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. exmarido y actual sirviente. Mientras se la llevan arrestada. DURACIÓN: 110 minutos. Norma visita a Cedí B. MÚSICA: Franz Waxman. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. Cuando Gillis trate de abandonarla. Argumento El guionista Joe Gillis. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. fue un gran acierto. revelará que es un mantenido. e incluso Mae West. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Max. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. Sin embargo. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. 1950 Billy Wilder. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). una lectora de guiones. INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). Fred Clark (Sheldrake). así como la de Erich von Stroheim. precisamente. Marshman júnior. Seitz. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. Su guión. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. Gloria Swanson (Norma Desmond). La elección de Swanson. Lloyd Gough (Morino).

Años más tarde. Tim Holt (George Amberson Minafer). mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino.O. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. Tras un accidente en el que está a punto de morir. una novela de Booth Tarkington. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. Jack Moss y Mark Robson. Sin embargo. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. Nilsson y H. Warner. 1942 DIRECTOR: Orson Welles.. que se la llevará a Europa. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez .K. Nominada para once Osear de la Academia. Anne Baxter (Lucy Morgan). DURACIÓN: 88 minutos. C. B/N. la película tan sólo obtuvo tres de ellos. La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. llegaran a su fin. Ray Collins (Jack Amberson). Fields como protagonista. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. Isabel sufre un ataque al corazón. Agnes Moorehead (Fanny Amberson). acaudalado Wilbur Minafer. el de mejor guión. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. el indolente hijo de Isabel.UU. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. (Orson Welles). Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. MÚSICA: Bernard Herrmann. podrá contar con ayuda. con W. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. MONTAJE: Robert Wise. se descubre que las arcas de la familia están vacías. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. Anna Q. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. en el futuro. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). B. mejor dirección artística y mejor banda sonora. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. Por otro lado. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. tanto a nivel individual como en conjunto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. que se casa con el .

K. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost.K. a raíz de ello. en su papel de narrador omnisciente. entre tanto.». sin embargo. DURACIÓN: 96 minutos. de 131.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. La película. B/N. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. se produjo un cambio en la dirección de la R. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. Argumento Japón. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. un fantasma. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. con tan mala suerte que. finalmente. MONTAJE: Mitsuji Miyata. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True.250. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. constituía toda una declaración de principios. Masayuki Mori (Genjuro). FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. Mitsuki Mito Ohama. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). se dedica a la prostitución en un burdel. Tras haber dejado montada una versión completa. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. durante su ausencia. esposa de Genjuro). esposa de Tobei). un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. donde. primero con un metraje de 148 minutos y. En cuanto a Tobei. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista.000 dólares frente a una inversión de 1. A pesar de ello.O. incluido el de mejor película. es violada por unos soldados y. Kinuyo Tanaka (Miyagi. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). en el siglo xvi. Sakae Ozawa (Tobei). Su mujer. Tras asistir a un pase previo de la película. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. Por su parte. Welles.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos.000. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito.que le encierra en una tierra encantada. . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. 500. El eslogan de la nueva dirección. la encontrará su marido. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. finalmente.O.

le ocurre a su cuñado Tobei. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. ignorando los sentimientos de Cyrano. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. A ojos de un occidental. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. en lugar de constituir dos entidades divergentes. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. 1640. La belleza casi pictórica de sus imágenes. Argumento París. una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. Jacques Weber (Conde De Guiche). donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. Cyrano de Bergerac Francia. DURACIÓN: 138 minutos. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. A su vuelta. y lo mismo. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . pero. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. Pronto la pareja se casará y. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Christian es herido de muerte. Anne Brochet (Roxane). este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. se le muestra un mundo distinto. supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. el espadachín y poeta. guiado ahora por el fantasma de su esposa. aunque de distinta manera. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. MÜSICA: Jean-Claude Petit. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. A lo largo de la película. Al principio. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. Ésta. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. Roland Bertin (Ragueneau). se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. por lo general sigue considerándose una obra maestra. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. como si las dos realidades. MONTAJE: Noelle Boisson.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. Philippe MorierGenoud (Le Bret).

J. sin duda. Barbara Nichols (Rita). Sam Levene (Frank D'Angelo). FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. un músico de poca monta. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. DURACIÓN: 96 minutos. Jean-Paul Rappeneau. en su versión inglesa. la adorada hermana de Hunsecker. Posteriormente. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. humorista. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época.que engloba la personalidad de Cyrano.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. Hunsecker. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. J. B/N. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. por otro lado. Marty Milner (Steve Dallas ). y Steve Dallas. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. la única opción posible para interpretar a Cyrano. Argumento Sidney Falco. Tony Curtís (Sidney Falco). Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra.UU. soldado y personaje trágico. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. MONTAJE: Alan Crosland júnior. En colaboración con Jean- Claude Carriére. El éxito de esta película. no deja de ser bastante convencional. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». un agente de prensa sin principios. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess. MÚSICA: Elmer Bernstein.. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. cuyo estilo. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . sino también a la destreza con que su director y coguionista. Depardieu era. Hunsecker). J. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. tras lo cual se retira a un convento. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. Susan Harrison (Susan Hunsecker). el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. Años más tarde.

se las arregla para que J. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. J. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. J. ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. J. 1967). lo cierto es que. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. Por su parte. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. Stewart Campbel. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. FOTOGRAFÍA: John A. contrata al detective J. DURACIÓN: 131 minutos.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. Susie. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. que cuando fue realizada. Sin embargo.. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. en represalia. Chinatown EE. 1937. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. Gittes para que . seguramente. John Huston (Noah Cross). y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. Ida Sessions. Perry López (Escobar). Argumento Los Ángeles. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. gracias a esta película. J. John Hillerman (Yelburton). J. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. MÚSICA: Jerry Goldsmith. GUIÓN: Robert Towne. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. mientras que las cuestiones que plantea. Será a Falco a quién J. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). Gittes). se le promete que podrá escribir la columna de J. 1951). 1955) y Trapecio (Trapeze. 1956). Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. Como recompensa. MONTAJE: Sam O'Steen. haga arrestar ahora por un cargo de drogas. Con posterioridad. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. son más actuales hoy en día. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). 1959). 1974 DIRECTOR: Román Polanski. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman.UU. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. cuando éste se encuentre de vacaciones. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. Alonzo.

J. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. donde Evelyn muere. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. concedido al siga a su marido. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. especialmente. Katherine. la hija y la hermana de Evelyn. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. son atrapados en Chinatown. aunque caballeroso detective. Robert Towne. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. a un tiempo. mientras que Katherine resulta ser. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski.y el de la compleja Evelyn Mulwray. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. por entonces la mujer de Evans. el vicepresidente de la Paramount. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. El guionista y antiguo policía. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. tuvo que conformarse con un solitario premio. La película. . Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. de Faye Dunaway. aparecen en un periodicucho sensacionalista. J. creando los personajes del cínico. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. al haber sido ésta violada por Cross. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. concebido en un principio para Ali McGraw.

sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. partiendo de un reparto plagado de estrellas. Por su parte. hasta entonces prohibidas-. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. Montgomery Clift (Cabo Robert E. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. el jefe de la Columbia. un recién llegado al cuartel. Prewitt. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. Two Jakes (1990). La muerte de Maggio. Warden. De aquí a la eternidad es una obra que. Frank Sinatra (Angelo Maggio). y no Fred Zinnemann. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. B/N. cuartel de Schofield. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. ambientada en 1959. Donna Reed (Lorene). Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». MONTAJE: William Lyon. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. con Karen Holmes. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. el Sargento de la prisión militar. envueltos por las olas. como Aldo Ray o John Derek. Honolulú. le hacen el vacío. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. DURACIÓN: 118 minutos. Argumento Año 1941. Tras muchas demoras y problemas. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler).. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. una prostituta. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). pide su readmisión en el ejército. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. la desengañada esposa del comandante. a pesar de los años. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne.UU. MÜSICA: George Duning. Embarcadas en el mismo barco. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. basado en una novela de James Jones). Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. en cuya tercera parte. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. Deborah Kerr (Karen Holmes). De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. Prewitt se enamora de Lorene. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden).134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. todos sus compañeros. A consecuencia de ello. Lee Prewitt).

a la que él mismo había matado. Madeleine. Ella se reconoce culpable y le declara su amor. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. En cuanto al personaje de Maggio. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). pero mientras visitan juntos una vieja misión. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. Bert Allenberg: «Habráse visto.500. tirándola desde lo alto del campanario. Gavin Elster. Barbara Bel Geddes (Midge). DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. Tom Helmore (Gavin Elster). Argumento Al descubrir que padece acrofobia. hicieron que finalmente se le concediera el papel. MÚSICA: Bernard Herrmann. conoce a Judy Barton.000 dólares. Raymond Bailey (El doctor). . por detrás de La túnica sagrada. un antiguo amigo. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. con la impresionante cifra de 12. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. a la que siguió una serie.000 dólares como remuneración. «Scottie» se enamora de ella. aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. Nominada para trece Osear. cae al vacío y muere. Cuando «Scottie» lo averigua. asustada por la súbita aparición de una monja. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. MONTAJE: George Tomasini. había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). pero. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Con respecto al principal papel femenino.UU. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. y.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. DURACIÓN: 128 minutos. Henry Jones (Juez de instrucción). Judy. En 1979. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. le contrata para que siga a su mujer. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. unidos a su aceptación de unos miserables 8. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton).. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. en realidad. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. De entre los muertos VÉRTIGO EE.

aunque no se reconociera así. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. está incurriendo en necrofilia». MONTAJE: Ralph E. Cada uno sigue su camino por separado. que se une a la búsqueda. «Miss Torniquetes». no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales.m. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. por lo tanto.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. GUIÓN: EE. ocurre. y se pone a seguirla. Ann Miller (Claire Huddesen). el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. su peinado. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. y que. Los marineros Gabey. también. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales.UU. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). DURACIÓN: 98 minutos. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. Moore. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. Gabey entrevé a la chica de un póster. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. Willis y Jack D. Vera-Ellen (Ivy Smith). 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. Gabey localiza a su chica.1973). INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. Chip conoce a Brunhilde.. una taxista. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. sin embargo. Un éxito fruto del trabajo en equipo. con el título de Fascinación (Obsession. Argumento Brooklyn. Jules Munshin (Ozzie). Jack Marín Smith. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. Frank Sinatra (Chip). MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. .138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. El director. etc. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. 6 a. una estudiante de antropología. La película. Edwin B. en referencia al papel que interpreta Stewart. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. Sin embargo. Winters.

John Carradine (Hatfield). La pandilla la sigue en un taxi robado. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). su música y sus bailes. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. Por otro lado. Mientras se despiden en el muelle. de Ernest Haycox). DURACIÓN: 97 minutos. Donald Meek (Samuel Peacock). INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). La película.. MONTAJE: Otho Lovering. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. 1939 DIRECTOR: John Ford. Con todo. Thomas Mitchell (Dr. W. Franke Harling. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. Andy Devine (Buck). especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York.UU. donde filmaron el número del principio y el final de la película. en vez de detener el desarrollo de la trama. GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. menos aún. sale huyendo. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. una bailarina de ballet. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. MÚSICA: Richard Hagerman. que. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. Claire Trevor (Dallas). seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. mientras la policía les va pisando los talones. La diligencia STAGECOACH EE. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). John Leipold. Finalmente. un fugitivo de la justicia que busca a los . avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. Josiah Boone). Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. abrió nuevos caminos en diversas áreas. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. B/N.

Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. como el racismo y los valores morales de la sociedad. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. a la que ha conquistado con su caballerosidad. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. Finalmente. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. es atendida por Boone. una elección que le produjo numerosos contratiempos. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. David O. que se encuentra en trance de dar a luz. una de las pasajeras. la Señora Mallory. gracias al respaldo de Walter Wanger. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. . junto a Tierra de audaces (Jesse James). No obstante. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. De hecho. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. acusado de desfalco. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. el banquero Gatewood es arrestado.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. durante el cual. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. un doctor aficionado a la bebida. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. y por Dallas. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. un jugador de nombre Hatfield. prosiguen su viaje. y toca una serie de aspectos. uno de los estrenos del año 1939 que. Una vez en Lordsburg.Ringo Kid dará muestras de su valor. ante todo. como puede apreciarse. un productor independiente. en la vibrante secuencia de la persecución. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. una prostituta.

ya a finales de la década. de nuevo Gene Kelly. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. 1952) y Melodías de Broadway (1953). como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. la Liza Minelli de esta última película y de New York. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. hasta Alice Faye y Bing Crosby. Sin embargo. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. el canto y la danza. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. Bette Midler con La rosa (The Rose. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland.144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. Ira Gershwin y Colé Porter. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). 1979) y Ayer. mientras que fueron. no obstante. 1929). Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. precisamente. por su condición de primera película hablada. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. 1977) y Grease( 1978). Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. 1947). el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. Inexplicablemente. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. 1974). esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. Excepción hecha de unas cuantas películas. no es de extrañar que. afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). . muchos y muy variados talentos. 1991). Deanna Durbin y. 1936). dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. en los primeros momentos del cine sonoro. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. 1944) y El pirata (The Pírate. 1968) y Cabaret (1972). cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. hoy y por siempre (For the Boys. Los años treinta produjeron. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. a cual más descerebrada. o que. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). Aunque esta moda fue pasajera. con sus populares operetas.

y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. Poco a poco irá minando su seguridad.UU. un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. G. Martin Balsam (Jurado n. efectivamente. DURACIÓN: 96 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet.adquiriera dinamismo y fluidez. Henry Fonda. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta.° 4). El veredicto unánime será de no culpable.° 1). FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. Con Doce hombres sin piedad. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento.° 7). Cobb (Jurado n. Adaptado por Reginald Rose. o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras.° 3). Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- .. Marshall (Jurado n. partiendo de su propia obra televisiva de 1954. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. como director.146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. desde hace mucho tiempo. MONTAJE: Cari Lerner. lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta.° 8). y Sidney Lumet. en su doble vertiente de actor y productor. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. por lo tanto. Dado que abriga algunas dudas. MÚSICA: Kenyon Hopkins. nada frecuente. la película siga transmitiendo esa sensación. E. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). se debe a que sus actores dieron. accesible a cualquiera. B/N. Lee J. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. El hecho de que. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. Ed Begley (Jurado n° 10). como se aprecia en el hecho. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. Jack Warden (Jurado n. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. pasados más de cuarenta años.

G. incomprensible desde una perspectiva actual. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. Marshall. la sensa- El escándalo. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. MONTAJE: Leo Cattozo. Durante una noche loca. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. una especie de relato de las andanzas de un vividor. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo.han pasado a formar parte del lenguaje común. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). Yvonne Fumeaux (Emma). Alain Curry (Steiner). PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). 1960 Federico Fellini. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . La película.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. Anita Ekberg (Sylvia Rank). conviene no olvidar. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). Argumento Roma. matando a la vez a sus hijos. Marcello Rubini. Ennio Flaiano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. del sexo. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. el gacetillero que interpreta Mastroianni. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. B/N. mientras va de fiesta en fiesta. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. sin embargo. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. supuestamente explícito. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. Anouk Aimée (Maddalena). GUIÓN: Federico Fellini. entre ellas la de mejor película. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. MÚSICA: Niño Rota. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. Comentario La dolce vita Italia/Francia.

matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. ese magistral espectáculo que es Fellini. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. ocho y medio (1963). una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. el observador de la luna). idéntico al anterior. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. Gary Lockwood (Frank Poole). ni más ni menos. y se envía una nave para investigarlo. una circunstancia que. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). simulará un fallo mecánico. sin embargo. Leonard Rossiter (Smyslov). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. mantenidos en un estado de hibernación. según definición de su propio director. un ordenador infalible. Daniel Richter (Moonwatcher. tres compañeros. que. una odisea del espacio. y HAL. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. ciendo el miedo que les produce. Heywood Floyd). una película cuya temática aborda. MONTAJE: Ray Lovejoy. Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. William Sylvester (Dr. pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. se descubre enterrado en la luna un monolito. no deja de ser irónico que. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. que. unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. Johann Strauss. MÚSICA: Richard Strauss. Al acercarse a un monolito negro. Ya en el presente. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. que emite señales hacia Júpiter. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. DURACIÓN: 141 minutos. Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. Bowman continuará el viaje en solitario. provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. Douglas Rain (Voz de HAL 9000).250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. 2001. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. GUIÓN: Comentario Reino Unido. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». a medida que van ven- . INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman).

En 1984. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. Van Helsing. aunque inevitablemente decepcionante. Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. sin embargo. Christopher Lee (Conde Drácula). Drácula Reino Unido. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. Entretanto. eso sí. 2010. que vieron en ella «un viaje alucinante». . mucho más que en los propios personajes. 1958 Terence Fisher. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. Melissa Stribling (Mina Holmwood). DURACIÓN: 82 minutos. y comienza a estrechar su cerco sobre él. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. de forma magistral. había alcanzado los 11 millones. partiendo de un presupuesto que. En este sentido. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. Nominada para cuatro premios de la Academia. la bella prometida de Harker. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. que fue dirigida por Peter Hyams. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. abre de golpe las cortinas. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). se estrenaría su continuación. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. improvisado con unos candelabros. caerá víctima del Conde. Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón. una película inteligente y bastante accesible. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds).o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. MÚSICA: James Bernard. la esposa del hermano de Lucy. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. Carol Marsh (Lucy Holmwood). Michael Gough (Arthur Holmwood). un experto vampirólogo. encuentra una referencia al Conde. más adelante. Sin embargo. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. según se dijo. en última instancia. Justo antes de sucumbir a su voluntad. John van Eyssen (Jonathan Harker). y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. Odisea Dos (2010).

FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. le chupará un dedo del pie a una estatua. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. . Pierre Prevert. 1973). Sin embargo. B/N. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. Beethoven. A continuación. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. muy característico. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. unos obispos se hacen con el control de una isla.serie de secuelas que la siguieron. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. hasta el momento. el intrépido Van Helsing. tan sólo se había mostrado de forma velada. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). la forma tan espectacular en que fallece el Conde. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. en la que no se permite que nada altere la compostura social. en particular. algo que. de Bela Lugosi. DURACIÓN: 60 minutos. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. Tall. En un castillo medieval. En su autobiografía. Caridad de Laberdesque. Max Ernst. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. Dark and Gruesome. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. Mendelssohn. con toda lógica. entre tanto. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre.000 libras esterlinas. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. Wagner. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. Lya Lys (La mujer). José Antigás. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. 1956). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. Debussy. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. MÚSICA: MO- zart. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. la chica. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. Su gran éxito.

DURACIÓN: 115 minutos. la película se retiró de las pantallas parisinas y. Una semana más tarde. hasta destruir prácticamente el local. MÚSICA: John Williams. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. 1928) -conocido. por su escena inicial. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. Un perro andaluz (Un chien andalou. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). Marión. Karen Alien (Marión Ravenswood). Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora.UU. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. acompañado ahora de una jovencita. hasta 1979.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. John Rhys-Davies (Sallan). el no menos excéntrico Salvador Dalí. métodos y yuxtaposiciones. Acto seguido se oye un grito aterrador. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). Paul Freeman (Belloq). Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. El arqueólogo Indiana Jones. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. El resultado. Ronald Lacey (Toht). que aparecen en la película. al cabo de un rato. su enemigo mortal y aliado de . entre los que se encuentra el Duc de Blangis. en la casa de Dalí en España. sobre todo. parte en dirección a El Cairo. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). Los temas. Argumento Año 1936. sembrando así la semilla de su propia destrucción. MONTAJE: Michael Kahn. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. típicamente surrealistas. donde ésta será secuestrada por Belloq. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. y que. posteriormente.. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. volverá a aparecer. un personaje que evoca a la figura de Cristo. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. Denholm Elliott (Brody). donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. no volvió a estrenarse en Francia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley.

En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. le pisó el papel y lo hizo suyo. y el Arca vuelve a quedar sellada. y el director se entusiasmó con la idea. y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. Blackhawk y Sgt. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. Tras escapar. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. aparecen los nazis. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. . Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. 1984). al no hallarse éste disponible. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. durante unas vacaciones en Hawai. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. sin embargo. Libres al fin. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. 1985). Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. En cualquier caso. en este caso. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. Harrison Ford. Pronto. aunque respaldado. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. 1989). el Han Solo de Lucas. Con el personaje de Indiana Jones. Rock.

quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. 1973). un cineasta italiano. . el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. como Tom Mix y William S. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. No obstante. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). en Solo ante el peligro (1952). en 1939. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. Hart. así. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. Sin embargo. 1930). con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. una vez más. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. Sería. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. 1968). con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. conferiría a John Wayne el rango de estrella. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). aunque con cierto retraso. 1949). la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). Sergio Leone. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. 1946). rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. y si bien es cierto que. y La diligencia que. Clint Eastwood. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. que dirigió el propio Clint Eastwood. 1976). no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. Soldado azul (Soldier Blue. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. 1988). los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. 1924). 1950).I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. 1962) de John Ford. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. a lo largo de toda la época del cine mudo. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». Género inmensamente maleable. no obstante.

un planteamiento que. desarrollará de forma aún más elaborada en E. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. Alonzo. Don Jarel. y Barry es abducido. combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). William A. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. decidió encargarse él mismo de escribirla. les permitirá comunicarse con los alienígenas. En un primer momento.UU. en Wyoming. que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. Robert Hall. Por fin. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. pero. Fraker. Titulada en un principio. Roy Neary. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. entre ellos el propio Barry. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. Entre tanto. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. Richard Dreyfuss. había escrito un relato breve titulado «Experiences». PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). tras responder a los mensajes de paz. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. Dennis Muren y Richard Yuricich. cuando llegue el momento. GUIÓN: Steven Spielberg. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. Desde su más tierna infancia. Melinda Dillon (Jillian Guiler). Por su parte. posteriormente. un técnico de mantenimiento. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. (1982). El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. y muchos otros. que también han tenido encuentros similares. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. finalmente. Watch the Skies. MÚSICA: John Williams. Douglas Slocombe. Cary Guffey (Barry Guiler). Guiler. Francois Truffaut (Claude Lacombe). FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. Bob Balaban (El intérprete Laughlin).T. Dave Stewart. Allí aparece una gigantesca nave que. se encaminan a la Torre del Diablo. ya en 1970. la elección definitiva recaería en un actor más joven. tras el éxito cosechado por Tiburón. teniendo en cuenta que la película recaudó . el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que.162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. Teri Garr (Ronnie Neary). Neary. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. DURACIÓN: 135 minutos.. MONTAJE: Michael Kahn. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. Laszlo Kovacs. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975).

Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. B/N. que lleva puesto su traje de Pierrot. 1939). que se ha visto involucrada sin querer en un robo. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. Les enfants du paradis. Los dos amantes pasan su última noche juntos. Garance se ha convertido en la amante del Conde. Marcel Herrand (Lacenaire). Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). un amigo de Baptiste. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). Comentario Les enfants duparadis Francia. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. un rufián de los bajos fondos. donde conoce a Lemaitre. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. 1938) y Amanece (Lejourse leve. 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. Garance. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. finalmente. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. ha apuñalado de muerte al Conde. Spielberg sacó una nueva versión de la película. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. GUIÓN: Jacques Prévert. En 1980. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. en otras palabras. Años más tarde. Pierre Renoir (Jericho). del que se enamora. María Casares (Natalie). Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. INTÉRPRETES: Arletty (Garance). Les visiteurs du soir (1942). MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. a pesar de que la película fue . Un día la lleva al Grand Reíais. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. El muelle de las brumas (Quai des brumes. ignorando que Lacenaire. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. al que retará a un duelo. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. perseguida por Baptiste. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. basado en la obra de William Shakespeare. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. Esmond Knight (Fluellen). Leslie Banks (Coro). interpretada por el propio Laurence Olivier. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. DURA- CIÓN: 137 minutos. se convertiría en un auténtico hito. El 30 de octubre. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. y el drama regresa al Teatro del Globo. No obstante. donde se narra la historia de Enrique V. narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. Finalmente.000 hombres asedia el norte de Francia. Arletty.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. en el papel de Garance. MONTAJE: Reginald Beck. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. sería el Enrique Vde este último la obra que. inmediatamente. 1935). En realidad. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. sin sufrir un número de bajas importante. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. de que ésta se estrenaría después de la liberación. MÚSICA: William Walton. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. pero. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. Con un ejército de 30. La magistral obra de Carné. Renee Asherson (La princesa Catherine). y Como gustéis (As You Like It. Robert Newton (El viejo Pistol). escenarios al aire libre y combates. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. a la vez que traza. . INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). Comentario A la altura del año 1940. al frente de unas tropas exhaustas. Se firma un tratado de paz en Rouen. las dos familias reales se unen. 1936). Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. finalmente cumplida. obtiene una resonante victoria. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). las más sutiles emociones. entre ellas. en Azincourt. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. donde obtiene numerosas victorias. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. dramatismo. La interpretación de la actriz principal. con unas pinceladas extremadamente precisas. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. una mujer tan terca como independiente. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V.000 hombres.

la famosa arenga del Día de San Crispín. el poeta gitano Gringoire. la rescatará. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). B/N. MÚSICA: Alfred Newman. de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. (Pandro S. La película. que también tenía un compromiso con la M-G-M. En cuanto a los actores. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. Condenada a morir en la horca. Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. K. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. Esmeralda. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. Maureen O'Hara (Esmeralda). Berman). Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. Alan Marshall (Proebus). Vivien Leigh. Edmond O'Brien (Gringoire). 1939 DIRECTOR: William Dieterle. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. Proebus. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro.UU. DURACIÓN: 115 minutos. Con todo. O. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). Cuasimodo. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras.. el capitán de la guardia. FOTOGRAFÍA: Joseph August. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. finalmente. aún ligada por contrato a David O. la adapta- . muere. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. Selznick. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». mientras que Robert Donat. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. Thomas Mitchell (Clopin). que le ofrecerá refugio en la catedral. PRODUCCIÓN: R. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). sin embargo.

Drew Barrymore (Gertie). Elliott da cobijo en su casa a la criatura. para acudir al rescate de Esmeralda. 1935). como si se tratara del mismísimo Tarzán. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. fichando. la R. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). K. Henry Thomas (Elliott).K. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E.. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. un muchacho de diez años. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. MONTAJE: Carol Littleton. en 1939.O.T. Sorprendentemente. a Orson Welles..C.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. pero no ocurrirá lo mismo con E. al recibir un mensaje de «su casa». del que 250. Sometido a cuidados médicos. GUIÓN: Melissa Mathison. esto. Martel (Greg).T. donde es descubierto por Elliott. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». además de hacer toda una exhibición de agilidad física. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. Robert MacNaughton (Michael). ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. MÚSICA: John Williams. que fallece. ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). este último. Bissell.826.000 dólares. de esa manera. Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. Elliott se recuperará.O. La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal.. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. Elliott irá cayendo enfermo. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. Rodada con un presupuesto de 1. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. con tintes de la Bella y la Bestia.UU. había salido a la caza de talentos. que. E. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty.K. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora.. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. terminará .T. Peter Coyote («Keys»). E.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. por ejemplo. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . Finalmente.T. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio.. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. DURACIÓN: 115 minutos.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. No obstante.

La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. George Sanders (Addison de Witt). FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. y que fue definida por la revista especializada Variety. donde es recogido por su nave espacial. DURACIÓN: 138 minutos. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. Comentario La película E. T. una actriz famosa y. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». 1950 DIRECTOR: Joseph L. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. Mankiewicz. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. sin duda. Argumento La manipuladora Eva Harrington. permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. sólo se materializaron en tres premios menores. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. Zanuck). de Mary Orr). en los últimos tiempos. las nueve nominaciones obtenidas por E. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film.. B/N. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares.T. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W.UU. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. MONTAJE: Barbara McLean. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. Davis. Celeste Holm (Karen Richards). una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Anne Baxter (Eva Harrington). Marilyn Monroe (Miss Casswell). Gary Merrill (Bill Simpson). tras en- . De este modo. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. GUIÓN: Joseph L. MÚSICA: Alfred Newman. se gana la confianza de Margo Channing. Hugh Marlow (Lloyd Richards).172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película.

por el contrario. para el de Margo. The Wisdom ofEve. aún hoy. Repuesta en numerosas ocasiones. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. Eva al desnudo es. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. Karen. Finalmente. . Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. y la de George Sanders. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. Mankiewicz. pero Margo. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. de hecho. Consagrada como estrella. Applause. fue nominada para 14 premios de la Academia. para el papel de Eva. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo.asociación con la Warner. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. antes de que Joseph L. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. La película. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. Margo Channing. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert.

El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. de hecho.supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». Jason Miller (Padre Karras). se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. que hasta entonces habían sido considerados marginales. sin embargo. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. MONTAJE: Norman Gay. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). y. las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. No deja de ser cierto. MacNeill). Argumento Regan. Cobb (Teniente Kinderman). sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. un joven sacerdote. mientras que otras películas. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. los espectadores que buscaban emociones fuertes. su madre contacta con el Padre Karras. Max von Sydow (Padre Merrin).UU. DURACIÓN: 121 minutos. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. que sufre un ataque al corazón. acompañadas de sus respectivas secuelas. 1973) de Larry Cohén.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. Jack MacGowran (Burke). El exorcista. caso de La profecía {The Ornen. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). De ese modo. una niña de doce años.. Evan Lottman y Bud Smith. cuya fe pasa por un momento de debilidad. Lee J. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). los vómitos de puré de guisantes. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. Linda Blair (Regan). Jordán Leondopoulos. Una noche. MÚSICA: Jack Nitzche. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. un experto en exorcismos. fue un fenómeno de similares características.

se casa entonces con el obispo Vergerus. da luz a una niña. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). su padre. tras haber recuperado a su familia. que Alexander padecerá con especial rigor. a la vez que su guionista y productor. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. 1990). INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). Aunque. Más adelante. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). termina por unirse a ellos. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. Por otro lado. Emilie. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. esta última dirigida por William Peter Blatty. Osear. No obstante. Su madre.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. muere de resultas de un ataque al corazón. considerado. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. La madre. Emilie. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. en tiempos. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). No obstante. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. como era de esperar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. entre ellas las de mejor película y mejor director. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. 1977). 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. Poco tiempo después. En una pequeña localidad sueca. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). Es como si Bergman. MÜSICA: Daniel Bell. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. GUIÓN: Ingmar Bergman. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. Argumento Navidades de 1907. tras drogar al obispo para poder escapar. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. . que les esconde en su tienda de antigüedades. autor de la novela en que se había basado la primera entrega. Alian Edwall (Osear Ekdahl).

. Paul Satterfield. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Kenneth Anderson. Ernest Nordli. Lance Nolley. un colaborador habitual de Bergman.UU. Leo Thiele.. Joseph Sabo. Dick Kesley. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Yale Gracey. Perce Pearce. George Sallings. Cari Fallberg. Ford Beebe. Otto Englander. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. Elmer Plummer. Sylvia Moberly-Holland. Phil Dike. de por sí. Bill Peet. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Tom Codrick. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Jim Handley. Gordon legg. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. Wilfred Jackson. J. Curtiss D. Campbell Grant. a continuación. Hamilton Luske. Charles Payzant. Fantasía EE. Charles Philipi. Herbert Ryman. Finalmente. Webb Smith. Graham Heid. Kay Nielsen. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. MacLaren Stewart. Bianca Majolie. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. Arthur Byram. Aparece luego Mickey Mouse. William Martin. Norman Wright. 1940 James Algar. 1972). Kendall O'Connor. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. GUIÓN: Lee Blair. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. John Fraser McLeish. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Bill Roberts. Robert Sterner. Terrell Stapp. T. al mejor vestuario. Erdman Penner. Harold Doughty. Thor Putnam. Bruce Bushman. Zack Schwartz. Albert Heath. Hee. John Hubley. Perkins. cuya existencia se justifica por sí misma. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. la que dibuja un cuadro y la «música pura». tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Norman Ferguson. Al Zinnen. Hugh Hennessy. Arthur Heinemann. DURACIÓN: 124 minutos. Gritos y susurros (Viskingar och rop.

el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. Mickey Mouse. sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. y de resultas de ello nació Fantasía. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. DURACIÓN: 138 minutos. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. No obstante. entre . con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). un director de éxito. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. ese mismo año. Claudia Cardinale (Claudia). MONTAJE: Leo Catozzo. así. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. Guido Alberti (Pace. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. Ennio Flaiano. por ejemplo. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. Con todo. Rossella Falk (Rossella). Blancanievesy los siete enanitos (1937). Argumento Guido. GUIÓN: Fellini. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. Sandra Milo (Carla). PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). Tullio Pinelliy Brunello Rondi. En general. no consigue comenzar a rodar. el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. llega la serenidad del Ave Marta. 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. Barbara Steele (Gloria Morin). eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. Fantasound. Comentario A lo largo de la década de los treinta. el productor). El aprendiz de brujo. a pesar de lo cual. la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). MÚSICA: Niño Rota. B/N. algunas partes están bastante más logradas que otras. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios.

a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. Walter Catlett (Agente Slocum). abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. Argumento El día antes de su boda. aunque. en su caso. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta.. B/N. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). PRODUCCIÓN: R. verdadero. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. En cualquier caso. tratándose de Fellini. (Howard Hawks). 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. entre ellas. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. suele aferrarse a las narraciones lineales. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. No obstante. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. puede pa- recer obvio. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. mientras su protagonista contempla diversas opciones. El hecho de que el personaje principal. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. basado en un relato de Wilde. a primera vista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. el director de cine Guido. nunca consigue que su película avance. su reconstrucción de un brontosaurio . primero. Si bien es cierto que. A algunos espectadores. DURA- CIÓN: 102 minutos. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. no conviene fiarse nunca de lo que.K. no sólo de realizar una obra de arte. Ocho y medio es un film ambiguo y desigual.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. El director italiano. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. esa mirada cáustica. por lo general.UU. sino de reconciliarse con la vida. La película concluye sin que la situación se resuelva. May Robson (Tía Elizabeth). se refugia. invita a establecer una conexión entre ambos. sin duda. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. rara vez conseguido por un medio como el cine que. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores.O. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. entre los propios actores del film. MONTAJE: George Hively. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. el suicidio. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. La película. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. entre una compañía de payasos y. con algo de desfile de monstruos o de circo. más adelante. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). Cary Grant (David Huxley). MÚSICA: Roy Webb. Barry Fitzgerald (Gogarty).

poco más o menos en 1934. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. trastoque por completo su vida. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. la rica heredera Susan Vanee. No obstante. . A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. 1972) de Peter Bogdanovich. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra.. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. También Hawks se vio afectado por su fracaso. donde se le rinde homenaje. etc. doctor? (What's up Doc.) y un contagioso espíritu anárquico. la película no fue un éxito de taquilla. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja.K. Ronald Colman y Robert Montgomery. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. la forma en que Susan descubre el hueso perdido. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. según parece. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. finalmente. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. sin gran dificultad. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. bufonadas. mientras tonteaban entre sí. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada. un enloquecido cazador. este último desempeñando un papel que. En cualquier caso. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. Despojado de sus ropas y de su dignidad.O. 1940). la sigue hasta una granja de Connecticut. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. El género se inició. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. Sin embargo. propiciando así su vuelta al teatro.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que.000 dólares. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday.

fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. 1926. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. Los timadores (The Grifters. de El beso mortal (Kiss Me Deadly. 1947). que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes.film noir. con películas como Chinatown (1974). de Nicholas Ray. de Robert Siodmark. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. o Noche en la ciudad (Night and the City. . creando personajes como Cody Jarret. Detour (1945). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. de Howard Hawks. si bien. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. cuya denominación viene del irancés. 1919. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. El gabinete del doctor Caligari. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. 1931). de Jacques Tourneur. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. la aparición de la figura de la «mujer fatal». el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. 1955). de Raoul Walsh. Metrópolis. el término «cine negro». o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. Una combinación de factores. de Fritz Lang. 1922. Forajidos (The Killers. Con el tiempo. 1984). Retorno alpasado (Out ofthePast. sobre todo. 1946).188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. 1990) y After Dark My Sweet (1990). por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). Nosferatu. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. 1950). el vampiro. de Jules Dassin. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. o El vampiro de Dusseldorf. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. de Edward J. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. El sueño eterno (1946).]. 1944). el detective creado por Mike SpiUane. Hoy en día. la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. Ulmer. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. 1939). envueltas en sombras y empapadas de lluvia. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»).

un interés que. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. Anna Massey (Helen Stephens). Shirley Ann Field (Diane Ashley). El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. Por otro lado. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. viendo las películas de sus asesinatos. la vecina del piso de abajo. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). terminará por despertar las sospechas de la policía. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). MÚSICA: Brian Easdale.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. aunque no de forma tan directa. complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. que comienza a seguirle. un empleado de un estudio cinematográfico. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. así como los cambios constantes en la textura visual de la película. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. le hacía su padre cuando él era niño. Finalmente. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. Aunque. MONTAJE: Noreen Ackland. DURACIÓN: 109 minutos. a pesar de los años . 1959 Leo Marks. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. aún hoy. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. Entabla amistad con Helen Stephens. se da cuenta de que allí hay algo extraño. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. A lo largo de la película. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. hacen de ella la más radical de sus obras y. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). a pesar de ser ciega. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). y la deja ver las inquietantes películas que. seguramente. es interrumpido por la madre de Helen que. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. Su original utilización del color y de la iluminación. Seguramente. Al descubrir a Helen en su propia casa. el espectador se ve forzado. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. la más controvertida. Argumento Mark Lewis. GUIÓN: Reino Unido. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell.

GUIÓN: Comentario Suecia. B/N. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. en buena parte. cuando éste mira en el interior de la caja. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. como siempre están discutiendo. Naima Wifstrand (Madre de Isak). En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. Folke Sundquist (Anders). pero. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. una anciana de noventa y cinco años. desde luego. . Más adelante. Ingmar Bergman. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. en otro. terminará por comprender su valor. un hombre frío y distante. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Gunnar Bjórnstrand (Evald). Ingrid Thulin (Manarme). su contemplación sigue produciendo inquietud. MONTAJE: Osear Rosander. Bibi Andersson (Sara). 1957 En Suecia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. DURACIÓN: 90 minutos. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. la nuera decide expulsarlos del coche. el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. Recogen a Sara. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. mientras que. el más grande director sueco anterior a Bergman. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). pero finalmente recibe su título honorario. Julián Kindahl (Agda). PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). MÚSICA: Erik Nordgren. una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. finalmente. y se detienen para visitar a la madre del profesor. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. Marianne. Prosiguen su viaje. recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. pero que. INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman.

reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. Caligari). afirmativo de la vida humana. en última instancia. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. esa dimensión «artística». Olsen). posiblemente. le lanza sus acusaciones. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. Hans Heinz von Twardowski (Alan). FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). Conradt Veidt (Cesare). ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. se trata de un retrato compasivo y. eran la principal atracción. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. Rudolf Lettinger (Dr. A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. no obstante. DURACIÓN: 78 minutos. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». Una vez acabada la narración. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. Lili Dagover (Jane). morirá mientras es sometido a una persecución. realizados a base de ángulos deformados. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. Friedrich Feher(Francis). Posteriormente. hace que Francis sospeche de Caligari. donde Caligari y su asistente sonámbulo. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. Argumento Cómodamente sentado. 1929). Pabst. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. su inquietante argumento y sus decorados. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. se encara con el doctor y . en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. Murnau y. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. Walter Rohrig y Walter Reimann. es raptada por Cesare. Como es natural. era algo que saltaba a la vista. de G. que. Sin duda. así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. Cesare. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. Jane. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz).194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. W. W. falsas perspectivas y sombras pintadas. la novia de Francis. B/N.

un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. al viejo orden estamental. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. como es el Risorgimento. bajo la dirección de Roger Kay. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. Al no estar ninguno de ellos disponible. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. MONTAJE: Mario Serandrei. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. MÚSICA: Niño Rota. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. Alain Delon (Tancredi). DURACIÓN: 205 minutos. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales.. permitiéndole retomar un momento histórico crucial. obra igualmente de un noble. década de 1860. la hija del alcalde. Riña Morelli (Maria Stella). un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas.UU. Romolo Valii (Padre Pirrone). del que ya se había ocupado en Senso (1954). Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). Aunque pertenece . ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. Argumento Sicilia. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. Don Calogero. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). A pesar de ello. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada.

trata de seducirlo. No obstante. MONTAJE: Sam O'Steen. 1974). Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre.. ya será tarde. pues se encuentra prometida con Cari Smith. Elizabeth Wilson (Mrs. cuando me- . oiga la versión de Benjamín. Katharine Ross (Elaine Robinson). el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. le pide que la lleve a casa en coche y. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. finalmente. Robinson. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. al mismo tiempo. DURACIÓN: 105 minutos. un estudiante de familia rica. el director. De resultas de todo ello surgiría El graduado. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. La elección no pudo ser más acertada. Mrs. Braddock). una amiga de la familia. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. más adelante. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. optó por Burt Lancaster. William Daniels (Mr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. regresa a su hogar en Los Ángeles. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. Murray Hamilton (Mr. Elaine. 1966). una graduada universitaria como él. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). No obstante. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Braddock). en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. Robinson). Cuando.UU. Robinson trata de poner fin a esa relación. aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. durante el trayecto. contándole a Elaine que Benjamín la violó. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. en contra de lo que había opinado en un principio.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. Robinson). Argumento Benjamín Braddock. Mrs. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron.

Tras haber sido abatidos durante una misión. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. Marcel Dalio (Rosenthal). y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. Robinson. Robinson y. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. Joseph Kosma. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). FOTOGRAFÍA: Christian Matras. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. Dita Parlo (Campesina). Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). Al margen de sus alardes estilísticos. No obstante. Así. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. Argumento La Primera Guerra Mundial. . por ejemplo. alegando.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. un actor de treinta años. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. se vio forzado a reemplazarlo. una recaudación de 50 millones de dólares. DURACIÓN: 117 minutos. 1937 Jean Renoir. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. PROCinedis. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. lo rechazó. MONTAJE: Marguerite Renoir. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. interesantes. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. Durante su viaje de 200 millas. permitiéndole obtener. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. Nominada en siete categorías para los Osear. con toda razón. finalmente. son traslados a Wintersborn. en un determinado momento. que. uno de los ases de la aviación alemana. Finalmente. que se ha visto forzado a abandonar el frente. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). B/N. aunque. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. sin embargo. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. Mike Nichols. los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. cuando casi han terminado su túnel de huida. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. Carette (Un actor). tan sólo en los Estados Unidos. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. En el campo de prisioneros de Hallbach. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. no muy satisfecho con el resultado.

La película. DURACIÓN: 143 minutos. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre».202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. el «General» Mapache. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. tanto en el bando francés como en el alemán. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. donde un bandido. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. MONTAJE: Louis Lombardo. le dispare. Irónicamente. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. cuando el oficial de la clase alta francesa. 1914. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. la banda se dirige a México. trasciende las barreras de clase. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. uno de los miembros de la banda. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. MÚSICA: Jerry Fielding. Ernest Borgine (Dutch). ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. Ryan (Deke Thornton). que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación.. permite que el personaje de Von Stroheim. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. Mapache degüella a Ángel. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. un director cuya obra. rango. Pike mata de un disparo . PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. como un acto de patriotismo. Warren Oates (Lyle Gorch).UU. Argumento Starbuck. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. posee tal variedad y riqueza. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Así. que interpreta Pierre Fresnay. Tejas. un antiguo miembro de la banda. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. No obstante. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. Jaime Sánchez (Ángel). e incluso nacionalidad. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. elaborada a lo largo de cerca de 45 años. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. Edmond O'Brien (Sykes). le hace encerrar. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. credo. Al descubrir Mapache que Ángel. su homólogo en graduación y en rango social. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE.

Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. a diferencia de otras películas de acción que. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. y de un modo increíblemente sangriento. La película. en el que morirán los miembros del Grupo. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. precipitando así un sangriento enfrentamiento. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. desgraciadamente. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. ha terminado por convertirse en un lugar común. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. siguiendo su estela. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. rápido y sencillo.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. MONTAJE: Paul Hirsch. Harrison Ford (Han Solo). Desde un punto de vista técnico. a lo mejor llegamos a alguna parte». A medida que se va desarrollando la caza. también decidirá unirse a ellos.UU. No obstante. 1977 George Lucas. Anthony Daniels (C3PO). Marcia Lucas y Richard Chew. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. del lado de la Revolución Mexicana. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. cuando llegue Thornton. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). a pesar de que mueran por propia voluntad. con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. GUIÓN: George Lucas. sino sangriento y espantoso. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). Aunque la fórmula no tiene nada de original.. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. DURACIÓN: 121 minutos. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). MÚSICA: John Williams. en .

constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. consigue escapar. en particular Han Solo. antes. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. traspasa «La Fuerza» a Luke. sonido.T. El primer episodio del ciclo. representados respectivamente por el joven héroe. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. 1983). que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. Una vez llegados al planeta rebelde. sean personajes carentes de ambigüedad. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. (1982). un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). 1983]. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. Darth Vader y el Imperio. no obstante. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». montaje. Como ha señalado Lucas. y por sus enemigos mortales. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. Luke Skywalker. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. La amenaza fantasma (Phantom Menace). C3P0. No obstante. una especie de poder interior similar al zen. vestuario y banda sonora original. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. Mientras el resto del grupo salva a Leia. Sin embargo. la película supone.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. dirección artística. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. vería la luz en 1999. la película y sus dos secuelas. literalmente atiborrados de efectos especiales. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. llevándose los premios a los efectos especiales. pero. . En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. con la ayuda de Han Solo. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. consigue destruirla. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. Luke Skywalker.

dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. es amor. En años sucesivos. basada en una idea de Truffaut. Pierrot el loco (Pierrot lefou. tiene más bien poco valor. entre ellos Francois Truffaut. Una de sus últimas películas. unido a sus innovaciones arguméntales.208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. odio. muerte. acuñado según parece por Francois Giroud. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica.. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. Godard. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. declara: «Una película es como un campo de batalla. tanto política como estéticamente. y se mantuvo firme. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. les permitieron crear un cine alternativo. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. a su entender. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. 1965). de Claude Chabrol. de Alain Resnais. acción. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). . en cuyos artículos. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. se defendía la teoría del autor. Los miembros del movimiento. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. Lo cierto es que tal denominación. como sucede en El carnicero (1969). convirtiéndose así en el único autor de la misma. Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. lo único que existe es el mar». La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. De ese modo. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. 1958). La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). 1961). en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. Hiroshima. mon amour (1959). de Francois Truffaut. Truffaut. que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. y Vivresa vie (1962). aunque con desigual fortuna. 1959). .. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). violencia. la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia.. publicados en la revista Cahiers du Cinema. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. Alfinalde la escapada (1959). y Alain Resnais. El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta.en una palabra: emoción». de Godard. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. protagonizada por Alain Delon. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola».

Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. bajo el título Satán Meets a Lady. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. Floyd Thursby. una actriz muy experimentada. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. 1941 DIRECTOR: John Huston. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. B/N. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). apuntan a lo que será . Gladys George (Iva Archer). el Capitán Jacobi. Mary Astor. Finalmente. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. son asesinados.sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. Cairo. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. acusada del asesinato de Archer. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). MÜSICA: Adolph Deutsch.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. mientras que la pareja formada por Peter Lorre. Finalmente. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. y la presa a la que perseguía. A su pesar. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. Para negociar un precio por la estatuilla. Argumento Cuando su socio. enfundado en su sempiterna gabardina.. un actor de origen húngaro.Wallis). la versión de 1941. el sicario de Gutman. MONTAJE: Thomas Richards.UU. O'Shaughnessy y Wilmer. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. actor y padre del director. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. Peter Lorre (Joel Cairo). FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. En este caso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. Valerie. con ese mismo título. DU- RACIÓN: 100 minutos. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. Brigid O'Shaughnessy. Lee Patrick (EfFie Periné). en el papel del desafortunado Jacobi. de paso. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. El sombrío humor. y Sydney Greenstreet. Walter Huston. Miles Archer. Por su parte. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. sin embargo. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. Barton MacLane (Teniente Dundy). Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». El detective convoca a una reunión a Gutman. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929.

1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing.UU. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. Jack Carson (Matt Libby). 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. hasta que. está basado en un relato de William A. Charles Bickford (Oliver Niles). Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. de este modo. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. tras la enésima parranda. GUIÓN: MOSS Hart EE. Lucy Marlowe (Lola Lavery). El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio.. que. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. 1975). un temprano experimento en Technicolor. a su vez. Su desconsolada viuda se retira del mundo. la pantalla con problemas de alcoholismo. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. 1953). a su vez. alcanza el estrellato. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». un tema recurrente del cine dramático. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). que. Esther Blodgett.Wellman y Robert Carson. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. Alan Campbell y Robert Carson que. 1937). Norman Maine. James Masón (Norman Maine). ponen en evidencia a Esther en público. La nueva y espléndida versión de 1954 es. Tom Noonan (Danny McGuire). a medida que fue transcurriendo la década. MONTAJE: Folmar Blangsted. DURACIÓN: 182 minutos. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. la preparan para obtener el éxito. Norman se suicida. desde hace más de sesenta años. por encima de todo.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. que. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). La pareja se casa. MÚSICA: Harold Arlen. inspirado en la película Hollywood al desnudo). conoce a su benefactora. hasta que. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. una estrella de . es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. una película realizada igualmente por George Cukor. 1932). finalmente.

Andy Robinson (Asesino). en este caso. MONTAJE: Cari Pingitore. entre ellos.. John Larch (El jefe). el sucio . PRODUCCIÓN: Malpaso. a la vez que su amargura. amenazando con asesinar cada día a una persona. Argumento San Francisco. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera. como señaló la revista Time.UU. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. MÜSICA: Lalo Schifrin. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). John Vermon (El alcalde). para Warner Brothers (Don Siegel). GUIÓN: Harry Julián Fink. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. Judy Garland. Harry. Nominada para seis Osear. que. no obtuvo ningún premio. 1971 Don Siegel. DURACIÓN: 101 minutos. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. pero éste rechazo la propuesta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. Reni Santoni (Chico). sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones.llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. ambientada. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. Rita M. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. La segunda opción fue James Masón. Harry Guardino (Teniente Bressler). protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. Harry. sin embargo. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. la película. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad.

en películas como Harry. secuestre un autobús escolar. Frank Sinatra aceptó el papel.l973). Sin embargo. . el alcalde decide pagar. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. le forzaron a renunciar al papel. arroja su placa de policía al río. el ejecutor (The Enforcer. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. el fuerte (Magnum Force. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». 1976). hasta que. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. finalmente. para muchos críticos. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. Comentario El papel protagonista de Harry. 1988). No obstante. Harry. Para Eastwood. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. Cuando. Paul Newman y John Wayne. A partir de ese momento. Se contactó con Steve McQueen. más adelante. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. en la que Harry se desprende de su placa de policía. acto seguido. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. una herida en la mano y su «inminente» retiro. No obstante. La última escena. 1974). en uno de sus niveles de lectura. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. mientras éste emprende la huida. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. Impacto súbito (Sudden Impact. en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos.

una joven malcriada y mundana. MONTAJE: Frank Sullivan. sin embargo. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). se construye en torno a esa escena. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. sus compañeros en escena. la recibe dándole un empellón en toda la cara. 1940 George Cukor. DURACIÓN: 112 minutos. B/N. además. a partir de la cual.Mujerdtas {Little Women. una vez más.. A continuación Cary Grant llama al timbre y. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. Katharine Hepburn. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. optó por elegir a la M-GM. Mankiewicz). hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. lames Stewart (Macaulay Connor). Tracy y Haven. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. Katharine Hepburn aparece en el umbral. indignada. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y.218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. a cambio. Tracy Lord. Argumento C. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. Dexter Haven). cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. 1935). 1932). K. Roland Young (Tío Willie). algo que consigue. Su prometido suspende la boda. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. un viejo compañero en varios repartos. aunque el novio y la novia serán. MÚSICA: Franz Waxman. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. Rubottom. Cukor. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg.UU. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. Toda la película. entre ellas la de Sam Goldwyn. pero la ceremonia sigue su curso. Howard (George Kittredge). El resultado fue Historias de Filadelfia. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. K. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. Katharine Hepburn (Tracy Lord). Tracy. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. cuando la Hepburn abre la puerta. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. No obstante. George Kittredge.

DURACIÓN: 70 minutos. es el director del establecimiento. en realidad. Bill Strothers (El amigo). es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. se incluían escenas con rascacielos. se hace con el dinero y conquista a la chica. Comentario Considerado. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. al ser arrestado su compañero. luego. un joven obrero metalúrgico que. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart.Clarke (El jefe de vendedores). . INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. tenga que escalar los doce pisos del edificio. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. una red de tenis.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. Guiol. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. Guiol. se repartan el dinero a medias. GUIÓN: Hal Roach. logra completar la escalada. Mildred Davis (La chica). Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin.. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. MONTAJE: Fred L. Westcott B. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin.UU. Mickey Daniels (El niño).000 dólares por un buen ardid publicitario. donde la propia vida del actor corría peligro. Noah Young (La ley). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. Tim Whelan y Sam Taylor. Sin embargo. B/N. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. a menudo. tras escalar un edificio.220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. finalmente será él mismo quien. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers.

y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. Hot Water. sin añadir prácticamente comentario.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. MÚSICA: Minoru Miki.... INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo).588. El resultado maravilló al público. MONTAJE: Keiichi Uraoka. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. Finalmente. Argumento Sada. una sirvienta y antigua prostituta.. Eiko Matsuda (Sada). Hiroko Fuji (Doncella Tsune). lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. GUIÓN: Nagisa Oshima. Aoi Nakajima (Toku). con la asombrosa cifra de 1. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. aunque el director fue declarado inocente. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. DURACIÓN: 105 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico.842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. Si pudiera captar algo así en una pantalla. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. si yo pudiera ofrecer eso al público. se añaden otros participantes. Mientras viajan de un lado para otro. ocasionalmente. a los que. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. accederá a que Sada le estrangule. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). Oshima se limita a presentar la situación. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. pensó: «Dios bendito. justificación o análisis alguno. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. Meika Seri (Doncella Matsuko). la pareja ejerce una actividad sexual constante. alojándose en moteles y en casas de geishas.545 dólares. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. Sada amputa el pene de su amante muerto y. días más tarde. La obsesión no tardará en ser recíproca. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. . de los cuales 643. Comentario Esta película. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. al ver aquello. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento.

Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. la traición que. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. W. W. Mae Marsh (La mujer querida). Bitzer y Karl Brown. Se trata del momento en que.C. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. que ya tenía prácticamente acabada cuando. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). la pasión y crucifixión de Cristo. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada.. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. W. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. FOTOGRAFÍA: G. B/N. Griffith. W. en un estreno que hubo de hacer época. habiéndose separado temporalmente de ella. Comentario En el otoño de 1914. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. con la agitación obrera como telón de fondo. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. «El propósito de esta obra -explicaría. una historia sobre la miseria social contemporánea. Constance Talmadge (La chica de la montaña). MONTAJE: James y Rose Smith.uniendo el presente y . Bessie Love (La novia de Cana).224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). extraídos de Hojas de hierba. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. en el 539 a. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). GUIÓN: D. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. 1916 DIRECTOR: D.UU. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). Griffith. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. PRODUCCIÓN: D. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. «Recién salida de la cuna. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. Griffith. sufrió el rey Baltasar.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. cada vez más interrelacionadas. el futuro». no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. Erich von Stroheim (Fariseo). The Mother and The Law.

Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas». FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). Larry Gates (Dr.UU. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados).. Miles Bennell). King Donovan (Jack). Danny Kauffman). Jean Willes (Sally). De nuevo en el tiempo presente.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. MONTAJE: Robert S. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. Dana Wynter (Becky DriscoU). Para algunos. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. Eisen. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. Carolyn Jones (Theodora). aún hoy. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. DURACIÓN: 80 minutos. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. A partir de esa secuencia. . y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. Ralph Dumke (Nick). utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. sino también hacer pensar. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. La película. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. Intentan una huida desesperada. MÚSICA: Carmen Dragón. comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. Por desgracia. Argumento Los Ángeles. El hombre. pero finalmente también se apoderan de Becky. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. B/N. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión.

Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. MÚSICA: Georges Delerue. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. aparentemente indestructible. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. sin embargo. y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. Boris Bassiak (Albert). Jules le revela. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. No obs- . En lugar de ello. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. una vez terminada la contienda. y anima a Jim a que se acueste con ella. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. Durante la Primera Guerra Mundial. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. A medida que todo se desmorona a su alrededor. Oskar Werner (Jules). 1961 Francois Truffaut.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. en un sentido literal e ineluctable. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. DURACIÓN: 105 minutos. Al igual que el guionista. Sabine Haudepin (Sabine). B/N. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. Daniel Mainwaring. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. Vanna Urbino (Gilberte). pero. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. ahora completamente solo. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. estaba siendo absorbida por unas vainas. Henri Serré (Jim).228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. MONTAJE: Claudine Bouche. Jim visita a la pareja. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). no contó con la aprobación de Siegel.

fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. y constituye la más excelsa demostración de cómo. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante.. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. planos de archivo. saltos de imagen. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. a modo de homenaje. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. típicamente francés. más adelante. El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. Su cautivadora volubilidad. Varios años después. pero desigual versión. madurez e imaginación cinematográfica. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. Jim regresará a París para estar junto a su novia. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. que interpreta Jeanne Moreau. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena.sin embargo. Comentario Para muchos espectadores. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. dejando solo a Jules para llorarlos. La película es una crónica llena de vitalidad. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). Jules y Catherine se van a vivir a París. etc. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. y un día. fundidos en iris. que. 1971). 1980). de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. .

1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. Por otra parte. mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. Por su parte. floreció en películas como Roma.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. Narciso negro (Black Narcissus. que sacó el musical a los escenarios naturales. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. 1959). en un intento. Irónicamente. el neorrealismo. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. . comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. en adaptaciones de Dickens. 1946). 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). Así. caso del cine negro y de la ciencia-ficción. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. 1946). 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. por ejemplo. También el western. como Un tranvía llamado Deseo (1951). como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». y la oscarizada Un americano en París (1951). también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). que contribuyó a popularizar el ballet. mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. de Mizoguchi. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. insólito dentro del cine británico. como Cadenas rotas (Great Expectations. domingo mañana (1960). como la 3-D y la pantalla gigante. que durante tanto tiempo había parecido indestructible. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). El poder de los estudios de Hollywood. Por otro lado. The Archers. o en películas concretas. En Italia. más tarde. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). Por otro lado. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas.

DURACIÓN: 99 minutos. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica. sino la belleza». Radio Pictures (Ernest B. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. Robert Armstrong (Cari Denham). O. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. finalmente. igualmente. una liberación a la que. El simio consigue escaparse. B/N. sin duda. King Kong. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. Bruce Cabot (Driscoll). Seguramente. a través de la ventana de un rascacielos. según la película.. Taylor. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. Alfred Hermán.O. la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). pero. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. Crabbe. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. 1933 DIRECTORES: Ernest B. Al margen de su virtuosismo técnico. Schoedsack y Merian C. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio.K.UU. El hijo de Kong (Son ofKong. Éste resulta ser un descomunal simio. apuntan la idea de que el monumental primate representa. Aunque el gran simio representa. se ha de poner freno. Mario Larrinaga y Byron L. Cooper. . Schoedsack y Merian C. MÚSICA: Max Steiner. MONTAJE: Ted Cheesman. Una vez en el lugar de rodaje. se dedican a exhibirla ante el público. Willis O'Brien. Noble Johnson (Jefe indígena). Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. siembra la destrucción por toda la ciudad y. llamada la Isla de la Calavera. Vernon Walker y J. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. PRODUCCIÓN: R. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. Sam Hardy (Weston). GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. el mono gigante. se apodera de su querida Ann. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. Cooper y Edgar Wallace). Cooper). A Ernest B. de regreso a Nueva York. Frank Reicher (Englehorn).

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. Más tarde. GUIÓN: Charles Rogers. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. Royce.. El papel de la cautivadora Laura. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. Laura es arrestada. El culpable resulta ser Lydecker. MÚSICA: Marvin Hatley. Ya iniciado el rodaje. Alexander Woolcott). .y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. esbozados con vividas pinceladas. Oliver Hardy. Mamoulian aseguraría que.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. Rosina Lawrence (Mary Roberts). B/N. DURACIÓN: 65 minutos. James Finlayson (Mickey Finn). el concedido a la mejor fotografía. estableció muchos de los principios del cine negro. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. Cuando. de nuevo. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. a modo de treta. recaería en Gene Tierney. su utilización del flash-back. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. intervino y la elevó a la categoría A. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. Stanley Fields (Sheriff). cuando el jefe de los estudios. con su fotografía saturada y atmosférica. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin. MONTAJE: Bert Jordán. descontento con los resultados. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. PRODUCCIÓN: Stan Laurel. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. Zanuck. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. Nominada para cinco premios de la Academia. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro.UU. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. que. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. Sharon Lynne (Lola Marcel). será abatido por la policía. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. Sea cual sea la verdad. lo único seguro es que Laura. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). de esa forma. INTÉRPRETES: Stan Laurel. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. para que el verdadero asesino se descubra. Zanuck. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. un cámara que era más de su agrado. no tardó en prescindir de Mamoulian. Darryl Z. intente atentar contra la vida de Laura. 1937 W. Horne. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película.

Hardy. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». para hacerse cargo de la mina. En la persecución que tiene lugar a continuación. con todo el tacto del mundo. ya perfectamente perfilados. según parece. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. sus personajes. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. tanto él como Hardy. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. Finalmente. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. En Laurel y Hardy en el Oeste. los dos amigos abandonan la ciudad. el rufián Mickey Finn. tras más de medio siglo. el film es pura diversión. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. La chica a la que buscan es Mary Roberts. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». en concreto. en compañía de Mary. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. tratan de recuperar el documento. Comentario Desde principios de los años treinta. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas.«At the Ball. a Ruth. pero son descubiertos por Finn. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. la fregona del local. A pesar de ello. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. Lola Maxwell. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. Cuando se dan cuenta del engaño. En estas obras. . este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». por ejemplo. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. That's All». desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. la mujer de Laurel en aquel momento. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. Así. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. mientras que Laurel le comunicará a Mary. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido.

1962 DIRECTOR: David Lean. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. MONTAJE: Maurice Jarre. es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. Al mando de un pequeño destacamento. Feisal y Allenby. 1970). Sin embargo. sino de la crisis de . Lean. se convierte en un héroe para las tropas nativas. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. lo que confiere unidad a la película. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. Young. Argumento Tras su muerte. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). GUIÓN: Robert Bolt. MÚSICA: John Stoll. cuyas maniobras -como cabía esperar. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. E. Ornar Sharif (Sheriff Ali). por el contrario.son ejecutadas a la perfección. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. una epopeya inteligente y emotiva. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). FOTOGRAFÍA: Freddie A.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. Jack Hawkins (General Allenby). y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. Lawrence de Arabia es. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. Lawrence. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. Sin embargo. Alee Guinness (Príncipe Feisal). se decidió finalmente por Peter O'Toole. no sólo de las batallas. Apoyado por los británicos. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. el versátil aventurero T. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. E. José Ferrer (Rey turco). Por su parte.

Lee }. El papel de Malloy. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. Argumento Nueva York. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. es brutalmente agredido en los muelles. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. Es interesante subrayar. Escrita por el novelista Budd Schulberg. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. no obstante.. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. Charley Malloy. en la novela que publicaría con posterioridad. MONTAJE: Arthur E. se siente atraído por Edie. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. DURACIÓN: 108 minutos.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. Pat Henning («Kayo» Dugan). que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. ganó siete de ellos. que le pedirá su ayuda. año tras año. Milford. en una de las reuniones a las que asiste. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. y muy poco heroico. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. en realidad. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. B/N. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. Eva Marie Saint (Edie Doyle). Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. Obedeciendo las órdenes de su hermano. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE.UU. Cobb (Johnny Friendly). espiarles. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). Rod Steiger (Charles Malloy). Edie. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). pero. MÚSICA: Leonard Bernstein. Karl Malden (Padre Barry). Terry se decide a revelar a Edie su culpa. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. la hermana de éste. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). que Schulberg optaría por un final distinto. Al día siguiente. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». iluminar las pantallas norteamericanas . entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. Nominada para diez premios de la Academia.

se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. Escarlata. Aunque no consigue retenerle. el ambicioso Selznick. Newcorn. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. No obstante. toma la decisión de volver a conquistarlo. W. podría haber sido un aspirante al título». que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. DURACIÓN: 222 minutos. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. despechada. Rhett sigue estando presente en su vida. Argumento Año 1861. La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. jura que Tara. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. la espectacular versión cinematográfica que David O. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE.UU. ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). El famoso discurso del «podría haber tenido clase. recobrará su antiguo esplendor. entre ellos los otorgados a la mejor película. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). la propiedad de su familia. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. obteniendo ocho premios. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). que no tardará en morir de sarampión. En el baile de Los Doce Robles. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. Selznick). desplegando una determinación in- . que Terry le suelta a su hermano en un taxi. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. antes incluso de su publicación. MONTAJE: Hal C. fue nominada en doce categorías. mejor director y mejor guión. Hattie McDaniel (Mammy). Si la obra de D. Leslie Howard (Ashley Wilkes).252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. con el tiempo.. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). 1953). Kern y James E. En cuanto a la película. Tras la muerte de su segundo marido. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). Tras haberse asegurado. Lo que el viento se llevó. Escarlata. se casa con el hermano de Melanie. los derechos de una novela que. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. MÚSICA: Max Steiner. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión.

una vez cumplida la condena. Hall. Harry Myers (El millonario). una secuela dirigida por John Erman. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. una actriz británica casi desconocida. . DURACIÓN: 86 minutos.a la M-G-M. no obstante. y el gallardo picaro. como es habitual. Virginia Cherril (La muchacha ciega). En 1994 se estrenaría Scarlett. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. A lo largo de los tres años siguientes. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. Chaplin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. rico y bien parecido. Scarlett O'Hara. Cuando regrese. Florence Lee (La abuela). MÚSICA: Charles Chaplin. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE.. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. B/N. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento.25 millones de dólares) jamás filmada. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. GUIÓN: Charles Chaplin. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). que.que participaron en su realización. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas.254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. en diciembre de 1939.UU. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). su exuberancia. MONTAJE: Charles Chaplin. Una serie de percances harán que acabe en prisión. George Cukor y Sam Wood. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. Comentario En 1928. descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. queda prendado de la belleza de una florista ciega. Rhett Butler. Hank Mann (El boxeador). Argumento El pequeño vagabundo. le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. la película obtuvo finalmente ocho Osear. Alian García (El mayordomo). no se acuerda de él cuando está sobrio. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4.

MONTAJE: Ralph Kemplen. a finales de aquel mismo año.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. Heather Sears (Susan Brown). Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. al anunciar ella que se encuentra embarazada. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). DURACIÓN: 117 minutos. Donald Houston (Charles Soames). de la que llegará a enamorarse. Brown). como atestigua el hecho de que. la hija de un magnate de la localidad. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. Griffith o F. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. B/N. En su ensayo de 1949. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. Joe Lampton. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. con unos ingresos de un millón de dólares. W. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. sobre todo. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. Donald Wolfit (Mr. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. Laurence Harvey (Joe Lampión). demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. por lo tanto. está empeñado en conquistar a Susan Brown. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. al verse cruelmente abandona- . Alice. en esta película. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». Murnau. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. MÜSICA: Mario Nacimbene.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. Brown). A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. contando con un Chaplin que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. pero es que. Ambrosine Philpot (Mrs. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. se encontraron personajes como Winston Churchill. trasciende las innovaciones técnicas del momento. W. No obstante. Argumento Decidido a hacer carrera. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. además. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. una mujer casada y de más edad. La gran época de la comedia. entre los asistentes a su estreno.

con El ingenuo salvaje (This SportingLife. que. sobre todo. 1979 DIRECTOR: George Miller. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. gracias. Man at the Top. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil.258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. de forma un tanto vaga. Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. Stan Barstow). Comentario A finales de los años cincuenta. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. Joanne Samuel (Jessie). 1963). en particular. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. tres años después de su inicio. se suicida. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. MadMax. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. hundido en la miseria. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. MÚSICA: Brian May. contrae matrimonio con Susan. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. mientras que el personaje de Joe Lampton. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. estrellándose con su coche. con Sábado noche. Roger Ward (Fifi Macaffee). DURACIÓN: 91 minutos. Alian Sillitoe. mientras Lampton. Nominada para seis premios de la Academia. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Un lugar en la cumbre. Steve Bisley (Jim Goose). las de aquellos cineastas que. dirigida por Ted Kotcheff. 1959) y de Braine. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. FOTOGRAFÍA: David Eggby. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). Tim Burns (Johnny the Boy). PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. En términos cinematográficos. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. Cuando el poli- . Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica.

Jessie. otro motorista psicópata. uno de los miembros de la banda. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. todo lleno de puntillas y miriñaques. Mel Gibson. George Miller. persigue a los motoristas y acaba con ellos. un licenciado en medicina. un motorista demente. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. a su vez. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. Miller. armado hasta los dientes. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. «El Cortador de Dedos».pasara sin pena ni gloria. y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. a bordo de un Pursuit Special V8. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. Max vuelve a unirse al cuerpo y. Mad Max 2. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. la novia de Max. Cuando Goose es asesinado. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. Con todo. insiste en que abandone el cuerpo. promete vengarse. y que. rebosante de acción. Max abandona el cuerpo de policía. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. a un tiempo. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. pero éste. 1981). el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. Entre tanto.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». pero que posee también una poderosa textura emocional. la estrella de las tres películas. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. 1985). pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. Su director y co-guionista. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. Mad Max es. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. .» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante.

Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. pero las historias de amor. Ghost. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). 1942). La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. Niebla en el pasado (Random Harvest. 1989). por ejemplo. como por ejemplo. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. nunca se pasan de moda. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). aunque una selección circunscrita. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). Greer Garson y Walter Pidgeon y. Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. por Les enfants duparadis (1944). Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. Olivia de Havilland y Errol Flynn. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. Ariane [Love in the afternoon]. 1959). lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. Con frecuencia. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. l990)oPretty Woman (1990). 1957.a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). más allá del amor (Ghost. a Marcel Carné. a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). . como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. más recientemente. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. 1935). o que han tenido un final trágico. Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación.

Baum). Edna May Oliver o Gale Sondergaard. MÜSICA: Herbert Stothart. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). siguiendo las instrucciones que le han dado. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. Aunque el Mago resulta ser un fraude.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). MONTAJE: Blanche Sewell. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. La película. una bruja buena. un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. Frank Morgan (El mago). mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. C. en un primer momento. algo mayor para el papel. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. GUIÓN: Noel Langley. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. Allí se encuentra con Glinda. Dorothy. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). que finalmente interpretaría Frank Morgan. Bille Burke (Glinda). fue concluida por King Vidor. Dorothy y su perro Toto son capturados. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». iniciada por Victor Fleming. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). capacidad de asombro y vulnerabilidad. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). hoy en día. Fields. B/Ny Color.UU. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. en ese preciso instante. La alternativa de Judy Garland. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . lo cierto es que. Sin embargo. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. que. De camino. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. como El pájaro azul (The Blue Bird. con sus diecisiete años era. El personaje del Mago. le fue ofrecido en un principio a W. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. es devuelta a Kansas. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. 1940). Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. fue considerada un mal menor. Aunque. en rigor. DURACIÓN: 101 minutos.

Más adelante. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. Glen Cavender (Capitán Anderson). Un año más tarde. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. rescata a Annabelle. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. hasta llegar incluso a rodar en . En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). Frederick Vroom (General del Sur). la memorable dirección artística. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. inspirado en The Great Locomotive Chase. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. un mundo fantástico (Return to Oz). Argumento Al estallar la guerra. ya muy adentrado en territorio enemigo. Jim Farley (General Thatcher). serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). Schenck). Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. FOTOGRAFÍA: J. importancia de su profesión. Buster Keaton. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. DURACIÓN: 74 minutos. 1990). aparecía una secuela tardía. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. inmerecido pero quizá inevitable. protagonizada por Diana Ross. bajo el título de Oz. INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). obra de la factoría Disney. la querida locomotora que conduce John Gray. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. Charles Smith (Padre de Annabelle). 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. mientras que. Devereaux Jennings y Bert Haines. y de escaso interés.266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. de William Pittinger). el armamento. PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. B/N.. de forma más sobria. la tecnología y los escenarios de la época. en 1985. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. Afortunadamente.UU. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. los encantadores Munchkins. Johnnie emprende la persecución y. Marión Mack (Annabelle Lee). Cuando llegan al puente de Rock River. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. los efectos especiales. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle.

Virginia Mayo (Marie Derry). insista en que nada cambiará el amor que siente por él. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Argumento Al Stephenson. Por su parte. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. Homer. su prometida. B/N. que ha descubierto que Marie.. mientras que Fred. DURACIÓN: 182 minutos. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. Harold Russell (Homer Parrish). la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. la hija de Al. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. de MacKinlay Kantor). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Gloryfor Me. Dana Andrews (Fred Derry). GUIÓN: Robert E. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. Al empezará a beber en exceso. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. su atractiva mujer. pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. Fredric March (Al Stephenson). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. tras haberse separado de su mujer. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. No obstante. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. Millie. tres soldados que regresan a casa. MONTAJE: Daniel Mandell. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. . así como de su exquisita y relajada forma de actuar. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. George Jenkins y Julia Heron. se ha convertido en una extraña.UU. MÜSICA: Hugo Friedhofer. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Sherwood (basado en la novela en verso. 1946 DIRECTOR: William Wyler. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. mientras que Fred. Fred Derry y Homer Parrish. encontrará mucha más comprensión en Peggy.

a la que considera inadecuada para el papel. Con inquebrantable tenacidad. Nanette Fabray (Lily Marton). MONTAJE: Albert Akst. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. la bailarina Gaby Berard. a pesar de contar con una primera actriz. el extravagante Jef- . mientras que el actor no profesional. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. obtuvo seis de ellos. fue todo un acierto. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. de Wyler.UU. Harold Russell. Lester y Lily Marton. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. Ava Gardner (Estrella invitada). Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. Tony Hunter. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. aunque un tanto impersonal. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. Tony se vuelca en el trabajo. Sus leales amigos. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames.. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. entre otros el concedido a la mejor película. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. su cámara habitual. que finalmente sería el encargado del guión. posiblemente. decide embarcarse en el proyecto. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey). ajena a las grandes efusiones. el más logrado ejemplo del oficio consumado. Contando con la colaboración de Gregg Toland. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». Nominada para ocho premios de la Academia. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. y un director. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. Cyd Charisse (Gaby). con una minuciosidad impecable. una estrella de Hollywood. Osear Levant (Lester Marton). Wyler empezó por encuadrar la película. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). DURACIÓN: 112 minutos.su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. ya entrada en años. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. Sherwood. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. 1944). a continuación.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

Charles Patón (Mr. que lo utilizará para chantajear a Webber. posteriormente. uno de los cuales será encontrado por Webber. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. se estrenara en junio de 1927. Cyril Ritchard (El artista). Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. con su científico loco. Donald Calthrop (Tracy). la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. No obstante. Thea von Harbou. la que entonces era su mujer. Arnold y Norman Arnold. hoy en día. Mientras se prepara para posar. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad.000 figurantes). acompañará a su estudio. ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. y el otro. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. GUIÓN: Alfred Hitchcock. en última instancia. es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. White). Alice. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. triunfe el amor. MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. el artista trata de aprovecharse de ella. finalmente. el detective de Scotland Yard Frank Webber. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). MONTAJE: Emile De Ruelle. por Tracy. pero olvida sus guantes. compuesta por trabajadores esclavizados. Webber decide poner en evidencia a Tracy. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). La película. que ha sido asignado para el caso. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. atormentada por sus remordimientos. Benn W. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). Sara Allgood (Mrs. John Longden (Frank Webber). donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. al que. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. lo que sigue fascinando a los espectadores. B/N. Por su parte. anunciada a bombo y platillo. White). su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. 1929 Hitchcock. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. . Argumento Durante una cena con su prometido. lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente».

donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. Aunque toda la película. EE. 1960. quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». Bitzer. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. 1935. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. W. W. todas ellas de Thomas Dixon Jr. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. Griffith. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. 1946.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. entre otras muchas). Henry W. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. a excepción del último rollo. mitad enigmáticos. 1915 W. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido.).UU. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. FOTOGRAFÍA: C. que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. Psicosis. Marnie. desayuna con su familia. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. Mary Alden (Lydia Brown. Walthall (Ben Cameron. Anny Ondra. PRODUCCIÓN: Epoch (D. GUIÓN: D. Griffith). Muchos serán los que mueran du- .W. B/N. la hermana pequeña). sin embargo.. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. 1964). la ladrona [Marnie].W. Miriam Cooper (Margaret Cameron). Griffith y Frank E. el pequeño coronel). El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. así como en la novela The Leopard's Spots.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. Griffith. Mae Marsh (Flora Cameron. MONTAJE: James Smith. antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. el ama de llaves mulata de los Stoneman). a pesar de lo cual. Argumento Año 1860.

entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. en última instancia. según reza uno de los rótulos). desde un punto de vista artístico. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. Si. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. The Clansman. la película posee un argumento. Ben Cameron. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. según se dijo. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». por un lado. Dixon. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. No obstante. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). En cualquier caso. de paso. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. desde una perspectiva ideológica.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. Phil Stoneman y su protegido negro. Lynch coge prisionera a Elsie. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. Por su parte. los indisciplinados y lujuriosos negros. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. que ha caído prisionero. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. Silas Lynch.000 dólares. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. obteniendo.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. sin embargo. su hermana. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. Llegada la paz. cuya mera sinopsis produce. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. verdadero espanto. por otro. contraigan matrimonio. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. firme defensor de la supremacía blanca. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. Lo que. Ben Cameron. hoy en día. y Margaret y Phil. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. .

1980) con sus innumerables secuelas. el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. una película dirigida por el británico James Whale. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). Posesión infernal (The EvilDead. elvampiro (1922). cuyas grandes orquestaciones de color. o como Psicosis (1960). La profecía (The Ornen. la productora de King Kong (1933). donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. 1964). El relevo vino a tomarlo la R-K-O. de Drácula. Hyde. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. El exorcista (1973). que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas.286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. . de Alfred Hitchcock. 1956). 1954). al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. 1959). 1927). cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. por ejemplo. Por su parte. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. como Mario Bava y Dario Argento. caso. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. que figuró en la película Nosferatu. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. 1931). Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. 1976). que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. 1978). Con El hombre lobo (The WolfMan. más o menos truculentas. También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. Sin embargo. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. 1941). 1962). 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. caso de La noche de Halloween (Halloween. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. Jeckyll and Mr. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. 1942). 1920). una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad.

PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). dado que la película sólo recoge su infancia. sin duda. el retrato está incompleto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. Lochavoff. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. sin embargo. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. en este sentido. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. En la actualidad. B/N. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. sí consiguió fue explotar al máximo.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. Meinhardt y Eugene Lourie. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. juventud y los inicios de su carrera militar. Años más tarde. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. las posibilidades de la cámara que. Jacouty. Antonin Artaud (Marat). Lo que. entonces como ahora. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. quedan restringidas a una sola pantalla. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. escena tras escena. Pierre Schildknecht. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. DURACIÓN: 270 minutos. Argumento En la academia militar. no llegó a realizarse. A pesar de su longitud y de su escala. Cuando se estrenó en París. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. e incluso en el momento de su estreno. convertido ya en teniente. MÚSICA: Arthur Honegger. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . Posteriormente. Napoleón no constituye una excepción. y de manera harto novedosa. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. realizando todo tipo de picados y giros. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. donde las imágenes. no existe una copia definitiva de Napoleón. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). finalmente. existían ya varias versiones de la misma. Alexandre Koubitzky (Danton). En todo caso. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. En todas sus películas. siguiendo la norma habitual. GUIÓN: Abel Gance. se mueve con extraordinaria agilidad. Gina Manes (Josefina de Beauharnais).

Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. 1973). Entre los resultados se encuentran un western revisionista. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). algunas ya veteranas. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». Ronee Blakely (Barbara Jean). MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. Tennessee. Opal. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica. Por su parte.. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. Delbert Reese. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). saca un revolver y dispara contra el escenario. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. como Haven Hamilton y Barbara Jean. muy alejada de los estereotipos del cine negro. o la aspirante a cantante. Keith Carradine (Tom Frank). Durante el concierto. un ferviente partidario de Walker. como Los vividores (McCabe andMrs. una adaptación de Raymond Chandler. como el joven Kenny Fraiser. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. la película.LilyTomlin(LinneaReese). Argumento Nashville. Albuquerque.UU. produciendo una sensación de aparente espontaneidad. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. entre ellas. que incluye todo el metraje conservado de la película. GUIÓN: Joan Tewkesbury. MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. 1971).290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. Geraldine Chaplin (Opal). Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. la reportera de la BBC. FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. y Un largo adiós (The Long Goodbye. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. que huye de un matrimonio desgraciado. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. cuyo marido. Famoso por su utilización de un sonido multipistas. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Miller. Barbara Harris (Albuquerque). de forma irreverente. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. Fraiser . DURACIÓN: 161 minutos.

la actriz que hace de esposa. La muerte en un accidente de coche de Alexander. Jean Champion (Bertrand). FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. alcanzaron el éxito. la madre en Pamela. el actor que hace de padre en la película. Concluido el rodaje. se está recuperando de una crisis nerviosa. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. a partir de entonces. MÚSICA: Georges Delerue. Tal sería el caso de Ronee Blakely. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). mientras que Severine. Julie. su director. sin embargo. DURACIÓN: 120 minutos. por «Fin Easy». que. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. Alphonse. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. Ferrand. restablece la calma. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). la llegada de su marido. o de Lily Tomlin. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). está destrozada por la enfermedad de su hija. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. Valentina Córtese (Severine). el protagonista masculino. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. o de calidad aún no probada. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). Jacqueline Bisset (Julie). Dani (Lilianna). pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. un hombre comprensivo. Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. que trata de un joven francés cuya visita a . MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. Natalie Baye (Ayudante).292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». GUIÓN: Francois Truffaut.

Peter Graves (Ben Harper). finalmente. Ben Harper. para poder sacar adelante la película. tras huir río abajo. Powell ha encontrado la horma de su zapato. Los niños. Lillian Gish (Rachel Cooper). razón por la cual los franceses la denominan. perfectamente creíbles. su compañero de celda. Evelyn Varden (Icey Spoon). un supuesto predicador ambulante. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine.UU. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. John y Pearl. «la nuit americaine». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. malentendidos matrimoniales e. que guardarán el secreto. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. Harry Powell. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa.. interpretado magistralmente por el propio Truffaut. la mujer de Harper. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. pero el obstinado Powell consigue localizarlos. una galería de personajes absurdos y. recurriendo a todo tipo de malabarismos. James Cleason (Birdie). INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). Argumento West Virginia. desengaños amorosos. incluso. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. Poco antes de que Ben sea ejecutado. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. DURACIÓN: 93 minutos. MONTAJE: Robert Golden.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. intenta trabar amistad con él. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. a la vez. al trazar. Powell es . con un estilo lleno de ingenio y elegancia. asesina a Willa. Cuando salga de prisión. MÚSICA: Walter Schumann. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. No obstante. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. y a las que el director. B/N. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. Shelley Winters (Willa Harper). un parado que ha asaltado un banco. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. mediante la utilización de un filtro especial. ha de hacer frente. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. Antes de ser aprehendido.

se van congregando en el exterior. le respondí.296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. le dije. No obstante. que ha sido víctima de un asalto similar. Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que.. Con todo. A resultas de ese fracaso. Marilyn Eastman (Helen Cooper). en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. Karl Hardman (Harry Cooper). Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. Los desnudos y los muertos. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. Judith Riley (Judy). "déjame a mí al frente de esa sección"». Keith Wayne (Tom). PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. Romero. FOTOGRAFÍA: George A. a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). DURACIÓN: 96 minutos. Barbara huye a una casa cercana. relatada según los cánones del cine de suspense. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante".terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. "¡Presente!". descubren a otro grupo de rezagados. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". GUIÓN: John A. el de Robert Mitchum. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. Russo. en número creciente. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara.UU. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. encogidos por el miedo. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. que con el papel de Harry Powell. Ocultos en el sótano. especialmente. Duane Jones (Ben). abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. Romero. B/N. 1968 DIRECTOR: George A. donde se encuentra con Ben. "Charles". su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. MÚSICA: Herbert Stothart.. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. DURACIÓN: 90 minutos. Margaret Drumont (Mrs.UU. Al Boasberg. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg).298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. Bert Kalmar y Harry Ruby. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. 1935 Sam Wood. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. Claypool que le presentará a la alta . En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. que consigue atrincherarse en el sótano. matando a todos menos a Ben. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años.los zombis asaltan la casa. GUIÓN: George S. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. Claypool). Gerstad. 1978). La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. Chico Marx (Fiorello). abandona su escondrijo. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). 1985). basado en un relato de James Kevin McGuinness. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Alian Jones (Riccardo Baroni). aliviado al verse rescatado. B/N. Driftwood). contribuyen a hacer la historia más convincente. George A. Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. Ben. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. El embaucador empresario Otis B. Harpo Marx (Tomasso). y el tono amateur que de ello se deriva. Morrie Ryskind. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. La Guerra de los Mundos. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. Argumento Milán. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Kaufman. MONTAJE: Wiliam Levanway. FOTOGRAFÍA: Merritt B. y es abatido a tiros por error. Romero. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción.

salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. un ayudante de camerino. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. Por desgracia. . situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. que no paraban de tomar notas. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. se dirigen a su hotel. el novio de la Castaldi. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. el productor Irving Thalberg. y Fiorello. el niño prodigio de la M-G-M. iniciado por Thalberg. el agente de Baroni. en Un día en las carreras (1937). Afortunadamente. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. El intento de ampliar su público. Tomasso.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. con resultados sólo ligeramente inferiores. De ese modo. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. cuya estrella es Rosa Castaldi. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. También dejó que. antes de pisar los estudios. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa.

PRODUCCIÓN: Prana. G. de Bram Stoker). y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. a pesar de lo cual. que siempre había sido su punto fuerte. Ruth Landshoff (Annie. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. a convertirse en un pelele inútil. es recogido por un veloz carruaje que. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. el principal interés de la película resi- Nosferatu. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. Ellen. un cambio que. No obstante. Greta Schroeder (Ellen. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. para el público actual. Tras un viaje lleno de premoniciones. se verá asolada por la peste. W. Aunque.H. . EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. creando una situación verdaderamente confusa). se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. su esposa). las teorías postvictorianas de Freud. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. ciudad que. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. el vampiro NOSFERATU. uno de cuyos referentes eran. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. B/N. en un principio. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. Alexander Granach (Knock. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. pero Ellen en la película. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. Como era de esperar. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. en parte. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. el empleado). precisamente. un agente de la propiedad). su esposa). el destructor. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. 1922 Murnau.Schnell (Harding. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. el propietario del barco). Argumento Hutter. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. DURACIÓN: 75 minutos. sin muchas ceremonias. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. le deposita frente a las puertas del castillo. Alemania. Gustav von Wangenheim (Hutter. pero. En este sentido. a su llegada. Nosferatu). un empleado de una inmobiliaria.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor.

Regodeándose con todo descaro en lo macabro. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. pero fue Werner Herzog quien. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. MONTAJE: Ted Kent. un ermitaño ciego. GUIÓN: William Hurlbut y John L. y a menudo también la letra. Tras una breve estancia en la cárcel. B/N. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. con su Nosferatu. Una O'Connor (Minnie). Heggie (El ermitaño). esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. Sin embargo. a diferencia de lo que solía ser la norma. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. The Return of Frankenstein. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. vampiro de la noche {Nosferatu. O. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). Enfurecido por semejante rechazo. Pretorius. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. Septimus Pretorius). la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. con desiguales resultados. Balderston. de la primera. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. DURACIÓN: 76 minutos. trabará amistad con Pretorius. que le enseña a hablar. Colin Clive (Henry Frankenstein). su creador.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger.). mejor versión del mito. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. el Monstruo continúa causando estragos. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). invocar el espíritu. FOTOGRAFÍA: John Mescall. 1979).. MÚSICA: Franz Waxman. Hall. Entre tanto. Ernest Thesiger (Dr. intentó. 1935 DIRECTOR: James Whale. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. y seguramente todavía. Con todo. Más tarde.UU. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. P. Henry Frankenstein. Pretorius para que colabore con él.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . Phantom derNacht.

Sin embargo. Argumento Orfeo. Niemann. que él mismo ha creado. que según él mismo asegura es su «única debilidad». 1974). caso. 1958). unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. por ejemplo. Al llegar a casa de la Princesa. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. Édouard Dermithe (Cegeste). y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. el Dr. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo.306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. 1939). embelesado por la enigmática Princesa. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. María Casares (La Princesa). Orfeo ORPHÉE Francia. el chofer de la Princesa. con Peter Boyle en el papel del Monstruo. hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. Marie Dea (Eurídice). B/N. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. La mezcla de terror y humor negro. MÚSICA: George Auric. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. 1944). se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. su esposa. GUIÓN: Jean Cocteau. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Juliette Greco (Aglaonice). reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. también ha muerto. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. tras lo cual morirá asaltado por una turba. Francois Perier (Heurtebise). Tras cruzar el espejo y llegar al averno. DURACIÓN: 112 minutos. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. le informe de que Eurídice. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. volverá a reunirse con Eurídice. de El hijo de Kong [Son ofKong]. 1934).

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. Al Pacino (Michael Corleone). Sterling Hayden (McCluskey). Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. y con la colaboración. MONTAJE: William Reynolds.. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. Robert Duvall (Tbm Hagen). el protector de aquél en el cuerpo de policía.a una concepción del cine como poesía visual. no obstante. y el otro. Haciendo gala de una portentosa imaginación. Peter Zinner. también divertida. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. 1972 Francis Ford Coppola. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. están filmadas de manera muy realista. se casa con Kay Adams. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. MÚSICA: Niño Rota. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». Ruddy). 1930) y Le testament d'Orphée (1960). se refugia en Sicilia. James Caan (Sonny Corleone). su antigua novia. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. un capo rival. por el contrario. Richard Castellano (Clemenza). . por el mito de Orfeo. no mencionada en los títulos de crédito. ambientada en el mundo actual. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». al ser abatido a tiros en la calle. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. Marc Laub y Murray Solomon. consolidando así su posición como nuevo padrino. La película. en un fantástico mundo subterráneo. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. efectuada por Sollozzo. Su hijo Michael. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. Desafiante siempre y. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). de Robert Towne). en particular. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». es su película más conseguida. tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. Orfeo. el director funde su obsesión por los mitos griegos y. De regreso a los Estados Unidos. PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. a menudo. está a punto de costarle la vida. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo.UU. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. tras lo cual. DURACIÓN: 175 minutos.

sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. M.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. FOTOGRAFÍA: Robby Muller. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. con un genuino toque de autor. Texas Alemania occidental/Francia. Laurence Olivier. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. MONTAJE: Peter Przygodda. el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. Natassja Kinski (Jane). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. 1968). va contándole a su hermano Walt su historia. Aunque en un principio permanece en silencio. "Kit" Carson). GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. MÚSICA: Ry Cooder. Walt y su mujer Ann han adoptado . seguramente. En este sentido. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. Gracias a su tenacidad. como son la presencia de estrellas en el reparto. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. moral y económica del país. Parts. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. Robinson). 1974). un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. un nombre más asequible. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. y. Dean Stockwell (Walter Anderson). en consecuencia. Part II. DURACIÓN: 148 minutos. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. por encima de todo. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. Aurore Clement (Anne Anderson). y en El Padrino III (The Godfather III. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. consiguió que se aumentara el presupuesto. Orson Welles y Edward G. a quien se consideraba un guionista de talento y. Hunter Carson (Hunter Anderson). una saga sobre la «Cosa Nostra». También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano».000 dólares. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. orquestada con tonos operísticos. Argumento Travis Anderson. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). 1990).

Michel Simón (Jean Lemaitre). Louis Ravet (Jean Beaupére). Comentario Aunque esta austera y. en el que es. muy exitosa película.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. sin embargo. de Joseph Deltell). Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). Como él mismo ha señalado. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. Irónicamente. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). Hunter insiste en acompañarle. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. sin duda. en la que se desvelará el motivo de su separación. París. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. la escena clave del film. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). empezando por su propio título. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. sobre todo. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. no llegará a solucionarse. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. Antonin Artaud (Massieu). su mejor papel hasta la fecha). Alfinal. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). si bien se trata de una problemática que. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. de la música y del cine. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. DU- RACIÓN: 114 minutos. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. Travis se marchará solo. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. en último término. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. B/N. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. Texas. Texas. a través de los libros y.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. el hijo de Travis. su mujer. la adolescente . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. París.

Como ocurre en el resto de su obra. cuya canonización se había producido en 1920. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. Chúmbala Devi (La tía). El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). particularmente. Pather Panchali India. es llevada a la estaca donde morirá quemada. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. Karuna Banerjee (Sarbajaya). se resiste a hacerlo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. para su director. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. debido a la complejidad de los decorados. Dreyer trató con extrema dureza. DURACIÓN: 115 minutos. El verdadero tema de la película. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. MÚSICA: Ravi Shankar. Urna Das Gupta (Durga). la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. considerado revolucionario en su época. . retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. pero ella se mantiene firme ante sus captores. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. pero triunfa en lo que.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. MONTAJE: Dulal Dutta. según se dice. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). Subir Banerjee (Apu). el director danés optó por Juana de Arco. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. Aunque su cuerpo haya sido destruido. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. una vez más. pero. Con la cabeza rapada. pide que se le aplique la pena. era el único reino verdadero: el del alma. B/N. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura.

mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. ya en los años cincuenta. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. Apu conocerá también el significado de la muerte. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. Apu. reinició la filmación ya en 1953. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. acompañado de su hermana. En la escena más famosa de la película. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. tras un parón de varios meses. sus hijos Apu y Durga. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. para cuando Ray la filmó. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. si llegaba a completarse. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. se había convertido en un clásico contemporáneo. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. a varios patrocinadores en potencia. entre otras razones. lo estuvo mostrando. sin embargo. sin ningún resultado. a lo largo de un año. . de Durga. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. posteriormente. Finalmente. Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. y su anciana Tía. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. aunque teñida de lirismo. A pesar de todas estas dificultades. esta película. Que esto fuera así se debió.

con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. terminaría trabajando en los Estados Unidos. Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. 1966). con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. Mad World. loco (It's a Mad. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. Mad. 1962) o El mundo está loco. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. con La última película (1971). o producciones convencionales del género de terror. a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. 1976) y que. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. Mad. A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. caso por ejemplo de La conversación (1974). 1969).318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). 1969) o Love Story (1970). El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. 1975). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. Volker Schlóndorff. buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. Texas (1984). Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). El día más largo (The Longest Day. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. a principios de la década de los setenta. finalmente. 1962). . Lo cierto es que. 1963). el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. 1970). el director de Aguirre. sería la película Mad Max. donde realizó París. como El exorcista (1973). mientras otros directores. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. Francis Ford Coppola. 1972). 1973). con El padrino (1972) y Martin Scorsese. estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. Fred Schepisi y Peter Weir. 1974). engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. loco. la cólera de Dios (1972). Aeropuerto (Airport. No obstante. en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. con Malas calles (Mean Streets. Peter Bogdanovich.como Sonrisas y lágrimas (1965). mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. No obstante. caso de Pasolini o Bertolucci.

Dietrichson). otro de los decanos de la novela policiaca. 1981. con frecuencia. Seitz. Fred MacMurray es condenado por ase- . Sin embargo. MONTAJE: Doane Harrison. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). luego. Three ofa Kind). 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. a pesar de lo cual.. MÚSICA: Miklos Rozsa. En el caso de Perdición. su deseo por esa mujer le llevó. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. Retorno al pasado [OutofthePast]. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder.UU. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. realizada al alimón por Raymond Chandler. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). El protagonista masculino. Porter Hall (Mr.). que. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. tuvo tiempo de dispararle. Argumento Walter Neff. Jackson). etc. 1947. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. Adaptación de un relato de James M. Robinson (Barton Keyes). finalmente. pero antes de que él la matara. con sus diálogos afilados. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. B/N. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Edward G.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. tras llamar a la policía. trata de consolar a su amigo antes de que muera. primero. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). cada vez más asqueado. Neff. antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. En el final original de la película. Keyes. DURACIÓN: 106 minutos. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. Jean Heather (Lola Dietrichson). a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. un vendedor de seguros. sospechó que se trataba de un fraude y. 1946. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. Tom Powers (Mr. y el mordaz Billy Wilder. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. Cain. Cain. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. detective de la compañía. FOTOGRAFÍA: John F.

Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. Alma. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. GUIÓN: Ingmar Bergman. Esos 20 minutos de película. Según se cree. No obstante. Vogler). esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. Su estado. inesperadamente. Margarethe Krook (La doctora). el celuloide parecerá quemarse. pertenecientes a la fantasía del adolescente. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. que. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. a mitad del film. Cuando llega el marido de Eli- . B/N. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. por contraste. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. MÚSICA: Lars-Johan Werle. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. DURACIÓN: 81 minutos. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. Gunnar Bjornstrand (Mr. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. MONTAJE: UUa Ryghe. que. Comentario Persona. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. Bibi Andersson (La enfermera Alma). momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. sabeth. que no tiene explicación médica. Persona Suecia. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. donde Elisabeth comienza a recuperarse.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. habla sin parar. Jorgen Lindstrom (El muchacho). que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra.

a la vez. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). tan evasiva. pero. Pierre Etaix (Cómplice). Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. va adquiriendo. debida a un director que. un estudiante solitario y sin dinero. se ve forzado a abandonar Francia. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. Cuando regrese. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. después de mucho tiempo. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. esa ambigüedad. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. y es. un Pickpocket Francia. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. vuelve a quedar en libertad. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. Marika Green (Jeanne). MONTAJE: Raymond Lamy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . no obstante. GUIÓN: Robert Bresson. Pierre Leymarie (Jacques). Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. Argumento Michel.sino por el propio acto en sí. no es más que parte de la ilusión creada por el cine. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. DURACIÓN: 80 minutos. Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. dromo. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. vuelve a encontrarse con Jeanne. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. Kassagi (Carterista). las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. En última instancia.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. precisamente. Jean Pelegri (Inspector de policía). al poco tiempo. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. Tras ser detenidos dos de sus colegas. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. B/N. Apesadumbrado tras la muerte de su madre. La policía le detiene. por principio. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli.

PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. Finalmente abandona la ciudad. Luego engaña a los Rojo. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. enemigos declarados de aquéllos. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. no puede considerarse una adaptación de la novela. decidido a devolver el oro robado. MONTAJE: Robert Cinquini. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. Antonio Prieto (Benito Rojo). A continuación se sucederán los enfrentamientos.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Los Rojo. en los que muchos serán los que mueran. concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. MÚSICA: Ennio Morricone. Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. le contratan para que trabaje a su servicio. La película. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. Sin embargo. . pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. consiguiendo ese efecto. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. Marianne Koch (Marisol). típicamente bressoniano. Wolfgang Lukschy (John Baxter). pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión.

llegarán para investigar su desaparición. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. MONTAJE: George Tomasini. Vera Miles (Lila Crane). a poder ser. A pesar de la aparente oposición de su madre. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. Mientras exploran la mansión de los Bates. B/N. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. de Kurosawa. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. Argumento Tras haber huido con 40. Psicosis PSYCHO EE. Norman Bates decide darle una habitación. así como por sus duelos interminables y ritualistas.000 dólares pertenecientes a su jefe. debía tratarse de un actor conocido del público. Atraído por el guión. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente.. sin embargo. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. de calidad muy inferior. Más tarde. una versión oficiosa del Mercenario. dándoles a su vez un cierto toque operístico. preferiblemente. Marión Crane llega al Motel Bates. MÚSICA: Bernard Hermann. aunque. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . John Gavin (Sam Loomis).000 dólares. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). también morirá a machetazos. Si Steve Reeves estaba descartado. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. John Mclntire (Sheriff Chambers). adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. comenzó a buscar al protagonista que. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). La película. El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella. FOTOGRAFÍA: John L.UU. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. Janet Leigh (Marión Crane). la hermana de Marión.000 dólares. Russell. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. por lo general. en apariencia inagotable. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. Poco después Sam Loomis y Lila. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. DURACIÓN: 109 minutos. no demasiado caro. Martin Balsam (Milton Arbogast). La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. mediante unos primeros planos brutales. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial.

. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). Donald Cook (Mike Powers). Ed Gein. interviene Sam. a su vez.no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm.UU. B/N. Beryl Mercer (Ma Powers). Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. por un lado. por otro. Norman. a pesar de lo cual. Jean Harlow (Gwen Alien). una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. ya bajo atención psiquiátrica. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. que. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. así como las técnicas empleadas en su realización. La utilización del blanco y negro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. Beer and Blood). Argumento Tom Powers y Matt Doyle. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. The Public Enemy EE. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. Zanuck). una consecuencia del modesto presupuesto de 800. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. GUIÓN: Kubec Glasmon. aparentemente cuerdo. MÚSICA: David Mendoza. así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. 1986. Más adelante. un asesino y necrófago de Wisconsin. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha. Psicosis III (Psycho III.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. dirigida por el propio Perkins). así como a su fotografía y dirección artística. 1931 DIRECTOR: William Wellman. Edward Woods (Matt Doyle). DURACIÓN: 84 minutos. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. Joan Blondell (Mamie). Un Norman. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. 1983).330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. MONTAJE: Ed McCormick. son. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. dos delincuentes juveniles.

además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. un papel mucho menos relevante. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». bordó su papel y creo. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. más violenta y más realista que jamás hayas visto». sobre todo. Cagney. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. envuelto en vendas. seguirá el camino recto. Cagney. . Sin embargo. James Cagney. en adelante. está basado en el gángster de Chicago. Aunque. pero la banda de Schemer le saca del hospital. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. el arquetipo del gángster hollywoodiense. ha pasado a la pequeña historia del cine. tras tres días de rodaje. Tom promete a su familia que. Sin embargo. En un principio.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. había sido elegido para interpretar a Doyle. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. éste le respondió lo siguiente: «Mira. las películas de gángsters están acabadas. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. tras más de sesenta años. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. Bill. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. Comentario Se cuenta que. y le mata de un disparo en la sien. con su característico estilo bronco y agresivo. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. según se cree. cuyo personaje. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. el jefe de la banda rival. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. un rubia explosiva.

GUIÓN: Francés Goodrich. Donna Reed (Mary Hatch). La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. devorado por el rencor. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. Henry Travers (Clarence). dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. Smith Goes To Washington. un banquero sin escrúpulos. Aunque la R.K. de Michael Wilson. Thomas Mitchell (Tío Billy). pero se le aparece Clarence. había adquirido los derechos. sin embargo. un ángel. B/N. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. un actor que. 1938) y Caballero sin espada (Mr. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. Corren las fechas navideñas. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. no reflejada en los títulos de crédito. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. MONTAJE: William Hornbeck. Bailey). En cuanto al papel de esposa. hacen de esta . recayó en un principio en Jean Arthur. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. cuando Bailey. Potter. se plantea la posibilidad de suicidarse. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). su madre sería una viuda solitaria. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. casi perfecta. Lionel Barrymore (Dr. 1946 DIRECTOR: Frank Capra.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales.O. Desde el primer momento. aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. Potter). al igual que Capra. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios. contando también con la colaboración. Hundido en la desesperación. DU- RACIÓN: 129 minutos. 1939). Beulah Bondi (Mrs. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift.UU. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. Clifford Odets y Jo Swerling). sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. el papel principal se destinó a James Stewart. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey).

MÚSICA: Frank De Vol. DURACIÓN: 132 minutos. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. Della Flagg). Bates). GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). Marjorie Bennett (Mrs. Blanche decide vender su casa. es asesinada cuando trataba de liberarla. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. causó sensación. En vista de ello. Nominada para cinco Osear. una mujer cada vez más perturbada. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. de los que no obtuvo ninguno. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. las oportunidades descienden vertiginosamente. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». Jane se la lleva a Malibu Beach. El resultado.000 dólares. Cuando llega la policía. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. a Blanche. que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy».. Cuando éste descubre . Argumento Blanche Hudson. Finalmente. Maidie Norman (Elvira Stitt). Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades. en el transcurso de la cual Elvira. sumida en la más profunda locura. la película fue. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. Jane contrata al pianista Edwin Flagg.000 dólares a cada una de sus estrellas. vive a merced de su hermana Jane. Jane. Joan Crawford (Blanche Hudson). Victor Buono (Edwin Flagg). el ama de llaves. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. un fracaso comercial en el momento de su estreno.UU. Anna Lee (Mrs. además. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. B/N. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich).336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. 1962 Robert Aldrich. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. MONTAJE: Michael Luciano. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. pagando tan sólo 50. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). con la intención de enterrarla viva. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. en los últimos tiempos. provocando una sádica guerra de nervios. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta.

INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. si bien. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. Hush Sweet Charlotte. una corista. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. a la que invita a su fiesta de nochevieja. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. Se produce una pelea. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. En adelante. Sin embargo. MONTAJE: Charles Chaplin. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. debido a una enfermedad. Ambos se vuelven inmensamente ricos y.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida.. DURACIÓN: 82 minutos. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. alfiny al cabo. ya iniciado el rodaje. fugiados en una remota cabana. Hall. B/N. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. para que le ayude a encontrar su mina de oro. Tom Murray (Black Larson). no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). McKay. Más adelante. GUIÓN: Charles Chaplin. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. Entretanto. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. Mack Swaim (Big Jim McKay). Georgia Hale (Georgia). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D.l964). sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. Un rey en Nueva York (A King in New York. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. donde se enamora de Georgia. el vagabundo se reúne con Georgia. Betty Morrissey.UU.1964). los proble- . querida (Fanatic. que ha descubierto su filón de oro. 1967). a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. que ha recuperado la memoria. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. en su viaje de regreso. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años.

5 millones de dólares. El relato deprime a un monje allí presente que. Machiko Kyo (Masago). sometido a una persecución por toda la cabana. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. realizada por el propio Chaplin. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. Masago. por ejemplo. obteniendo unos beneficios próximos a los 2.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. Takashi Shimura (Tratante de leña). ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. Masago afirma que. el pequeño vagabundo. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. No obstante. Por su parte. enormemente popular desde el momento de su estreno. siglo VIII. DURACIÓN: 88 minutos. MÚSICA: Fumio Hayasaka. A través de una médium. partiendo de los objetos más comunes. 1951 Akira Kurosawa. Estos rasgos se aprecian. Atrapado por una tormenta. El leñador. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. fue una de las producciones mudas más taquilleras. una escena donde consigue crear. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). Takehiro. Rashomon Japón. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. Masayuki Mori (Takehiro). En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. DIRECTOR: Argumento Japón. Minoru Chiaki (Monje). de Ryunosuke Akutagawa). sin embargo. La película. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. B/N. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. Siguiendo un esquema característico de su autor. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. acusado del asesinato de aquel hombre. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. y de la violación de su mujer. sostiene que se trató de un combate limpio. El bandido Tajomaru. un tanto desmañada. tras ser violada. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. . Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. sin embargo.

de los Siete samurais.Ras- homon sería objeto de una versión. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. un autor que se suicidó en los años veinte. Sin embargo. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. Dennis Hopper (Goon). convertida en el western Los siete magníficos. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. ha llevado a algunos críticos a considerarla. El comentario realizado por el propio Kurosawa. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. Jim da parte a la policía. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. sin duda. Jim Stark. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. Jim Backus (Padre de Jim). El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. como la víctima. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart).342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. quizá erróneamente. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son».. un taciturno adolescente. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. MONTAJE: William Zeigle. posteriormente.UU. favoreció el impacto que produjo en Europa y América.1964). Ann Doran (Madre de Jim). El resultado no estuvo a la altura del original. pero. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. 1955 Nicholas Ray. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. titulada Cuatro confesiones (Outrage. y Laurence Harvey en el papel de marido. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. MÚSICA: Leonard Rosenman. dirigida por Martin Ritt. justo antes de saltar. hace amistad con Platón. la solidez de su trabajo actoral y. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. por encima de todo. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. la película. su innovadora estructura narrativa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. un muchacho huérfano. Desoyendo el consejo de sus padres. Sal Mineo (Platón). el jefe de una pandilla. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. por ejemplo. fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. En su primer día conoce a Judy.un exotismo que. Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. en compañía de Judy y Platón. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). la guerra. Natalie Wood (Judy). DURACIÓN: 111 minutos. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y.

la esposa del Marqués De la Chesnaye. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). y mejor actor secundario. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. trata de encontrar unos valores que le sean propios. Jean Renoir (Octave). La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. Sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. mejor actriz secundaria. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. cuando finalmente accede a hacerlo. siguen rebosando autenticidad. Pues. Christine. No obstante. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). para Natalie Wood. Por otro lado. 1956). Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. MONTAJE: Marguerite Renoir. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. B/N. ropas. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. como Rebelde sin causa. Marcel Dalio (Robert. es abatido a tiros por la policía. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. a partir de Mozart. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. llamado James Dean. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. Mila Parley (Genéviéve). marqués De La Chesnaye). Paulette Dubost (Lisette). embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. que trata de vengarse. se entera de que su ma- .cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. de Elia Kazan.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. películas y otros tantos productos similares. para Sal Mineo. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. Monsigny y Saint-Saéns.

ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. más adelante. más tarde. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos. el guarda de la finca. Repleta de momentos memorables. se descubre una nueva faceta de la misma. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. una farsa actualizada de Beaumarchais. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. En vista de ello. Renoir señalaría.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. prohibida por las autoridades de Vichy. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. finalmente. Por su parte. más adelante. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. un amigo de la infancia. aunque todos dan por sentado que. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. con ese toque humano tan característico del director. hasta componer. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. . Una de las frases emblemáticas de la película. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. Aunque. La regla del juego sería amputada drásticamente y. cada vez que se contempla. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él.y es uno de esos raros casos en que. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. Por todos estos motivos. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. Sin embargo. en realidad.

1936). a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. seguramente sea Indiana Jones. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. 1974).de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. aunque no demasiado brillante. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). algunas de ellas. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. como Matt Helm o Derek Flint. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. 1991). Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. un hombre cínico y desencantado. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. 1991). y los rebeldes apasionados. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. unos héroes dedicados a hacer el bien.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). por lo menos. 1938) y The Sea Hawk (1940). . Paul Newman o Steve McQueen. el James Dean de Rebelde sin causa (1955). Como señaló su hijo. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. sugerida por el propio Harrison Ford. más adelante. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. el romántico solitario. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. Una escena. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. Rocketeer (The Rocketeer. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». que encarnó Sean Connery. 1941). En la historia del cine norteamericano. demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. el cine ha demostrado. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. o. No obstante. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. como Marión Brando. 1937). acompañadas de sus respectivas secuelas. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. sin embargo. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro.

DURACIÓN: 97 minutos. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. le seguirá a España. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces. se va deslizando por la habitación de la posada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. Don Antonio de la Prada. la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. a instancias de su amiga Salka Viertel. Mientras se encontraba en Suecia. Argumento Suecia. La Reina abdica. MONTAJE: Blanche Sewell. Greta Garbo. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. en aquel preciso momento. N. 1927). Un día. Cristina manda partir a Antonio. y que. Willis. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. se sintió atraída por la vida de Cristina. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin).UU. Salka Viertel y S. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. Ya de vuelta en Hollywood. siguen viéndose en secreto. GUIÓN: H. B/N. mientras monta a caballo. siglo xvn. con la promesa de que. perdidamente enamorada. Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). sin embargo. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. Entre ellos. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. aquel en que. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . pasan juntos dos días de absoluta dicha. Nils Asther y Franchot Tone. MÚSICA: Herbert Stothart. se prescindió del actor británico. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). una escena que se rodó al compás de un metrónomo. Sir C. una reina sueca del siglo xvn. tras quitarse su disfraz. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. Ian Keith (Magnus). y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. Magnus.. se encuentra con el embajador español. Cuando su anterior amante. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. Harwood. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. John Gilbert. Con todo. Harta de tanta guerra. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. Mayer. finalmente. M. más adelante. Aubrey Smith (Aage). Elizabeth Young (Ebba Sparre). con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. descubre su relación.

MÚSICA: Alan Gray. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. un individuo que siente debilidad por la ginebra. Más adelante. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut). el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. Walter Cotell (Segundo Oficial). S. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. Katharine Hepburn (Rose Sayer). una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco.UU. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. El sentimentalismo de la película (que contrasta. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). Forrester). DURACIÓN: 105 minutos. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. encuentra refugio a bordo de La reina de África. libres de todo peligro.352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. Peter Bull (Capitán del Louisa). pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. Tras un ataque alemán. Por su par- John Huston. P. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». por ejemplo. Technicolor. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. Entretanto. Condenados a morir ahorcados. la mojigata hermana de aquél. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. la Primera Guerra Mundial. que terminará por convertirse en amor. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman). MONTAJE: Ralph Kemplen.100 millas del río Congo. Argumento África Central. Theodore Bikel (Primer Oficial). Aquel año. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia.. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. aún hoy. a resultas del cual muere un misionero. Rose. La escena. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. Finalmente llegan al . Eagle [Sam Spiegel]). Cuando John Huston se incorporó al proyecto.

Ricky Nelson (Colorado Ryan).fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. MONTAJE: Folmar Blangsted. un joven pistolero. 1975). En un primer momento. Por su parte. Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs.UU. en un nuevo ataque. Angie Dickinson (Feathers). Katharine Hepburn. está tramando un plan para liberarlo. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. Argumento La certeza de que Nathan. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. . Finalmente. favorecido por una buena provisión de dinamita. DURACIÓN: 141 minutos. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. que contaba con la pareja formada por una monja. su ayudante Dude. Dude es tomado como rehén. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. Chance. Chance).1955). Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. reflejados en la novela Cazador blanco. McCampbell). el hermano de Joe Burdette. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. Kuter. Ward Bond (PatWheeler). Stumpy. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. MÜSICA: Dimitri Tiomkin. y un marine. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. más bien se trata de un telón de fondo. Más adelante se unirá a ellos Colorado. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. interpretada por Deborah Kerr. pero. Allison. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. el guardián de la cárcel. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. H.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. Chance se salva de un atentado contra su vida. se impone a la banda de Burdette. Walter Brennan (Stumpy). PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. INTÉRPRETES: John Wayne (John T. encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. casi abstracto. papel que correspondió a Robert Mitchum. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. que el director utiliza como Río Bravo EE. 1957). corazón negro. Dean Martin (Dude). y un lisiado. Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. al que aceptará como ayudante.

GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. por un lado. por tanto. sin demasiados cambios. el pistolero Colorado y la corista Feathers. MONTAJE: Ralph Lawson. a todos los efectos. ambientado en la Martinica. y Tenery no tener (To Have and Have Not. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. Sol Polito y W. 1939). No es de sorprender. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Olivia de Havilland (La doncella Marian). por otro. 1944). DURACIÓN: 102 minutos. Chance y Dude. la fórmula. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. el viejo. Chance. Eugene Pallete (Fray Tuck). John Carpenter. FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. Howard Greene. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B.UU. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne).. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. mientras que. Claude Reins (El príncipe Juan). En la película que nos ocupa. Patrie Knowles (Will Scarlet). La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. así. donde figuraba como montador un tal John T. Miller. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). Wallis y Henry Blanke). con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. en 1976. que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores.356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. pero valeroso carcelero. su amigo alcohólico y. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. Río Lobo (1970). era una nueva versión. en particular. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. está la relación entre el sheriff]ohn T.

Comentario Desde 1908. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. Kevin Costner en Robin Hood. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. roe de las películas románticas y de aventuras. atlético y picaro de todos ellos. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. en fecha más reciente. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. que no tardará en enamorarse de su captor. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. el resultado final es un relato sin fisuras. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. 1922). y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. Jack L. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. La película. en compañía de Robin y de sus hombres. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . Guy de Gisbourne. que recayeron en las personas de Weyl. En uno de sus asaltos. A pesar de ello. Sin embargo. 1936). año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. que se hizo cargo del rodaje de interiores. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. Korngold y el montador Ralph Lawson. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. Su único oponente. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. Robin de Locksley. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. En el combate que se desencadenará a continuación. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. 1976) y. El Príncipe Juan y su aliado. coge prisionera a la doncella Marian. romántico. Ganadora de tres Osear. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. Cuando Ricardo regresa. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. Con Flynn como protagonista principal. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. 1991). 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade.

MÚSICA: Renzo Rossellini. La crítica sigue dudando entre Ossessione. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. PRODUCCIÓN: Excelsia. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . MONTAJE: Eraldo Da Roma. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. que aún hoy sigue conmoviendo. Aunque desde un punto de vista analítico. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. filmados. Marai Michi (Marina). una antigua amante de éste. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). GUIÓN: Roberto Rossellini. La película. DURACIÓN: 100 minutos. el carácter melodramático de su trama. Francesco. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. B/N. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. uno de los jefes de la resistencia comunista. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. la adaptación de la obra de James M. el proyecto. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. El día antes de su boda con la viuda Pina. un cura de su total confianza. mientras que Don Pietro será fusilado. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. Más adelante. e incluso sus muebles. Argumento Roma. y Roma. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. Francesco Grandjacquet (Francesco). donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. en la medida de lo posible. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. Marcello Pagliero (Manfredi). Cain realizada por Visconti en 1942. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. todo ello. Harry Feist (Mayor Bergmann). Manfredi. Megna. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco.

como Visco nti y Vittorio De Sica. no es ni un joven airado. Unido. se dispone a disfrutar por todo lo alto. uno de ellos el hermano de Jack. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). B/N. John Osborne y Alan Sillitoe. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. hace noche en casa de Brenda. por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Con esta película. un obrero de las Midlands. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). El papel de la mujer casada y de más edad. que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. Cuando a Jack le asignen el turno de noche. mientras se encuentran bus- . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. cando piso. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). DURACIÓN: 89 minutos. se le resistirá. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. le asegura que sus días de juerga no han terminado. poco después. Hylda Baker (Tía Ada). ni un arribista. aprovechando que su marido se encuentra ausente. Arthur Seaton. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. Norman Rossington (Bert). le propinarán una paliza. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. Dando signos de mayor responsabilidad. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. Tras pasar la tarde en elpub. el actor teatral Albert Finney. Arthur tratará de que aborte y. pero. como el Joe Lampton de Sábado noche. todos ellos personajes perfectamente definidos. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. Shirley Anne Field (Doreen). En cuanto al personaje de Finney. MONTAJE: Seth Holt. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. entre los que se contaban Stan Barstow. 1960). en un principio. Rachel Roberts (Brenda). Bryan Pringle (Jack). MÚSICA: Johnny Dankworth. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. una chica que. este último el autor de la novela en que está basada la película. Arthur se compromete con Doreen. Sin embargo. Por otro lado. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. le fue ofrecido a Diana Dors. dos soldados. Comentario Sábado noche. 1959).

el explosivo fue colocado en territorio mexicano. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. entre otras razones. de Whitt Masterson). uno de los sospechosos. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. Con objeto de frenar a Vargas. la culpabilidad del policía norteamericano. el jefe de una red de narcotráfico. Marlene Dietrich (Tanya). el ayudante de Quinlan. preparan una trampa que demuestre. u n policía mexicano. En el tiroteo que se sucede a continuación. Esa visión limitada y. Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). según se descubrirá. 1958 Sed de mal encargado del caso. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. Vogel y Aaron Stell. Janet Leigh (Susan Vargas). Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. MÚSICA: Henry Mancini. Vargas. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. que permanece drogada. Joanna Moore (Marcia Linnekar). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy.. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil.UU. Ray Collins (Adair). Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. B/N. el voluminoso policía norteamericano . A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. mediante una grabación. MONTAJE: Virgil M. en última instancia. Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. Orson Welles (Hank Quinlan). DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith).364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). Argumento México. derrotista. se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. Vargas y Menzies. Joseph Calleia (Pete Menzies). INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. aunque. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. para que su marido abandone sus pesquisas. Víctor Millan (Manolo Sánchez).

A pesar de sus excesos estilísticos. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. se verá forzado a recurrir a una trampa. En un principio. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). que había dado por sentado que Welles. Sea como sea. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. Román y Minnie Castevet. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). Quinlan es una creación inolvidable. y su esposa Rosemary. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). más adelante. rodado desde una grúa. Welles sólo había sido contratado como actor. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. Guy le propone a Rosemary que tengan . Sidney Blackmer (Román Castevet). probablemente. un actor que trata de salir adelante. MÚSICA: Krzysztof Komeda. Quinlan es. se mudan a su nuevo apartamento. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. posiblemente.UU. un su- perviviente de la época de la frontera. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. Ruth Gordon (Minnie Castevet). Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. Guy Woodhouse. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. Fraker. Sapirstein). además de actuar. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. lo cual no obstó para que. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. ante todo. un personaje de otros tiempos. Todo en este film. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. Ralph Bellamy (Dr. sería el director del film. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. DURACIÓN: 136 minutos. donde traban amistad con sus vecinos. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable.. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). Maurice Evans (Hutch). John Cassavettes (Guy Woodhouse). Hank Quinlan.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. con objeto de sacarle una confesión. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. si actúa así. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. es. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. y que. 1968 Román Polanski. es desmesurado. Vargas. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. FOTOGRAFÍA: William A. Argumento Nueva York.

La película rodada para la televisión. muere de forma misteriosa. 1975) yLaprofecía (The Ornen. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. en realidad. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. sin embargo. se decide a consultar a su amigo Hutch que. . Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. dará a luz. La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. finalmente. dirigida por Sam O'Steen. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. en el que se da a entender que Castevet es. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. al despertar a la mañana siguiente. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. En cuanto al papel de Guy. 1976). en ese preciso momento. La monja poseída (To the Devil A Daughter. en el que era violada por un monstruo con cuernos. que. Por otro lado. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. al poco tiempo. recaería en John Cassavettes. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. un brujo. así como la nominación para dos Osear. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. el montador de la cinta original. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. tras ser rechazado por Robert Redford. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. Rosemary se siente indispuesta y.1961). Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. dejándole un libro sobre brujería. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico.1974).368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. Su golpe maestro fue. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon.

se guiaría durante los próximos treinta años. fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. y buena parte de la producción cinematográfica en general. En la actualidad. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. 1933). . Entre tanto. hoy en día. domingo mañana (1960). en teoría. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero).y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». han prohibido películas por motivos políticos y. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). mientras que una película como Víctima (Victim. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. Salvaje {The Wild One. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. a cuyo frente se situó a Will H. la violencia extrema o la inmoralidad. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). a la vez que. poco después. Muchos países.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. por ejemplo. delante de los niños.comparten habitación para pasar la noche. Aunque. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. según parece. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. Hays. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. los días del Código Hays estaban contados. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. en cualquier caso. Como consecuencia del Código. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. desafiando así a las leyes de la época. En el Reino Unido. el espectador ha de ser protegido. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. un antiguo director general de correos. verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. más conocido como el Código Hays. por el contrario. 1955). se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. 1945). el sexo sigue siendo algo de lo que. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. creada por la propia industria. A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). en Sucedió una noche (1934). En el Reino Unido. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. donde se trataba el tema de la drogadicción. Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. el último tabú de la censura cinematográfica. se instituiría el Código de Producción de Películas. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. en Estados Unidos. conocida como «Las murallas de Jericó». de hecho. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico.

Argumento Año 1916. Wayne Morris (Teniente Roget). MÚSICA: Gerald Fried. Así. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. Kubrick. finalmente. La película. MONTAJE: Eva Kroll. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. Harris). El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. pero los artilleros se niegan a obedecer. GUIÓN: Stanley Kubrick. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. FOTOGRAFÍA: George Krause.UU. muy alabada por la crítica. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. Adolphe Menjou (General Broulard).372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. el General Broulard. en nombre de una supuesta justicia. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. si bien. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. Strangelove . el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor.. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). George Macready (General Mireau). a unas 25 millas al oeste de Munich. B/N. se decide éste a actuar en consecuencia. Ralph Meeker (Cabo Paris). Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. Sin novedad en elfrente. DURACIÓN: 86 minutos. mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). Dada la inutilidad del intento. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos.

INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). casi desleído. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. Ake Fridell (Plog). Argumento Tras regresar de las Cruzadas. 1964). Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. pues la Muerte no tardará en visitar a Block. MONTAJE: Lennart Wallen. tanto por su audaz temática. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. de la fotografía de Gunnar Fischer. una decisión .tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. Dios y la Muerte. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. En compañía de un herrero y demás gentes. el amor. MÚSICA: Erik Nordgren. A día de hoy. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. Varios ayudantes y electricistas. su mujer. B/N. Mia. Gunnar Bjorns- trand (Jons). Lundgren. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. Bengt Ekerot (La Muerte). Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». y sus hijos. que fue rodada durante el verano de 1956. desafiándola a una partida de ajedrez. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Curiosamente. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. La película. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. toma su título de un pasaje de la Biblia. A. El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. Tramalning). Block se dirige al castillo de su familia. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. sigue siendo una obra notable. reúne a su familia y parte de inmediato. que forman Jof. Bibi Andersson (Mia). 1987). el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. 7-8. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. acertada.374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. DURACIÓN: 96 minutos. Nils Poppe (Joff).

UU. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). en nuestra sociedad. Cuando ella le confiese que. aunque fuera de forma inconsciente. está casado con Ann. se desenmaraña. de forma vacilante. una pieza para cuatro manos. En este sentido.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. MÚSICA: Cliff Martínez. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. manifiestamente impresionado. Más tarde. que descarga su ira sobre Graham. DURACIÓN: 100 minutos. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. Ann le pide el divorcio a John. En cambio. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan.. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. Peter Gallagher (John Millaney). Ron Vawter (Terapeuta). trata de iniciar una relación con Ann. mentiras y cintas de vídeo SEX. GUIÓN: Steven Soderbergh. pero tiene una relación con Cynthia. Sexo. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. mentiras y cintas de vídeo. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. la hermana de ésta. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. él reconocerá que es impotente. 1961). en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. en su opinión. Comentario Sexo. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». Cynthia. gada por todo el asunto. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. LIES AND VIDEOTAPES EE. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. La película muestra cómo se va creando y. se da demasiada importancia al sexo. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). sólo se puede ir cuesta abajo». ya se diera cuenta. mientras que Ann. Éste destruye sus cintas y. un abogado de éxito. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. Argumento John. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. grabadas por él mismo. accederá a ser grabada. Andie MacDowell (Ann Millaney). Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). carente de pretensiones. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. Soderbergh parece querer indicar que. MONTAJE: Steven Soderbergh. Graham. posteriormente. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann.

En vista de ello. Siji Miyaguchi (Kyuzo). en gran medida. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. suele ignorar. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. Daisuke Kato (Shichiroji). el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). Yoshio Inaba (Gorobei). Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. DURACIÓN: 200 minutos. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. En cualquier caso. Kambei y Shichiroji se marchan. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. a . pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. Aunque peque de cierto esquematismo. blo en previsión de que se produzca un ataque. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. Terminado el combate. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. Minoru Chiaki (Heihachi). PRODUCCIÓN: Toho. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. B/N. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. cuyo carácter escabroso. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. suscitó algunos equívocos.

es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. de donde rescatará a Catherine. Anthony Heald (Dr. como es habitual en el director. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. dos grupos hostiles por naturaleza. Scott Glenn (Jack Crawford). mientras Crawford. gracias a la pista de la mariposa. Frederick Chilton). Entretanto. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. dirigido por John Sturges. Argumento Clarice Starling. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. es secuestrada. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. apodado «Buffalo Bill». tras matar a Jame de un disparo. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. resulta de una gran eficacia. entre tanto. Catherine Martin. Clarice recibe una llamada desde Haiti.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. Bonney (Instructor del FBI). El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). una agente del FBI en prácticas. Ted Levine (Jame Gumb).380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. DURACIÓN: 118 minutos. y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. 1980) yRan (1985). con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. En su ceremonia de graduación. Lecter. la hija de una senadora. Sin embargo. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. Para obtener información vital. a escala mucho mayor. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. 1960). Lawrence A. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Kenneth Utt y Ron Bozman). un western de Hollywood. Anthony Hopkins (Dr. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. Hannibal «El Caníbal» Lecter.. La sombra del guerrero (Kagemusha. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. el climax. Como consecuencia de ello. MONTAJE: Craig McKay. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. . para entonces. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. MÚSICA: Howard Shore. sospecha que el asesino es Jame Gumb.UU. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. un asesino que se encuentra en prisión. aprovecha un momento de descuido para escaparse. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Hannibal Lecter).

típicamente norteamericano. Solo y asustado. consigue acabar con tres de ellos. Lo cierto es que. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. El dragón rojo. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. No obstante. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». Solo ante el peligro HIGH NOON EE. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». ha convencido para que se quede. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que.quien mate al cuarto. una adaptación de la novela de Thomas Harris. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. como no tardará en descubrir. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. en lo que hace referencia a los personajes.UU. obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. mientras que será la propia Amy -a la que Helen. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). DURACIÓN: 84 minutos. un personaje de una pieza. Amy. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. un sheriff a punto de retirarse. junio de 1865. Katy Jurado (Helen Ramírez). Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. Kane. sólo en Estados Unidos. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. Grace Kelly (Amy Kane). utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. de los asesinos en serie. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. La protagonista. asqueado.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). que. MÚSICA: Dmitri Tiomkin. la antigua novia de Kane. la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. mitad asesino. 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. mitad maestro. Lloyd Bridges (Harvey Pell). treinta años atrás. En un prolongado tiroteo. MONTAJE: Elmo Williams. el asesino invertido. y su prometida. Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». de John W.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. Otto Kruger (Percy Mettrick). Cunningham). supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. Argumento Hadleyville. arroja . B/N.. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane.

Ben. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés. sin embargo. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. más que a su mensaje político subyacente. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. más un porcentaje en los beneficios. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). Anthony Ray (Tony). B/N. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. se pasa todo el día con sus amigos blancos.000 dólares. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. Ben Carruthers (Ben).384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. un drama sobre el mundo del boxeo. Lelia se enamora de Tony. Argumento Manhattan. por su parte. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . El actor. MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real. Tom Alien (Tom). un joven de piel más clara. interpretando el papel de un hombre valiente que. titulado «The Tin Star». Foreman. Solo ante el peligro. se ve asaltado por unos temores muy humanos. Por su parte. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra.. fue contratado por la exigua cantidad de 60. que en lugar de su tarifa habitual de 275.000. que. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. El tema se repite una y otra vez en su obra. Hugh. Rupert Crosse (Rupe). FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. Tom y Dennis. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. un cantante negro. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. DURACIÓN: 87 minutos. Sombras SHADOWS EE. Hugh Hurd (Hugh). comparte piso con su hermano Ben. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. más adelante. MÚSICA: Charles Mingus.UU. y con su hermana Lelia. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. 1966) o Julia (1977). con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas.000 dólares.

B/N. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. Mientras practica en la habitación de su hotel.). como Faces (1968). y dejar que Ben siga con su vida sin norte. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. Helen Broderick (Madge Hardwick). Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. etc. Al partir de un guión mínimo. MONTAJE: William Hamilton. Comentario Muy probablemente.UU. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). de Alexander Farago y Aladar Laszlo). e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. el mayordomo). la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. Erik Rhodes (Alberto Beddini). (Pandro S. Hugh le echa del piso. Berman). y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta.. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. 1974). la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. DURACIÓN: 101 minutos. Sin embargo. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. En cuanto a Hugh. Max Steiner (dirección musical). fotografía de grano grueso. con una trama apenas esbozada. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). PRODUCCIÓN: R. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. Walker. gracias al amplio margen concedido a la improvisación.K. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante.O. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. a pesar de las discusiones con su representante. 1935 Mark Sandrich. Argumento Londres. Realizada con un presupuesto muy bajo. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. Eric Blore (Bates. Ginger Rogers (Dale Tremont).386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a .

pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. consigue ir limando asperezas. y Ginger Rogers. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río.. le propina una bofetada.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. otra residente del hotel. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). realizar otras seis películas juntos. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. permitiéndoles. En ella.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. . la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. una ex actriz de vodevil. 1934) y Robería (1935). sentirán desbordarse su alegría. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». Travers y Madge la siguen.O. hasta que una nota induzca a Dale a creer. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. Beddini. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa.K. «Isn't This A Lovely Day» y. sin mediar palabra. La alegre divorciada (The GayDivorcee. un profundo afecto.000 dólares realizada por los estudios. en realidad. Sombrero de copa se quedó sin Osear. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. el endeble guión sobre una confusión de identidades. Dale y Jerry libres ya para casarse. erróneamente. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. con el ingenioso dúo de amor-odio. que se presenta en su habitación y. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. Enterada Madge del malentendido. en realidad. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. posteriormente. en su momento. un antiguo bailarín de Broadway. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. Nominada para cuatro premios de la Academia. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. Indignada. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. que figuraba en el quinto lugar del cartel. fue la pareja formada por Fred Astaire.

. A fuer de ser precisos habría que señalar que.. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. al margen del prestigio que supone.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. con posterioridad. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929.. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. que amenizó la velada con sus canciones. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. sin embargo. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». mientras que la ceremonia. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. tiene 34. 1927).» . o la de F. tuvo cierto aire de fiesta privada.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. y la presencia en el evento de Al Jolson. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984). Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. discutible. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. Hoy en día. la bibliotecaria de la Academia. con sonido incorporado. La estatuilla.30 centímetros de altura y pesa 3. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. sean votadas por el conjunto de la Academia. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel.. Afincada en Beverly Hills. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G. en cierta ocasión. sin embargo.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. la historia más plausible parece ser que. Una semana más tarde. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. para que. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. en la actualidad. Murray Abraham. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente.8 kilos. Margaret Herrick. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. la Academia cuenta con cerca de 3. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». con buen criterio. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. en su conjunto. una figura chapada en oro. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica. Louis B.

cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género.. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). antes de que la tarea recayera en Robert Wise. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. un espectáculo kitsch en estado puro. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. Richard Haydn (Max Detweller). un viudo con siete hijos. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. encuentra refugio en Suiza. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. Peggy Wood (Madre superiora). hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. No obstante. la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. Charmian Carr (Liesl). Maria regresa a la abadía de Nonnberg. sin una nota en falso. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). Argumento Salzburgo. Naturalmente. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»).pero bastante ajustado.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. a su vez. Sin embargo.UU. sin el más mínimo ápice de realidad». huye con su familia que. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. DURACIÓN: 174 minutos. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. 1965 DIRECTOR: Robert Wise. 1938. sin embargo. Maria. en 1959. utilizando como tapadera un gran festival musical. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). Eleanor Parker (La baronesa). y esta película tenía ambas cosas. MONTAJE: William Reynolds. Según parece. Éste se niega a hacerlo y. una muchacha algo varonil que vive en un convento. adaptación. tras cruzar las montañas. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. y Maria regresa junto a Von Trapp. Dwight MacDonald. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . en la revista Esquire. Una vez allí.

una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. GUIÓN: Roberto Rossellini. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. en un sentido más general. TERRA DI DIO Italia. Renzo Cesana (El cura). con la ayuda del farero. La combinación resulta violenta y refleja. Mario Sponza (El farero).O. la diminuta isla donde nació. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma. pero. B/N. Al descubrir que está embarazada. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. Mario Vítale (Antonio). (Roberto Rossellini). el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. 1946 y Alemania. El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. 1945. DURACIÓN: 81 minutos. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. trata de escapar. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. Traba amistad con Sponza. el experimento no funcionaría igual de bien. cinco de las cuales. . que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. En la pantalla. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. 1947 [ Germania. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. P. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. atino zero]). entre ellas las de mejor película y mejor director. La actriz. Art Cohén. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. Renzo Cesana. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. que. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. a lo que habría que añadir en favor de la película. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). el farero. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. se convertirían en premios. MÚSICA: Renzo Rossellini.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. sin embargo. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. año cero. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. en algunos lugares. en este caso. Sergio Amedei y C. 1953). ciudad abierta. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. llegara incluso a boicotearse la película. cuando se recupera.K. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. Callegari. los espectaculares paisajes de la isla. El joven la lleva consigo a Stromboli. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. Paisa.

DURACIÓN: 105 minutos. al igual que había sucedido con la Metro. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. 1927). para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. Margaret Sullavan y Constance Bennett. el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. «Night Bus». el film que supuso su debut cinematográfico. Claire MacDowell (Madre). En él viaja también Peter Warne. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. además. B/N. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. MONTAJE: Gene Havlick. que.. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). rechazaron el papel. y ambos se fugan.UU. Jameson Thomas (King Westley). Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). Exigió que se le pagaran 50. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. un periodista que acaba de ser despedido. Roscoe Karns (Osear Shapeley). MÚSICA: Louis Silvers. seis días y cuatro horas. pero la petición fue denegada por Louis B. Clark Gable (Peter Warne). . el mandamás de la M-GM. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. Argumento Ellie Andrews. 1934 DIRECTOR: Frank Capra. a la que denominan «las murallas de Jericó».000 dólares por cuatro semanas de rodaje. permite a Ellie conservar su pudor. El día de su boda con otro hombre. caso de Miriam Hopkins. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. de Samuel Hopkins Adams). Mayer. Una manta tendida entre sus camas. una rica heredera. mientras que la Paramount. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. Es sabido que otras actrices. Walter Connolly (Alexander Andrews).

mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. en realidad. había sido asesinado por Carmen. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. Martha Vickers (Carmen Sternwood). que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. GUIÓN: William Faulkner. John Ridgley (Eddie Mars). Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler).. al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. Sin embargo. la seductora hermana de Carmen. El hombre en cuestión es asesinado. La pista de la desaparecida Sra. Mars. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. DURACIÓN: 114 minutos. una de sus hijas. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). Lauren Bacall (Vivian Rutledge). MONTAJE: Christian Nyby. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. B/N.398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. 1934) o La fiera de mi niña (1938).que. el jugador Eddie Mars. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. El choque entre personalidades opuestas. . Dorothy Malone (Dueña de la librería). Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. con su personaje de una belleza distante. de Eddie Mars). Mars le conduce hasta un garaje. MÜSICA: Max Steiner. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. aparece desnuda. pero no inaccesible. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe).UU. y hacia Vivian. Peggy Knudsen (Sra. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox.

si ni siquiera yo lo sabía!». Angela Winkler (Agnes Matzerath). Daniel Olbrychski (Jan Bronski). particularmente en el intercambio de pullas que. un tendero de Danzig. Mario Adorf (Alfred Matzerath). se echan Bogart y Bacall. Los fascistas toman Danzig. como si fueran pelotas de tenis. 1945) o Robert Montgomery. Agnes se casa con Alfred. muñeca {FarewellMyLovely. PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). pero. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. entretan- . En 1978. primeros años del siglo xx. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. Terminada la Primera Guerra Mundial. (basado en la novela de Günter Grass). 1975). entre ellos algunos nombres ilustres. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. más adelante. Jan. eran ya marido y mujer. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. GUIÓN: Jean-Claude Carriére. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. como Dick Powell.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. se realizó una nueva y torpe versión. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. Tener y no tener (To Have and Have not. Oskar. Franz Seitz y Volker Schlóndorff. A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. Katherina Thalbach (María Matzerath). La pareja. 1946). Argumento Polonia. da a luz a Agnes. MONTAJE: Suzanne Barón. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. en La dama del lago {The Lady in the Lake. que quizá sea el padre de Oskar. 1944). idéntico al de la película. ¡qué diablos. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. en Historia de un detective {Murder. que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. 1979 Volker Schlóndorff. cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. My Sweet. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. cuando ya era posible tratar cualquier tema. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). DURACIÓN: 142 minutos. es un lacónico eufemismo de la muerte). preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. MÚSICA: Maurice Jarre. en este caso ambientada en Londres.

no obstante. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. regresa a Danzig. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. que. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. Tras la liberación. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. sino mediante una serie de episodios. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. que se encuentra sitiada. levemente trabados entre sí. donde asiste al fusilamiento de Alfred. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. en la actuación de David Bennent.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. El papel requería un niño de tres años. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. y sería. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. Tras ser capturado por los alemanes. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. Más adelante. La película es un tour deforcé visual. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. Schlóndorff. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. Con todo. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. precisamente. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. . sin lugar a dudas. que ha sido acusado de colaboracionista. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. Jan es fusilado. se refugia bajo las faldas de su abuela. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent.

Las connotaciones religiosas del drama son constantes. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. el chulo de la chica. Argumento Nueva York. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. Con referencia a esta película. 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. una prostituta de doce años. un veterano de Vietnam. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. Tom Rolf y Melvin Shapiro. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. y . durante el día. Harvey Keitel (Sport). MONTAJE: Marcia Lucas. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. Cuando conoce a Iris.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. Cumplida su misión tratará de suicidarse. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Foster (Iris Steensman). pero la falta de balas le impedirá hacerlo. Posteriormente.UU. Consigue engatusar a Betsy. Albert Brooks (Tom). MÚSICA: Bernard Herrmann. concebida como una especie de infierno en la tierra. DURACIÓN: 112 minutos. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). Travis Bickle. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. Lo logrará tras asesinar a Sport. Peter Boyle (Wizard). pero pronto es rechazado. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». Cybill Shepherd (Betsy). cargándose a un atracador en un supermercado. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. consigue plasmar una frustración casi existencial. una empleada de un equipo electoral. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). partiendo de una inversión inicial de 2 millones. Una película que trata de la angustia religiosa. Por su parte. este retrato arquetípico de la vida urbana. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. De noche trabaja de taxista y. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. GUIÓN: Paul Schrader.. que se define a sí mismo como católico. para que acepte una cita con él. ofreciendo una visión satinada. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. y un guionista como Paul Schrader. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe.

el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. Argumento Al llegar a Viena. Martins mata de un tiro a Lime. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. Bernard Lee (Sargento Paine). algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. mientras Anna. Trevor Howard (Comandante Calloway). cia a los delitos que ha cometido. auspiciando así la reunión con Orson Welles. tras abandonar el piso de Anna. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). se trata del mismísimo Lime. Terminado el entierro de éste. DURACIÓN: 104 minutos. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. 1960). 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. GUIÓN: Graham Greene. la novia de Lime.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. Martins decide descubrir la verdad. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . Joseph Bato y John Hawksworth. MÚSICA: Antón Karas. Alida Valli (Anna Schmidt). atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. Wilfred Hyde-White (Crabbit). 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. Una noche. En vista de todo ello. B/N. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. Calloway amenaza con deportar a Anna. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. Orson Welles (Harry Lime). añadió a la elección de actores un toque de genialidad. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime.

Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert.. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. Williams). Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. «En Italia. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-. no hubo más que terror. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. GUIÓN: David Lynch. 1986 DIRECTOR: David Lynch. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. Laura Dern (Sandy Williams). pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. Dejando a un lado otros proyectos. Dean Stockwell (Ben). trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». Hope Lange (Mrs. Cuando llega Frank. le valió una nominación para el Osear al mejor director. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Y. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. En Suiza. un extravagante thriller con toques surrealistas. en treinta años de dominación de los Borgia. 1980). Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). MÚSICA: Angelo Badalamenti. 1976). como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. MONTAJE: Duwayne Dunham. pero surgieron Miguel Ángel.UU. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont).» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. Dennis Hopper (Frank Booth ). Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. por el contrario. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. democracia y paz. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. DURACIÓN: 120 minutos.408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. aparente- . guerras y matanzas. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). tuvieron quinientos años de amor. En su calidad de autor de sus propios diálogos. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris.

MONTAJE: Verna Fields. Cari Gottlieb (Meadows). hace volcar el barco y devora a Quint. Con Hooper temporalmente fuera de combate.. DURACIÓN: 124 minutos. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. su alcalde. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. Lorraine Gary (Ellen Brody). un experto en el tema. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. TICA: Joseph Alves júnior. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. . 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. Brody. de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). se hace a la mar. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. MÚSICA: John Williams. un viejo lobo de mar.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. no recogidas en los títulos de crédito. Sin embargo. Zanucky David Brown). para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. En una reunión de los vecinos del pueblo. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. Cuando se capture a un tiburón. Quint. introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. en un acto de desesperación. tras rodearlos. Matt Hooper.UU. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). con colaboraciones. de Howard Sackler y John Milius). Acompañado por Brody y Hooper. ésta los arrastra mar adentro y. PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. Cuando finalmente avistan a la bestia. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. Robert Shaw (Capitán Quint). se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. de más ocho metros de longitud. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa.

MÚSICA: David Shire. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. Jason Robards (Ben Bradlee). hacerse con sendos Osear por su montaje. de los miedos primordiales de la humanidad. sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. MONTAJE: Robert L. Martin Balsam (Howard Simons). el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. a la manera de Hitchcock. DURACIÓN: 138 minutos. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint.. su primer largometraje para la pantalla grande.UU. Con todo. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. con estas ideas en mente. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». los resultados fueron extraordina- ríos. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. con calidad siempre decreciente. Wolfe. 1974). antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. Pakula. Spielberg. Según su concepción. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo. se irían sucediendo a partir de entonces. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). En relación con éste. El proyecto. Robert Redford (Bob Woodward). 1976 DIRECTOR: Alan J. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. Jack Warden (Harry Rosenfield). cuya obra sería pasada por alto por la Academia.resultara creíble. con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. no tuvo nada que ver con las secuelas que. Sin embargo. cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). basado en una novela de éxito. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. Hal Holbrook (Garganta Profunda). además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward).

supondrá la caída del presidente Nixon. Alan J. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. ya era una inversión considerablemente alta. el director del Post. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. el Asesor Especial de la Presidencia. con actores de segunda fila. que administra el antiguo Ministro de Justicia. los medios de comunicación y el gobierno. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. había vendido ya 2. para finales del año 1975. Siguiendo las orientaciones de su informante. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. mejor dirección artística.000 dólares. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. para entonces. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. . al poco de haber jurado un nuevo mandato. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. John Mitchell. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. que. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. en este caso. Animados por el apoyo del actor. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. para proteger la que. por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. mejor guión y mejor actor secundario. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. Seguirán trabajando en el caso. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». 1972). «Garganta Profunda». el Jefe de Personal de la Casa Blanca. a convertirse en una película de primera categoría.000 ejemplares. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. finalmente.750.

En busca del arca perdida (1981). A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. cuyo éxito. (1982). al promover una visión adolescente del mundo. 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. especialmente. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. 1980). . no obstante. No obstante. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. Así. 1983). tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). un cineasta que. Sin embargo. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). la sombra del guerrero (Kagemusha. John Sayles y Spike Lee. este último. su carácter imprevisible. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. La cinematografía china. tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. Fuera del ámbito norteamericano. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. Martin Scorsese. El contrato del dibujante (1982). autor. Un tipo genial (Local Hero. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. con El silencio de los corderos (1991). caso de El color del dinero (The Color ofMoney. o Jonathan Demme. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). 1988). el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. Voces distintas (Distant Voices. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. este último. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. con su Terciopelo azul (1986).416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. un film que supondría su despedida del cine. por su parte. hoy en día. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. Las puertas del cielo (Heaven's Gate. Al otro extremo de la pirámide de las edades. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. 1986). mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. Still Lives. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. la obra más taquillera de la década en su país natal. antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). 1988) o con las películas de Derek Jarman. precisamente. que. 1991). En cualquier caso. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). La guerra de las galaxias (1977) y E. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. En un mundo como el del cine.T. de El gran azul (Le grand bleu. David Lynch.

el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . A lo largo de la película.de un total de ocho nominaciones. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. se niega a entrenar. con más del doble de votos que su más próximo rival. típicamente católica. En su calidad de dueño de un club nocturno.. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. Cathy Moriarty (Vickie La Motta). Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. pierde a su esposa. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. GUIÓN: EE. Joe Pesci (Joey). Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. un colaborador habitual de Scorsese. Su actuación le valió el Osear al mejor actor.UU. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. A pesar de que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. Nicholas Colasanto (Tommy Como). tanto dentro como fuera del ring. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. Kirk Axtell y Sheldon Haber. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. Una vez alcanzado su objetivo. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. Theresa Saldana (Lenore). B/N. su disciplina se relaja. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. Por otro lado. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. que produce la dicotomía cuerpo/alma. DURACIÓN: 129 minutos. mientras el rodaje estuvo detenido. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. golpea a su leal hermano y pierde también su título. en otro nivel. finalmente. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. Frank Vincent (Salvy). INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas.

Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. B/N. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. Feldman).UU. MONTAJE: David Weisbart. Nick Dennis (Pablo Gonzales). Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. que le escucha encantado. Stanley.. se mantuvo a Elia Kazan como di- . basado en el drama de Williams. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. Argumento Comentario Nueva Orleans. Kim Hunter (Stella Kowalski).420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. Marión Brando (Stanley Kowalski). Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. DURACIÓN: 125 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. Rudy Bond (Steve Hubbell). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. dejando solo a Stanley. llamado Marión Brando. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. Karl Malden (Mitch).

Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. la psique de su personaje. de dentro afuera. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. Muy pronto. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. Aunque el film es. que. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. inspirado en las ideas de Stanislavsky. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. MÚSICA: Herbert Windt. básicamente. efectuado por el propio Hitler. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. con la notable excepción de Jessica Tandy. la maestría del montaje de . igualmente eficaz. B/N. 1950). DURACIÓN: 120 minutos. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. Tanto en las primeras escenas. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. Josef Goebels. Por otro lado. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. un documental. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. El film fue nominado para doce premios de la Academia. Hitler y su ministro de Información. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. que fue sustituida por Vivien Leigh. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. Karl Malden y a la dirección artística. así como la decisión con que exploró. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. que fueron a parar a Vivien Leigh. obteniendo tres de ellos. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. noticiarios. de Vivien Leigh. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. MONTAJE: Leni Riefenstahl.

1971 Peter Bogdanovich. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). se sentirá muy apenado. pero son interceptados por los padres de la chica. los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. Friedman). Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. Texas. que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). Su siguiente obra. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE.. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. cuando el viejo muera. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. en cierto modo. frustrado por el comportamiento de Jacy. Ellen Burstyn (Lois Farrow). Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. una vez concluida la guerra. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental.UU. B/N. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. Aunque. es otro documental de corte propagandístico. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. Cuando Billy. Jacy y Duane intentan fugarse juntos.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. un acaudalado joven. de una factura técnica impresionante. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. Ben Johnson (Sam El León). Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. MONTAJE: Donn Cambern. Cloris Leachman (Ruth Popper). INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). Entretanto. sea asesinado. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. . un muchacho retrasado. 1938). DURACIÓN: 118 minutos. Argumento Año 1951. en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». Jeff Bridges (Duane Jackson). Anarene. Duane. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J.

que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). compasión y emotividad descarnada. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. 22 de junio de 1901. Lauren Bacall (Bond Rogers). James Stewart (Dr. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. PRODUCCIÓN: Mike J. MONTAJE: Douglas Stewart. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich.. arroja lejos de sí el . obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books).UU. Hostetler. DURACIÓN: 100 minutos. ambientada muchos años después. sólo en los Estados Unidos.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. pero queda gravemente herido. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. El último pistolero THE SHOOTIST EE. MÚSICA: Elmer Bernstein. Ron Howard (Gillom Rogers). Texasville (1990). un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. 1967). Nevada. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. Hostetler). Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. una secuela. Richard Boone (Mike Sweeney). Hugh O'Brien (Pulford). al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. y allí traba amistad con Gillon. un thriller lleno de originalidad y tensión. finalmente. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. Decidido a asegurarse una salida digna. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. el director John Ford. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. Acaba con los tres. el hijo de ésta. No obstante. asqueado. Gillon interviene para matar al camarero. Argumento Carson City. Frankovich y William Self. que. pero.

INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. él regresa a su hotel. Argumento París. DURACIÓN: 129 minutos.que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. caso de John Carradine. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. el cineasta Tom. algo que también es aplicable al propio género del western. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). 1972 Bernardo Bertolucci. por ejemplo. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. donde hace poco se suicidó su mujer. Por otro lado. Mauro Marchetti (Cámara de TV). Al principio de la película. Paul y Jeanne. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. Jean-Pierre Leaud (Tom). Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western.que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. o James Stewart. Todo en esta película. Lauren Bacall. que acaban de conocerse en un piso vacío. MÚSICA: Gato Barbieri. 1972). 1962). Catherine Sola (Script de TV). el agua corriente. 1962). coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. 1955). con toda su pintoresca gama de pistoleros. la electricidad. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. Al día siguien- . Después. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. Franco Arcalli y Agnes Varda. María Schneider (Jeanne). mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. que hace del enterrador de Carson City. el jugador de La diligencia (1939). Darling Legitimus (Portera). Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. MONTAJE: Franco Arcalli. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. hacen allí mismo el amor. el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne.

UU. Mark Lee Kirk y Thomas Little. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. 1940 DIRECTOR: John Ford. Jane Darwell (Ma Joad). Comentario El último tango en París. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida.. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. Zanuck). DURACIÓN: 125 minutos. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. . aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. Con todo. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. MONTAJE: Robert Simpson. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. Dorris Bowdon (Rosaham). a veces. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. y a pesar de sus fallos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. Charley Grapewin (Abuelo Joad). escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. John Carradine (Casy). Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. B/N. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. Russell Simpson (Pa Joad). Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. El último tango en París rebosa veracidad emocional. Jeanne regresa al piso. la segunda de ellas la de mejor director).430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. Sin lugar a duda. El encanto se ha roto. con final en matrimonio. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. MÜSICA: Alfred Newman. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). Por desgracia. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella.

1946). Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. que llegó a ser prohibida. convirtiéndose en un fugitivo. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. En un campamento estatal de tránsito. Nominada para siete premios de la Academia. Sin duda. y contrató a John Ford para la dirección. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. pero. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. entre ellos el de mejor actor. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. Casy. Ella. encuentra un refugio provisional. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. e incluso quemada. encargó el guión a Nunnally Johnson. . Zanuck. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. Novela controvertida. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. en varios lugares de América. en este caso bien organizado. un sacerdote. Darryl F. En los años sesenta. En un campamento al que llegan.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. 1964). por su parte. el jefe del estudio. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. en cualquier caso. un antiguo reportero de prensa. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios.tuvo algo que ver en ello. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. De hecho.000 dólares. Tom venga su muerte. Publicado en marzo de 1939.

Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. El género. 1973) o Soylent Green. en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). el octavo pasajero (Alien. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. un film que. 2001. El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. 1936). El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. a todos los efectos. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. 1968) y sus numerosas secuelas. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. generalmente hostiles. cuando salió a la luz su obra E. 1953). debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. 1953) y. un colaborador de Kubrick en aquel film. Wells en La vida futura (Things To Come.en una entrañable cursilería. con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. 1990) mantuvieron la vitalidad del género. 1902). (1982) había derivado . confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. Douglas Trumbull.434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. o la obra de Stanley Kubrick. una serie que aún hoy sigue impactando. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). sobre sus desconocidos efectos secundarios. T. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. 1981). sin embargo. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. 1973). Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. más en concreto. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. 1954). la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). una odisea del espacio (1968). utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. Sin embargo. que fue merecedora de una nominación para los Osear. cuando los encuentros con seres extraterrestres. En la década de los setenta. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars.y con Atmósfera cero (Outland. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. No obstante. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. como ocurría en La humanidad en peligro (Them. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. la más impactante de todas. 1979). La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. . una fe que. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds.o degenerado. Invasores de Marte (Invaden from Mars. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. 1958). G. 1951).

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. estaba previsto que en la película. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. une a la familia por última vez.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. De igual modo. tal decisión no le resta impacto a la película. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. MONTAJE: George Amy. DURACIÓN: 126 minutos. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. Joan Leslie (Mary). B/N.. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. Cohan. Sin embargo. Irene Manning (Fay Templeton). con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso.UU. INTÉRPRETES: James Cagney (George M. Tras la guerra. Walter Huston (Jerry Cohan). Richard Whorf (Sam Harris). En un principio. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. En cualquier caso. Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. Cohan). que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. al igual que sucedía en la novela. productor asociado). . El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. La composición de George Washington Jr. MÚSICA Y LETRAS: George M. George Tobías (Dietz).

Jeanne. Sin embargo. Daniel G. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney.000 dólares -de los que 100. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. James Cagney que.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. Eleanor Boardman (Mary). muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. fue. en todo momento. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor).. La película. DURACIÓN: 95 minutos.000 fueron a parar a manos de Cohan. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. John queda destrozado y comienza a ir . Bert Roach (Bert). hasta los momentos finales. Tras quedarse huérfano en su juventud. 1928 King Vidor.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. Dell Henderson (Dick). es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana.UU. B/N. en un papel que le valió su único Osear. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). al mismo tiempo. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. Estelle Clark (Jane). sin embargo. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. cuando su hija muere atropellada por un camión. INTÉRPRETES: James Murray (John). MONTAJE: Hugh Wynn. Contando con un presupuesto estimado en 1. GUIÓN: King Vidor. un 4 de julio. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. A.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. John V.500. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. Narrada mediante flash-backs. que se encontraba ya muy enfermo. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. el verdadero dueño de la misma es. gracias a su inmensa experiencia. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. La vida de casado no es precisamente sencilla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. Tomlinson (Jim). según parece. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. interpretando el papel de la hermana de Cohan. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran.

Argumento Un país mediterráneo. algo que. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. Jacques Perrin (El periodista). no era demasiado frecuente.Irene Papas (Helene). Durante bastante tiempo no se supo nada de él. z Francia/Argelia. «Z». Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas. según se determinó se había quitado la vida. 1934). Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. al que la película sacó del anonimato. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. hasta que. Francois Perier (Elfiscal). El actor principal. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. Georges Geret (Nick). A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. MONTAJE: Francoise Bonnot.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. su cuerpo fue hallado en el río Hudson. MÚSICA: Mikis Theodorakis. pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. Jean-Louis Trintignant (El juez). Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. DURACIÓN: 125 minutos. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). en la época. Cuando años más tarde. John toca fondo y decide suicidarse. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). un carismático parlamentario de la opo- .sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. James Murray. en 1936. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. Vuelve a unirse a Mary. pero no obtuvo premio alguno. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. California. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. su orgullo le impidió aceptarlo. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio.

por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. Con todo. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. Finalmente. unos rasgos que. 1981). obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. 1973) o Desaparecido (Missing.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. sin embargo. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. Al margen de su dimensión política. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. el otro ocupante del vehículo. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. el conductor de la furgoneta. En Estados Unidos. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. Sin embargo. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. No obstante. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. . un testimonio que es corroborado por Vago. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. por lo demás. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. además. interpretado. En última instancia. Yago. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. no ocurre lo mismo con Z. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. asegura que estaba borracho.

el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. 1941) y El halcón maltes (1941). famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). (1966). ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. se le pasaron a alguien por la cabeza. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. cuya financiación solía ser muy precaria. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. Tras dos semanas de rodaje. si pueden. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. pero que nunca pasaron de ahí. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. sin embargo. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. que ganaría el Osear por su papel en una película que. poco tiempo después. 1989). Ése fue el caso de Bette Davis. 1977). que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. . Por otro lado. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. Empieza el espectáculo (1979). 1991). No obstante. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. finalmente. dirigida por Mike Nichols.The Deep (1957). por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. Es interesante señalar que. Ocurre a veces. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. o la versión de la novela de Conrad Nostromo.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. tras dos semanas de rodaje en Suiza. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. sería abandonada definitivamente. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. en algún momento. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. en la actualidad. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. una comedia de Neil Simón. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. o The Jackpot (1975).

El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. todos a bailar. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. delante de los niños. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad. La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto».en una palabra: emoción». El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine.. El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. El cine negro «. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 .. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos».índice de artículos monográficos El silencio es oro. no.

. muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre. la cólera de Dios (Aguirre. derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 .456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es. El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós. La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos». Los Osear El presente..».

(The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.T.T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. (E. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 .458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) .

eine Symphonie des Grauens). Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) . el vampiro (Nosferatu..460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max. mentiras y cintas de vídeo (Sex. Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead).. domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 . ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche. Texas (París.... 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París. lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli... 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) ..

257 Jean Cocteau. 252. 65 AlanCrosland. 70 FrankCapra.396 Marcel Carné.334.212.23 Federico Fellini.336 Woody Alien. 288 . 181 RobertAldrich. 100. 309 Constantin Costa-Gavras. Cooper. 255. 381 WilliamDieterle.índice de directores James Algar. 153 Víctor Fleming. 49. 181 Ford Beebe. 44 RobertAltman.238 Jonathan Demme.139 Cari Dreyer. 385 ClaudeChabrol.218 Michael Curtiz.115. 88. 178. 28 John Frankenheimer. 234 Francis Ford Coppola.96 Charles Chaplin. 181 Ingmar Bergman. 425 Robert Bresson.357. 176 Abel Gance.192. 273 WilliamFriedkin. 148. 77 Stanley Donen.141.290 Michelangelo Antonioni. 449 Kevin Costner.322.264 John Ford. 63 Samuel Armstrong.183 Norman Ferguson.338 Jack Clayton.91 GeorgeCukor.445 VittorioDeSica. 307 Merian C. 266 LuisBuñuel.431 Milos Forman. 104. 155 Tim Burton. 324 Clyde Bruckman. 169 Walt Disney. 13. 374 Bernardo Bertolucci. 313 Sergei Einsestein. 164 John Cassavetes. 181 Terence Fisher. 429 Peter Bogdanovich.

350 LouisMalle. 106 Francois Truffaut. 86 James W.372 Akira Kurosawa. 137. 413 Sam Peckinpah. 360. Horne.271 Kenji Mizoguchi. 79 Román Polanski.162. 196 Andrzej Wajda. 266 WilliamKeighley.33. 404.406 Karel Reisz.394 Paul Satterfield.354.278. 60 Prestan Sturges.227.401 Ernest B. 198 Laurence Olivier. 327 ErnstLubitsch.311 James Whale. 190 Otto Preminger.436 Charles Laughton.Hee.352 Wilfredjackson.283 JimHandley.345 Leni Riefenstahl. 259 Vincente Minnelli. 315 CarolReed. 297 Roberto Rossellini. 67 Edwin S.98 John Huston.427 Víctor Sjóstrom.Murnau.Griffith. 157. 146 Hamilton Luske. Mankiewicz. 243 Jean-Paul Rappeneau. 411 Josef von Sternberg. 408 Adrián Lyne. 173 George Miller. 440 Istvan Szabo.Pakula. 58 Rouben Mamoulian. 53 Luchino Visconti. 341.447 Jean Vigo.248 Sergio Leone.378 FritzLang. 442 Steven Soderbergh. 220 MikeNichols. 47. 203 Arthur Penn. 295 David Lean. 362 Jean Renoir. 229. 127 Nicholas Ray. 25 Peter Greenaway. 131. 201.320 RobertWiene. 18 Alexander Mackendrick. 438 Dennís Hopper. 276 Andrei Tarkovsky.30. Schoedsack.241. Porter.220 Giuseppe Tornatore.181 Howard Hawks.72 George Lucas.74.387 VolkerSchlondorff.171. 194 RobertWise. 185. 205 SidneyLumet.120. 245 HughHudson. 181 Elia Kazan.364 WilliamWellman. 134.331 WimWenders.W. 181 David Lynch.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. 42 Erich von Stroheim.418 DonSiegel. 20 Alfred Hitchcock.299 WilliamWyler.122. 35. 166 Nagisa Oshima. 304 Billy Wilder. 109. 210. 343 SatyajitRay. 376 Steven Spielberg. 84. 181 MarkSandrich. 250. 113 D.383 .302 Fred Newmeyer. 181 George A. Romero.181 Werner Herzog.111. 51 Michael Powell. 129 Joseph L.398 T.292 KingVidor.420 Gene Kelly.357 Stanley Kubrick. 40 SamTaylor.269 FredZinnemann. 102 RaoulWalsh.224. 234 Martin Scorsese.367 Gillo Pontecorvo. 423 Bill Roberts.329. 139 Buster Keaton.236 Orson Welles.281. 125 EW.392 SamW6od.215. 222 Alan J. 150.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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