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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había. No me importaría nada que fuera algo así. Dorothy aventurándose por el arco iris. y morir sabiendo. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. les conmovió. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. una mano que trata de coger una mariposa. la Muerte jugando una partida de ajedrez. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray. les instruyó. me conformaría. les entretuvo. aunque sólo sea un instante. mientras exista el cine. bueno. la búsqueda de un elusivo halcón negro. me sentiría muy halagado. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia.. toda una colección de clásicos del cine. verdaderamente inolvidable».. en su momento. les deleitó o. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. no hay nada que tenga más valor. por lo tanto.. Los clásicos del cine . Años más tarde.. En suma.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que. En cierta ocasión. Este libro es. Tímidamente.. simplemente..

FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. B/N. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). MÚSICA: Edmund Meisel. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. DURACIÓN: 75 minutos. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov).El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. Levchenko (Contramaestre). Sin embargo. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. se ordena su ejecución. Popov. Repnikova (Mujer de las escaleras). provocándose así el estallido de la revuelta. MONTAJE: Sergei Eisenstein. Los marineros se hacen con el 13 . Vakulinchuk. Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. uno de ellos.

donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. según el cual. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. hoy en día. no obstante. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. que ha muerto durante la refriega. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. el más reciente de ellos. hasta cierto punto.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. Lo más significativo fue. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. ante el temor de posibles represalias. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa. . 1987). pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. Si bien. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. de forma inmediata. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. De esta forma se cumplían. la tripulación del Potemkin.

Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. En 1919. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. Un perro andaluz (Un chien andalou. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. Gish. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. 1922). Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). Aflash-back o el montaje alternado. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. No obstante. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. Así. Entre tanto. Hoy en día. W. . dando lugar a dos llamativas producciones. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). así como en la subsiguiente persecución. aunque un tanto diluido. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. Griffíth. 1928) y La edad de oro (1930). Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. Posiblemente. En la escena que da título a esta película. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). 1920). justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. Y de hecho. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. De Mille. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. Pickford. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). su impacto a principios de siglo fue revolucionario. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Chaplin. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. en cambio. siempre estuvo en entredicho. Gran innovador de la técnica cinematográfica. Griffíth. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. en los cines de todo el mundo. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). en Rusia.

D U RACIÓN: 104 minutos. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). GUIÓN: Louis Malle. uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. Julien Quentin. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. en venganza por haber sido despedido. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). éste delata al Padre Jean a la Gestapo. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. y clausuran la escuela. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. aunque quizá esté un tanto idealizada. a pesar de ser bastante travieso. Peter Fitz (Muller). Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. MONTAJE: Emmanuelle Castro. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. la Francia ocupada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. una experiencia que.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. La relación entre los dos muchachos. y su hermano Francois. realiza en el mercado negro. un muchacho de doce años. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». Francois Berléand (Padre Michel). mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. muy querido. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). El argumento. Francois Negret (Joseph). concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). tan sencillo como sugerente. Francine Racette (Mme. Quentin). el pinche de la escuela. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. Comentario Argumento Año 1944. resulta absolutamente creíble.

1560. junto a algunos de los chicos de la escuela. MÚSICA: Popol Vuh. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). DER ZORN GOTTES Alemania. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). que viaja acompañado de su esposa Inés. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Al llegar al Amazonas. El acto de venganza de Joseph. DURACIÓN: 93 minutos. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. La traición. viene de manos de Joseph. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». Dany Ades (Perucho).se va apoderando del control de la expedición. Aguirre sigue adelante. Pizarra. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. Edward Roland (Okello). cuando finalmente se produce. fruto del resentimiento. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Aguirre. permite prever lo que habrá de ocurrir. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). Impulsado por su maníaca empresa. Armando Polanah (Armando). Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. y seguramente impremeditado. la cólera de Dios AGUIRRE. su jefe. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. el líder del Frente Nacional. se dedica a trapichear en el mercado negro. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). Del Negro (Gaspar de Carvajal). sella el destino de Bonnet. la cólera de Dios Argumento Perú. Helena Rojo (Inés de Atienza). . EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. Aguirre. Tan sólo alguna intrusión ocasional.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. la legendaria ciudad de oro de los incas.

la verdadera motivación de su delirante empresa. constituye un estudio. DURACIÓN: 112 minutos. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. Fitzcarraldo (1982). CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. N. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. maestro armero). GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. Novikov (Pavsha. V. durante el rodaje. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. otra película de Herzog. sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. el último superviviente. N. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. de una fuerza arrebatadora. gobernador de Pskov). una actitud que le valió numerosas críticas. Sin embargo. Sin embargo. K. constituye una imagen inolvidable. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). Okhlopov (Vassily Buslai). Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. fruto de la imaginación. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. Nikolai P. noble de Novgorod). Abrikosov (Gavrilo Olexich). La película. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. Dimitri N. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982).22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. Aunque el propio Herzog reconoció que. PRODUCCIÓN: Mosfilm. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. B/N. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. Arski (Domash. MÚSI- Sergei Prokofiev. en la que Aguirre. La escena final. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. Alexander L. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. Orlov (Ignat. que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. cuando las balsas emprenden su largo viaje. Reúne un vasto ejército .

MÜSIC. se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. las películas de las décadas siguientes. el primer fruto de su estilo tardío. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). en el año 1242. estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. Roger Hanin (Cari Zubart). 1928). 1942-1946). Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». 1967).I: Martial Solal. Eisenstein. PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. mandada por el Príncipe. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. Daniel Boulanger (Inspector Vital). no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). Liliane Robin (Minouche). sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). Para los espectadores contemporáneos. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. presentan unos rasgos mucho más tradicionales. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. A pesar de lo dicho anteriormente. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. libra una batalla campal decisiva.24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. En este sentido. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. MONTAJE: Cecile Decugis. DURACIÓN: 90 minutos. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . a orillas del lago Peipus. 1959 Jean-Luc Godard. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. B/N.

a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. Al serle imposible recuperar su dinero. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. uno de ellos morirá. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. se hacen de otras películas. entre tanto. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. a partir de mediados de los cincuenta. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. sin ningún reparo. . la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. La policía. una estudiante americana que aspira a ser periodista. Escrita en colaboración con Truffaut. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. que. en cambio. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. para alabar. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. y contando con Chabrol como consejero técnico. les sigue la pista cada vez de más cerca. la nueva ola de cineastas franceses. Claude Chabrol y Eric Rohmer). Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. Tras regresar de una cita. Conmocionado. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. Tras haber pasado la noche juntos.

éste se suicida. al amenazarle con informar de ello a su madre. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. una de las pelí- . Cuando regresa a su sala. una noche. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. McMurphy intenta estrangularla.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. McMurphy. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. Lynzee Kingman y Sheldon Khan.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. Finalmente. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. que sería quien finalmente encarnara al personaje. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. se encontraban Anne Bancroft. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. 1975 Milos Forman. además. Danny De Vito (Martini). Michael Berryman (Ellis). William Fraker y Bill Butler. Louise Fletcher. GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). posteriormente.UU. es trasladado a una casa de salud mental del estado. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. que le tuviera a él como protagonista. parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Entre las actrices que. A la mañana siguiente. William Redfield (Harding). Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. llevándoselos sin permiso de excursión. Sería él quién haría el proyecto realidad. según parece. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». pero es domeñado y. Ellen Burstyn y Geraldine Page. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. Alguien voló sobre el nido del cuco.BradDourif (Billy Bibbit). se le somete a una lobotomía. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). uno de sus compañeros. MONTAJE: Richard Chew. las salas del hospital. rechazaron el papel. cuando llamó la atención del director Milos Forman. Thieves like us (1974). monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. el Jefe Bromden. Angela Lansbury. que es. DURACIÓN: 133 minutos. Argumento El recluso Randle P. interpretando un pequeño papel en la película de su marido. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. es. precisamente.

30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. Edelman). Vera. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. MÚSICA: Max Steiner. y Jarrett.UU. Margaret Wycherly (Ma Jarrett). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. entabla amistad con él. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. un infiltrado de la policía. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. John Archer (Phillip Evans). el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. GUIÓN: EE. INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). Al rojo vivo nato. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. No obstante. Entre tanto. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. Por otro lado. DURACIÓN: 114 minutos. Hank Fallón. Virginia Mayo (Verna Jarrett). a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . MONTAJE: Owen Marks. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. la esposa de Jarrett. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. por la que su hijo siente auténtica devoción. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. Steve Cochran (Big Ed Somers). B/N. al verse atrapado en la refinería. En la prisión.. conduce al FBI hasta Cody. Jarrett está a punto de enloquecer.

El papel de George M. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. finalmente. en Arthur «Doc» Barker. Reconciliado con su esposa. W. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. está basado. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE.. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. se enfrenta al oleaje. ambos pasan el día en la ciudad. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. porque. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». en cuyo caso. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. Mientras regresan a su casa en barca. ¡Dios mío. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. visité Ward's Island. es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. Cohan en Yanqui Dandy (1942).Farrell MacDonald (El fotógrafo). Ma. como El vagabundo (Johny Come Lately. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). DURACIÓN: 117 minutos. Janet Gaynor (La mujer). Ralph Sipperly (El barbero). por el que obtuvo un Osear. En cierta ocasión. Murnau. Al rojo vivo. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). 1927 F. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. que. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. cuando llega el momento. en un verdadero tour de forcé de emotividad.32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. El personaje de Cody Jarrett. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. de Hermann Sudermann). le de- . el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. y otros trabajos menores. «Lo conseguí. realizados para su propia productora. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. B/N. mientras grita un desafiante. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. La cima del mundo». J. Bodil Rosing (La doncella). donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. de joven. según parece.UU. 1943) o The Time ofYour Life (1948). El campesino.

Eugene Borden (George Mattieu). Su esposa. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. . este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. a la mejor fotografía y a la mejor actriz. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. Osear Levant (Adam Cook). Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. cree que ha ejecutado su plan. Melodrama pictórico y poético. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. GUIÓN: Alan Jay Lerner. DURACIÓN: 113 minutos. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. se desprende de la totalidad de la historia. el campesino corre eufórico a su encuentro. Argumento Jerry Mulligan. un soldado norteamericano. Nina Foch (Milo Roberts). W. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. hasta el punto de que. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. Murnau. sigue sin aparecer. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. A pesar de que la película fue un fracaso comercial. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. Aunque es posible que fuera él mismo quien. MÚSICA: George e Ira Gershwin.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis.. Aun evaluándola con criterios actuales. sin embargo. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán.UU. a diferencia de lo que suele ser habitual. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. a otras de un mayor naturalismo. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. resulta absolutamente prodigiosa. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. Leslie Carón (Lise Bouvier). MONTAJE: Adrienne Fazan. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. tanto en los decorados como en la interpretación. 1928). adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. reconciliación o sospecha. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. Georges Guetary (Henri Baurel). INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan).

5 millones de dólares. de la compañía de la chiquillería del barrio. Sin embargo. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. Milo Roberts.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). especialmente. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. ésta se resistirá al idilio. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. Por otro lado. Mientras celebra su suerte en un club nocturno. cantante. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. conviene mencionar que. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. Manet y otros artistas. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». director y bailarín y. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. diálogos y decorados. que dirigía el productor Arthur Freed. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. pues se trata de la prometida de Baurel. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953).36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. Finalmente. bailes. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. . en tiempos recientes. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. No obstante. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina.

la Universal. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. La M-G-M. Entre tanto. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. 1943). se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. Sin embargo. mientras que la Columbia. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. la primera película hablada del cine británico. en el Reino Unido.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. Por otro lado. Deeds Go to Town. Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. La R-K-O. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. por su parte. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929). Entre tanto. Mayer o Harry Cohn. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. 1939). albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. 1931). también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. Conviene no olvidar. sin embargo. al otro lado del Atlántico. entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. como Louis B. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). hayan sido objeto de numerosas críticas. Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). 1936). y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. Judy Garland y Greta Garbo. a excepción de la palabra «cuchillo». el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». Marlene Dietrich y Gary Cooper. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). . que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. sin embargo. durante un breve período de tiempo.y El cuarto mandamiento (1942). una modesta empresa creada por Harry Cohn. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp.

El fantasma de Teófanes se le aparece.. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). El dubitativo protagonista. se entretiene con un bufón. un monje y pintor de iconos del siglo xv. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. Irma Raush (La muchacha sordomuda). Como cabía esperar. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. Inspirado por esta visión. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). DURACIÓN: 185 minutos. posteriormente. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. . El héroe epónimo. es raptada. En el curso de sus peregrinaciones. Nikolai Burlyayev (Boriska). hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. Paradójicamente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. El espejo (Zerkalo.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. el rostro de Andrei. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. y su film de reminiscencias personales. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. Ivan Lapikov (Kirill). MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. Color y B/N.S.S. entre ellas. comenzará a dudar del valor de su existencia. las autoridades soviéticas. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. PRODUCCIÓN: Mosfilm. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. Más adelante. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. vertiendo lágrimas de dicha. 1974). sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. siglo xv. el pintor de iconos Andrei Rubliov. A la conclusión de la obra. Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. Argumento Rusia.R. Solaris (1972) y Stalker (1979).

La trama básica de la película. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. 1928). ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. GUIÓN: Robert Liebmann. De regreso a Alemania. Argumento El profesor Immanuel Rath.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. Briggite Helm. pero se queda cautivado por Lola-Lola. filmaran El ángel azul. pasa toda la noche en el local. publicada en 1904. Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. Hans Albers (Mazeppa). de Heinrich Mann). Eduard von Wínterstein (Director del colegio). regresa a su antiguo colegio y muere. B/N. uno de los puntales de la comunidad. una novela de Heinrich Mann. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. Kurt Gerron (Kiepert. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. DURACIÓN: 103 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. Abatido. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. un mago). PRODUCCIÓN: Erich Pommer. y fue el propio director quién le sugirió que. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. regresa junto a Lola-Lola. Henchido de dolor. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. MONTAJE: Sam Winston. la seductora artista del espectáculo. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. se contrató a Dietrich. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). La última orden {The Last Command. Marlene Dietrich. es despedido. su mujer). el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . Borracho de placer y de champán. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. MÚSICA: Friedrich Hollander. con la llegada de las películas habladas. que le convence para que se case con ella. en su lugar. y habiendo perdido toda su autoestima. Rosa Valette (Guste. sin embargo. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. Trude Hesterberg.

Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. 1934. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman. constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. hoy en día. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. El interés que el magnate del mundo discográfico. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. Annie Hall. Tony Roberts (Rob). FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. y en el vuelo de regreso a Nueva York. La Venus rubia [Blonde Venus].contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. y Alvy. escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal.. Joffe para United Artists (Charles H. DURACIÓN: 93 minutos. Tony Lacey. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. en este caso. Diane Keaton (Annie Hall). INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). Shelley Duval (Pam). ini- Con Annie Hall. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. Alvy inicia una relación con Pam.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. 1932. Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. MÚSICA: Varios. Capricho español [The Devil is a Woman]. resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. negado para la vida. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. pero. finalmente.UU. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. despierta los celos de Alvy y. muestra por Annie. tras realizar un fútil intento de reconciliación. se produce la separación. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos.). PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. Carol Kane (Allison). 1935. deciden volver a separarse. una periodista. a la que el director vestía e iluminaba. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. tiene algo de . Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. Joffe). Comentario AnnieHall EE. 1930. tras una pelea. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. la pareja volverá a reunirse. Paul Simón (Tony Lacey). etc. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que.

envalentonado por su nueva situación. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. Ray Walston (Mr. En recompensa por la cesión de su apartamento. Panavisión. Jack Kruschen (Dr. Edie Adams (Miss Olsen). añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. Marshall MacLuhan. para crear un efecto cómico. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). Diane Keaton.. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. acuciado por su conciencia. una circunstancia reconocida por la propia Academia. Sheldrake. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. D. D. Rodada con su habitual secretismo. Diamond. a su vez. DURACIÓN: 125 minutos. le consigue un inesperado ascenso. J. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». Dreyfus). se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. colocándole. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). un empleado de una aseguradora. más bien. Tras declarar su apartamento zona prohibida. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. Dobisch). Baxter. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. . se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. MÚSICA: Adolph Deutsch. bajo el título provisional de «Anhedonia». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. entre ellos los de mejor película. el director de la empresa. L. la ascensorista de la empresa. A. GUIÓN: Billy Wilder e I. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. Baxter.el film es. B/N. MONTAJE: Daniel Mandell. 1960 Billy Wilder. y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. Baxter. Fred MacMurray (J. C. Sheldrake).46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). Por todas estas razones. mejor director y mejor guión. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear.UU.

una de sus obras más populares. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). Apocalypse Now EE. y. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce.. Larry Fishburne («Limpio»). Este último. (70 mm) (35 mm. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. un capitán harto de combatir. Dennis Hopper (Fotógrafo). con ella. Frederic Forrest («Chef» Hicks). Willard. Willard). recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. Cuando se produce el encuentro. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. Gerald B. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. e insta a Wi- . Francis Coppola. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. Diamond). 1963). Argumento Vietnam. aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. El triunvirato formado por Wilder. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. Wagner. INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. Wilder combina ambas en El apartamento. que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. Kurtz). ciertamente. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. Technicolor. MONTAJE: Walter Murch. A. Harrison Ford (Coronel Lucas). versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. L. una generación más tarde.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. etc. MÚSI- CA: Carmine Coppola. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. Greenberg y Lisa Fruchtman. Kurtz le explica su filosofía. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. hasta entonces apenas explotada.UU. en ocasiones. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. fue nominada para diez premios de la Academia. de la que. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. que. The Doors. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. de Joseph Conrad). a su vez. 1964). El resultado fue El apartamento (1960).. DURACIÓN: 141 minutos.

produciendo un efecto verdaderamente turbador. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. Martin Sheen. Es Vietnam. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. Finalmente. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). A continuación. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. 1903 DIRECTOR: Edwin S. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. pasando de 12 a 31 millones de dólares. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor.UU. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. el horror». Éste. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. INTÉRPRETES: G. Michael «Crónicas» Herr. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados. Willard parte río abajo. según lo utilizó T. George Barnes. tan típica suya. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. justo antes de que un tren llegue a la estación. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. Porter. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. horror y absurda belleza. entre otros. sin embargo. la película. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). C. irónicamente. Tras unírseles otros cuatro forajidos. Abadie y Marie Murray. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador».» Con esta ampulosa declaración. Eliot en La tierra baldía. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. B/N.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. A. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. S. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad..M.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. «Bronco Billy» Anderson. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar.fue. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita.

finalmente. Comentario A principios del siglo xx. MÚSICA: Maurice Jaubert. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. vivo o muerto (TheBounty Killer. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. L'Atalante Francia.hasta que. B/N. En cuanto al principal actor. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. Nounez). se forma una partida al mando del sheriff. la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. Rápidamente. y se emprende la persecución de los ladrones. Asalto y robo a un tren. Louis Lefebvre (Muchacho). FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. Durante la década siguiente. MONTAJE: Louis Chavance. Entre tanto. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. conformando una especie de retablo. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. el circo. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. «Bronco Billy» Anderson. Porter. constituye un importante jalón en ese proceso. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. la joven campesina con la que acaba . el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. Jean Daste (Jean). abandonó la realización de películas en 1916. Argumento Jean. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. de Edwin S. Atrapados cuando procedían al reparto del botín.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. por comparación. 1965).no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. No obstante. DURACIÓN: 85 minutos. el capitán de la gabarra L'Atalante. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). Dita Parlo (Juliette). INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules).

Sus cortometrajes anteriores. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. a primera vista. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. por un golpe de fortuna. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). fuera de sí. franceses y belgas. . Dos semanas más tarde. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. y Jean. finalmente. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. Al llegar a Le Havre. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. Al estrellarse contra el agua. le contrató para que realizara lo que.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. al hallarse momentáneamente separados. En la película El último tango en París (1972). mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. alternando momentos de comedia con otros de tensión. el viejo y gárrulo compañero de Jean. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. a la que. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. uno de los grandes estudios franceses. decide soltar amarras y partir sin ella. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. Distanciados ahora el uno del otro. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. Traba amistad con Pére Jules. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. arroja un flotador por la borda. Juliette se escapa a tierra. Cuando Gaumont. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. consigue localizar.

El Rey de reyes (The King ofKings. 1966-1967). . 1953). por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. aunque no de carácter bíblico. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. la que indujo a D. en 1923 y 1956). firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. por lo general. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). sin olvidar otras producciones que. caso de Guerra y paz (War and Peace. W. Sergei Bondarchuk. la pequeña pantalla. De Mille. unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. o las primeras obras de Cecil B. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. 1977) y Gandhi (1982). que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. 1949). una producción italiana. 1954). De ese modo. La preponderancia de la figura de Cecil B. 1956) o Ben-Hur (1959). 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. no obstante. la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. Por otra parte. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. como Robin de los bosques (Robin Hood. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. 1962). y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. de algún episodio bíblico. Cabiria (1914). el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. La respuesta del público fue tan entusiasta. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). Guerra y paz (Voina i mir. se embarcó en empresas de gran envergadura. o Werner Herzog. En el momento presente. aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. por ejemplo. se encuentran Sergei Eisenstein. a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. 1956). en cualquier caso. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. la enormidad de los costes. Finalmente. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. cultivó gran variedad de géneros. la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. 1968). De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. De Mille. pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. que protagonizó Richard Burton. Sergio Leone. Sería. 1965) y tantos otros más. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. resultaban igualmente espectaculares.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. no tenía ninguna posibilidad de competir. autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. Douglas Fairbanks.

a todas luces desproporcionada. una virulenta proclama a favor de la monogamia. consigue ahogar a Alex. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). presa de la angustia. pero ésta vuelve a levantarse.UU. como ocurre con una de las escenas culminantes. Dan. titulado Diversión. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. éste es un film con más estilo que sustancia. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. cuya realización fue confiada a otro compatriota. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. Ellen Foley (Hildy). INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). Cada vez más desesperada. calcada de una escena similar en Las . vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. ha mantenido con Alex Forrest. Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. Más adelante. Glenn Cióse (Alex Forrest). Berger. 1987 Adrián Lyne. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. Jaffe y Sherry Lansing). conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. un hombre felizmente casado. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. solteras y liberadas sexualmente. 1986). DURACIÓN: 120 minutos. Adrián Lyne. se estrella con su coche. Beth. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. MÜSICA: Maurice Jarre. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. Stuart Pankin (Jimmy). MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. momento en que Beth acaba con ella de un disparo. A sus repetidos intentos de poner fin a su relación.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales.la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico.. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Anne Archer (Beth Gallagher). Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. En la pelea que se producirá a continuación. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. Michael Douglas y Anne Archer. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. aparentemente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. En un principio. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. GUIÓN: James Dearden. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. Más adelante.

como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. Gibson Gowland (McTeague). el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). escrita por Frank Norris. Jimmy Wang (Cocinero chino). McTeague. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. Marcus deja el camino libre a su amigo. un joven minero. la prima de éste. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. Jean Hersholt (Marcus Schouler). pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. Stroheim. MÚSICA: Leo A. una crónica de los bajos fondos de San Francisco. Frank Hull y Marguerite Faust. al representarla. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. de Frank Norris). Una vez que McTeague y Trina se casan. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. esposados el uno al otro. INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. cada vez de forma más manifiesta. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. MONTAJE: Erich von Stroheim. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. luego. es su prometida. que. «Sin dolor» Potter). B/N.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. Con posterioridad. desesperado. bajo el sol abrasador del desierto. Marcus arruina a McTeague. abandona la ciudad. Zasu Pitts (Trina). Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE.UU.. Gunther von Ritzau (Dr. 1955). y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. McTeague. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. Erich von Stroheim. se establece en . San Francisco. Kempinsky. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. se filmó un final distinto.000 dólares en la lotería. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. además. a la que terminará por abandonar. 1921). Caballerosamente. Consigue atraparle una vez muerta"». al desvelar que ejerce sin licencia y. donde ambos morirán.

Renzo Ricci (Padre de Anna). Mientras continúa la búsqueda. Dominique Blanchar (Giulia). ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. un feroz alegato contra la avaricia humana. por desgracia. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. A pesar de todo ello. Anna y su prometido. Esa misma noche. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. no conseguirán encontrar su cuerpo. Más adelante. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. James Addams (Corrado). 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. Sin embargo. hacen el amor. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. Lea Massari (Anna). MÚSICA: Giovanni Fusco. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. . mientras termina la noche y comienza a amanecer. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. MONTAJE: Eraldo da Roma. De un montaje inicial de nueve horas de duración. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. B/N. a cuatro. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. el arquitecto Sandro. Monica Vitti (Claudia). más tarde. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. pasó primero a siete y. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. resulta inusitada. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. DURACIÓN: 145 minutos. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. GUIÓN: Michelangelo Antonioni. pero. en compañía de Claudia. Argumento Tras un mes de separación. La aventura L'AVVENTURA Italia. cuando.

Stephen Potter y Chip Masamitsu. parece carecer de sentido. 1975). Argumento Año 1863. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. MÚSICA: John Barry.. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. se enamorará de «En pie . el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. finalmente. el Teniente John J. la tribu trabará amistad con él. la utilización de la cámara como un elemento distanciador. Más adelante. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). Dunbar). Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. Un malestar social tan abrumador es. y evaluada.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. en este caso. MONTAJE: William Hoy. Graham Greene («Pájaro peleón»). Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). 1955 y Elgrito[Il grido]. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). tampoco tiene la más mínima importancia). Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE.UU. DURACIÓN: 180 minutos. que permanecen vigilantes ante su presencia. en última instancia. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). Una vez allí. por supuesto. que. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. se establece en una granja abandonada. más que carecer de alegría. Grant («Cabello al viento»). cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. vive o muere y. 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. Tras haber sido condecorado por su valor. era poco menos que obligatoria. Rodney A. más adelante. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»).

B/N. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». 1991). Argumento Octubre. DURACIÓN: 135 minutos. 1957. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. Yacef Saadi (Saadi Kader). 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). sino que recibió siete Osear. un entusiasta del género.66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). por si fuera poco. Michele Kerbash (Fathia). hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. 1964). Además de constituir. Tommas Neri (Capitán Dubois). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. Brahim Haggiag (Ali La Pointe). Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. Dotado de un buen ojo para el paisaje. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. 1965 Gillo Pontecorvo. Costner. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. A su regreso a Fort Sedgwick. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. en suma. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). entre ellos el concedido a la mejor película. Atrapado en su casa. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . Ali La Pointe. Fawzia El Kader (Haahmal). su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos.

una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. En 1954. Así. no sólo no disminuya. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. El FLN convoca a una huelga general. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. consiguiendo así que el impacto de la película. sino que aumente aún más. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. Sin embargo. en 1962. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. y en el Octubre. por ejemplo. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. Argelia obtiene su independencia. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. la resistencia contra los franceses no cesa y. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. sin embargo. una película que contó con Marión Brando como protagonista. A principios de 1957. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. un camarada revela su paradero. habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. Finalmente. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. Sin embargo. el único superviviente será La Pointe. que desata una brutal ola de represión y torturas.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. . las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. Sometido a tortura.

una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. El presupuesto declarado. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. en última instancia. cuando sea raptada por «The Joker». el misterioso luchador contra el crimen. Robert Wuhl (Alexander Knox). El éxito obtenido por Batman. Tim Burton. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia.. lo cierto es que la película. Tras tomar a Vicki como rehén. convertido en «The Joker». consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. MONTAJE: Ray Lovejoy. Napier sobrevive y. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. Entre tanto. El jefe del hampa. Vicki comienza a desentrañar el misterio. Batman es. canciones de Prince. 50 millones de dólares. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. Kim Basinger (Vicki Vale). Cari Grisson. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. Billy Dee Williams (Harvey Dent). Antón Furst. MÚSICA: Danny Elfman. debido a la intervención de Batman. Sin embargo. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). El actor. muñecos. «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. su director. Con gran inteligencia. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. la obtención de un Osear. libros y un largo etcétera. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. el personaje interpretado por Jack Nicholson. según se dice. tratará de vengarse de Grisson. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. ignorando que éste posee una doble personalidad. un millonario que lleva una existencia recluida. un ser deforme y trastornado. caerá en una cuba de productos químicos. Pat Hingle (Inspector Gordon). utilizando personajes creados por Bob Kane). No obstante. Bruce Wayne. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. organiza el asesinato de Jack Napier que. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. seguramente. Argumento Gotham City. hizo que Hollywood . haciendo gala de una gran astucia. camisetas alusivas. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). «The Joker» reta a Batman a un duelo. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier).70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas.UU. Dadas las expectativas despertadas. o al menos parte de ella. La película fue objeto de una comercialización. DURACIÓN: 126 minutos. se desdobla en la figura de Batman.

PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). para evitar caer en el precipicio del mal gusto. 1997). Argumento Budapest. Kralik protesta y es despedido. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. de Ben Hecht). uno de los empleados. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. Alfred Kralik. Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. una combinación de ingenio. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. finalmente. Heymann. B/N. Rubottom.. 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. MÚSICA: Werner R. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. otras como Robin Hood. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». Frank Morgan (Hugo Matuschek). Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. no recogida en los títulos de crédito. se siente a disgusto con ella. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. Sara Haden (Flora). Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. de Nikolaus Lazslo. DURACIÓN: 97 minutos. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. finura y elegancia visual. che en que se dispone a conocer a su amada. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. Félix Bressart (Pirovitch). El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin.UU. MONTAJE: Gene Ruggerio.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. 1942). Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. como para darle demasiada importancia. Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. 1992). Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. con la colaboración. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. James Stewart (Alfred Kralik).72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. el verdadero adúltero es despedido. FOTOGRAFÍA: William Daniels.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. ahora como jefe de tienda.

a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. reconoce en él al hijo de un carpintero que. 1959 DIRECTOR: William Wyler. en represalia. N. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. en cierta ocasión. Leonard haría una nueva versión de la película. Más adelante. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Robert Z. She Loves Me. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. el Cinemascope. 1953). los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. éstas se han curado milagrosamente de su mal. Argumento Jerusalén. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). Haya Harareet (Esther). Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. no recogida en los títulos de crédito. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). mientras asiste a su crucifixión. La fastuosa producción de la Fox. Behrman y Gore Vidal. Varios años más tarde. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. en particular. Ben-Hur EE.UU. Martha Scott (Miriam). que. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. en consecuencia. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. Horning y Edward Carfagno. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. entre las que se cuentan.. una pareja que. Jack Hawkins (Quintus Arrius). Winters y John Dunning. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). MONTAJE: Ralph E. un antiguo amigo de la infancia. DURACIÓN: 217 minutos. MÚSICA: Miklos Rosza. de Christopher Fry. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. Technicolor.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. Antes de morir. Stephen Boyd (Messala). La túnica sagrada (The Robe. se compadeció de él. Maxwell Anderson. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. del general Lew Wallace). Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. . S.

La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). Harry Stockwell (Príncipe Encantador). 1937 Walt Disney. Leigh Harline. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. la Reina visita a Blancanieves y. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Perseguida por los enanitos. DURACIÓN: 83 minutos. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Disfrazada de vieja bruja. Kenneth Anderson. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. Sin embargo. en un primer momento. MÚSICA: Frank Churchill. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. 1956). Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. Dorothy Ann Blank. recibe la visita del Príncipe Encantador. Dick Richard. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. Incapaz de cumplir semejante orden. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. Destaca en ella la dirección de William Wyler. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. Harold Miles. Terrel Stapp. Paul Smith y Larry Morey. Tom Codrick. McLaren Stewart. Earl Hurd. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). Moroni Olsen (Espejo mágico). Kendall O'Connor y Hazel Sewell.y aunque. Argumento Criada por un reina perversa. 1956). Richard Creedon. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. En 1925. Gustaf Tenggren. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. la convence para que se coma una manzana envenenada. Billy Gilbert (Alérgico). un buen día. hasta que. invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. con engaños. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. GUIÓN: Ted Sears. . Y todos vivieron felices y comieron perdices.. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. Otto Englander. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. Rodada en Italia durante un período de diez meses. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. Lucile La Verne (La Reina). aquélla ordenará su muerte. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. Hugh Hennesy. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. la Reina cae por un precipicio y perece. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país.

en . y su esposa. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. un mecánico. utilizó 250. muy importantes. MÚSICA: Charles Strouse. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. Argumento Aburrida de la vida provinciana. sin embargo. entretenimiento mágico y musical de primer orden. Sin embargo. Pollard (C. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. MONTAJE: Dede Alien. Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. satisfacen las ansias de fama de Bonnie. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. Moss). forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. que le promete un emocionante futuro. En 1934. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). Denver Pyle (Frank Hamer).UU. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. Obra llena de innovaciones y. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. a la vez. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. poco a poco.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. con contribuciones. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. DURACIÓN: 111 minutos. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood.000 dólares. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ).000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. como de los enanitos. anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. la película había costado 1. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. Gene Hackman (Buck Barrow).000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. el hermano de Clyde. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. Bonnie Parker. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. el cazador y el Príncipe Encantador. W. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración.78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. caso de Blancanieves.500. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. y de Buck. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. tanto de los personajes humanos de corte «realista». Faye Dunaway (Bonnie Parker). es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. una camarera. En compañía de C. Moss. J. del que le hizo entrega Shirley Temple. Gene Wilder (Eugene Grizzard).500. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve.. Estelle Parsons (Blanche). durante las Navidades de 1937. no recogidas en los títulos de crédito. W. de Robert Towne. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. y.

Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. y a la mejor fotografía. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. Natalie Wood. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. Buck muere y Blanche queda ciega. más bien. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. Comentario Una de las películas clave de su época. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. .80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. corrupto. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. En un claro.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. con frecuencia. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. para Ellen Parson. Carol Lynley. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse.

la relación. Si Billy Wilder. . el desvalido y acrobático vagabundo. por ejemplo. éste no obtendría renombre internacional hasta que. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. y. tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. su repudio del sentimentalismo.. protagonizada por Bing Crosby. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. fue el de Harold Lloyd. Walter Matthau y Jack Lemmon. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. 1949). terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. Junto a Grant y Hepburn. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo.. iniciadas con Annie Hall (1977). Doris Day y Rock Hudson. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. 1988). 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. En cualquier caso. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). Un caso. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. Si bien otras parejas. No obstante. Tony Curtís. una vez concluida la guerra. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. en parte similar. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. como Sopa de ganso (Duck's Soup. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. como la formada por Abbott y Costello. llena de calidez y buen humor. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. Durante muchos años. y un largo etcétera. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. En cuanto a la situación en el Reino Unido. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. entre los personajes de series como TheRoad to. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. de la extensa serie Carry on. en compañía de la propia Hepburn. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. sin embargo. 1933) y Una noche en la Ópera (1935). hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. Bob Hope y Dorothy Lamour. parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. Judy Holliday. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. cuyo más famoso personaje. más tarde.... ejercerían una gran influencia en el género. Hoy en día.82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone.

1970). quedarían para ir juntos al cine y. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. Consternada. contempla la posibilidad de suicidarse. En este sentido. Alee Harvey). de ser nominada por la Acade- . GUIÓN: David Lean. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. P. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. Como era de prever.la película de David Lean. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. Calthorp. DURACIÓN: 85 minutos. Laura Jesson. Breve encuentro. Francke. Breve encuentro consiguió también la hazaña. Margaret Barton (Beryl Waters). reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. actor y celebridad. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. Cyrill Raymond (Fred Jesson). y bastante más conmovedora. tras un nuevo encuentro fortuito.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. Alee Harvey en la cafetería de la estación. de sus clases medias. al campo y a un restaurante. al parque. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. al encontrarse con unos viejos amigos. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. relativamente rara para una película británica. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. una mujer casada de clase media. acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. Joyce Carey (Myrtle Bagot).84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. resulta mucho menos premeditada. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). típicamente británica y. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. Trevor Howard (Dr. la visita de la pareja al cine. más adelante. StillLife). B/N. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. guardia de la estación). más en concreto. MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. 1945 DIRECTOR: David Lean. Luego. Williams y G. De vuelta a su casa. E. es abandonada por el Dr. Stanley Holloway (Albert Godby.

de Richard Kwietniowski. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. la postura antisistema. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. Mac Mashourian (Guardaespaldas). Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive.UU. Phil Spector (Contacto). Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. sin embargo. Llegan a un pueblo. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. MÜSICA: Varios. Los dos motoristas siguen su camino. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. GUIÓN: Peter Fonda. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson. 1969 Dennis Hopper. Argumento Bien provistos de fondos. rirá apaleado. Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre.. Dennis Hoppery Terry Southern. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. En 1974. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. DURACIÓN: 94 minutos. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. por otro lado. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). recogen a un par de chicas de un burdel. Jack Nicholson (George Hanson). Fiantes ofPassion (1990).y tienen un mal viaje de ácido. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. MONTAJE: Donn Cambren. un abogado alcohólico. Más tarde serán atacados por el sheriff. donde su presencia no es bien recibida. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. el rock. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago.y los de la mayoría. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. sólo en los Estados Unidos.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. la versión televisiva. Deciden seguir por carretera hacia Florida. era el principal componente del público que asistía al cine. y Hanson mo- . que han obtenido mediante la venta de drogas. regresa para matar también a Wyatt.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

Mario Beccaria (Léon Hamel). según la cual. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. en el Périgord. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. como sucede. Ella le regala un mechero. junto a él. y no amor. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. Jean Yanne (Popaul Thomas). más como víctima que como asesino. o de haberle. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. Popaul se suicida. que. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. por ejemplo. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. en esta ocasión. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. Antonio Passalia (Angelo). hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. un ser dulce y atento. sin embargo. y el carnicero Popaul. De entre el bullanguero gentío. pero. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. la maestra de la escuela. que rápidamente esconde. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. De hecho. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. dejando a la maestra sola con su culpa. Pasquale Ferone (Padre Charpy). Comentario Chabrol. Héléne descubre el cadáver de una joven y. el carnicero. William Guérault (Charles). Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. En El carnicero. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. un mechero. GUIÓN: Claude Chabrol. la sofisticada pero distante Héléne. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. MONTAJE: Jacques Gaillard. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. decide mantenerlo oculto. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. el enfrentamiento entre la maestra. del posterior fu- . como desearía Popaul. al hacerlo. completamente opuesta. pero con un lado oculto atávico y brutal. Chabrol. DURACIÓN: 94 minutos. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. tras el cual. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. Roger Rudel (Inspector de policía). una sobria historia de amor con tintes trágicos. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. MÚSICA: Pierre Jansen. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). y Popaul. por lo menos. Su verdadera culpa. parece estar inexorablemente predeterminado.

Nigel Havers (Andrew Lindsey). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. en Escocia. Nick Farrell (Aubrey Montague). un tema musical algo anacrónico. se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. pero enormemente pegadizo. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. un ambicioso atleta. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. llevado en volandas por su fe. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. Ian Charleson (Eric Liddell). Ian Holm (Sam Mussabinni). siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. 1919. Entre tanto. The Foxes (1980). que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams).con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. y ganadora de cuatro de ellos. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. GUIÓN: Colin Welland. proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. FOTOGRAFÍA: David Watkin. los ganará en un tiempo récord. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. representando al Reino Unido. Argumento Cambridge. por delante del norteamericano Scholz. Finalmente. Daniel Gerroll (Henry Stallard). que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». Liddell correrá los 400 metros y. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. El expreso de medianoche (Midnight Express. que ganará Abrahams. el hijo de un misionero. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. . a su vez. las hazañas atléticas de Eric Liddell. MONTAJE: Terry Rawlings. proferida con ferviente entusiasmo. 1978). La película. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante».98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. Aunque esta amenaza. MÚSICA: Vangelis. Harold Abrahams. Nominada para siete premios de la Academia. que vienen los británicos». un publicista reconvertido en cineasta). Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. DURACIÓN: 123 minutos. del que Liddell sale vencedor. En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. incluidos los de mejor película y mejor canción original. Al negarse a correr en Sabbath.

parecían indicar una situación de declive inexorable. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. al conseguir restaurar. y Phillip G. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. Hoy en día. Claude Reins (Capitán Louis Renault). que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. a América. desde allí. no pare de crecer. Como se ve. la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. pero éste. Peter Lorre (Ugarte). Ingrid Bergman (Usa). lleno de oficio. nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. los orígenes de la película no era muy prometedores. su esposa. en un principio. propiedad del cínico Richard Blaine. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. Inesperadamente. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. aunque fuera momentáneamente. de Rick. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. Casablanca EE. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. lo cual le convierte en objeto de especial interés. Wallis). delicadamente siniestro. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. como los niveles de calidad artística. de Murray Burnett y Joan Alison). la fe en la industria autóctona tras una década en la que. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa.. dos visados de tránsito caen en sus manos. Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. B/N. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. MÚSICA: Max Steiner. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). cuya interpretación de un jefe de policía. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. Ésta había sido antes la amante . que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. tanto las estadísticas de producción. Paul Henreid (Victor Laszlo). sin embargo. DURACIÓN: 102 minutos. GUIÓN: Julius J. fue nominada para un Osear). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. MONTAJE: Owen Marks.UU. Conrad Veidt (Mayor Strasser).

pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. Bogumil Kobiela (Drewnowski). nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). a su vez. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). etc. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. el antihéroe desencantado. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. del régimen comunista de posguerra. Argumento Polonia. Stanislaw Milski (Pieniazjek). «Tócala otra vez. Woody Alien rindió homenaje a la película. Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. último día de la Segunda Guerra Mundial. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. Jan Ciecierski (El portero). La película completó una trilogía informal. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. Mientras espera en un hotel. B/N. lo que aviva aún más sus dudas. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. MONTAJE: Halina Nawrocka. 1972). de emular a Bogart. DURACIÓN: 105 minutos. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que.)> o la inolvidable As Time Goes By. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. Andrzej Wajda. Maciek. el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. y a la aspiración. pasa la noche con Krystyna. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. Tras leer una inscripción en un cementerio. . recibe el disparo de un oficial borracho. Sam». una mujer que acaba de conocer. igualmente oscura. en cierto modo. Ewa Kryzjewska (Krystyna). y Cenizas y diamantes. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. recibe la orden de matar a Szczuka. muchacho». en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. Por otro lado. Adam Pawlikowski (Andrzej). muy generalizada. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. se despiden.

Whitney). MONTAJE: Jack Murray. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. tras asesinar a todos los adultos. pero que. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. finalmente. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. PRODUCCIÓN: C. V. Cooper y C. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. Cuando el combate concluye. la mate. 1956 DIRECTOR: John Ford. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . FOTOGRAFÍA: Winton C. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. Natalie Wood (Debbie Edwards). Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. En el camino. y. Whitney (Merian C. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. cuando por fin encuentran a Lucy. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. se encuentra muy próximo al estado salvaje. V. Ward Bond (Capellán castrense. que. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. Hoch. VistaVision. MÚSICA: Max Steiner. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. la chica tiene que enfrentarse a Edward. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. a su vez. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. gers cuando los comanches asalten el rancho. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. Samuel Johnson Clayton). Technicolor. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. Sin embargo. DURACIÓN: 119 minutos. John Qualen (Lars Jorgensen).UU. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. Jeffrey Hunter (Martin Pawley).. Vera Miles (Laurie Jorgensen). Nugent (basado en una novela de Alan Le May). GUIÓN: Frank S.

con toda la vida salvaje). lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. Salvatore Cascio (Salvatore niño). Si. sólo que. el legado de Alfredo. en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). Argumento El fallecimiento de su mentor. Agnese Nano (Elena). Alfredo. . INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. en este caso. que era el proyeccionista de la sala. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. sus implicaciones van más allá y lo convierten. por extensión. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. por un lado. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. MONTAJE: Mario Morra. por otro. Gracias a Alfredo. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. Durante su adolescencia. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. Su regreso está teñido de tristeza.106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. él mismo se convirtió en sus ojos y. Pupella Maggio (María). espacial y psicológica. finalmente. 1977). Salvatore rodará un documental. se enamorará de una chica. en el operador del cine. MÚSICA: Ennio Morricone. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. además. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. No obstante. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. que también trata del pasado del cine. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión.

Mientras el periodista deja Xanadú. Darrell Silvera y Hilyard Brown. Bernstein). interrogando a sus antiguos amigos y empleados. Dorothy Comingore (Susan Alexander)..UU. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland.O. Agnes Moorehead (Madre de Kane). Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. . pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. la mansión del magnate. Más tarde. GUION: Hermán J. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. George Colouris (Walter Parks Thatcher). La descripción que se hace de los excéntricos dueños. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud».108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. Un periodista tratará de descubrir su significado. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. MÚSICA: Bernard Herrmann. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. Se divorcia y se casa con Susan. Kane morirá en la más absoluta soledad. Everett Sloane (Mr.K. (Orson Welles). Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. DURACIÓN: 119 minutos. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. ultramodernas e impersonales salas multicines. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. Mankiewicz y Orson Welles. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. más que de lamento. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. Ray Collins (James W. antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. de los niños revoltosos. Gettys). Joseph Cotten (Jedediah Leland). B/N. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine.

por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. haciéndose pasar por un rico playboy. Joe. y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. está basada en un personaje real. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. Orson Welles fue contratado por la R. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. la cantante de la banda. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. Joe E. George Raft (Spats Columbo). GUIÓN: EE. por ejemplo. Osgood Fielding III. Pat O'Brien (Mulligan). B/N. Desechando la puesta en escena convencional. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk).110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. MONTAJE: Arthur Schmidt. planos cortos y primeros planos. que ansia conocer el verdadero amor. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. Durante sus dos primeros años en los estudios. Diamond (inspirado en un relato de R. Thoeren y M. en su lugar. Argumento Año 1929. Joe y Jerry. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. en 1939. La celebración de una . A.O. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. DURACIÓN: 120 minutos. Logan). basada en el montaje de una sucesión de planos generales. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). 1959 Billy Wilder e I. según la cual. le había valido grandes elogios. una película de 1933. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. Ciudadano Kane fue. productor. corteja a Susan. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. el gran magnate William Randolph Hearst. granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». En Miami Beach. Si su admirada estructura. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. perdido en el inmenso vacío de su mansión). FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior.K. se sentirá atraído por «Daphne». y apostando. MÚSICA: Adolph Deutsch. Joan Shawlee (Sweet Sue).UU.. Antiguo niño prodigio. USA». ante todo. Sin embargo. Brown (Osgood Fielding III). Entretanto. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). Tony Curtís (Joe/Josephine). tanto en los escenarios como en la radio. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». un millonario que colecciona matrimonios. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. La película. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs.

para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. una agilísima modulación rítmica. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). GUIÓN: Peter Greenaway. Neville). Herbert. le fue asignado a Tony Curtis. cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. Talmann). Comentario Comedia imperecedera donde las haya. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. disminuyeron las presiones. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. Talmann). El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. Herbert). y garantía segura de diversión. Irma la dulce (Irma La Douce. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. David Gant (Mr. El papel de su compañero. Janet Suzman (Mrs. 1932). 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. Anne Louise Lambert (Mrs. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. Seymour). de la que saldrían películas como El apartamento (1960). DURACIÓN: 108 minutos. Hugh Fraser (Mr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. entre ellos los de mejor director y mejor actor. tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. Joe. Sin embargo. Argumento Wiltshire. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. lo que se ve en la pantalla es pura magia. Neil Cunningham (Mr.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. Más adelante. Sin embargo. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. No obstante. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. El pintor Neville es contratado por Mrs. Dave Hill (Mr.1972). Herbert). un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. Noyles). 1694. razones de índole comercial. el terror del hampa (Scarface. Sin embargo. Billy Wilder. PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. . Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. su guionista y director. MÜSICA: Michael Nyman. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». Con todo. Inglaterra. MONTAJE: John Wilson. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. para Jack Lemmon. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. una dama de la aristocracia. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar.

como. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. Según la propia descripción de su director. Derek Jarman o Ken McMullen. Finalmente. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). DURACIÓN: 113 minutos. la iconografía y la música de Michael Nyman.. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. Harrison Ford (Martin Stett).114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). A fecha de hoy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. entendida como ejercicio cinematográfico. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. la película es un intrincado juego conceptista. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. GUIÓN: Francis Ford Coppola. que. aunque sea de forma paródica. Herbert en el foso. a partir de ese momento. Como condición para realizar el trabajo. algo a lo que ella consiente. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. MÚSICA: David Shire. John Cázale (Stan). se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. el cual. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. Cindy Williams (Ann). Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. la hija de los Herbert. Talmann. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. por lo general. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. es cegado y dado muerte. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. por ejemplo.UU. suele desconocer la obra de otros realizadores. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. Frederic Forrest (Mark). mucho más fragmentarias y viscerales. que. La familia le echa las culpas a Neville. Talmann. al regresar para realizar un postrer dibujo. 1974 Francis Ford Coppola. se descubre el cadáver de Mr. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). Con todo. la película. . se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. Neville coquetea también con Mrs. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. Alien Garfield (Bernie Moran). El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. infrecuentes en una cinematografía como la británica. Neville exige que Mrs. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. MONTAJE: Richard Chew.

Aunque su trabajo ya ha concluido. la película también permite que Hackman. hasta entonces. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. el director de la misma. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. en el transcurso de tan sólo dos horas. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. sin embargo.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. la redención y la alienación contemporánea. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. constituye. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). En las oficinas de la empresa. . una de las películas más gratificantes de su director. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. en algún momento. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. que. la culpa personal. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. No obstante. Por otro lado. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. La conversación.

La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. de los pobres y. en general. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. un film compuesto de varios episodios. su última película juntos. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. de actores no profesionales. el neorrealismo fue. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. Ladrón de bicicletas (1948). dirigido asimismo por Rossellini. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». en sentido estricto. A pesar de todo ello. 1950). ciudad abierta (1945). en el movimiento del Free Cinema británico. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. caso de La regla deljuego (1939). 1978). en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. siempre que ello fuera factible. más tardíamente. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. 1963). para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. un acontecimiento que. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. 1989). dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento.1947) y. En estas últimas. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica.118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. En los Estados Unidos. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». 1946). 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. y Umberto D (1952). cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. . de hecho. Cain. la fantasía alegórica. Sábado noche. que se plantea la posibilidad de suicidarse.

en el papel de su antiguo mentor. está salpicado de humor negro. así como la de Erich von Stroheim. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. Seitz. DURACIÓN: 110 minutos.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. exmarido y actual sirviente. Charles Brackett y D. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. La elección de Swanson. el escritorzuelo necesitado de recursos. Su guión. Mientras se la llevan arrestada. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. M. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. Norma visita a Cedí B. pero Norma. Max.UU. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. Argumento El guionista Joe Gillis. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. revelará que es un mantenido. FOTOGRAFÍA: John F. le matará de un disparo. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. Gillis continúa viendo a Betty. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. Cuando Gillis trate de abandonarla. precisamente. e incluso Mae West. una lectora de guiones. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. Marshman júnior. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. 1950 Billy Wilder. entre ellas.. a pesar de lo cual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. MÚSICA: Franz Waxman. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. Pola Negri. Nancy Olson (Betty Schaefer). En cuanto al papel de la actriz principal. B/N. aunque afortunadamente no su temperamento. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. Fred Clark (Sheldrake). Gloria Swanson (Norma Desmond). GUIÓN: Billy Wilder. eran similares a las suyas. Lloyd Gough (Morino). al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. decidirá permanecer al lado de Norma. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. Mary Pickford. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. celosa. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). Sin embargo. fue un gran acierto. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). que le anima a que siga con su propio trabajo.

Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. Por otro lado. Nominada para once Osear de la Academia. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. Años más tarde. el indolente hijo de Isabel. Isabel sufre un ataque al corazón. llegaran a su fin.UU. MÚSICA: Bernard Herrmann. en el futuro. Agnes Moorehead (Fanny Amberson). con W. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). mejor dirección artística y mejor banda sonora. que se la llevará a Europa. sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George.K. Fields como protagonista. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . MONTAJE: Robert Wise. el de mejor guión. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. tanto a nivel individual como en conjunto. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. (Orson Welles). quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido.. B. C. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. B/N. Tim Holt (George Amberson Minafer). que se casa con el . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. Anna Q. Anne Baxter (Lucy Morgan). DURACIÓN: 88 minutos. Jack Moss y Mark Robson. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. la película tan sólo obtuvo tres de ellos. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. Nilsson y H. publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Sin embargo. acaudalado Wilbur Minafer. 1942 DIRECTOR: Orson Welles.O. Tras un accidente en el que está a punto de morir. podrá contar con ayuda. se descubre que las arcas de la familia están vacías. Ray Collins (Jack Amberson). Warner. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. una novela de Booth Tarkington. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday).

junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. Kinuyo Tanaka (Miyagi. Argumento Japón. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. Mitsuki Mito Ohama. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. El eslogan de la nueva dirección. DURACIÓN: 96 minutos. finalmente. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). Sakae Ozawa (Tobei).000 dólares frente a una inversión de 1. Por su parte. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble.K. B/N. la encontrará su marido. constituía toda una declaración de principios. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. Masayuki Mori (Genjuro). vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. En cuanto a Tobei. Tras asistir a un pase previo de la película. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. finalmente. donde. esposa de Tobei). se dedica a la prostitución en un burdel. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. a raíz de ello.que le encierra en una tierra encantada. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista. 500.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. se produjo un cambio en la dirección de la R. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. primero con un metraje de 148 minutos y.K. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). Su mujer. sin embargo. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. durante su ausencia.000. en el siglo xvi. es violada por unos soldados y. MONTAJE: Mitsuji Miyata.O. . Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). Tras haber dejado montada una versión completa. un fantasma. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. en su papel de narrador omnisciente. entre tanto. esposa de Genjuro). con tan mala suerte que. La película. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón.250. Welles. incluido el de mejor película. de 131.».O. A pesar de ello. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios.

sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. y lo mismo. Ésta. Philippe MorierGenoud (Le Bret). A lo largo de la película. Argumento París. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. Al principio. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Pronto la pareja se casará y. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. el espadachín y poeta. MONTAJE: Noelle Boisson. pero. 1640. La belleza casi pictórica de sus imágenes. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. A ojos de un occidental. Christian es herido de muerte. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. A su vuelta. en lugar de constituir dos entidades divergentes. Anne Brochet (Roxane). el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. aunque de distinta manera. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . DURACIÓN: 138 minutos. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. por lo general sigue considerándose una obra maestra. guiado ahora por el fantasma de su esposa. ignorando los sentimientos de Cyrano. MÜSICA: Jean-Claude Petit. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). le ocurre a su cuñado Tobei. se le muestra un mundo distinto. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. como si las dos realidades. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. Roland Bertin (Ragueneau). Jacques Weber (Conde De Guiche). una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. Cyrano de Bergerac Francia.

llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra.que engloba la personalidad de Cyrano. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. un agente de prensa sin principios. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». J. Marty Milner (Steve Dallas ). Tony Curtís (Sidney Falco). Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. un músico de poca monta. humorista. sino también a la destreza con que su director y coguionista. la única opción posible para interpretar a Cyrano. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón.UU. cuyo estilo. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. MONTAJE: Alan Crosland júnior. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). Depardieu era. J. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. Hunsecker. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. soldado y personaje trágico. en su versión inglesa. y Steve Dallas. En colaboración con Jean- Claude Carriére. Barbara Nichols (Rita). y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. Posteriormente. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. Años más tarde. Hunsecker). contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess. tras lo cual se retira a un convento. Susan Harrison (Susan Hunsecker). J. la adorada hermana de Hunsecker. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. DURACIÓN: 96 minutos. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. MÚSICA: Elmer Bernstein. Argumento Sidney Falco. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. El éxito de esta película.. B/N. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . sin duda. por otro lado. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. Sam Levene (Frank D'Angelo).128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. Jean-Paul Rappeneau. no deja de ser bastante convencional.

ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. lo cierto es que. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. 1959). Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). Sin embargo. Susie. DURACIÓN: 131 minutos. Argumento Los Ángeles. son más actuales hoy en día. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. Será a Falco a quién J. mientras que las cuestiones que plantea. 1967). la sorprenda en una situación comprometida con Falco.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. Por su parte. gracias a esta película. J. Como recompensa. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. seguramente. Stewart Campbel. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. en represalia. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. 1951). se le promete que podrá escribir la columna de J. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. J. GUIÓN: Robert Towne. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. Ida Sessions. J. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. J. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso.UU. MÚSICA: Jerry Goldsmith. John Hillerman (Yelburton). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). Con posterioridad. 1956). 1955) y Trapecio (Trapeze. Chinatown EE. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. 1937. J. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). Perry López (Escobar).. John Huston (Noah Cross). la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. Gittes para que . Gittes). contrata al detective J. que cuando fue realizada. cuando éste se encuentre de vacaciones. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Alonzo. MONTAJE: Sam O'Steen. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. se las arregla para que J. FOTOGRAFÍA: John A. haga arrestar ahora por un cargo de drogas.

Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. creando los personajes del cínico. el vicepresidente de la Paramount. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Robert Towne. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. mientras que Katherine resulta ser. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. J. tuvo que conformarse con un solitario premio. El guionista y antiguo policía. concedido al siga a su marido. a un tiempo. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. aparecen en un periodicucho sensacionalista. concebido en un principio para Ali McGraw. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. . por entonces la mujer de Evans. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. J. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross.y el de la compleja Evelyn Mulwray. Katherine. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. aunque caballeroso detective. donde Evelyn muere. son atrapados en Chinatown. especialmente. la hija y la hermana de Evelyn. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. al haber sido ésta violada por Cross. de Faye Dunaway. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. La película.

el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. De aquí a la eternidad es una obra que. B/N. pide su readmisión en el ejército. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. Deborah Kerr (Karen Holmes). FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey.134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. envueltos por las olas. Donna Reed (Lorene). Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). Prewitt se enamora de Lorene. La muerte de Maggio. Embarcadas en el mismo barco. la desengañada esposa del comandante. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. Frank Sinatra (Angelo Maggio). Tras muchas demoras y problemas. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. un recién llegado al cuartel. Por su parte. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. hasta entonces prohibidas-. ambientada en 1959. Montgomery Clift (Cabo Robert E. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. partiendo de un reparto plagado de estrellas. MONTAJE: William Lyon. Argumento Año 1941. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. el jefe de la Columbia. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. basado en una novela de James Jones). DURACIÓN: 118 minutos. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. con Karen Holmes. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. MÜSICA: George Duning. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. Two Jakes (1990). todos sus compañeros. Honolulú. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. el Sargento de la prisión militar. como Aldo Ray o John Derek. Prewitt. y no Fred Zinnemann. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. Lee Prewitt). A consecuencia de ello. en cuya tercera parte.. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. a pesar de los años. una prostituta. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. cuartel de Schofield. le hacen el vacío. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. Warden. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación .

De entre los muertos VÉRTIGO EE. «Scottie» se enamora de ella. conoce a Judy Barton. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. Gavin Elster. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. tirándola desde lo alto del campanario. 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Henry Jones (Juez de instrucción). pero mientras visitan juntos una vieja misión. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. DURACIÓN: 128 minutos. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr.000 dólares.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. Ella se reconoce culpable y le declara su amor. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante.500.UU. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. Argumento Al descubrir que padece acrofobia. un antiguo amigo. por detrás de La túnica sagrada. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». le contrata para que siga a su mujer. En 1979. a la que él mismo había matado. Con respecto al principal papel femenino. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. Bert Allenberg: «Habráse visto. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. pero.. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. con la impresionante cifra de 12. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. hicieron que finalmente se le concediera el papel. había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. Nominada para trece Osear. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). asustada por la súbita aparición de una monja. unidos a su aceptación de unos miserables 8. MONTAJE: George Tomasini. Barbara Bel Geddes (Midge). PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). MÚSICA: Bernard Herrmann. En cuanto al personaje de Maggio.000 dólares como remuneración. Judy. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. Tom Helmore (Gavin Elster). GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). cae al vacío y muere. a la que siguió una serie. Cuando «Scottie» lo averigua. en realidad. y. . Raymond Bailey (El doctor). Madeleine. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane.

UU. Un éxito fruto del trabajo en equipo. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. Moore. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones.m. 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). Gabey localiza a su chica.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. y se pone a seguirla. sin embargo. Frank Sinatra (Chip). cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. con el título de Fascinación (Obsession. 6 a. La película. etc. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. una taxista. Willis y Jack D. Argumento Brooklyn. Gabey entrevé a la chica de un póster. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. Cada uno sigue su camino por separado. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. su peinado. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. en referencia al papel que interpreta Stewart. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). una estudiante de antropología. una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición.1973). Jules Munshin (Ozzie). INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). por lo tanto. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. DURACIÓN: 98 minutos. y que. MONTAJE: Ralph E. Sin embargo. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). El director. Ann Miller (Claire Huddesen). que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. ocurre. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma.. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. Edwin B. que se une a la búsqueda. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. aunque no se reconociera así. Vera-Ellen (Ivy Smith). Winters. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características. Jack Marín Smith. también. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. . Los marineros Gabey. GUIÓN: EE. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. Chip conoce a Brunhilde. «Miss Torniquetes». está incurriendo en necrofilia». es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State.

. donde filmaron el número del principio y el final de la película. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). Claire Trevor (Dallas). en vez de detener el desarrollo de la trama. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora.UU. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. Mientras se despiden en el muelle. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. La película. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. John Carradine (Hatfield). Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. Andy Devine (Buck). Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. John Leipold. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. La diligencia STAGECOACH EE. su música y sus bailes. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. Por otro lado. Con todo. Donald Meek (Samuel Peacock). mientras la policía les va pisando los talones. 1939 DIRECTOR: John Ford. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. Finalmente. Franke Harling. Thomas Mitchell (Dr. menos aún. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. W.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. sale huyendo. un fugitivo de la justicia que busca a los . MONTAJE: Otho Lovering. MÚSICA: Richard Hagerman. de Ernest Haycox). avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. La pandilla la sigue en un taxi robado. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. Josiah Boone). DURACIÓN: 97 minutos. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). que. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. una bailarina de ballet. abrió nuevos caminos en diversas áreas.

La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. De hecho. un productor independiente. el banquero Gatewood es arrestado.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. durante el cual. una de las pasajeras. como puede apreciarse. No obstante. gracias al respaldo de Walter Wanger. es atendida por Boone. y toca una serie de aspectos. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. como el racismo y los valores morales de la sociedad. . El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. prosiguen su viaje. acusado de desfalco. David O. en la vibrante secuencia de la persecución. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. una elección que le produjo numerosos contratiempos. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. Finalmente. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes.Ringo Kid dará muestras de su valor. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. a la que ha conquistado con su caballerosidad. uno de los estrenos del año 1939 que. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. junto a Tierra de audaces (Jesse James). A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. y por Dallas. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. que se encuentra en trance de dar a luz. la Señora Mallory. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. una prostituta. ante todo. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. Una vez en Lordsburg. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. un doctor aficionado a la bebida. un jugador de nombre Hatfield.

Inexplicablemente. afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. 1974). Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). hoy y por siempre (For the Boys. ya a finales de la década.144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. el canto y la danza. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. 1979) y Ayer. todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. de nuevo Gene Kelly. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. a cual más descerebrada. todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). 1947). dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. Excepción hecha de unas cuantas películas. en los primeros momentos del cine sonoro. Los años treinta produjeron. Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. . Bette Midler con La rosa (The Rose. Deanna Durbin y. unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. o que. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). la Liza Minelli de esta última película y de New York. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. Aunque esta moda fue pasajera. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. 1977) y Grease( 1978). precisamente. 1991). o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. 1968) y Cabaret (1972). 1952) y Melodías de Broadway (1953). no es de extrañar que. 1944) y El pirata (The Pírate. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. Ira Gershwin y Colé Porter. mientras que fueron. muchos y muy variados talentos. hasta Alice Faye y Bing Crosby. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. 1929). marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. por su condición de primera película hablada. Sin embargo. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. no obstante. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. 1936). con sus populares operetas.

G. desde hace mucho tiempo. Henry Fonda.° 7). un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea.adquiriera dinamismo y fluidez. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). B/N. Marshall (Jurado n. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». accesible a cualquiera. Dado que abriga algunas dudas. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. pasados más de cuarenta años. partiendo de su propia obra televisiva de 1954. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. como director. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. Jack Warden (Jurado n.146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell.. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). efectivamente. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. DURACIÓN: 96 minutos. Con Doce hombres sin piedad. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. El hecho de que.° 3). nada frecuente. El veredicto unánime será de no culpable. en su doble vertiente de actor y productor. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. Martin Balsam (Jurado n. E. la película siga transmitiendo esa sensación. Adaptado por Reginald Rose. y Sidney Lumet.° 4). 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo.UU. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta. Poco a poco irá minando su seguridad. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. Lee J. Ed Begley (Jurado n° 10). MONTAJE: Cari Lerner. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. como se aprecia en el hecho. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- . o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras. por lo tanto. MÚSICA: Kenyon Hopkins.° 1).° 8). demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. Cobb (Jurado n. se debe a que sus actores dieron. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J.

Annibale Ninchi (Padre de Marcello). B/N. Marcello Rubini. Alain Curry (Steiner). supuestamente explícito. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. GUIÓN: Federico Fellini. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. G. MÚSICA: Niño Rota. incomprensible desde una perspectiva actual. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). Anouk Aimée (Maddalena). pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. la sensa- El escándalo. Ennio Flaiano. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. Comentario La dolce vita Italia/Francia. Argumento Roma. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. 1960 Federico Fellini. mientras va de fiesta en fiesta. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. Anita Ekberg (Sylvia Rank). entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. el gacetillero que interpreta Mastroianni. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . del sexo. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro.han pasado a formar parte del lenguaje común. entre ellas la de mejor película. Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. una especie de relato de las andanzas de un vividor. matando a la vez a sus hijos. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. La película. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. Durante una noche loca. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. conviene no olvidar. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. MONTAJE: Leo Cattozo. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. Marshall. sin embargo. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. Yvonne Fumeaux (Emma).

provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». Leonard Rossiter (Smyslov). y se envía una nave para investigarlo. Gary Lockwood (Frank Poole). la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. que. ese magistral espectáculo que es Fellini. ciendo el miedo que les produce. DURACIÓN: 141 minutos. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. Heywood Floyd). se descubre enterrado en la luna un monolito. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. una odisea del espacio. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. mantenidos en un estado de hibernación. William Sylvester (Dr. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). idéntico al anterior. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. 2001. un ordenador infalible. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). una película cuya temática aborda.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. y HAL. que. simulará un fallo mecánico. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». MONTAJE: Ray Lovejoy. pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. ocho y medio (1963). tres compañeros. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. Daniel Richter (Moonwatcher. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. MÚSICA: Richard Strauss. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. no deja de ser irónico que. que emite señales hacia Júpiter. Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. a medida que van ven- . como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. el observador de la luna). Al acercarse a un monolito negro. Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. GUIÓN: Comentario Reino Unido. Bowman continuará el viaje en solitario. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). Ya en el presente. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. ni más ni menos. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). Johann Strauss. según definición de su propio director. sin embargo. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. una circunstancia que.

una película inteligente y bastante accesible.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. eso sí. la esposa del hermano de Lucy. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. se estrenaría su continuación. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). Michael Gough (Arthur Holmwood). John van Eyssen (Jonathan Harker). uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. había alcanzado los 11 millones. más adelante. según se dijo. Justo antes de sucumbir a su voluntad. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. sin embargo. partiendo de un presupuesto que. aunque inevitablemente decepcionante. Sin embargo. que fue dirigida por Peter Hyams. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. . resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. Carol Marsh (Lucy Holmwood). 2010. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. caerá víctima del Conde. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. un experto vampirólogo. Entretanto. mucho más que en los propios personajes. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. En este sentido. Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón. Odisea Dos (2010). y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. que vieron en ella «un viaje alucinante». Christopher Lee (Conde Drácula). En 1984. Drácula Reino Unido. Van Helsing. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. la bella prometida de Harker. abre de golpe las cortinas. Melissa Stribling (Mina Holmwood).o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). Nominada para cuatro premios de la Academia. en última instancia. MÚSICA: James Bernard. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. improvisado con unos candelabros. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). de forma magistral. y comienza a estrechar su cerco sobre él. encuentra una referencia al Conde. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. DURACIÓN: 82 minutos. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. 1958 Terence Fisher.

tan sólo se había mostrado de forma velada. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. A continuación. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. Caridad de Laberdesque. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. 1956). muy característico. MÚSICA: MO- zart. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. 1973). tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. el intrépido Van Helsing.serie de secuelas que la siguieron. En su autobiografía. entre tanto. algo que. Lya Lys (La mujer). Beethoven. Su gran éxito. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. Mendelssohn. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. de Bela Lugosi. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. con toda lógica. José Antigás. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones.000 libras esterlinas. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. . de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. Sin embargo. Max Ernst.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. en la que no se permite que nada altere la compostura social. Wagner. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. En un castillo medieval. hasta el momento. Pierre Prevert. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. Dark and Gruesome. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. B/N. DURACIÓN: 60 minutos. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. en particular. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. Debussy. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. la chica. Tall. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. le chupará un dedo del pie a una estatua. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. unos obispos se hacen con el control de una isla.

marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo.. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. El arqueólogo Indiana Jones. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. Los temas. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. Ronald Lacey (Toht). el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. El resultado. MÚSICA: John Williams. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. Argumento Año 1936. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). sobre todo. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). Un perro andaluz (Un chien andalou. Paul Freeman (Belloq). al cabo de un rato. parte en dirección a El Cairo. donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. métodos y yuxtaposiciones.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. entre los que se encuentra el Duc de Blangis. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. típicamente surrealistas. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967).UU. 1928) -conocido. Marión. posteriormente. volverá a aparecer. Karen Alien (Marión Ravenswood). que aparecen en la película. la película se retiró de las pantallas parisinas y. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. no volvió a estrenarse en Francia. por su escena inicial. hasta destruir prácticamente el local. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. su enemigo mortal y aliado de . un personaje que evoca a la figura de Cristo. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. Una semana más tarde. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. el no menos excéntrico Salvador Dalí. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. en la casa de Dalí en España. Acto seguido se oye un grito aterrador. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. John Rhys-Davies (Sallan). acompañado ahora de una jovencita. hasta 1979. donde ésta será secuestrada por Belloq. sembrando así la semilla de su propia destrucción. Denholm Elliott (Brody). MONTAJE: Michael Kahn. y que. DURACIÓN: 115 minutos.

Tras escapar. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. aparecen los nazis. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). . le pisó el papel y lo hizo suyo. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. Blackhawk y Sgt. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. y el Arca vuelve a quedar sellada. el Han Solo de Lucas. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. Rock. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. sin embargo. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. en este caso. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. 1985). Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. aunque respaldado. En cualquier caso. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. al no hallarse éste disponible. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. durante unas vacaciones en Hawai. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. Pronto. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. y el director se entusiasmó con la idea. Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. 1984). ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. Con el personaje de Indiana Jones. 1989). Harrison Ford. Libres al fin. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público.

Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. 1976). como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. Sin embargo.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. . 1930). Género inmensamente maleable. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». 1973). una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. una vez más. No obstante. 1968). aunque con cierto retraso. y si bien es cierto que. los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. 1949). conferiría a John Wayne el rango de estrella. 1962) de John Ford. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. Sería. 1946). Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. un cineasta italiano. no obstante. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. en Solo ante el peligro (1952). que dirigió el propio Clint Eastwood. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. y La diligencia que. 1988). quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. 1950). un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). Sergio Leone. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. Clint Eastwood. como Tom Mix y William S. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. así. 1924). en 1939. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. Soldado azul (Soldier Blue. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. a lo largo de toda la época del cine mudo. Hart. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla.

combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). DURACIÓN: 135 minutos. En un primer momento. Fraker. pero. les permitirá comunicarse con los alienígenas. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary).. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). Francois Truffaut (Claude Lacombe). y muchos otros. teniendo en cuenta que la película recaudó . un planteamiento que. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. Watch the Skies. Desde su más tierna infancia. Don Jarel. el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. Por su parte. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. Dave Stewart. y Barry es abducido. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. Alonzo. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. Titulada en un principio. tras el éxito cosechado por Tiburón. desarrollará de forma aún más elaborada en E. que también han tenido encuentros similares. en Wyoming. Roy Neary. Melinda Dillon (Jillian Guiler). William A. Laszlo Kovacs. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. finalmente.UU.T. la elección definitiva recaería en un actor más joven. Cary Guffey (Barry Guiler). había escrito un relato breve titulado «Experiences». Guiler. un técnico de mantenimiento. Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. Robert Hall. decidió encargarse él mismo de escribirla. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. tras responder a los mensajes de paz. Por fin. Douglas Slocombe. que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. GUIÓN: Steven Spielberg. (1982). posteriormente.162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. Entre tanto. Dennis Muren y Richard Yuricich. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. ya en 1970. MÚSICA: John Williams. MONTAJE: Michael Kahn. cuando llegue el momento. entre ellos el propio Barry. se encaminan a la Torre del Diablo. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. Teri Garr (Ronnie Neary). 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. Neary. Richard Dreyfuss. Allí aparece una gigantesca nave que. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips).

un amigo de Baptiste. del que se enamora. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). INTÉRPRETES: Arletty (Garance). El muelle de las brumas (Quai des brumes. que se ha visto involucrada sin querer en un robo. Años más tarde. Les visiteurs du soir (1942). Los dos amantes pasan su última noche juntos. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. Un día la lleva al Grand Reíais. donde conoce a Lemaitre. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. En 1980. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. ha apuñalado de muerte al Conde. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. 1939). una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. Spielberg sacó una nueva versión de la película. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. ignorando que Lacenaire. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. un rufián de los bajos fondos. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. Marcel Herrand (Lacenaire). viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. al que retará a un duelo. Garance. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. GUIÓN: Jacques Prévert. María Casares (Natalie). Pierre Renoir (Jericho). Garance se ha convertido en la amante del Conde. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. Les enfants du paradis. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. 1938) y Amanece (Lejourse leve. perseguida por Baptiste. Comentario Les enfants duparadis Francia. FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. a pesar de que la película fue . que lleva puesto su traje de Pierrot. finalmente. en otras palabras. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. B/N. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). 1944 DIRECTOR: Marcel Carné.

al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. en Azincourt. en el papel de Garance. se convertiría en un auténtico hito. Se firma un tratado de paz en Rouen. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). y el drama regresa al Teatro del Globo. . Robert Newton (El viejo Pistol). FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. finalmente cumplida. con unas pinceladas extremadamente precisas. interpretada por el propio Laurence Olivier. una mujer tan terca como independiente. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. donde obtiene numerosas victorias. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. Comentario A la altura del año 1940. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. No obstante. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. obtiene una resonante victoria.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. sería el Enrique Vde este último la obra que. Finalmente. DURA- CIÓN: 137 minutos. escenarios al aire libre y combates. las más sutiles emociones. al frente de unas tropas exhaustas. Con un ejército de 30. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. dramatismo. a la vez que traza. Renee Asherson (La princesa Catherine). donde se narra la historia de Enrique V. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. inmediatamente. Leslie Banks (Coro). 1936). GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. El 30 de octubre. Arletty. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). En realidad. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración.000 hombres. MÚSICA: William Walton. La interpretación de la actriz principal. las dos familias reales se unen. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. de que ésta se estrenaría después de la liberación. pero. Esmond Knight (Fluellen). narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. sin sufrir un número de bajas importante. y Como gustéis (As You Like It. entre ellas.000 hombres asedia el norte de Francia. basado en la obra de William Shakespeare. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. La magistral obra de Carné. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. MONTAJE: Reginald Beck. 1935).

la adapta- . La película..168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. la rescatará. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. DURACIÓN: 115 minutos. Cuasimodo. Con todo. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. FOTOGRAFÍA: Joseph August. Berman). Esmeralda. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. Maureen O'Hara (Esmeralda). que también tenía un compromiso con la M-G-M. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. aún ligada por contrato a David O. muere. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. Thomas Mitchell (Clopin). la famosa arenga del Día de San Crispín. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. En cuanto a los actores.UU. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. O. mientras que Robert Donat. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). Condenada a morir en la horca. MÚSICA: Alfred Newman. B/N. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. el poeta gitano Gringoire. Proebus. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. finalmente. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. Selznick. K. (Pandro S. Edmond O'Brien (Gringoire). Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. Vivien Leigh. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. que le ofrecerá refugio en la catedral. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. Alan Marshall (Proebus). el capitán de la guardia. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. sin embargo. Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). PRODUCCIÓN: R. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine.

además de hacer toda una exhibición de agilidad física. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. del que 250. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. MÚSICA: John Williams. GUIÓN: Melissa Mathison.T. fichando.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame.. con tintes de la Bella y la Bestia. terminará . Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. Sometido a cuidados médicos. No obstante.. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. este último.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. la R. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). Robert MacNaughton (Michael). y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael.T. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. Drew Barrymore (Gertie). un muchacho de diez años. a Orson Welles.T.. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral.O. como si se tratara del mismísimo Tarzán.. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. de esa manera. Henry Thomas (Elliott).826. Elliott irá cayendo enfermo. Sorprendentemente. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. para acudir al rescate de Esmeralda..000 dólares. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg.T. E. Elliott se recuperará. Finalmente. que. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. había salido a la caza de talentos. Martel (Greg).K. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. Bissell.C. DURACIÓN: 115 minutos. en 1939. donde es descubierto por Elliott. Rodada con un presupuesto de 1. MONTAJE: Carol Littleton. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary).K. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. por ejemplo.UU. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). esto. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. E. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. K. que fallece.O. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. pero no ocurrirá lo mismo con E. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. Peter Coyote («Keys»). unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. al recibir un mensaje de «su casa». 1935).

MONTAJE: Barbara McLean. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing).. y que fue definida por la revista especializada Variety. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. Davis. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. De este modo. permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato.UU. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. las nueve nominaciones obtenidas por E. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. tras en- . Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. Celeste Holm (Karen Richards). MÚSICA: Alfred Newman. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo.T. en los últimos tiempos. Hugh Marlow (Lloyd Richards). B/N. se gana la confianza de Margo Channing. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. una actriz famosa y. sólo se materializaron en tres premios menores. Argumento La manipuladora Eva Harrington.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. 1950 DIRECTOR: Joseph L. GUIÓN: Joseph L. Anne Baxter (Eva Harrington). donde es recogido por su nave espacial. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. sin duda. de Mary Orr). en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. Gary Merrill (Bill Simpson). George Sanders (Addison de Witt). Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. Zanuck). Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. DURACIÓN: 138 minutos. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. Marilyn Monroe (Miss Casswell). Comentario La película E. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. T. Mankiewicz.

ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. y la de George Sanders. Eva al desnudo es. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. Mankiewicz. para el de Margo. La película. The Wisdom ofEve.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo.asociación con la Warner. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. por el contrario. pero Margo. Finalmente. de hecho. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. Applause. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. Consagrada como estrella. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. aún hoy.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. antes de que Joseph L. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. Karen. . así como los de mejor sonido y mejor vestuario. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. fue nominada para 14 premios de la Academia. Margo Channing. para el papel de Eva. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. Repuesta en numerosas ocasiones. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema.

cuya fe pasa por un momento de debilidad. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. un joven sacerdote. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. MONTAJE: Norman Gay. 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. Cobb (Teniente Kinderman). las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. MacNeill). que hasta entonces habían sido considerados marginales. los espectadores que buscaban emociones fuertes. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. de hecho.UU. Linda Blair (Regan). sin embargo. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. De ese modo. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. DURACIÓN: 121 minutos. caso de La profecía {The Ornen. mientras que otras películas. El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. y. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). su madre contacta con el Padre Karras. Jordán Leondopoulos.supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). que sufre un ataque al corazón. Max von Sydow (Padre Merrin). una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. Lee J. un experto en exorcismos. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. El exorcista. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. Argumento Regan. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. Evan Lottman y Bud Smith. Jason Miller (Padre Karras). una niña de doce años. MÚSICA: Jack Nitzche. acompañadas de sus respectivas secuelas. Jack MacGowran (Burke). que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. 1973) de Larry Cohén. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear.. que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. los vómitos de puré de guisantes. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). No deja de ser cierto. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. fue un fenómeno de similares características. Una noche. se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- .

tras haber recuperado a su familia. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. 1977). Osear. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). considerado. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. 1990). MÜSICA: Daniel Bell. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. que les esconde en su tienda de antigüedades. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). muere de resultas de un ataque al corazón. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. Aunque. entre ellas las de mejor película y mejor director. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). En una pequeña localidad sueca. esta última dirigida por William Peter Blatty. a la vez que su guionista y productor. tras drogar al obispo para poder escapar. No obstante. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). autor de la novela en que se había basado la primera entrega. Poco tiempo después. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. Emilie. su padre. Es como si Bergman. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. en tiempos. da luz a una niña. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). Alian Edwall (Osear Ekdahl). e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. Su madre. que Alexander padecerá con especial rigor. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. No obstante. . como era de esperar. La madre. Argumento Navidades de 1907. Por otro lado. GUIÓN: Ingmar Bergman. Emilie. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. se casa entonces con el obispo Vergerus. Más adelante. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. termina por unirse a ellos. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior.

Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. al mejor vestuario. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Charles Philipi. Kay Nielsen. Erdman Penner. Finalmente. Bill Roberts. Elmer Plummer. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. a continuación. Albert Heath. 1940 James Algar. Joseph Sabo. Dick Kesley. . Ford Beebe. Cari Fallberg. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. PRODUCCIÓN: Walt Disney. John Fraser McLeish. Kenneth Anderson. de por sí. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. Terrell Stapp. Norman Ferguson. DURACIÓN: 124 minutos. un colaborador habitual de Bergman. Perce Pearce. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. cuya existencia se justifica por sí misma. Sylvia Moberly-Holland. Phil Dike. Al Zinnen. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. Tom Codrick. Fantasía EE. Bill Peet. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Charles Payzant. Curtiss D. Hamilton Luske. J. Ernest Nordli. Perkins. Hugh Hennessy. 1972).UU. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Robert Sterner. Kendall O'Connor. Gritos y susurros (Viskingar och rop. Aparece luego Mickey Mouse. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. MacLaren Stewart. Jim Handley. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Graham Heid. William Martin. GUIÓN: Lee Blair.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Gordon legg. Arthur Heinemann. Bruce Bushman. Leo Thiele. Wilfred Jackson. George Sallings. Zack Schwartz. John Hubley. T. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Bianca Majolie. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Thor Putnam. Otto Englander. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. la que dibuja un cuadro y la «música pura». Norman Wright.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Yale Gracey. Hee. Harold Doughty. Herbert Ryman. Campbell Grant. Webb Smith. Lance Nolley. Arthur Byram. Paul Satterfield.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue.

sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. Ennio Flaiano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. MONTAJE: Leo Catozzo. Argumento Guido. PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). En general. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. ese mismo año. Barbara Steele (Gloria Morin). y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. Con todo. por ejemplo. algunas partes están bastante más logradas que otras. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. a pesar de lo cual. no consigue comenzar a rodar.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. Rossella Falk (Rossella). 1963 DIRECTOR: Federico Fellini.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). Guido Alberti (Pace. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. y de resultas de ello nació Fantasía. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. DURACIÓN: 138 minutos. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. Blancanievesy los siete enanitos (1937). así. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. el productor). el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. B/N. Comentario A lo largo de la década de los treinta. un director de éxito. Fantasound.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. GUIÓN: Fellini. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. MÚSICA: Niño Rota. entre . Claudia Cardinale (Claudia). Anouk Aimée (Luisa Anselmi). Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. No obstante. llega la serenidad del Ave Marta. Mickey Mouse. El aprendiz de brujo. Sandra Milo (Carla).

no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. Walter Catlett (Agente Slocum). en su caso. entre una compañía de payasos y. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. sino de reconciliarse con la vida. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. puede pa- recer obvio. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. May Robson (Tía Elizabeth). El director italiano. Cary Grant (David Huxley). se refugia. MONTAJE: George Hively. B/N. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. DURA- CIÓN: 102 minutos. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. No obstante. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. su reconstrucción de un brontosaurio . suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. mientras su protagonista contempla diversas opciones. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores.K. En cualquier caso. Barry Fitzgerald (Gogarty).UU. rara vez conseguido por un medio como el cine que. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. La película. entre ellas. PRODUCCIÓN: R. El hecho de que el personaje principal. verdadero. Si bien es cierto que. invita a establecer una conexión entre ambos. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). nunca consigue que su película avance. el suicidio. no conviene fiarse nunca de lo que. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. Argumento El día antes de su boda. más adelante. basado en un relato de Wilde. entre los propios actores del film. por lo general. esa mirada cáustica. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. (Howard Hawks). sin duda. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. a primera vista.. aunque. MÚSICA: Roy Webb. el director de cine Guido. La película concluye sin que la situación se resuelva. no sólo de realizar una obra de arte.O. A algunos espectadores. primero. con algo de desfile de monstruos o de circo. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. suele aferrarse a las narraciones lineales.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. tratándose de Fellini. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate).

trastoque por completo su vida. La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada.) y un contagioso espíritu anárquico. finalmente. la sigue hasta una granja de Connecticut. doctor? (What's up Doc. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. bufonadas. según parece.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. poco más o menos en 1934.O. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. un enloquecido cazador. También Hawks se vio afectado por su fracaso. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. El género se inició. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. sin gran dificultad. la película no fue un éxito de taquilla. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. este último desempeñando un papel que. donde se le rinde homenaje. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. la rica heredera Susan Vanee. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra. propiciando así su vuelta al teatro.000 dólares.K. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. mientras tonteaban entre sí. Ronald Colman y Robert Montgomery. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. . la forma en que Susan descubre el hueso perdido. No obstante. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. Sin embargo. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. 1940). conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. 1972) de Peter Bogdanovich. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. Despojado de sus ropas y de su dignidad. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. En cualquier caso. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. etc. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que.. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn.

de Edward J. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. 1931). la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). Forajidos (The Killers. de Jules Dassin. 1990) y After Dark My Sweet (1990). 1984). de Jacques Tourneur. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. o Noche en la ciudad (Night and the City. Los timadores (The Grifters. de Raoul Walsh. si bien. la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. Con el tiempo. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. cuya denominación viene del irancés. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. la aparición de la figura de la «mujer fatal». El sueño eterno (1946). 1926. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. Metrópolis. con películas como Chinatown (1974). por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. 1944). o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. de Nicholas Ray. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. 1939). Ulmer. 1947). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. el vampiro.188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). sobre todo. Detour (1945). muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. El gabinete del doctor Caligari. de Howard Hawks. de Fritz Lang. el término «cine negro». Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson.film noir. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. el detective creado por Mike SpiUane. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). creando personajes como Cody Jarret. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. Retorno alpasado (Out ofthePast. 1922. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. 1919. el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat.]. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. . un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. de El beso mortal (Kiss Me Deadly. 1946). pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. Hoy en día. o El vampiro de Dusseldorf. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. 1955). Nosferatu. Una combinación de factores. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. 1950). de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). de Robert Siodmark.

El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. Finalmente. que comienza a seguirle. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. un empleado de un estudio cinematográfico. aún hoy. Su original utilización del color y de la iluminación. Seguramente. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. Aunque. DURACIÓN: 109 minutos. Por otro lado. MONTAJE: Noreen Ackland. terminará por despertar las sospechas de la policía. MÚSICA: Brian Easdale. le hacía su padre cuando él era niño. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. y la deja ver las inquietantes películas que. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. así como los cambios constantes en la textura visual de la película. la más controvertida.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). hacen de ella la más radical de sus obras y. Entabla amistad con Helen Stephens. seguramente. 1959 Leo Marks. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. aunque no de forma tan directa. el espectador se ve forzado. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. un interés que. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. Shirley Ann Field (Diane Ashley). viendo las películas de sus asesinatos. la vecina del piso de abajo. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. Anna Massey (Helen Stephens). Argumento Mark Lewis. se da cuenta de que allí hay algo extraño. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. a pesar de los años . INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. es interrumpido por la madre de Helen que. Al descubrir a Helen en su propia casa. GUIÓN: Reino Unido. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. A lo largo de la película. a pesar de ser ciega.

Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. MÚSICA: Erik Nordgren. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. . el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). su contemplación sigue produciendo inquietud. Bibi Andersson (Sara). DURACIÓN: 90 minutos. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. desde luego. Recogen a Sara. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. como siempre están discutiendo. Gunnar Bjórnstrand (Evald). Folke Sundquist (Anders).192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. Más adelante. pero finalmente recibe su título honorario. 1957 En Suecia. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. MONTAJE: Osear Rosander. cuando éste mira en el interior de la caja. mientras que. un hombre frío y distante. finalmente. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. Ingmar Bergman. Julián Kindahl (Agda). Marianne. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. terminará por comprender su valor. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). Prosiguen su viaje. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. una anciana de noventa y cinco años. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. pero. Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. Ingrid Thulin (Manarme). recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. el más grande director sueco anterior a Bergman. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. GUIÓN: Comentario Suecia. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. en buena parte. pero que. Naima Wifstrand (Madre de Isak). que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. y se detienen para visitar a la madre del profesor. en otro. la nuera decide expulsarlos del coche.

no obstante. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. Una vez acabada la narración. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Como es natural. eran la principal atracción. que. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. B/N. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. W. le lanza sus acusaciones. la novia de Francis. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. Sin duda. Walter Rohrig y Walter Reimann. se encara con el doctor y . Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. Pabst. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. hace que Francis sospeche de Caligari. reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. Hans Heinz von Twardowski (Alan). morirá mientras es sometido a una persecución. Conradt Veidt (Cesare). donde Caligari y su asistente sonámbulo. Rudolf Lettinger (Dr. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. Friedrich Feher(Francis). posiblemente. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). de G. Olsen). así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. Cesare. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. falsas perspectivas y sombras pintadas. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. realizados a base de ángulos deformados. 1929). Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. en última instancia. se trata de un retrato compasivo y. era algo que saltaba a la vista. Posteriormente. Jane. A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. Caligari). es raptada por Cesare. afirmativo de la vida humana. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. W. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. su inquietante argumento y sus decorados. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. Argumento Cómodamente sentado. esa dimensión «artística». Lili Dagover (Jane). PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). Murnau y. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. DURACIÓN: 78 minutos. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood.

su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. permitiéndole retomar un momento histórico crucial. que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. MONTAJE: Mario Serandrei. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante.. A pesar de ello. MÚSICA: Niño Rota. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. del que ya se había ocupado en Senso (1954). INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). Al no estar ninguno de ellos disponible.UU. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. Aunque pertenece . y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. Don Calogero. obra igualmente de un noble. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. como es el Risorgimento. la hija del alcalde. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. bajo la dirección de Roger Kay. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. Riña Morelli (Maria Stella). la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. Romolo Valii (Padre Pirrone). década de 1860. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). Alain Delon (Tancredi). Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. Argumento Sicilia. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. al viejo orden estamental. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. DURACIÓN: 205 minutos. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada.

En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. 1974). el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. al mismo tiempo. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. Mrs. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). cuando me- . optó por Burt Lancaster. más adelante. le pide que la lleve a casa en coche y. De resultas de todo ello surgiría El graduado. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. Argumento Benjamín Braddock. una amiga de la familia. nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. No obstante. Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). un estudiante de familia rica. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. Mrs. pues se encuentra prometida con Cari Smith.UU. Cuando. durante el trayecto. 1966). MONTAJE: Sam O'Steen.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. Katharine Ross (Elaine Robinson). Robinson. Braddock). Murray Hamilton (Mr. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. trata de seducirlo. No obstante. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. regresa a su hogar en Los Ángeles. William Daniels (Mr. oiga la versión de Benjamín. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. La elección no pudo ser más acertada. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. contándole a Elaine que Benjamín la violó. DURACIÓN: 105 minutos. Elizabeth Wilson (Mrs. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. Elaine. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. Robinson). una graduada universitaria como él. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. en contra de lo que había opinado en un principio. Robinson trata de poner fin a esa relación. Robinson). ya será tarde. el director. finalmente. en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo.. Braddock).

los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. un actor de treinta años. cuando casi han terminado su túnel de huida. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. alegando. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. sin embargo. MONTAJE: Marguerite Renoir. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. Mike Nichols. Robinson. se vio forzado a reemplazarlo. no muy satisfecho con el resultado. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. que. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. Dita Parlo (Campesina). Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. Nominada en siete categorías para los Osear. Robinson y. Joseph Kosma. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. Durante su viaje de 200 millas. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. una recaudación de 50 millones de dólares. uno de los ases de la aviación alemana. PROCinedis. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. aunque. finalmente. interesantes. 1937 Jean Renoir. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. En el campo de prisioneros de Hallbach. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. que se ha visto forzado a abandonar el frente. lo rechazó. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. tan sólo en los Estados Unidos. No obstante. por ejemplo. Finalmente. permitiéndole obtener. Así. Marcel Dalio (Rosenthal). Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). en un determinado momento. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. Argumento La Primera Guerra Mundial. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. DURACIÓN: 117 minutos. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. B/N. Tras haber sido abatidos durante una misión. Carette (Un actor). Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. con toda razón. Al margen de sus alardes estilísticos. son traslados a Wintersborn. . También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs.

PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. Tejas. que interpreta Pierre Fresnay. Edmond O'Brien (Sykes). MÚSICA: Jerry Fielding. Mapache degüella a Ángel. Así. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. 1914. le hace encerrar. tanto en el bando francés como en el alemán. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere.202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. su homólogo en graduación y en rango social. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. MONTAJE: Louis Lombardo. cuando el oficial de la clase alta francesa. Ernest Borgine (Dutch). elaborada a lo largo de cerca de 45 años. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). Argumento Starbuck. Warren Oates (Lyle Gorch). permite que el personaje de Von Stroheim. La película. Al descubrir Mapache que Ángel.UU. No obstante. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. un antiguo miembro de la banda. Irónicamente. credo. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. e incluso nacionalidad. rango. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. le dispare. el «General» Mapache. donde un bandido. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard.. Jaime Sánchez (Ángel). Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. un director cuya obra. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. uno de los miembros de la banda. Pike mata de un disparo . como un acto de patriotismo. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. Ryan (Deke Thornton). posee tal variedad y riqueza. trasciende las barreras de clase. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. DURACIÓN: 143 minutos. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. la banda se dirige a México. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad.

aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. No obstante. A medida que se va desarrollando la caza.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». DURACIÓN: 121 minutos. 1977 George Lucas. MÚSICA: John Williams. rápido y sencillo. en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. Anthony Daniels (C3PO). a diferencia de otras películas de acción que.UU. a lo mejor llegamos a alguna parte». rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). MONTAJE: Paul Hirsch. FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. Harrison Ford (Han Solo). El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. Marcia Lucas y Richard Chew. en el que morirán los miembros del Grupo. ha terminado por convertirse en un lugar común. GUIÓN: George Lucas. desgraciadamente. a pesar de que mueran por propia voluntad. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. del lado de la Revolución Mexicana. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. sino sangriento y espantoso. y de un modo increíblemente sangriento. La película. Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. precipitando así un sangriento enfrentamiento. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). Desde un punto de vista técnico. Aunque la fórmula no tiene nada de original. cuando llegue Thornton. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. también decidirá unirse a ellos.. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. siguiendo su estela. en .

Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. representados respectivamente por el joven héroe. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. vestuario y banda sonora original. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. antes. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. No obstante. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. llevándose los premios a los efectos especiales. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi.T. La amenaza fantasma (Phantom Menace). Una vez llegados al planeta rebelde. Como ha señalado Lucas.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. . en particular Han Solo. consigue escapar. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. pero. sonido. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. literalmente atiborrados de efectos especiales. constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. El primer episodio del ciclo. C3P0. (1982). con la ayuda de Han Solo. Luke Skywalker. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. no obstante. Sin embargo. sean personajes carentes de ambigüedad. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. 1983]. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. traspasa «La Fuerza» a Luke. vería la luz en 1999. 1983). consigue destruirla. Mientras el resto del grupo salva a Leia. montaje. una especie de poder interior similar al zen. un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. y por sus enemigos mortales. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Luke Skywalker. dirección artística. la película supone. Darth Vader y el Imperio. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. la película y sus dos secuelas.

la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. de Godard. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. y Vivresa vie (1962). en cuyos artículos. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. 1958). Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. muerte. Hiroshima. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. protagonizada por Alain Delon. como sucede en El carnicero (1969). Alfinalde la escapada (1959). declara: «Una película es como un campo de batalla. 1959). mon amour (1959). El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. acción. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. de Claude Chabrol. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). y Alain Resnais. convirtiéndose así en el único autor de la misma. entre ellos Francois Truffaut. La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). Una de sus últimas películas. tanto política como estéticamente. Godard.. . y se mantuvo firme. unido a sus innovaciones arguméntales. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. Pierrot el loco (Pierrot lefou. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. a su entender.en una palabra: emoción». en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. 1965). según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. Truffaut. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. . era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. tiene más bien poco valor.208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. 1961). basada en una idea de Truffaut. de Francois Truffaut. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. violencia. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). Tras El bello Sergio (Le beau Serge. acuñado según parece por Francois Giroud. Los miembros del movimiento... En años sucesivos. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». es amor. de Alain Resnais. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. publicados en la revista Cahiers du Cinema. les permitieron crear un cine alternativo. odio. que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. Lo cierto es que tal denominación. De ese modo. se defendía la teoría del autor. aunque con desigual fortuna. lo único que existe es el mar».

INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). Floyd Thursby. el Capitán Jacobi.UU. son asesinados. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente.sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. DU- RACIÓN: 100 minutos.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. con ese mismo título. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. El sombrío humor. Miles Archer. MONTAJE: Thomas Richards. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. B/N. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. MÜSICA: Adolph Deutsch. Walter Huston. apuntan a lo que será . Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. A su pesar. enfundado en su sempiterna gabardina. O'Shaughnessy y Wilmer. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. mientras que la pareja formada por Peter Lorre. Brigid O'Shaughnessy. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. Finalmente. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. En este caso. de paso. Argumento Cuando su socio. 1941 DIRECTOR: John Huston. y la presa a la que perseguía. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Para negociar un precio por la estatuilla. en el papel del desafortunado Jacobi. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. la versión de 1941.Wallis). acusada del asesinato de Archer. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. El detective convoca a una reunión a Gutman. Lee Patrick (EfFie Periné). un actor de origen húngaro. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). Por su parte. el sicario de Gutman. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas.. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». Barton MacLane (Teniente Dundy). Gladys George (Iva Archer). Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. sin embargo. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). Cairo. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. y Sydney Greenstreet. bajo el título Satán Meets a Lady. una actriz muy experimentada. Mary Astor. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. Valerie. actor y padre del director. Peter Lorre (Joel Cairo). Finalmente.

la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. DURACIÓN: 182 minutos. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. un temprano experimento en Technicolor. GUIÓN: MOSS Hart EE.. que. Lucy Marlowe (Lola Lavery). desde hace más de sesenta años. es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es.UU. la pantalla con problemas de alcoholismo.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. Tom Noonan (Danny McGuire). ponen en evidencia a Esther en público. 1932). sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. que. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing. 1953). Esther Blodgett. MÚSICA: Harold Arlen. 1937). hasta que. La nueva y espléndida versión de 1954 es. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. a su vez. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). que. Charles Bickford (Oliver Niles). una película realizada igualmente por George Cukor. Alan Campbell y Robert Carson que. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. 1975). finalmente. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. James Masón (Norman Maine). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. un tema recurrente del cine dramático. por encima de todo. Norman Maine. una estrella de . Norman se suicida.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado.Wellman y Robert Carson. La pareja se casa. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). a medida que fue transcurriendo la década. alcanza el estrellato. MONTAJE: Folmar Blangsted. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. está basado en un relato de William A. Jack Carson (Matt Libby). conoce a su benefactora. hasta que. de este modo. la preparan para obtener el éxito. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. tras la enésima parranda. Su desconsolada viuda se retira del mundo. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. a su vez. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. inspirado en la película Hollywood al desnudo).

ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. el sucio . 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. la película. ambientada.llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. DURACIÓN: 101 minutos. MÜSICA: Lalo Schifrin.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. PRODUCCIÓN: Malpaso. John Larch (El jefe). a la vez que su amargura. como señaló la revista Time. amenazando con asesinar cada día a una persona. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. en este caso. Harry. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera. Harry Guardino (Teniente Bressler). INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). Argumento San Francisco. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. Judy Garland. MONTAJE: Cari Pingitore. GUIÓN: Harry Julián Fink. Rita M. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. no obtuvo ningún premio.UU. Nominada para seis Osear. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. Reni Santoni (Chico). Andy Robinson (Asesino). que. 1971 Don Siegel. Harry. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. pero éste rechazo la propuesta. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra.. para Warner Brothers (Don Siegel). los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. La segunda opción fue James Masón. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. John Vermon (El alcalde). sin embargo. entre ellos. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine».

No obstante. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. en uno de sus niveles de lectura. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. mientras éste emprende la huida.l973). en la que Harry se desprende de su placa de policía. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. Cuando. finalmente. Frank Sinatra aceptó el papel. Se contactó con Steve McQueen. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. Impacto súbito (Sudden Impact. el ejecutor (The Enforcer. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. 1988). secuestre un autobús escolar. Paul Newman y John Wayne. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. para muchos críticos. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. Harry. Comentario El papel protagonista de Harry. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. acto seguido. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución.en películas como Harry. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. el alcalde decide pagar. No obstante. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. una herida en la mano y su «inminente» retiro. le forzaron a renunciar al papel. el fuerte (Magnum Force. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. más adelante. Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. La última escena. pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. Para Eastwood. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. . Sin embargo. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. 1976). pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. 1974). hasta que. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». arroja su placa de policía al río. A partir de ese momento.

algo que consigue. MONTAJE: Frank Sullivan. Rubottom. un viejo compañero en varios repartos. Argumento C. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. A continuación Cary Grant llama al timbre y. optó por elegir a la M-GM. K. DURACIÓN: 112 minutos. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. Cukor. una vez más. Katharine Hepburn (Tracy Lord). cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. 1940 George Cukor. INTÉRPRETES: Cary Grant (C.Mujerdtas {Little Women. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. sus compañeros en escena. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. El resultado fue Historias de Filadelfia.UU. se construye en torno a esa escena. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. George Kittredge. además. Dexter Haven). No obstante. Tracy. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. sin embargo. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). indignada. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. MÚSICA: Franz Waxman. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. 1935). a partir de la cual. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. Toda la película. cuando la Hepburn abre la puerta. Mankiewicz). GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). entre ellas la de Sam Goldwyn. lames Stewart (Macaulay Connor). 1932). Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. Tracy Lord. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. Tracy y Haven. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. Katharine Hepburn. la recibe dándole un empellón en toda la cara. una joven malcriada y mundana. Roland Young (Tío Willie). B/N. pero la ceremonia sigue su curso. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. Katharine Hepburn aparece en el umbral. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- .218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE.. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. K. aunque el novio y la novia serán. a cambio. Howard (George Kittredge). Su prometido suspende la boda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R.

Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. . La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. es el director del establecimiento. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. B/N. Bill Strothers (El amigo). MONTAJE: Fred L. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico).UU. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. luego. un ratón y las manecillas móviles de un reloj.. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. se hace con el dinero y conquista a la chica. se repartan el dinero a medias. Tim Whelan y Sam Taylor. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. a menudo. Guiol. GUIÓN: Hal Roach. es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. DURACIÓN: 70 minutos. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. donde la propia vida del actor corría peligro.000 dólares por un buen ardid publicitario. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. finalmente será él mismo quien. Sin embargo.Clarke (El jefe de vendedores). Mildred Davis (La chica). tenga que escalar los doce pisos del edificio. logra completar la escalada.220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. un joven obrero metalúrgico que. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. una red de tenis. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). Westcott B. tras escalar un edificio.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. Mickey Daniels (El niño). El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. Noah Young (La ley). Guiol. Comentario Considerado. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. al ser arrestado su compañero. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. se incluían escenas con rascacielos. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. en realidad.

días más tarde. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. accederá a que Sada le estrangule. se añaden otros participantes.545 dólares. INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). MONTAJE: Keiichi Uraoka. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. alojándose en moteles y en casas de geishas. Argumento Sada. Si pudiera captar algo así en una pantalla. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. a los que. Hot Water. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. al ver aquello. Comentario Esta película. con la asombrosa cifra de 1. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. de los cuales 643. Eiko Matsuda (Sada). La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. Aoi Nakajima (Toku).588. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). sin añadir prácticamente comentario. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. una sirvienta y antigua prostituta. Sada amputa el pene de su amante muerto y. Finalmente. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. El resultado maravilló al público.. aunque el director fue declarado inocente. Oshima se limita a presentar la situación. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. La obsesión no tardará en ser recíproca. justificación o análisis alguno. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. MÚSICA: Minoru Miki. si yo pudiera ofrecer eso al público. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. . GUIÓN: Nagisa Oshima. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. la pareja ejerce una actividad sexual constante. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima...842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. DURACIÓN: 105 minutos.. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. Mientras viajan de un lado para otro. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. ocasionalmente. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). Hiroko Fuji (Doncella Tsune). pensó: «Dios bendito. Meika Seri (Doncella Matsuko). y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión.

Bessie Love (La novia de Cana). Bitzer y Karl Brown. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. Comentario En el otoño de 1914.uniendo el presente y . Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. W. W. Erich von Stroheim (Fariseo). que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. 1916 DIRECTOR: D. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. la pasión y crucifixión de Cristo. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. Griffith. sufrió el rey Baltasar. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. PRODUCCIÓN: D. Griffith. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915).C. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. con la agitación obrera como telón de fondo. en un estreno que hubo de hacer época.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. habiéndose separado temporalmente de ella. Mae Marsh (La mujer querida).UU. Constance Talmadge (La chica de la montaña). GUIÓN: D. «El propósito de esta obra -explicaría. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. Miriam Cooper (La mujer sin amigos).es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». Griffith. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente.. W. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. la traición que. Se trata del momento en que. B/N. extraídos de Hojas de hierba. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. en el 539 a. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. cada vez más interrelacionadas. «Recién salida de la cuna. The Mother and The Law. el futuro». FOTOGRAFÍA: G. W. que ya tenía prácticamente acabada cuando. MONTAJE: James y Rose Smith. Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. una historia sobre la miseria social contemporánea. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna.

Carolyn Jones (Theodora). nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth.. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. pero finalmente también se apoderan de Becky. 1956 DIRECTOR: Don Siegel.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. Por desgracia. Intentan una huida desesperada. Argumento Los Ángeles. MÚSICA: Carmen Dragón. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. aún hoy. Jean Willes (Sally). INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. El hombre. MONTAJE: Robert S. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). . Dana Wynter (Becky DriscoU). sino también hacer pensar. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. Larry Gates (Dr. Danny Kauffman). su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. Ralph Dumke (Nick). A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). La película. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. B/N. De nuevo en el tiempo presente. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida.UU. Miles Bennell). DURACIÓN: 80 minutos. Eisen. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. King Donovan (Jack). A partir de esa secuencia. Para algunos. comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural».

B/N.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. Jules le revela. DURACIÓN: 105 minutos. pero. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). estaba siendo absorbida por unas vainas. Boris Bassiak (Albert).228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. Jim visita a la pareja. en un sentido literal e ineluctable. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». Durante la Primera Guerra Mundial. no contó con la aprobación de Siegel. Oskar Werner (Jules). FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. MONTAJE: Claudine Bouche. sin embargo. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. En lugar de ello. Daniel Mainwaring. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Henri Serré (Jim). Al igual que el guionista. aparentemente indestructible. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. Sabine Haudepin (Sabine). y anima a Jim a que se acueste con ella. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. Vanna Urbino (Gilberte). No obs- . y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. A medida que todo se desmorona a su alrededor. MÚSICA: Georges Delerue. ahora completamente solo. una vez terminada la contienda. 1961 Francois Truffaut.

lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. y constituye la más excelsa demostración de cómo. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. dejando solo a Jules para llorarlos. 1980). la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. típicamente francés. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. planos de archivo.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. La película es una crónica llena de vitalidad. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. Varios años después. que. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. fundidos en iris. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. etc. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. Comentario Para muchos espectadores.. y un día. . madurez e imaginación cinematográfica. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. que interpreta Jeanne Moreau.sin embargo. 1971). más adelante. pero desigual versión. Su cautivadora volubilidad. a modo de homenaje. Jules y Catherine se van a vivir a París. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. saltos de imagen. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. Jim regresará a París para estar junto a su novia. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría.

de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. como Cadenas rotas (Great Expectations. que sacó el musical a los escenarios naturales. produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). y la oscarizada Un americano en París (1951). Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. Por otro lado. Por su parte. como la 3-D y la pantalla gigante. de Mizoguchi. insólito dentro del cine británico. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). Narciso negro (Black Narcissus. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. que durante tanto tiempo había parecido indestructible. En Italia. en un intento. También el western. caso del cine negro y de la ciencia-ficción. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. o en películas concretas. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. 1946). mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. floreció en películas como Roma. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). que contribuyó a popularizar el ballet. . parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. El poder de los estudios de Hollywood. 1946). mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. el neorrealismo. David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. Así. en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. en adaptaciones de Dickens. como Un tranvía llamado Deseo (1951). The Archers. comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. Por otro lado.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. 1959). también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). por ejemplo. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). Por otra parte. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. más tarde. Irónicamente. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. domingo mañana (1960). con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente.

la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. Éste resulta ser un descomunal simio. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. MONTAJE: Ted Cheesman. Radio Pictures (Ernest B. Willis O'Brien. GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. según la película. Noble Johnson (Jefe indígena). sino la belleza». Al margen de su virtuosismo técnico. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. Vernon Walker y J. Sam Hardy (Weston). Cooper y Edgar Wallace). consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. igualmente. King Kong. una liberación a la que. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. de regreso a Nueva York.. se ha de poner freno. King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. DURACIÓN: 99 minutos. el mono gigante. Crabbe.UU. Una vez en el lugar de rodaje. PRODUCCIÓN: R. Alfred Hermán. Frank Reicher (Englehorn). como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. Schoedsack y Merian C. . El hijo de Kong (Son ofKong. Mario Larrinaga y Byron L. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. se apodera de su querida Ann. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela.O. B/N. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. MÚSICA: Max Steiner. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». 1933 DIRECTORES: Ernest B.K. sin duda. siembra la destrucción por toda la ciudad y. pero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. apuntan la idea de que el monumental primate representa. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. Cooper. Schoedsack y Merian C. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica. se dedican a exhibirla ante el público. Aunque el gran simio representa.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. a través de la ventana de un rascacielos. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. Taylor. O. Bruce Cabot (Driscoll). A Ernest B. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. finalmente. Robert Armstrong (Cari Denham). llamada la Isla de la Calavera. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. El simio consigue escaparse. Cooper). Seguramente.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

de nuevo. con su fotografía saturada y atmosférica. INTÉRPRETES: Stan Laurel. 1937 W. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. no tardó en prescindir de Mamoulian. . de esa forma.. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. recaería en Gene Tierney. GUIÓN: Charles Rogers. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. cuando el jefe de los estudios. descontento con los resultados. Darryl Z. Cuando. será abatido por la policía. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. James Finlayson (Mickey Finn). y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. estableció muchos de los principios del cine negro. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. MÚSICA: Marvin Hatley. Alexander Woolcott). un cámara que era más de su agrado. Nominada para cinco premios de la Academia. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. Zanuck. Royce. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). Zanuck.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. B/N. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. el concedido a la mejor fotografía.UU. para que el verdadero asesino se descubra. intervino y la elevó a la categoría A. Horne. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. Más tarde. esbozados con vividas pinceladas. lo único seguro es que Laura. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. Sea cual sea la verdad. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. DURACIÓN: 65 minutos. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. Rosina Lawrence (Mary Roberts). una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. que. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. Ya iniciado el rodaje. a modo de treta. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. intente atentar contra la vida de Laura. Mamoulian aseguraría que. Stanley Fields (Sheriff). El culpable resulta ser Lydecker. Oliver Hardy. El papel de la cautivadora Laura. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. Sharon Lynne (Lola Marcel). PRODUCCIÓN: Stan Laurel. Laura es arrestada. MONTAJE: Bert Jordán. su utilización del flash-back.

Lola Maxwell. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. Así. tratan de recuperar el documento. en concreto. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. Cuando se dan cuenta del engaño. sus personajes. . tras más de medio siglo. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland.«At the Ball. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. a Ruth. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. para hacerse cargo de la mina. este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. en compañía de Mary. por ejemplo. así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. Comentario Desde principios de los años treinta. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». En la persecución que tiene lugar a continuación. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. los dos amigos abandonan la ciudad. A pesar de ello. tanto él como Hardy. la fregona del local. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. ya perfectamente perfilados. La chica a la que buscan es Mary Roberts. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. con todo el tacto del mundo. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. Hardy. pero son descubiertos por Finn. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. En estas obras. el film es pura diversión. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. según parece. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. Finalmente. mientras que Laurel le comunicará a Mary. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». En Laurel y Hardy en el Oeste. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. el rufián Mickey Finn. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. That's All». la mujer de Laurel en aquel momento.

Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. E. Al mando de un pequeño destacamento. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). cuyas maniobras -como cabía esperar. GUIÓN: Robert Bolt. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. Sin embargo. Por su parte. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. José Ferrer (Rey turco). apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. Argumento Tras su muerte. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. Sin embargo. E. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. se convierte en un héroe para las tropas nativas. MONTAJE: Maurice Jarre. FOTOGRAFÍA: Freddie A. se decidió finalmente por Peter O'Toole. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). Jack Hawkins (General Allenby). Apoyado por los británicos. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. Lean. sino de la crisis de . La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. MÚSICA: John Stoll. no sólo de las batallas. lo que confiere unidad a la película. por el contrario. una epopeya inteligente y emotiva. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. Lawrence. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. 1962 DIRECTOR: David Lean. 1970).son ejecutadas a la perfección. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T. Ornar Sharif (Sheriff Ali). Lawrence de Arabia es. Feisal y Allenby. el versátil aventurero T. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. Alee Guinness (Príncipe Feisal). INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). Young.

además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. B/N. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». Karl Malden (Padre Barry). La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. la hermana de éste. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. en realidad. Al día siguiente. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. Argumento Nueva York. es brutalmente agredido en los muelles. El papel de Malloy. Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo.. pero. DURACIÓN: 108 minutos.UU. Lee }. en una de las reuniones a las que asiste. Obedeciendo las órdenes de su hermano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. que le pedirá su ayuda. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. año tras año. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. Charley Malloy. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. no obstante. MONTAJE: Arthur E. Escrita por el novelista Budd Schulberg. en la novela que publicaría con posterioridad. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. ganó siete de ellos. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. Nominada para diez premios de la Academia. Pat Henning («Kayo» Dugan). Edie. MÚSICA: Leonard Bernstein. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. Cobb (Johnny Friendly). un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. Eva Marie Saint (Edie Doyle). Milford. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. que Schulberg optaría por un final distinto. iluminar las pantallas norteamericanas . se siente atraído por Edie. Es interesante subrayar. espiarles. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. Rod Steiger (Charles Malloy). Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. y muy poco heroico.

Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. 1953). Escarlata. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. Tras haberse asegurado. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. Leslie Howard (Ashley Wilkes). recobrará su antiguo esplendor. la propiedad de su familia. La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. Hattie McDaniel (Mammy). Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. despechada. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. jura que Tara. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. entre ellos los otorgados a la mejor película. la espectacular versión cinematográfica que David O. con el tiempo. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). el ambicioso Selznick. MONTAJE: Hal C. Tras la muerte de su segundo marido. se casa con el hermano de Melanie. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. Selznick). 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. obteniendo ocho premios. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. Aunque no consigue retenerle. El famoso discurso del «podría haber tenido clase.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. Newcorn. desplegando una determinación in- . que Terry le suelta a su hermano en un taxi.UU. podría haber sido un aspirante al título». Argumento Año 1861. Escarlata. No obstante. toma la decisión de volver a conquistarlo. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. En cuanto a la película. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). MÚSICA: Max Steiner. antes incluso de su publicación. mejor director y mejor guión. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939.. los derechos de una novela que. Kern y James E. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. Lo que el viento se llevó. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. que no tardará en morir de sarampión. DURACIÓN: 222 minutos. Si la obra de D. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). W. fue nominada en doce categorías. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). En el baile de Los Doce Robles. Rhett sigue estando presente en su vida. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl).

Virginia Cherril (La muchacha ciega). la película obtuvo finalmente ocho Osear. Hank Mann (El boxeador). que.UU. Harry Myers (El millonario). Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia.que participaron en su realización. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. rico y bien parecido. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. Comentario En 1928. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. queda prendado de la belleza de una florista ciega. En 1994 se estrenaría Scarlett. George Cukor y Sam Wood. una vez cumplida la condena. MONTAJE: Charles Chaplin. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). GUIÓN: Charles Chaplin. como es habitual. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. su exuberancia. no obstante. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. . y el gallardo picaro. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. una secuela dirigida por John Erman. Chaplin. Una serie de percances harán que acabe en prisión. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. Rhett Butler. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. B/N. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. Argumento El pequeño vagabundo. Alian García (El mayordomo). DURACIÓN: 86 minutos. Florence Lee (La abuela). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood.254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable.. Hall. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento.a la M-G-M. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. Cuando regrese. A lo largo de los tres años siguientes. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería.25 millones de dólares) jamás filmada. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). no se acuerda de él cuando está sobrio. Scarlett O'Hara. una actriz británica casi desconocida. le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. en diciembre de 1939. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. MÚSICA: Charles Chaplin.

y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. En su ensayo de 1949. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. Laurence Harvey (Joe Lampión). Murnau. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. pero es que. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). MÜSICA: Mario Nacimbene. entre los asistentes a su estreno. B/N. la hija de un magnate de la localidad. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. W. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. contando con un Chaplin que. como atestigua el hecho de que. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. con unos ingresos de un millón de dólares. al verse cruelmente abandona- . a finales de aquel mismo año. de la que llegará a enamorarse.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. DURACIÓN: 117 minutos. sobre todo. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. al anunciar ella que se encuentra embarazada. se encontraron personajes como Winston Churchill. una mujer casada y de más edad. Heather Sears (Susan Brown). trasciende las innovaciones técnicas del momento. No obstante. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. Ambrosine Philpot (Mrs. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. está empeñado en conquistar a Susan Brown. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Donald Wolfit (Mr. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. Griffith o F. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. por lo tanto. Alice. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. MONTAJE: Ralph Kemplen. La gran época de la comedia. además. Donald Houston (Charles Soames). Joe Lampton. Brown). Argumento Decidido a hacer carrera. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). W. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. Brown).256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. en esta película. A diferencia de lo que ocurre con figuras como D.

Steve Bisley (Jim Goose). generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. con Sábado noche. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. Roger Ward (Fifi Macaffee).258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. Stan Barstow). 1979 DIRECTOR: George Miller. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. se suicida. tres años después de su inicio. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. Alian Sillitoe. hundido en la miseria. estrellándose con su coche. Comentario A finales de los años cincuenta. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. contrae matrimonio con Susan. FOTOGRAFÍA: David Eggby. Tim Burns (Johnny the Boy). Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. mientras que el personaje de Joe Lampton. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. Nominada para seis premios de la Academia. Man at the Top. gracias. sobre todo. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. En términos cinematográficos. Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. mientras Lampton. surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. MÚSICA: Brian May. DURACIÓN: 91 minutos. Un lugar en la cumbre. MadMax. Joanne Samuel (Jessie). Cuando el poli- . pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. 1963). Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. 1959) y de Braine. dirigida por Ted Kotcheff. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. que. las de aquellos cineastas que. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. en particular. de forma un tanto vaga.

por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. un motorista demente. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. insiste en que abandone el cuerpo. la novia de Max. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. Cuando Goose es asesinado. otro motorista psicópata. la estrella de las tres películas. pero éste. Con todo. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. a bordo de un Pursuit Special V8. uno de los miembros de la banda. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. armado hasta los dientes. rebosante de acción. Jessie. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. Mad Max es. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos.pasara sin pena ni gloria. a un tiempo. pero que posee también una poderosa textura emocional. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». Mad Max 2. Entre tanto. persigue a los motoristas y acaba con ellos. promete vengarse. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. Miller. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». a su vez. todo lleno de puntillas y miriñaques. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. «El Cortador de Dedos». y que. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. Max abandona el cuerpo de policía. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. un licenciado en medicina. Su director y co-guionista. 1981). y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. 1985). George Miller. Mel Gibson. Max vuelve a unirse al cuerpo y. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. .

a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). Olivia de Havilland y Errol Flynn. a Marcel Carné. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. l990)oPretty Woman (1990). los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. como por ejemplo. 1959). 1935). 1942). 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. Con frecuencia. más recientemente. 1989).a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. Ghost. Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. 1957. más allá del amor (Ghost. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). aunque una selección circunscrita. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. . entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. nunca se pasan de moda. Greer Garson y Walter Pidgeon y. pero las historias de amor. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. por Les enfants duparadis (1944). Ariane [Love in the afternoon]. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). o que han tenido un final trágico. Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. Niebla en el pasado (Random Harvest. como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). por ejemplo.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad.

algo mayor para el papel. con sus diecisiete años era. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. Sin embargo. Bille Burke (Glinda). capacidad de asombro y vulnerabilidad. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). fue considerada un mal menor. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. como El pájaro azul (The Blue Bird. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). fue concluida por King Vidor. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. Frank Morgan (El mago). Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. es devuelta a Kansas. De camino. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. iniciada por Victor Fleming. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. DURACIÓN: 101 minutos. lo cierto es que. Dorothy. GUIÓN: Noel Langley. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). en un primer momento. Allí se encuentra con Glinda. siguiendo las instrucciones que le han dado. El personaje del Mago. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). una bruja buena. La película. 1940). C. Fields. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. MÜSICA: Herbert Stothart. Baum). PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. Edna May Oliver o Gale Sondergaard. un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. en ese preciso instante. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. La alternativa de Judy Garland. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. MONTAJE: Blanche Sewell. hoy en día. Aunque el Mago resulta ser un fraude. Dorothy y su perro Toto son capturados. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood.UU. Aunque. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». B/Ny Color. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. le fue ofrecido en un principio a W.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. que. en rigor. siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. que finalmente interpretaría Frank Morgan. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming.

PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. rescata a Annabelle.UU.. Marión Mack (Annabelle Lee). Frederick Vroom (General del Sur). la querida locomotora que conduce John Gray. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. importancia de su profesión. y de escaso interés. Más adelante. Charles Smith (Padre de Annabelle). la tecnología y los escenarios de la época. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. Devereaux Jennings y Bert Haines. En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). los encantadores Munchkins. Cuando llegan al puente de Rock River. ya muy adentrado en territorio enemigo. serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). Buster Keaton. Argumento Al estallar la guerra. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. Johnnie emprende la persecución y. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. inmerecido pero quizá inevitable. de forma más sobria. DURACIÓN: 74 minutos. en 1985. la memorable dirección artística. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. mientras que. Jim Farley (General Thatcher). aparecía una secuela tardía. obra de la factoría Disney. Glen Cavender (Capitán Anderson). Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. el armamento. Un año más tarde. Afortunadamente. 1990). los efectos especiales. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. FOTOGRAFÍA: J. protagonizada por Diana Ross. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. bajo el título de Oz. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión.266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. B/N. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. hasta llegar incluso a rodar en . inspirado en The Great Locomotive Chase. de William Pittinger). Schenck). un mundo fantástico (Return to Oz). y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color.

Millie.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. Dana Andrews (Fred Derry). de MacKinlay Kantor). pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. GUIÓN: Robert E. Gloryfor Me. se ha convertido en una extraña. Fredric March (Al Stephenson). que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. Harold Russell (Homer Parrish). por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. MÜSICA: Hugo Friedhofer. mientras que Fred. Virginia Mayo (Marie Derry). DURACIÓN: 182 minutos. B/N. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. su atractiva mujer. George Jenkins y Julia Heron. que ha descubierto que Marie. la hija de Al. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. mientras que Fred. Argumento Al Stephenson. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo.. así como de su exquisita y relajada forma de actuar. No obstante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. su prometida. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Sherwood (basado en la novela en verso. Por su parte. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. MONTAJE: Daniel Mandell. 1946 DIRECTOR: William Wyler. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). .UU. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. Al empezará a beber en exceso. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. tras haberse separado de su mujer. Homer. encontrará mucha más comprensión en Peggy. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. Fred Derry y Homer Parrish. tres soldados que regresan a casa.

entre otros el concedido a la mejor película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. Ava Gardner (Estrella invitada). Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. de Wyler. el extravagante Jef- . Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. con una minuciosidad impecable.su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. Nominada para ocho premios de la Academia. Harold Russell. MONTAJE: Albert Akst. fue todo un acierto. a la que considera inadecuada para el papel. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. 1944). Renunciando a un exceso de sentimentalismo. Cyd Charisse (Gaby). MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). DURACIÓN: 112 minutos. Nanette Fabray (Lily Marton). Lester y Lily Marton. Osear Levant (Lester Marton). Sherwood. decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. la bailarina Gaby Berard. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). Sus leales amigos. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». su cámara habitual. ya entrada en años. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. una estrella de Hollywood. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. que finalmente sería el encargado del guión. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey).UU. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela.. posiblemente. Con inquebrantable tenacidad. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. Tony se vuelca en el trabajo. el más logrado ejemplo del oficio consumado. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. aunque un tanto impersonal. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. Contando con la colaboración de Gregg Toland. a pesar de contar con una primera actriz. obtuvo seis de ellos. mientras que el actor no profesional. Tony Hunter. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. a continuación. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. y un director. decide embarcarse en el proyecto. Wyler empezó por encuadrar la película. ajena a las grandes efusiones. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

Alice. donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. con su científico loco. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. B/N. triunfe el amor. . por Tracy. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. Charles Patón (Mr. Por su parte. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. No obstante. MONTAJE: Emile De Ruelle. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). compuesta por trabajadores esclavizados. Cyril Ritchard (El artista). Thea von Harbou. uno de los cuales será encontrado por Webber. acompañará a su estudio. hoy en día. el artista trata de aprovecharse de ella. la que entonces era su mujer.000 figurantes). en última instancia. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. anunciada a bombo y platillo. se estrenara en junio de 1927. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. La película. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. White). MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. Webber decide poner en evidencia a Tracy. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». John Longden (Frank Webber). White).280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. Mientras se prepara para posar. pero olvida sus guantes. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. atormentada por sus remordimientos. y el otro. que lo utilizará para chantajear a Webber. Benn W. Donald Calthrop (Tracy). Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. Sara Allgood (Mrs. posteriormente. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. finalmente. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. lo que sigue fascinando a los espectadores. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). Argumento Durante una cena con su prometido. que ha sido asignado para el caso. GUIÓN: Alfred Hitchcock. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. Arnold y Norman Arnold. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. el detective de Scotland Yard Frank Webber. al que. 1929 Hitchcock.

1915 W.. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. la ladrona [Marnie]. quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. todas ellas de Thomas Dixon Jr. Griffith. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959.W. Aunque toda la película. a excepción del último rollo. B/N. Marnie. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. Miriam Cooper (Margaret Cameron). GUIÓN: D. W. Argumento Año 1860. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». 1946. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. Mae Marsh (Flora Cameron.UU. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. W. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). Griffith).W. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). Walthall (Ben Cameron. el ama de llaves mulata de los Stoneman). sin embargo. Mary Alden (Lydia Brown. Griffith. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. el pequeño coronel). antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. MONTAJE: James Smith. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D.). FOTOGRAFÍA: C. PRODUCCIÓN: Epoch (D. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. a pesar de lo cual. 1960. 1935. El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. Psicosis. Henry W. la hermana pequeña). Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). desayuna con su familia. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. 1964). a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. EE. Bitzer. Anny Ondra.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. Muchos serán los que mueran du- . se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. mitad enigmáticos. entre otras muchas). así como en la novela The Leopard's Spots.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. Griffith y Frank E. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido.

No obstante. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». que ha caído prisionero. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. y Margaret y Phil. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. . por un lado. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. su hermana.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. desde una perspectiva ideológica. según se dijo. The Clansman. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. obteniendo. Dixon. Lynch coge prisionera a Elsie. Por su parte. según reza uno de los rótulos). son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. Ben Cameron.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. Silas Lynch. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. cuya mera sinopsis produce. por otro. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. Phil Stoneman y su protegido negro. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. Ben Cameron. de paso. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. firme defensor de la supremacía blanca. Lo que.000 dólares. la película posee un argumento. los indisciplinados y lujuriosos negros. hoy en día. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. desde un punto de vista artístico. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. En cualquier caso. en última instancia. sin embargo. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. verdadero espanto. Llegada la paz. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. Si. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. contraigan matrimonio.

1982) oPo/ferge¡sí(1982). 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. la productora de King Kong (1933). 1920). Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. de Drácula. elvampiro (1922). en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. 1941). 1931). Sin embargo. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). 1927).286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. 1959). que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). Con El hombre lobo (The WolfMan. Por su parte. Jeckyll and Mr. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. cuyas grandes orquestaciones de color. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. caso. 1942). por ejemplo. 1978). Posesión infernal (The EvilDead. una película dirigida por el británico James Whale. caso de La noche de Halloween (Halloween. . 1980) con sus innumerables secuelas. que figuró en la película Nosferatu. 1954). que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. como Mario Bava y Dario Argento. Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. Hyde. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. más o menos truculentas. al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. 1964). El exorcista (1973). el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. o como Psicosis (1960). 1976). una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). La profecía (The Ornen. 1962). de Alfred Hitchcock. 1956). que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas.

y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. Alexandre Koubitzky (Danton). el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. y de manera harto novedosa. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. entonces como ahora. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). finalmente. Pierre Schildknecht. Jacouty. sin embargo. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. GUIÓN: Abel Gance. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). no existe una copia definitiva de Napoleón. B/N. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. juventud y los inicios de su carrera militar. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. las posibilidades de la cámara que. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. realizando todo tipo de picados y giros. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . Meinhardt y Eugene Lourie. Cuando se estrenó en París. se mueve con extraordinaria agilidad. En la actualidad. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. Napoleón no constituye una excepción. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. Posteriormente. En todas sus películas. Lochavoff. sin duda. Antonin Artaud (Marat). En todo caso. dado que la película sólo recoge su infancia. siguiendo la norma habitual. Años más tarde. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). Argumento En la academia militar. Lo que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. MÚSICA: Arthur Honegger. escena tras escena. donde las imágenes. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. existían ya varias versiones de la misma.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. sí consiguió fue explotar al máximo. convertido ya en teniente. quedan restringidas a una sola pantalla. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. el retrato está incompleto. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. en este sentido. A pesar de su longitud y de su escala. no llegó a realizarse. e incluso en el momento de su estreno. DURACIÓN: 270 minutos.

Ronee Blakely (Barbara Jean). GUIÓN: Joan Tewkesbury. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). produciendo una sensación de aparente espontaneidad. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. entre ellas. que huye de un matrimonio desgraciado. 1973). exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. Delbert Reese. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. Fraiser . Miller. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. Barbara Harris (Albuquerque). una adaptación de Raymond Chandler. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar.UU. muy alejada de los estereotipos del cine negro. como Haven Hamilton y Barbara Jean. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. Geraldine Chaplin (Opal). consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Albuquerque. que incluye todo el metraje conservado de la película. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que.LilyTomlin(LinneaReese). Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. y Un largo adiós (The Long Goodbye. FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. o la aspirante a cantante. 1971). Tennessee. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. cuyo marido. algunas ya veteranas. Keith Carradine (Tom Frank). Famoso por su utilización de un sonido multipistas. la película. MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. como el joven Kenny Fraiser. la reportera de la BBC. de forma irreverente. Durante el concierto. Argumento Nashville. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. saca un revolver y dispara contra el escenario. Por su parte. Opal. como Los vividores (McCabe andMrs. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. DURACIÓN: 161 minutos. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica.. Entre los resultados se encuentran un western revisionista. un ferviente partidario de Walker. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. Julie Christie y The Misty Mountain Boys.

Jean-Pierre Léaud (Alphonse). por «Fin Easy». un hombre comprensivo. se está recuperando de una crisis nerviosa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. Julie. La muerte en un accidente de coche de Alexander. sin embargo. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. que trata de un joven francés cuya visita a . INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). la llegada de su marido. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. MÚSICA: Georges Delerue. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. mientras que Severine. su director. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. el protagonista masculino. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. alcanzaron el éxito. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). Tal sería el caso de Ronee Blakely. la actriz que hace de esposa. o de Lily Tomlin. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. DURACIÓN: 120 minutos. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. Valentina Córtese (Severine). el actor que hace de padre en la película. Jean Champion (Bertrand). Julie trata de consolar al afligido Alphonse. Alphonse. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. Concluido el rodaje. está destrozada por la enfermedad de su hija. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. Dani (Lilianna). restablece la calma. Ferrand. la madre en Pamela. Natalie Baye (Ayudante). tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. Jacqueline Bisset (Julie). Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. GUIÓN: Francois Truffaut. que.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. a partir de entonces. o de calidad aún no probada.

James Cleason (Birdie). MONTAJE: Robert Golden. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. para poder sacar adelante la película. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. incluso. ha de hacer frente. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. al trazar. Powell es . un parado que ha asaltado un banco. finalmente. un supuesto predicador ambulante. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. El hecho de que Truffaut use la expresión como título.UU. desengaños amorosos. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. Lillian Gish (Rachel Cooper). pero el obstinado Powell consigue localizarlos. «la nuit americaine». No obstante. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. a la vez. tras huir río abajo. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. interpretado magistralmente por el propio Truffaut. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. la mujer de Harper. que guardarán el secreto. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. y a las que el director. intenta trabar amistad con él. perfectamente creíbles. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. Los niños. Argumento West Virginia. malentendidos matrimoniales e. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. su compañero de celda. Antes de ser aprehendido. Harry Powell. B/N. Peter Graves (Ben Harper). Evelyn Varden (Icey Spoon). la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. Cuando salga de prisión. Ben Harper. Shelley Winters (Willa Harper). mediante la utilización de un filtro especial. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). recurriendo a todo tipo de malabarismos.. DURACIÓN: 93 minutos. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. Powell ha encontrado la horma de su zapato. John y Pearl. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. Poco antes de que Ben sea ejecutado. asesina a Willa. razón por la cual los franceses la denominan. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. una galería de personajes absurdos y. MÚSICA: Walter Schumann.

a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos.. "¡Presente!". Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. Ocultos en el sótano. Barbara huye a una casa cercana. donde se encuentra con Ben. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. 1968 DIRECTOR: George A. especialmente. Marilyn Eastman (Helen Cooper). FOTOGRAFÍA: George A. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). descubren a otro grupo de rezagados. "déjame a mí al frente de esa sección"». que con el papel de Harry Powell. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Judith Riley (Judy). Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. se van congregando en el exterior. Duane Jones (Ben). le respondí. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. el de Robert Mitchum.UU. que ha sido víctima de un asalto similar. Los desnudos y los muertos. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. Romero. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso".296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. DURACIÓN: 96 minutos. Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. encogidos por el miedo. No obstante. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. Con todo. GUIÓN: John A. Karl Hardman (Harry Cooper).terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. Romero. le dije. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood. "Charles". relatada según los cánones del cine de suspense. Russo. Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . B/N. en número creciente. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. Keith Wayne (Tom). Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. A resultas de ese fracaso.

que consigue atrincherarse en el sótano. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. Morrie Ryskind. Margaret Drumont (Mrs. aliviado al verse rescatado. 1935 Sam Wood. Ben.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. 1978). PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). B/N. Chico Marx (Fiorello). Claypool). y el tono amateur que de ello se deriva. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. El embaucador empresario Otis B. Gerstad. MÚSICA: Herbert Stothart. basado en un relato de James Kevin McGuinness. Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. matando a todos menos a Ben. GUIÓN: George S. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Argumento Milán. DURACIÓN: 90 minutos. Kaufman. La Guerra de los Mundos. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. abandona su escondrijo. Al Boasberg. contribuyen a hacer la historia más convincente. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. Alian Jones (Riccardo Baroni). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. y es abatido a tiros por error. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. Claypool que le presentará a la alta . 1985). en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. FOTOGRAFÍA: Merritt B. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. Driftwood).. George A. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. Bert Kalmar y Harry Ruby.UU. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. MONTAJE: Wiliam Levanway. Romero. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces.los zombis asaltan la casa. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. Harpo Marx (Tomasso).

el niño prodigio de la M-G-M. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. en Un día en las carreras (1937). cuya estrella es Rosa Castaldi. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. Afortunadamente.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. El intento de ampliar su público. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. el productor Irving Thalberg. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. También dejó que. se dirigen a su hotel. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. con resultados sólo ligeramente inferiores. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. Por desgracia. un ayudante de camerino. que no paraban de tomar notas. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. antes de pisar los estudios. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. el novio de la Castaldi. . Tomasso. iniciado por Thalberg.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. De ese modo. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. y Fiorello. el agente de Baroni. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio.

vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. las teorías postvictorianas de Freud. creando una situación verdaderamente confusa). Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. sin muchas ceremonias. . la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. se verá asolada por la peste. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. pero. uno de cuyos referentes eran. le deposita frente a las puertas del castillo. su esposa). para el público actual. Ellen. en un principio. Alexander Granach (Knock. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. el principal interés de la película resi- Nosferatu. el empleado). Argumento Hutter. un agente de la propiedad). 1922 Murnau. Como era de esperar. el propietario del barco). el destructor. G. a pesar de lo cual. B/N. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. Tras un viaje lleno de premoniciones. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. Aunque.Schnell (Harding.H. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. Gustav von Wangenheim (Hutter. un empleado de una inmobiliaria. Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. DURACIÓN: 75 minutos. en parte.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. su esposa). el vampiro NOSFERATU. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. es recogido por un veloz carruaje que. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. pero Ellen en la película. Alemania. precisamente. W. PRODUCCIÓN: Prana. a convertirse en un pelele inútil. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. de Bram Stoker). a su llegada. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. Greta Schroeder (Ellen. Nosferatu). Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. que siempre había sido su punto fuerte. En este sentido. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. Ruth Landshoff (Annie. un cambio que. No obstante. ciudad que. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina.

Pretorius. DURACIÓN: 76 minutos. GUIÓN: William Hurlbut y John L. P.. MONTAJE: Ted Kent. con su Nosferatu. Con todo. y a menudo también la letra. a diferencia de lo que solía ser la norma. el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. el Monstruo continúa causando estragos. que le enseña a hablar. Colin Clive (Henry Frankenstein). Enfurecido por semejante rechazo. Sin embargo. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. un ermitaño ciego. Balderston. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). FOTOGRAFÍA: John Mescall. Más tarde. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. mejor versión del mito. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). MÚSICA: Franz Waxman. trabará amistad con Pretorius.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . Septimus Pretorius). invocar el espíritu. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. su creador. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. Hall. la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino.). de la primera. Ernest Thesiger (Dr. Una O'Connor (Minnie). Pretorius para que colabore con él. Henry Frankenstein. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. pero fue Werner Herzog quien. 1979). 1935 DIRECTOR: James Whale. con desiguales resultados. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. The Return of Frankenstein. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. Phantom derNacht.UU. Entre tanto. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. intentó. Tras una breve estancia en la cárcel.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). y seguramente todavía. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. Heggie (El ermitaño). B/N. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. vampiro de la noche {Nosferatu. O.

Orfeo ORPHÉE Francia. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. el chofer de la Princesa. GUIÓN: Jean Cocteau. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. que según él mismo asegura es su «única debilidad». cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. caso. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». Al llegar a casa de la Princesa. Francois Perier (Heurtebise). también ha muerto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. 1934). embelesado por la enigmática Princesa. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. Argumento Orfeo. La mezcla de terror y humor negro. Juliette Greco (Aglaonice). Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. Sin embargo. hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. tras lo cual morirá asaltado por una turba. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. que él mismo ha creado. y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. por ejemplo. Niemann.306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. 1958). reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. María Casares (La Princesa). DURACIÓN: 112 minutos. le informe de que Eurídice. con Peter Boyle en el papel del Monstruo. volverá a reunirse con Eurídice. su esposa. MÚSICA: George Auric. Édouard Dermithe (Cegeste). B/N. Marie Dea (Eurídice). 1944). 1974). Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. 1939). en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. el Dr. de El hijo de Kong [Son ofKong].

en particular. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. James Caan (Sonny Corleone). las imágenes en negativo o el baño de mercurio.a una concepción del cine como poesía visual. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. a menudo. efectuada por Sollozzo. tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. se casa con Kay Adams. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». al ser abatido a tiros en la calle. no obstante. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. Sterling Hayden (McCluskey). PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. Peter Zinner. tras lo cual. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. De regreso a los Estados Unidos. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. un capo rival. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. está a punto de costarle la vida. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). Ruddy). también divertida. Marc Laub y Murray Solomon. y el otro. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. no mencionada en los títulos de crédito. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. de Robert Towne). MONTAJE: William Reynolds. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. Robert Duvall (Tbm Hagen).UU. Desafiante siempre y. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. es su película más conseguida. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. su antigua novia. La película. 1972 Francis Ford Coppola. el protector de aquél en el cuerpo de policía. MÚSICA: Niño Rota. . en un fantástico mundo subterráneo. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. Orfeo. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. Haciendo gala de una portentosa imaginación. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. Su hijo Michael. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer».308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. DURACIÓN: 175 minutos. Richard Castellano (Clemenza). 1930) y Le testament d'Orphée (1960). el director funde su obsesión por los mitos griegos y. Al Pacino (Michael Corleone). por el mito de Orfeo. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre.. están filmadas de manera muy realista. ambientada en el mundo actual. y con la colaboración. por el contrario. consolidando así su posición como nuevo padrino. se refugia en Sicilia.

que se puede apreciar en el uso de colores apagados. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. con un genuino toque de autor. por encima de todo. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. Orson Welles y Edward G. Parts. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. Walt y su mujer Ann han adoptado . 1974).310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. va contándole a su hermano Walt su historia. orquestada con tonos operísticos. M. Dean Stockwell (Walter Anderson). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. Hunter Carson (Hunter Anderson). PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. Gracias a su tenacidad. En este sentido. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». "Kit" Carson). 1968). insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. a quien se consideraba un guionista de talento y. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. moral y económica del país. 1990). y. Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. consiguió que se aumentara el presupuesto. como son la presencia de estrellas en el reparto. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. MÚSICA: Ry Cooder. FOTOGRAFÍA: Robby Muller. Part II. Texas Alemania occidental/Francia. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. Natassja Kinski (Jane). una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. Aunque en un principio permanece en silencio. en consecuencia. MONTAJE: Peter Przygodda. una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. y en El Padrino III (The Godfather III. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. Laurence Olivier. Robinson). se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares.000 dólares. Aurore Clement (Anne Anderson). durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. una saga sobre la «Cosa Nostra». un nombre más asequible. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. Argumento Travis Anderson. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. DURACIÓN: 148 minutos. seguramente. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood.

se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. París. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). Antonin Artaud (Massieu). terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. la adolescente . Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. Texas. en el que es. Texas. sobre todo. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Travis se marchará solo. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. París. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). B/N.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. sin duda. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. DU- RACIÓN: 114 minutos. no llegará a solucionarse. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. Alfinal. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). muy exitosa película. Comentario Aunque esta austera y. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. su mejor papel hasta la fecha). Michel Simón (Jean Lemaitre). Louis Ravet (Jean Beaupére). Hunter insiste en acompañarle. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. la escena clave del film. si bien se trata de una problemática que. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. sin embargo. a través de los libros y. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. empezando por su propio título. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. el hijo de Travis. en la que se desvelará el motivo de su separación. de Joseph Deltell). sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. su mujer. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. Como él mismo ha señalado. de la música y del cine. La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. Irónicamente. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. en último término.

Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. Aunque su cuerpo haya sido destruido. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. Chúmbala Devi (La tía). PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray).314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. El verdadero tema de la película. considerado revolucionario en su época. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. Con la cabeza rapada. Urna Das Gupta (Durga). Karuna Banerjee (Sarbajaya). una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. DURACIÓN: 115 minutos. Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. pero. MONTAJE: Dulal Dutta. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). MÚSICA: Ravi Shankar. según se dice. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. pero ella se mantiene firme ante sus captores. pero triunfa en lo que. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. una vez más. el director danés optó por Juana de Arco. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. cuya canonización se había producido en 1920. para su director. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. Como ocurre en el resto de su obra. B/N. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. es llevada a la estaca donde morirá quemada. debido a la complejidad de los decorados. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. . pide que se le aplique la pena. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. Pather Panchali India. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. era el único reino verdadero: el del alma. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. se resiste a hacerlo. Dreyer trató con extrema dureza. particularmente. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. Subir Banerjee (Apu).

posteriormente. Apu conocerá también el significado de la muerte. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). sin ningún resultado. Finalmente. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. acompañado de su hermana. Apu. esta película. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. . Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. aunque teñida de lirismo. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. En la escena más famosa de la película. sin embargo. si llegaba a completarse. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. tras un parón de varios meses. y su anciana Tía. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. reinició la filmación ya en 1953. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. A pesar de todas estas dificultades.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. entre otras razones. Que esto fuera así se debió. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. ya en los años cincuenta. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. a varios patrocinadores en potencia. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. a lo largo de un año. se había convertido en un clásico contemporáneo. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. de Durga. lo estuvo mostrando. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. para cuando Ray la filmó. sus hijos Apu y Durga. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y.

Peter Bogdanovich. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. No obstante. Fred Schepisi y Peter Weir. Mad. la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. Mad World. donde realizó París. 1963). el director de Aguirre. 1966). Aeropuerto (Airport. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). 1976) y que. loco (It's a Mad.como Sonrisas y lágrimas (1965). con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. 1975). También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. El día más largo (The Longest Day. mientras otros directores. con Malas calles (Mean Streets. caso de Pasolini o Bertolucci. No obstante. Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. con La última película (1971). engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. finalmente. 1973). a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. sería la película Mad Max. como El exorcista (1973). 1974). Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. terminaría trabajando en los Estados Unidos. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). Volker Schlóndorff. loco. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. Francis Ford Coppola. con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. . El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. la cólera de Dios (1972). A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo.318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). Texas (1984). en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. o producciones convencionales del género de terror. Mad. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. 1972). 1970). Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. 1969). a principios de la década de los setenta. 1962) o El mundo está loco. 1962). 1969) o Love Story (1970). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. Lo cierto es que. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. con El padrino (1972) y Martin Scorsese. caso por ejemplo de La conversación (1974).

finalmente. B/N. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). Robinson (Barton Keyes). luego. 1981. pero antes de que él la matara. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. Adaptación de un relato de James M.). Fred MacMurray es condenado por ase- . Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft.. realizada al alimón por Raymond Chandler. Edward G. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. En el caso de Perdición. y el mordaz Billy Wilder. cada vez más asqueado. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. El protagonista masculino. MONTAJE: Doane Harrison. que. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. trata de consolar a su amigo antes de que muera. En el final original de la película. Retorno al pasado [OutofthePast]. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). sospechó que se trataba de un fraude y.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. otro de los decanos de la novela policiaca. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. 1946. Jean Heather (Lola Dietrichson). Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. Cain. MÚSICA: Miklos Rozsa. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles.UU. Dietrichson). Argumento Walter Neff. Tom Powers (Mr. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. con sus diálogos afilados. Sin embargo. Keyes. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. tuvo tiempo de dispararle. Seitz. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. tras llamar a la policía. Cain. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. Three ofa Kind). a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. primero. 1947. FOTOGRAFÍA: John F. su deseo por esa mujer le llevó. Jackson). un vendedor de seguros. Porter Hall (Mr. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. a pesar de lo cual. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. detective de la compañía. etc. con frecuencia. DURACIÓN: 106 minutos. Neff.

DURACIÓN: 81 minutos. Alma. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. que no tiene explicación médica. Jorgen Lindstrom (El muchacho). B/N. el celuloide parecerá quemarse. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. GUIÓN: Ingmar Bergman. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. Comentario Persona. Cuando llega el marido de Eli- . Gunnar Bjornstrand (Mr. No obstante. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. pertenecientes a la fantasía del adolescente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. Según se cree. por contraste. que. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. Persona Suecia. habla sin parar. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. MONTAJE: UUa Ryghe. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. que. a mitad del film. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. inesperadamente. Margarethe Krook (La doctora). Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. Vogler). Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. Esos 20 minutos de película. sabeth. Su estado. momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Bibi Andersson (La enfermera Alma). A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. MÚSICA: Lars-Johan Werle. donde Elisabeth comienza a recuperarse. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad.

no obstante. por principio. un Pickpocket Francia. precisamente. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . Apesadumbrado tras la muerte de su madre. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. esa ambigüedad. La policía le detiene. pero. debida a un director que. Kassagi (Carterista). MONTAJE: Raymond Lamy. GUIÓN: Robert Bresson. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. se ve forzado a abandonar Francia. Jean Pelegri (Inspector de policía). MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. Pierre Etaix (Cómplice). Argumento Michel. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. vuelve a encontrarse con Jeanne. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. al poco tiempo. En última instancia. y es. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. Pierre Leymarie (Jacques). no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. Marika Green (Jeanne). a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. Cuando regrese. tan evasiva. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). Tras ser detenidos dos de sus colegas. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. después de mucho tiempo. Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. DURACIÓN: 80 minutos. a la vez. un estudiante solitario y sin dinero. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. no es más que parte de la ilusión creada por el cine.sino por el propio acto en sí. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. va adquiriendo. B/N. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. vuelve a quedar en libertad. dromo. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques.

toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. Los Rojo. Luego engaña a los Rojo. Sin embargo. no puede considerarse una adaptación de la novela. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. Finalmente abandona la ciudad. Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. MÚSICA: Ennio Morricone. 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. le contratan para que trabaje a su servicio. MONTAJE: Robert Cinquini. pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. enemigos declarados de aquéllos. y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. decidido a devolver el oro robado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. . Marianne Koch (Marisol). Wolfgang Lukschy (John Baxter). Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). Antonio Prieto (Benito Rojo). concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. típicamente bressoniano. Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). A continuación se sucederán los enfrentamientos. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. La película.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. consiguiendo ese efecto. en los que muchos serán los que mueran.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. John Gavin (Sam Loomis). Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. Martin Balsam (Milton Arbogast). INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). FOTOGRAFÍA: John L.000 dólares. Russell. preferiblemente. A pesar de la aparente oposición de su madre. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella. mediante unos primeros planos brutales. Janet Leigh (Marión Crane). cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. comenzó a buscar al protagonista que. MONTAJE: George Tomasini. La película. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia.. adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . de calidad muy inferior. por lo general. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. a poder ser. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. así como por sus duelos interminables y ritualistas. una versión oficiosa del Mercenario. aunque.UU. Más tarde. DURACIÓN: 109 minutos. Argumento Tras haber huido con 40. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. Poco después Sam Loomis y Lila. Norman Bates decide darle una habitación. de Kurosawa. también morirá a machetazos. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). Vera Miles (Lila Crane). en apariencia inagotable. B/N. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Si Steve Reeves estaba descartado. dándoles a su vez un cierto toque operístico. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). llegarán para investigar su desaparición. Marión Crane llega al Motel Bates. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión.000 dólares pertenecientes a su jefe. Psicosis PSYCHO EE. Mientras exploran la mansión de los Bates. MÚSICA: Bernard Hermann. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. John Mclntire (Sheriff Chambers).000 dólares. Atraído por el guión. debía tratarse de un actor conocido del público. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. la hermana de Marión. sin embargo. no demasiado caro.

Beer and Blood). INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). ya bajo atención psiquiátrica. interviene Sam. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. Norman. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. por otro. así como las técnicas empleadas en su realización. GUIÓN: Kubec Glasmon. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. Edward Woods (Matt Doyle). La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. Joan Blondell (Mamie). Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. Zanuck). Ed Gein. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. son. The Public Enemy EE.UU. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. La utilización del blanco y negro. Un Norman. a su vez. Donald Cook (Mike Powers). 1986. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F.. Beryl Mercer (Ma Powers). se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. dos delincuentes juveniles. Más adelante. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. un asesino y necrófago de Wisconsin. B/N. dirigida por el propio Perkins). Jean Harlow (Gwen Alien). 1983). se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . a pesar de lo cual. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. Psicosis III (Psycho III. MÚSICA: David Mendoza. así como a su fotografía y dirección artística. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate.no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. que. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. DURACIÓN: 84 minutos. por un lado. 1931 DIRECTOR: William Wellman. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. MONTAJE: Ed McCormick. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. aparentemente cuerdo.330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. una consecuencia del modesto presupuesto de 800. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990).

ha pasado a la pequeña historia del cine. Tom promete a su familia que. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. el arquetipo del gángster hollywoodiense. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. envuelto en vendas. Comentario Se cuenta que. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. con su característico estilo bronco y agresivo. Bill. un papel mucho menos relevante. Cagney. está basado en el gángster de Chicago. sobre todo. James Cagney. Cagney. En un principio. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». el jefe de la banda rival. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. Aunque. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. bordó su papel y creo. éste le respondió lo siguiente: «Mira. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. tras tres días de rodaje. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. y le mata de un disparo en la sien. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. . La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. en adelante. un rubia explosiva. Sin embargo. Sin embargo. seguirá el camino recto. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. las películas de gángsters están acabadas. según se cree. tras más de sesenta años. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. había sido elegido para interpretar a Doyle. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. más violenta y más realista que jamás hayas visto». pero la banda de Schemer le saca del hospital. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. cuyo personaje.

pero se le aparece Clarence. 1938) y Caballero sin espada (Mr. un actor que. Bailey). la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. Henry Travers (Clarence). En cuanto al papel de esposa. 1939). Potter. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. GUIÓN: Francés Goodrich. aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. Smith Goes To Washington. B/N. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey).K. había adquirido los derechos. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. su madre sería una viuda solitaria. cuando Bailey. un ángel. casi perfecta. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. devorado por el rencor. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. al igual que Capra. que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. se plantea la posibilidad de suicidarse. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. recayó en un principio en Jean Arthur. Thomas Mitchell (Tío Billy).UU. hacen de esta . Lionel Barrymore (Dr. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. Desde el primer momento.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. sin embargo. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. Corren las fechas navideñas. Hundido en la desesperación. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. Beulah Bondi (Mrs. no reflejada en los títulos de crédito. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. MONTAJE: William Hornbeck. Clifford Odets y Jo Swerling). PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado.. Aunque la R. contando también con la colaboración. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. Potter). cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. DU- RACIÓN: 129 minutos.O. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios. 1946 DIRECTOR: Frank Capra. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. Donna Reed (Mary Hatch). el papel principal se destinó a James Stewart. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. un banquero sin escrúpulos. de Michael Wilson.

Cuando éste descubre . a Blanche. sumida en la más profunda locura. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. El resultado. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. DURACIÓN: 132 minutos. Joan Crawford (Blanche Hudson). Della Flagg). además. B/N. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. provocando una sádica guerra de nervios. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades.000 dólares a cada una de sus estrellas. Anna Lee (Mrs. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». MÚSICA: Frank De Vol. Nominada para cinco Osear. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa.UU.000 dólares. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. Blanche decide vender su casa. causó sensación. Jane se la lleva a Malibu Beach. MONTAJE: Michael Luciano. Finalmente. Cuando llega la policía. En vista de ello. vive a merced de su hermana Jane. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Bates). Jane. de los que no obtuvo ninguno. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. es asesinada cuando trataba de liberarla. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral.. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». pero prometiéndoles una participación en los beneficios.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. 1962 Robert Aldrich. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. con la intención de enterrarla viva. Argumento Blanche Hudson. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). Victor Buono (Edwin Flagg). INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). en el transcurso de la cual Elvira. un fracaso comercial en el momento de su estreno. una mujer cada vez más perturbada. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. Jane contrata al pianista Edwin Flagg. Maidie Norman (Elvira Stitt). las oportunidades descienden vertiginosamente. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). Marjorie Bennett (Mrs. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. el ama de llaves. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. en los últimos tiempos. pagando tan sólo 50. la película fue.

1967). Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. Mack Swaim (Big Jim McKay). a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria.UU. querida (Fanatic. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. Entretanto. en su viaje de regreso. ya iniciado el rodaje. En adelante. fugiados en una remota cabana.1964). MONTAJE: Charles Chaplin. que ha descubierto su filón de oro. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson.l964). si bien. alfiny al cabo. Hush Sweet Charlotte. a la que invita a su fiesta de nochevieja. el vagabundo se reúne con Georgia. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. donde se enamora de Georgia. Tom Murray (Black Larson). autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin.. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. McKay. no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. Más adelante. que ha recuperado la memoria. una corista. Georgia Hale (Georgia). La quimera del oro no es sólo una película gozosa. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Se produce una pelea. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. Betty Morrissey. DURACIÓN: 82 minutos. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. Sin embargo. Hall. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. B/N. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. para que le ayude a encontrar su mina de oro. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. debido a una enfermedad. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. los proble- . Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. GUIÓN: Charles Chaplin. Un rey en Nueva York (A King in New York. antes de que la llegada de la revolución del sonoro.

1951 Akira Kurosawa. y de la violación de su mujer. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. sostiene que se trató de un combate limpio. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. B/N. DURACIÓN: 88 minutos. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). Minoru Chiaki (Monje). Siguiendo un esquema característico de su autor. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. sometido a una persecución por toda la cabana.5 millones de dólares. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). . Machiko Kyo (Masago). Masago afirma que. PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. siglo VIII. Masayuki Mori (Takehiro). Masago. Takashi Shimura (Tratante de leña). un tanto desmañada. realizada por el propio Chaplin. La película.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. sin embargo. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. El leñador. No obstante. una escena donde consigue crear. acusado del asesinato de aquel hombre. por ejemplo. partiendo de los objetos más comunes. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. El bandido Tajomaru. Rashomon Japón. El relato deprime a un monje allí presente que. Por su parte. fue una de las producciones mudas más taquilleras. de Ryunosuke Akutagawa). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. Takehiro. tras ser violada. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. A través de una médium. Estos rasgos se aprecian. enormemente popular desde el momento de su estreno. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. Atrapado por una tormenta. sin embargo. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. DIRECTOR: Argumento Japón. Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. el pequeño vagabundo. MÚSICA: Fumio Hayasaka. obteniendo unos beneficios próximos a los 2.

la guerra. convertida en el western Los siete magníficos. DURACIÓN: 111 minutos. ha llevado a algunos críticos a considerarla. pero. 1955 Nicholas Ray.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. dirigida por Martin Ritt. la película. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. la solidez de su trabajo actoral y.un exotismo que. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad.Ras- homon sería objeto de una versión. en compañía de Judy y Platón. El comentario realizado por el propio Kurosawa. posteriormente. temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. sin duda.UU. Sal Mineo (Platón). Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. Natalie Wood (Judy). como la víctima. un muchacho huérfano. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. En su primer día conoce a Judy. por encima de todo. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son».1964).. MÚSICA: Leonard Rosenman. justo antes de saltar. MONTAJE: William Zeigle. y Laurence Harvey en el papel de marido. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. hace amistad con Platón. titulada Cuatro confesiones (Outrage. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. Dennis Hopper (Goon). un autor que se suicidó en los años veinte. un taciturno adolescente. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. quizá erróneamente. Ann Doran (Madre de Jim). Jim Backus (Padre de Jim). fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. de los Siete samurais. Jim da parte a la policía. El resultado no estuvo a la altura del original. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. Jim Stark. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. su innovadora estructura narrativa. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. el jefe de una pandilla. por ejemplo. Desoyendo el consejo de sus padres. Sin embargo.

Jean Renoir (Octave). Marcel Dalio (Robert. Por otro lado. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. llamado James Dean. Christine. ropas. y mejor actor secundario. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. Paulette Dubost (Lisette). La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. la esposa del Marqués De la Chesnaye. No obstante. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. Mila Parley (Genéviéve). Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. cuando finalmente accede a hacerlo.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. 1956). es abatido a tiros por la policía. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. como Rebelde sin causa. películas y otros tantos productos similares. B/N. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). mejor actriz secundaria. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. Pues. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. trata de encontrar unos valores que le sean propios. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. para Sal Mineo. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. para Natalie Wood. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. a partir de Mozart. siguen rebosando autenticidad. que trata de vengarse. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). MONTAJE: Marguerite Renoir. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. Sin embargo. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. de Elia Kazan. Monsigny y Saint-Saéns.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. se entera de que su ma- . marqués De La Chesnaye). Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia.

se descubre una nueva faceta de la misma. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. el guarda de la finca. finalmente. un amigo de la infancia. prohibida por las autoridades de Vichy. Una de las frases emblemáticas de la película. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. . hasta componer. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. más adelante. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. Por su parte. La regla del juego sería amputada drásticamente y. aunque todos dan por sentado que. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. más tarde. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. en realidad. Por todos estos motivos. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». cada vez que se contempla. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos.y es uno de esos raros casos en que. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. Aunque. más adelante. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. una farsa actualizada de Beaumarchais. Repleta de momentos memorables. Sin embargo. Renoir señalaría. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. En vista de ello. con ese toque humano tan característico del director. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos.

Una escena. 1936). como Matt Helm o Derek Flint. el romántico solitario. seguramente sea Indiana Jones. 1991). algunas de ellas. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. 1938) y The Sea Hawk (1940). que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. 1941). acompañadas de sus respectivas secuelas. en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. unos héroes dedicados a hacer el bien. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. 1974). como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. por lo menos.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. En la historia del cine norteamericano. el James Dean de Rebelde sin causa (1955). Rocketeer (The Rocketeer. Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. o. a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. como Marión Brando. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. más adelante. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. que encarnó Sean Connery. Paul Newman o Steve McQueen. y los rebeldes apasionados. Como señaló su hijo. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. un hombre cínico y desencantado. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. . como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. el cine ha demostrado. sugerida por el propio Harrison Ford. 1991). años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. 1937). El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. sin embargo. aunque no demasiado brillante. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. No obstante. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar.

1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. 1927). durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. Harwood. a instancias de su amiga Salka Viertel. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. Un día. Entre ellos. con la promesa de que. Argumento Suecia. M. descubre su relación. finalmente. sin embargo. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. Greta Garbo. Ya de vuelta en Hollywood. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . John Gilbert. B/N. tras quitarse su disfraz. se va deslizando por la habitación de la posada. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. se encuentra con el embajador español. en aquel preciso momento. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). John Gilbert (Don Antonio de la Prada). N. Magnus. MÚSICA: Herbert Stothart. Willis. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces.UU. Mientras se encontraba en Suecia. La Reina abdica. la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. Salka Viertel y S. siguen viéndose en secreto. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. mientras monta a caballo. Harta de tanta guerra. una reina sueca del siglo xvn.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. Mayer.. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. GUIÓN: H. más adelante. Cuando su anterior amante. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. Cristina manda partir a Antonio. Elizabeth Young (Ebba Sparre). Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. Aubrey Smith (Aage). Nils Asther y Franchot Tone. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. se prescindió del actor británico. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. MONTAJE: Blanche Sewell. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. Don Antonio de la Prada. Ian Keith (Magnus). se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. Con todo. aquel en que. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. le seguirá a España. se sintió atraída por la vida de Cristina. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. DURACIÓN: 97 minutos. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). siglo xvn. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. y que. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). Sir C. pasan juntos dos días de absoluta dicha. perdidamente enamorada.

Rose. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. Walter Cotell (Segundo Oficial).100 millas del río Congo. Condenados a morir ahorcados.UU. aún hoy. La escena. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. Katharine Hepburn (Rose Sayer). la mojigata hermana de aquél. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. Finalmente llegan al . Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). Technicolor. Por su par- John Huston. El sentimentalismo de la película (que contrasta. a resultas del cual muere un misionero. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). por ejemplo. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman).352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. Entretanto. Forrester). FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. Theodore Bikel (Primer Oficial). con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Más adelante. 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. Eagle [Sam Spiegel]). Cuando John Huston se incorporó al proyecto. DURACIÓN: 105 minutos. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1.. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. un individuo que siente debilidad por la ginebra. Argumento África Central. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. Aquel año. la Primera Guerra Mundial. Tras un ataque alemán. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. S. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). libres de todo peligro. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». MÚSICA: Alan Gray. MONTAJE: Ralph Kemplen. P. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. que terminará por convertirse en amor. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. encuentra refugio a bordo de La reina de África. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut). Peter Bull (Capitán del Louisa).

MÜSICA: Dimitri Tiomkin. pero.1955). 1975). que contaba con la pareja formada por una monja. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. está tramando un plan para liberarlo. Más adelante se unirá a ellos Colorado. 1957). Kuter. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). Chance). Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. MONTAJE: Folmar Blangsted. Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. reflejados en la novela Cazador blanco. Argumento La certeza de que Nathan. un joven pistolero. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. Por su parte. el guardián de la cárcel. . Dean Martin (Dude). casi abstracto. Chance. que el director utiliza como Río Bravo EE. más bien se trata de un telón de fondo. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. y un lisiado. INTÉRPRETES: John Wayne (John T. el hermano de Joe Burdette. encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. su ayudante Dude. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. H. interpretada por Deborah Kerr. McCampbell). favorecido por una buena provisión de dinamita. se impone a la banda de Burdette. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. en un nuevo ataque. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. Ricky Nelson (Colorado Ryan). Finalmente. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. Walter Brennan (Stumpy). y un marine. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. Stumpy. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. DURACIÓN: 141 minutos. Katharine Hepburn. Angie Dickinson (Feathers). papel que correspondió a Robert Mitchum.UU. corazón negro.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood.. Allison. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. Chance se salva de un atentado contra su vida. En un primer momento. al que aceptará como ayudante. Ward Bond (PatWheeler). un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. Dude es tomado como rehén. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana.

356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. ambientado en la Martinica. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito.. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. su amigo alcohólico y. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. en 1976. 1944). MONTAJE: Ralph Lawson. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. por otro. está la relación entre el sheriff]ohn T. mientras que. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. donde figuraba como montador un tal John T. a todos los efectos. la fórmula. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. así. sin demasiados cambios. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. En la película que nos ocupa. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. John Carpenter. Río Lobo (1970). FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. DURACIÓN: 102 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. 1939). Wallis y Henry Blanke). el pistolero Colorado y la corista Feathers. Patrie Knowles (Will Scarlet). No es de sorprender.UU. el viejo. en particular. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. Olivia de Havilland (La doncella Marian). por un lado. era una nueva versión. Eugene Pallete (Fray Tuck). Howard Greene. Chance y Dude. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. pero valeroso carcelero. por tanto. Sol Polito y W. y Tenery no tener (To Have and Have Not. Claude Reins (El príncipe Juan). Miller. Chance.

En el combate que se desencadenará a continuación. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. coge prisionera a la doncella Marian. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. Comentario Desde 1908. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. 1922). 1976) y. atlético y picaro de todos ellos. Con Flynn como protagonista principal. 1936). el resultado final es un relato sin fisuras. Kevin Costner en Robin Hood. La película. A pesar de ello. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. El Príncipe Juan y su aliado. que se hizo cargo del rodaje de interiores. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. 1991). además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. que no tardará en enamorarse de su captor. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. Ganadora de tres Osear. Sin embargo. en fecha más reciente. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. roe de las películas románticas y de aventuras. Su único oponente. Robin de Locksley. romántico.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. Jack L. Korngold y el montador Ralph Lawson. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. En uno de sus asaltos. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . Cuando Ricardo regresa. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. en compañía de Robin y de sus hombres. Guy de Gisbourne. que recayeron en las personas de Weyl. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros.

Aunque desde un punto de vista analítico. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). una antigua amante de éste. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. Marcello Pagliero (Manfredi).360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. el carácter melodramático de su trama. Francesco. La crítica sigue dudando entre Ossessione. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. el proyecto. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. Marai Michi (Marina). todo ello. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. filmados. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. mientras que Don Pietro será fusilado. B/N. Más adelante. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. la adaptación de la obra de James M. Megna. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. MÚSICA: Renzo Rossellini. Francesco Grandjacquet (Francesco). el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . y Roma. Harry Feist (Mayor Bergmann). PRODUCCIÓN: Excelsia. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. Manfredi. El día antes de su boda con la viuda Pina. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. que aún hoy sigue conmoviendo. DURACIÓN: 100 minutos. un cura de su total confianza. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. La película. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. e incluso sus muebles. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. Cain realizada por Visconti en 1942. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. Argumento Roma. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. GUIÓN: Roberto Rossellini. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. uno de los jefes de la resistencia comunista. MONTAJE: Eraldo Da Roma. en la medida de lo posible. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono.

Shirley Anne Field (Doreen). cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. Arthur tratará de que aborte y. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. le asegura que sus días de juerga no han terminado. Arthur se compromete con Doreen.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. aprovechando que su marido se encuentra ausente. En cuanto al personaje de Finney. se dispone a disfrutar por todo lo alto. pero. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. Arthur Seaton. por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. dos soldados. ni un arribista. se le resistirá. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. MÚSICA: Johnny Dankworth. Bryan Pringle (Jack). Cuando a Jack le asignen el turno de noche. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). 1960). le fue ofrecido a Diana Dors. Sin embargo. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. todos ellos personajes perfectamente definidos. le propinarán una paliza. cando piso. el actor teatral Albert Finney. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. 1959). entre los que se contaban Stan Barstow. mientras se encuentran bus- . Norman Rossington (Bert). su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. Tras pasar la tarde en elpub. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. una chica que. no es ni un joven airado. Con esta película. poco después. John Osborne y Alan Sillitoe. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). Comentario Sábado noche. este último el autor de la novela en que está basada la película. hace noche en casa de Brenda. en un principio. como Visco nti y Vittorio De Sica. Rachel Roberts (Brenda). que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Por otro lado. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. como el Joe Lampton de Sábado noche. un obrero de las Midlands. DURACIÓN: 89 minutos. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. MONTAJE: Seth Holt. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. B/N. Dando signos de mayor responsabilidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. Hylda Baker (Tía Ada). uno de ellos el hermano de Jack. Unido. El papel de la mujer casada y de más edad.

Joseph Calleia (Pete Menzies). MÚSICA: Henry Mancini. derrotista. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. MONTAJE: Virgil M.364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). para que su marido abandone sus pesquisas. entre otras razones. en última instancia. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. Vargas. Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). el voluminoso policía norteamericano . Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». Vargas y Menzies. según se descubrirá. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith).. Argumento México. B/N. u n policía mexicano. Vogel y Aaron Stell. el ayudante de Quinlan. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. Orson Welles (Hank Quinlan). Marlene Dietrich (Tanya). Ray Collins (Adair). INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). aunque. Janet Leigh (Susan Vargas). de Whitt Masterson). unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. uno de los sospechosos. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. el jefe de una red de narcotráfico. Joanna Moore (Marcia Linnekar). la culpabilidad del policía norteamericano. se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. preparan una trampa que demuestre.UU. mediante una grabación. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. Esa visión limitada y. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. En el tiroteo que se sucede a continuación. Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. que permanece drogada. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. Víctor Millan (Manolo Sánchez). DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). Con objeto de frenar a Vargas. 1958 Sed de mal encargado del caso.

Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. Sidney Blackmer (Román Castevet). Ralph Bellamy (Dr. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. Todo en este film. Argumento Nueva York. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. se verá forzado a recurrir a una trampa. rodado desde una grúa. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle).UU. además de actuar. DURACIÓN: 136 minutos. más adelante. y que. Quinlan es una creación inolvidable. un su- perviviente de la época de la frontera. Sapirstein). un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse).366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. Guy le propone a Rosemary que tengan . John Cassavettes (Guy Woodhouse). sería el director del film. un personaje de otros tiempos. 1968 Román Polanski. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. A pesar de sus excesos estilísticos. Maurice Evans (Hutch). y su esposa Rosemary. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. es desmesurado. si actúa así. Welles sólo había sido contratado como actor. Guy Woodhouse.. Quinlan es. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. que había dado por sentado que Welles. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. Fraker. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. probablemente. MÚSICA: Krzysztof Komeda. ante todo. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. Román y Minnie Castevet. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. Ruth Gordon (Minnie Castevet). es. En un principio. lo cual no obstó para que. se mudan a su nuevo apartamento. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). con objeto de sacarle una confesión. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. posiblemente. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. un actor que trata de salir adelante. Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. Sea como sea. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). Vargas. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. FOTOGRAFÍA: William A. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. Hank Quinlan. donde traban amistad con sus vecinos. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden.

famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. en el que era violada por un monstruo con cuernos. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. muere de forma misteriosa. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. el montador de la cinta original. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. en el que se da a entender que Castevet es. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. en ese preciso momento. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. 1975) yLaprofecía (The Ornen. Por otro lado. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. La monja poseída (To the Devil A Daughter. se decide a consultar a su amigo Hutch que. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. dejándole un libro sobre brujería. dirigida por Sam O'Steen. que. Rosemary se siente indispuesta y. dará a luz. al despertar a la mañana siguiente. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). En cuanto al papel de Guy. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle.1974). El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. un brujo. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. 1976). así como la nominación para dos Osear.1961). Su golpe maestro fue. . La película rodada para la televisión. en realidad. finalmente. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. tras ser rechazado por Robert Redford. al poco tiempo. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. recaería en John Cassavettes. sin embargo.

se instituiría el Código de Producción de Películas. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. En el Reino Unido. más conocido como el Código Hays. hoy en día. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». En la actualidad. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. el espectador ha de ser protegido. han prohibido películas por motivos políticos y. 1955). fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. por ejemplo. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. Hays. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. Como consecuencia del Código. muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). en cualquier caso. conocida como «Las murallas de Jericó». mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. poco después. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. Entre tanto. Muchos países. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. por el contrario. en teoría. delante de los niños. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. según parece. y buena parte de la producción cinematográfica en general. donde se trataba el tema de la drogadicción. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. mientras que una película como Víctima (Victim. se guiaría durante los próximos treinta años. en Estados Unidos. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. la violencia extrema o la inmoralidad. el sexo sigue siendo algo de lo que. Aunque. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. de hecho. Salvaje {The Wild One. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. desafiando así a las leyes de la época. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. a cuyo frente se situó a Will H. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. los días del Código Hays estaban contados. 1933). creada por la propia industria. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. en Sucedió una noche (1934). el último tabú de la censura cinematográfica. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. 1945). A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). un antiguo director general de correos. . relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. a la vez que. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. En el Reino Unido. domingo mañana (1960). Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady.comparten habitación para pasar la noche. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos.

si bien. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). en nombre de una supuesta justicia. Harris).le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. DURACIÓN: 86 minutos. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. pero los artilleros se niegan a obedecer. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. MÚSICA: Gerald Fried. Así. B/N. GUIÓN: Stanley Kubrick. Strangelove . el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. George Macready (General Mireau). Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. MONTAJE: Eva Kroll. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. Adolphe Menjou (General Broulard). mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. muy alabada por la crítica. el General Broulard. Ralph Meeker (Cabo Paris). sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. FOTOGRAFÍA: George Krause. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. se decide éste a actuar en consecuencia. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. finalmente. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. Wayne Morris (Teniente Roget). mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb).UU.. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. Dada la inutilidad del intento. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. Kubrick. a unas 25 millas al oeste de Munich. La película.372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. Argumento Año 1916. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Sin novedad en elfrente. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor.

toma su título de un pasaje de la Biblia. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. Tramalning). Curiosamente. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. desafiándola a una partida de ajedrez. B/N. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. que forman Jof. MONTAJE: Lennart Wallen. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». reúne a su familia y parte de inmediato. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Mia. En compañía de un herrero y demás gentes. y sus hijos. DURACIÓN: 96 minutos. La película. A día de hoy. 7-8. El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. MÚSICA: Erik Nordgren. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. de la fotografía de Gunnar Fischer. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. Nils Poppe (Joff). Bengt Ekerot (La Muerte). casi desleído. tanto por su audaz temática. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. su mujer. pues la Muerte no tardará en visitar a Block. Block se dirige al castillo de su familia. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. acertada. Ake Fridell (Plog). que fue rodada durante el verano de 1956. Lundgren. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. Gunnar Bjorns- trand (Jons). A. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. el amor. Bibi Andersson (Mia). como por el áspero estilo visual del blanco y negro. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. 1964). el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. Argumento Tras regresar de las Cruzadas. 1987). la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. Varios ayudantes y electricistas. sigue siendo una obra notable. Dios y la Muerte. una decisión .374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte.

aunque fuera de forma inconsciente. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). gada por todo el asunto. un abogado de éxito.UU. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. trata de iniciar una relación con Ann. manifiestamente impresionado. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. que descarga su ira sobre Graham. él reconocerá que es impotente. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. Ron Vawter (Terapeuta). se desenmaraña. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). Soderbergh parece querer indicar que. Cuando ella le confiese que. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. Comentario Sexo. La película muestra cómo se va creando y. LIES AND VIDEOTAPES EE. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. Más tarde. Sexo. MÚSICA: Cliff Martínez. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. En este sentido. 1961). se da demasiada importancia al sexo. una pieza para cuatro manos. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. mientras que Ann. ya se diera cuenta. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. accederá a ser grabada. sólo se puede ir cuesta abajo». instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. Andie MacDowell (Ann Millaney). el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. grabadas por él mismo. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. está casado con Ann. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. la hermana de ésta. pero tiene una relación con Cynthia. Cynthia. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . carente de pretensiones. Ann le pide el divorcio a John. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. MONTAJE: Steven Soderbergh. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. En cambio.. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. mentiras y cintas de vídeo SEX. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. en nuestra sociedad. DURACIÓN: 100 minutos. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. Graham. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. Argumento John. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). en su opinión. mentiras y cintas de vídeo. Éste destruye sus cintas y. de forma vacilante. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. posteriormente. Peter Gallagher (John Millaney). GUIÓN: Steven Soderbergh. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube».

no sería sino un síntoma de esa enfermedad. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. PRODUCCIÓN: Toho. a . En cualquier caso. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). suele ignorar. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. cuyo carácter escabroso. DURACIÓN: 200 minutos. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. Kambei y Shichiroji se marchan. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. Siji Miyaguchi (Kyuzo). Aunque peque de cierto esquematismo. En vista de ello. Terminado el combate. blo en previsión de que se produzca un ataque. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. B/N. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. suscitó algunos equívocos. Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. Daisuke Kato (Shichiroji). FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. en gran medida. aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. Yoshio Inaba (Gorobei). Minoru Chiaki (Heihachi).

UU. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. MÚSICA: Howard Shore. Lawrence A. para entonces.. Como consecuencia de ello. Clarice recibe una llamada desde Haiti. sospecha que el asesino es Jame Gumb. y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. Frederick Chilton). una agente del FBI en prácticas. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. Para obtener información vital. el climax. Hannibal Lecter). Catherine Martin. 1980) yRan (1985). MONTAJE: Craig McKay. En su ceremonia de graduación. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. Kenneth Utt y Ron Bozman). es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. 1960). apodado «Buffalo Bill». dos grupos hostiles por naturaleza. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. . La sombra del guerrero (Kagemusha. Sin embargo. un asesino que se encuentra en prisión. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). aprovecha un momento de descuido para escaparse. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. Anthony Heald (Dr. Argumento Clarice Starling. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. resulta de una gran eficacia. mientras Crawford. Bonney (Instructor del FBI). se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. Scott Glenn (Jack Crawford). pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. entre tanto. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. Hannibal «El Caníbal» Lecter. la hija de una senadora. con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. de donde rescatará a Catherine. dirigido por John Sturges. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. gracias a la pista de la mariposa. Entretanto. tras matar a Jame de un disparo. Lecter. Anthony Hopkins (Dr. DURACIÓN: 118 minutos. es secuestrada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin.380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. como es habitual en el director. un western de Hollywood. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. Ted Levine (Jame Gumb). a escala mucho mayor. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven.

el asesino invertido. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. Otto Kruger (Percy Mettrick). 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. la antigua novia de Kane.quien mate al cuarto. Amy. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. Katy Jurado (Helen Ramírez).. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). MÚSICA: Dmitri Tiomkin. Argumento Hadleyville. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. MONTAJE: Elmo Williams. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. Lloyd Bridges (Harvey Pell). El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. No obstante. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». mientras que será la propia Amy -a la que Helen. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. En un prolongado tiroteo. de los asesinos en serie. obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. Grace Kelly (Amy Kane). Solo y asustado. una adaptación de la novela de Thomas Harris. asqueado. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. El dragón rojo. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. típicamente norteamericano. treinta años atrás. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. como no tardará en descubrir.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. B/N. junio de 1865. mitad asesino. Lo cierto es que. un sheriff a punto de retirarse.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. DURACIÓN: 84 minutos. La protagonista. Kane. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». en lo que hace referencia a los personajes. ha convencido para que se quede. un personaje de una pieza. de John W. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. Cunningham). sólo en Estados Unidos. la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. consigue acabar con tres de ellos. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane).UU. arroja . a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. mitad maestro. que. y su prometida.

000. por su parte. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. Ben Carruthers (Ben). MÚSICA: Charles Mingus. B/N. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. un joven de piel más clara. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real. comparte piso con su hermano Ben.000 dólares. El tema se repite una y otra vez en su obra. Anthony Ray (Tony). Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. Hugh. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. un drama sobre el mundo del boxeo. más un porcentaje en los beneficios.UU. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés.384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. Lelia se enamora de Tony. Ben. Rupert Crosse (Rupe). Sombras SHADOWS EE. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. sin embargo. que. Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. El actor. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. Tom y Dennis. Argumento Manhattan. se pasa todo el día con sus amigos blancos. interpretando el papel de un hombre valiente que. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. más adelante. Solo ante el peligro. y con su hermana Lelia. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . Foreman. Hugh Hurd (Hugh). la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. 1966) o Julia (1977). DURACIÓN: 87 minutos. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. se ve asaltado por unos temores muy humanos. Tom Alien (Tom).. fue contratado por la exigua cantidad de 60. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. que en lugar de su tarifa habitual de 275. más que a su mensaje político subyacente. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. Por su parte. titulado «The Tin Star». un cantante negro.000 dólares.

Eric Blore (Bates. Comentario Muy probablemente. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Al partir de un guión mínimo. la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. Erik Rhodes (Alberto Beddini). como Faces (1968). Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. con una trama apenas esbozada. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). Argumento Londres. continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. Berman). Helen Broderick (Madge Hardwick).K. MONTAJE: William Hamilton. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante. PRODUCCIÓN: R. Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. Realizada con un presupuesto muy bajo. fotografía de grano grueso. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. el mayordomo). FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. Max Steiner (dirección musical). una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus.O. etc. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. 1935 Mark Sandrich. En cuanto a Hugh. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. (Pandro S. Sin embargo.). el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. DURACIÓN: 101 minutos.. y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. Ginger Rogers (Dale Tremont). sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. Mientras practica en la habitación de su hotel. B/N. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada.UU. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. a pesar de las discusiones con su representante. en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). y dejar que Ben siga con su vida sin norte. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. Walker. de Alexander Farago y Aladar Laszlo). el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . 1974). Hugh le echa del piso.

que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). Beddini. Dale y Jerry libres ya para casarse. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. Indignada. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. La alegre divorciada (The GayDivorcee. un profundo afecto. consigue ir limando asperezas. .K. en realidad. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. Sombrero de copa se quedó sin Osear. pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. un antiguo bailarín de Broadway. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. sin mediar palabra. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. que figuraba en el quinto lugar del cartel. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. «Isn't This A Lovely Day» y. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. una ex actriz de vodevil. con el ingenioso dúo de amor-odio. permitiéndoles. En ella. Nominada para cuatro premios de la Academia. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. en realidad. oficiada por el mayordomo de los Hardwick.O. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. en su momento. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». 1934) y Robería (1935). posteriormente. y Ginger Rogers. sentirán desbordarse su alegría.. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. fue la pareja formada por Fred Astaire.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. erróneamente. Enterada Madge del malentendido. realizar otras seis películas juntos. otra residente del hotel. el endeble guión sobre una confusión de identidades. hasta que una nota induzca a Dale a creer.000 dólares realizada por los estudios. Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. que se presenta en su habitación y. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. le propina una bofetada. Travers y Madge la siguen.

desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. con posterioridad.. A fuer de ser precisos habría que señalar que. Una semana más tarde. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). la bibliotecaria de la Academia. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. con buen criterio. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929. en la actualidad. Murray Abraham. o la de F. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. mientras que la ceremonia. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. Hoy en día..» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia.. se convertiría en el galardón concedido por la Academia.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. una figura chapada en oro. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. Afincada en Beverly Hills. en cierta ocasión. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. que amenizó la velada con sus canciones.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. para que. discutible. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G. tiene 34. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. y la presencia en el evento de Al Jolson. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es.» . Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax. la historia más plausible parece ser que. La estatuilla. sin embargo. sin embargo. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica. Margaret Herrick. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. Louis B. tuvo cierto aire de fiesta privada. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. la Academia cuenta con cerca de 3. en su conjunto.30 centímetros de altura y pesa 3.. al margen del prestigio que supone. con sonido incorporado. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984).8 kilos. sean votadas por el conjunto de la Academia. 1927).500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada.

antes de que la tarea recayera en Robert Wise. Sin embargo. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. y esta película tenía ambas cosas. Eleanor Parker (La baronesa). Dwight MacDonald. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado.. Una vez allí. en 1959. la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. un viudo con siete hijos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. MONTAJE: William Reynolds. Charmian Carr (Liesl). Naturalmente. Richard Haydn (Max Detweller). FOTOGRAFÍA: Ted McCord. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). Maria. Argumento Salzburgo. en la revista Esquire. DURACIÓN: 174 minutos. tras cruzar las montañas. Maria regresa a la abadía de Nonnberg. sin una nota en falso. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria).pero bastante ajustado. un espectáculo kitsch en estado puro. huye con su familia que.UU. 1965 DIRECTOR: Robert Wise. Según parece. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. sin embargo. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. una muchacha algo varonil que vive en un convento. utilizando como tapadera un gran festival musical. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. encuentra refugio en Suiza. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. Éste se niega a hacerlo y. Peggy Wood (Madre superiora). adaptación. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. y Maria regresa junto a Von Trapp. No obstante. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). sin el más mínimo ápice de realidad». es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. a su vez. 1938. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein.

llegara incluso a boicotearse la película.K. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. año cero. Renzo Cesana. en un sentido más general. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. el farero. La actriz. la diminuta isla donde nació. Sergio Amedei y C. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. B/N. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. (Roberto Rossellini). pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. El joven la lleva consigo a Stromboli. 1945. 1946 y Alemania. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. TERRA DI DIO Italia. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. en algunos lugares. que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. con la ayuda del farero. cinco de las cuales. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. atino zero]). sin embargo. ciudad abierta. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. se convertirían en premios. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. MÚSICA: Renzo Rossellini. el experimento no funcionaría igual de bien. trata de escapar. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma. a lo que habría que añadir en favor de la película. pero. La combinación resulta violenta y refleja. Traba amistad con Sponza. 1947 [ Germania. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. los espectaculares paisajes de la isla. P. Callegari. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. cuando se recupera. . quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. que. El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. Al descubrir que está embarazada. Art Cohén. Renzo Cesana (El cura). 1953).394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. Paisa. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. Mario Sponza (El farero). escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. GUIÓN: Roberto Rossellini. En la pantalla. Mario Vítale (Antonio). ciudad abierta utilizando actores no profesionales. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. entre ellas las de mejor película y mejor director. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad.O. en este caso. DURACIÓN: 81 minutos.

Exigió que se le pagaran 50. . «Night Bus».UU. MÚSICA: Louis Silvers. el mandamás de la M-GM. Margaret Sullavan y Constance Bennett. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes.000 dólares por cuatro semanas de rodaje. que. MONTAJE: Gene Havlick. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). rechazaron el papel. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra).. además. Mayer. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. B/N. de Samuel Hopkins Adams). una rica heredera. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. permite a Ellie conservar su pudor. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. al igual que había sucedido con la Metro. el film que supuso su debut cinematográfico. Clark Gable (Peter Warne). La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. 1927). Roscoe Karns (Osear Shapeley). mientras que la Paramount. El día de su boda con otro hombre. En él viaja también Peter Warne. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. Es sabido que otras actrices. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. seis días y cuatro horas. Argumento Ellie Andrews. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. pero la petición fue denegada por Louis B. Claire MacDowell (Madre). Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. Walter Connolly (Alexander Andrews). Una manta tendida entre sus camas. a la que denominan «las murallas de Jericó». Jameson Thomas (King Westley). un periodista que acaba de ser despedido. y ambos se fugan. DURACIÓN: 105 minutos. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). 1934 DIRECTOR: Frank Capra. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. caso de Miriam Hopkins. el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne.

John Ridgley (Eddie Mars). en realidad. Sin embargo. aparece desnuda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl.398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. de Eddie Mars). Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. El hombre en cuestión es asesinado. La pista de la desaparecida Sra. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). DURACIÓN: 114 minutos. 1934) o La fiera de mi niña (1938). . Mars le conduce hasta un garaje. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. pero no inaccesible. Mars. MÜSICA: Max Steiner. con su personaje de una belleza distante. la seductora hermana de Carmen. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). El choque entre personalidades opuestas.que. Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. Martha Vickers (Carmen Sternwood). Lauren Bacall (Vivian Rutledge). había sido asesinado por Carmen.UU. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. y hacia Vivian. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral.. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. MONTAJE: Christian Nyby. Peggy Knudsen (Sra. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. B/N. GUIÓN: William Faulkner. Dorothy Malone (Dueña de la librería). FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. una de sus hijas. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. el jugador Eddie Mars. al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian.

Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. como si fueran pelotas de tenis. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. DURACIÓN: 142 minutos. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. eran ya marido y mujer. que quizá sea el padre de Oskar. idéntico al de la película. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. en este caso ambientada en Londres. Oskar. Argumento Polonia. ¡qué diablos. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. entretan- . My Sweet. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). Angela Winkler (Agnes Matzerath). Franz Seitz y Volker Schlóndorff. 1975). que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. en Historia de un detective {Murder. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. La pareja. es un lacónico eufemismo de la muerte). Agnes se casa con Alfred. Los fascistas toman Danzig. Tener y no tener (To Have and Have not. un tendero de Danzig. En 1978. Katherina Thalbach (María Matzerath). Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. Mario Adorf (Alfred Matzerath). GUIÓN: Jean-Claude Carriére. 1946). A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). en La dama del lago {The Lady in the Lake. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). más adelante. primeros años del siglo xx. particularmente en el intercambio de pullas que. da a luz a Agnes. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. se echan Bogart y Bacall. se realizó una nueva y torpe versión. 1944). aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. entre ellos algunos nombres ilustres. Jan. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. 1979 Volker Schlóndorff. MONTAJE: Suzanne Barón. MÚSICA: Maurice Jarre. muñeca {FarewellMyLovely. cuando ya era posible tratar cualquier tema. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. 1945) o Robert Montgomery.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). Terminada la Primera Guerra Mundial. como Dick Powell. si ni siquiera yo lo sabía!». pero. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. (basado en la novela de Günter Grass).

haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. Con todo. Jan es fusilado. Tras ser capturado por los alemanes. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. que ha sido acusado de colaboracionista. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. y sería. La película es un tour deforcé visual. levemente trabados entre sí. precisamente.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. donde asiste al fusilamiento de Alfred. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. sino mediante una serie de episodios. en la actuación de David Bennent. que. que se encuentra sitiada. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. regresa a Danzig. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. Más adelante. . Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. se refugia bajo las faldas de su abuela. no obstante. El papel requería un niño de tres años. sin lugar a dudas. Schlóndorff. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. Tras la liberación. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar.

DURACIÓN: 112 minutos. Las connotaciones religiosas del drama son constantes. Foster (Iris Steensman). Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. este retrato arquetípico de la vida urbana. Posteriormente. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. Consigue engatusar a Betsy. consigue plasmar una frustración casi existencial. Por su parte. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. partiendo de una inversión inicial de 2 millones. el chulo de la chica. un veterano de Vietnam. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. Harvey Keitel (Sport). una prostituta de doce años. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. De noche trabaja de taxista y. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. MONTAJE: Marcia Lucas.UU. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. pero pronto es rechazado. Con referencia a esta película. que se define a sí mismo como católico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. ofreciendo una visión satinada. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. Cumplida su misión tratará de suicidarse. 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. y un guionista como Paul Schrader. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. Tom Rolf y Melvin Shapiro. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). una empleada de un equipo electoral. Peter Boyle (Wizard). Cuando conoce a Iris. cargándose a un atracador en un supermercado. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. y . durante el día. MÚSICA: Bernard Herrmann.. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. Lo logrará tras asesinar a Sport. Una película que trata de la angustia religiosa. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». GUIÓN: Paul Schrader. para que acepte una cita con él. Argumento Nueva York. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). Travis Bickle. Albert Brooks (Tom). la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». concebida como una especie de infierno en la tierra. Cybill Shepherd (Betsy).

se trata del mismísimo Lime. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. Argumento Al llegar a Viena. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. DURACIÓN: 104 minutos. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . Una noche. auspiciando así la reunión con Orson Welles. Calloway amenaza con deportar a Anna. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. Terminado el entierro de éste. Trevor Howard (Comandante Calloway). En vista de todo ello. mientras Anna. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. GUIÓN: Graham Greene. 1960). B/N. Bernard Lee (Sargento Paine). MÚSICA: Antón Karas. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. Martins decide descubrir la verdad. cia a los delitos que ha cometido. añadió a la elección de actores un toque de genialidad. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. la novia de Lime. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. tras abandonar el piso de Anna. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. Joseph Bato y John Hawksworth. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Wilfred Hyde-White (Crabbit). Orson Welles (Harry Lime). 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. Martins mata de un tiro a Lime. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. Alida Valli (Anna Schmidt).406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica.

DURACIÓN: 120 minutos. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. En Suiza. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. 1980). MÚSICA: Angelo Badalamenti. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Hope Lange (Mrs. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. MONTAJE: Duwayne Dunham. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. un extravagante thriller con toques surrealistas.408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. 1986 DIRECTOR: David Lynch. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. Cuando llega Frank.. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. le valió una nominación para el Osear al mejor director. Dean Stockwell (Ben). por el contrario. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-.» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. En su calidad de autor de sus propios diálogos. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». GUIÓN: David Lynch. Dennis Hopper (Frank Booth ).UU. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. guerras y matanzas. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. en treinta años de dominación de los Borgia. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). tuvieron quinientos años de amor. democracia y paz. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. Dejando a un lado otros proyectos. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Y. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). no hubo más que terror. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. «En Italia. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. 1976). Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. Laura Dern (Sandy Williams). Williams). Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. pero surgieron Miguel Ángel. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. aparente- .

se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. tras rodearlos. Zanucky David Brown). TICA: Joseph Alves júnior. PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. . un viejo lobo de mar. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. su alcalde. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). Sin embargo.UU. se hace a la mar. Cuando se capture a un tiburón. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. hace volcar el barco y devora a Quint. introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. MÚSICA: John Williams. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. Acompañado por Brody y Hooper.. Con Hooper temporalmente fuera de combate. Matt Hooper. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. Robert Shaw (Capitán Quint). GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. MONTAJE: Verna Fields. de más ocho metros de longitud. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. de Howard Sackler y John Milius). INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). Quint. Cari Gottlieb (Meadows). La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. Cuando finalmente avistan a la bestia. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). Brody. en un acto de desesperación. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. un experto en el tema. no recogidas en los títulos de crédito. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. En una reunión de los vecinos del pueblo. con colaboraciones. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. DURACIÓN: 124 minutos. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). ésta los arrastra mar adentro y. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. Lorraine Gary (Ellen Brody).

Wolfe. 1976 DIRECTOR: Alan J. Jack Warden (Harry Rosenfield).. su primer largometraje para la pantalla grande. con estas ideas en mente. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). Hal Holbrook (Garganta Profunda). Jason Robards (Ben Bradlee).412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo. hacerse con sendos Osear por su montaje. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward).resultara creíble. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. los resultados fueron extraordina- ríos. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. 1974). se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . MÚSICA: David Shire. Robert Redford (Bob Woodward). se irían sucediendo a partir de entonces.UU. Pakula. El proyecto. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. basado en una novela de éxito. Según su concepción. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. DURACIÓN: 138 minutos. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. a la manera de Hitchcock. se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb. Spielberg. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. En relación con éste. Martin Balsam (Howard Simons). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. de los miedos primordiales de la humanidad. la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. Con todo. insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. Sin embargo. cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. MONTAJE: Robert L. cuya obra sería pasada por alto por la Academia. con calidad siempre decreciente. no tuvo nada que ver con las secuelas que. además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas.

había vendido ya 2. Seguirán trabajando en el caso. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. ya era una inversión considerablemente alta. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto.000 dólares. Siguiendo las orientaciones de su informante. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. Animados por el apoyo del actor. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. con actores de segunda fila. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. los medios de comunicación y el gobierno. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. que.000 ejemplares. mejor guión y mejor actor secundario. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. al poco de haber jurado un nuevo mandato. John Mitchell. Alan J. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. que administra el antiguo Ministro de Justicia. para entonces. en este caso. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. . para finales del año 1975. el Asesor Especial de la Presidencia. mejor dirección artística. finalmente. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. «Garganta Profunda». un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. a convertirse en una película de primera categoría.750. 1972). supondrá la caída del presidente Nixon. para proteger la que. el director del Post. el Jefe de Personal de la Casa Blanca.

Fuera del ámbito norteamericano. con El silencio de los corderos (1991). un cineasta que. . tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. La guerra de las galaxias (1977) y E. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. David Lynch. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. Voces distintas (Distant Voices. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. no obstante. 1991). quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). cuyo éxito. Martin Scorsese. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). 1988). Still Lives. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. 1983). tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. por su parte. 1986). optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. especialmente. En un mundo como el del cine. Al otro extremo de la pirámide de las edades. John Sayles y Spike Lee. La cinematografía china. de El gran azul (Le grand bleu. al promover una visión adolescente del mundo. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. En busca del arca perdida (1981). hoy en día. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. autor. un film que supondría su despedida del cine. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. la obra más taquillera de la década en su país natal. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. que. (1982). En cualquier caso. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. caso de El color del dinero (The Color ofMoney. No obstante. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. este último. Así. o Jonathan Demme. precisamente. la sombra del guerrero (Kagemusha. Un tipo genial (Local Hero.T. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). 1980). El contrato del dibujante (1982). Las puertas del cielo (Heaven's Gate. su carácter imprevisible. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. con su Terciopelo azul (1986). 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. este último. Sin embargo. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. 1988) o con las películas de Derek Jarman. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos.

Theresa Saldana (Lenore). Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. con más del doble de votos que su más próximo rival. Una vez alcanzado su objetivo. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. finalmente. Joe Pesci (Joey).UU. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . B/N. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. Frank Vincent (Salvy). tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. que produce la dicotomía cuerpo/alma. Cathy Moriarty (Vickie La Motta). tanto dentro como fuera del ring. típicamente católica. pierde a su esposa. GUIÓN: EE. A lo largo de la película. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. un colaborador habitual de Scorsese. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. En su calidad de dueño de un club nocturno. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y.. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. DURACIÓN: 129 minutos. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños.de un total de ocho nominaciones. A pesar de que. mientras el rodaje estuvo detenido. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. Kirk Axtell y Sheldon Haber. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. se niega a entrenar. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. golpea a su leal hermano y pierde también su título. Nicholas Colasanto (Tommy Como). INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. en otro nivel. su disciplina se relaja. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. Por otro lado.

Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva.UU. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. B/N. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. Rudy Bond (Steve Hubbell). Argumento Comentario Nueva Orleans. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. MONTAJE: David Weisbart. basado en el drama de Williams. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. llamado Marión Brando. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. Kim Hunter (Stella Kowalski). Marión Brando (Stanley Kowalski). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Stanley. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois).420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. Nick Dennis (Pablo Gonzales). Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. DURACIÓN: 125 minutos. Karl Malden (Mitch). que le escucha encantado.. se mantuvo a Elia Kazan como di- . que se quedará llamándola a gritos por su nombre. dejando solo a Stanley. Feldman). GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling.

En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. Hitler y su ministro de Información. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. que fue sustituida por Vivien Leigh. noticiarios. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. un documental. que.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. con la notable excepción de Jessica Tandy. Tanto en las primeras escenas. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. igualmente eficaz. Aunque el film es. Por otro lado. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. Muy pronto. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. básicamente. 1950). cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. obteniendo tres de ellos. MÚSICA: Herbert Windt. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). que fueron a parar a Vivien Leigh. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. DURACIÓN: 120 minutos. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. la psique de su personaje. Karl Malden y a la dirección artística. de Vivien Leigh. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. inspirado en las ideas de Stanislavsky. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. B/N. El film fue nominado para doce premios de la Academia. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. así como la decisión con que exploró. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. de dentro afuera. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. efectuado por el propio Hitler. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. la maestría del montaje de . Josef Goebels. MONTAJE: Leni Riefenstahl. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo.

. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. cuando el viejo muera. INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). un muchacho retrasado. Texas. GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty).. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi.UU. Jeff Bridges (Duane Jackson). es otro documental de corte propagandístico. los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». un acaudalado joven. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. Cloris Leachman (Ruth Popper). Aunque. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. Anarene. una vez concluida la guerra. Argumento Año 1951. que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. Su siguiente obra. B/N. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. Ben Johnson (Sam El León). se sentirá muy apenado. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. frustrado por el comportamiento de Jacy. pero son interceptados por los padres de la chica. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. Duane. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. MONTAJE: Donn Cambern. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. Friedman). Entretanto. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. de una factura técnica impresionante. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. Cuando Billy. sea asesinado. en cierto modo. 1938). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. DURACIÓN: 118 minutos. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. 1971 Peter Bogdanovich. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte).424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. Ellen Burstyn (Lois Farrow).

y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. pero queda gravemente herido. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. Lauren Bacall (Bond Rogers). que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. pero. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. asqueado. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. MÚSICA: Elmer Bernstein. ambientada muchos años después. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. Acaba con los tres.UU. arroja lejos de sí el . obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. PRODUCCIÓN: Mike J. el director John Ford. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. Gillon interviene para matar al camarero. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. y allí traba amistad con Gillon. Richard Boone (Mike Sweeney). la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. compasión y emotividad descarnada. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. sólo en los Estados Unidos. un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. una secuela. Hostetler. El último pistolero THE SHOOTIST EE. que. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. Texasville (1990). volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). Decidido a asegurarse una salida digna.. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. James Stewart (Dr. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. Ron Howard (Gillom Rogers). Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. Hugh O'Brien (Pulford). Frankovich y William Self. el hijo de ésta. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. Argumento Carson City. 1967). MONTAJE: Douglas Stewart. Hostetler). aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. DURACIÓN: 100 minutos. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). 22 de junio de 1901. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. No obstante. un thriller lleno de originalidad y tensión. finalmente. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. Nevada.

Lauren Bacall. contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. 1972). MONTAJE: Franco Arcalli. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). Después. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). 1955). mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. él regresa a su hotel. Paul y Jeanne. el jugador de La diligencia (1939). Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. el agua corriente. con toda su pintoresca gama de pistoleros. caso de John Carradine. Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. Argumento París. 1962). FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. donde hace poco se suicidó su mujer. que acaban de conocerse en un piso vacío. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. algo que también es aplicable al propio género del western. 1962). María Schneider (Jeanne). Mauro Marchetti (Cámara de TV). Todo en esta película. hacen allí mismo el amor. Franco Arcalli y Agnes Varda. MÚSICA: Gato Barbieri.que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. por ejemplo. Jean-Pierre Leaud (Tom).que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. DURACIÓN: 129 minutos. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. Catherine Sola (Script de TV). el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. Por otro lado. o James Stewart. 1972 Bernardo Bertolucci. el cineasta Tom. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). la electricidad. que hace del enterrador de Carson City. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. Al día siguien- . coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. Darling Legitimus (Portera). la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Al principio de la película.

lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. Con todo. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. Charley Grapewin (Abuelo Joad). Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella.. Dorris Bowdon (Rosaham). y a pesar de sus fallos. El encanto se ha roto. . El último tango en París rebosa veracidad emocional. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. Jane Darwell (Ma Joad). tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto.UU. Sin lugar a duda. puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. a veces. aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. Zanuck). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. Mark Lee Kirk y Thomas Little. Comentario El último tango en París. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. la segunda de ellas la de mejor director). que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. John Carradine (Casy). Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. MÜSICA: Alfred Newman. DURACIÓN: 125 minutos. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que.430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Por desgracia. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. Jeanne regresa al piso. MONTAJE: Robert Simpson. con final en matrimonio. Russell Simpson (Pa Joad). Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. 1940 DIRECTOR: John Ford. B/N. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa.

en cualquier caso. entre ellos el de mejor actor. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. Sin duda. Casy. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. . que llegó a ser prohibida. un sacerdote. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. en varios lugares de América. en este caso bien organizado. por su parte. Publicado en marzo de 1939. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. Darryl F. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. encargó el guión a Nunnally Johnson. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. y contrató a John Ford para la dirección. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. e incluso quemada. el jefe del estudio. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. Novela controvertida.000 dólares. Nominada para siete premios de la Academia.tuvo algo que ver en ello. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. En un campamento al que llegan. Tom venga su muerte. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. En un campamento estatal de tránsito. pero. Ella. un antiguo reportero de prensa. En los años sesenta. De hecho. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). 1964). Zanuck. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. convirtiéndose en un fugitivo. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. 1946).432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. encuentra un refugio provisional.

con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. 1981). la más impactante de todas. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. cuando los encuentros con seres extraterrestres. cuando salió a la luz su obra E. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. 2001. debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. que fue merecedora de una nominación para los Osear. la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. 1953). No obstante. 1958). en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. 1979). (1982) había derivado . una serie que aún hoy sigue impactando. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. 1973). El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. 1902). con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. 1973) o Soylent Green. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). T. 1990) mantuvieron la vitalidad del género. Douglas Trumbull. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). 1951). como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. a todos los efectos. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. Sin embargo. el octavo pasajero (Alien. una odisea del espacio (1968).en una entrañable cursilería. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). sobre sus desconocidos efectos secundarios. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). o la obra de Stanley Kubrick. en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. En la década de los setenta. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. un colaborador de Kubrick en aquel film. sin embargo. Wells en La vida futura (Things To Come. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956).y con Atmósfera cero (Outland.434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). a la vez que un espectáculo visual arrebatador. 1953) y. G. confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. una fe que. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. generalmente hostiles. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. .o degenerado. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. 1954). como ocurría en La humanidad en peligro (Them. 1968) y sus numerosas secuelas. un film que. lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. Invasores de Marte (Invaden from Mars. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. más en concreto. El género. 1936).

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

INTÉRPRETES: James Cagney (George M.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. Cohan. tal decisión no le resta impacto a la película. De igual modo. Irene Manning (Fay Templeton). MÚSICA Y LETRAS: George M. Sin embargo. Tras la guerra. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. estaba previsto que en la película. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios..UU. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. productor asociado). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. al igual que sucedía en la novela. Joan Leslie (Mary). Cohan). GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. DURACIÓN: 126 minutos. con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. George Tobías (Dietz). Richard Whorf (Sam Harris). Walter Huston (Jerry Cohan). así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. La composición de George Washington Jr. MONTAJE: George Amy. une a la familia por última vez. . El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». B/N. En cualquier caso. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. En un principio. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary.

Eleanor Boardman (Mary). Contando con un presupuesto estimado en 1. 1928 King Vidor. INTÉRPRETES: James Murray (John). según parece. el verdadero dueño de la misma es. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. Estelle Clark (Jane). John queda destrozado y comienza a ir . La película. Tomlinson (Jim). fue. Sin embargo. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. MONTAJE: Hugh Wynn. Bert Roach (Bert). DURACIÓN: 95 minutos. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. B/N. un 4 de julio. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. Narrada mediante flash-backs. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. Daniel G.000 dólares -de los que 100. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25.500. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. La vida de casado no es precisamente sencilla. en todo momento..000 fueron a parar a manos de Cohan. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. hasta los momentos finales. gracias a su inmensa experiencia. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. al mismo tiempo. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. GUIÓN: King Vidor. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista.UU. Jeanne.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. James Cagney que. Dell Henderson (Dick). interpretando el papel de la hermana de Cohan. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. John V. cuando su hija muere atropellada por un camión. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). A. que se encontraba ya muy enfermo. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. sin embargo. en un papel que le valió su único Osear. Tras quedarse huérfano en su juventud. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie.

Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. MÚSICA: Mikis Theodorakis. 1934). 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. California. Jean-Louis Trintignant (El juez). z Francia/Argelia. Jacques Perrin (El periodista). A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. Francois Perier (Elfiscal). pero no obtuvo premio alguno. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. «Z». hasta que. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). MONTAJE: Francoise Bonnot.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. algo que. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. su cuerpo fue hallado en el río Hudson.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. su orgullo le impidió aceptarlo. DURACIÓN: 125 minutos. no era demasiado frecuente. Cuando años más tarde. En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos.Irene Papas (Helene). Argumento Un país mediterráneo. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. El actor principal. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. John toca fondo y decide suicidarse. en la época. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. Georges Geret (Nick). pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. en 1936. un carismático parlamentario de la opo- . INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). James Murray. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. según se determinó se había quitado la vida. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). Vuelve a unirse a Mary. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas. Durante bastante tiempo no se supo nada de él. al que la película sacó del anonimato.

Al margen de su dimensión política. además. Sin embargo. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. En Estados Unidos. 1973) o Desaparecido (Missing. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. . 1981). Finalmente. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. sin embargo. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. unos rasgos que. Con todo. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. En última instancia.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. por lo demás. el conductor de la furgoneta. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. Yago. no ocurre lo mismo con Z. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. interpretado. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. un testimonio que es corroborado por Vago. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. No obstante. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. asegura que estaba borracho. el otro ocupante del vehículo.

Por otro lado. Ocurre a veces. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). 1989). Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. en algún momento. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. finalmente. Empieza el espectáculo (1979). La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. Es interesante señalar que. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. en la actualidad. El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. 1991). sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. Ése fue el caso de Bette Davis. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. dirigida por Mike Nichols.The Deep (1957). Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. cuya financiación solía ser muy precaria. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. sería abandonada definitivamente. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. poco tiempo después. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. 1977). el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. 1941) y El halcón maltes (1941). que ganaría el Osear por su papel en una película que. una comedia de Neil Simón. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. Tras dos semanas de rodaje. se le pasaron a alguien por la cabeza. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. . a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. sin embargo. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. tras dos semanas de rodaje en Suiza. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. o la versión de la novela de Conrad Nostromo. (1966). que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. No obstante. si pueden. o The Jackpot (1975). una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). pero que nunca pasaron de ahí. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon.

El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos». El cine negro «. delante de los niños. El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine. todos a bailar. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor.índice de artículos monográficos El silencio es oro. El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. no. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto». La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad... La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 .en una palabra: emoción». La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso.

derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 ..456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es. El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós. la cólera de Dios (Aguirre. muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre. Los Osear El presente. La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos».»..

_¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) .T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. (E.T. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E. (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 .

302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París... Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). el vampiro (Nosferatu. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead).. 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche... domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo... eine Symphonie des Grauens).460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max. Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) . térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 . Texas (París. mentiras y cintas de vídeo (Sex.. lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) .

218 Michael Curtiz.445 VittorioDeSica. 381 WilliamDieterle. 77 Stanley Donen.139 Cari Dreyer. 169 Walt Disney. 104. 70 FrankCapra. 429 Peter Bogdanovich. 257 Jean Cocteau. 181 RobertAldrich. 266 LuisBuñuel. 309 Constantin Costa-Gavras.238 Jonathan Demme.264 John Ford. 313 Sergei Einsestein.290 Michelangelo Antonioni.141. 449 Kevin Costner. 28 John Frankenheimer.91 GeorgeCukor. 164 John Cassavetes.índice de directores James Algar. 178.431 Milos Forman. 49. 288 . 252.183 Norman Ferguson.23 Federico Fellini. 176 Abel Gance. 255. 181 Terence Fisher. 88. 273 WilliamFriedkin.336 Woody Alien. 324 Clyde Bruckman. 385 ClaudeChabrol.396 Marcel Carné.357. Cooper. 181 Ford Beebe.96 Charles Chaplin. 148. 155 Tim Burton. 374 Bernardo Bertolucci. 234 Francis Ford Coppola.192.338 Jack Clayton. 44 RobertAltman.334.115. 307 Merian C. 13.322. 153 Víctor Fleming. 425 Robert Bresson. 65 AlanCrosland. 100. 181 Ingmar Bergman.212. 63 Samuel Armstrong.

222 Alan J.364 WilliamWellman. 411 Josef von Sternberg.162.72 George Lucas. 113 D.111. 40 SamTaylor. 210.227. 131. 194 RobertWise.224.354.418 DonSiegel.345 Leni Riefenstahl.181 Howard Hawks. 58 Rouben Mamoulian.372 Akira Kurosawa. 423 Bill Roberts. 304 Billy Wilder.236 Orson Welles. 181 George A. 362 Jean Renoir. 51 Michael Powell. Porter. 35.299 WilliamWyler.302 Fred Newmeyer.W. 245 HughHudson. 376 Steven Spielberg. 47. 181 MarkSandrich.331 WimWenders. 137. 341.357 Stanley Kubrick.181 Werner Herzog. 18 Alexander Mackendrick. 150.292 KingVidor.367 Gillo Pontecorvo. 203 Arthur Penn. Romero.120.278.248 Sergio Leone. 157. 297 Roberto Rossellini.394 Paul Satterfield. 343 SatyajitRay. 266 WilliamKeighley. 106 Francois Truffaut.74.447 Jean Vigo. 229.281. 20 Alfred Hitchcock. 84.33. 86 James W. 198 Laurence Olivier. 102 RaoulWalsh. Schoedsack. 181 David Lynch.Griffith. 129 Joseph L. 205 SidneyLumet. 109.98 John Huston.436 Charles Laughton.392 SamW6od. 173 George Miller.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. Mankiewicz. 60 Prestan Sturges. 259 Vincente Minnelli.271 Kenji Mizoguchi. 250.269 FredZinnemann. 196 Andrzej Wajda.427 Víctor Sjóstrom. 315 CarolReed. 350 LouisMalle. 53 Luchino Visconti.378 FritzLang. 42 Erich von Stroheim. 276 Andrei Tarkovsky.30. 139 Buster Keaton.311 James Whale.387 VolkerSchlondorff. 438 Dennís Hopper. 25 Peter Greenaway.329. 295 David Lean.383 .220 Giuseppe Tornatore. 327 ErnstLubitsch. 134.401 Ernest B. 185.Pakula. 440 Istvan Szabo.283 JimHandley.406 Karel Reisz.171. 360. Horne. 181 Elia Kazan.Murnau.352 Wilfredjackson.Hee.215. 413 Sam Peckinpah.420 Gene Kelly.241. 404.320 RobertWiene.398 T. 127 Nicholas Ray.122. 166 Nagisa Oshima. 67 Edwin S. 220 MikeNichols. 442 Steven Soderbergh. 408 Adrián Lyne. 234 Martin Scorsese. 146 Hamilton Luske. 201. 190 Otto Preminger. 125 EW. 79 Román Polanski. 243 Jean-Paul Rappeneau.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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