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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. verdaderamente inolvidable». Tímidamente.. no hay nada que tenga más valor. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia. En cierta ocasión. mientras exista el cine... les instruyó. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray. les deleitó o.. No me importaría nada que fuera algo así. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". les conmovió. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. toda una colección de clásicos del cine. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. una mano que trata de coger una mariposa. aunque sólo sea un instante. la Muerte jugando una partida de ajedrez. y morir sabiendo. me sentiría muy halagado. Dorothy aventurándose por el arco iris. la búsqueda de un elusivo halcón negro. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. Años más tarde.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. me conformaría. por lo tanto.. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. en su momento. les entretuvo. bueno. Este libro es. simplemente.. En suma. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. Los clásicos del cine . Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había.

uno de ellos. Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. Vakulinchuk. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. MONTAJE: Sergei Eisenstein. MÚSICA: Edmund Meisel. B/N.El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. Popov. provocándose así el estallido de la revuelta. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). Sin embargo. Repnikova (Mujer de las escaleras). INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Levchenko (Contramaestre). FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. se ordena su ejecución. DURACIÓN: 75 minutos. Los marineros se hacen con el 13 .

según el cual. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. Lo más significativo fue. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. hoy en día. ante el temor de posibles represalias. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. Si bien. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. De esta forma se cumplían. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. . de forma inmediata. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. hasta cierto punto. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. 1987). la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. que ha muerto durante la refriega. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. el más reciente de ellos. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. no obstante. la tripulación del Potemkin.

Chaplin. Entre tanto. que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. 1928) y La edad de oro (1930). quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). así como en la subsiguiente persecución. Posiblemente. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. No obstante. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). Aflash-back o el montaje alternado. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. Hoy en día. el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. Y de hecho. Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. En la escena que da título a esta película. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. Así. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). Pickford. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. . En 1919. siempre estuvo en entredicho. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). De Mille. Griffíth. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. Gran innovador de la técnica cinematográfica. su impacto a principios de siglo fue revolucionario. en Rusia. en los cines de todo el mundo. dando lugar a dos llamativas producciones. 1922). Gish. Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. aunque un tanto diluido. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. Griffíth.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). en cambio. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. Un perro andaluz (Un chien andalou. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. 1920). W. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood.

resulta absolutamente creíble. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. a pesar de ser bastante travieso. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. El argumento. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. Quentin). Peter Fitz (Muller). éste delata al Padre Jean a la Gestapo. y clausuran la escuela. GUIÓN: Louis Malle. Francois Berléand (Padre Michel). marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. y su hermano Francois. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. aunque quizá esté un tanto idealizada. en venganza por haber sido despedido. el pinche de la escuela. muy querido. MONTAJE: Emmanuelle Castro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . Francine Racette (Mme. D U RACIÓN: 104 minutos. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. un muchacho de doce años. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. Julien Quentin. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Comentario Argumento Año 1944. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. La relación entre los dos muchachos. la Francia ocupada. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). Francois Negret (Joseph). realiza en el mercado negro. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. una experiencia que. tan sencillo como sugerente.

cuando finalmente se produce. junto a algunos de los chicos de la escuela. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. Al llegar al Amazonas. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios».se va apoderando del control de la expedición. viene de manos de Joseph. Dany Ades (Perucho). El acto de venganza de Joseph. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). La traición. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). Aguirre. Aguirre sigue adelante. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. su jefe. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. fruto del resentimiento. DURACIÓN: 93 minutos. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Helena Rojo (Inés de Atienza). 1560. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Edward Roland (Okello). DER ZORN GOTTES Alemania. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. . se dedica a trapichear en el mercado negro. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. la legendaria ciudad de oro de los incas. Pizarra. Aguirre. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). permite prever lo que habrá de ocurrir. Armando Polanah (Armando). Del Negro (Gaspar de Carvajal). la cólera de Dios AGUIRRE. Tan sólo alguna intrusión ocasional. el líder del Frente Nacional. sella el destino de Bonnet. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. la cólera de Dios Argumento Perú.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. Impulsado por su maníaca empresa. y seguramente impremeditado. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. que viaja acompañado de su esposa Inés. MÚSICA: Popol Vuh.

gobernador de Pskov). sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. Sin embargo. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. constituye un estudio. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. durante el rodaje. K. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. Orlov (Ignat. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). Novikov (Pavsha. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski).22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. una actitud que le valió numerosas críticas. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. Dimitri N. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. N. otra película de Herzog. Abrikosov (Gavrilo Olexich). que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. la verdadera motivación de su delirante empresa. Sin embargo. La escena final. Alexander L. en la que Aguirre. constituye una imagen inolvidable. maestro armero). Reúne un vasto ejército . Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. Aunque el propio Herzog reconoció que. Nikolai P. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. N. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. Arski (Domash. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. noble de Novgorod). V. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. fruto de la imaginación. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. La película. Okhlopov (Vassily Buslai). cuando las balsas emprenden su largo viaje. DURACIÓN: 112 minutos. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. MÚSI- Sergei Prokofiev. el último superviviente. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. Fitzcarraldo (1982). PRODUCCIÓN: Mosfilm. B/N. de una fuerza arrebatadora. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva.

24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente.I: Martial Solal. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. presentan unos rasgos mucho más tradicionales. el primer fruto de su estilo tardío. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. 1942-1946). A pesar de lo dicho anteriormente. El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. Daniel Boulanger (Inspector Vital). En este sentido. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). Eisenstein. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». Argumento Tras robar un coche en la Riviera. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. Liliane Robin (Minouche). mandada por el Príncipe. Para los espectadores contemporáneos. en el año 1242. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). MÜSIC. 1959 Jean-Luc Godard. Roger Hanin (Cari Zubart). sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. las películas de las décadas siguientes. PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. libra una batalla campal decisiva. se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). a orillas del lago Peipus. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. 1967). DURACIÓN: 90 minutos. 1928). Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. B/N. sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. MONTAJE: Cecile Decugis.

Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. y contando con Chabrol como consejero técnico. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. Escrita en colaboración con Truffaut. Claude Chabrol y Eric Rohmer). Tras haber pasado la noche juntos. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. en cambio. a partir de mediados de los cincuenta. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. la nueva ola de cineastas franceses. Tras regresar de una cita. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. les sigue la pista cada vez de más cerca. que.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. se hacen de otras películas. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. sin ningún reparo. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. La policía. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. Al serle imposible recuperar su dinero. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. . uno de ellos morirá. Conmocionado. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. entre tanto. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. para alabar. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. una estudiante americana que aspira a ser periodista.

el Jefe Bromden. una de las pelí- . parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. Cuando regresa a su sala. A la mañana siguiente.BradDourif (Billy Bibbit). es trasladado a una casa de salud mental del estado. precisamente. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco.. según parece. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). llevándoselos sin permiso de excursión. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». William Redfield (Harding). que le tuviera a él como protagonista. se le somete a una lobotomía. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. rechazaron el papel. cuando llamó la atención del director Milos Forman. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. que sería quien finalmente encarnara al personaje. Ellen Burstyn y Geraldine Page. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol.UU. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. además. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. pero es domeñado y. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. Finalmente. Thieves like us (1974). se encontraban Anne Bancroft. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. Alguien voló sobre el nido del cuco. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934).28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. uno de sus compañeros. DURACIÓN: 133 minutos. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. Angela Lansbury. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. una noche. Sería él quién haría el proyecto realidad. Danny De Vito (Martini). al amenazarle con informar de ello a su madre. las salas del hospital. es. MONTAJE: Richard Chew. que es. interpretando un pequeño papel en la película de su marido. Argumento El recluso Randle P. McMurphy intenta estrangularla. posteriormente. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. éste se suicida. Michael Berryman (Ellis). Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Louise Fletcher. Lynzee Kingman y Sheldon Khan. Entre las actrices que. 1975 Milos Forman. McMurphy. William Fraker y Bill Butler.

al verse atrapado en la refinería. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . un infiltrado de la policía. Al rojo vivo nato. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. Vera. Entre tanto. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. Steve Cochran (Big Ed Somers). FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. la esposa de Jarrett. GUIÓN: EE. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. John Archer (Phillip Evans). se ha liado con el gángster Big Ed Somers. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. entabla amistad con él. por la que su hijo siente auténtica devoción. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo).UU. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. Virginia Mayo (Verna Jarrett). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Hank Fallón. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. Edelman). y Jarrett. No obstante. MONTAJE: Owen Marks. B/N. DURACIÓN: 114 minutos. Jarrett está a punto de enloquecer. En la prisión.. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett.30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. conduce al FBI hasta Cody. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. Por otro lado. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). Margaret Wycherly (Ma Jarrett). el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. MÚSICA: Max Steiner. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro.

es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada.Farrell MacDonald (El fotógrafo). un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. le de- . que. Al rojo vivo.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. «Lo conseguí. según parece. de joven. y otros trabajos menores. Ma. El papel de George M. 1927 F. en Arthur «Doc» Barker. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. Janet Gaynor (La mujer). le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. Murnau. 1943) o The Time ofYour Life (1948). de Hermann Sudermann). tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. mientras grita un desafiante. en cuyo caso. visité Ward's Island. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). Ralph Sipperly (El barbero). Cohan en Yanqui Dandy (1942). Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. B/N. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. en un verdadero tour de forcé de emotividad. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. Reconciliado con su esposa. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. Bodil Rosing (La doncella). supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. porque. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. como El vagabundo (Johny Come Lately. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. se enfrenta al oleaje. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. por el que obtuvo un Osear.UU. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». En cierta ocasión. ¡Dios mío. La cima del mundo». El campesino. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. El personaje de Cody Jarrett. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). finalmente. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. Mientras regresan a su casa en barca. W. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. J. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). DURACIÓN: 117 minutos. ambos pasan el día en la ciudad. realizados para su propia productora.. cuando llega el momento. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. está basado.32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada.

34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. 1928).. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. MÚSICA: George e Ira Gershwin. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. GUIÓN: Alan Jay Lerner. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. a la mejor fotografía y a la mejor actriz. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. Georges Guetary (Henri Baurel). Aunque es posible que fuera él mismo quien. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. un soldado norteamericano. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. W. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. resulta absolutamente prodigiosa. cree que ha ejecutado su plan. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. Murnau. Melodrama pictórico y poético. el campesino corre eufórico a su encuentro. A pesar de que la película fue un fracaso comercial. . INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. se desprende de la totalidad de la historia. Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. a otras de un mayor naturalismo. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. DURACIÓN: 113 minutos. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. hasta el punto de que. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. Eugene Borden (George Mattieu). Aun evaluándola con criterios actuales. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. MONTAJE: Adrienne Fazan. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. a diferencia de lo que suele ser habitual. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. tanto en los decorados como en la interpretación. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. reconciliación o sospecha. Osear Levant (Adam Cook). Nina Foch (Milo Roberts). sigue sin aparecer. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. Su esposa. sin embargo. Argumento Jerry Mulligan. Leslie Carón (Lise Bouvier).

Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. Milo Roberts. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. pues se trata de la prometida de Baurel. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). de la compañía de la chiquillería del barrio. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. Manet y otros artistas. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. que dirigía el productor Arthur Freed. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. Mientras celebra su suerte en un club nocturno.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. ésta se resistirá al idilio. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». . especialmente. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. No obstante. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. bailes. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. en tiempos recientes. director y bailarín y. Finalmente. Sin embargo.5 millones de dólares. diálogos y decorados. conviene mencionar que. Por otro lado. cantante. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante.

y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. Mayer o Harry Cohn. La M-G-M. en el Reino Unido. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. mientras que la Columbia. 1936). a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). . entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). Marlene Dietrich y Gary Cooper. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. 1931). se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. una modesta empresa creada por Harry Cohn. Judy Garland y Greta Garbo. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929).y El cuarto mandamiento (1942). por su parte. 1943). pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. durante un breve período de tiempo. también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. al otro lado del Atlántico. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. como Louis B. sin embargo. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). La R-K-O. Entre tanto. Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. Deeds Go to Town. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. hayan sido objeto de numerosas críticas. Por otro lado. la primera película hablada del cine británico. la Universal. a excepción de la palabra «cuchillo». Sin embargo. Entre tanto. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. 1939). las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. Conviene no olvidar. sin embargo. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine.

GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). Como cabía esperar. y su film de reminiscencias personales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. . PRODUCCIÓN: Mosfilm. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. es raptada.S. posteriormente. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. entre ellas. fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. El héroe epónimo.. Paradójicamente. El espejo (Zerkalo. Solaris (1972) y Stalker (1979). 1974). INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. las autoridades soviéticas. En el curso de sus peregrinaciones. Más adelante. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que.R. comenzará a dudar del valor de su existencia. A la conclusión de la obra. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. Argumento Rusia. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. El fantasma de Teófanes se le aparece. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. el rostro de Andrei. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). el pintor de iconos Andrei Rubliov. y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. Inspirado por esta visión. se entretiene con un bufón. Nikolai Burlyayev (Boriska). Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. DURACIÓN: 185 minutos. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. Irma Raush (La muchacha sordomuda). Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. El dubitativo protagonista. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. un monje y pintor de iconos del siglo xv.S. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. Ivan Lapikov (Kirill). vertiendo lágrimas de dicha. Color y B/N. siglo xv.

MONTAJE: Sam Winston. Rosa Valette (Guste. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. Trude Hesterberg. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. DURACIÓN: 103 minutos. Marlene Dietrich. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). 1928). 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. que le convence para que se case con ella. su mujer). y habiendo perdido toda su autoestima. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). Marlene Dietrich (Lola Frohlich). Kurt Gerron (Kiepert. pero se queda cautivado por Lola-Lola. filmaran El ángel azul.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. la seductora artista del espectáculo. es despedido. De regreso a Alemania. Argumento El profesor Immanuel Rath. Borracho de placer y de champán. GUIÓN: Robert Liebmann. La última orden {The Last Command. iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. y fue el propio director quién le sugirió que. Hans Albers (Mazeppa). con la llegada de las películas habladas. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. Abatido. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. Briggite Helm. publicada en 1904. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. de Heinrich Mann). Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. en su lugar. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. MÚSICA: Friedrich Hollander. pasa toda la noche en el local. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. uno de los puntales de la comunidad. una novela de Heinrich Mann. se contrató a Dietrich. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . La trama básica de la película. Henchido de dolor. B/N. el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. sin embargo. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. regresa junto a Lola-Lola. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. regresa a su antiguo colegio y muere. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. un mago).

obedeciendo a sus impulsos fetichistas. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. 1932. El interés que el magnate del mundo discográfico. Paul Simón (Tony Lacey). Dietrich se convirtió en una presencia escultórica.UU. Shelley Duval (Pam). resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. pero. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. etc. la pareja volverá a reunirse.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. muestra por Annie. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. Joffe). Diane Keaton (Annie Hall). Carol Kane (Allison). FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. despierta los celos de Alvy y. deciden volver a separarse. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. en este caso. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. tiene algo de . y Alvy. Comentario AnnieHall EE. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. una periodista. Joffe para United Artists (Charles H. Tony Lacey. Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. hoy en día. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. DURACIÓN: 93 minutos. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death].44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. a la que el director vestía e iluminaba. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. 1935. y en el vuelo de regreso a Nueva York. negado para la vida. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. MÚSICA: Varios. escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación.. Capricho español [The Devil is a Woman]. tras una pelea. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. La Venus rubia [Blonde Venus]. Alvy inicia una relación con Pam. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman.). 1934. se produce la separación. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. Annie Hall. constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. finalmente. ini- Con Annie Hall. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). 1930. tras realizar un fútil intento de reconciliación. Tony Roberts (Rob). cian una relación amorosa y se van a vivir juntos.

el director de la empresa. Edie Adams (Miss Olsen). Shirley MacLaine (Fran Kubelik). mejor director y mejor guión. colocándole. Baxter. Dreyfus).46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. D. Panavisión. MÚSICA: Adolph Deutsch. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). Diane Keaton. J. Ray Walston (Mr. se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. L. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. Dobisch). Rodada con su habitual secretismo. la ascensorista de la empresa. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. MONTAJE: Daniel Mandell.UU.el film es. bajo el título provisional de «Anhedonia». una circunstancia reconocida por la propia Academia. A. acuciado por su conciencia. B/N. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. para crear un efecto cómico. le consigue un inesperado ascenso. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». Fred MacMurray (J. entre ellos los de mejor película.. D. envalentonado por su nueva situación. y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. más bien. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. GUIÓN: Billy Wilder e I. C. un empleado de una aseguradora. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. Tras declarar su apartamento zona prohibida. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. Por todas estas razones. Sheldrake). a su vez. Marshall MacLuhan. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. Baxter. Baxter. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). 1960 Billy Wilder. Jack Kruschen (Dr. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). Argumento Las posibilidades de ascenso de C. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. . Diamond. Sheldrake. En recompensa por la cesión de su apartamento. DURACIÓN: 125 minutos.

Willard). Technicolor. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). etc. en ocasiones. Wagner. y. fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. de la que. Diamond). Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. Willard. Dennis Hopper (Fotógrafo).. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. con ella. fue nominada para diez premios de la Academia. L. Harrison Ford (Coronel Lucas). es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. un capitán harto de combatir. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. DURACIÓN: 141 minutos. Kurtz le explica su filosofía. Gerald B. A. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. Este último. MÚSI- CA: Carmine Coppola. Larry Fishburne («Limpio»). Greenberg y Lisa Fruchtman. hasta entonces apenas explotada. Apocalypse Now EE. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. El resultado fue El apartamento (1960). el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. (70 mm) (35 mm. de Joseph Conrad). 1963). que. The Doors. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. El triunvirato formado por Wilder.. una de sus obras más populares. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. Kurtz). y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. e insta a Wi- . aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. MONTAJE: Walter Murch. Frederic Forrest («Chef» Hicks). Wilder combina ambas en El apartamento. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. Argumento Vietnam.UU. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. 1964). INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. una generación más tarde. que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. Francis Coppola. ciertamente. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. Cuando se produce el encuentro. versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). a su vez.

y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. sin embargo. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. George Barnes. tan típica suya. A. Porter. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados. Abadie y Marie Murray. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Eliot en La tierra baldía. INTÉRPRETES: G. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. horror y absurda belleza. produciendo un efecto verdaderamente turbador.. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. C. S. «Bronco Billy» Anderson. justo antes de que un tren llegue a la estación. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. Finalmente. 1903 DIRECTOR: Edwin S. pasando de 12 a 31 millones de dólares. B/N. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir. A continuación. entre otros.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico.M.UU.fue. Es Vietnam. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto.» Con esta ampulosa declaración. Tras unírseles otros cuatro forajidos. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. Martin Sheen. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). Éste. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. según lo utilizó T. Willard parte río abajo. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. Michael «Crónicas» Herr. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar. el horror». la película. irónicamente. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. asaltan el tren mientras éste se halla repostando.

FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. Nounez). lleva a bordo de su embarcación a Juliette. 1965). el capitán de la gabarra L'Atalante. Asalto y robo a un tren. y se emprende la persecución de los ladrones. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. L'Atalante Francia. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. el circo. Rápidamente. «Bronco Billy» Anderson. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. se forma una partida al mando del sheriff. Comentario A principios del siglo xx. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. Jean Daste (Jean). Maurice Gilíes (Jefe de negociado). el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender.hasta que. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. No obstante. de Edwin S. abandonó la realización de películas en 1916. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). B/N. vivo o muerto (TheBounty Killer. la joven campesina con la que acaba . Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. Atrapados cuando procedían al reparto del botín.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. En cuanto al principal actor. Durante la década siguiente. Argumento Jean. Entre tanto. Dita Parlo (Juliette). constituye un importante jalón en ese proceso. Porter. algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. conformando una especie de retablo. MÚSICA: Maurice Jaubert.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. por comparación. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. finalmente. Louis Lefebvre (Muchacho). 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. MONTAJE: Louis Chavance. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. DURACIÓN: 85 minutos. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara.

parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. alternando momentos de comedia con otros de tensión. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. decide soltar amarras y partir sin ella. Juliette se escapa a tierra. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. consigue localizar. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. Distanciados ahora el uno del otro. por un golpe de fortuna.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. arroja un flotador por la borda. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. uno de los grandes estudios franceses. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. Sus cortometrajes anteriores. Traba amistad con Pére Jules. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. le contrató para que realizara lo que. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. En la película El último tango en París (1972). Dos semanas más tarde. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. el viejo y gárrulo compañero de Jean. franceses y belgas. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. finalmente. y Jean. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. a la que. a primera vista. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. al hallarse momentáneamente separados. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. Al estrellarse contra el agua. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. . Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. Cuando Gaumont. Al llegar a Le Havre. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. fuera de sí. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película.

Los diez mandamientos (The Ten Commandments. resultaban igualmente espectaculares. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. 1956) o Ben-Hur (1959). En el momento presente. . pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. Sergio Leone. aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. W. Finalmente. 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. no tenía ninguna posibilidad de competir. la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). en 1923 y 1956). apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. 1956). unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. Por otra parte. 1968). la pequeña pantalla. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. 1954). La preponderancia de la figura de Cecil B. 1949). el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. en cualquier caso. 1965) y tantos otros más. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. como Robin de los bosques (Robin Hood. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. por lo general. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. De ese modo. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. una producción italiana. 1962). que protagonizó Richard Burton. se encuentran Sergei Eisenstein. por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). 1977) y Gandhi (1982). 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. El Rey de reyes (The King ofKings. 1966-1967). La respuesta del público fue tan entusiasta. Sería. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. De Mille. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. por ejemplo. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. la que indujo a D. o las primeras obras de Cecil B. caso de Guerra y paz (War and Peace. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. Sergei Bondarchuk. De Mille. pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. Cabiria (1914). cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. o Werner Herzog. Guerra y paz (Voina i mir. 1953). a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. se embarcó en empresas de gran envergadura. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). la enormidad de los costes. sin olvidar otras producciones que. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. no obstante. cultivó gran variedad de géneros. aunque no de carácter bíblico. Douglas Fairbanks. de algún episodio bíblico.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. MÜSICA: Maurice Jarre. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. Jaffe y Sherry Lansing). Ellen Foley (Hildy). una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. momento en que Beth acaba con ella de un disparo. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. Cada vez más desesperada. se estrella con su coche. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. titulado Diversión. En la pelea que se producirá a continuación. A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. solteras y liberadas sexualmente. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. un hombre felizmente casado. consigue ahogar a Alex.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. Michael Douglas y Anne Archer. a todas luces desproporcionada.UU. aparentemente. Más adelante. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. Adrián Lyne. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. como ocurre con una de las escenas culminantes. GUIÓN: James Dearden. DURACIÓN: 120 minutos. Stuart Pankin (Jimmy). Más adelante.. Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. Beth. En un principio. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. Berger. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. calcada de una escena similar en Las . PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. una virulenta proclama a favor de la monogamia. cuya realización fue confiada a otro compatriota. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. 1987 Adrián Lyne. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. ha mantenido con Alex Forrest.la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. Glenn Cióse (Alex Forrest). pero ésta vuelve a levantarse. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. presa de la angustia. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. Dan. Anne Archer (Beth Gallagher). 1986). éste es un film con más estilo que sustancia.

Recuerdo que pensé: "Es fantástico. Jean Hersholt (Marcus Schouler). Stroheim. desesperado. B/N. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. Frank Hull y Marguerite Faust. Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Kempinsky. una crónica de los bajos fondos de San Francisco. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. al representarla. Consigue atraparle una vez muerta"». Erich von Stroheim. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. Una vez que McTeague y Trina se casan. cada vez de forma más manifiesta. que. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. Jimmy Wang (Cocinero chino). Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. a la que terminará por abandonar. donde ambos morirán.UU. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. Zasu Pitts (Trina). la prima de éste.000 dólares en la lotería. pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. Marcus deja el camino libre a su amigo. esposados el uno al otro. Caballerosamente. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. MONTAJE: Erich von Stroheim. «Sin dolor» Potter). abandona la ciudad. McTeague. escrita por Frank Norris. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. McTeague. INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). además. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. es su prometida. se filmó un final distinto. de Frank Norris). bajo el sol abrasador del desierto. Gunther von Ritzau (Dr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim.. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. un joven minero. luego. 1955). 1921). y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. Gibson Gowland (McTeague). Marcus arruina a McTeague. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. se establece en . MÚSICA: Leo A. San Francisco. Con posterioridad. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. al desvelar que ejerce sin licencia y.

la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. MÚSICA: Giovanni Fusco. MONTAJE: Eraldo da Roma. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro).62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. B/N. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. por desgracia. pasó primero a siete y. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. Argumento Tras un mes de separación. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. un feroz alegato contra la avaricia humana. Sin embargo. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). GUIÓN: Michelangelo Antonioni. Renzo Ricci (Padre de Anna). La aventura L'AVVENTURA Italia. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). Mientras continúa la búsqueda. . James Addams (Corrado). hacen el amor. mientras termina la noche y comienza a amanecer. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. no conseguirán encontrar su cuerpo. parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. De un montaje inicial de nueve horas de duración. Lea Massari (Anna). FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. resulta inusitada. más tarde. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. DURACIÓN: 145 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. Anna y su prometido. Monica Vitti (Claudia). hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. pero. Más adelante. A pesar de todo ello. ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. el arquitecto Sandro. cuando. Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. Dominique Blanchar (Giulia). Esa misma noche. a cuatro. en compañía de Claudia.

1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. el Teniente John J. se enamorará de «En pie . MONTAJE: William Hoy. más que carecer de alegría. más adelante. tampoco tiene la más mínima importancia). era poco menos que obligatoria. Grant («Cabello al viento»). 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. en este caso. parece carecer de sentido. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). DURACIÓN: 180 minutos. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. finalmente. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. y evaluada. 1955 y Elgrito[Il grido]. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. Rodney A. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. Tras haber sido condecorado por su valor. la utilización de la cámara como un elemento distanciador. una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. MÚSICA: John Barry. que permanecen vigilantes ante su presencia. que. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. Un malestar social tan abrumador es. vive o muere y.. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). se establece en una granja abandonada. Stephen Potter y Chip Masamitsu. 1975). DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. la tribu trabará amistad con él. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. Dunbar). Argumento Año 1863. Una vez allí. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. por supuesto. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». Graham Greene («Pájaro peleón»). Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»).UU.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. en última instancia. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. Más adelante. 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE.

1964). reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». Brahim Haggiag (Ali La Pointe). B/N. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. por si fuera poco. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. Además de constituir. A su regreso a Fort Sedgwick. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. Michele Kerbash (Fathia). una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. Atrapado en su casa. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. Yacef Saadi (Saadi Kader). que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. en suma. Ali La Pointe. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). sino que recibió siete Osear. Fawzia El Kader (Haahmal).66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). 1965 Gillo Pontecorvo. su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. Costner. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. Argumento Octubre. hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. Tommas Neri (Capitán Dubois). Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. 1991). junto a Flecha rota (Broken Arrow. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). DURACIÓN: 135 minutos. Dotado de un buen ojo para el paisaje. entre ellos el concedido a la mejor película. un entusiasta del género. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. 1957. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. 1990) o Corazón trueno (Thunderheart.

no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el único superviviente será La Pointe. que desata una brutal ola de represión y torturas. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. El FLN convoca a una huelga general. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. sino que aumente aún más. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. la resistencia contra los franceses no cesa y. . por ejemplo. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. un camarada revela su paradero. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. Sin embargo. una película que contó con Marión Brando como protagonista. En 1954. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. sin embargo. Finalmente. A principios de 1957. y en el Octubre. habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. no sólo no disminuya. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. en 1962. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. Así. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. Sin embargo. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. Sometido a tortura. consiguiendo así que el impacto de la película.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. Argelia obtiene su independencia.

Entre tanto. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. el personaje interpretado por Jack Nicholson. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. se desdobla en la figura de Batman. Cari Grisson.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. No obstante. su director. según se dice. Tras tomar a Vicki como rehén. Napier sobrevive y. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. Billy Dee Williams (Harvey Dent). MONTAJE: Ray Lovejoy. lo cierto es que la película. Dadas las expectativas despertadas. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). caerá en una cuba de productos químicos. El éxito obtenido por Batman. Kim Basinger (Vicki Vale). la obtención de un Osear. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. DURACIÓN: 126 minutos. ignorando que éste posee una doble personalidad. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. camisetas alusivas. Con gran inteligencia. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). un ser deforme y trastornado. libros y un largo etcétera. un millonario que lleva una existencia recluida. El presupuesto declarado. canciones de Prince. Batman es. Robert Wuhl (Alexander Knox). MÚSICA: Danny Elfman. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. hizo que Hollywood . organiza el asesinato de Jack Napier que. convertido en «The Joker». Bruce Wayne. cuando sea raptada por «The Joker». Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. La película fue objeto de una comercialización.. 50 millones de dólares. Sin embargo. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia.UU. Antón Furst. o al menos parte de ella. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. el misterioso luchador contra el crimen. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). utilizando personajes creados por Bob Kane). tratará de vengarse de Grisson. Tim Burton. seguramente. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. El jefe del hampa. Argumento Gotham City. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. muñecos. Vicki comienza a desentrañar el misterio. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. Pat Hingle (Inspector Gordon). debido a la intervención de Batman. El actor. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. «The Joker» reta a Batman a un duelo. haciendo gala de una gran astucia. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. en última instancia.

Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. Rubottom. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. otras como Robin Hood. MONTAJE: Gene Ruggerio.UU. una combinación de ingenio. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». uno de los empleados. de Nikolaus Lazslo. 1997). DURACIÓN: 97 minutos. con la colaboración. James Stewart (Alfred Kralik).» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. se siente a disgusto con ella. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. de Ben Hecht).parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. finura y elegancia visual. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. Heymann. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. che en que se dispone a conocer a su amada. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. 1992). Alfred Kralik. Argumento Budapest. como para darle demasiada importancia. finalmente. MÚSICA: Werner R. El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. Sara Haden (Flora). ahora como jefe de tienda. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. para evitar caer en el precipicio del mal gusto. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. B/N.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. 1942). no recogida en los títulos de crédito. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. Kralik protesta y es despedido. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Frank Morgan (Hugo Matuschek). Félix Bressart (Pirovitch).. la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. FOTOGRAFÍA: William Daniels. La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch).72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. el verdadero adúltero es despedido. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia.

Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. mientras asiste a su crucifixión.UU. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Maxwell Anderson. Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). de Christopher Fry. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. que. N. Leonard haría una nueva versión de la película. . Ben-Hur EE. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. 1959 DIRECTOR: William Wyler. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. Martha Scott (Miriam). Technicolor. reconoce en él al hijo de un carpintero que. She Loves Me. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). S. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. Horning y Edward Carfagno. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. se compadeció de él. en consecuencia. Winters y John Dunning. Stephen Boyd (Messala). Argumento Jerusalén. MÚSICA: Miklos Rosza. La túnica sagrada (The Robe. un antiguo amigo de la infancia. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. una pareja que. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. Más adelante. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). Varios años más tarde. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Haya Harareet (Esther).74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. MONTAJE: Ralph E. DURACIÓN: 217 minutos. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. Antes de morir. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. éstas se han curado milagrosamente de su mal. Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. entre las que se cuentan.. el Cinemascope. Jack Hawkins (Quintus Arrius). en cierta ocasión. en particular. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. Robert Z. La fastuosa producción de la Fox. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. no recogida en los títulos de crédito. Behrman y Gore Vidal. del general Lew Wallace). en represalia. 1953). Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana.

Y todos vivieron felices y comieron perdices. DURACIÓN: 83 minutos. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. Richard Creedon. la convence para que se coma una manzana envenenada. un buen día. Lucile La Verne (La Reina). y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. Dick Richard. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. Harry Stockwell (Príncipe Encantador). INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). Rodada en Italia durante un período de diez meses. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). la Reina cae por un precipicio y perece. Gustaf Tenggren. Otto Englander. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova.. invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. Billy Gilbert (Alérgico). PRODUCCIÓN: Walt Disney. la Reina visita a Blancanieves y. McLaren Stewart. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. 1956). mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. recibe la visita del Príncipe Encantador. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. Earl Hurd. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. Paul Smith y Larry Morey. 1956). con engaños. aquélla ordenará su muerte. Leigh Harline. Kenneth Anderson. Argumento Criada por un reina perversa. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. Dorothy Ann Blank. Harold Miles. Hugh Hennesy. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. Sin embargo. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days.UU. Destaca en ella la dirección de William Wyler. 1937 Walt Disney. Tom Codrick. Perseguida por los enanitos. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. . En 1925. Disfrazada de vieja bruja. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. Incapaz de cumplir semejante orden. MÚSICA: Frank Churchill.y aunque. Kendall O'Connor y Hazel Sewell. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. en un primer momento. Moroni Olsen (Espejo mágico). hasta que. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. GUIÓN: Ted Sears. Terrel Stapp. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares.

MONTAJE: Dede Alien.500. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. MÚSICA: Charles Strouse. en . Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. Gene Hackman (Buck Barrow). Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood. Gene Wilder (Eugene Grizzard). durante las Navidades de 1937. W. el cazador y el Príncipe Encantador. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. poco a poco. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. Obra llena de innovaciones y. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). En compañía de C. Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. W.78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas».. Moss. del que le hizo entrega Shirley Temple. tanto de los personajes humanos de corte «realista». y su esposa. Faye Dunaway (Bonnie Parker).500. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow.UU. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. Estelle Parsons (Blanche). anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. entretenimiento mágico y musical de primer orden. J. sin embargo. utilizó 250. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. caso de Blancanieves. Moss). En 1934. que le promete un emocionante futuro. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. como de los enanitos. Denver Pyle (Frank Hamer). de Robert Towne. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. un mecánico. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. el hermano de Clyde. a la vez. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato.000 dólares. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. Argumento Aburrida de la vida provinciana. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. Bonnie Parker. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». Pollard (C. no recogidas en los títulos de crédito. una camarera. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. y. Sin embargo. la película había costado 1. con contribuciones. satisfacen las ansias de fama de Bonnie.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. DURACIÓN: 111 minutos. muy importantes. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. y de Buck.

llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. Buck muere y Blanche queda ciega. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. Comentario Una de las películas clave de su época.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. . antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. corrupto.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. más bien. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. y a la mejor fotografía. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Natalie Wood. con frecuencia. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. para Ellen Parson. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. En un claro. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. Carol Lynley.

éste no obtendría renombre internacional hasta que. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. sin embargo. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. . Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). No obstante. protagonizada por Bing Crosby... su repudio del sentimentalismo. En cuanto a la situación en el Reino Unido. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. Junto a Grant y Hepburn. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. Si Billy Wilder. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. el desvalido y acrobático vagabundo.82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. en parte similar. Bob Hope y Dorothy Lamour. Si bien otras parejas. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. la relación. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. en compañía de la propia Hepburn. terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. Hoy en día. y un largo etcétera. cuyo más famoso personaje. como Sopa de ganso (Duck's Soup.. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. 1988). iniciadas con Annie Hall (1977). y. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. fue el de Harold Lloyd.. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. de la extensa serie Carry on. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits.. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. ejercerían una gran influencia en el género. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo. Walter Matthau y Jack Lemmon. parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. llena de calidez y buen humor. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. más tarde. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. Judy Holliday. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. como la formada por Abbott y Costello. Doris Day y Rock Hudson. Durante muchos años. Tony Curtís. entre los personajes de series como TheRoad to. 1949). En cualquier caso. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. una vez concluida la guerra. por ejemplo. 1933) y Una noche en la Ópera (1935). Un caso.

De vuelta a su casa. Laura Jesson. ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). Alee Harvey). En este sentido. actor y celebridad.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. es abandonada por el Dr. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. Cyrill Raymond (Fred Jesson). resulta mucho menos premeditada. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). Williams y G. contempla la posibilidad de suicidarse. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. quedarían para ir juntos al cine y. guardia de la estación). 1945 DIRECTOR: David Lean. E. relativamente rara para una película británica. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo.84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. Como era de prever. de sus clases medias. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. de ser nominada por la Acade- . Stanley Holloway (Albert Godby. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. 1970).la película de David Lean. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. DURACIÓN: 85 minutos. Francke. tras un nuevo encuentro fortuito. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. típicamente británica y. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. y bastante más conmovedora. al parque. al campo y a un restaurante. Margaret Barton (Beryl Waters). FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. Consternada. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. Calthorp. Breve encuentro consiguió también la hazaña. StillLife). Trevor Howard (Dr. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. una mujer casada de clase media. Luego. Alee Harvey en la cafetería de la estación. GUIÓN: David Lean. acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. al encontrarse con unos viejos amigos. B/N. la visita de la pareja al cine. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. P. Joyce Carey (Myrtle Bagot). Breve encuentro. más en concreto. MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. más adelante.

que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. Phil Spector (Contacto). Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson. el rock. sólo en los Estados Unidos. Los dos motoristas siguen su camino. Argumento Bien provistos de fondos. Llegan a un pueblo. 1969 Dennis Hopper. Dennis Hoppery Terry Southern. Fiantes ofPassion (1990).. un abogado alcohólico. En 1974. GUIÓN: Peter Fonda. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje.y tienen un mal viaje de ácido. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. recogen a un par de chicas de un burdel. Deciden seguir por carretera hacia Florida. MONTAJE: Donn Cambren. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. donde su presencia no es bien recibida. DURACIÓN: 94 minutos. sin embargo. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. Jack Nicholson (George Hanson). Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre. regresa para matar también a Wyatt. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. la versión televisiva. que han obtenido mediante la venta de drogas. y Hanson mo- . una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. la postura antisistema. Más tarde serán atacados por el sheriff. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. era el principal componente del público que asistía al cine. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. Mac Mashourian (Guardaespaldas).y los de la mayoría.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. por otro lado. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. rirá apaleado. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). de Richard Kwietniowski.UU. MÜSICA: Varios.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. y no amor. parece estar inexorablemente predeterminado.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. sin embargo. dejando a la maestra sola con su culpa. una sobria historia de amor con tintes trágicos. al hacerlo. Mario Beccaria (Léon Hamel). la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. la maestra de la escuela. como desearía Popaul. Comentario Chabrol. Héléne descubre el cadáver de una joven y. y el carnicero Popaul. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. un ser dulce y atento. Roger Rudel (Inspector de policía). La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. junto a él. De entre el bullanguero gentío. y Popaul. Jean Yanne (Popaul Thomas). por lo menos. Ella le regala un mechero. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. decide mantenerlo oculto. GUIÓN: Claude Chabrol. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). como sucede. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. del posterior fu- . en el Périgord. Chabrol. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. MONTAJE: Jacques Gaillard. que rápidamente esconde. Popaul se suicida. pero. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. Antonio Passalia (Angelo). hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. o de haberle. por ejemplo. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. según la cual. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. completamente opuesta. Su verdadera culpa. William Guérault (Charles). MÚSICA: Pierre Jansen. más como víctima que como asesino. el enfrentamiento entre la maestra. tras el cual. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. De hecho. pero con un lado oculto atávico y brutal. el carnicero. un mechero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. la sofisticada pero distante Héléne. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. en esta ocasión. DURACIÓN: 94 minutos. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. En El carnicero. que. Pasquale Ferone (Padre Charpy). encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película.

en Escocia. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. las hazañas atléticas de Eric Liddell. . La película. los ganará en un tiempo récord. y ganadora de cuatro de ellos. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. que ganará Abrahams.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. por delante del norteamericano Scholz. The Foxes (1980). GUIÓN: Colin Welland. proferida con ferviente entusiasmo. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. un tema musical algo anacrónico. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. El expreso de medianoche (Midnight Express. Ian Holm (Sam Mussabinni). Aunque esta amenaza. En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. Nick Farrell (Aubrey Montague). Harold Abrahams. FOTOGRAFÍA: David Watkin. incluidos los de mejor película y mejor canción original. 1978). MONTAJE: Terry Rawlings. MÚSICA: Vangelis. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que.con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. Nominada para siete premios de la Academia.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». del que Liddell sale vencedor. llevado en volandas por su fe. un publicista reconvertido en cineasta). pero enormemente pegadizo. 1919. el hijo de un misionero. Finalmente. Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. Al negarse a correr en Sabbath. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. Nigel Havers (Andrew Lindsey). se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. a su vez. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. DURACIÓN: 123 minutos. Liddell correrá los 400 metros y. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. Daniel Gerroll (Henry Stallard). que vienen los británicos». representando al Reino Unido. Argumento Cambridge. Ian Charleson (Eric Liddell). no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. un ambicioso atleta. Entre tanto.

Paul Henreid (Victor Laszlo). en un principio. Peter Lorre (Ugarte). al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. Wallis). tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. lo cual le convierte en objeto de especial interés. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. DURACIÓN: 102 minutos. Ingrid Bergman (Usa). aunque fuera momentáneamente. lleno de oficio. Ésta había sido antes la amante . parecían indicar una situación de declive inexorable.UU. a América. los orígenes de la película no era muy prometedores. GUIÓN: Julius J. su esposa. no pare de crecer. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. Como se ve. la fe en la industria autóctona tras una década en la que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Casablanca EE. delicadamente siniestro. Claude Reins (Capitán Louis Renault). al conseguir restaurar. como los niveles de calidad artística. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. tanto las estadísticas de producción. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. de Rick. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. de Murray Burnett y Joan Alison). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). Conrad Veidt (Mayor Strasser). sin embargo. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. Hoy en día. desde allí. fue nominada para un Osear). Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. pero éste. nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. propiedad del cínico Richard Blaine. y Phillip G.. B/N. Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. cuya interpretación de un jefe de policía. dos visados de tránsito caen en sus manos. MÚSICA: Max Steiner. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. Inesperadamente. MONTAJE: Owen Marks. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick.

la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. Por otro lado. Sam». se despiden. Maciek.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. La película completó una trilogía informal. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. . pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. de emular a Bogart. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. etc. Ewa Kryzjewska (Krystyna). Argumento Polonia. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. DURACIÓN: 105 minutos. MONTAJE: Halina Nawrocka. lo que aviva aún más sus dudas. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. muchacho». Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. del régimen comunista de posguerra. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. recibe la orden de matar a Szczuka. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. Tras leer una inscripción en un cementerio. Adam Pawlikowski (Andrzej). que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. Andrzej Wajda. Jan Ciecierski (El portero). igualmente oscura. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. muy generalizada. Woody Alien rindió homenaje a la película. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). último día de la Segunda Guerra Mundial. 1972). B/N. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. y Cenizas y diamantes. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. en cierto modo. pasa la noche con Krystyna. el antihéroe desencantado. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. y a la aspiración. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. «Tócala otra vez.)> o la inolvidable As Time Goes By. Mientras espera en un hotel. una mujer que acaba de conocer. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. a su vez. Stanislaw Milski (Pieniazjek). el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). recibe el disparo de un oficial borracho. Bogumil Kobiela (Drewnowski).

de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. Sin embargo. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . y. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. cuando por fin encuentran a Lucy. VistaVision. PRODUCCIÓN: C. V. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. DURACIÓN: 119 minutos. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). FOTOGRAFÍA: Winton C. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. Cooper y C. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. Vera Miles (Laurie Jorgensen). convencido de que se ha convertido en una salvaje más. Hoch. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. Ward Bond (Capellán castrense. V. Cuando el combate concluye. Nugent (basado en una novela de Alan Le May). se encuentra muy próximo al estado salvaje. la mate. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. a su vez. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. que. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. Samuel Johnson Clayton). Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. gers cuando los comanches asalten el rancho. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. MÚSICA: Max Steiner.UU. Natalie Wood (Debbie Edwards). En el camino. GUIÓN: Frank S. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. la chica tiene que enfrentarse a Edward. Whitney (Merian C.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. tras asesinar a todos los adultos. MONTAJE: Jack Murray. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. finalmente. 1956 DIRECTOR: John Ford. pero que. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. John Qualen (Lars Jorgensen). Whitney). hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. Technicolor..

sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. por otro. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). con toda la vida salvaje). No obstante. Pupella Maggio (María). Alfredo. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). por un lado. en el operador del cine. el legado de Alfredo. que también trata del pasado del cine. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. espacial y psicológica. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. 1977). DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. MÚSICA: Ennio Morricone. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película.106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. él mismo se convirtió en sus ojos y. Su regreso está teñido de tristeza. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. Salvatore Cascio (Salvatore niño). . el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. Argumento El fallecimiento de su mentor. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). MONTAJE: Mario Morra. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. se enamorará de una chica. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. sólo que. por extensión. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. Si. sus implicaciones van más allá y lo convierten. Agnese Nano (Elena). FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. en este caso. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. finalmente. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. Salvatore rodará un documental. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. además. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. Gracias a Alfredo. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. Durante su adolescencia. que era el proyeccionista de la sala.

Darrell Silvera y Hilyard Brown. Mankiewicz y Orson Welles. ultramodernas e impersonales salas multicines. de los niños revoltosos. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Kane morirá en la más absoluta soledad. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». más que de lamento. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. Dorothy Comingore (Susan Alexander). MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. interrogando a sus antiguos amigos y empleados. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa.. B/N. (Orson Welles).108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. . Everett Sloane (Mr. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». Más tarde. DURACIÓN: 119 minutos. Gettys). MÚSICA: Bernard Herrmann. Joseph Cotten (Jedediah Leland). antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. la mansión del magnate. Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. Agnes Moorehead (Madre de Kane). fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. Bernstein). Se divorcia y se casa con Susan. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin.K. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. Un periodista tratará de descubrir su significado. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. George Colouris (Walter Parks Thatcher). Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. GUION: Hermán J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Mientras el periodista deja Xanadú.UU. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo.O. Ray Collins (James W. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana.

por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo.110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. MONTAJE: Arthur Schmidt. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. corteja a Susan. productor. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). Desechando la puesta en escena convencional. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. y apostando. Durante sus dos primeros años en los estudios. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). se sentirá atraído por «Daphne». una película de 1933. Argumento Año 1929.. Sin embargo. La película. haciéndose pasar por un rico playboy. Joe E. la cantante de la banda. En Miami Beach. granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. por ejemplo. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». ante todo. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. USA». dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. el gran magnate William Randolph Hearst. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. George Raft (Spats Columbo). tanto en los escenarios como en la radio. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. Thoeren y M. Antiguo niño prodigio. 1959 Billy Wilder e I. B/N. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. Brown (Osgood Fielding III). y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. Tony Curtís (Joe/Josephine). GUIÓN: EE. Logan). Pat O'Brien (Mulligan). Joe. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. Entretanto. en 1939. Joe y Jerry. Si su admirada estructura. está basada en un personaje real. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. DURACIÓN: 120 minutos. que ansia conocer el verdadero amor. perdido en el inmenso vacío de su mansión). basada en la superposición de los relatos de varios testigos. le había valido grandes elogios. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne».K. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). Orson Welles fue contratado por la R. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. Ciudadano Kane fue. en su lugar. Joan Shawlee (Sweet Sue). Osgood Fielding III. MÚSICA: Adolph Deutsch. planos cortos y primeros planos.O. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. A. según la cual. Diamond (inspirado en un relato de R. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz.UU. La celebración de una . un millonario que colecciona matrimonios.

lo que se ve en la pantalla es pura magia. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. Más adelante. entre ellos los de mejor director y mejor actor. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. Argumento Wiltshire. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. el terror del hampa (Scarface. Herbert). Anne Louise Lambert (Mrs. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. su guionista y director. El papel de su compañero. Talmann). Dave Hill (Mr. 1932). un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. Irma la dulce (Irma La Douce.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. Billy Wilder. Sin embargo. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. y garantía segura de diversión. razones de índole comercial. No obstante. . Joe. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. MONTAJE: John Wilson. una dama de la aristocracia. para Jack Lemmon. Talmann). el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. Herbert. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. Noyles). una agilísima modulación rítmica. 1694. DURACIÓN: 108 minutos. disminuyeron las presiones. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. GUIÓN: Peter Greenaway. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud.1972). Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). MÜSICA: Michael Nyman.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. Seymour). cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. Sin embargo. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad. Sin embargo. Herbert). Con todo. Hugh Fraser (Mr. Neville). le fue asignado a Tony Curtis. El pintor Neville es contratado por Mrs. Janet Suzman (Mrs. Inglaterra. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. David Gant (Mr. Neil Cunningham (Mr.

A fecha de hoy. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. Como condición para realizar el trabajo. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). Finalmente. a partir de ese momento. DURACIÓN: 113 minutos. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. Según la propia descripción de su director. Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. la iconografía y la música de Michael Nyman. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. Alien Garfield (Bernie Moran). Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. La familia le echa las culpas a Neville. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). que. Cindy Williams (Ann). es cegado y dado muerte. la película es un intrincado juego conceptista. Con todo. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. la hija de los Herbert. se descubre el cadáver de Mr. Neville coquetea también con Mrs. Harrison Ford (Martin Stett). por lo general. MÚSICA: David Shire.UU. algo a lo que ella consiente. la película. Neville exige que Mrs. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia.. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. . la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. el cual. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. John Cázale (Stan). Frederic Forrest (Mark). aunque sea de forma paródica. se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. entendida como ejercicio cinematográfico. MONTAJE: Richard Chew. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. Derek Jarman o Ken McMullen. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. Talmann. al regresar para realizar un postrer dibujo. como. suele desconocer la obra de otros realizadores. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. mucho más fragmentarias y viscerales. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. Talmann. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. Herbert en el foso. infrecuentes en una cinematografía como la británica. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. que. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. 1974 Francis Ford Coppola. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. GUIÓN: Francis Ford Coppola. por ejemplo.

la película también permite que Hackman. en algún momento. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. la redención y la alienación contemporánea. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. . En las oficinas de la empresa. el director de la misma. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. constituye. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. una de las películas más gratificantes de su director. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. la culpa personal. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. Por otro lado. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. La conversación. No obstante. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). hasta entonces. sin embargo. en el transcurso de tan sólo dos horas. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. Aunque su trabajo ya ha concluido. que. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta.

su última película juntos. en sentido estricto. de actores no profesionales. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. más tardíamente. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. en el movimiento del Free Cinema británico. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. dirigido asimismo por Rossellini. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). siempre que ello fuera factible. ciudad abierta (1945). cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». un film compuesto de varios episodios. Sábado noche. . El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. A pesar de todo ello. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. Cain. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. el neorrealismo fue. En los Estados Unidos. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. un acontecimiento que. y Umberto D (1952). en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. 1978). que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. 1963). la fantasía alegórica. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. 1989). domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. que se plantea la posibilidad de suicidarse. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. caso de La regla deljuego (1939). en general. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». Ladrón de bicicletas (1948).e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street.118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. de hecho. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. En estas últimas. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia.1947) y. La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. 1946). Milagro en Milán (Miracolo a Milano. de los pobres y. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. 1950). inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera.

En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. En cuanto al papel de la actriz principal. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. Charles Brackett y D. Fred Clark (Sheldrake). INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). aunque afortunadamente no su temperamento. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. eran similares a las suyas. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. 1950 Billy Wilder. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. precisamente. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. Marshman júnior. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. Gillis continúa viendo a Betty. Gloria Swanson (Norma Desmond). exmarido y actual sirviente. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. Norma visita a Cedí B. Mientras se la llevan arrestada. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace.UU. MÚSICA: Franz Waxman. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. le matará de un disparo. Sin embargo. Argumento El guionista Joe Gillis.. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. el escritorzuelo necesitado de recursos. que le anima a que siga con su propio trabajo. Seitz. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. está salpicado de humor negro.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. revelará que es un mantenido. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. decidirá permanecer al lado de Norma. De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. B/N. pero Norma. Max. Nancy Olson (Betty Schaefer). Pola Negri. en el papel de su antiguo mentor. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. fue un gran acierto. Su guión. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. Mary Pickford. GUIÓN: Billy Wilder. DURACIÓN: 110 minutos. e incluso Mae West. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. entre ellas. a pesar de lo cual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . M. una lectora de guiones. Cuando Gillis trate de abandonarla. FOTOGRAFÍA: John F. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. La elección de Swanson. Lloyd Gough (Morino). celosa. así como la de Erich von Stroheim.

La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). podrá contar con ayuda. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. Anna Q. Años más tarde. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. Por otro lado. acaudalado Wilbur Minafer. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . el indolente hijo de Isabel. Ray Collins (Jack Amberson). Agnes Moorehead (Fanny Amberson). Tim Holt (George Amberson Minafer). la película tan sólo obtuvo tres de ellos. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. mejor dirección artística y mejor banda sonora. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor.K. Nominada para once Osear de la Academia. publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. el de mejor guión.O. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. que se casa con el . B. MÚSICA: Bernard Herrmann. Warner. B/N. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto.. Sin embargo. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. tanto a nivel individual como en conjunto. Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. en el futuro. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. C. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. DURACIÓN: 88 minutos. MONTAJE: Robert Wise. Jack Moss y Mark Robson. sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. una novela de Booth Tarkington. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. se descubre que las arcas de la familia están vacías. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. con W. 1942 DIRECTOR: Orson Welles. (Orson Welles). todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. Nilsson y H. Isabel sufre un ataque al corazón.UU. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). que se la llevará a Europa. Tras un accidente en el que está a punto de morir. Anne Baxter (Lucy Morgan).122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. llegaran a su fin. Fields como protagonista.

». se dedica a la prostitución en un burdel. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. se produjo un cambio en la dirección de la R. donde.000 dólares frente a una inversión de 1. La película. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. es violada por unos soldados y. Masayuki Mori (Genjuro).124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. MONTAJE: Mitsuji Miyata. primero con un metraje de 148 minutos y.O.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. Argumento Japón. esposa de Genjuro). finalmente. con tan mala suerte que. entre tanto. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost.K. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista. Por su parte. en su papel de narrador omnisciente. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. Mitsuki Mito Ohama. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. En cuanto a Tobei. un fantasma. durante su ausencia. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. esposa de Tobei). MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). DURACIÓN: 96 minutos. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. Tras haber dejado montada una versión completa. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). El eslogan de la nueva dirección. constituía toda una declaración de principios. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. Su mujer. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. finalmente. en el siglo xvi. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. sin embargo.000. Welles. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos.K. a raíz de ello. A pesar de ello. de 131. Tras asistir a un pase previo de la película. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. incluido el de mejor película. la encontrará su marido.O. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. Kinuyo Tanaka (Miyagi.250. .que le encierra en una tierra encantada. Sakae Ozawa (Tobei). 500. B/N.

en lugar de constituir dos entidades divergentes. MÜSICA: Jean-Claude Petit. el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). guiado ahora por el fantasma de su esposa. se le muestra un mundo distinto. Philippe MorierGenoud (Le Bret). Jacques Weber (Conde De Guiche). Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. Roland Bertin (Ragueneau). pero.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . Ésta. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. Pronto la pareja se casará y. Christian es herido de muerte. DURACIÓN: 138 minutos. una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. A su vuelta. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. por lo general sigue considerándose una obra maestra. 1640. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. Cyrano de Bergerac Francia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. A ojos de un occidental. y lo mismo. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. MONTAJE: Noelle Boisson. La belleza casi pictórica de sus imágenes. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. Al principio. Anne Brochet (Roxane). como si las dos realidades. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. el espadachín y poeta. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. A lo largo de la película. Argumento París. aunque de distinta manera. le ocurre a su cuñado Tobei. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. ignorando los sentimientos de Cyrano. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional.

Hunsecker. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. Susan Harrison (Susan Hunsecker). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. no deja de ser bastante convencional. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). MONTAJE: Alan Crosland júnior. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. Tony Curtís (Sidney Falco). que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». Depardieu era. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . Argumento Sidney Falco. J. y Steve Dallas. Barbara Nichols (Rita). Hunsecker). la única opción posible para interpretar a Cyrano. Marty Milner (Steve Dallas ). Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo.que engloba la personalidad de Cyrano. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. tras lo cual se retira a un convento. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess.. MÚSICA: Elmer Bernstein. cuyo estilo. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. la adorada hermana de Hunsecker. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. soldado y personaje trágico. DURACIÓN: 96 minutos. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. en su versión inglesa. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. un músico de poca monta. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. Posteriormente. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. B/N. un agente de prensa sin principios. Años más tarde. Sam Levene (Frank D'Angelo). por otro lado. En colaboración con Jean- Claude Carriére. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. humorista. J. sin duda. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. Jean-Paul Rappeneau. sino también a la destreza con que su director y coguionista. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. J.UU. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. El éxito de esta película. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J.

gracias a esta película. Por su parte. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. Stewart Campbel. lo cierto es que. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. J. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. Será a Falco a quién J. y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. mientras que las cuestiones que plantea. J. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. se las arregla para que J.. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. Como recompensa. DURACIÓN: 131 minutos. Con posterioridad. haga arrestar ahora por un cargo de drogas. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. son más actuales hoy en día. 1951). desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. Ida Sessions. J. en represalia. se le promete que podrá escribir la columna de J. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). J. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. Argumento Los Ángeles. cuando éste se encuentre de vacaciones. ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. MONTAJE: Sam O'Steen. 1955) y Trapecio (Trapeze. que cuando fue realizada. John Huston (Noah Cross). Sin embargo. 1967). Gittes para que . Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. 1956). Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. FOTOGRAFÍA: John A. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. MÚSICA: Jerry Goldsmith. Alonzo. Susie. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. J.UU. seguramente. Perry López (Escobar). 1959). John Hillerman (Yelburton). 1937. contrata al detective J. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. Gittes). Chinatown EE. GUIÓN: Robert Towne.

creando los personajes del cínico. Katherine. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. la hija y la hermana de Evelyn. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. J. aunque caballeroso detective. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. El guionista y antiguo policía. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. por entonces la mujer de Evans. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. La película. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla.y el de la compleja Evelyn Mulwray. de Faye Dunaway. el vicepresidente de la Paramount. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. Robert Towne. especialmente. concedido al siga a su marido. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. concebido en un principio para Ali McGraw. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. tuvo que conformarse con un solitario premio. son atrapados en Chinatown. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. donde Evelyn muere. . que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. J. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. mientras que Katherine resulta ser. aparecen en un periodicucho sensacionalista. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. a un tiempo. al haber sido ésta violada por Cross. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido.

con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. B/N. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. A consecuencia de ello. Prewitt se enamora de Lorene. y no Fred Zinnemann. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. MÜSICA: George Duning. basado en una novela de James Jones). PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). como Aldo Ray o John Derek. DURACIÓN: 118 minutos. pide su readmisión en el ejército. Tras muchas demoras y problemas. una prostituta. Lee Prewitt).. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. Honolulú. Deborah Kerr (Karen Holmes). cuartel de Schofield. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». Frank Sinatra (Angelo Maggio). hasta entonces prohibidas-. Two Jakes (1990). todos sus compañeros. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. ambientada en 1959. partiendo de un reparto plagado de estrellas. MONTAJE: William Lyon. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. La muerte de Maggio. Warden. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. un recién llegado al cuartel. la desengañada esposa del comandante. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. Montgomery Clift (Cabo Robert E. Embarcadas en el mismo barco. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). en cuya tercera parte. Prewitt. Por su parte. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . Argumento Año 1941.UU. le hacen el vacío. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. con Karen Holmes. a pesar de los años. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. De aquí a la eternidad es una obra que. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. el jefe de la Columbia. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. envueltos por las olas. Donna Reed (Lorene).134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. el Sargento de la prisión militar.

Ella se reconoce culpable y le declara su amor. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. En 1979. en realidad. a la que siguió una serie. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. Bert Allenberg: «Habráse visto. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. Con respecto al principal papel femenino. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock).000 dólares. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. asustada por la súbita aparición de una monja. En cuanto al personaje de Maggio. un antiguo amigo. unidos a su aceptación de unos miserables 8. 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. pero mientras visitan juntos una vieja misión. Nominada para trece Osear. MÚSICA: Bernard Herrmann. Gavin Elster. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). MONTAJE: George Tomasini.. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). cae al vacío y muere.500. Cuando «Scottie» lo averigua.000 dólares como remuneración. le contrata para que siga a su mujer. «Scottie» se enamora de ella. conoce a Judy Barton. tirándola desde lo alto del campanario. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. con la impresionante cifra de 12. aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. Tom Helmore (Gavin Elster). De entre los muertos VÉRTIGO EE. pero. y. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. Barbara Bel Geddes (Midge). Henry Jones (Juez de instrucción). DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. a la que él mismo había matado. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). hicieron que finalmente se le concediera el papel. Raymond Bailey (El doctor). Argumento Al descubrir que padece acrofobia. Madeleine. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes.UU. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. por detrás de La túnica sagrada. Judy. . «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. DURACIÓN: 128 minutos.

Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). con el título de Fascinación (Obsession. Winters. GUIÓN: EE. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. Jack Marín Smith. por lo tanto. DURACIÓN: 98 minutos. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. y se pone a seguirla. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). una estudiante de antropología. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. está incurriendo en necrofilia». aunque no se reconociera así. cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas.. Willis y Jack D. que se une a la búsqueda. mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. Gabey localiza a su chica. Jules Munshin (Ozzie). es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. su peinado. La película. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características.m. 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. Cada uno sigue su camino por separado. una taxista. . lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. Gabey entrevé a la chica de un póster. Sin embargo. también. 6 a. Argumento Brooklyn. y que. Edwin B. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. Frank Sinatra (Chip). etc. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). sin embargo. Chip conoce a Brunhilde.1973).138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. Vera-Ellen (Ivy Smith). «Miss Torniquetes». FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. MONTAJE: Ralph E. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. Los marineros Gabey. Ann Miller (Claire Huddesen). El director. ocurre. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. Un éxito fruto del trabajo en equipo. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma.UU. en referencia al papel que interpreta Stewart. Moore.

Donald Meek (Samuel Peacock). Por otro lado. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. 1939 DIRECTOR: John Ford. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. Thomas Mitchell (Dr. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. B/N. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. de Ernest Haycox). además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. Josiah Boone). Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. menos aún. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. un fugitivo de la justicia que busca a los .UU. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. donde filmaron el número del principio y el final de la película. mientras la policía les va pisando los talones. Con todo. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. La película. La diligencia STAGECOACH EE. Franke Harling. Finalmente. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. W. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. John Leipold. John Carradine (Hatfield). que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. Claire Trevor (Dallas). sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. una bailarina de ballet. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. su música y sus bailes.. Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. DURACIÓN: 97 minutos. MÚSICA: Richard Hagerman.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. MONTAJE: Otho Lovering. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. Mientras se despiden en el muelle. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. abrió nuevos caminos en diversas áreas. que. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». Andy Devine (Buck). sale huyendo. La pandilla la sigue en un taxi robado. en vez de detener el desarrollo de la trama. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas.

y por Dallas.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. prosiguen su viaje. la Señora Mallory. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. una elección que le produjo numerosos contratiempos. Finalmente. que se encuentra en trance de dar a luz. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. acusado de desfalco. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. como puede apreciarse. De hecho. .000 dólares a los que ascendería el presupuesto. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. ante todo. a la que ha conquistado con su caballerosidad. gracias al respaldo de Walter Wanger. en la vibrante secuencia de la persecución. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. como el racismo y los valores morales de la sociedad. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. el banquero Gatewood es arrestado. un productor independiente. una prostituta. Una vez en Lordsburg. uno de los estrenos del año 1939 que. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. un jugador de nombre Hatfield.Ringo Kid dará muestras de su valor. David O. una de las pasajeras. un doctor aficionado a la bebida. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. junto a Tierra de audaces (Jesse James). No obstante. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. y toca una serie de aspectos. es atendida por Boone. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. durante el cual.

1979) y Ayer. . la Liza Minelli de esta última película y de New York. 1952) y Melodías de Broadway (1953). 1974). unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. Ira Gershwin y Colé Porter. por su condición de primera película hablada. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). 1947). en los primeros momentos del cine sonoro. hoy y por siempre (For the Boys. 1977) y Grease( 1978). desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. hasta Alice Faye y Bing Crosby. no es de extrañar que. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. Aunque esta moda fue pasajera.144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. o que. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. mientras que fueron. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. precisamente. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. 1944) y El pirata (The Pírate. Bette Midler con La rosa (The Rose. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. 1936). el canto y la danza. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. a cual más descerebrada. Excepción hecha de unas cuantas películas. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. Inexplicablemente. Los años treinta produjeron. muchos y muy variados talentos. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). 1929). ya a finales de la década. con sus populares operetas. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. no obstante. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. 1991). caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. 1968) y Cabaret (1972). Sin embargo. esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. Deanna Durbin y. de nuevo Gene Kelly.

INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. MÚSICA: Kenyon Hopkins. la película siga transmitiendo esa sensación. Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. en su doble vertiente de actor y productor. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. Ed Begley (Jurado n° 10). lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta. Con Doce hombres sin piedad. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. como director. desde hace mucho tiempo. B/N.° 3). y Sidney Lumet.UU.146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE.° 8). por lo tanto. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. nada frecuente. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J. un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. Dado que abriga algunas dudas. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. como se aprecia en el hecho. Adaptado por Reginald Rose. Marshall (Jurado n. MONTAJE: Cari Lerner. Lee J. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. pasados más de cuarenta años. se debe a que sus actores dieron. Cobb (Jurado n. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. El veredicto unánime será de no culpable. El hecho de que. efectivamente.. Martin Balsam (Jurado n. accesible a cualquiera.° 1). o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. Jack Warden (Jurado n. Henry Fonda. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. Poco a poco irá minando su seguridad. partiendo de su propia obra televisiva de 1954.° 7). de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes.adquiriera dinamismo y fluidez. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. E. G. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet.° 4). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. DURACIÓN: 96 minutos. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- .

Ennio Flaiano. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. Anouk Aimée (Maddalena). PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. incomprensible desde una perspectiva actual. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. Marcello Rubini. una especie de relato de las andanzas de un vividor. MÚSICA: Niño Rota. conviene no olvidar. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. 1960 Federico Fellini. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). Marshall. La película. del sexo. Alain Curry (Steiner). La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. Durante una noche loca. Argumento Roma. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro.han pasado a formar parte del lenguaje común. B/N. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. G. Anita Ekberg (Sylvia Rank). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. matando a la vez a sus hijos. GUIÓN: Federico Fellini.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. Yvonne Fumeaux (Emma). entre ellas la de mejor película. Comentario La dolce vita Italia/Francia. Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. mientras va de fiesta en fiesta. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. sin embargo. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). supuestamente explícito. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. la sensa- El escándalo. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. MONTAJE: Leo Cattozo. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. el gacetillero que interpreta Mastroianni. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda.

Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. no deja de ser irónico que. una odisea del espacio. una circunstancia que. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. simulará un fallo mecánico. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. se descubre enterrado en la luna un monolito. Gary Lockwood (Frank Poole). confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. William Sylvester (Dr. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». ni más ni menos. tres compañeros. idéntico al anterior. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. ese magistral espectáculo que es Fellini. DURACIÓN: 141 minutos. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. sin embargo. un ordenador infalible. Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. Heywood Floyd). y HAL. Al acercarse a un monolito negro. ocho y medio (1963). Johann Strauss. GUIÓN: Comentario Reino Unido. y se envía una nave para investigarlo. ciendo el miedo que les produce. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. MÚSICA: Richard Strauss. el observador de la luna). La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. 2001.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. que. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. Bowman continuará el viaje en solitario. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. una película cuya temática aborda. según definición de su propio director. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. Ya en el presente. a medida que van ven- . Leonard Rossiter (Smyslov). se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. mantenidos en un estado de hibernación. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. MONTAJE: Ray Lovejoy. Daniel Richter (Moonwatcher. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. que. que emite señales hacia Júpiter.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada.o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón. en última instancia. MÚSICA: James Bernard. Van Helsing. Michael Gough (Arthur Holmwood). uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. mucho más que en los propios personajes. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. improvisado con unos candelabros. DURACIÓN: 82 minutos. aunque inevitablemente decepcionante. sin embargo. John van Eyssen (Jonathan Harker). se estrenaría su continuación. eso sí. Sin embargo. más adelante. la bella prometida de Harker. encuentra una referencia al Conde. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. que fue dirigida por Peter Hyams. Drácula Reino Unido. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. . Melissa Stribling (Mina Holmwood). Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. Odisea Dos (2010). abre de golpe las cortinas. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. un experto vampirólogo. Christopher Lee (Conde Drácula). 1958 Terence Fisher. de forma magistral. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. En 1984. una película inteligente y bastante accesible. Carol Marsh (Lucy Holmwood). caerá víctima del Conde. partiendo de un presupuesto que. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. Justo antes de sucumbir a su voluntad. que vieron en ella «un viaje alucinante». MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. y comienza a estrechar su cerco sobre él. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. según se dijo. Nominada para cuatro premios de la Academia. 2010. había alcanzado los 11 millones. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. la esposa del hermano de Lucy. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. Entretanto. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. En este sentido. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds).

en la que no se permite que nada altere la compostura social. Su gran éxito. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. unos obispos se hacen con el control de una isla. Tall. Wagner. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. A continuación. 1956). INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). Caridad de Laberdesque. la chica. con toda lógica. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. En su autobiografía. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. 1973). le chupará un dedo del pie a una estatua. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. DURACIÓN: 60 minutos. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. muy característico. José Antigás. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. Sin embargo. Debussy. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). Lya Lys (La mujer). Dark and Gruesome. algo que. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. En un castillo medieval. tan sólo se había mostrado de forma velada. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. Max Ernst. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. entre tanto.serie de secuelas que la siguieron.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. Beethoven.000 libras esterlinas. MÚSICA: MO- zart. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. en particular. el intrépido Van Helsing. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. Pierre Prevert. de Bela Lugosi. Mendelssohn. . ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. B/N. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. hasta el momento.

En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. sobre todo. la película se retiró de las pantallas parisinas y. 1928) -conocido. El resultado. MONTAJE: Michael Kahn. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo.UU. Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. MÚSICA: John Williams. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). Un perro andaluz (Un chien andalou. que aparecen en la película. DURACIÓN: 115 minutos. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. sembrando así la semilla de su propia destrucción. métodos y yuxtaposiciones. volverá a aparecer. Ronald Lacey (Toht). Paul Freeman (Belloq). acompañado ahora de una jovencita. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). entre los que se encuentra el Duc de Blangis. donde ésta será secuestrada por Belloq. Argumento Año 1936. Una semana más tarde. Los temas. no volvió a estrenarse en Francia. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. al cabo de un rato. Marión. y que. típicamente surrealistas. Karen Alien (Marión Ravenswood).. Denholm Elliott (Brody). John Rhys-Davies (Sallan). su enemigo mortal y aliado de . por su escena inicial. El arqueólogo Indiana Jones. hasta destruir prácticamente el local. el no menos excéntrico Salvador Dalí.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. en la casa de Dalí en España. posteriormente. parte en dirección a El Cairo. hasta 1979. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). un personaje que evoca a la figura de Cristo.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. Acto seguido se oye un grito aterrador.

1989). Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. al no hallarse éste disponible. Rock. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. Libres al fin. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. el Han Solo de Lucas. Harrison Ford. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. y el Arca vuelve a quedar sellada. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. en este caso. durante unas vacaciones en Hawai. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. le pisó el papel y lo hizo suyo. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. aunque respaldado. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. Pronto. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. Tras escapar. Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). Con el personaje de Indiana Jones. . y el director se entusiasmó con la idea. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. sin embargo. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. En cualquier caso. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. 1984). ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. aparecen los nazis. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. Blackhawk y Sgt. 1985).

El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. 1968). Sería. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. en Solo ante el peligro (1952). Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. no obstante. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. un cineasta italiano. 1946). No obstante. aunque con cierto retraso. una vez más. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). 1924). una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. y La diligencia que. así. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. Sergio Leone. como Tom Mix y William S. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. 1962) de John Ford. 1950). Clint Eastwood. en 1939. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. Sin embargo. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. . quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. 1988). 1930). son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». Género inmensamente maleable. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. y si bien es cierto que. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. a lo largo de toda la época del cine mudo. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. 1976). Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. Soldado azul (Soldier Blue. conferiría a John Wayne el rango de estrella. el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. Hart. 1949). 1973). los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. que dirigió el propio Clint Eastwood. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse.

con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. posteriormente. MÚSICA: John Williams. Dennis Muren y Richard Yuricich. Titulada en un principio. entre ellos el propio Barry. MONTAJE: Michael Kahn. un técnico de mantenimiento. y Barry es abducido. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. Laszlo Kovacs. que también han tenido encuentros similares. GUIÓN: Steven Spielberg. decidió encargarse él mismo de escribirla. Neary. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. y muchos otros. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. en Wyoming. tras el éxito cosechado por Tiburón. tras responder a los mensajes de paz. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. Allí aparece una gigantesca nave que. Don Jarel. la elección definitiva recaería en un actor más joven. pero. Melinda Dillon (Jillian Guiler). Roy Neary. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. Guiler. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. Robert Hall. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. Entre tanto. cuando llegue el momento. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. ya en 1970. Alonzo. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. desarrollará de forma aún más elaborada en E. que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. Teri Garr (Ronnie Neary). el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. finalmente. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. William A. Douglas Slocombe. (1982). abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). había escrito un relato breve titulado «Experiences». se encaminan a la Torre del Diablo.162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. les permitirá comunicarse con los alienígenas. Fraker. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. Richard Dreyfuss. Dave Stewart. un planteamiento que. Watch the Skies. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante.UU. Por fin. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. DURACIÓN: 135 minutos. Francois Truffaut (Claude Lacombe). Desde su más tierna infancia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. teniendo en cuenta que la película recaudó .. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). Por su parte.T. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). Cary Guffey (Barry Guiler). En un primer momento.

que se ha visto involucrada sin querer en un robo. Un día la lleva al Grand Reíais. que lleva puesto su traje de Pierrot. Los dos amantes pasan su última noche juntos.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. al que retará a un duelo. finalmente. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. Les enfants du paradis. 1939). Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. 1938) y Amanece (Lejourse leve. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. un amigo de Baptiste. Garance se ha convertido en la amante del Conde. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. B/N. 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. Spielberg sacó una nueva versión de la película. perseguida por Baptiste. INTÉRPRETES: Arletty (Garance). pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. ha apuñalado de muerte al Conde. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). Natalie ruega a Garance que les deje en paz. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. del que se enamora. Les visiteurs du soir (1942). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. a pesar de que la película fue . Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). GUIÓN: Jacques Prévert. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). En 1980. ignorando que Lacenaire. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. Años más tarde. un rufián de los bajos fondos. Marcel Herrand (Lacenaire). Comentario Les enfants duparadis Francia. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. en otras palabras. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. María Casares (Natalie). Pierre Renoir (Jericho). Garance. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. El muelle de las brumas (Quai des brumes. donde conoce a Lemaitre. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval.

donde se narra la historia de Enrique V. interpretada por el propio Laurence Olivier. La magistral obra de Carné. DURA- CIÓN: 137 minutos. Finalmente. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. obtiene una resonante victoria. con unas pinceladas extremadamente precisas. finalmente cumplida. basado en la obra de William Shakespeare. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. y el drama regresa al Teatro del Globo. entre ellas. Robert Newton (El viejo Pistol). sin sufrir un número de bajas importante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. en el papel de Garance. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. El 30 de octubre. a la vez que traza. 1935). las dos familias reales se unen. donde obtiene numerosas victorias. En realidad. una mujer tan terca como independiente. Renee Asherson (La princesa Catherine).000 hombres asedia el norte de Francia. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). en Azincourt. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. se convertiría en un auténtico hito. pero. MONTAJE: Reginald Beck. Arletty. las más sutiles emociones. y Como gustéis (As You Like It. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. Con un ejército de 30. escenarios al aire libre y combates. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. MÚSICA: William Walton. La interpretación de la actriz principal. . de que ésta se estrenaría después de la liberación. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. Se firma un tratado de paz en Rouen. 1936). que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. Leslie Banks (Coro). Esmond Knight (Fluellen). 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. dramatismo.000 hombres. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. al frente de unas tropas exhaustas.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. No obstante. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). Leo Genn (lefe de las tropas francesas). inmediatamente. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. Comentario A la altura del año 1940. sería el Enrique Vde este último la obra que.

Cuasimodo. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. Condenada a morir en la horca. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. Selznick. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). DURACIÓN: 115 minutos. La película. el poeta gitano Gringoire. el capitán de la guardia.. que también tenía un compromiso con la M-G-M. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. sin embargo. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). (Pandro S. Esmeralda. Vivien Leigh. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. Thomas Mitchell (Clopin). Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. que le ofrecerá refugio en la catedral. muere. En cuanto a los actores.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. MÚSICA: Alfred Newman. de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. la famosa arenga del Día de San Crispín. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». O. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier.UU. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. Con todo. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. Edmond O'Brien (Gringoire). la rescatará. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. finalmente. aún ligada por contrato a David O. K. Proebus. PRODUCCIÓN: R. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. mientras que Robert Donat. FOTOGRAFÍA: Joseph August. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). la adapta- . la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. Alan Marshall (Proebus). Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. Berman). A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. B/N. Maureen O'Hara (Esmeralda).

de esa manera.O. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. K. E. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial.. E.. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. al recibir un mensaje de «su casa». MÚSICA: John Williams. que. Peter Coyote («Keys»). regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. que fallece. la R.K. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). del que 250. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. donde es descubierto por Elliott. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE.T. GUIÓN: Melissa Mathison. un muchacho de diez años. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms).. Elliott se recuperará.. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. Robert MacNaughton (Michael).. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R.UU. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. Sorprendentemente.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. Sometido a cuidados médicos. había salido a la caza de talentos. esto.O. MONTAJE: Carol Littleton. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. Finalmente.000 dólares. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. Rodada con un presupuesto de 1. fichando. DURACIÓN: 115 minutos. Drew Barrymore (Gertie). con tintes de la Bella y la Bestia. No obstante. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. como si se tratara del mismísimo Tarzán. en 1939. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. Elliott irá cayendo enfermo. a Orson Welles. Bissell.T. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. pero no ocurrirá lo mismo con E. por ejemplo. para acudir al rescate de Esmeralda. La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. este último. 1935).826.C. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en .K. Henry Thomas (Elliott). además de hacer toda una exhibición de agilidad física.T. terminará . Martel (Greg).T.

Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. sin duda. De este modo.T. George Sanders (Addison de Witt). donde es recogido por su nave espacial. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. de Mary Orr). pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. Mankiewicz. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». GUIÓN: Joseph L. Comentario La película E. Argumento La manipuladora Eva Harrington. Marilyn Monroe (Miss Casswell). proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. MONTAJE: Barbara McLean. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. sólo se materializaron en tres premios menores.UU. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. MÚSICA: Alfred Newman. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. Davis. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. Gary Merrill (Bill Simpson). lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. B/N. DURACIÓN: 138 minutos. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. se gana la confianza de Margo Channing. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. en los últimos tiempos. tras en- . y que fue definida por la revista especializada Variety. Anne Baxter (Eva Harrington). INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. Zanuck). Hugh Marlow (Lloyd Richards). Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. las nueve nominaciones obtenidas por E.. una actriz famosa y. una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. T. 1950 DIRECTOR: Joseph L. Celeste Holm (Karen Richards).

hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. fue nominada para 14 premios de la Academia. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. aún hoy. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. Margo Channing. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. Applause. por el contrario. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. para el papel de Eva. Finalmente. pero Margo. . Eva al desnudo es. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. La película. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. Consagrada como estrella. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. antes de que Joseph L. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. para el de Margo. Mankiewicz. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. Karen. y la de George Sanders. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. de hecho. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. Repuesta en numerosas ocasiones.asociación con la Warner. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. The Wisdom ofEve. así como los de mejor sonido y mejor vestuario.

1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica.UU. que hasta entonces habían sido considerados marginales. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. Jordán Leondopoulos. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). DURACIÓN: 121 minutos.. Cobb (Teniente Kinderman). que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. Max von Sydow (Padre Merrin). MacNeill). para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. MÚSICA: Jack Nitzche. los espectadores que buscaban emociones fuertes. acompañadas de sus respectivas secuelas. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. Linda Blair (Regan). entre ellos el terror y la ciencia-ficción. fue un fenómeno de similares características. y.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty).supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». Una noche. cuya fe pasa por un momento de debilidad. el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. Jason Miller (Padre Karras). 1973 DIRECTOR: William Friedkin. que sufre un ataque al corazón. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. caso de La profecía {The Ornen. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. 1973) de Larry Cohén. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. su madre contacta con el Padre Karras. un joven sacerdote. MONTAJE: Norman Gay. las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. Evan Lottman y Bud Smith. una niña de doce años. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). los vómitos de puré de guisantes. El exorcista. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. Jack MacGowran (Burke). sin embargo. mientras que otras películas. Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . Argumento Regan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. un experto en exorcismos. De ese modo. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). Lee J. No deja de ser cierto. de hecho.

Emilie. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl).a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. Poco tiempo después. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. termina por unirse a ellos. Emilie. como era de esperar. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. Aunque. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. que les esconde en su tienda de antigüedades. Más adelante. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. tras haber recuperado a su familia. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). a la vez que su guionista y productor.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. 1977). el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. muere de resultas de un ataque al corazón. GUIÓN: Ingmar Bergman. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. Osear. se casa entonces con el obispo Vergerus. su padre. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. que Alexander padecerá con especial rigor. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). No obstante. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. No obstante. 1990). . esta última dirigida por William Peter Blatty. entre ellas las de mejor película y mejor director. considerado. Su madre. en tiempos. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. MÜSICA: Daniel Bell. Es como si Bergman. La madre. autor de la novela en que se había basado la primera entrega. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. En una pequeña localidad sueca. Argumento Navidades de 1907. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). Alian Edwall (Osear Ekdahl). Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). Por otro lado. tras drogar al obispo para poder escapar. 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. da luz a una niña.

Erdman Penner. Gritos y susurros (Viskingar och rop. Hugh Hennessy. Perce Pearce. Terrell Stapp. Webb Smith.. Fantasía EE. Bianca Majolie. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. Dick Kesley. John Hubley. Leo Thiele. Gordon legg. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. T. Otto Englander. Thor Putnam. Kay Nielsen. Bill Peet. Ernest Nordli. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. un colaborador habitual de Bergman. George Sallings. Norman Wright. Zack Schwartz. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Perkins. a continuación. Campbell Grant. Hee. Herbert Ryman. Tom Codrick. Bill Roberts. Ford Beebe. Finalmente. Robert Sterner. Kenneth Anderson. de por sí. J.UU. Jim Handley. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. Phil Dike. Cari Fallberg. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. . un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Elmer Plummer. Albert Heath. Bruce Bushman. Kendall O'Connor. Wilfred Jackson. DURACIÓN: 124 minutos. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. GUIÓN: Lee Blair. MacLaren Stewart. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Harold Doughty. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. Curtiss D. Norman Ferguson. Sylvia Moberly-Holland. Hamilton Luske. 1972). al mejor vestuario. William Martin. cuya existencia se justifica por sí misma. Aparece luego Mickey Mouse. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Charles Philipi. Joseph Sabo. John Fraser McLeish. Lance Nolley. Graham Heid. Yale Gracey. la que dibuja un cuadro y la «música pura». Al Zinnen. 1940 James Algar. Arthur Heinemann. Arthur Byram. Paul Satterfield. Charles Payzant. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky.

Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. un director de éxito. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. No obstante. B/N. no consigue comenzar a rodar. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. Argumento Guido. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. Sandra Milo (Carla). el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). ese mismo año. eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. Guido Alberti (Pace. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. MONTAJE: Leo Catozzo. Fantasound. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. En general. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. Rossella Falk (Rossella). El aprendiz de brujo. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. Blancanievesy los siete enanitos (1937). una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. llega la serenidad del Ave Marta. Mickey Mouse. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. así. Ennio Flaiano. entre . PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). Comentario A lo largo de la década de los treinta. algunas partes están bastante más logradas que otras. y de resultas de ello nació Fantasía. GUIÓN: Fellini. Claudia Cardinale (Claudia). sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. el productor). MÚSICA: Niño Rota. la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). por ejemplo. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. Barbara Steele (Gloria Morin). durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. a pesar de lo cual. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. Con todo. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. DURACIÓN: 138 minutos.

primero. entre una compañía de payasos y. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. Barry Fitzgerald (Gogarty). desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. tratándose de Fellini. PRODUCCIÓN: R. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. MÚSICA: Roy Webb. se refugia. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. El director italiano.O. Cary Grant (David Huxley). sino de reconciliarse con la vida. el director de cine Guido. no conviene fiarse nunca de lo que. suele aferrarse a las narraciones lineales. Walter Catlett (Agente Slocum). el carácter asistemático de la película les resulta irritante. por lo general. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. más adelante. La película concluye sin que la situación se resuelva. en su caso. su reconstrucción de un brontosaurio . que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. esa mirada cáustica. Si bien es cierto que. No obstante.. mientras su protagonista contempla diversas opciones. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). no sólo de realizar una obra de arte. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. sin duda. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. el suicidio. May Robson (Tía Elizabeth). y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. a primera vista. B/N. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. invita a establecer una conexión entre ambos. Argumento El día antes de su boda. En cualquier caso.K. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. DURA- CIÓN: 102 minutos. basado en un relato de Wilde. El hecho de que el personaje principal. puede pa- recer obvio. rara vez conseguido por un medio como el cine que. aunque. entre los propios actores del film. verdadero. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. con algo de desfile de monstruos o de circo. MONTAJE: George Hively. entre ellas. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. La película. A algunos espectadores. nunca consigue que su película avance. (Howard Hawks).UU.

y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. También Hawks se vio afectado por su fracaso. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra. finalmente. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. donde se le rinde homenaje. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época.. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. propiciando así su vuelta al teatro. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. El género se inició. doctor? (What's up Doc. la forma en que Susan descubre el hueso perdido. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. Sin embargo. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. poco más o menos en 1934. sin gran dificultad. No obstante. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). Despojado de sus ropas y de su dignidad. trastoque por completo su vida. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. la sigue hasta una granja de Connecticut. . La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. este último desempeñando un papel que. un enloquecido cazador. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. etc. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio.K. la rica heredera Susan Vanee. Ronald Colman y Robert Montgomery. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. 1940). bufonadas.) y un contagioso espíritu anárquico.O. la película no fue un éxito de taquilla. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. según parece.000 dólares.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. mientras tonteaban entre sí. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. En cualquier caso. 1972) de Peter Bogdanovich.

]. de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. cuya denominación viene del irancés. un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. Forajidos (The Killers. de Jacques Tourneur. 1919. o Noche en la ciudad (Night and the City.188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. 1950). 1922. la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. de Edward J. Hoy en día. 1955). El gabinete del doctor Caligari. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. 1990) y After Dark My Sweet (1990). de El beso mortal (Kiss Me Deadly. creando personajes como Cody Jarret. el vampiro. con películas como Chinatown (1974). que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. Retorno alpasado (Out ofthePast. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). 1947). el detective creado por Mike SpiUane. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. Una combinación de factores. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. 1926. Ulmer. se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. de Jules Dassin. la aparición de la figura de la «mujer fatal». Los timadores (The Grifters. sobre todo. de Raoul Walsh. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. . o el sádico y rufianesco Mike Hammer.film noir. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. 1984). Nosferatu. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). si bien. Detour (1945). El sueño eterno (1946). de Howard Hawks. la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. de Nicholas Ray. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. 1931). el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. Con el tiempo. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. 1944). la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. 1939). de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). 1946). de Robert Siodmark. o El vampiro de Dusseldorf. Metrópolis. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. el término «cine negro». Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. de Fritz Lang.

Shirley Ann Field (Diane Ashley). un interés que. GUIÓN: Reino Unido. MÚSICA: Brian Easdale. la vecina del piso de abajo. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). que comienza a seguirle. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. Entabla amistad con Helen Stephens. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. Por otro lado. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. Anna Massey (Helen Stephens). la más controvertida. Finalmente. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. a pesar de ser ciega. MONTAJE: Noreen Ackland. DURACIÓN: 109 minutos. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. Al descubrir a Helen en su propia casa. Su original utilización del color y de la iluminación. a pesar de los años . Cuando se encuentra viendo una de sus películas.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. terminará por despertar las sospechas de la policía. hacen de ella la más radical de sus obras y.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). Seguramente. A lo largo de la película. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. 1959 Leo Marks. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. se da cuenta de que allí hay algo extraño. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. y la deja ver las inquietantes películas que. viendo las películas de sus asesinatos. le hacía su padre cuando él era niño. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. es interrumpido por la madre de Helen que. Aunque. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). así como los cambios constantes en la textura visual de la película. Argumento Mark Lewis. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. aún hoy. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. el espectador se ve forzado. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. un empleado de un estudio cinematográfico. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. seguramente. aunque no de forma tan directa. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror.

algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. y se detienen para visitar a la madre del profesor. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. pero. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. B/N. en otro. Prosiguen su viaje. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Más adelante. terminará por comprender su valor. Bibi Andersson (Sara). cuando éste mira en el interior de la caja. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. 1957 En Suecia. un hombre frío y distante. MONTAJE: Osear Rosander. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). Gunnar Bjórnstrand (Evald). Recogen a Sara. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. Folke Sundquist (Anders). al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. en buena parte. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. como siempre están discutiendo. la nuera decide expulsarlos del coche. Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. .y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. Naima Wifstrand (Madre de Isak). pero que. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. Julián Kindahl (Agda). desde luego. el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. su contemplación sigue produciendo inquietud. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. Ingrid Thulin (Manarme). recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. pero finalmente recibe su título honorario. GUIÓN: Comentario Suecia.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. el más grande director sueco anterior a Bergman. mientras que. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. finalmente. una anciana de noventa y cinco años. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. DURACIÓN: 90 minutos. Ingmar Bergman. MÚSICA: Erik Nordgren. Marianne.

Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. la novia de Francis. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. Cesare. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. hace que Francis sospeche de Caligari. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. W. FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. Pabst. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. le lanza sus acusaciones. reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. Una vez acabada la narración. afirmativo de la vida humana. era algo que saltaba a la vista. Jane. B/N. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). Caligari). y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. en última instancia. 1929). Olsen). así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. Murnau y. no obstante. posiblemente. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. Hans Heinz von Twardowski (Alan). A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. Argumento Cómodamente sentado. morirá mientras es sometido a una persecución. donde Caligari y su asistente sonámbulo. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. Walter Rohrig y Walter Reimann. W. se encara con el doctor y . DURACIÓN: 78 minutos. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. Posteriormente. que. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Rudolf Lettinger (Dr. Sin duda. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». de G. realizados a base de ángulos deformados. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. esa dimensión «artística». Conradt Veidt (Cesare). su inquietante argumento y sus decorados. Lili Dagover (Jane). Como es natural. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. es raptada por Cesare. falsas perspectivas y sombras pintadas. se trata de un retrato compasivo y. eran la principal atracción. Friedrich Feher(Francis). pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza.

al viejo orden estamental. La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti.UU. Aunque pertenece . Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. década de 1860.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. obra igualmente de un noble. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). DURACIÓN: 205 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. Argumento Sicilia. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. Don Calogero. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. Riña Morelli (Maria Stella). que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. MONTAJE: Mario Serandrei. del que ya se había ocupado en Senso (1954). un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. bajo la dirección de Roger Kay. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. MÚSICA: Niño Rota. A pesar de ello. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy.. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). Romolo Valii (Padre Pirrone). FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. Alain Delon (Tancredi). permitiéndole retomar un momento histórico crucial. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Al no estar ninguno de ellos disponible. Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. la hija del alcalde. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. como es el Risorgimento. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados.

1967 DIRECTOR: Mike Nichols. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. Robinson). ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. De resultas de todo ello surgiría El graduado. Elizabeth Wilson (Mrs. No obstante. nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. Katharine Ross (Elaine Robinson). En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. Mrs. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. Robinson trata de poner fin a esa relación. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. Elaine. durante el trayecto. pues se encuentra prometida con Cari Smith. Argumento Benjamín Braddock. MONTAJE: Sam O'Steen. oiga la versión de Benjamín. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. contándole a Elaine que Benjamín la violó. Robinson. al mismo tiempo. le pide que la lleve a casa en coche y. cuando me- .. una graduada universitaria como él. DURACIÓN: 105 minutos. en contra de lo que había opinado en un principio. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. Murray Hamilton (Mr. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. un estudiante de familia rica.UU. William Daniels (Mr. Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. optó por Burt Lancaster. regresa a su hogar en Los Ángeles. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. Mrs. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. el director. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). trata de seducirlo. Braddock). finalmente. una amiga de la familia. más adelante. Robinson). Cuando. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. No obstante. ya será tarde. Braddock). Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. 1974). PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). La elección no pudo ser más acertada. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. 1966).

que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. Así. son traslados a Wintersborn. Mike Nichols. uno de los ases de la aviación alemana. . con toda razón. PROCinedis. un actor de treinta años. Al margen de sus alardes estilísticos. sin embargo. Carette (Un actor). También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. en un determinado momento. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. alegando. interesantes. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. Robinson. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. Marcel Dalio (Rosenthal). Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. se vio forzado a reemplazarlo. Finalmente. que se ha visto forzado a abandonar el frente. No obstante. que. una recaudación de 50 millones de dólares. B/N. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). no muy satisfecho con el resultado. permitiéndole obtener. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. Robinson y. Durante su viaje de 200 millas. MONTAJE: Marguerite Renoir. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. Joseph Kosma. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. lo rechazó. Tras haber sido abatidos durante una misión. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. En el campo de prisioneros de Hallbach. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. tan sólo en los Estados Unidos. Nominada en siete categorías para los Osear. Argumento La Primera Guerra Mundial. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. cuando casi han terminado su túnel de huida. 1937 Jean Renoir. finalmente. Dita Parlo (Campesina). se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. aunque. por ejemplo. Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. DURACIÓN: 117 minutos.

MÚSICA: Jerry Fielding. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. 1914. INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). le dispare. Edmond O'Brien (Sykes). Pike mata de un disparo . 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. el «General» Mapache. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. Ernest Borgine (Dutch). que interpreta Pierre Fresnay. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. Warren Oates (Lyle Gorch).UU. Tejas. la banda se dirige a México. La película. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. uno de los miembros de la banda. rango. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. Irónicamente. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. trasciende las barreras de clase. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. permite que el personaje de Von Stroheim. credo. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad.. como un acto de patriotismo. posee tal variedad y riqueza. DURACIÓN: 143 minutos. le hace encerrar. Argumento Starbuck. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). un director cuya obra. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. cuando el oficial de la clase alta francesa. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). Mapache degüella a Ángel. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. un antiguo miembro de la banda. e incluso nacionalidad. No obstante. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. su homólogo en graduación y en rango social.202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. Ryan (Deke Thornton). Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. donde un bandido. elaborada a lo largo de cerca de 45 años. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. Jaime Sánchez (Ángel). Así. Al descubrir Mapache que Ángel. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. MONTAJE: Louis Lombardo. tanto en el bando francés como en el alemán.

INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). a diferencia de otras películas de acción que. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. Harrison Ford (Han Solo). en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. a lo mejor llegamos a alguna parte». El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. rápido y sencillo. rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. precipitando así un sangriento enfrentamiento. No obstante.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. MÚSICA: John Williams. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. MONTAJE: Paul Hirsch. cuando llegue Thornton. DURACIÓN: 121 minutos. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. La película. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. siguiendo su estela. Anthony Daniels (C3PO). A medida que se va desarrollando la caza. en . supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. 1977 George Lucas. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). sino sangriento y espantoso.UU. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas.. Marcia Lucas y Richard Chew. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. Aunque la fórmula no tiene nada de original. ha terminado por convertirse en un lugar común. y de un modo increíblemente sangriento. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. también decidirá unirse a ellos. Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. a pesar de que mueran por propia voluntad. GUIÓN: George Lucas. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. desgraciadamente. del lado de la Revolución Mexicana. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). Desde un punto de vista técnico. en el que morirán los miembros del Grupo.

Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. vestuario y banda sonora original. la película supone. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. en particular Han Solo. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. Sin embargo. Luke Skywalker. 1983]. (1982). que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. con la ayuda de Han Solo. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. sonido. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). dirección artística. Mientras el resto del grupo salva a Leia. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. .parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. vería la luz en 1999. representados respectivamente por el joven héroe. Darth Vader y el Imperio. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. consigue destruirla. constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». y por sus enemigos mortales. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. El primer episodio del ciclo. 1983). Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. No obstante. Luke Skywalker. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. consigue escapar. traspasa «La Fuerza» a Luke. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. llevándose los premios a los efectos especiales. sean personajes carentes de ambigüedad. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. Una vez llegados al planeta rebelde. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. La amenaza fantasma (Phantom Menace). un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. montaje. pero. la película y sus dos secuelas. Como ha señalado Lucas. C3P0. antes. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. literalmente atiborrados de efectos especiales. no obstante. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. una especie de poder interior similar al zen.T.

Los miembros del movimiento. basada en una idea de Truffaut. En años sucesivos.. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine.. se defendía la teoría del autor. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. Una de sus últimas películas.en una palabra: emoción». Godard. lo único que existe es el mar». de Godard. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. 1958). y Alain Resnais. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. De ese modo. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). y se mantuvo firme.. . 1965). una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. Pierrot el loco (Pierrot lefou. publicados en la revista Cahiers du Cinema. La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). entre ellos Francois Truffaut. tanto política como estéticamente. Lo cierto es que tal denominación. es amor. 1961). El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. 1959).208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. muerte. acción. odio. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. Hiroshima. protagonizada por Alain Delon. acuñado según parece por Francois Giroud. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. . que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. de Alain Resnais. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. y Vivresa vie (1962). Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. a su entender. en cuyos artículos. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. mon amour (1959). El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. les permitieron crear un cine alternativo. de Francois Truffaut. declara: «Una película es como un campo de batalla. tiene más bien poco valor. Truffaut. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. como sucede en El carnicero (1969). convirtiéndose así en el único autor de la misma. la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. violencia. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). aunque con desigual fortuna. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. unido a sus innovaciones arguméntales. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. de Claude Chabrol. Alfinalde la escapada (1959).

un actor de origen húngaro. Barton MacLane (Teniente Dundy). DU- RACIÓN: 100 minutos. enfundado en su sempiterna gabardina. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. Brigid O'Shaughnessy. también realizó una breve aparición a modo de amuleto.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. Lee Patrick (EfFie Periné). cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores».UU. mientras que la pareja formada por Peter Lorre. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. en el papel del desafortunado Jacobi. actor y padre del director. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. apuntan a lo que será . combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. O'Shaughnessy y Wilmer. Para negociar un precio por la estatuilla. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). Argumento Cuando su socio. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. son asesinados. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. Por su parte. El detective convoca a una reunión a Gutman. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. Peter Lorre (Joel Cairo). se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. MÜSICA: Adolph Deutsch. Walter Huston. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. Finalmente. El sombrío humor. y Sydney Greenstreet. Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. B/N. y la presa a la que perseguía. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. el Capitán Jacobi. una actriz muy experimentada. 1941 DIRECTOR: John Huston. A su pesar. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. de paso. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). Floyd Thursby. En este caso. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. Miles Archer.. Cairo. Valerie. con ese mismo título. acusada del asesinato de Archer. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Finalmente. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. la versión de 1941. Gladys George (Iva Archer). bajo el título Satán Meets a Lady. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. el sicario de Gutman. MONTAJE: Thomas Richards. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. Mary Astor.Wallis).sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. sin embargo.

protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. que. Norman Maine. Alan Campbell y Robert Carson que. un temprano experimento en Technicolor. alcanza el estrellato.. MÚSICA: Harold Arlen.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. 1975). La pareja se casa. 1932). tras la enésima parranda. que. conoce a su benefactora. a medida que fue transcurriendo la década. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. la pantalla con problemas de alcoholismo. Lucy Marlowe (Lola Lavery). hasta que. DURACIÓN: 182 minutos. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. finalmente. 1937). Tom Noonan (Danny McGuire). que. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. por encima de todo. la preparan para obtener el éxito. de este modo. Jack Carson (Matt Libby). está basado en un relato de William A. un tema recurrente del cine dramático. ponen en evidencia a Esther en público. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol.Wellman y Robert Carson. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. a su vez. Esther Blodgett. La nueva y espléndida versión de 1954 es. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. 1953). una estrella de . inspirado en la película Hollywood al desnudo). un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. Su desconsolada viuda se retira del mundo. sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. hasta que. Charles Bickford (Oliver Niles). para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester).supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. desde hace más de sesenta años. Norman se suicida. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?.UU. James Masón (Norman Maine). aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. una película realizada igualmente por George Cukor. MONTAJE: Folmar Blangsted. GUIÓN: MOSS Hart EE. a su vez. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood.

que. Rita M. Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. entre ellos. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera. La segunda opción fue James Masón. Judy Garland. no obtuvo ningún premio. a la vez que su amargura. GUIÓN: Harry Julián Fink. MÜSICA: Lalo Schifrin. Argumento San Francisco. PRODUCCIÓN: Malpaso.UU. el sucio . estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. John Larch (El jefe). Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. en este caso. amenazando con asesinar cada día a una persona. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. John Vermon (El alcalde). 1971 Don Siegel. DURACIÓN: 101 minutos. la película.llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. Harry. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. Reni Santoni (Chico). Harry.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. ambientada.. Harry Guardino (Teniente Bressler). como señaló la revista Time. pero éste rechazo la propuesta. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. MONTAJE: Cari Pingitore. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. para Warner Brothers (Don Siegel). que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. Nominada para seis Osear. El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. sin embargo. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». Andy Robinson (Asesino). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy.

pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. en uno de sus niveles de lectura. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución. el fuerte (Magnum Force. Se contactó con Steve McQueen. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. No obstante. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano.en películas como Harry. La última escena. para muchos críticos. arroja su placa de policía al río.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. Sin embargo. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». le forzaron a renunciar al papel. A partir de ese momento. el ejecutor (The Enforcer. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. 1976). Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. Comentario El papel protagonista de Harry. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. hasta que. mientras éste emprende la huida. Paul Newman y John Wayne. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. finalmente. en la que Harry se desprende de su placa de policía. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. Frank Sinatra aceptó el papel.l973). . la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. más adelante. acto seguido. el alcalde decide pagar. secuestre un autobús escolar. Para Eastwood. Cuando. 1988). administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. 1974). Harry. una herida en la mano y su «inminente» retiro. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. No obstante. Impacto súbito (Sudden Impact.

entre ellas la de Sam Goldwyn. Tracy Lord. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. aunque el novio y la novia serán. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. K. Katharine Hepburn (Tracy Lord). una joven malcriada y mundana. Cukor. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). A continuación Cary Grant llama al timbre y. un viejo compañero en varios repartos. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. pero la ceremonia sigue su curso. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. sus compañeros en escena. 1932). haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . Tracy y Haven.Mujerdtas {Little Women. se construye en torno a esa escena. lames Stewart (Macaulay Connor). 1935). a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. Mankiewicz). sin embargo. a cambio. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. Argumento C.UU. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. Dexter Haven). sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. DURACIÓN: 112 minutos. una vez más. Katharine Hepburn. Su prometido suspende la boda. además. Howard (George Kittredge). Rubottom. B/N. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. George Kittredge. Toda la película. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. K. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. Katharine Hepburn aparece en el umbral. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. la recibe dándole un empellón en toda la cara. El resultado fue Historias de Filadelfia. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. MÚSICA: Franz Waxman. cuando la Hepburn abre la puerta. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. Roland Young (Tío Willie). le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. indignada. Tracy. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. 1940 George Cukor.218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas.. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. optó por elegir a la M-GM. MONTAJE: Frank Sullivan. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. a partir de la cual. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. algo que consigue. No obstante.

220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. se repartan el dinero a medias. en realidad. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. un joven obrero metalúrgico que. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. DURACIÓN: 70 minutos. . MONTAJE: Fred L. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros.UU. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. al ser arrestado su compañero. Mildred Davis (La chica). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. a menudo. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. donde la propia vida del actor corría peligro.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd.. luego. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. logra completar la escalada. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. Mickey Daniels (El niño). Westcott B. Comentario Considerado. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. B/N. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. tras escalar un edificio. tenga que escalar los doce pisos del edificio. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. Tim Whelan y Sam Taylor. Guiol. finalmente será él mismo quien. Bill Strothers (El amigo).000 dólares por un buen ardid publicitario. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. GUIÓN: Hal Roach. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. se incluían escenas con rascacielos. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). Guiol. es el director del establecimiento. una red de tenis. Sin embargo.Clarke (El jefe de vendedores). Noah Young (La ley). 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. se hace con el dinero y conquista a la chica. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach).

ocasionalmente. pensó: «Dios bendito. una sirvienta y antigua prostituta. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. Sada amputa el pene de su amante muerto y. Finalmente. Si pudiera captar algo así en una pantalla.. El resultado maravilló al público. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. Mientras viajan de un lado para otro. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. DURACIÓN: 105 minutos. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. . PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. La obsesión no tardará en ser recíproca. a los que. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima.. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico. Eiko Matsuda (Sada). La trama se basa en la historia real de Sada Abe.545 dólares. MÚSICA: Minoru Miki. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. GUIÓN: Nagisa Oshima. se añaden otros participantes. justificación o análisis alguno.842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. sin añadir prácticamente comentario. Hiroko Fuji (Doncella Tsune).. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. Aoi Nakajima (Toku). Meika Seri (Doncella Matsuko). al ver aquello. con la asombrosa cifra de 1. aunque el director fue declarado inocente. INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. si yo pudiera ofrecer eso al público. Argumento Sada. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. Comentario Esta película. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. MONTAJE: Keiichi Uraoka. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. Hot Water. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. de los cuales 643. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». alojándose en moteles y en casas de geishas. días más tarde..588. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). Oshima se limita a presentar la situación. accederá a que Sada le estrangule. la pareja ejerce una actividad sexual constante.

DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). Griffith. The Mother and The Law. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. una historia sobre la miseria social contemporánea.C. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). la traición que. el futuro». pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. GUIÓN: D. con la agitación obrera como telón de fondo. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. Bessie Love (La novia de Cana). Erich von Stroheim (Fariseo). sufrió el rey Baltasar. en el 539 a. W. extraídos de Hojas de hierba. en un estreno que hubo de hacer época. FOTOGRAFÍA: G. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. habiéndose separado temporalmente de ella. W. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. Se trata del momento en que. MONTAJE: James y Rose Smith. Griffith. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. «El propósito de esta obra -explicaría. Griffith. la pasión y crucifixión de Cristo. PRODUCCIÓN: D. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. 1916 DIRECTOR: D. «Recién salida de la cuna.uniendo el presente y . y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. Mae Marsh (La mujer querida). Bitzer y Karl Brown. Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. B/N. W.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado.UU. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna).. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. cada vez más interrelacionadas. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. que ya tenía prácticamente acabada cuando. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. W. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). Constance Talmadge (La chica de la montaña). Comentario En el otoño de 1914.

Dana Wynter (Becky DriscoU). y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. La película. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. Ralph Dumke (Nick). Eisen. pero finalmente también se apoderan de Becky. Carolyn Jones (Theodora). utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. Miles Bennell).UU. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. Larry Gates (Dr. A partir de esa secuencia. sino también hacer pensar. nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas». La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. Danny Kauffman). aún hoy. Para algunos. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. El hombre.. INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. King Donovan (Jack). B/N. MONTAJE: Robert S. Por desgracia. Intentan una huida desesperada. MÚSICA: Carmen Dragón. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. DURACIÓN: 80 minutos. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). De nuevo en el tiempo presente. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. Jean Willes (Sally). Argumento Los Ángeles.

ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. sin embargo. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. Jim visita a la pareja. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. A medida que todo se desmorona a su alrededor. MONTAJE: Claudine Bouche. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). Durante la Primera Guerra Mundial. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. aparentemente indestructible. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. DURACIÓN: 105 minutos. En lugar de ello. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». Vanna Urbino (Gilberte). Sabine Haudepin (Sabine). Jules le revela. Henri Serré (Jim). Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. una vez terminada la contienda. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. Al igual que el guionista. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. pero. no contó con la aprobación de Siegel. y anima a Jim a que se acueste con ella. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. 1961 Francois Truffaut. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. B/N. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). ahora completamente solo. Boris Bassiak (Albert). MÚSICA: Georges Delerue. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. en un sentido literal e ineluctable. y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. Oskar Werner (Jules).228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. No obs- . y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Daniel Mainwaring. estaba siendo absorbida por unas vainas.

230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. que interpreta Jeanne Moreau. y constituye la más excelsa demostración de cómo. más adelante. típicamente francés.sin embargo. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil.. Jim regresará a París para estar junto a su novia. saltos de imagen. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. Comentario Para muchos espectadores. La película es una crónica llena de vitalidad. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. y un día. etc. Varios años después. 1971). y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. a modo de homenaje. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. que. Jules y Catherine se van a vivir a París. fundidos en iris. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. pero desigual versión. El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. madurez e imaginación cinematográfica. Su cautivadora volubilidad. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. 1980). que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). dejando solo a Jules para llorarlos. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. . planos de archivo.

ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). que contribuyó a popularizar el ballet. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). También el western. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. Por su parte. en un intento. The Archers. de Mizoguchi. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). que durante tanto tiempo había parecido indestructible. comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. floreció en películas como Roma. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». El poder de los estudios de Hollywood. Por otro lado. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). 1946). David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. por ejemplo. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. En Italia. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. 1959). en adaptaciones de Dickens. y la oscarizada Un americano en París (1951). Por otra parte. domingo mañana (1960). con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. Por otro lado. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. el neorrealismo. Irónicamente. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. caso del cine negro y de la ciencia-ficción. mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). Así. más tarde. con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. como Un tranvía llamado Deseo (1951). como la 3-D y la pantalla gigante.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. que sacó el musical a los escenarios naturales. Narciso negro (Black Narcissus. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. 1946). . insólito dentro del cine británico. mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. como Cadenas rotas (Great Expectations. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. o en películas concretas. Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra.

El simio consigue escaparse. Alfred Hermán. King Kong. King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. se dedican a exhibirla ante el público. siembra la destrucción por toda la ciudad y. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. el mono gigante. Seguramente. Cooper). B/N. Crabbe. Una vez en el lugar de rodaje. Mario Larrinaga y Byron L. Robert Armstrong (Cari Denham). Frank Reicher (Englehorn).UU. según la película. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. sino la belleza». Cooper. Aunque el gran simio representa. O. Schoedsack y Merian C. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. se apodera de su querida Ann. A Ernest B. PRODUCCIÓN: R. Noble Johnson (Jefe indígena). GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. DURACIÓN: 99 minutos. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. MONTAJE: Ted Cheesman. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». El hijo de Kong (Son ofKong. Willis O'Brien.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. Schoedsack y Merian C. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. una liberación a la que. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica.O. .K. la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. MÚSICA: Max Steiner.. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. pero. llamada la Isla de la Calavera. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. sin duda. igualmente. finalmente. apuntan la idea de que el monumental primate representa. consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. se ha de poner freno. a través de la ventana de un rascacielos. Al margen de su virtuosismo técnico. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. Taylor. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. Vernon Walker y J. Radio Pictures (Ernest B. Éste resulta ser un descomunal simio. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). Cooper y Edgar Wallace). 1933 DIRECTORES: Ernest B. Sam Hardy (Weston). de regreso a Nueva York. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. Bruce Cabot (Driscoll). Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

esbozados con vividas pinceladas. el concedido a la mejor fotografía. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. Zanuck. El papel de la cautivadora Laura. MÚSICA: Marvin Hatley. Rosina Lawrence (Mary Roberts). Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. estableció muchos de los principios del cine negro. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. Nominada para cinco premios de la Academia. B/N. Más tarde. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. Horne. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. DURACIÓN: 65 minutos. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público.UU. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin..244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. 1937 W. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. MONTAJE: Bert Jordán. Zanuck. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. Royce. Alexander Woolcott). lo único seguro es que Laura. será abatido por la policía. Mamoulian aseguraría que. cuando el jefe de los estudios. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. que. intervino y la elevó a la categoría A. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. . de esa forma. Laura es arrestada. Cuando. Stanley Fields (Sheriff). y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. intente atentar contra la vida de Laura. a modo de treta. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. Darryl Z. con su fotografía saturada y atmosférica. no tardó en prescindir de Mamoulian. de nuevo. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). Sea cual sea la verdad. recaería en Gene Tierney. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. PRODUCCIÓN: Stan Laurel. un cámara que era más de su agrado. su utilización del flash-back. descontento con los resultados. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. INTÉRPRETES: Stan Laurel. El culpable resulta ser Lydecker. Ya iniciado el rodaje. Oliver Hardy. para que el verdadero asesino se descubra. GUIÓN: Charles Rogers. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. James Finlayson (Mickey Finn). Sharon Lynne (Lola Marcel).

tras más de medio siglo. Cuando se dan cuenta del engaño. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. pero son descubiertos por Finn. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». Finalmente. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. En la persecución que tiene lugar a continuación. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. . se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. tratan de recuperar el documento. ya perfectamente perfilados. este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. tanto él como Hardy. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño.«At the Ball. la fregona del local. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. Lola Maxwell. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. la mujer de Laurel en aquel momento. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». sus personajes. En Laurel y Hardy en el Oeste. según parece. La chica a la que buscan es Mary Roberts. That's All». cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. con todo el tacto del mundo. mientras que Laurel le comunicará a Mary. por ejemplo. A pesar de ello. el rufián Mickey Finn. en concreto. así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. en compañía de Mary. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. a Ruth. Hardy. los dos amigos abandonan la ciudad. Comentario Desde principios de los años treinta. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. el film es pura diversión. para hacerse cargo de la mina. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. Así. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. En estas obras.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo.

es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. Por su parte. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. Young.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T. una epopeya inteligente y emotiva. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. Alee Guinness (Príncipe Feisal). Sin embargo. MÚSICA: John Stoll. Lean. Lawrence de Arabia es. se convierte en un héroe para las tropas nativas. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. José Ferrer (Rey turco). Feisal y Allenby. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). no sólo de las batallas. 1970). MONTAJE: Maurice Jarre. Al mando de un pequeño destacamento. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. lo que confiere unidad a la película. 1962 DIRECTOR: David Lean. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. por el contrario. INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). se decidió finalmente por Peter O'Toole. Jack Hawkins (General Allenby). E. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. E. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. GUIÓN: Robert Bolt. Argumento Tras su muerte. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. Apoyado por los británicos. FOTOGRAFÍA: Freddie A. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. Ornar Sharif (Sheriff Ali). cuyas maniobras -como cabía esperar. Lawrence. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). el versátil aventurero T. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. sino de la crisis de .son ejecutadas a la perfección. Sin embargo. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible.

que le pedirá su ayuda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. y muy poco heroico. Obedeciendo las órdenes de su hermano. Eva Marie Saint (Edie Doyle). Rod Steiger (Charles Malloy). utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. Es interesante subrayar. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. en una de las reuniones a las que asiste. Al día siguiente. MÚSICA: Leonard Bernstein. El papel de Malloy. es brutalmente agredido en los muelles. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). Edie.UU. que Schulberg optaría por un final distinto. ganó siete de ellos. Charley Malloy. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. Argumento Nueva York. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. Milford. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. Lee }. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. DURACIÓN: 108 minutos. Karl Malden (Padre Barry). FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. la hermana de éste. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. se siente atraído por Edie. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. Nominada para diez premios de la Academia. espiarles. en la novela que publicaría con posterioridad. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. MONTAJE: Arthur E. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. pero.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. Pat Henning («Kayo» Dugan). Escrita por el novelista Budd Schulberg. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. B/N. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. Cobb (Johnny Friendly). no obstante. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». iluminar las pantallas norteamericanas . año tras año. en realidad. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan..

se casa con el hermano de Melanie. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. obteniendo ocho premios. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. En cuanto a la película. toma la decisión de volver a conquistarlo. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). podría haber sido un aspirante al título». Aunque no consigue retenerle.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. que Terry le suelta a su hermano en un taxi. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. el ambicioso Selznick. antes incluso de su publicación. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. Escarlata. la espectacular versión cinematográfica que David O. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). la propiedad de su familia. desplegando una determinación in- . que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. los derechos de una novela que. Tras la muerte de su segundo marido. Tras haberse asegurado. Kern y James E. Escarlata. No obstante. DURACIÓN: 222 minutos. Si la obra de D. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. Newcorn. 1953). entre ellos los otorgados a la mejor película. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. Lo que el viento se llevó. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming.. recobrará su antiguo esplendor. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. que no tardará en morir de sarampión. El famoso discurso del «podría haber tenido clase. jura que Tara. MÚSICA: Max Steiner. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). despechada. La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. Selznick). mejor director y mejor guión. Leslie Howard (Ashley Wilkes). Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). Hattie McDaniel (Mammy). Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. con el tiempo. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. fue nominada en doce categorías. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). FOTOGRAFÍA: Ernest Haller.UU. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). Rhett sigue estando presente en su vida. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. En el baile de Los Doce Robles. Argumento Año 1861. MONTAJE: Hal C. W. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler).

Cuando regrese. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. rico y bien parecido. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). que. Hank Mann (El boxeador). Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. Argumento El pequeño vagabundo. Rhett Butler. Una serie de percances harán que acabe en prisión. una secuela dirigida por John Erman. Alian García (El mayordomo). convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. Scarlett O'Hara. DURACIÓN: 86 minutos. Hall.UU. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. MONTAJE: Charles Chaplin. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. A lo largo de los tres años siguientes. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. una vez cumplida la condena. Chaplin. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4.que participaron en su realización. la película obtuvo finalmente ocho Osear. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. George Cukor y Sam Wood. Harry Myers (El millonario). queda prendado de la belleza de una florista ciega. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. . Florence Lee (La abuela). no se acuerda de él cuando está sobrio. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. Comentario En 1928..254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. en diciembre de 1939. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood.25 millones de dólares) jamás filmada. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. B/N. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. MÚSICA: Charles Chaplin. como es habitual. Virginia Cherril (La muchacha ciega). se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. no obstante. una actriz británica casi desconocida. le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. GUIÓN: Charles Chaplin. En 1994 se estrenaría Scarlett. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin.a la M-G-M. su exuberancia. y el gallardo picaro.

entre los asistentes a su estreno. por lo tanto. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). al anunciar ella que se encuentra embarazada. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. No obstante. W. Brown). Brown). al verse cruelmente abandona- . cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. una mujer casada y de más edad. de la que llegará a enamorarse. la hija de un magnate de la localidad. Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. MONTAJE: Ralph Kemplen. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. Heather Sears (Susan Brown). en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. Alice. Laurence Harvey (Joe Lampión). A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. W. como atestigua el hecho de que. DURACIÓN: 117 minutos. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. Donald Wolfit (Mr. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. a finales de aquel mismo año. Ambrosine Philpot (Mrs. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. contando con un Chaplin que. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. sobre todo.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. MÜSICA: Mario Nacimbene. Griffith o F. En su ensayo de 1949. Joe Lampton. trasciende las innovaciones técnicas del momento. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. Argumento Decidido a hacer carrera. Murnau. La gran época de la comedia. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». se encontraron personajes como Winston Churchill. pero es que.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. en esta película. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). con unos ingresos de un millón de dólares. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. está empeñado en conquistar a Susan Brown. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. además. B/N. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. Donald Houston (Charles Soames).

en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. Comentario A finales de los años cincuenta. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. Steve Bisley (Jim Goose). Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. de forma un tanto vaga. DURACIÓN: 91 minutos. Cuando el poli- . generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). Hugh Keays-Byrne (The Toecutter).258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. Man at the Top. mientras Lampton. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. dirigida por Ted Kotcheff. 1979 DIRECTOR: George Miller. en particular. contrae matrimonio con Susan. Un lugar en la cumbre. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. FOTOGRAFÍA: David Eggby. Alian Sillitoe. las de aquellos cineastas que. mientras que el personaje de Joe Lampton. Roger Ward (Fifi Macaffee). En términos cinematográficos. Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. estrellándose con su coche. Stan Barstow). como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. MadMax. se suicida. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. Tim Burns (Johnny the Boy). domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. sobre todo. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. tres años después de su inicio. Nominada para seis premios de la Academia. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. gracias. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. con Sábado noche. 1959) y de Braine. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). MÚSICA: Brian May. que. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Joanne Samuel (Jessie). 1963). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. hundido en la miseria.

y que. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. Max vuelve a unirse al cuerpo y. rebosante de acción. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. a un tiempo.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». Mel Gibson. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. insiste en que abandone el cuerpo. Su director y co-guionista. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. la novia de Max. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». Entre tanto. «El Cortador de Dedos». vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. persigue a los motoristas y acaba con ellos. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. Jessie. 1981). el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. pero que posee también una poderosa textura emocional. un motorista demente. Miller. otro motorista psicópata. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. Cuando Goose es asesinado. Mad Max 2. a bordo de un Pursuit Special V8. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. Max abandona el cuerpo de policía. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores.pasara sin pena ni gloria. promete vengarse. 1985). pero éste. Con todo. George Miller. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. a su vez. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. la estrella de las tres películas. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. . propio de un solitario enloquecido y desconsolado. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. uno de los miembros de la banda. un licenciado en medicina. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. Mad Max es. armado hasta los dientes. todo lleno de puntillas y miriñaques.

regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. o que han tenido un final trágico. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). Olivia de Havilland y Errol Flynn. más recientemente. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). a Marcel Carné. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. 1959).a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). 1942). 1935). 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). 1957. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. más allá del amor (Ghost. por ejemplo. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. l990)oPretty Woman (1990). cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. . Niebla en el pasado (Random Harvest. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. Ariane [Love in the afternoon]. nunca se pasan de moda. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. pero las historias de amor. a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). 1989). Greer Garson y Walter Pidgeon y. o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. Ghost. aunque una selección circunscrita. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. como por ejemplo. por Les enfants duparadis (1944). Con frecuencia. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940).

le fue ofrecido en un principio a W. con sus diecisiete años era. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. como El pájaro azul (The Blue Bird. lo cierto es que. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. La película.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. siguiendo las instrucciones que le han dado. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). en rigor. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. GUIÓN: Noel Langley. De camino. Sin embargo. Bille Burke (Glinda). siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. Allí se encuentra con Glinda. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. La alternativa de Judy Garland. capacidad de asombro y vulnerabilidad. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia.UU. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). hoy en día. Dorothy. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). Aunque el Mago resulta ser un fraude. El personaje del Mago. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. Frank Morgan (El mago). cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). DURACIÓN: 101 minutos. MONTAJE: Blanche Sewell. que finalmente interpretaría Frank Morgan. Dorothy y su perro Toto son capturados. 1940). Fields. C. Edna May Oliver o Gale Sondergaard. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. una bruja buena. algo mayor para el papel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. MÜSICA: Herbert Stothart. que. Baum). y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. es devuelta a Kansas. iniciada por Victor Fleming. Aunque. fue concluida por King Vidor. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. en un primer momento. en ese preciso instante. fue considerada un mal menor. B/Ny Color. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin.

en 1985. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. ya muy adentrado en territorio enemigo. Frederick Vroom (General del Sur). PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. Johnnie emprende la persecución y. Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. Jim Farley (General Thatcher). la tecnología y los escenarios de la época. el armamento. 1990).UU. Argumento Al estallar la guerra. Devereaux Jennings y Bert Haines.266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. FOTOGRAFÍA: J. la querida locomotora que conduce John Gray. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. un mundo fantástico (Return to Oz). INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. los efectos especiales. DURACIÓN: 74 minutos. mientras que. de William Pittinger). serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. Un año más tarde. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. la memorable dirección artística.. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. Glen Cavender (Capitán Anderson). y de escaso interés. protagonizada por Diana Ross. Charles Smith (Padre de Annabelle). En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. Buster Keaton. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. bajo el título de Oz. Marión Mack (Annabelle Lee). inspirado en The Great Locomotive Chase. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. hasta llegar incluso a rodar en . importancia de su profesión. Afortunadamente. B/N. Schenck). aparecía una secuela tardía. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. Cuando llegan al puente de Rock River. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. de forma más sobria. los encantadores Munchkins. rescata a Annabelle. inmerecido pero quizá inevitable. Más adelante. obra de la factoría Disney. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica.

No obstante. Fredric March (Al Stephenson).. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. Teresa Wright (Peggy Stephenson). su atractiva mujer. se ha convertido en una extraña. . Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. tras haberse separado de su mujer. Homer. MÜSICA: Hugo Friedhofer. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. Por su parte. Fred Derry y Homer Parrish. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. Dana Andrews (Fred Derry). así como de su exquisita y relajada forma de actuar. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. tres soldados que regresan a casa. encontrará mucha más comprensión en Peggy. GUIÓN: Robert E. de MacKinlay Kantor). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. mientras que Fred. George Jenkins y Julia Heron. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. su prometida. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. MONTAJE: Daniel Mandell. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Sherwood (basado en la novela en verso. que ha descubierto que Marie. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. mientras que Fred. Argumento Al Stephenson. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer.UU. Al empezará a beber en exceso. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. la hija de Al. Virginia Mayo (Marie Derry). que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. Gloryfor Me. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. Millie.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. DURACIÓN: 182 minutos. 1946 DIRECTOR: William Wyler. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. Harold Russell (Homer Parrish). B/N. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia.

aunque un tanto impersonal. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. con una minuciosidad impecable. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. de Wyler.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. Nanette Fabray (Lily Marton). Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. Tony se vuelca en el trabajo. su cámara habitual. DURACIÓN: 112 minutos. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. la bailarina Gaby Berard. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». Sherwood. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. el más logrado ejemplo del oficio consumado. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. ya entrada en años. Ava Gardner (Estrella invitada). había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle.. Osear Levant (Lester Marton). Sus leales amigos. posiblemente. decide embarcarse en el proyecto. el extravagante Jef- . ajena a las grandes efusiones. Contando con la colaboración de Gregg Toland.su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. mientras que el actor no profesional. Cyd Charisse (Gaby). crean un espectáculo musical a la medida de su talento. Nominada para ocho premios de la Academia. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. Lester y Lily Marton. a pesar de contar con una primera actriz. una estrella de Hollywood. fue todo un acierto. Tony Hunter.UU. MONTAJE: Albert Akst. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). y un director. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. entre otros el concedido a la mejor película. 1944). Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Con inquebrantable tenacidad. Harold Russell. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey). a continuación. que finalmente sería el encargado del guión. a la que considera inadecuada para el papel. Wyler empezó por encuadrar la película. obtuvo seis de ellos.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

triunfe el amor. MONTAJE: Emile De Ruelle. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. por Tracy. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. posteriormente. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. pero olvida sus guantes. que ha sido asignado para el caso. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. se estrenara en junio de 1927. hoy en día. Webber decide poner en evidencia a Tracy. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. lo que sigue fascinando a los espectadores. La película. Argumento Durante una cena con su prometido. MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. No obstante. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. Sara Allgood (Mrs. finalmente. Por su parte. White). compuesta por trabajadores esclavizados. acompañará a su estudio. 1929 Hitchcock. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. Donald Calthrop (Tracy). el artista trata de aprovecharse de ella. la que entonces era su mujer. Thea von Harbou. uno de los cuales será encontrado por Webber. y el otro. B/N. . con su científico loco. el detective de Scotland Yard Frank Webber. Arnold y Norman Arnold.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. GUIÓN: Alfred Hitchcock. Alice. John Longden (Frank Webber). Charles Patón (Mr. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. que lo utilizará para chantajear a Webber. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. anunciada a bombo y platillo. en última instancia. Mientras se prepara para posar. la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. White). El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. al que. Benn W. atormentada por sus remordimientos.000 figurantes). Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). Cyril Ritchard (El artista). llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi.

desayuna con su familia. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. W. Marnie. sin embargo.W. que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. el pequeño coronel). INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). Miriam Cooper (Margaret Cameron). Griffith y Frank E. B/N. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). Aunque toda la película. todas ellas de Thomas Dixon Jr. Mae Marsh (Flora Cameron. la hermana pequeña). se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». 1935. donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. 1964). antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. Muchos serán los que mueran du- . quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. Argumento Año 1860. Walthall (Ben Cameron. Griffith). mitad enigmáticos. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). 1946. El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. entre otras muchas). Anny Ondra. el ama de llaves mulata de los Stoneman). Psicosis. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. así como en la novela The Leopard's Spots. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. a excepción del último rollo. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. la ladrona [Marnie]. GUIÓN: D. Mary Alden (Lydia Brown.W.. 1915 W. PRODUCCIÓN: Epoch (D. Griffith.UU. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. Henry W. a pesar de lo cual. MONTAJE: James Smith. FOTOGRAFÍA: C.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. 1960.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. Griffith. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. Bitzer.). EE. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. W.

entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». Griffith fue siempre el primero en hacerlo.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. The Clansman. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. firme defensor de la supremacía blanca. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». según se dijo. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión.000 dólares. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. desde una perspectiva ideológica. verdadero espanto. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. Phil Stoneman y su protegido negro. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. por otro. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. Si. En cualquier caso. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. en última instancia. Silas Lynch. y Margaret y Phil. desde un punto de vista artístico. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. Por su parte. Llegada la paz. su hermana. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. Dixon. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. Ben Cameron. contraigan matrimonio. por un lado. según reza uno de los rótulos). obteniendo. de paso. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. cuya mera sinopsis produce. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). . Griffith había inventado la gramática cinematográfica. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. Lynch coge prisionera a Elsie. hoy en día. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. No obstante. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. la película posee un argumento. Lo que. que ha caído prisionero. Ben Cameron. los indisciplinados y lujuriosos negros. sin embargo. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto.

cuyas grandes orquestaciones de color. 1976). por ejemplo. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. de Drácula. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). 1964). que figuró en la película Nosferatu. caso de La noche de Halloween (Halloween. cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. Jeckyll and Mr. 1920). como Mario Bava y Dario Argento. 1927). la productora de King Kong (1933). una película dirigida por el británico James Whale. 1942). que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. 1980) con sus innumerables secuelas. 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. 1931). Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street.286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. Posesión infernal (The EvilDead. caso. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. elvampiro (1922). 1954). que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. 1962). El relevo vino a tomarlo la R-K-O. Sin embargo. El exorcista (1973). 1978). También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. 1941). así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. de Alfred Hitchcock. Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). Hyde. o como Psicosis (1960). en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. . el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. Con El hombre lobo (The WolfMan.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. más o menos truculentas. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. Por su parte. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1956). La profecía (The Ornen. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. 1959). que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935).

1927 DIRECTOR: Abel Gance. realizando todo tipo de picados y giros. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. existían ya varias versiones de la misma. sí consiguió fue explotar al máximo. GUIÓN: Abel Gance. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. Cuando se estrenó en París. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. no existe una copia definitiva de Napoleón. juventud y los inicios de su carrera militar. En la actualidad. siguiendo la norma habitual. sin embargo. se mueve con extraordinaria agilidad. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. escena tras escena. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . Napoleón no constituye una excepción. las posibilidades de la cámara que. convertido ya en teniente. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. entonces como ahora. MÚSICA: Arthur Honegger. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. Pierre Schildknecht. dado que la película sólo recoge su infancia. Meinhardt y Eugene Lourie. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. no llegó a realizarse. DURACIÓN: 270 minutos. donde las imágenes. B/N. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. Años más tarde. en este sentido. Antonin Artaud (Marat). Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). el retrato está incompleto. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. En todas sus películas. Posteriormente. finalmente. Jacouty. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. quedan restringidas a una sola pantalla. y de manera harto novedosa. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. Lochavoff. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. Lo que. e incluso en el momento de su estreno. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. En todo caso. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. A pesar de su longitud y de su escala. Alexandre Koubitzky (Danton). Argumento En la academia militar. sin duda. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos.

cuyo marido. saca un revolver y dispara contra el escenario. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. Miller. como el joven Kenny Fraiser. Por su parte. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Opal. como Haven Hamilton y Barbara Jean.UU. Tennessee. Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. muy alejada de los estereotipos del cine negro. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. Argumento Nashville. que incluye todo el metraje conservado de la película. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. algunas ya veteranas. Durante el concierto. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE.. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. un ferviente partidario de Walker. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. Albuquerque. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. produciendo una sensación de aparente espontaneidad. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. como Los vividores (McCabe andMrs. Geraldine Chaplin (Opal). Barbara Harris (Albuquerque). la película. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. GUIÓN: Joan Tewkesbury. 1971). una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. o la aspirante a cantante. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. y Un largo adiós (The Long Goodbye. Keith Carradine (Tom Frank). Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. Entre los resultados se encuentran un western revisionista.LilyTomlin(LinneaReese). Ronee Blakely (Barbara Jean). Delbert Reese. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. de forma irreverente. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». DURACIÓN: 161 minutos. 1973). Famoso por su utilización de un sonido multipistas. una adaptación de Raymond Chandler. entre ellas. que huye de un matrimonio desgraciado. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. la reportera de la BBC. Fraiser . FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann.

sin embargo. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. Julie. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. Concluido el rodaje. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. el protagonista masculino. Natalie Baye (Ayudante). Tal sería el caso de Ronee Blakely. restablece la calma. Jacqueline Bisset (Julie). o de calidad aún no probada. La muerte en un accidente de coche de Alexander. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). DURACIÓN: 120 minutos.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». su director. Ferrand. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. MÚSICA: Georges Delerue. un hombre comprensivo. que trata de un joven francés cuya visita a . siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. la madre en Pamela. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. a partir de entonces. alcanzaron el éxito. Valentina Córtese (Severine). Jean Champion (Bertrand). se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. se está recuperando de una crisis nerviosa. el actor que hace de padre en la película. Dani (Lilianna). tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. por «Fin Easy». la actriz que hace de esposa. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. Alphonse. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. está destrozada por la enfermedad de su hija. la llegada de su marido. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. mientras que Severine. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). GUIÓN: Francois Truffaut. que. o de Lily Tomlin. Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria.

la mujer de Harper. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). John y Pearl. ha de hacer frente. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. James Cleason (Birdie). Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. para poder sacar adelante la película. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. No obstante.UU. Shelley Winters (Willa Harper).. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. recurriendo a todo tipo de malabarismos. Peter Graves (Ben Harper). finalmente. malentendidos matrimoniales e. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. tras huir río abajo. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). «la nuit americaine». Cuando salga de prisión. Powell ha encontrado la horma de su zapato. Los niños. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. que guardarán el secreto. intenta trabar amistad con él. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. DURACIÓN: 93 minutos. incluso. mediante la utilización de un filtro especial. interpretado magistralmente por el propio Truffaut.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. B/N. razón por la cual los franceses la denominan. una galería de personajes absurdos y. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. asesina a Willa. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. desengaños amorosos. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. Harry Powell. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. Powell es . esconde el botín y hace jurar a sus hijos. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). MÚSICA: Walter Schumann. Evelyn Varden (Icey Spoon). Ben Harper. su compañero de celda. un parado que ha asaltado un banco. Lillian Gish (Rachel Cooper). Poco antes de que Ben sea ejecutado. Argumento West Virginia. Antes de ser aprehendido. al trazar. a la vez. y a las que el director. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. un supuesto predicador ambulante. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. MONTAJE: Robert Golden. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. perfectamente creíbles. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. pero el obstinado Powell consigue localizarlos.

abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. donde se encuentra con Ben. Ocultos en el sótano.. el de Robert Mitchum. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. Romero. Russo. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. se van congregando en el exterior. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . Romero.terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. que ha sido víctima de un asalto similar. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. GUIÓN: John A. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. en número creciente. DURACIÓN: 96 minutos. que con el papel de Harry Powell. le respondí. Keith Wayne (Tom). encogidos por el miedo. "¡Presente!". Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). es innegable que se trata de una anomalía fascinante. Barbara huye a una casa cercana. descubren a otro grupo de rezagados.296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood. especialmente. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". Judith Riley (Judy). "Charles". "déjame a mí al frente de esa sección"». Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. 1968 DIRECTOR: George A. Duane Jones (Ben). Con todo. Karl Hardman (Harry Cooper). consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. relatada según los cánones del cine de suspense. a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. A resultas de ese fracaso. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. Los desnudos y los muertos. No obstante. Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. B/N.UU. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. le dije. FOTOGRAFÍA: George A. su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. Marilyn Eastman (Helen Cooper).

que consigue atrincherarse en el sótano. basado en un relato de James Kevin McGuinness. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. Kaufman. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. B/N. MÚSICA: Herbert Stothart. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. GUIÓN: George S. Bert Kalmar y Harry Ruby. MONTAJE: Wiliam Levanway. FOTOGRAFÍA: Merritt B.los zombis asaltan la casa. George A. El embaucador empresario Otis B. Alian Jones (Riccardo Baroni). Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs.UU. Ben. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). y es abatido a tiros por error. Morrie Ryskind. 1935 Sam Wood.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. matando a todos menos a Ben.. Margaret Drumont (Mrs. 1978). Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. Romero. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. Claypool). la película abandona la tradición heroica del campo del terror. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. Claypool que le presentará a la alta . La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. abandona su escondrijo. Driftwood). Gerstad. aliviado al verse rescatado. de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Chico Marx (Fiorello). 1985). Al Boasberg. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. contribuyen a hacer la historia más convincente. y el tono amateur que de ello se deriva. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. DURACIÓN: 90 minutos. Harpo Marx (Tomasso). La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. La Guerra de los Mundos. Argumento Milán.

salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. De ese modo. con resultados sólo ligeramente inferiores. un ayudante de camerino. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. el agente de Baroni. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. el niño prodigio de la M-G-M. . cuya estrella es Rosa Castaldi. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. el novio de la Castaldi. que no paraban de tomar notas. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. en Un día en las carreras (1937). los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. Por desgracia. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. y Fiorello. el productor Irving Thalberg. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. Afortunadamente. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx. Tomasso. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. iniciado por Thalberg. También dejó que. El intento de ampliar su público. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. antes de pisar los estudios. se dirigen a su hotel. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito.

No obstante. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker.Schnell (Harding. su esposa). Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. uno de cuyos referentes eran. Argumento Hutter. Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. . GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula.H. el principal interés de la película resi- Nosferatu. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. el vampiro NOSFERATU. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. 1922 Murnau. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. Greta Schroeder (Ellen. un agente de la propiedad). Alexander Granach (Knock. el empleado). su esposa). Alemania. Nosferatu). G. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. el propietario del barco). pero. de Bram Stoker). un empleado de una inmobiliaria. PRODUCCIÓN: Prana. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. B/N. Ellen. W. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. Gustav von Wangenheim (Hutter. para el público actual. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. creando una situación verdaderamente confusa). invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. que siempre había sido su punto fuerte.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. sin muchas ceremonias. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. en un principio. En este sentido. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. le deposita frente a las puertas del castillo. Tras un viaje lleno de premoniciones. las teorías postvictorianas de Freud. se verá asolada por la peste. a convertirse en un pelele inútil. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. precisamente. a pesar de lo cual. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. el destructor. en parte. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. pero Ellen en la película. es recogido por un veloz carruaje que. Como era de esperar. Aunque. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. DURACIÓN: 75 minutos. un cambio que. a su llegada. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. ciudad que. Ruth Landshoff (Annie.

con su Nosferatu. Pretorius para que colabore con él. Pretorius. invocar el espíritu. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. su creador. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). O. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. Henry Frankenstein. el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. vampiro de la noche {Nosferatu. B/N. que le enseña a hablar. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. Colin Clive (Henry Frankenstein). Ernest Thesiger (Dr. mejor versión del mito. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. Phantom derNacht. Heggie (El ermitaño). Entre tanto. con desiguales resultados. y a menudo también la letra. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. MONTAJE: Ted Kent. y seguramente todavía. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. Sin embargo. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan.. Con todo. pero fue Werner Herzog quien. The Return of Frankenstein. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). Septimus Pretorius). DURACIÓN: 76 minutos. de la primera. GUIÓN: William Hurlbut y John L. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D.UU. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. FOTOGRAFÍA: John Mescall. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. Hall. Enfurecido por semejante rechazo. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. 1935 DIRECTOR: James Whale. el Monstruo continúa causando estragos. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr.). un ermitaño ciego. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). intentó. P. trabará amistad con Pretorius. Una O'Connor (Minnie). un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. 1979). Tras una breve estancia en la cárcel. Balderston. Más tarde. MÚSICA: Franz Waxman. a diferencia de lo que solía ser la norma. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo).

reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. GUIÓN: Jean Cocteau. Niemann. La mezcla de terror y humor negro. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. Al llegar a casa de la Princesa. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». con Peter Boyle en el papel del Monstruo. caso. 1974). por ejemplo. de El hijo de Kong [Son ofKong]. María Casares (La Princesa). Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. que según él mismo asegura es su «única debilidad». Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. que él mismo ha creado. 1944). PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. el Dr. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. Marie Dea (Eurídice). se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. MÚSICA: George Auric. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. Édouard Dermithe (Cegeste). Juliette Greco (Aglaonice). volverá a reunirse con Eurídice. su esposa. el chofer de la Princesa. Orfeo ORPHÉE Francia. 1934). 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. DURACIÓN: 112 minutos. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. también ha muerto. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. tras lo cual morirá asaltado por una turba. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Francois Perier (Heurtebise). Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. B/N. Sin embargo. Argumento Orfeo. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. 1939). y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. le informe de que Eurídice. 1958).306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. embelesado por la enigmática Princesa.

Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. el protector de aquél en el cuerpo de policía. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). están filmadas de manera muy realista. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. ambientada en el mundo actual. se refugia en Sicilia. James Caan (Sonny Corleone). La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. en particular. . una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. y con la colaboración. se casa con Kay Adams. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». 1930) y Le testament d'Orphée (1960). tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. Ruddy). un capo rival. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. por el contrario. tras lo cual.UU. efectuada por Sollozzo. MÚSICA: Niño Rota. su antigua novia. Robert Duvall (Tbm Hagen). Su hijo Michael. Al Pacino (Michael Corleone). venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». el director funde su obsesión por los mitos griegos y. en un fantástico mundo subterráneo. no obstante.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. de Robert Towne). GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. es su película más conseguida. Desafiante siempre y. también divertida. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. está a punto de costarle la vida. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. Richard Castellano (Clemenza). De regreso a los Estados Unidos.a una concepción del cine como poesía visual. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. Haciendo gala de una portentosa imaginación. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. MONTAJE: William Reynolds. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. no mencionada en los títulos de crédito. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. Marc Laub y Murray Solomon. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. DURACIÓN: 175 minutos. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. Sterling Hayden (McCluskey). 1972 Francis Ford Coppola. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. por el mito de Orfeo. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. a menudo. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. y el otro. Peter Zinner. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. consolidando así su posición como nuevo padrino. La película. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. al ser abatido a tiros en la calle. Orfeo.

antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. orquestada con tonos operísticos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. Aunque en un principio permanece en silencio. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. Walt y su mujer Ann han adoptado . tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. por encima de todo. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. Parts. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. DURACIÓN: 148 minutos. con un genuino toque de autor. se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. M. Texas Alemania occidental/Francia. Argumento Travis Anderson. MONTAJE: Peter Przygodda. 1968). Aurore Clement (Anne Anderson). Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. MÚSICA: Ry Cooder. moral y económica del país. Robinson). FOTOGRAFÍA: Robby Muller. como son la presencia de estrellas en el reparto. consiguió que se aumentara el presupuesto. Hunter Carson (Hunter Anderson). un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. seguramente. a quien se consideraba un guionista de talento y. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. Gracias a su tenacidad. y. una saga sobre la «Cosa Nostra». la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. va contándole a su hermano Walt su historia. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. y en El Padrino III (The Godfather III.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». 1974). 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. Laurence Olivier. Natassja Kinski (Jane). Part II. El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. un nombre más asequible. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. en consecuencia. En este sentido. "Kit" Carson). 1990). Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. Dean Stockwell (Walter Anderson). el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood.000 dólares. Orson Welles y Edward G.

pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. Texas. Comentario Aunque esta austera y. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. el hijo de Travis. Irónicamente. sin duda. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. Alfinal. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). la adolescente . DU- RACIÓN: 114 minutos. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. su mejor papel hasta la fecha). el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. París. en el que es. en último término. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. Hunter insiste en acompañarle. empezando por su propio título. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Antonin Artaud (Massieu). sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. de la música y del cine. muy exitosa película. Louis Ravet (Jean Beaupére). Michel Simón (Jean Lemaitre). sin embargo. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). no llegará a solucionarse. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). a través de los libros y. su mujer. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. en la que se desvelará el motivo de su separación. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. la escena clave del film. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. B/N. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. París. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. de Joseph Deltell).la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. Como él mismo ha señalado. sobre todo. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. si bien se trata de una problemática que. Travis se marchará solo. Texas.

en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. DURACIÓN: 115 minutos. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. Pather Panchali India. pero. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). Urna Das Gupta (Durga). la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. una vez más. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. se resiste a hacerlo. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. pero ella se mantiene firme ante sus captores. Chúmbala Devi (La tía). para su director. pero triunfa en lo que. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). Subir Banerjee (Apu). según se dice. pide que se le aplique la pena. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. particularmente. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). es llevada a la estaca donde morirá quemada. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. considerado revolucionario en su época. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. Karuna Banerjee (Sarbajaya). Como ocurre en el resto de su obra. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. Dreyer trató con extrema dureza. . El verdadero tema de la película. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. Aunque su cuerpo haya sido destruido. el director danés optó por Juana de Arco. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. B/N. MÚSICA: Ravi Shankar.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. MONTAJE: Dulal Dutta. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. cuya canonización se había producido en 1920. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. debido a la complejidad de los decorados. era el único reino verdadero: el del alma. Con la cabeza rapada.

escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. ya en los años cincuenta. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. entre otras razones. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. esta película. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. para cuando Ray la filmó. Apu. sin ningún resultado. de Durga. sin embargo. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. si llegaba a completarse. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. acompañado de su hermana. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. Finalmente. reinició la filmación ya en 1953. posteriormente. tras un parón de varios meses. aunque teñida de lirismo. Que esto fuera así se debió. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. y su anciana Tía. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. a varios patrocinadores en potencia. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. Apu conocerá también el significado de la muerte. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. lo estuvo mostrando. En la escena más famosa de la película. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. se había convertido en un clásico contemporáneo. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. A pesar de todas estas dificultades. a lo largo de un año. sus hijos Apu y Durga. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. . Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés.

En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. El día más largo (The Longest Day. El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy.como Sonrisas y lágrimas (1965). o producciones convencionales del género de terror. 1974). ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. 1970).318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). No obstante. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. Volker Schlóndorff. 1976) y que. 1973). estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. caso de Pasolini o Bertolucci. Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). 1975). terminaría trabajando en los Estados Unidos. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). como El exorcista (1973). engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. Fred Schepisi y Peter Weir. A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. Mad. . No obstante. Peter Bogdanovich. la cólera de Dios (1972). caso por ejemplo de La conversación (1974). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. a principios de la década de los setenta. 1963). sería la película Mad Max. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). loco (It's a Mad. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. Lo cierto es que. donde realizó París. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). 1969) o Love Story (1970). buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. Mad World. con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). loco. en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. Mad. 1969). con La última película (1971). Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. Francis Ford Coppola. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. finalmente. con El padrino (1972) y Martin Scorsese. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. Aeropuerto (Airport. mientras otros directores. con Malas calles (Mean Streets. a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. 1962). el director de Aguirre. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. Texas (1984). mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. 1962) o El mundo está loco. 1966). 1972). cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit.

B/N. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. que. 1981. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). Jackson). sospechó que se trataba de un fraude y. Jean Heather (Lola Dietrichson). luego. tuvo tiempo de dispararle. realizada al alimón por Raymond Chandler. Tom Powers (Mr. Porter Hall (Mr. detective de la compañía. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). y el mordaz Billy Wilder.. El protagonista masculino. MÚSICA: Miklos Rozsa. Neff. su deseo por esa mujer le llevó. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. un vendedor de seguros. finalmente. etc. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. Cain. pero antes de que él la matara. Retorno al pasado [OutofthePast]. 1947. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. Sin embargo. trata de consolar a su amigo antes de que muera. Seitz. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. a pesar de lo cual. Argumento Walter Neff. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. DURACIÓN: 106 minutos. con sus diálogos afilados. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. Keyes.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. primero. Edward G. otro de los decanos de la novela policiaca. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder.UU. 1946. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. Dietrichson). Three ofa Kind). Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. MONTAJE: Doane Harrison. Adaptación de un relato de James M. Fred MacMurray es condenado por ase- . cada vez más asqueado. con frecuencia. Cain. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. Robinson (Barton Keyes). En el final original de la película. FOTOGRAFÍA: John F. En el caso de Perdición. tras llamar a la policía.).

es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. que no tiene explicación médica. que. MONTAJE: UUa Ryghe. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. Gunnar Bjornstrand (Mr. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. Esos 20 minutos de película. Alma. donde Elisabeth comienza a recuperarse. No obstante. Su estado. Jorgen Lindstrom (El muchacho). que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Persona Suecia. inesperadamente. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. el celuloide parecerá quemarse. por contraste. Bibi Andersson (La enfermera Alma).322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. pertenecientes a la fantasía del adolescente. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. Según se cree. Margarethe Krook (La doctora). Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. Vogler). cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. MÚSICA: Lars-Johan Werle. sabeth. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. a mitad del film. Comentario Persona. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. GUIÓN: Ingmar Bergman. que. DURACIÓN: 81 minutos. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). B/N. habla sin parar. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. Cuando llega el marido de Eli- . una mujer aquejada de una mudez psicosomática. Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount.

Marika Green (Jeanne). PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. tan evasiva. va adquiriendo. un Pickpocket Francia. a la vez. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. un estudiante solitario y sin dinero. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. Apesadumbrado tras la muerte de su madre. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). DURACIÓN: 80 minutos. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. no obstante. esa ambigüedad. Tras ser detenidos dos de sus colegas. al poco tiempo. se ve forzado a abandonar Francia. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. precisamente.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. Kassagi (Carterista). Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. y es. dromo. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. Argumento Michel. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. MONTAJE: Raymond Lamy. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. no es más que parte de la ilusión creada por el cine. B/N.sino por el propio acto en sí. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. después de mucho tiempo. Pierre Etaix (Cómplice). vuelve a quedar en libertad. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. GUIÓN: Robert Bresson. En última instancia. vuelve a encontrarse con Jeanne. pero. Jean Pelegri (Inspector de policía). Cuando regrese. La policía le detiene. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. Pierre Leymarie (Jacques). por principio. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. debida a un director que. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión.

Los Rojo. Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. decidido a devolver el oro robado. MÚSICA: Ennio Morricone. pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. consiguiendo ese efecto. La película.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. típicamente bressoniano. no puede considerarse una adaptación de la novela. 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. Wolfgang Lukschy (John Baxter). este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. le contratan para que trabaje a su servicio. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. enemigos declarados de aquéllos. Sin embargo. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). MONTAJE: Robert Cinquini. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). Finalmente abandona la ciudad. Luego engaña a los Rojo. Marianne Koch (Marisol). FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). Antonio Prieto (Benito Rojo). Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. . y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. en los que muchos serán los que mueran. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). A continuación se sucederán los enfrentamientos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi.

sin embargo.000 dólares.000 dólares. A pesar de la aparente oposición de su madre. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. John Gavin (Sam Loomis). también morirá a machetazos. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. DURACIÓN: 109 minutos. Russell. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. Poco después Sam Loomis y Lila. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella. de calidad muy inferior. Vera Miles (Lila Crane). aunque..UU. preferiblemente. Más tarde. Martin Balsam (Milton Arbogast). Norman Bates decide darle una habitación. así como por sus duelos interminables y ritualistas. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. por lo general. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. John Mclntire (Sheriff Chambers). FOTOGRAFÍA: John L. Janet Leigh (Marión Crane). MONTAJE: George Tomasini. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. en apariencia inagotable. MÚSICA: Bernard Hermann. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. la hermana de Marión. mediante unos primeros planos brutales. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). Psicosis PSYCHO EE. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver.000 dólares pertenecientes a su jefe. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). B/N. adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. Atraído por el guión. no demasiado caro. dándoles a su vez un cierto toque operístico. llegarán para investigar su desaparición. a poder ser. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). La película. Argumento Tras haber huido con 40. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). Marión Crane llega al Motel Bates. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. comenzó a buscar al protagonista que. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. debía tratarse de un actor conocido del público. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. Mientras exploran la mansión de los Bates. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. una versión oficiosa del Mercenario.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. Si Steve Reeves estaba descartado. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. de Kurosawa.

dirigida por el propio Perkins). El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). Donald Cook (Mike Powers). La utilización del blanco y negro. dos delincuentes juveniles. Zanuck). así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. un asesino y necrófago de Wisconsin. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. DURACIÓN: 84 minutos. 1983). a pesar de lo cual. Joan Blondell (Mamie). la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. por otro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. Jean Harlow (Gwen Alien).000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. Beer and Blood).330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. Edward Woods (Matt Doyle).no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. que. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. The Public Enemy EE. 1931 DIRECTOR: William Wellman. Beryl Mercer (Ma Powers). MÚSICA: David Mendoza. Psicosis III (Psycho III. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright.. una consecuencia del modesto presupuesto de 800. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. Un Norman. GUIÓN: Kubec Glasmon. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). así como las técnicas empleadas en su realización. ya bajo atención psiquiátrica. 1986. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. MONTAJE: Ed McCormick. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha. así como a su fotografía y dirección artística.UU. B/N. a su vez. por un lado. Norman. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. son. una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. Ed Gein. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. Más adelante. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. interviene Sam. aparentemente cuerdo. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch.

bordó su papel y creo. con su característico estilo bronco y agresivo. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. Comentario Se cuenta que. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. según se cree. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). En un principio. un papel mucho menos relevante. Bill. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. seguirá el camino recto. tras tres días de rodaje. James Cagney. . mientras acaba con la vida de Schemer Burns. el jefe de la banda rival. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. un rubia explosiva. y le mata de un disparo en la sien. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. las películas de gángsters están acabadas. Sin embargo. cuyo personaje. el arquetipo del gángster hollywoodiense. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. más violenta y más realista que jamás hayas visto». envuelto en vendas. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». Tom promete a su familia que. éste le respondió lo siguiente: «Mira. en adelante. tras más de sesenta años. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. ha pasado a la pequeña historia del cine. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. Aunque. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. pero la banda de Schemer le saca del hospital. sobre todo. Cagney. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. está basado en el gángster de Chicago. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. había sido elegido para interpretar a Doyle. Sin embargo. Cagney.

casi perfecta. DU- RACIÓN: 129 minutos. devorado por el rencor. un banquero sin escrúpulos. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. GUIÓN: Francés Goodrich. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. Smith Goes To Washington. un ángel. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. Corren las fechas navideñas. Hundido en la desesperación. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. Potter). que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. hacen de esta . su madre sería una viuda solitaria. Thomas Mitchell (Tío Billy). sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. 1939). Lionel Barrymore (Dr. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. MONTAJE: William Hornbeck. 1946 DIRECTOR: Frank Capra. Bailey). al igual que Capra.K. aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. el papel principal se destinó a James Stewart. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. Potter. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. había adquirido los derechos. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. se plantea la posibilidad de suicidarse. de Michael Wilson. Clifford Odets y Jo Swerling). que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. cuando Bailey. recayó en un principio en Jean Arthur. B/N. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. sin embargo. Aunque la R. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. no reflejada en los títulos de crédito. Henry Travers (Clarence).UU.O. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. un actor que. Desde el primer momento. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey). contando también con la colaboración. 1938) y Caballero sin espada (Mr. Donna Reed (Mary Hatch). Beulah Bondi (Mrs. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. En cuanto al papel de esposa. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios.. pero se le aparece Clarence. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You.

provocando una sádica guerra de nervios. Bates). Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. Finalmente. Della Flagg). Jane contrata al pianista Edwin Flagg. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. Marjorie Bennett (Mrs. con la intención de enterrarla viva.. en los últimos tiempos. Nominada para cinco Osear. causó sensación. pagando tan sólo 50. además.000 dólares a cada una de sus estrellas.000 dólares. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). Blanche decide vender su casa. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). es asesinada cuando trataba de liberarla. la película fue. las oportunidades descienden vertiginosamente. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. Joan Crawford (Blanche Hudson). interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». 1962 Robert Aldrich. una mujer cada vez más perturbada. El resultado. En vista de ello. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades. en el transcurso de la cual Elvira. Jane se la lleva a Malibu Beach. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. Anna Lee (Mrs. B/N. MÚSICA: Frank De Vol. que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». Maidie Norman (Elvira Stitt). ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. sumida en la más profunda locura. Victor Buono (Edwin Flagg). FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Cuando llega la policía. MONTAJE: Michael Luciano. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. el ama de llaves. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. DURACIÓN: 132 minutos. a Blanche. de los que no obtuvo ninguno. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta.UU. Jane.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. un fracaso comercial en el momento de su estreno. Cuando éste descubre . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. vive a merced de su hermana Jane. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). Argumento Blanche Hudson.

una corista. Hush Sweet Charlotte. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Sin embargo. Hall. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. el vagabundo se reúne con Georgia. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. querida (Fanatic. que ha descubierto su filón de oro. MONTAJE: Charles Chaplin. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. Tom Murray (Black Larson). en su viaje de regreso. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. fugiados en una remota cabana. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. si bien. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. ya iniciado el rodaje. McKay. Más adelante. los proble- .UU. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). Mack Swaim (Big Jim McKay). GUIÓN: Charles Chaplin. que ha recuperado la memoria. a la que invita a su fiesta de nochevieja. Entretanto. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. Betty Morrissey. Un rey en Nueva York (A King in New York. donde se enamora de Georgia. alfiny al cabo. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin.. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. Georgia Hale (Georgia). protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. B/N. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. 1967).l964).338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. debido a una enfermedad. En adelante. Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. DURACIÓN: 82 minutos. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. para que le ayude a encontrar su mina de oro.1964). Se produce una pelea. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares.

un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. una escena donde consigue crear. DURACIÓN: 88 minutos. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. Rashomon Japón.5 millones de dólares. un tanto desmañada. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. Masago afirma que. El bandido Tajomaru. DIRECTOR: Argumento Japón. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. Machiko Kyo (Masago). de Ryunosuke Akutagawa). A través de una médium. . sin embargo. y de la violación de su mujer. Por su parte. sostiene que se trató de un combate limpio. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. MÚSICA: Fumio Hayasaka. fue una de las producciones mudas más taquilleras. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. No obstante. el pequeño vagabundo. El leñador. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. Takashi Shimura (Tratante de leña). Masago. siglo VIII. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. acusado del asesinato de aquel hombre. por ejemplo. tras ser violada. enormemente popular desde el momento de su estreno. El relato deprime a un monje allí presente que. sometido a una persecución por toda la cabana. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). Masayuki Mori (Takehiro). sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. Minoru Chiaki (Monje). Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). Atrapado por una tormenta. La película. Takehiro. realizada por el propio Chaplin. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. B/N. Siguiendo un esquema característico de su autor. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. 1951 Akira Kurosawa. Estos rasgos se aprecian. partiendo de los objetos más comunes. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro.

El comentario realizado por el propio Kurosawa. por ejemplo. Natalie Wood (Judy). dirigida por Martin Ritt. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz.Ras- homon sería objeto de una versión. su innovadora estructura narrativa.1964). Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). en compañía de Judy y Platón. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. de los Siete samurais. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. ha llevado a algunos críticos a considerarla. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. la película. justo antes de saltar. la solidez de su trabajo actoral y. hace amistad con Platón. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. pero. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. Jim Stark. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. El resultado no estuvo a la altura del original. por encima de todo.. MÚSICA: Leonard Rosenman. Desoyendo el consejo de sus padres. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). quizá erróneamente. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. titulada Cuatro confesiones (Outrage. Ann Doran (Madre de Jim). fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . Sin embargo. como la víctima. convertida en el western Los siete magníficos.un exotismo que. Sal Mineo (Platón). y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. Jim da parte a la policía. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. MONTAJE: William Zeigle. y Laurence Harvey en el papel de marido. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. 1955 Nicholas Ray. Dennis Hopper (Goon). sin duda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. un autor que se suicidó en los años veinte. En su primer día conoce a Judy. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. un taciturno adolescente. DURACIÓN: 111 minutos.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía.UU. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. posteriormente. un muchacho huérfano. el jefe de una pandilla. Jim Backus (Padre de Jim). la guerra.

de Elia Kazan. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. y mejor actor secundario. a partir de Mozart. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). películas y otros tantos productos similares. como Rebelde sin causa. Paulette Dubost (Lisette). MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. Por otro lado. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. 1956). para Natalie Wood. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. llamado James Dean. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. Christine. cuando finalmente accede a hacerlo. que trata de vengarse. ropas. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). siguen rebosando autenticidad. es abatido a tiros por la policía. trata de encontrar unos valores que le sean propios. se entera de que su ma- . Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. MONTAJE: Marguerite Renoir. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. mejor actriz secundaria. Monsigny y Saint-Saéns. B/N. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. para Sal Mineo. el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). Marcel Dalio (Robert. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. Sin embargo. la esposa del Marqués De la Chesnaye. No obstante. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. Pues. marqués De La Chesnaye). Jean Renoir (Octave). Mila Parley (Genéviéve). embarcado en un angustiado proceso de autodefinición.

pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. cada vez que se contempla. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. prohibida por las autoridades de Vichy. Sin embargo. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. Una de las frases emblemáticas de la película. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. finalmente. Por su parte. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. Aunque. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos.y es uno de esos raros casos en que.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. más adelante. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. La regla del juego sería amputada drásticamente y. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. Por todos estos motivos. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. se descubre una nueva faceta de la misma. más adelante. Repleta de momentos memorables. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. En vista de ello. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. en realidad. con ese toque humano tan característico del director. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. aunque todos dan por sentado que. hasta componer. una farsa actualizada de Beaumarchais. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. Renoir señalaría. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. más tarde. un amigo de la infancia. el guarda de la finca. . irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida.

que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. 1938) y The Sea Hawk (1940). unos héroes dedicados a hacer el bien. algunas de ellas.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. Paul Newman o Steve McQueen. y los rebeldes apasionados. el James Dean de Rebelde sin causa (1955). desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. como Matt Helm o Derek Flint. Una escena. En la historia del cine norteamericano. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. el cine ha demostrado. 1991). le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. más adelante. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. Como señaló su hijo. por lo menos. acompañadas de sus respectivas secuelas. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). como Marión Brando. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. aunque no demasiado brillante. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). seguramente sea Indiana Jones. 1941). 1936). 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. 1974). o. el romántico solitario. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. . 1991). que encarnó Sean Connery. demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. sugerida por el propio Harrison Ford. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. 1937). un hombre cínico y desencantado. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». sin embargo. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. Rocketeer (The Rocketeer. No obstante. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar.

Elizabeth Young (Ebba Sparre). se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. N. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. siguen viéndose en secreto. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. y que. se va deslizando por la habitación de la posada. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE.UU. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. pasan juntos dos días de absoluta dicha. MONTAJE: Blanche Sewell. Mayer. Con todo. La Reina abdica. Entre ellos. Cuando su anterior amante. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. 1927). FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. Nils Asther y Franchot Tone. B/N. a instancias de su amiga Salka Viertel. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. más adelante. finalmente. la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. Cristina manda partir a Antonio. se sintió atraída por la vida de Cristina. Ya de vuelta en Hollywood. GUIÓN: H. Ian Keith (Magnus). Mientras se encontraba en Suecia. M. tras quitarse su disfraz. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. DURACIÓN: 97 minutos. Salka Viertel y S. mientras monta a caballo. siglo xvn. Greta Garbo. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). una reina sueca del siglo xvn. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. John Gilbert. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. se encuentra con el embajador español. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. aquel en que. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). Harwood. Argumento Suecia. Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. Willis. MÚSICA: Herbert Stothart. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. descubre su relación. le seguirá a España. se prescindió del actor británico. Harta de tanta guerra. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces. Magnus. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. en aquel preciso momento. Un día.. con la promesa de que. Aubrey Smith (Aage). la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. perdidamente enamorada. sin embargo. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). Sir C. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. Don Antonio de la Prada. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz.

Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman). Rose. Peter Bull (Capitán del Louisa). 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. MÚSICA: Alan Gray. Argumento África Central. Katharine Hepburn (Rose Sayer). que terminará por convertirse en amor. Eagle [Sam Spiegel]). una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. Walter Cotell (Segundo Oficial).UU. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. aún hoy. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. Entretanto. P. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. un individuo que siente debilidad por la ginebra. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. la mojigata hermana de aquél. Technicolor. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff.. La escena. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). a resultas del cual muere un misionero. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. El sentimentalismo de la película (que contrasta. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. MONTAJE: Ralph Kemplen. Condenados a morir ahorcados. Theodore Bikel (Primer Oficial). S. Aquel año. Cuando John Huston se incorporó al proyecto. Tras un ataque alemán. DURACIÓN: 105 minutos. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño.352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz.100 millas del río Congo. por ejemplo. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. Más adelante. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. libres de todo peligro. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. Finalmente llegan al . GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. encuentra refugio a bordo de La reina de África. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). Forrester). Por su par- John Huston. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. la Primera Guerra Mundial. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut).

que contaba con la pareja formada por una monja.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. Stumpy. Más adelante se unirá a ellos Colorado. favorecido por una buena provisión de dinamita. está tramando un plan para liberarlo. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. su ayudante Dude. Katharine Hepburn. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. más bien se trata de un telón de fondo. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. y un lisiado. 1957). Dean Martin (Dude). encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. Chance se salva de un atentado contra su vida. Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. Allison.1955).. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. Ward Bond (PatWheeler). En un primer momento. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). reflejados en la novela Cazador blanco. Walter Brennan (Stumpy). que el director utiliza como Río Bravo EE. casi abstracto. Kuter. interpretada por Deborah Kerr. el guardián de la cárcel. MÜSICA: Dimitri Tiomkin. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. Chance). Finalmente. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. se impone a la banda de Burdette. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. corazón negro. MONTAJE: Folmar Blangsted. al que aceptará como ayudante. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. Argumento La certeza de que Nathan. McCampbell). INTÉRPRETES: John Wayne (John T. DURACIÓN: 141 minutos. pero. Por su parte. y un marine. 1975). Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. Ricky Nelson (Colorado Ryan). H. Chance. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. . en un nuevo ataque. el hermano de Joe Burdette. Dude es tomado como rehén. Angie Dickinson (Feathers). un joven pistolero.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te.UU. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. papel que correspondió a Robert Mitchum.

Olivia de Havilland (La doncella Marian). con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. la fórmula. en particular. Chance.. MONTAJE: Ralph Lawson. a todos los efectos. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. pero valeroso carcelero. Claude Reins (El príncipe Juan). Eugene Pallete (Fray Tuck). Howard Greene. John Carpenter. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). donde figuraba como montador un tal John T. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. ambientado en la Martinica. Miller.UU. GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. en 1976. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. el pistolero Colorado y la corista Feathers. y Tenery no tener (To Have and Have Not. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. está la relación entre el sheriff]ohn T.356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. por tanto. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . Río Lobo (1970). aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. así. Sol Polito y W. Wallis y Henry Blanke). era una nueva versión. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. por un lado. su amigo alcohólico y. el viejo. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. sin demasiados cambios. FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. DURACIÓN: 102 minutos. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. 1939). por otro. mientras que. Patrie Knowles (Will Scarlet). Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. En la película que nos ocupa. 1944). No es de sorprender. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. Chance y Dude. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores.

En uno de sus asaltos. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. Comentario Desde 1908. coge prisionera a la doncella Marian. Guy de Gisbourne. En el combate que se desencadenará a continuación. año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. que no tardará en enamorarse de su captor. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. 1991). concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. atlético y picaro de todos ellos. el resultado final es un relato sin fisuras. 1922). y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. A pesar de ello. roe de las películas románticas y de aventuras. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. Ganadora de tres Osear. que se hizo cargo del rodaje de interiores. Korngold y el montador Ralph Lawson. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. 1976) y. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. Kevin Costner en Robin Hood. Robin de Locksley. Cuando Ricardo regresa. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . Jack L. en compañía de Robin y de sus hombres. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. Con Flynn como protagonista principal. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. en fecha más reciente. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. El Príncipe Juan y su aliado. Su único oponente. que recayeron en las personas de Weyl. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. 1936).358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. romántico. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. La película. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. Sin embargo.

MONTAJE: Eraldo Da Roma. Marcello Pagliero (Manfredi). GUIÓN: Roberto Rossellini. Harry Feist (Mayor Bergmann). INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. El día antes de su boda con la viuda Pina. que aún hoy sigue conmoviendo. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. todo ello. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. Más adelante. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. Aunque desde un punto de vista analítico. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. e incluso sus muebles. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). filmados. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. Manfredi. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. MÚSICA: Renzo Rossellini. La película. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. La crítica sigue dudando entre Ossessione. la adaptación de la obra de James M. B/N. Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. mientras que Don Pietro será fusilado. y Roma. Marai Michi (Marina). Francesco Grandjacquet (Francesco). PRODUCCIÓN: Excelsia.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. el proyecto. Megna. Francesco. donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. en la medida de lo posible. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. uno de los jefes de la resistencia comunista. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . Cain realizada por Visconti en 1942. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. el carácter melodramático de su trama. una antigua amante de éste. un cura de su total confianza. DURACIÓN: 100 minutos. Argumento Roma.

DURACIÓN: 89 minutos. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. uno de ellos el hermano de Jack. Rachel Roberts (Brenda). que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. Por otro lado. MONTAJE: Seth Holt. Arthur se compromete con Doreen. Hylda Baker (Tía Ada). Shirley Anne Field (Doreen). FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Bryan Pringle (Jack). como Visco nti y Vittorio De Sica. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. aprovechando que su marido se encuentra ausente. MÚSICA: Johnny Dankworth. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). como el Joe Lampton de Sábado noche. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. entre los que se contaban Stan Barstow. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. el actor teatral Albert Finney. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. le asegura que sus días de juerga no han terminado. en un principio. pero. ni un arribista. Con esta película. le fue ofrecido a Diana Dors. B/N. Tras pasar la tarde en elpub. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. dos soldados. Cuando a Jack le asignen el turno de noche. En cuanto al personaje de Finney. Arthur Seaton. Arthur tratará de que aborte y. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. mientras se encuentran bus- . cando piso. Sin embargo. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. este último el autor de la novela en que está basada la película. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). 1960). domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. 1959). su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. Norman Rossington (Bert). realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. se dispone a disfrutar por todo lo alto. hace noche en casa de Brenda. Comentario Sábado noche. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. poco después. Unido. John Osborne y Alan Sillitoe. se le resistirá. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). le propinarán una paliza. todos ellos personajes perfectamente definidos. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. Dando signos de mayor responsabilidad. no es ni un joven airado. cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. un obrero de las Midlands. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. El papel de la mujer casada y de más edad.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. una chica que.

Esa visión limitada y. MÚSICA: Henry Mancini. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. u n policía mexicano. Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. la culpabilidad del policía norteamericano. Janet Leigh (Susan Vargas). Vargas y Menzies. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. 1958 Sed de mal encargado del caso. Vogel y Aaron Stell.. B/N. para que su marido abandone sus pesquisas.UU. el voluminoso policía norteamericano .364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). Ray Collins (Adair). según se descubrirá. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). MONTAJE: Virgil M. Joseph Calleia (Pete Menzies). Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. el ayudante de Quinlan. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. Con objeto de frenar a Vargas. que permanece drogada. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. en última instancia. Víctor Millan (Manolo Sánchez). Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. el jefe de una red de narcotráfico. En el tiroteo que se sucede a continuación. Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. derrotista. aunque. Orson Welles (Hank Quinlan). mediante una grabación. Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. preparan una trampa que demuestre. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. uno de los sospechosos. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. de Whitt Masterson). INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. Joanna Moore (Marcia Linnekar). se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. entre otras razones. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. Argumento México. Vargas. Marlene Dietrich (Tanya).

Fraker. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. Welles sólo había sido contratado como actor. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. rodado desde una grúa. probablemente. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. John Cassavettes (Guy Woodhouse). que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). se verá forzado a recurrir a una trampa. Román y Minnie Castevet. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. Quinlan es una creación inolvidable. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. más adelante. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. lo cual no obstó para que. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. DURACIÓN: 136 minutos. FOTOGRAFÍA: William A. Ralph Bellamy (Dr. Quinlan es. un actor que trata de salir adelante. si actúa así. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. que había dado por sentado que Welles. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). Argumento Nueva York. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. Sapirstein). cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller.. 1968 Román Polanski. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. Guy Woodhouse. Sidney Blackmer (Román Castevet). la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. Todo en este film. Sea como sea.UU. MÚSICA: Krzysztof Komeda. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. con objeto de sacarle una confesión. En un principio. ante todo. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. Vargas. Maurice Evans (Hutch). un personaje de otros tiempos. se mudan a su nuevo apartamento. además de actuar. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. es. Ruth Gordon (Minnie Castevet). donde traban amistad con sus vecinos. Hank Quinlan. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. y su esposa Rosemary. sería el director del film. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. un su- perviviente de la época de la frontera. Guy le propone a Rosemary que tengan . es desmesurado. posiblemente. y que. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. A pesar de sus excesos estilísticos. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren.

en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. La película rodada para la televisión. en ese preciso momento. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. tras ser rechazado por Robert Redford. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. En cuanto al papel de Guy. en el que era violada por un monstruo con cuernos. sin embargo. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. dejándole un libro sobre brujería. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. La monja poseída (To the Devil A Daughter. muere de forma misteriosa. dirigida por Sam O'Steen. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. así como la nominación para dos Osear. 1976). La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. el montador de la cinta original. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares.1961). contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. Su golpe maestro fue. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. en el que se da a entender que Castevet es. al despertar a la mañana siguiente. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon.1974). Por otro lado. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. recaería en John Cassavettes. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. que. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. un brujo. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. finalmente. 1975) yLaprofecía (The Ornen. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. dará a luz. . en realidad. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. Rosemary se siente indispuesta y. al poco tiempo. se decide a consultar a su amigo Hutch que.

donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). delante de los niños. conocida como «Las murallas de Jericó». 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. el último tabú de la censura cinematográfica. desafiando así a las leyes de la época. Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912.comparten habitación para pasar la noche. y buena parte de la producción cinematográfica en general. un antiguo director general de correos. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. en cualquier caso. a la vez que. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. por el contrario. el sexo sigue siendo algo de lo que. por ejemplo. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. Hays. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. de hecho. Muchos países. los días del Código Hays estaban contados. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». el espectador ha de ser protegido. Aunque. poco después. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. en teoría. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. 1933). 1945). En el Reino Unido. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). En la actualidad. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. en Sucedió una noche (1934). donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. más conocido como el Código Hays. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. . mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. hoy en día. 1955). fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. Como consecuencia del Código. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. donde se trataba el tema de la drogadicción. en Estados Unidos. creada por la propia industria. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. se instituiría el Código de Producción de Películas. En el Reino Unido.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. se guiaría durante los próximos treinta años. Salvaje {The Wild One. mientras que una película como Víctima (Victim. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. la violencia extrema o la inmoralidad.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. han prohibido películas por motivos políticos y. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. domingo mañana (1960). muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. a cuyo frente se situó a Will H. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. Entre tanto. según parece.

Strangelove .UU. Dada la inutilidad del intento. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. Ralph Meeker (Cabo Paris). Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). FOTOGRAFÍA: George Krause. B/N. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. Argumento Año 1916. el General Broulard. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Harris). mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. DURACIÓN: 86 minutos. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. Kubrick.. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. George Macready (General Mireau). se decide éste a actuar en consecuencia. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. finalmente. el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. en nombre de una supuesta justicia. 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. GUIÓN: Stanley Kubrick. a unas 25 millas al oeste de Munich. mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. Wayne Morris (Teniente Roget). Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). MÚSICA: Gerald Fried. muy alabada por la crítica. si bien. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. MONTAJE: Eva Kroll. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. Sin novedad en elfrente. pero los artilleros se niegan a obedecer.372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. Así. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. La película. sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. Adolphe Menjou (General Broulard).

Mia. Bengt Ekerot (La Muerte). pues la Muerte no tardará en visitar a Block. sigue siendo una obra notable. Gunnar Bjorns- trand (Jons). Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. A. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Ake Fridell (Plog). Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte».374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. de la fotografía de Gunnar Fischer. el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. Bibi Andersson (Mia). Dios y la Muerte. En compañía de un herrero y demás gentes. toma su título de un pasaje de la Biblia. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. que fue rodada durante el verano de 1956. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. Curiosamente. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. A día de hoy. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. MÚSICA: Erik Nordgren. desafiándola a una partida de ajedrez.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. B/N. tanto por su audaz temática. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. Varios ayudantes y electricistas. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. 1987). que forman Jof. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. Argumento Tras regresar de las Cruzadas. reúne a su familia y parte de inmediato. 1964). y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. Lundgren. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte. La película. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. Tramalning). INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). 7-8. MONTAJE: Lennart Wallen. el amor. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. Nils Poppe (Joff). la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. Block se dirige al castillo de su familia. acertada. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. y sus hijos. su mujer. DURACIÓN: 96 minutos. casi desleído. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. una decisión . El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes.

DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. sólo se puede ir cuesta abajo». mentiras y cintas de vídeo. de forma vacilante. se da demasiada importancia al sexo. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». 1961). GUIÓN: Steven Soderbergh. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. en su opinión. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. él reconocerá que es impotente. Cuando ella le confiese que. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). gada por todo el asunto. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. mentiras y cintas de vídeo SEX. un abogado de éxito. mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. Más tarde. Andie MacDowell (Ann Millaney). carente de pretensiones. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. Comentario Sexo. En cambio. posteriormente. está casado con Ann. Graham. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. MONTAJE: Steven Soderbergh. manifiestamente impresionado. trata de iniciar una relación con Ann. se desenmaraña. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. en nuestra sociedad. Éste destruye sus cintas y. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. la hermana de ésta. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). accederá a ser grabada. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. LIES AND VIDEOTAPES EE. La película muestra cómo se va creando y.UU. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. que descarga su ira sobre Graham. ya se diera cuenta. Ron Vawter (Terapeuta). viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. Peter Gallagher (John Millaney). En este sentido. grabadas por él mismo. Ann le pide el divorcio a John. Argumento John. pero tiene una relación con Cynthia. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). aunque fuera de forma inconsciente. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- .376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. DURACIÓN: 100 minutos. Soderbergh parece querer indicar que. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. Sexo. mientras que Ann. MÚSICA: Cliff Martínez.. Cynthia. una pieza para cuatro manos.

pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. cuyo carácter escabroso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. a . DURACIÓN: 200 minutos. Terminado el combate. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). En vista de ello. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. Minoru Chiaki (Heihachi). en gran medida. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. Yoshio Inaba (Gorobei). no sería sino un síntoma de esa enfermedad. blo en previsión de que se produzca un ataque. En cualquier caso. Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. PRODUCCIÓN: Toho. GUIÓN: Shinobu Hashimoto.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. Daisuke Kato (Shichiroji). Kambei y Shichiroji se marchan. Aunque peque de cierto esquematismo. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. suscitó algunos equívocos. Siji Miyaguchi (Kyuzo). aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. B/N. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). suele ignorar. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores.

1980) yRan (1985). Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. Anthony Heald (Dr. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Para obtener información vital. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). En su ceremonia de graduación. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Hannibal «El Caníbal» Lecter. Ted Levine (Jame Gumb). Scott Glenn (Jack Crawford). la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. la hija de una senadora. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). dos grupos hostiles por naturaleza. como es habitual en el director. La sombra del guerrero (Kagemusha. es secuestrada. MONTAJE: Craig McKay.UU.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. Sin embargo. resulta de una gran eficacia. Lecter. Lawrence A. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. dirigido por John Sturges. MÚSICA: Howard Shore. apodado «Buffalo Bill». gracias a la pista de la mariposa. DURACIÓN: 118 minutos. 1960). PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto.380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. Entretanto. para entonces. y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. Bonney (Instructor del FBI). Frederick Chilton). . se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. Argumento Clarice Starling. un western de Hollywood. entre tanto. Como consecuencia de ello. una agente del FBI en prácticas. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. Clarice recibe una llamada desde Haiti. mientras Crawford. el climax. es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. Hannibal Lecter). sospecha que el asesino es Jame Gumb. Anthony Hopkins (Dr. Kenneth Utt y Ron Bozman). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. a escala mucho mayor. de donde rescatará a Catherine. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras.. un asesino que se encuentra en prisión. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. Catherine Martin. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. tras matar a Jame de un disparo. aprovecha un momento de descuido para escaparse.

El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. y su prometida. una adaptación de la novela de Thomas Harris.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. mientras que será la propia Amy -a la que Helen. ha convencido para que se quede.quien mate al cuarto.UU. la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. La protagonista. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. un sheriff a punto de retirarse. En un prolongado tiroteo. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. sólo en Estados Unidos. la antigua novia de Kane. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane.. No obstante. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. consigue acabar con tres de ellos. de los asesinos en serie. Cunningham). el asesino invertido. de John W. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. Solo y asustado. típicamente norteamericano. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». Grace Kelly (Amy Kane). El dragón rojo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. Argumento Hadleyville. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. arroja . un personaje de una pieza.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. Amy. Katy Jurado (Helen Ramírez). asqueado. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). junio de 1865. en lo que hace referencia a los personajes. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». que. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. mitad maestro. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. DURACIÓN: 84 minutos. Otto Kruger (Percy Mettrick). INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). como no tardará en descubrir. Lloyd Bridges (Harvey Pell). mitad asesino. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. MÚSICA: Dmitri Tiomkin. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». MONTAJE: Elmo Williams. B/N. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. treinta años atrás. Lo cierto es que. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. Kane.

MÚSICA: Charles Mingus. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree.UU. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. Sombras SHADOWS EE. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949).000 dólares. comparte piso con su hermano Ben. un cantante negro. más que a su mensaje político subyacente. DURACIÓN: 87 minutos.384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. Solo ante el peligro. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. se ve asaltado por unos temores muy humanos. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas.000 dólares. que en lugar de su tarifa habitual de 275. Tom Alien (Tom). por su parte. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. Argumento Manhattan. Lelia se enamora de Tony. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. un drama sobre el mundo del boxeo. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. sin embargo. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. Ben Carruthers (Ben). Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. interpretando el papel de un hombre valiente que. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés. titulado «The Tin Star». Hugh. Hugh Hurd (Hugh). fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). Tom y Dennis. que. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real. Ben. un joven de piel más clara. El actor. 1966) o Julia (1977).000. Anthony Ray (Tony). fue contratado por la exigua cantidad de 60. más adelante. Foreman. Por su parte. y con su hermana Lelia. Rupert Crosse (Rupe). la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. más un porcentaje en los beneficios. B/N.. El tema se repite una y otra vez en su obra. se pasa todo el día con sus amigos blancos. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta.

K. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. Helen Broderick (Madge Hardwick). MONTAJE: William Hamilton. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. Comentario Muy probablemente. En cuanto a Hugh. la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. Max Steiner (dirección musical). Erik Rhodes (Alberto Beddini). como Faces (1968). Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). 1974). GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. el mayordomo). tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. Eric Blore (Bates. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers).O. fotografía de grano grueso. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared.. PRODUCCIÓN: R. y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. Hugh le echa del piso. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. Sin embargo.UU.). el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. B/N. Argumento Londres. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. 1935 Mark Sandrich. Berman). con una trama apenas esbozada. etc. Al partir de un guión mínimo. de Alexander Farago y Aladar Laszlo). y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. Walker. Realizada con un presupuesto muy bajo. a pesar de las discusiones con su representante. Mientras practica en la habitación de su hotel. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). DURACIÓN: 101 minutos. Ginger Rogers (Dale Tremont). (Pandro S. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L.

que figuraba en el quinto lugar del cartel. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. Sombrero de copa se quedó sin Osear. sentirán desbordarse su alegría. fue la pareja formada por Fred Astaire. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». y Ginger Rogers. Travers y Madge la siguen. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. Enterada Madge del malentendido. posteriormente. sin mediar palabra.. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa. erróneamente. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. 1934) y Robería (1935). un profundo afecto. realizar otras seis películas juntos. Nominada para cuatro premios de la Academia. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. hasta que una nota induzca a Dale a creer. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. en su momento.O. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. Beddini. . que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly).388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. el endeble guión sobre una confusión de identidades.K. le propina una bofetada. un antiguo bailarín de Broadway. en realidad. En ella.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río.000 dólares realizada por los estudios. permitiéndoles. con el ingenioso dúo de amor-odio. que se presenta en su habitación y. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. La alegre divorciada (The GayDivorcee. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. en realidad. Indignada. una ex actriz de vodevil. Dale y Jerry libres ya para casarse. otra residente del hotel. consigue ir limando asperezas. «Isn't This A Lovely Day» y. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo.

ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. en su conjunto. con sonido incorporado. tuvo cierto aire de fiesta privada. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica.. con posterioridad. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. o la de F.. en la actualidad. Una semana más tarde. la bibliotecaria de la Academia. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929. sean votadas por el conjunto de la Academia. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. Hoy en día. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975).30 centímetros de altura y pesa 3. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. A fuer de ser precisos habría que señalar que. Afincada en Beverly Hills. la historia más plausible parece ser que.» . que amenizó la velada con sus canciones. sin embargo. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. la Academia cuenta con cerca de 3. tiene 34. La estatuilla.. Louis B. con buen criterio.8 kilos. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G. Murray Abraham. en cierta ocasión.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». para que. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». y la presencia en el evento de Al Jolson. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. Margaret Herrick. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984). la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. al margen del prestigio que supone. sin embargo.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. una figura chapada en oro. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. discutible. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927.. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. 1927). mientras que la ceremonia.

adaptación. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). Sin embargo. la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. Argumento Salzburgo. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. tras cruzar las montañas. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. y Maria regresa junto a Von Trapp. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. antes de que la tarea recayera en Robert Wise.. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). en la revista Esquire.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. encuentra refugio en Suiza. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. en 1959. una muchacha algo varonil que vive en un convento. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. 1938. Según parece. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. sin embargo. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. Peggy Wood (Madre superiora). un viudo con siete hijos. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. sin el más mínimo ápice de realidad». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . 1965 DIRECTOR: Robert Wise. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. Maria regresa a la abadía de Nonnberg. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. Maria.UU. sin una nota en falso. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. Una vez allí. un espectáculo kitsch en estado puro. utilizando como tapadera un gran festival musical. huye con su familia que. Naturalmente. MONTAJE: William Reynolds. DURACIÓN: 174 minutos. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. y esta película tenía ambas cosas. Charmian Carr (Liesl). MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. No obstante. a su vez. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. Richard Haydn (Max Detweller).pero bastante ajustado. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. Dwight MacDonald. Eleanor Parker (La baronesa). Éste se niega a hacerlo y. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise).

. llegara incluso a boicotearse la película. Sergio Amedei y C. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. Paisa. MÚSICA: Renzo Rossellini. La combinación resulta violenta y refleja. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. (Roberto Rossellini). año cero. 1945. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. La actriz. 1946 y Alemania. Art Cohén. TERRA DI DIO Italia. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. pero. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. Renzo Cesana. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. a lo que habría que añadir en favor de la película. Al descubrir que está embarazada. En la pantalla. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial.O. 1947 [ Germania. los espectaculares paisajes de la isla. Traba amistad con Sponza. entre ellas las de mejor película y mejor director. Callegari. el farero. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. cinco de las cuales. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. sin embargo. 1953). DURACIÓN: 81 minutos. que. que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. el experimento no funcionaría igual de bien. la diminuta isla donde nació. en algunos lugares. en un sentido más general. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman.K. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. ciudad abierta. B/N. P. trata de escapar. Renzo Cesana (El cura). atino zero]). y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. El joven la lleva consigo a Stromboli. GUIÓN: Roberto Rossellini. Mario Sponza (El farero). El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. Mario Vítale (Antonio). Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. se convertirían en premios. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. en este caso. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. cuando se recupera. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. con la ayuda del farero. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma.

se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. Una manta tendida entre sus camas. Roscoe Karns (Osear Shapeley). convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. En él viaja también Peter Warne. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. El día de su boda con otro hombre. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. mientras que la Paramount. permite a Ellie conservar su pudor. el film que supuso su debut cinematográfico. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. una rica heredera. seis días y cuatro horas. pero la petición fue denegada por Louis B. que. Argumento Ellie Andrews. Margaret Sullavan y Constance Bennett. Mayer.UU. caso de Miriam Hopkins. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. un periodista que acaba de ser despedido. Walter Connolly (Alexander Andrews). DURACIÓN: 105 minutos. y ambos se fugan. además. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). Claire MacDowell (Madre). Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike.000 dólares por cuatro semanas de rodaje. el mandamás de la M-GM. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. a la que denominan «las murallas de Jericó». La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. Clark Gable (Peter Warne). «Night Bus». INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). al igual que había sucedido con la Metro. de Samuel Hopkins Adams). MÚSICA: Louis Silvers. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). Es sabido que otras actrices.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. MONTAJE: Gene Havlick. 1934 DIRECTOR: Frank Capra. 1927). B/N. . Exigió que se le pagaran 50. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones.. el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. rechazaron el papel. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. Jameson Thomas (King Westley).

donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. GUIÓN: William Faulkner. Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen.UU.que. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. Martha Vickers (Carmen Sternwood). El choque entre personalidades opuestas. Mars. B/N. Dorothy Malone (Dueña de la librería). al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. aparece desnuda. La pista de la desaparecida Sra. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. Mars le conduce hasta un garaje. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. MÜSICA: Max Steiner. 1934) o La fiera de mi niña (1938). MONTAJE: Christian Nyby. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. pero no inaccesible. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). . se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. Peggy Knudsen (Sra. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. había sido asesinado por Carmen. John Ridgley (Eddie Mars).398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. el jugador Eddie Mars. Sin embargo. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. DURACIÓN: 114 minutos. la seductora hermana de Carmen. una de sus hijas. Lauren Bacall (Vivian Rutledge). y hacia Vivian. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). de Eddie Mars). El hombre en cuestión es asesinado. con su personaje de una belleza distante.. en realidad.

Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. cuando ya era posible tratar cualquier tema. idéntico al de la película. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. es un lacónico eufemismo de la muerte). Franz Seitz y Volker Schlóndorff.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). My Sweet. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. Tener y no tener (To Have and Have not. Agnes se casa con Alfred. Jan. 1945) o Robert Montgomery. como Dick Powell. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. 1946). un tendero de Danzig. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. en La dama del lago {The Lady in the Lake. A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. Katherina Thalbach (María Matzerath). PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. da a luz a Agnes. muñeca {FarewellMyLovely. cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. eran ya marido y mujer. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. se echan Bogart y Bacall. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. si ni siquiera yo lo sabía!». se realizó una nueva y torpe versión. entre ellos algunos nombres ilustres. Argumento Polonia. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. DURACIÓN: 142 minutos. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. primeros años del siglo xx. particularmente en el intercambio de pullas que. Los fascistas toman Danzig. en Historia de un detective {Murder. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. En 1978. pero. La pareja. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. MÚSICA: Maurice Jarre. más adelante. como si fueran pelotas de tenis. Terminada la Primera Guerra Mundial. 1975). Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. en este caso ambientada en Londres. 1944). 1979 Volker Schlóndorff. entretan- . que quizá sea el padre de Oskar. ¡qué diablos. (basado en la novela de Günter Grass). Oskar. Mario Adorf (Alfred Matzerath). GUIÓN: Jean-Claude Carriére. Angela Winkler (Agnes Matzerath). Daniel Olbrychski (Jan Bronski). MONTAJE: Suzanne Barón.

precisamente. Tras ser capturado por los alemanes. Más adelante. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. y sería. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. que ha sido acusado de colaboracionista. El papel requería un niño de tres años. que. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. levemente trabados entre sí. Con todo. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. Tras la liberación. no obstante. regresa a Danzig. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. La película es un tour deforcé visual. sino mediante una serie de episodios. en la actuación de David Bennent. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. Schlóndorff. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. sin lugar a dudas. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. donde asiste al fusilamiento de Alfred. Jan es fusilado. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. . a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. que se encuentra sitiada.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. se refugia bajo las faldas de su abuela. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis.

UU. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. cargándose a un atracador en un supermercado. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. concebida como una especie de infierno en la tierra. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Cuando conoce a Iris. DURACIÓN: 112 minutos. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. ofreciendo una visión satinada. Con referencia a esta película. Peter Boyle (Wizard). De noche trabaja de taxista y. pero pronto es rechazado. que se define a sí mismo como católico. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. y . pero la falta de balas le impedirá hacerlo. durante el día. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. GUIÓN: Paul Schrader. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. Argumento Nueva York. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. Harvey Keitel (Sport). auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. Travis Bickle. Cumplida su misión tratará de suicidarse. una prostituta de doce años. partiendo de una inversión inicial de 2 millones. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. Posteriormente. MONTAJE: Marcia Lucas. Albert Brooks (Tom). un veterano de Vietnam.. el chulo de la chica. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets).404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. Foster (Iris Steensman). Una película que trata de la angustia religiosa. Lo logrará tras asesinar a Sport. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. para que acepte una cita con él. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno. Por su parte. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. consigue plasmar una frustración casi existencial. y un guionista como Paul Schrader. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). MÚSICA: Bernard Herrmann. Consigue engatusar a Betsy. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. Tom Rolf y Melvin Shapiro. Las connotaciones religiosas del drama son constantes. este retrato arquetípico de la vida urbana. una empleada de un equipo electoral. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. Cybill Shepherd (Betsy).

Calloway amenaza con deportar a Anna. atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. cia a los delitos que ha cometido. Argumento Al llegar a Viena. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. Martins mata de un tiro a Lime. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. Joseph Bato y John Hawksworth. Bernard Lee (Sargento Paine). DURACIÓN: 104 minutos. Alida Valli (Anna Schmidt). Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). se trata del mismísimo Lime. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). MÚSICA: Antón Karas. añadió a la elección de actores un toque de genialidad. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. Una noche. Orson Welles (Harry Lime). En vista de todo ello. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. GUIÓN: Graham Greene. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. Wilfred Hyde-White (Crabbit). Terminado el entierro de éste. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. tras abandonar el piso de Anna. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. la novia de Lime. Martins decide descubrir la verdad. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. 1960). mientras Anna. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. Trevor Howard (Comandante Calloway). El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. auspiciando así la reunión con Orson Welles. B/N.

un extravagante thriller con toques surrealistas. MONTAJE: Duwayne Dunham. Hope Lange (Mrs. aparente- . MÚSICA: Angelo Badalamenti. Y. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). 1976). le valió una nominación para el Osear al mejor director. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. Dennis Hopper (Frank Booth ). tuvieron quinientos años de amor. como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. En Suiza. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. democracia y paz. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams.» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. 1980). Laura Dern (Sandy Williams). En su calidad de autor de sus propios diálogos. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). Dean Stockwell (Ben). Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth.408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. no hubo más que terror. 1986 DIRECTOR: David Lynch. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco.UU. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. en treinta años de dominación de los Borgia. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. DURACIÓN: 120 minutos. «En Italia. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante.. Dejando a un lado otros proyectos. por el contrario. Williams). guerras y matanzas. GUIÓN: David Lynch. Cuando llega Frank. pero surgieron Miguel Ángel.

INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). TICA: Joseph Alves júnior. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. tras rodearlos. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. Matt Hooper. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. hace volcar el barco y devora a Quint. Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks.UU. Acompañado por Brody y Hooper. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. un viejo lobo de mar. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. Sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). MONTAJE: Verna Fields. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. de Howard Sackler y John Milius). se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. Cuando finalmente avistan a la bestia. MÚSICA: John Williams.. se hace a la mar. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. En una reunión de los vecinos del pueblo.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. Lorraine Gary (Ellen Brody). Zanucky David Brown). de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. no recogidas en los títulos de crédito. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. un experto en el tema. Cuando se capture a un tiburón. PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). Cari Gottlieb (Meadows). su alcalde. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. en un acto de desesperación. Quint. Brody. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. con colaboraciones. ésta los arrastra mar adentro y. . evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. de más ocho metros de longitud. Con Hooper temporalmente fuera de combate. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). Robert Shaw (Capitán Quint). DURACIÓN: 124 minutos. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island.

cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». El proyecto. MONTAJE: Robert L. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward).resultara creíble. En relación con éste. Jason Robards (Ben Bradlee). antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. basado en una novela de éxito. 1976 DIRECTOR: Alan J. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. Spielberg. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. DURACIÓN: 138 minutos. se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. se irían sucediendo a partir de entonces. Wolfe. MÚSICA: David Shire. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. Martin Balsam (Howard Simons). INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. con estas ideas en mente. Jack Warden (Harry Rosenfield). tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. con calidad siempre decreciente. Según su concepción. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. Pakula. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). a la manera de Hitchcock. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. Robert Redford (Bob Woodward). además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas.. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. de los miedos primordiales de la humanidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. los resultados fueron extraordina- ríos.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo.UU. 1974). Sin embargo. su primer largometraje para la pantalla grande. la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. no tuvo nada que ver con las secuelas que. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. Hal Holbrook (Garganta Profunda). cuya obra sería pasada por alto por la Academia. hacerse con sendos Osear por su montaje.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. Con todo.

un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda».750. para entonces. el director del Post. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. en este caso. por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. a convertirse en una película de primera categoría. 1972). con actores de segunda fila. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). supondrá la caída del presidente Nixon. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder.000 ejemplares. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. había vendido ya 2. ya era una inversión considerablemente alta. para finales del año 1975. finalmente. Alan J.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. Seguirán trabajando en el caso. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. al poco de haber jurado un nuevo mandato.000 dólares. «Garganta Profunda». John Mitchell. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. que. los medios de comunicación y el gobierno. el Jefe de Personal de la Casa Blanca. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. el Asesor Especial de la Presidencia. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. . mejor dirección artística. que administra el antiguo Ministro de Justicia. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. Animados por el apoyo del actor. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. para proteger la que. Siguiendo las orientaciones de su informante. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. mejor guión y mejor actor secundario.

este último. En un mundo como el del cine. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. o Jonathan Demme. la sombra del guerrero (Kagemusha. . Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. un film que supondría su despedida del cine. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. En busca del arca perdida (1981). 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. 1980). Sin embargo.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. por su parte. En cualquier caso. Voces distintas (Distant Voices. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). Así. con su Terciopelo azul (1986). su carácter imprevisible. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. de El gran azul (Le grand bleu. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. Un tipo genial (Local Hero. con El silencio de los corderos (1991). 1988) o con las películas de Derek Jarman. este último. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. No obstante. 1991).T. o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). La guerra de las galaxias (1977) y E. 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. Fuera del ámbito norteamericano. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. un cineasta que. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). 1983). caso de El color del dinero (The Color ofMoney. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). al promover una visión adolescente del mundo. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. Still Lives. no obstante. autor. la obra más taquillera de la década en su país natal. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Las puertas del cielo (Heaven's Gate. Martin Scorsese. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. hoy en día. David Lynch. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. precisamente. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. especialmente. Al otro extremo de la pirámide de las edades. El contrato del dibujante (1982). inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. (1982). La cinematografía china. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. cuyo éxito. elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. John Sayles y Spike Lee. que. 1986). tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. 1988).

UU. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. un colaborador habitual de Scorsese. en otro nivel. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». Por otro lado. finalmente. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. típicamente católica. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. pierde a su esposa. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). se niega a entrenar. Kirk Axtell y Sheldon Haber. mientras el rodaje estuvo detenido. B/N. En su calidad de dueño de un club nocturno. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. tanto dentro como fuera del ring. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. Joe Pesci (Joey). Una vez alcanzado su objetivo. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. DURACIÓN: 129 minutos. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. golpea a su leal hermano y pierde también su título. A pesar de que.de un total de ocho nominaciones. Theresa Saldana (Lenore). A lo largo de la película. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. con más del doble de votos que su más próximo rival. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). que produce la dicotomía cuerpo/alma. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. su disciplina se relaja. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. GUIÓN: EE.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. Cathy Moriarty (Vickie La Motta). Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. Frank Vincent (Salvy). uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. Nicholas Colasanto (Tommy Como). MONTAJE: Thelma Schoonmaker.

basado en el drama de Williams. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. Stanley. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Argumento Comentario Nueva Orleans. MONTAJE: David Weisbart. Rudy Bond (Steve Hubbell). con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. Karl Malden (Mitch). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero.. llamado Marión Brando. Nick Dennis (Pablo Gonzales). DURACIÓN: 125 minutos. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. que le escucha encantado. Feldman).UU.420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). Marión Brando (Stanley Kowalski). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. B/N. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. dejando solo a Stanley. Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. se mantuvo a Elia Kazan como di- . Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. Kim Hunter (Stella Kowalski).

cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. noticiarios. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. Josef Goebels. con la notable excepción de Jessica Tandy. Muy pronto. B/N. que fueron a parar a Vivien Leigh. MONTAJE: Leni Riefenstahl. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. Por otro lado. así como la decisión con que exploró. de Vivien Leigh. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. MÚSICA: Herbert Windt. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). la psique de su personaje. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. efectuado por el propio Hitler. un documental. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. de dentro afuera. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. inspirado en las ideas de Stanislavsky. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. Karl Malden y a la dirección artística. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. Tanto en las primeras escenas. que fue sustituida por Vivien Leigh. Aunque el film es. la maestría del montaje de . un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. Hitler y su ministro de Información. básicamente. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. DURACIÓN: 120 minutos. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. 1950). Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. obteniendo tres de ellos. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. El film fue nominado para doce premios de la Academia. que. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). igualmente eficaz.

en cierto modo. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. es otro documental de corte propagandístico. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). 1938). Ben Johnson (Sam El León). B/N. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. DURACIÓN: 118 minutos.UU. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Cuando Billy. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. un acaudalado joven. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. de una factura técnica impresionante. Aunque. los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. Texas. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. Ellen Burstyn (Lois Farrow). sea asesinado. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. la esposa del entrenador del equipo de fútbol.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. . en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. Su siguiente obra. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. una vez concluida la guerra. MONTAJE: Donn Cambern. Friedman). cuando el viejo muera. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. un muchacho retrasado. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen.. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. Duane. Jeff Bridges (Duane Jackson). GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). Entretanto. Argumento Año 1951. se sentirá muy apenado. frustrado por el comportamiento de Jacy. Cloris Leachman (Ruth Popper). 1971 Peter Bogdanovich. pero son interceptados por los padres de la chica. Anarene.

DURACIÓN: 100 minutos. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. un thriller lleno de originalidad y tensión. Hugh O'Brien (Pulford). Nevada. finalmente. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. arroja lejos de sí el . obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. Richard Boone (Mike Sweeney). volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. 1967). DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. No obstante. Hostetler). GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). 1976 DIRECTOR: Don Siegel. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. MÚSICA: Elmer Bernstein.. Gillon interviene para matar al camarero. PRODUCCIÓN: Mike J. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. 22 de junio de 1901. Ron Howard (Gillom Rogers). al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. James Stewart (Dr. Acaba con los tres. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. compasión y emotividad descarnada. Frankovich y William Self. el director John Ford. y allí traba amistad con Gillon. el hijo de ésta. pero queda gravemente herido. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). Decidido a asegurarse una salida digna. asqueado. MONTAJE: Douglas Stewart. pero. que. ambientada muchos años después. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. Hostetler. sólo en los Estados Unidos. El último pistolero THE SHOOTIST EE. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. una secuela. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers.UU. Lauren Bacall (Bond Rogers). Argumento Carson City. Texasville (1990).

Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. Argumento París. Mauro Marchetti (Cámara de TV). el jugador de La diligencia (1939). donde hace poco se suicidó su mujer. Darling Legitimus (Portera). FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. Después. Todo en esta película.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. que hace del enterrador de Carson City. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). DURACIÓN: 129 minutos. 1955).que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. 1962). la electricidad. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. por ejemplo. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). Al día siguien- . algo que también es aplicable al propio género del western. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. que acaban de conocerse en un piso vacío. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. él regresa a su hotel. 1972 Bernardo Bertolucci. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Catherine Sola (Script de TV). desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard.que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. María Schneider (Jeanne). MONTAJE: Franco Arcalli. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. el cineasta Tom. 1962). con toda su pintoresca gama de pistoleros. Paul y Jeanne. caso de John Carradine. Al principio de la película. Franco Arcalli y Agnes Varda. 1972). el agua corriente. hacen allí mismo el amor. Lauren Bacall. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. Jean-Pierre Leaud (Tom). hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. Por otro lado. o James Stewart. coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. MÚSICA: Gato Barbieri. GUIÓN: Bernardo Bertolucci.

. Dorris Bowdon (Rosaham). Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. Mark Lee Kirk y Thomas Little. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. Por desgracia. Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. Jane Darwell (Ma Joad). aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. El último tango en París rebosa veracidad emocional. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella.UU. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. MÜSICA: Alfred Newman. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. Sin lugar a duda. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. con final en matrimonio. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. la segunda de ellas la de mejor director). . Comentario El último tango en París. puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. John Carradine (Casy). Con todo. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. Jeanne regresa al piso. Zanuck). Charley Grapewin (Abuelo Joad). Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla.430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Russell Simpson (Pa Joad). constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. y a pesar de sus fallos. El encanto se ha roto. B/N. a veces. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. MONTAJE: Robert Simpson. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. 1940 DIRECTOR: John Ford. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. DURACIÓN: 125 minutos. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y.

Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. Sin duda. convirtiéndose en un fugitivo. Tom venga su muerte. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. En los años sesenta. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). Publicado en marzo de 1939. encargó el guión a Nunnally Johnson. Ella.000 dólares. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. Nominada para siete premios de la Academia. . Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. que llegó a ser prohibida. en varios lugares de América. por su parte. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. e incluso quemada. En un campamento estatal de tránsito. Casy. 1964). me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». pero.tuvo algo que ver en ello. Darryl F. en este caso bien organizado. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. 1946). encuentra un refugio provisional. En un campamento al que llegan. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. en cualquier caso. un antiguo reportero de prensa. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. De hecho. Zanuck. Novela controvertida. y contrató a John Ford para la dirección. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. el jefe del estudio. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. la película fue finalmente galardonada con dos Osear.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. un sacerdote. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. entre ellos el de mejor actor.

1968) y sus numerosas secuelas. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). que fue merecedora de una nominación para los Osear. 2001. un colaborador de Kubrick en aquel film. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. 1990) mantuvieron la vitalidad del género.en una entrañable cursilería. Douglas Trumbull. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. 1902). En la década de los setenta. Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. el octavo pasajero (Alien. o la obra de Stanley Kubrick. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. T. 1958). a todos los efectos.434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. . cuando los encuentros con seres extraterrestres. con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. Invasores de Marte (Invaden from Mars. cuando salió a la luz su obra E. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. Wells en La vida futura (Things To Come. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). más en concreto. 1954).y con Atmósfera cero (Outland. generalmente hostiles. una odisea del espacio (1968). 1953) y. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. como ocurría en La humanidad en peligro (Them. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. 1936). película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). un film que. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. la más impactante de todas. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. sobre sus desconocidos efectos secundarios. una fe que. sin embargo. El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. 1979). o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. 1973) o Soylent Green. confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. una serie que aún hoy sigue impactando. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. 1981). Sin embargo. o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). (1982) había derivado . lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. G. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. El género. No obstante. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. 1951). debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. 1973). 1953). en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos.o degenerado. en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño.

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. tal decisión no le resta impacto a la película. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner.. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. Walter Huston (Jerry Cohan). INTÉRPRETES: James Cagney (George M. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. DURACIÓN: 126 minutos. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. estaba previsto que en la película. En un principio. productor asociado). Irene Manning (Fay Templeton). En cualquier caso. Tras la guerra. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. De igual modo. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. une a la familia por última vez. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». George Tobías (Dietz). La composición de George Washington Jr. MÚSICA Y LETRAS: George M. Cohan. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. Richard Whorf (Sam Harris). al igual que sucedía en la novela. B/N.UU. Cohan). Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. MONTAJE: George Amy. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. Joan Leslie (Mary). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. . Sin embargo.

Sin embargo. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. en un papel que le valió su único Osear. Tras quedarse huérfano en su juventud. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. al mismo tiempo. en todo momento. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. un 4 de julio. que se encontraba ya muy enfermo. GUIÓN: King Vidor. La película. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. La vida de casado no es precisamente sencilla.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. John queda destrozado y comienza a ir . INTÉRPRETES: James Murray (John). Narrada mediante flash-backs. Bert Roach (Bert). Eleanor Boardman (Mary). PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). Dell Henderson (Dick). A. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor.500. 1928 King Vidor.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. Contando con un presupuesto estimado en 1. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. James Cagney que. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. John V. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. interpretando el papel de la hermana de Cohan. gracias a su inmensa experiencia. el verdadero dueño de la misma es. sin embargo. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. según parece.000 dólares -de los que 100. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). desde el mismo día del nacimiento de Cohan. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. cuando su hija muere atropellada por un camión. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. Jeanne. B/N. Tomlinson (Jim). y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. Daniel G. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. hasta los momentos finales. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp..000 fueron a parar a manos de Cohan. MONTAJE: Hugh Wynn. Estelle Clark (Jane). DURACIÓN: 95 minutos. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. fue. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos.

su orgullo le impidió aceptarlo. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. Francois Perier (Elfiscal). Argumento Un país mediterráneo. Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. DURACIÓN: 125 minutos. Durante bastante tiempo no se supo nada de él. algo que. Georges Geret (Nick). Jacques Perrin (El periodista). z Francia/Argelia. Cuando años más tarde. un carismático parlamentario de la opo- .sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. MÚSICA: Mikis Theodorakis. «Z». 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. pero no obtuvo premio alguno. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. Jean-Louis Trintignant (El juez). pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. John toca fondo y decide suicidarse. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. California. su cuerpo fue hallado en el río Hudson. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. hasta que. no era demasiado frecuente. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. James Murray. sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. en la época. según se determinó se había quitado la vida. Vuelve a unirse a Mary. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). El actor principal. en 1936. MONTAJE: Francoise Bonnot.Irene Papas (Helene). y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. 1934). lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). al que la película sacó del anonimato. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos.

1981). el otro ocupante del vehículo. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. Yago. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. No obstante. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. Sin embargo. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. interpretado. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. el conductor de la furgoneta. no ocurre lo mismo con Z. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. En Estados Unidos. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. un testimonio que es corroborado por Vago. asegura que estaba borracho. además. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. por lo demás.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. En última instancia. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. sin embargo. 1973) o Desaparecido (Missing. Al margen de su dimensión política. Finalmente. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. unos rasgos que. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. . Con todo. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido.

Empieza el espectáculo (1979). El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. dirigida por Mike Nichols. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. Ocurre a veces. No obstante. o la versión de la novela de Conrad Nostromo. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. Por otro lado. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. poco tiempo después. que ganaría el Osear por su papel en una película que. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine.The Deep (1957). The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. Es interesante señalar que. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. tras dos semanas de rodaje en Suiza. (1966). Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. 1941) y El halcón maltes (1941). que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. si pueden. . un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. sería abandonada definitivamente. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. se le pasaron a alguien por la cabeza.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. 1977). por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). o The Jackpot (1975). En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. Ése fue el caso de Bette Davis. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. Tras dos semanas de rodaje. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). pero que nunca pasaron de ahí. 1991). o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. sin embargo. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. finalmente. sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. cuya financiación solía ser muy precaria. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. en algún momento. 1989). y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. en la actualidad. una comedia de Neil Simón.

no. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad.. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 . El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine. La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche..índice de artículos monográficos El silencio es oro. todos a bailar. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto». El cine negro «.en una palabra: emoción». El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. delante de los niños. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos».

Los Osear El presente.». La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos». la cólera de Dios (Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es. El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós. muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre.. derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 ..

el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 .T. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. (E.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) .T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.

.. Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) . 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París.. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. mentiras y cintas de vídeo (Sex. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) . térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 .460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max.... 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche.. lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli.. eine Symphonie des Grauens). el vampiro (Nosferatu. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead). domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo. Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). Texas (París.

115.212. 288 . 181 Terence Fisher. 153 Víctor Fleming. 257 Jean Cocteau. 88. 77 Stanley Donen.141. 266 LuisBuñuel. 70 FrankCapra. 148. 164 John Cassavetes. 176 Abel Gance. 65 AlanCrosland. 13. 324 Clyde Bruckman.218 Michael Curtiz. 28 John Frankenheimer.396 Marcel Carné.91 GeorgeCukor. 429 Peter Bogdanovich. 374 Bernardo Bertolucci. 425 Robert Bresson. 309 Constantin Costa-Gavras.23 Federico Fellini. 44 RobertAltman. 313 Sergei Einsestein. 178.264 John Ford.183 Norman Ferguson.334.336 Woody Alien.431 Milos Forman. Cooper. 181 Ingmar Bergman. 385 ClaudeChabrol.índice de directores James Algar. 252.139 Cari Dreyer. 155 Tim Burton. 100.322. 169 Walt Disney.338 Jack Clayton. 449 Kevin Costner. 234 Francis Ford Coppola. 181 RobertAldrich.445 VittorioDeSica.192. 255. 181 Ford Beebe. 273 WilliamFriedkin. 381 WilliamDieterle. 49.238 Jonathan Demme.357. 104. 307 Merian C.290 Michelangelo Antonioni. 63 Samuel Armstrong.96 Charles Chaplin.

72 George Lucas. 47.354.320 RobertWiene.227.278.98 John Huston.367 Gillo Pontecorvo. 360. 315 CarolReed.378 FritzLang. 190 Otto Preminger.111.345 Leni Riefenstahl. 146 Hamilton Luske. 194 RobertWise.406 Karel Reisz. 297 Roberto Rossellini. 413 Sam Peckinpah.Hee.224.271 Kenji Mizoguchi. 376 Steven Spielberg.398 T.392 SamW6od.302 Fred Newmeyer. 350 LouisMalle.372 Akira Kurosawa. 131. 198 Laurence Olivier. 134. 185. 42 Erich von Stroheim. 266 WilliamKeighley. 250. 440 Istvan Szabo. 127 Nicholas Ray. 53 Luchino Visconti. 220 MikeNichols. 181 David Lynch. 60 Prestan Sturges.418 DonSiegel.241.171.248 Sergio Leone.383 . 222 Alan J.292 KingVidor. 106 Francois Truffaut.420 Gene Kelly. 86 James W.387 VolkerSchlondorff.447 Jean Vigo. 113 D. 102 RaoulWalsh.357 Stanley Kubrick. 304 Billy Wilder. 196 Andrzej Wajda. 166 Nagisa Oshima. 173 George Miller. 276 Andrei Tarkovsky.215.401 Ernest B.Griffith. 229. 295 David Lean.364 WilliamWellman.331 WimWenders. 20 Alfred Hitchcock.394 Paul Satterfield. 84. 205 SidneyLumet. 203 Arthur Penn. 58 Rouben Mamoulian. Romero. 438 Dennís Hopper. 129 Joseph L. 181 George A. 67 Edwin S. 210.269 FredZinnemann. 137.30. 25 Peter Greenaway. 259 Vincente Minnelli. 341. 18 Alexander Mackendrick.74. 40 SamTaylor.W.Pakula.236 Orson Welles.283 JimHandley. Porter. 411 Josef von Sternberg. Mankiewicz. 51 Michael Powell.122. 181 Elia Kazan. 79 Román Polanski.220 Giuseppe Tornatore.33.162. 35. 109. 442 Steven Soderbergh.120.299 WilliamWyler. 408 Adrián Lyne. 243 Jean-Paul Rappeneau. Schoedsack.281. 423 Bill Roberts. 234 Martin Scorsese. 404. 327 ErnstLubitsch. 150. 362 Jean Renoir.329.181 Werner Herzog. 201.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. 245 HughHudson.427 Víctor Sjóstrom.311 James Whale. 343 SatyajitRay.436 Charles Laughton.352 Wilfredjackson. Horne. 125 EW.181 Howard Hawks.Murnau. 181 MarkSandrich. 157. 139 Buster Keaton.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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