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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. verdaderamente inolvidable». En cierta ocasión.. en su momento.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que... Este libro es. y morir sabiendo. Los clásicos del cine .. No me importaría nada que fuera algo así. Dorothy aventurándose por el arco iris. En suma. me sentiría muy halagado. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia. una mano que trata de coger una mariposa. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". simplemente. no hay nada que tenga más valor. les instruyó. bueno. toda una colección de clásicos del cine. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. la Muerte jugando una partida de ajedrez. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. aunque sólo sea un instante. mientras exista el cine. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. Años más tarde. me conformaría. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos.. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. les conmovió. la búsqueda de un elusivo halcón negro. por lo tanto. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray.. Tímidamente. les entretuvo. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había. les deleitó o.

Los marineros se hacen con el 13 . B/N. MÚSICA: Edmund Meisel. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). se ordena su ejecución. FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. Popov. DURACIÓN: 75 minutos. Vakulinchuk. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. Repnikova (Mujer de las escaleras). Sin embargo. provocándose así el estallido de la revuelta. uno de ellos. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). MONTAJE: Sergei Eisenstein. conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov).El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. Levchenko (Contramaestre).

Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. Lo más significativo fue. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. el más reciente de ellos. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa. De esta forma se cumplían. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. que ha muerto durante la refriega. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. 1987). Si bien. . de forma inmediata. no obstante. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. hasta cierto punto. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. la tripulación del Potemkin. según el cual. ante el temor de posibles represalias. hoy en día.

Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. 1928) y La edad de oro (1930). . Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. Un perro andaluz (Un chien andalou. Griffíth. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). su impacto a principios de siglo fue revolucionario. así como en la subsiguiente persecución. 1920). Aflash-back o el montaje alternado. W. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. Gran innovador de la técnica cinematográfica. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. No obstante. los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. En la escena que da título a esta película. 1922). Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. En 1919. dando lugar a dos llamativas producciones. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. Gish. en cambio. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. en Rusia. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. Hoy en día. Entre tanto. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. en los cines de todo el mundo. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. siempre estuvo en entredicho. Chaplin. Y de hecho. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). Posiblemente. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). Griffíth. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. Así. Pickford. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. De Mille. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. aunque un tanto diluido.

dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Julien Quentin. y su hermano Francois. D U RACIÓN: 104 minutos. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. Francois Negret (Joseph). uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. La relación entre los dos muchachos. Comentario Argumento Año 1944. muy querido. tan sencillo como sugerente. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. un muchacho de doce años. Peter Fitz (Muller). MONTAJE: Emmanuelle Castro. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . Al descubrirse las trapícheos que Joseph. Quentin). Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). a pesar de ser bastante travieso. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). Francine Racette (Mme. éste delata al Padre Jean a la Gestapo. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. y clausuran la escuela. marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). resulta absolutamente creíble. el pinche de la escuela. Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. El argumento. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. Francois Berléand (Padre Michel). en venganza por haber sido despedido. una experiencia que. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. realiza en el mercado negro.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. GUIÓN: Louis Malle. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). la Francia ocupada. aunque quizá esté un tanto idealizada. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela.

Armando Polanah (Armando).se va apoderando del control de la expedición. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. Aguirre sigue adelante. cuando finalmente se produce. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. . INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). se dedica a trapichear en el mercado negro. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). la cólera de Dios Argumento Perú. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. Aguirre. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). junto a algunos de los chicos de la escuela. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). y seguramente impremeditado. viene de manos de Joseph. MÚSICA: Popol Vuh. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. la cólera de Dios AGUIRRE. permite prever lo que habrá de ocurrir. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. Del Negro (Gaspar de Carvajal). Impulsado por su maníaca empresa. Tan sólo alguna intrusión ocasional. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). DER ZORN GOTTES Alemania. Pizarra. 1560. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». DURACIÓN: 93 minutos. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. El acto de venganza de Joseph. Aguirre. Dany Ades (Perucho). a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. su jefe.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. fruto del resentimiento. Helena Rojo (Inés de Atienza). que viaja acompañado de su esposa Inés. el líder del Frente Nacional. Al llegar al Amazonas. sella el destino de Bonnet. Edward Roland (Okello). la legendaria ciudad de oro de los incas. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). La traición.

GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). Alexander L. La película. durante el rodaje. B/N. sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. Orlov (Ignat. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. Okhlopov (Vassily Buslai). la verdadera motivación de su delirante empresa. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). V. Abrikosov (Gavrilo Olexich). Dimitri N. en la que Aguirre. fruto de la imaginación. constituye un estudio. MÚSI- Sergei Prokofiev. Novikov (Pavsha. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. DURACIÓN: 112 minutos. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. de una fuerza arrebatadora. una actitud que le valió numerosas críticas. N. Nikolai P. Aunque el propio Herzog reconoció que. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. noble de Novgorod). cuando las balsas emprenden su largo viaje. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. otra película de Herzog. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. N. el último superviviente. Sin embargo. Reúne un vasto ejército . a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. maestro armero). K. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. PRODUCCIÓN: Mosfilm. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. Fitzcarraldo (1982). constituye una imagen inolvidable. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. La escena final. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. Arski (Domash. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. Sin embargo.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. gobernador de Pskov). CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva.

GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. a orillas del lago Peipus. PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». B/N. A pesar de lo dicho anteriormente. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). Para los espectadores contemporáneos. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento.I: Martial Solal. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. 1967). para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. Liliane Robin (Minouche). Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). Daniel Boulanger (Inspector Vital). las películas de las décadas siguientes.24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. MONTAJE: Cecile Decugis. en el año 1242. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. MÜSIC. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. 1959 Jean-Luc Godard. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. libra una batalla campal decisiva. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. DURACIÓN: 90 minutos. mandada por el Príncipe. llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . presentan unos rasgos mucho más tradicionales. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. 1942-1946). estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. el primer fruto de su estilo tardío. 1928). se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. Eisenstein. Roger Hanin (Cari Zubart). En este sentido.

Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. a partir de mediados de los cincuenta. y contando con Chabrol como consejero técnico. Conmocionado. la nueva ola de cineastas franceses. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. Tras regresar de una cita. que. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. sin ningún reparo. Al serle imposible recuperar su dinero. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. les sigue la pista cada vez de más cerca. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. La policía. entre tanto. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. una estudiante americana que aspira a ser periodista. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. Claude Chabrol y Eric Rohmer). lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. en cambio. Tras haber pasado la noche juntos. Escrita en colaboración con Truffaut. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. .26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. se hacen de otras películas. para alabar. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. uno de ellos morirá. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema.

las salas del hospital. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. al amenazarle con informar de ello a su madre. Angela Lansbury. McMurphy intenta estrangularla. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. que le tuviera a él como protagonista. William Fraker y Bill Butler. Danny De Vito (Martini). éste se suicida. Finalmente. DURACIÓN: 133 minutos. además. A la mañana siguiente. posteriormente. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). cuando llamó la atención del director Milos Forman. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. Cuando regresa a su sala. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. Argumento El recluso Randle P. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). Thieves like us (1974). interpretando un pequeño papel en la película de su marido. es. una de las pelí- . Entre las actrices que. el Jefe Bromden. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). según parece. William Redfield (Harding). llevándoselos sin permiso de excursión. parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. Ellen Burstyn y Geraldine Page. Sería él quién haría el proyecto realidad. Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Louise Fletcher. MONTAJE: Richard Chew. Alguien voló sobre el nido del cuco. rechazaron el papel. que sería quien finalmente encarnara al personaje. McMurphy. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael.. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey.UU. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. pero es domeñado y. precisamente. es trasladado a una casa de salud mental del estado. que es. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. se encontraban Anne Bancroft.BradDourif (Billy Bibbit). se le somete a una lobotomía. Michael Berryman (Ellis). El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. 1975 Milos Forman. una noche. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. uno de sus compañeros. Lynzee Kingman y Sheldon Khan.

DURACIÓN: 114 minutos. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. GUIÓN: EE. entabla amistad con él.30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. Jarrett está a punto de enloquecer. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). Por otro lado. John Archer (Phillip Evans). En la prisión. No obstante. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. Virginia Mayo (Verna Jarrett). Hank Fallón. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F.. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). se ha liado con el gángster Big Ed Somers. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . conduce al FBI hasta Cody. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Vera. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. Steve Cochran (Big Ed Somers). el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. y Jarrett. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. B/N. un infiltrado de la policía. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. Edelman). MÚSICA: Max Steiner. Entre tanto. al verse atrapado en la refinería. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. la esposa de Jarrett. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. por la que su hijo siente auténtica devoción. Al rojo vivo nato. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh.UU. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). MONTAJE: Owen Marks. Margaret Wycherly (Ma Jarrett). pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers.

de joven. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). El campesino. Bodil Rosing (La doncella). de Hermann Sudermann). ambos pasan el día en la ciudad. porque. Cohan en Yanqui Dandy (1942). GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. Murnau. visité Ward's Island.UU. tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. Ralph Sipperly (El barbero). cuando llega el momento. Janet Gaynor (La mujer). finalmente. y otros trabajos menores. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. El papel de George M. un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. Mientras regresan a su casa en barca. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. B/N.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. DURACIÓN: 117 minutos. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. mientras grita un desafiante. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. ¡Dios mío. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. se enfrenta al oleaje. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. Al rojo vivo.. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. J. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). en cuyo caso. W. El personaje de Cody Jarrett. en un verdadero tour de forcé de emotividad.Farrell MacDonald (El fotógrafo). La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. en Arthur «Doc» Barker. 1943) o The Time ofYour Life (1948). Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. La cima del mundo». según parece. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera».32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). realizados para su propia productora. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. Ma. 1927 F. por el que obtuvo un Osear. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. En cierta ocasión. «Lo conseguí. Reconciliado con su esposa. está basado. como El vagabundo (Johny Come Lately. le de- . que.

DURACIÓN: 113 minutos. Melodrama pictórico y poético. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). . decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. W. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. Leslie Carón (Lise Bouvier). tanto en los decorados como en la interpretación.. Georges Guetary (Henri Baurel). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. Murnau. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor.UU. se desprende de la totalidad de la historia. Su esposa.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. reconciliación o sospecha. Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. 1928). cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. MÚSICA: George e Ira Gershwin. Osear Levant (Adam Cook). un soldado norteamericano. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. a otras de un mayor naturalismo. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. sigue sin aparecer. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. GUIÓN: Alan Jay Lerner. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. MONTAJE: Adrienne Fazan. Eugene Borden (George Mattieu). Aun evaluándola con criterios actuales. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. Argumento Jerry Mulligan. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. resulta absolutamente prodigiosa. cree que ha ejecutado su plan. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. Aunque es posible que fuera él mismo quien. A pesar de que la película fue un fracaso comercial. hasta el punto de que. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. Nina Foch (Milo Roberts). sin embargo. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). a la mejor fotografía y a la mejor actriz. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. a diferencia de lo que suele ser habitual. el campesino corre eufórico a su encuentro. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva.

Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. cantante. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. Mientras celebra su suerte en un club nocturno. Milo Roberts. Por otro lado. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. No obstante. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. de la compañía de la chiquillería del barrio. conviene mencionar que. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. Sin embargo. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. que dirigía el productor Arthur Freed. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. Manet y otros artistas. con unos ingresos brutos de taquilla de 4. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. bailes. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. en tiempos recientes. . Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. pues se trata de la prometida de Baurel. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec.5 millones de dólares. especialmente. diálogos y decorados. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). Finalmente. director y bailarín y. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. ésta se resistirá al idilio. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella.

El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. . Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. la primera película hablada del cine británico. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). sin embargo. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. a excepción de la palabra «cuchillo». Judy Garland y Greta Garbo. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929). Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. sin embargo. albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. Entre tanto. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. mientras que la Columbia. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. Por otro lado. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. al otro lado del Atlántico. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. 1931). Entre tanto. como Louis B. la Universal. Conviene no olvidar.y El cuarto mandamiento (1942). 1936). también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. Deeds Go to Town. se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. Mayer o Harry Cohn. 1939). por su parte. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. La R-K-O. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. Sin embargo. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). hayan sido objeto de numerosas críticas. en el Reino Unido. La M-G-M. entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). una modesta empresa creada por Harry Cohn. durante un breve período de tiempo. Marlene Dietrich y Gary Cooper. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». 1943).y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable.

R. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. El dubitativo protagonista. El espejo (Zerkalo. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. Argumento Rusia. PRODUCCIÓN: Mosfilm. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. En el curso de sus peregrinaciones. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). Como cabía esperar. Irma Raush (La muchacha sordomuda). es raptada. el rostro de Andrei. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky.S. Inspirado por esta visión. un monje y pintor de iconos del siglo xv. DURACIÓN: 185 minutos. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. .40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que. hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. A la conclusión de la obra. Más adelante. siglo xv. posteriormente. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). vertiendo lágrimas de dicha.S. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. se entretiene con un bufón. las autoridades soviéticas. comenzará a dudar del valor de su existencia. Paradójicamente. Color y B/N. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. el pintor de iconos Andrei Rubliov. MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. entre ellas. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. Nikolai Burlyayev (Boriska). Solaris (1972) y Stalker (1979). contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. y su film de reminiscencias personales. Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. El héroe epónimo. 1974). fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. Ivan Lapikov (Kirill). El fantasma de Teófanes se le aparece.

Marlene Dietrich. sin embargo. Briggite Helm. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). Borracho de placer y de champán. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. Abatido. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. B/N. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. DURACIÓN: 103 minutos. pero se queda cautivado por Lola-Lola. Rosa Valette (Guste. filmaran El ángel azul. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. una novela de Heinrich Mann. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). un mago). ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. 1928). Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. MONTAJE: Sam Winston. la seductora artista del espectáculo. regresa junto a Lola-Lola. en su lugar. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. es despedido. La última orden {The Last Command. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. De regreso a Alemania. Trude Hesterberg. de Heinrich Mann). GUIÓN: Robert Liebmann. publicada en 1904. con la llegada de las películas habladas. se contrató a Dietrich. FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. Argumento El profesor Immanuel Rath. Kurt Gerron (Kiepert. y habiendo perdido toda su autoestima. MÚSICA: Friedrich Hollander. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. regresa a su antiguo colegio y muere. pasa toda la noche en el local. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. su mujer). Marlene Dietrich (Lola Frohlich). el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. Hans Albers (Mazeppa). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. y fue el propio director quién le sugirió que. La trama básica de la película. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. que le convence para que se case con ella. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. Henchido de dolor. uno de los puntales de la comunidad.

INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). 1977 DIRECTOR: Woody Alien. 1930. tras una pelea. Tony Lacey. tras realizar un fútil intento de reconciliación. 1934. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. MÚSICA: Varios. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. 1935. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica.). finalmente. Annie Hall. Carol Kane (Allison). GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. 1932. ini- Con Annie Hall. y Alvy. constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. tiene algo de . una periodista. a la que el director vestía e iluminaba. resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. DURACIÓN: 93 minutos. El interés que el magnate del mundo discográfico.UU. deciden volver a separarse. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. negado para la vida. muestra por Annie. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. Diane Keaton (Annie Hall). cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. y en el vuelo de regreso a Nueva York. Tony Roberts (Rob). Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. en este caso. despierta los celos de Alvy y. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. Joffe). La Venus rubia [Blonde Venus]. se produce la separación. Alvy inicia una relación con Pam. Shelley Duval (Pam). Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. la pareja volverá a reunirse. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. etc. escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. Joffe para United Artists (Charles H. pero.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. Comentario AnnieHall EE. hoy en día. Paul Simón (Tony Lacey)..será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. Capricho español [The Devil is a Woman].

bajo el título provisional de «Anhedonia». Sheldrake. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter.. D. Baxter.el film es. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. Dobisch). acuciado por su conciencia. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). C. una circunstancia reconocida por la propia Academia. D. En recompensa por la cesión de su apartamento. un empleado de una aseguradora. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. Baxter. le consigue un inesperado ascenso. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas».46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. 1960 Billy Wilder. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). DURACIÓN: 125 minutos. MÚSICA: Adolph Deutsch. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. Tras declarar su apartamento zona prohibida. la ascensorista de la empresa. Diane Keaton. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. Edie Adams (Miss Olsen). mejor director y mejor guión. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). Diamond. B/N. Por todas estas razones. Ray Walston (Mr. a su vez. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». Argumento Las posibilidades de ascenso de C. envalentonado por su nueva situación. . A. entre ellos los de mejor película. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. Marshall MacLuhan. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. Baxter. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). Dreyfus). para crear un efecto cómico.UU. Fred MacMurray (J. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. L. J. se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. Jack Kruschen (Dr. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. Sheldrake). y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. el director de la empresa. GUIÓN: Billy Wilder e I. más bien. Panavisión. Rodada con su habitual secretismo. colocándole. MONTAJE: Daniel Mandell.

Wilder combina ambas en El apartamento. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. y. Apocalypse Now EE. Este último. Willard). aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. fue nominada para diez premios de la Academia. un capitán harto de combatir. Argumento Vietnam. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. una de sus obras más populares. (70 mm) (35 mm. Dennis Hopper (Fotógrafo). Francis Coppola. hasta entonces apenas explotada. INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. Wagner. Willard. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. El triunvirato formado por Wilder. versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). de la que. que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). Kurtz le explica su filosofía. L. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid].48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). en ocasiones. MONTAJE: Walter Murch. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. Frederic Forrest («Chef» Hicks). fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. etc. GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. Larry Fishburne («Limpio»). a su vez. con ella.. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). Diamond). es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. Greenberg y Lisa Fruchtman. ciertamente. de Joseph Conrad). Cuando se produce el encuentro. Kurtz). una generación más tarde. A.UU. Harrison Ford (Coronel Lucas). The Doors. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. El resultado fue El apartamento (1960). que. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). Technicolor. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. 1963). MÚSI- CA: Carmine Coppola. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. Gerald B. 1964). e insta a Wi- . el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento.. DURACIÓN: 141 minutos. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que.

A continuación. la película. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. el horror». pasando de 12 a 31 millones de dólares. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar.» Con esta ampulosa declaración. Martin Sheen. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. justo antes de que un tren llegue a la estación. tan típica suya. «Bronco Billy» Anderson. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. Eliot en La tierra baldía. según lo utilizó T.M. Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir. A. B/N. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. Michael «Crónicas» Herr. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. Willard parte río abajo. sin embargo.. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. horror y absurda belleza. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. Tras unírseles otros cuatro forajidos. Porter. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. entre otros. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. INTÉRPRETES: G. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). S. C. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». Es Vietnam. Abadie y Marie Murray. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. 1903 DIRECTOR: Edwin S. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror.UU. George Barnes. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. irónicamente. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. produciendo un efecto verdaderamente turbador. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Éste. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. Finalmente.fue. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados.

Comentario A principios del siglo xx. conformando una especie de retablo. vivo o muerto (TheBounty Killer. el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. la joven campesina con la que acaba . el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. por comparación. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. el capitán de la gabarra L'Atalante. No obstante. 1965). 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. constituye un importante jalón en ese proceso. de Edwin S. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. Dita Parlo (Juliette). la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). DURACIÓN: 85 minutos. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). Louis Lefebvre (Muchacho). el circo. «Bronco Billy» Anderson.hasta que. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. Porter. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. En cuanto al principal actor. aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. Nounez). sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. finalmente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. y se emprende la persecución de los ladrones. Entre tanto. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. Asalto y robo a un tren. MÚSICA: Maurice Jaubert. L'Atalante Francia. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. Durante la década siguiente. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). Rápidamente. Jean Daste (Jean). Argumento Jean. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. MONTAJE: Louis Chavance. abandonó la realización de películas en 1916. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). entre las cuales se contaban el melodrama teatral. B/N. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. Atrapados cuando procedían al reparto del botín. se forma una partida al mando del sheriff.

Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. Cuando Gaumont. Traba amistad con Pére Jules. decide soltar amarras y partir sin ella. y Jean. le contrató para que realizara lo que. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. el viejo y gárrulo compañero de Jean. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. finalmente. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. consigue localizar. Sus cortometrajes anteriores. a la que. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. . al hallarse momentáneamente separados. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. por un golpe de fortuna. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. Dos semanas más tarde. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. a primera vista. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. Al estrellarse contra el agua. fuera de sí. Al llegar a Le Havre. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. alternando momentos de comedia con otros de tensión. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. arroja un flotador por la borda. Distanciados ahora el uno del otro. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. En la película El último tango en París (1972). Juliette se escapa a tierra. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. uno de los grandes estudios franceses. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. franceses y belgas. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette.

pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. resultaban igualmente espectaculares. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. Sergei Bondarchuk. Guerra y paz (Voina i mir. 1977) y Gandhi (1982). El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). no obstante. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. De Mille. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. 1965) y tantos otros más. sin olvidar otras producciones que. De Mille. que protagonizó Richard Burton. por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). la que indujo a D. Cabiria (1914). o las primeras obras de Cecil B. La preponderancia de la figura de Cecil B. Sería.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. en 1923 y 1956). Douglas Fairbanks. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. en cualquier caso. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. Sergio Leone. se encuentran Sergei Eisenstein. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). o Werner Herzog. Finalmente. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. como Robin de los bosques (Robin Hood. que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. caso de Guerra y paz (War and Peace. W. La respuesta del público fue tan entusiasta. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. no tenía ninguna posibilidad de competir. por lo general. En el momento presente. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. de algún episodio bíblico. cultivó gran variedad de géneros. 1949). se embarcó en empresas de gran envergadura. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. 1962). Por otra parte. aunque no de carácter bíblico. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. 1954). por ejemplo. la enormidad de los costes. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. 1956) o Ben-Hur (1959). El Rey de reyes (The King ofKings. la pequeña pantalla. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. 1966-1967). que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. 1968). la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. una producción italiana. con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. 1953). y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. De ese modo. . 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. 1956). pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos.

solteras y liberadas sexualmente. una virulenta proclama a favor de la monogamia. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. Adrián Lyne. Glenn Cióse (Alex Forrest). FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. Cada vez más desesperada. Más adelante.la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. Stuart Pankin (Jimmy). Beth. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. En la pelea que se producirá a continuación. En un principio. Dan. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth.. consigue ahogar a Alex. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. momento en que Beth acaba con ella de un disparo.UU. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. presa de la angustia. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. como ocurre con una de las escenas culminantes. MÜSICA: Maurice Jarre. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. Berger. aparentemente. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. ha mantenido con Alex Forrest. Ellen Foley (Hildy). un hombre felizmente casado. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. DURACIÓN: 120 minutos. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. Michael Douglas y Anne Archer. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. Jaffe y Sherry Lansing). Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. GUIÓN: James Dearden. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. a todas luces desproporcionada. Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. 1987 Adrián Lyne. calcada de una escena similar en Las . titulado Diversión. pero ésta vuelve a levantarse. cuya realización fue confiada a otro compatriota. éste es un film con más estilo que sustancia. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). 1986). se estrella con su coche. Anne Archer (Beth Gallagher). ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. Más adelante.

1955). Jean Hersholt (Marcus Schouler). Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. «Sin dolor» Potter). es su prometida. Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. desesperado. además. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. Marcus arruina a McTeague. San Francisco. escrita por Frank Norris. Stroheim. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. Erich von Stroheim. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. McTeague. cada vez de forma más manifiesta. INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. una crónica de los bajos fondos de San Francisco. Consigue atraparle una vez muerta"». PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). abandona la ciudad. esposados el uno al otro.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. que. como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. se filmó un final distinto.000 dólares en la lotería. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. MÚSICA: Leo A. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. Frank Hull y Marguerite Faust. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. B/N. Jimmy Wang (Cocinero chino). Marcus deja el camino libre a su amigo. de Frank Norris). a la que terminará por abandonar.. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. MONTAJE: Erich von Stroheim. Zasu Pitts (Trina). porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. un joven minero. Caballerosamente. Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. luego. la prima de éste. al representarla. al desvelar que ejerce sin licencia y. se establece en . Kempinsky. McTeague. Gibson Gowland (McTeague).UU. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. Gunther von Ritzau (Dr. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. 1921). donde ambos morirán. bajo el sol abrasador del desierto. Una vez que McTeague y Trina se casan. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. Con posterioridad.

. Esa misma noche. A pesar de todo ello. La aventura L'AVVENTURA Italia. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. Sin embargo. Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. MÚSICA: Giovanni Fusco. DURACIÓN: 145 minutos. un feroz alegato contra la avaricia humana. cuando. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. hacen el amor. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. MONTAJE: Eraldo da Roma. en compañía de Claudia. De un montaje inicial de nueve horas de duración. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. resulta inusitada. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. James Addams (Corrado). parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. Monica Vitti (Claudia). pero. pasó primero a siete y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. más tarde. el arquitecto Sandro. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). GUIÓN: Michelangelo Antonioni. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). Renzo Ricci (Padre de Anna). Lea Massari (Anna). las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. por desgracia. no conseguirán encontrar su cuerpo. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. mientras termina la noche y comienza a amanecer. Mientras continúa la búsqueda. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. Más adelante. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. Anna y su prometido. B/N. Argumento Tras un mes de separación. 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. a cuatro. Dominique Blanchar (Giulia).

una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up.. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. vive o muere y.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). tampoco tiene la más mínima importancia). MÚSICA: John Barry. Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. Argumento Año 1863. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. en última instancia. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. Tras haber sido condecorado por su valor. se establece en una granja abandonada. más adelante. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. que. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. Grant («Cabello al viento»). 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. la utilización de la cámara como un elemento distanciador. el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. parece carecer de sentido. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. por supuesto. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. en este caso. finalmente. se enamorará de «En pie . 1955 y Elgrito[Il grido]. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx.UU. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. y evaluada. Más adelante. más que carecer de alegría. era poco menos que obligatoria. que permanecen vigilantes ante su presencia. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE. Dunbar). por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». MONTAJE: William Hoy. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). la tribu trabará amistad con él. Rodney A. Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. Graham Greene («Pájaro peleón»). GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. Stephen Potter y Chip Masamitsu. DURACIÓN: 180 minutos. el Teniente John J. Un malestar social tan abrumador es. Una vez allí. 1975).

su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. Además de constituir. A su regreso a Fort Sedgwick. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. por si fuera poco. Michele Kerbash (Fathia). 1991). Dotado de un buen ojo para el paisaje. entre ellos el concedido a la mejor película. Fawzia El Kader (Haahmal). Costner. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). Argumento Octubre. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. un entusiasta del género. B/N. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. Yacef Saadi (Saadi Kader). Brahim Haggiag (Ali La Pointe). 1957. Atrapado en su casa. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). 1965 Gillo Pontecorvo. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. en suma. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). Tommas Neri (Capitán Dubois). Ali La Pointe. DURACIÓN: 135 minutos. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin».66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. 1964). el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. sino que recibió siete Osear. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones.

Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. un camarada revela su paradero. consiguiendo así que el impacto de la película. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. el único superviviente será La Pointe. y en el Octubre. Finalmente. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. sin embargo.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. sino que aumente aún más. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. Sin embargo. la resistencia contra los franceses no cesa y. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. . habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. una película que contó con Marión Brando como protagonista. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. El FLN convoca a una huelga general. que desata una brutal ola de represión y torturas. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. En 1954. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. en 1962. A principios de 1957. Así. Sin embargo. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. Sometido a tortura. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. por ejemplo. no sólo no disminuya. Argelia obtiene su independencia.

Cari Grisson. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. canciones de Prince. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. No obstante. ignorando que éste posee una doble personalidad. Billy Dee Williams (Harvey Dent).UU. Pat Hingle (Inspector Gordon). «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. Con gran inteligencia. Argumento Gotham City. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. seguramente. tratará de vengarse de Grisson. su director. MÚSICA: Danny Elfman. hizo que Hollywood . Robert Wuhl (Alexander Knox). quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Kim Basinger (Vicki Vale). Tim Burton. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. libros y un largo etcétera. camisetas alusivas. Bruce Wayne. lo cierto es que la película. muñecos. El jefe del hampa. Sin embargo. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). Dadas las expectativas despertadas. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. debido a la intervención de Batman. se desdobla en la figura de Batman. Tras tomar a Vicki como rehén. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. 50 millones de dólares. cuando sea raptada por «The Joker». la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne.. organiza el asesinato de Jack Napier que. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. en última instancia. Batman es. Antón Furst. un millonario que lleva una existencia recluida. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. El actor. utilizando personajes creados por Bob Kane). hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. «The Joker» reta a Batman a un duelo. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). haciendo gala de una gran astucia. caerá en una cuba de productos químicos. El éxito obtenido por Batman. un ser deforme y trastornado. según se dice. el personaje interpretado por Jack Nicholson. el misterioso luchador contra el crimen. DURACIÓN: 126 minutos. Vicki comienza a desentrañar el misterio. MONTAJE: Ray Lovejoy. la obtención de un Osear. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. o al menos parte de ella. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. convertido en «The Joker». una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. La película fue objeto de una comercialización. Napier sobrevive y. El presupuesto declarado. Entre tanto.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». FOTOGRAFÍA: William Daniels. 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. James Stewart (Alfred Kralik). che en que se dispone a conocer a su amada. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. MÚSICA: Werner R. Heymann. se siente a disgusto con ella. finura y elegancia visual. Alfred Kralik. 1997). finalmente. B/N. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. Rubottom. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. Kralik protesta y es despedido. ahora como jefe de tienda. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. no recogida en los títulos de crédito. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). 1942). la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. 1992). pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. para evitar caer en el precipicio del mal gusto. Sara Haden (Flora). con la colaboración. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. Frank Morgan (Hugo Matuschek). como para darle demasiada importancia.72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. una combinación de ingenio. La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. Argumento Budapest. de Nikolaus Lazslo. uno de los empleados. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. Félix Bressart (Pirovitch). Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. el verdadero adúltero es despedido. Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. MONTAJE: Gene Ruggerio. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie.. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). de Ben Hecht). Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. otras como Robin Hood. DURACIÓN: 97 minutos.UU. PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch).

De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. Maxwell Anderson. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. DURACIÓN: 217 minutos. S. Stephen Boyd (Messala). en represalia. MÚSICA: Miklos Rosza. Horning y Edward Carfagno. Robert Z. Martha Scott (Miriam). una pareja que. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). She Loves Me. 1959 DIRECTOR: William Wyler. se compadeció de él. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. Más adelante.UU. el Cinemascope. Varios años más tarde. Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. La fastuosa producción de la Fox. N. La túnica sagrada (The Robe. que. 1953). el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). Jack Hawkins (Quintus Arrius). en consecuencia. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. Technicolor. mientras asiste a su crucifixión. Ben-Hur EE. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados. entre las que se cuentan. Haya Harareet (Esther). en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. Argumento Jerusalén. Leonard haría una nueva versión de la película. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. éstas se han curado milagrosamente de su mal. . Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. en cierta ocasión. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. Winters y John Dunning. de Christopher Fry. Antes de morir. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. Behrman y Gore Vidal. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. reconoce en él al hijo de un carpintero que. MONTAJE: Ralph E. no recogida en los títulos de crédito. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana.. Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). en particular. un antiguo amigo de la infancia. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. del general Lew Wallace).

hasta que. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. Incapaz de cumplir semejante orden. un buen día. En 1925. PRODUCCIÓN: Walt Disney. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. Terrel Stapp. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. la convence para que se coma una manzana envenenada. Moroni Olsen (Espejo mágico). Dorothy Ann Blank. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. Kenneth Anderson. Kendall O'Connor y Hazel Sewell.. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. Perseguida por los enanitos. . Harold Miles. Leigh Harline. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. Tom Codrick. un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. Hugh Hennesy. Y todos vivieron felices y comieron perdices. Sin embargo. GUIÓN: Ted Sears.y aunque. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. Otto Englander. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. Disfrazada de vieja bruja. Rodada en Italia durante un período de diez meses. recibe la visita del Príncipe Encantador. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). Lucile La Verne (La Reina). en un primer momento. Destaca en ella la dirección de William Wyler. la Reina cae por un precipicio y perece. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. la Reina visita a Blancanieves y. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. Paul Smith y Larry Morey. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. Harry Stockwell (Príncipe Encantador). McLaren Stewart. Dick Richard. 1937 Walt Disney. Argumento Criada por un reina perversa. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. MÚSICA: Frank Churchill. DURACIÓN: 83 minutos. Billy Gilbert (Alérgico). Earl Hurd. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. Richard Creedon. 1956). finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. Gustaf Tenggren. aquélla ordenará su muerte. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. con engaños. 1956).UU.

Obra llena de innovaciones y. Argumento Aburrida de la vida provinciana. a la vez. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. en .500. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. sin embargo. satisfacen las ansias de fama de Bonnie. que le promete un emocionante futuro. Denver Pyle (Frank Hamer). forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. del que le hizo entrega Shirley Temple. poco a poco. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. W. un mecánico. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. no recogidas en los títulos de crédito.78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». entretenimiento mágico y musical de primer orden. Moss. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. muy importantes. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty).000 dólares. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. caso de Blancanieves. Faye Dunaway (Bonnie Parker). Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. En 1934. tanto de los personajes humanos de corte «realista». INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. el cazador y el Príncipe Encantador. Bonnie Parker. Gene Wilder (Eugene Grizzard).. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey.UU. de Robert Towne. durante las Navidades de 1937. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. y su esposa. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. Pollard (C. la película había costado 1. Gene Hackman (Buck Barrow). Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve. En compañía de C. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood. Estelle Parsons (Blanche). anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. J.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. como de los enanitos. MONTAJE: Dede Alien. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. el hermano de Clyde. Sin embargo. con contribuciones. W.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. MÚSICA: Charles Strouse. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración.500. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. utilizó 250. Moss). una camarera. y. DURACIÓN: 111 minutos. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. y de Buck. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea.

Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. corrupto. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. Carol Lynley. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. . y a la mejor fotografía. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Comentario Una de las películas clave de su época. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. para Ellen Parson. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. con frecuencia. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. más bien. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. Natalie Wood. En un claro. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Buck muere y Blanche queda ciega. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo.

Si bien otras parejas. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. y un largo etcétera. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio.. fue el de Harold Lloyd. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. 1949). Un caso. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. 1988).82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. . Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. la relación. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. En cuanto a la situación en el Reino Unido. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. llena de calidez y buen humor. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. como Sopa de ganso (Duck's Soup.. el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing. No obstante. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. protagonizada por Bing Crosby. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. Tony Curtís. Walter Matthau y Jack Lemmon. Junto a Grant y Hepburn. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. el desvalido y acrobático vagabundo. Si Billy Wilder. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. por ejemplo. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. éste no obtendría renombre internacional hasta que. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. sin embargo. 1933) y Una noche en la Ópera (1935).. y. más tarde.. parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. en compañía de la propia Hepburn. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). En cualquier caso. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. entre los personajes de series como TheRoad to. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. de la extensa serie Carry on. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. cuyo más famoso personaje. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. como la formada por Abbott y Costello. Hoy en día. en parte similar.. Bob Hope y Dorothy Lamour. una vez concluida la guerra. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. su repudio del sentimentalismo. Judy Holliday. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. Doris Day y Rock Hudson. Durante muchos años. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). ejercerían una gran influencia en el género. iniciadas con Annie Hall (1977).

Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. Consternada. quedarían para ir juntos al cine y. es abandonada por el Dr. acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. y bastante más conmovedora. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. Calthorp. relativamente rara para una película británica. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. P. como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. B/N. Laura Jesson. Alee Harvey en la cafetería de la estación. una mujer casada de clase media. ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. Margaret Barton (Beryl Waters).84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. De vuelta a su casa. Stanley Holloway (Albert Godby. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. Trevor Howard (Dr. 1970). GUIÓN: David Lean. al encontrarse con unos viejos amigos. 1945 DIRECTOR: David Lean. DURACIÓN: 85 minutos. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. StillLife). típicamente británica y. la visita de la pareja al cine. Breve encuentro. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. Cyrill Raymond (Fred Jesson). PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). resulta mucho menos premeditada. más adelante. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). de sus clases medias. Alee Harvey). En este sentido. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. Breve encuentro consiguió también la hazaña. más en concreto. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. Joyce Carey (Myrtle Bagot). Luego. Como era de prever.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. Francke. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. guardia de la estación). al parque. actor y celebridad. contempla la posibilidad de suicidarse. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction.la película de David Lean. E. de ser nominada por la Acade- . al campo y a un restaurante. Williams y G. MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. tras un nuevo encuentro fortuito.

Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. 1969 Dennis Hopper. la postura antisistema. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). sólo en los Estados Unidos. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. GUIÓN: Peter Fonda.y los de la mayoría. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. regresa para matar también a Wyatt. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. Argumento Bien provistos de fondos. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. Phil Spector (Contacto).y tienen un mal viaje de ácido. rirá apaleado. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. un abogado alcohólico. Dennis Hoppery Terry Southern. recogen a un par de chicas de un burdel. donde su presencia no es bien recibida. era el principal componente del público que asistía al cine. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre. la versión televisiva. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. MONTAJE: Donn Cambren.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. Jack Nicholson (George Hanson). Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. y Hanson mo- . Fiantes ofPassion (1990). bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. sin embargo. por otro lado. Más tarde serán atacados por el sheriff. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). Mac Mashourian (Guardaespaldas). En 1974. Llegan a un pueblo. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. MÜSICA: Varios. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. Los dos motoristas siguen su camino. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson.UU. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. de Richard Kwietniowski. Deciden seguir por carretera hacia Florida. que han obtenido mediante la venta de drogas. el rock.. DURACIÓN: 94 minutos. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

Chabrol. el carnicero. parece estar inexorablemente predeterminado. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. William Guérault (Charles). De hecho.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. Su verdadera culpa. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. como desearía Popaul. que rápidamente esconde. decide mantenerlo oculto. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). y Popaul. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. una sobria historia de amor con tintes trágicos. Roger Rudel (Inspector de policía). según la cual. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. la sofisticada pero distante Héléne. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. o de haberle. De entre el bullanguero gentío. MONTAJE: Jacques Gaillard. en esta ocasión. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. dejando a la maestra sola con su culpa. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. En El carnicero. GUIÓN: Claude Chabrol. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). la maestra de la escuela. y el carnicero Popaul. el enfrentamiento entre la maestra. que. y no amor. en el Périgord. un mechero. con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. Popaul se suicida. sin embargo. Comentario Chabrol. tras el cual. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. DURACIÓN: 94 minutos. por ejemplo. completamente opuesta. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. Héléne descubre el cadáver de una joven y. Jean Yanne (Popaul Thomas). del posterior fu- . Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. al hacerlo. más como víctima que como asesino. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. como sucede. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. Ella le regala un mechero. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. un ser dulce y atento. junto a él. Mario Beccaria (Léon Hamel). así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. pero con un lado oculto atávico y brutal. MÚSICA: Pierre Jansen. por lo menos. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. Antonio Passalia (Angelo). Pasquale Ferone (Padre Charpy). La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. pero.

Finalmente.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. MÚSICA: Vangelis. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. . las hazañas atléticas de Eric Liddell. Nominada para siete premios de la Academia. Daniel Gerroll (Henry Stallard). que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. 1978). Nick Farrell (Aubrey Montague). llevado en volandas por su fe. Liddell correrá los 400 metros y. incluidos los de mejor película y mejor canción original. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). Nigel Havers (Andrew Lindsey).» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. Argumento Cambridge. un tema musical algo anacrónico. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. que vienen los británicos». Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. que ganará Abrahams. Ian Charleson (Eric Liddell). En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. MONTAJE: Terry Rawlings. DURACIÓN: 123 minutos. Harold Abrahams. y ganadora de cuatro de ellos. Al negarse a correr en Sabbath. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. proferida con ferviente entusiasmo. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. representando al Reino Unido. Ian Holm (Sam Mussabinni). el hijo de un misionero.con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. un publicista reconvertido en cineasta). fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. pero enormemente pegadizo. FOTOGRAFÍA: David Watkin. un ambicioso atleta. por delante del norteamericano Scholz.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. The Foxes (1980). Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). La película. en Escocia. Aunque esta amenaza. a su vez. los ganará en un tiempo récord. El expreso de medianoche (Midnight Express. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. del que Liddell sale vencedor. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. Entre tanto. 1919. GUIÓN: Colin Welland. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson.

la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. GUIÓN: Julius J. al conseguir restaurar. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. parecían indicar una situación de declive inexorable. en un principio. Claude Reins (Capitán Louis Renault). Peter Lorre (Ugarte). B/N. cuya interpretación de un jefe de policía. Wallis). Ésta había sido antes la amante . la fe en la industria autóctona tras una década en la que. DURACIÓN: 102 minutos. pero éste. como los niveles de calidad artística. MONTAJE: Owen Marks. sin embargo. Inesperadamente. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica.UU. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. y Phillip G. Conrad Veidt (Mayor Strasser). nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. propiedad del cínico Richard Blaine. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. los orígenes de la película no era muy prometedores. de Murray Burnett y Joan Alison). Ingrid Bergman (Usa). tanto las estadísticas de producción.. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine).100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. Como se ve. MÚSICA: Max Steiner. Paul Henreid (Victor Laszlo). fue nominada para un Osear). lleno de oficio. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. a América. su esposa. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. dos visados de tránsito caen en sus manos. aunque fuera momentáneamente. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. lo cual le convierte en objeto de especial interés. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. de Rick. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. Casablanca EE. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. delicadamente siniestro. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. Hoy en día. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. desde allí. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. no pare de crecer.

Mientras espera en un hotel. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. La película completó una trilogía informal. Argumento Polonia. Stanislaw Milski (Pieniazjek). y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). recibe la orden de matar a Szczuka. B/N. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Woody Alien rindió homenaje a la película. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. a su vez. del régimen comunista de posguerra. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. se despiden.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. Jan Ciecierski (El portero). en cierto modo. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. Adam Pawlikowski (Andrzej). Ewa Kryzjewska (Krystyna).)> o la inolvidable As Time Goes By. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. una mujer que acaba de conocer. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. Maciek. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. muchacho». igualmente oscura. Sam». pasa la noche con Krystyna. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). y a la aspiración. «Tócala otra vez. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. DURACIÓN: 105 minutos. último día de la Segunda Guerra Mundial. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. y Cenizas y diamantes. etc. Tras leer una inscripción en un cementerio. . Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. Por otro lado. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). MONTAJE: Halina Nawrocka. que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. Bogumil Kobiela (Drewnowski). Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. recibe el disparo de un oficial borracho. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. lo que aviva aún más sus dudas. de emular a Bogart. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. muy generalizada. el antihéroe desencantado. el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. Andrzej Wajda. 1972).

PRODUCCIÓN: C. finalmente. Vera Miles (Laurie Jorgensen). ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. cuando por fin encuentran a Lucy. Whitney (Merian C. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE. Technicolor. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. pero que. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . Samuel Johnson Clayton). Nugent (basado en una novela de Alan Le May).104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. Natalie Wood (Debbie Edwards). Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. la chica tiene que enfrentarse a Edward. V. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. a su vez. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. Whitney).UU. Sin embargo. se encuentra muy próximo al estado salvaje. V. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. GUIÓN: Frank S. Cooper y C. MONTAJE: Jack Murray. John Qualen (Lars Jorgensen). Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. En el camino. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. VistaVision. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). Ward Bond (Capellán castrense. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. Hoch. que. 1956 DIRECTOR: John Ford. Cuando el combate concluye. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). DURACIÓN: 119 minutos. la mate. gers cuando los comanches asalten el rancho. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. FOTOGRAFÍA: Winton C. tras asesinar a todos los adultos. y.. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. MÚSICA: Max Steiner. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz.

1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). por otro. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). Durante su adolescencia. Si. además. en el operador del cine. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios.106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). Pupella Maggio (María). Su regreso está teñido de tristeza. que también trata del pasado del cine. No obstante. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. que era el proyeccionista de la sala. MÚSICA: Ennio Morricone. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. Agnese Nano (Elena). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. por extensión. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. con toda la vida salvaje). finalmente. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. por un lado. MONTAJE: Mario Morra. se enamorará de una chica. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. Gracias a Alfredo. 1977). un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. Argumento El fallecimiento de su mentor. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. sólo que. . en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. Salvatore Cascio (Salvatore niño). sus implicaciones van más allá y lo convierten. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. él mismo se convirtió en sus ojos y. el legado de Alfredo. Alfredo. en este caso. Salvatore rodará un documental. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. espacial y psicológica.

George Colouris (Walter Parks Thatcher). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. Más tarde. interrogando a sus antiguos amigos y empleados. GUION: Hermán J. MÚSICA: Bernard Herrmann. (Orson Welles). antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas. Everett Sloane (Mr. la mansión del magnate. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. Mientras el periodista deja Xanadú. más que de lamento. Joseph Cotten (Jedediah Leland). Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. . ultramodernas e impersonales salas multicines.O. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. Ray Collins (James W. Dorothy Comingore (Susan Alexander). Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. de los niños revoltosos. Bernstein). Un periodista tratará de descubrir su significado. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. Gettys). Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). Agnes Moorehead (Madre de Kane). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. sus aspiraciones políticas se vienen abajo.. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. Se divorcia y se casa con Susan. B/N. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. Mankiewicz y Orson Welles. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. Darrell Silvera y Hilyard Brown. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. Kane morirá en la más absoluta soledad. DURACIÓN: 119 minutos. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone.K.UU.

Joe E.UU. en su lugar. Joan Shawlee (Sweet Sue). Brown (Osgood Fielding III). una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. Joe y Jerry. productor. perdido en el inmenso vacío de su mansión). cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. La celebración de una . Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). Logan). cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. Durante sus dos primeros años en los estudios. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. Ciudadano Kane fue.K. que ansia conocer el verdadero amor. la cantante de la banda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. tanto en los escenarios como en la radio. La película. según la cual. DURACIÓN: 120 minutos. granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». Orson Welles fue contratado por la R. está basada en un personaje real.110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. Osgood Fielding III. Pat O'Brien (Mulligan). el gran magnate William Randolph Hearst. Antiguo niño prodigio. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». Joe. 1959 Billy Wilder e I. por ejemplo. un millonario que colecciona matrimonios. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. Thoeren y M. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. George Raft (Spats Columbo). se sentirá atraído por «Daphne». Jack Lemmon (Jerry/Daphne). Diamond (inspirado en un relato de R. y apostando. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. Entretanto. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. A. Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. ante todo. B/N. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. MONTAJE: Arthur Schmidt. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. Tony Curtís (Joe/Josephine). una película de 1933. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. USA». INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). planos cortos y primeros planos. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. corteja a Susan. Sin embargo. y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. MÚSICA: Adolph Deutsch. le había valido grandes elogios.O. Si su admirada estructura. GUIÓN: EE. en 1939. Desechando la puesta en escena convencional. En Miami Beach. Argumento Año 1929. haciéndose pasar por un rico playboy..

Herbert). Billy Wilder. para Jack Lemmon. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. una agilísima modulación rítmica. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. y garantía segura de diversión. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler».vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. . y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud.1972). de la que saldrían películas como El apartamento (1960). Dave Hill (Mr. David Gant (Mr. tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. Herbert. un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. Hugh Fraser (Mr. El pintor Neville es contratado por Mrs. DURACIÓN: 108 minutos. su guionista y director. Sin embargo. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. entre ellos los de mejor director y mejor actor. para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. Neville). Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Anne Louise Lambert (Mrs. Joe. una dama de la aristocracia. Seymour). estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. Talmann). Con todo. Janet Suzman (Mrs. Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. MÜSICA: Michael Nyman. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. Inglaterra. Noyles). y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. razones de índole comercial. 1932). Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. Neil Cunningham (Mr. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». Argumento Wiltshire. cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. Sin embargo. Talmann). recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. 1694. lo que se ve en la pantalla es pura magia. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. Más adelante. le fue asignado a Tony Curtis. PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. disminuyeron las presiones. GUIÓN: Peter Greenaway. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. Sin embargo. MONTAJE: John Wilson. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). No obstante. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. Herbert). El papel de su compañero. el terror del hampa (Scarface. Irma la dulce (Irma La Douce. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos.

la película. mucho más fragmentarias y viscerales. . es cegado y dado muerte. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. por ejemplo. que. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. infrecuentes en una cinematografía como la británica. se descubre el cadáver de Mr. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. Según la propia descripción de su director. como. Cindy Williams (Ann). Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo.. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. Como condición para realizar el trabajo. La familia le echa las culpas a Neville. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. la iconografía y la música de Michael Nyman. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. por lo general. Alien Garfield (Bernie Moran). Neville coquetea también con Mrs. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. Finalmente. el cual. entendida como ejercicio cinematográfico. DURACIÓN: 113 minutos. Derek Jarman o Ken McMullen. GUIÓN: Francis Ford Coppola. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. aunque sea de forma paródica. que. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). John Cázale (Stan). que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. A fecha de hoy. Herbert en el foso. la hija de los Herbert. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. a partir de ese momento. se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. Talmann. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. Neville exige que Mrs. la película es un intrincado juego conceptista. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. Harrison Ford (Martin Stett). INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). Talmann.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. Frederic Forrest (Mark). y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). 1974 Francis Ford Coppola. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. MÚSICA: David Shire. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época.UU. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. suele desconocer la obra de otros realizadores. filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. MONTAJE: Richard Chew. al regresar para realizar un postrer dibujo. Con todo. algo a lo que ella consiente. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos.

Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). en el transcurso de tan sólo dos horas. que. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. Aunque su trabajo ya ha concluido. el director de la misma. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. la película también permite que Hackman. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. sin embargo. La conversación. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. En las oficinas de la empresa. la redención y la alienación contemporánea. . se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. la culpa personal. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. hasta entonces. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. No obstante. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. constituye. una de las películas más gratificantes de su director. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. en algún momento.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. Por otro lado.

Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. de los pobres y. en general. en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. y Umberto D (1952). Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero).1947) y. Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. En estas últimas. 1989). La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. 1950). dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. Sábado noche. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. de actores no profesionales. En los Estados Unidos. 1946). (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. la fantasía alegórica. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. 1978). y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. el neorrealismo fue. el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. siempre que ello fuera factible. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. de hecho. A pesar de todo ello. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». un acontecimiento que. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». Ladrón de bicicletas (1948). la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra.118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. ciudad abierta (1945). caso de La regla deljuego (1939). dirigido asimismo por Rossellini. domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. en el movimiento del Free Cinema británico. su última película juntos. más tardíamente. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. en sentido estricto. cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). Cain. inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. . intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. 1963). un film compuesto de varios episodios. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. que se plantea la posibilidad de suicidarse. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país.

Max. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. B/N. Seitz. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. en el papel de su antiguo mentor. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. Su guión. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. eran similares a las suyas. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. a pesar de lo cual. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. Norma visita a Cedí B. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. Sin embargo. La elección de Swanson. el escritorzuelo necesitado de recursos. está salpicado de humor negro. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. que le anima a que siga con su propio trabajo. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. Argumento El guionista Joe Gillis. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). Cuando Gillis trate de abandonarla. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. celosa. DURACIÓN: 110 minutos. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. MÚSICA: Franz Waxman. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. Charles Brackett y D. así como la de Erich von Stroheim. Nancy Olson (Betty Schaefer). fue un gran acierto. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. decidirá permanecer al lado de Norma. e incluso Mae West. Mientras se la llevan arrestada. pero Norma. una lectora de guiones. M. FOTOGRAFÍA: John F. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. 1950 Billy Wilder. En cuanto al papel de la actriz principal. aunque afortunadamente no su temperamento. Gloria Swanson (Norma Desmond). le matará de un disparo. Marshman júnior. precisamente. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. Pola Negri. Fred Clark (Sheldrake). exmarido y actual sirviente. GUIÓN: Billy Wilder.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. entre ellas. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. Lloyd Gough (Morino). INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). Gillis continúa viendo a Betty.. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. Mary Pickford. revelará que es un mantenido. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida.

sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. Años más tarde. 1942 DIRECTOR: Orson Welles. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. mejor dirección artística y mejor banda sonora. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. Isabel sufre un ataque al corazón. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. llegaran a su fin. Jack Moss y Mark Robson. B.O. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. tanto a nivel individual como en conjunto. DURACIÓN: 88 minutos. en el futuro. Nominada para once Osear de la Academia. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. se descubre que las arcas de la familia están vacías.K. Nilsson y H. Tras un accidente en el que está a punto de morir. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). Ray Collins (Jack Amberson). que se casa con el . MÚSICA: Bernard Herrmann. una novela de Booth Tarkington. podrá contar con ayuda. La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. Tim Holt (George Amberson Minafer). Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). con W. MONTAJE: Robert Wise.UU. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. Agnes Moorehead (Fanny Amberson). Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. el de mejor guión. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . B/N.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. Anne Baxter (Lucy Morgan). acaudalado Wilbur Minafer.. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. Sin embargo. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. Fields como protagonista. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. Warner. que se la llevará a Europa. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. C. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). (Orson Welles). el indolente hijo de Isabel. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. la película tan sólo obtuvo tres de ellos. Por otro lado. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. Anna Q.

Argumento Japón. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. En cuanto a Tobei.K. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). Masayuki Mori (Genjuro). sin embargo.». a raíz de ello. durante su ausencia. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. Sakae Ozawa (Tobei).250.que le encierra en una tierra encantada. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). de 131. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. es violada por unos soldados y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. un fantasma. . Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. DURACIÓN: 96 minutos. 500. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). constituía toda una declaración de principios. Kinuyo Tanaka (Miyagi. MONTAJE: Mitsuji Miyata. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. donde.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. con tan mala suerte que. Welles. en su papel de narrador omnisciente. esposa de Genjuro). Tras asistir a un pase previo de la película.O. Por su parte. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero.K. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood. Tras haber dejado montada una versión completa. Su mujer. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro. esposa de Tobei). B/N. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. A pesar de ello. la encontrará su marido. incluido el de mejor película. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles.000 dólares frente a una inversión de 1. se dedica a la prostitución en un burdel. Mitsuki Mito Ohama. se produjo un cambio en la dirección de la R.O. La película.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. finalmente. entre tanto. El eslogan de la nueva dirección. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). primero con un metraje de 148 minutos y. en el siglo xvi. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. finalmente.000. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad.

A lo largo de la película. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. DURACIÓN: 138 minutos. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. 1640. MÜSICA: Jean-Claude Petit. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). aunque de distinta manera. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Al principio. Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. ignorando los sentimientos de Cyrano. el espadachín y poeta. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. por lo general sigue considerándose una obra maestra. Philippe MorierGenoud (Le Bret). Christian es herido de muerte. como si las dos realidades. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. Cyrano de Bergerac Francia. guiado ahora por el fantasma de su esposa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. Argumento París. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. La belleza casi pictórica de sus imágenes. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. le ocurre a su cuñado Tobei. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. Roland Bertin (Ragueneau). y lo mismo. MONTAJE: Noelle Boisson. Ésta. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. Anne Brochet (Roxane). Jacques Weber (Conde De Guiche). A ojos de un occidental. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. A su vuelta.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. se le muestra un mundo distinto. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. Pronto la pareja se casará y. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). en lugar de constituir dos entidades divergentes. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. pero.

que engloba la personalidad de Cyrano. sino también a la destreza con que su director y coguionista. Hunsecker. Posteriormente. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. Sam Levene (Frank D'Angelo). GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. un agente de prensa sin principios. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. Barbara Nichols (Rita). como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. un músico de poca monta. Hunsecker). y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. J. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. la adorada hermana de Hunsecker. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). y Steve Dallas. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. J. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. Tony Curtís (Sidney Falco). humorista. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. sin duda.. la única opción posible para interpretar a Cyrano. DURACIÓN: 96 minutos. El éxito de esta película. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. MONTAJE: Alan Crosland júnior. cuyo estilo. En colaboración con Jean- Claude Carriére. Argumento Sidney Falco. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . tras lo cual se retira a un convento. Jean-Paul Rappeneau.UU. en su versión inglesa. soldado y personaje trágico. Susan Harrison (Susan Hunsecker). el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. por otro lado. Depardieu era. Años más tarde. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. J. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. Marty Milner (Steve Dallas ). MÚSICA: Elmer Bernstein. no deja de ser bastante convencional.

lo cierto es que. son más actuales hoy en día. GUIÓN: Robert Towne. Ida Sessions. cuando éste se encuentre de vacaciones. 1937. J. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. Como recompensa. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. 1955) y Trapecio (Trapeze. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. que cuando fue realizada. se le promete que podrá escribir la columna de J. Gittes para que . no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. 1967). MONTAJE: Sam O'Steen.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. se las arregla para que J. Sin embargo. ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. J. Por su parte. Stewart Campbel. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). J. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). mientras que las cuestiones que plantea. MÚSICA: Jerry Goldsmith. DURACIÓN: 131 minutos. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. Será a Falco a quién J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W.UU. 1951). Alonzo. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. FOTOGRAFÍA: John A. Susie.. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. seguramente. Chinatown EE. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. Gittes). la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. 1956). 1959). gracias a esta película. J. John Huston (Noah Cross). INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. J. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. en represalia. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. Con posterioridad. Perry López (Escobar). Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Argumento Los Ángeles. John Hillerman (Yelburton). haga arrestar ahora por un cargo de drogas. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. contrata al detective J. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit.

A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. donde Evelyn muere. . Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. concedido al siga a su marido.y el de la compleja Evelyn Mulwray. El guionista y antiguo policía. tuvo que conformarse con un solitario premio. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. de Faye Dunaway. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. mientras que Katherine resulta ser. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. especialmente. la hija y la hermana de Evelyn. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. aunque caballeroso detective. son atrapados en Chinatown. La película. el vicepresidente de la Paramount. J. a un tiempo. por entonces la mujer de Evans. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. J. creando los personajes del cínico. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. concebido en un principio para Ali McGraw. aparecen en un periodicucho sensacionalista. Robert Towne. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. Katherine. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. al haber sido ésta violada por Cross. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler.

la desengañada esposa del comandante. Montgomery Clift (Cabo Robert E. Honolulú. el Sargento de la prisión militar. Por su parte. envueltos por las olas. Embarcadas en el mismo barco. en cuya tercera parte. partiendo de un reparto plagado de estrellas. DURACIÓN: 118 minutos. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. hasta entonces prohibidas-. Frank Sinatra (Angelo Maggio). INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). y no Fred Zinnemann. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo.. cuartel de Schofield. una prostituta. con Karen Holmes. La muerte de Maggio. basado en una novela de James Jones). Donna Reed (Lorene). Tras muchas demoras y problemas. le hacen el vacío. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. Lee Prewitt). Two Jakes (1990). sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. MONTAJE: William Lyon. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. Argumento Año 1941. todos sus compañeros. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. Prewitt. Warden. B/N. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. pide su readmisión en el ejército. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. el jefe de la Columbia. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. como Aldo Ray o John Derek. ambientada en 1959. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . Prewitt se enamora de Lorene. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. MÜSICA: George Duning. a pesar de los años.UU. Deborah Kerr (Karen Holmes). PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. De aquí a la eternidad es una obra que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. un recién llegado al cuartel. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen».134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. A consecuencia de ello. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson).

Nominada para trece Osear. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. le contrata para que siga a su mujer.500. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. Raymond Bailey (El doctor). cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz.000 dólares. un antiguo amigo. De entre los muertos VÉRTIGO EE. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. asustada por la súbita aparición de una monja. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. Gavin Elster. y. Madeleine. cae al vacío y muere. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. a la que siguió una serie. Con respecto al principal papel femenino. En cuanto al personaje de Maggio. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). FOTOGRAFÍA: Robert Burks. con la impresionante cifra de 12. MÚSICA: Bernard Herrmann. DURACIÓN: 128 minutos. pero. pero mientras visitan juntos una vieja misión. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. Bert Allenberg: «Habráse visto. por detrás de La túnica sagrada. Ella se reconoce culpable y le declara su amor. Judy. Cuando «Scottie» lo averigua.000 dólares como remuneración. «Scottie» se enamora de ella. . Barbara Bel Geddes (Midge).136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. Henry Jones (Juez de instrucción). INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). MONTAJE: George Tomasini. a la que él mismo había matado. hicieron que finalmente se le concediera el papel. Tom Helmore (Gavin Elster). había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. Argumento Al descubrir que padece acrofobia.UU. En 1979. en realidad. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. conoce a Judy Barton.. tirándola desde lo alto del campanario. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). unidos a su aceptación de unos miserables 8. De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos.

Jules Munshin (Ozzie). GUIÓN: EE. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). Los marineros Gabey.1973). cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. El director. Vera-Ellen (Ivy Smith). una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. Jack Marín Smith. aunque no se reconociera así. DURACIÓN: 98 minutos. Chip conoce a Brunhilde. Ann Miller (Claire Huddesen). 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. Edwin B. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. La película. Willis y Jack D. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. etc. Un éxito fruto del trabajo en equipo. Moore. está incurriendo en necrofilia». MONTAJE: Ralph E. mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. en referencia al papel que interpreta Stewart. Gabey localiza a su chica. y se pone a seguirla. una taxista. también. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. con el título de Fascinación (Obsession. Cada uno sigue su camino por separado.m. y que. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. «Miss Torniquetes». Sin embargo. Argumento Brooklyn.UU. 6 a. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller.. una estudiante de antropología. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. Winters. que se une a la búsqueda. ocurre. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). Gabey entrevé a la chica de un póster. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. su peinado. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. sin embargo. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. Frank Sinatra (Chip). por lo tanto. .

Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. B/N. DURACIÓN: 97 minutos. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. Claire Trevor (Dallas). de Ernest Haycox). avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. Franke Harling. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. John Leipold. La película. en vez de detener el desarrollo de la trama. Donald Meek (Samuel Peacock). Mientras se despiden en el muelle. Por otro lado. Andy Devine (Buck).. Josiah Boone). Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. su música y sus bailes. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. sale huyendo. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. La pandilla la sigue en un taxi robado. un fugitivo de la justicia que busca a los . Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. abrió nuevos caminos en diversas áreas. La diligencia STAGECOACH EE.UU. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. mientras la policía les va pisando los talones. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. una bailarina de ballet. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. MÚSICA: Richard Hagerman.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. John Carradine (Hatfield). que. Thomas Mitchell (Dr. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. 1939 DIRECTOR: John Ford. MONTAJE: Otho Lovering. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. donde filmaron el número del principio y el final de la película. que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. W. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. menos aún. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. Con todo. PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». Finalmente.

Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. una prostituta. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. como puede apreciarse. es atendida por Boone. durante el cual. ante todo. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). una de las pasajeras. como el racismo y los valores morales de la sociedad. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. una elección que le produjo numerosos contratiempos. en la vibrante secuencia de la persecución. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. junto a Tierra de audaces (Jesse James). gracias al respaldo de Walter Wanger. un doctor aficionado a la bebida. No obstante.Ringo Kid dará muestras de su valor. que se encuentra en trance de dar a luz. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. . se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. un productor independiente. uno de los estrenos del año 1939 que. prosiguen su viaje. el banquero Gatewood es arrestado. Finalmente. la Señora Mallory. acusado de desfalco. y toca una serie de aspectos. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. Una vez en Lordsburg. un jugador de nombre Hatfield. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. De hecho. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. a la que ha conquistado con su caballerosidad. David O. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. y por Dallas.

obra de compositores de la talla de Irving Berlín. esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. Inexplicablemente. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. 1968) y Cabaret (1972). quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. 1952) y Melodías de Broadway (1953). Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. 1974). muchos y muy variados talentos. Ira Gershwin y Colé Porter. todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. precisamente. Bette Midler con La rosa (The Rose. hasta Alice Faye y Bing Crosby. Los años treinta produjeron. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. por su condición de primera película hablada. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. en los primeros momentos del cine sonoro. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). Deanna Durbin y. hoy y por siempre (For the Boys. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. 1991). New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). no es de extrañar que. el canto y la danza. mientras que fueron. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. Excepción hecha de unas cuantas películas. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. 1929). aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. no obstante. caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. 1977) y Grease( 1978). 1947). unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. 1936). el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. Sin embargo. la Liza Minelli de esta última película y de New York. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. de nuevo Gene Kelly. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. . hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. con sus populares operetas. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. a cual más descerebrada. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox.144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. ya a finales de la década. John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. 1944) y El pirata (The Pírate. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. 1979) y Ayer. o que. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. Aunque esta moda fue pasajera. desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York.

El veredicto unánime será de no culpable.adquiriera dinamismo y fluidez. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- . Marshall (Jurado n. Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. DURACIÓN: 96 minutos. como director.° 8).° 1).° 4). El hecho de que. B/N. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. MONTAJE: Cari Lerner. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. Ed Begley (Jurado n° 10). nada frecuente. la película siga transmitiendo esa sensación. como se aprecia en el hecho. en su doble vertiente de actor y productor. Dado que abriga algunas dudas. Lee J. o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. Adaptado por Reginald Rose. Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. efectivamente. partiendo de su propia obra televisiva de 1954. se debe a que sus actores dieron. Jack Warden (Jurado n. E. pasados más de cuarenta años. Henry Fonda. Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). Cobb (Jurado n.° 7). Con Doce hombres sin piedad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. desde hace mucho tiempo. un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). Martin Balsam (Jurado n. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso..146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta.° 3). accesible a cualquiera. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. por lo tanto. G. y Sidney Lumet. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. Poco a poco irá minando su seguridad.UU. MÚSICA: Kenyon Hopkins.

como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. Argumento Roma. Marcello Rubini. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). la sensa- El escándalo. una especie de relato de las andanzas de un vividor. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. Ennio Flaiano. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. Durante una noche loca. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. incomprensible desde una perspectiva actual. B/N. Alain Curry (Steiner). sin embargo. G. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. MONTAJE: Leo Cattozo. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro.han pasado a formar parte del lenguaje común. entre ellas la de mejor película. PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). Comentario La dolce vita Italia/Francia. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. Yvonne Fumeaux (Emma). 1960 Federico Fellini. La película. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. conviene no olvidar. Marshall. La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . MÚSICA: Niño Rota.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. el gacetillero que interpreta Mastroianni. Anouk Aimée (Maddalena). Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. GUIÓN: Federico Fellini. supuestamente explícito. matando a la vez a sus hijos. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. Anita Ekberg (Sylvia Rank). que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. mientras va de fiesta en fiesta. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. del sexo. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia.

no deja de ser irónico que. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. Al acercarse a un monolito negro. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. MONTAJE: Ray Lovejoy. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. que. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. Leonard Rossiter (Smyslov). Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». una odisea del espacio. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. 2001. una película cuya temática aborda. una circunstancia que. simulará un fallo mecánico. pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. que. Johann Strauss. William Sylvester (Dr. y HAL. que emite señales hacia Júpiter. ese magistral espectáculo que es Fellini. GUIÓN: Comentario Reino Unido. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. MÚSICA: Richard Strauss. Gary Lockwood (Frank Poole). Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. ciendo el miedo que les produce. idéntico al anterior. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. a medida que van ven- . provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. el observador de la luna). como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. ocho y medio (1963). PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). un ordenador infalible. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). ni más ni menos. unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. y se envía una nave para investigarlo. DURACIÓN: 141 minutos. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. Heywood Floyd). Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». sin embargo. se descubre enterrado en la luna un monolito. Bowman continuará el viaje en solitario. Ya en el presente. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. según definición de su propio director. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. Daniel Richter (Moonwatcher. mantenidos en un estado de hibernación. tres compañeros. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»).

o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). que fue dirigida por Peter Hyams. partiendo de un presupuesto que. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. que vieron en ella «un viaje alucinante». Drácula Reino Unido. Sin embargo. mucho más que en los propios personajes. según se dijo. En 1984. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. Nominada para cuatro premios de la Academia. se estrenaría su continuación. caerá víctima del Conde. había alcanzado los 11 millones. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). y comienza a estrechar su cerco sobre él. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. Justo antes de sucumbir a su voluntad. aunque inevitablemente decepcionante. encuentra una referencia al Conde. una película inteligente y bastante accesible. eso sí. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. 2010. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. Odisea Dos (2010). en última instancia. Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón. MÚSICA: James Bernard. un experto vampirólogo. la esposa del hermano de Lucy. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. . DURACIÓN: 82 minutos. Van Helsing. el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. Entretanto. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. Michael Gough (Arthur Holmwood). INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). En este sentido.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. de forma magistral. John van Eyssen (Jonathan Harker). FOTOGRAFÍA: Jack Asher. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. sin embargo. 1958 Terence Fisher. Christopher Lee (Conde Drácula). Carol Marsh (Lucy Holmwood). más adelante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. abre de golpe las cortinas. improvisado con unos candelabros. la bella prometida de Harker. Melissa Stribling (Mina Holmwood).

embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. José Antigás. de Bela Lugosi. Dark and Gruesome. Caridad de Laberdesque. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. muy característico. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. la chica. entre tanto. el intrépido Van Helsing. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. Su gran éxito. DURACIÓN: 60 minutos. Tall. unos obispos se hacen con el control de una isla. le chupará un dedo del pie a una estatua. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. en particular. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula.000 libras esterlinas. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). Wagner. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. algo que. Mendelssohn. con toda lógica. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. MÚSICA: MO- zart. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). En un castillo medieval. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista.serie de secuelas que la siguieron. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. 1973). con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. Debussy. Lya Lys (La mujer). A continuación. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. . Pierre Prevert. Max Ernst. Sin embargo. En su autobiografía. tan sólo se había mostrado de forma velada. 1956). La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. Beethoven. en la que no se permite que nada altere la compostura social. hasta el momento. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck.

MÚSICA: John Williams. El resultado. el no menos excéntrico Salvador Dalí. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica.. serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. la película se retiró de las pantallas parisinas y. que aparecen en la película. donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. DURACIÓN: 115 minutos. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. por su escena inicial. Una semana más tarde. Acto seguido se oye un grito aterrador. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. en la casa de Dalí en España. volverá a aparecer. El arqueólogo Indiana Jones. un personaje que evoca a la figura de Cristo. sobre todo. posteriormente. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. métodos y yuxtaposiciones. no volvió a estrenarse en Francia. parte en dirección a El Cairo. Paul Freeman (Belloq). INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). Argumento Año 1936. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). acompañado ahora de una jovencita. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). al cabo de un rato. sembrando así la semilla de su propia destrucción. entre los que se encuentra el Duc de Blangis. Un perro andaluz (Un chien andalou. y que. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). hasta destruir prácticamente el local.UU. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). su enemigo mortal y aliado de . típicamente surrealistas. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. John Rhys-Davies (Sallan). Marión. Denholm Elliott (Brody). Ronald Lacey (Toht). 1928) -conocido. Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. Los temas. Karen Alien (Marión Ravenswood). Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. donde ésta será secuestrada por Belloq. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. MONTAJE: Michael Kahn. hasta 1979. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley.

En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. 1984). y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. Tras escapar. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. . a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. y el director se entusiasmó con la idea. le pisó el papel y lo hizo suyo. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. sin embargo. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. y el Arca vuelve a quedar sellada. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. Harrison Ford. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. Pronto. 1989). el Han Solo de Lucas. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. aunque respaldado. al no hallarse éste disponible.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. en este caso. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. aparecen los nazis. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. Rock. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. En cualquier caso. Con el personaje de Indiana Jones. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. Libres al fin. Blackhawk y Sgt. Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. 1985). durante unas vacaciones en Hawai.

aunque con cierto retraso. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. 1962) de John Ford. la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. Soldado azul (Soldier Blue. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. en Solo ante el peligro (1952). 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. 1950). 1973). el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. 1949). conferiría a John Wayne el rango de estrella. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. Sergio Leone. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. y si bien es cierto que. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. Sin embargo. 1976). así. que dirigió el propio Clint Eastwood. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. . quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. un cineasta italiano. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. a lo largo de toda la época del cine mudo. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. en 1939. No obstante. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. 1968). o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. 1946). los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. 1930). una vez más. y La diligencia que. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). Sería. como Tom Mix y William S. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. 1988). no obstante. Género inmensamente maleable. 1924). Clint Eastwood. Hart. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género.

(1982). combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). Robert Hall. posteriormente. y Barry es abducido. pero. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. Allí aparece una gigantesca nave que. DURACIÓN: 135 minutos. Neary. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. se encaminan a la Torre del Diablo. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. entre ellos el propio Barry. Alonzo. Por su parte. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. Douglas Slocombe. Entre tanto. un técnico de mantenimiento. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. que también han tenido encuentros similares.. teniendo en cuenta que la película recaudó . Don Jarel. Teri Garr (Ronnie Neary). Richard Dreyfuss. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante.T. MÚSICA: John Williams. el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. Guiler. Laszlo Kovacs. Dennis Muren y Richard Yuricich. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. la elección definitiva recaería en un actor más joven. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. cuando llegue el momento. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director.162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. les permitirá comunicarse con los alienígenas. y muchos otros. GUIÓN: Steven Spielberg. en Wyoming. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. tras el éxito cosechado por Tiburón. un planteamiento que. Desde su más tierna infancia. Melinda Dillon (Jillian Guiler). Dave Stewart. había escrito un relato breve titulado «Experiences». Fraker. decidió encargarse él mismo de escribirla. En un primer momento. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. Por fin. William A. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. finalmente. MONTAJE: Michael Kahn. Cary Guffey (Barry Guiler). desarrollará de forma aún más elaborada en E. tras responder a los mensajes de paz. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975).UU. Watch the Skies. Roy Neary. ya en 1970. Titulada en un principio. Francois Truffaut (Claude Lacombe). Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg.

Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. del que se enamora. FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. donde conoce a Lemaitre. finalmente. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. Garance. Les enfants du paradis.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. que lleva puesto su traje de Pierrot. Pierre Renoir (Jericho). ha apuñalado de muerte al Conde. un rufián de los bajos fondos. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. El muelle de las brumas (Quai des brumes. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. 1939). MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. perseguida por Baptiste. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. Comentario Les enfants duparadis Francia. que se ha visto involucrada sin querer en un robo. Spielberg sacó una nueva versión de la película. al que retará a un duelo. Garance se ha convertido en la amante del Conde. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. en otras palabras. B/N. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). María Casares (Natalie). El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. Los dos amantes pasan su última noche juntos. GUIÓN: Jacques Prévert. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. un amigo de Baptiste. a pesar de que la película fue . con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. ignorando que Lacenaire. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. Años más tarde. 1938) y Amanece (Lejourse leve. Marcel Herrand (Lacenaire). Les visiteurs du soir (1942). Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). INTÉRPRETES: Arletty (Garance). En 1980. Un día la lleva al Grand Reíais.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. en Azincourt. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). interpretada por el propio Laurence Olivier. MÚSICA: William Walton. sin sufrir un número de bajas importante. de que ésta se estrenaría después de la liberación. pero. MONTAJE: Reginald Beck. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. Comentario A la altura del año 1940. en el papel de Garance. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. Finalmente. En realidad.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. Arletty. Leslie Banks (Coro). Robert Newton (El viejo Pistol). las dos familias reales se unen. se convertiría en un auténtico hito. basado en la obra de William Shakespeare. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. Renee Asherson (La princesa Catherine). la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. con unas pinceladas extremadamente precisas. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. escenarios al aire libre y combates. entre ellas. . donde obtiene numerosas victorias. narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. 1935). mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. sería el Enrique Vde este último la obra que. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). La interpretación de la actriz principal. No obstante. a la vez que traza. una mujer tan terca como independiente. obtiene una resonante victoria. Se firma un tratado de paz en Rouen. dramatismo. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. inmediatamente. Leo Genn (lefe de las tropas francesas).000 hombres. donde se narra la historia de Enrique V. finalmente cumplida. DURA- CIÓN: 137 minutos. al frente de unas tropas exhaustas. 1936). Con un ejército de 30. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. El 30 de octubre. y Como gustéis (As You Like It.000 hombres asedia el norte de Francia. La magistral obra de Carné. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. Esmond Knight (Fluellen). eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. y el drama regresa al Teatro del Globo. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. las más sutiles emociones.

Edmond O'Brien (Gringoire). Thomas Mitchell (Clopin). el poeta gitano Gringoire.UU. FOTOGRAFÍA: Joseph August. que le ofrecerá refugio en la catedral. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. DURACIÓN: 115 minutos. En cuanto a los actores. Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. el capitán de la guardia. la rescatará. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. Proebus. Con todo. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. La película. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. que también tenía un compromiso con la M-G-M. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. la famosa arenga del Día de San Crispín. B/N. PRODUCCIÓN: R. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. Esmeralda. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. Cuasimodo. Vivien Leigh. muere. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. finalmente.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. aún ligada por contrato a David O. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado).. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. (Pandro S. la adapta- . mientras que Robert Donat. Alan Marshall (Proebus). Berman). que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. Maureen O'Hara (Esmeralda). O. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. Selznick. MÚSICA: Alfred Newman. K. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. Condenada a morir en la horca. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. sin embargo.

Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. Martel (Greg). fichando. además de hacer toda una exhibición de agilidad física. que.T. Elliott irá cayendo enfermo. Sometido a cuidados médicos. con tintes de la Bella y la Bestia. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. había salido a la caza de talentos.. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio.C.T. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. E. K. este último. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. Elliott da cobijo en su casa a la criatura.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. MÚSICA: John Williams. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy).. esto. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael. 1935). Sorprendentemente.UU.K. a Orson Welles. GUIÓN: Melissa Mathison.T. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos.. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. DURACIÓN: 115 minutos. E. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. en 1939.826. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. Rodada con un presupuesto de 1. por ejemplo. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). donde es descubierto por Elliott.. Peter Coyote («Keys»).000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. del que 250. que fallece. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral.O.O. MONTAJE: Carol Littleton. La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton. Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados. No obstante. Bissell. de esa manera. un muchacho de diez años.. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. Elliott se recuperará. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D.000 dólares. para acudir al rescate de Esmeralda. al recibir un mensaje de «su casa». Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora. pero no ocurrirá lo mismo con E. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en .T.K. Henry Thomas (Elliott). terminará . ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». Finalmente. la R. Drew Barrymore (Gertie). como si se tratara del mismísimo Tarzán. Robert MacNaughton (Michael).

Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. Gary Merrill (Bill Simpson). una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura.. Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. Comentario La película E. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. T. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta.UU. Anne Baxter (Eva Harrington). y que fue definida por la revista especializada Variety. Davis. 1950 DIRECTOR: Joseph L. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. DURACIÓN: 138 minutos. GUIÓN: Joseph L. INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). Celeste Holm (Karen Richards). La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. en los últimos tiempos. de Mary Orr). MONTAJE: Barbara McLean. como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». sólo se materializaron en tres premios menores. asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. Marilyn Monroe (Miss Casswell). El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. Zanuck). pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados.T. permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. Mankiewicz. B/N. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. George Sanders (Addison de Witt). De este modo. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. las nueve nominaciones obtenidas por E. donde es recogido por su nave espacial. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. una actriz famosa y. Hugh Marlow (Lloyd Richards). gracias a la reconfortante teología de Spielberg. se gana la confianza de Margo Channing. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. Argumento La manipuladora Eva Harrington. MÚSICA: Alfred Newman. tras en- . sin duda.

. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. antes de que Joseph L. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. pero Margo. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. La película.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. Mankiewicz.asociación con la Warner. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. The Wisdom ofEve. aún hoy. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. de hecho. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. por el contrario. y la de George Sanders. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. Repuesta en numerosas ocasiones. fue nominada para 14 premios de la Academia. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. para el de Margo. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. Margo Channing. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. Consagrada como estrella. Karen. Eva al desnudo es. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. para el papel de Eva. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. Applause. Finalmente.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva.

una niña de doce años. Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. De ese modo. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. Jordán Leondopoulos. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento.. Argumento Regan. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. un joven sacerdote. Cobb (Teniente Kinderman). PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). No deja de ser cierto. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). Jack MacGowran (Burke). pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. Linda Blair (Regan). contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. fue un fenómeno de similares características. mientras que otras películas. MÚSICA: Jack Nitzche. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. y. caso de La profecía {The Ornen. de hecho. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio).176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE.supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». un experto en exorcismos. Lee J. cuya fe pasa por un momento de debilidad. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. Max von Sydow (Padre Merrin). que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. 1973) de Larry Cohén. los vómitos de puré de guisantes. Evan Lottman y Bud Smith. acompañadas de sus respectivas secuelas. que hasta entonces habían sido considerados marginales. El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . su madre contacta con el Padre Karras. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. DURACIÓN: 121 minutos. sin embargo. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. El exorcista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. que sufre un ataque al corazón. MONTAJE: Norman Gay. los espectadores que buscaban emociones fuertes. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. Una noche.UU. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. Jason Miller (Padre Karras). el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. MacNeill).

esta última dirigida por William Peter Blatty. GUIÓN: Ingmar Bergman. que les esconde en su tienda de antigüedades. entre ellas las de mejor película y mejor director.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. En una pequeña localidad sueca. Aunque. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). Por otro lado. termina por unirse a ellos. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. muere de resultas de un ataque al corazón. Su madre. Más adelante. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). tras haber recuperado a su familia. 1990). No obstante. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. su padre. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. tras drogar al obispo para poder escapar.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. da luz a una niña. Alian Edwall (Osear Ekdahl). el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. . Poco tiempo después. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. Es como si Bergman. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. que Alexander padecerá con especial rigor. se casa entonces con el obispo Vergerus. considerado. 1977). autor de la novela en que se había basado la primera entrega. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). a la vez que su guionista y productor. Argumento Navidades de 1907. MÜSICA: Daniel Bell. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). Osear. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. Emilie. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. como era de esperar. No obstante. los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). La madre. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. en tiempos. Emilie. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior.

a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. Bianca Majolie. Herbert Ryman. John Hubley. Harold Doughty. Tom Codrick. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. la que dibuja un cuadro y la «música pura». Bruce Bushman. MacLaren Stewart. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Graham Heid. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. Al Zinnen. Yale Gracey. Zack Schwartz. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Fantasía EE. Arthur Heinemann. de por sí. Dick Kesley. 1972).Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Hugh Hennessy. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. Bill Roberts.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Kenneth Anderson. a continuación. Gordon legg. J. Ford Beebe. Sylvia Moberly-Holland. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. Paul Satterfield. Hamilton Luske. Phil Dike. Curtiss D. T. cuya existencia se justifica por sí misma. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Campbell Grant. DURACIÓN: 124 minutos. Webb Smith. Norman Ferguson. Erdman Penner. Bill Peet. Robert Sterner. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. Finalmente. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. Kay Nielsen. Elmer Plummer. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. Terrell Stapp. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. Aparece luego Mickey Mouse. Leo Thiele. Cari Fallberg. Perkins. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Lance Nolley. un colaborador habitual de Bergman. Ernest Nordli. Arthur Byram. George Sallings. Hee. Kendall O'Connor. Otto Englander. John Fraser McLeish.. GUIÓN: Lee Blair. Gritos y susurros (Viskingar och rop. al mejor vestuario. Charles Payzant. Thor Putnam. Albert Heath. William Martin. Joseph Sabo. Norman Wright. 1940 James Algar.UU. Perce Pearce. Jim Handley. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Charles Philipi. Wilfred Jackson. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. .

y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. no consigue comenzar a rodar. y de resultas de ello nació Fantasía. constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. algunas partes están bastante más logradas que otras. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. Barbara Steele (Gloria Morin). Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. MÚSICA: Niño Rota. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. a pesar de lo cual. Argumento Guido.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. B/N. la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. Sandra Milo (Carla). Con todo. sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. No obstante. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. Rossella Falk (Rossella). los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. por ejemplo. el productor). GUIÓN: Fellini. Blancanievesy los siete enanitos (1937). Mickey Mouse. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. un director de éxito. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. En general. llega la serenidad del Ave Marta. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. Guido Alberti (Pace. Comentario A lo largo de la década de los treinta. DURACIÓN: 138 minutos.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. Fantasound. así. Claudia Cardinale (Claudia). PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. entre . ese mismo año. MONTAJE: Leo Catozzo. Ennio Flaiano. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). El aprendiz de brujo.

el carácter asistemático de la película les resulta irritante. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. entre los propios actores del film. basado en un relato de Wilde. DURA- CIÓN: 102 minutos. primero. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. el director de cine Guido.. El director italiano. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. Cary Grant (David Huxley). sin duda. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. PRODUCCIÓN: R. MÚSICA: Roy Webb. a primera vista. May Robson (Tía Elizabeth). mientras su protagonista contempla diversas opciones. sino de reconciliarse con la vida. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. Argumento El día antes de su boda. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. Walter Catlett (Agente Slocum). a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. A algunos espectadores. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. esa mirada cáustica. nunca consigue que su película avance. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. verdadero. no sólo de realizar una obra de arte. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). La película. el suicidio. Si bien es cierto que. Barry Fitzgerald (Gogarty). el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. puede pa- recer obvio. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. con algo de desfile de monstruos o de circo. invita a establecer una conexión entre ambos. más adelante.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. B/N. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. por lo general. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. entre ellas. No obstante. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. MONTAJE: George Hively.K. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. su reconstrucción de un brontosaurio . suele aferrarse a las narraciones lineales. entre una compañía de payasos y.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. El hecho de que el personaje principal.O. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. en su caso. La película concluye sin que la situación se resuelva. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. aunque. rara vez conseguido por un medio como el cine que. (Howard Hawks). tratándose de Fellini. En cualquier caso. se refugia. no conviene fiarse nunca de lo que.

etc. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época.O. Sin embargo. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. 1940). En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. finalmente. según parece. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. bufonadas. doctor? (What's up Doc.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra.000 dólares. la sigue hasta una granja de Connecticut. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. este último desempeñando un papel que. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. . contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. Ronald Colman y Robert Montgomery. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. Despojado de sus ropas y de su dignidad. La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida.) y un contagioso espíritu anárquico. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. En cualquier caso. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. un enloquecido cazador. También Hawks se vio afectado por su fracaso. 1972) de Peter Bogdanovich. propiciando así su vuelta al teatro. poco más o menos en 1934. la película no fue un éxito de taquilla. la forma en que Susan descubre el hueso perdido.K. El género se inició. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. trastoque por completo su vida. mientras tonteaban entre sí. la rica heredera Susan Vanee.. No obstante. sin gran dificultad. donde se le rinde homenaje. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. tuvo unas pérdidas valoradas en 365.

Ulmer.film noir. un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. Forajidos (The Killers. 1931). 1990) y After Dark My Sweet (1990). cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. 1926. de Robert Siodmark. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. sobre todo. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). Nosferatu. el detective creado por Mike SpiUane. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. 1947). 1939). Detour (1945). o El vampiro de Dusseldorf. 1955). o Noche en la ciudad (Night and the City. la aparición de la figura de la «mujer fatal». \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. cuya denominación viene del irancés. la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. 1950). la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. de Raoul Walsh. de Jules Dassin. de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). 1922. 1946). la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. de Howard Hawks. de Edward J. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. El gabinete del doctor Caligari. Retorno alpasado (Out ofthePast. Los timadores (The Grifters. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941).188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. de Nicholas Ray. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. Hoy en día. de Fritz Lang. Con el tiempo. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. . Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. con películas como Chinatown (1974). el vampiro. Una combinación de factores.]. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. Metrópolis. creando personajes como Cody Jarret. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. si bien. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. El sueño eterno (1946). el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. 1944). de Jacques Tourneur. el término «cine negro». muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. 1984). de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). 1919. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. de El beso mortal (Kiss Me Deadly. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos.

complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. se da cuenta de que allí hay algo extraño. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. Anna Massey (Helen Stephens). a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. terminará por despertar las sospechas de la policía. la vecina del piso de abajo. aunque no de forma tan directa. un interés que. a pesar de ser ciega. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. GUIÓN: Reino Unido.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. Seguramente. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. un empleado de un estudio cinematográfico. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. MONTAJE: Noreen Ackland. MÚSICA: Brian Easdale. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). así como los cambios constantes en la textura visual de la película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. es interrumpido por la madre de Helen que. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. que comienza a seguirle. el espectador se ve forzado.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. A lo largo de la película.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). hacen de ella la más radical de sus obras y. Argumento Mark Lewis. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. DURACIÓN: 109 minutos. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. aún hoy. Por otro lado. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. la más controvertida. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. viendo las películas de sus asesinatos. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. y la deja ver las inquietantes películas que. Shirley Ann Field (Diane Ashley). 1959 Leo Marks. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. Finalmente. Su original utilización del color y de la iluminación. Aunque. seguramente. le hacía su padre cuando él era niño. Entabla amistad con Helen Stephens. a pesar de los años . Al descubrir a Helen en su propia casa.

y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). MÚSICA: Erik Nordgren. DURACIÓN: 90 minutos. MONTAJE: Osear Rosander. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. Folke Sundquist (Anders). la nuera decide expulsarlos del coche. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. Marianne. mientras que. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. un hombre frío y distante. . el más grande director sueco anterior a Bergman. GUIÓN: Comentario Suecia. en buena parte. una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. Ingmar Bergman. Prosiguen su viaje. terminará por comprender su valor. Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. pero. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. su contemplación sigue produciendo inquietud. pero que. Ingrid Thulin (Manarme). al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. en otro. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). y se detienen para visitar a la madre del profesor. finalmente. Julián Kindahl (Agda). 1957 En Suecia. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. cuando éste mira en el interior de la caja. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. desde luego. Gunnar Bjórnstrand (Evald). una anciana de noventa y cinco años. pero finalmente recibe su título honorario. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. como siempre están discutiendo. el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. Recogen a Sara. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). B/N. Naima Wifstrand (Madre de Isak). Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. Más adelante. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Bibi Andersson (Sara).

afirmativo de la vida humana. posiblemente. no obstante. morirá mientras es sometido a una persecución. donde Caligari y su asistente sonámbulo. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. se encara con el doctor y . y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. Cesare. Conradt Veidt (Cesare). reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. Olsen). es raptada por Cesare. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. Jane. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. Caligari). 1929). Murnau y. Rudolf Lettinger (Dr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. W. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. esa dimensión «artística». Walter Rohrig y Walter Reimann. en última instancia. de G. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. B/N. Pabst. se trata de un retrato compasivo y. la novia de Francis. en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. Posteriormente. Argumento Cómodamente sentado. le lanza sus acusaciones. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Sin duda. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. falsas perspectivas y sombras pintadas. Una vez acabada la narración. Como es natural. Lili Dagover (Jane). era algo que saltaba a la vista. que. así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. su inquietante argumento y sus decorados. hace que Francis sospeche de Caligari. DURACIÓN: 78 minutos. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. W. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. realizados a base de ángulos deformados. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. Hans Heinz von Twardowski (Alan). Friedrich Feher(Francis). ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. eran la principal atracción.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis.

su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. A pesar de ello. Al no estar ninguno de ellos disponible. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. obra igualmente de un noble. permitiéndole retomar un momento histórico crucial. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. DURACIÓN: 205 minutos. la hija del alcalde. La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. Romolo Valii (Padre Pirrone). Argumento Sicilia. la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. Don Calogero. MONTAJE: Mario Serandrei. como es el Risorgimento. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia.. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). Claudia Cardinale (Angélica Sedara). MÚSICA: Niño Rota. que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. década de 1860. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. al viejo orden estamental. del que ya se había ocupado en Senso (1954). el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. Aunque pertenece .196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. bajo la dirección de Roger Kay. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. Riña Morelli (Maria Stella). La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. Alain Delon (Tancredi). la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas.UU.

durante el trayecto. DURACIÓN: 105 minutos. cuando me- . Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. oiga la versión de Benjamín. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. trata de seducirlo. Mrs. en contra de lo que había opinado en un principio. contándole a Elaine que Benjamín la violó. optó por Burt Lancaster. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). De resultas de todo ello surgiría El graduado. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). regresa a su hogar en Los Ángeles. Robinson trata de poner fin a esa relación.. Braddock). Elizabeth Wilson (Mrs.UU. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Robinson). donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). Murray Hamilton (Mr. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. Argumento Benjamín Braddock. el director. nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. Katharine Ross (Elaine Robinson). No obstante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. ya será tarde. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. Robinson. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. MONTAJE: Sam O'Steen. William Daniels (Mr. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. Mrs. pues se encuentra prometida con Cari Smith. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. una amiga de la familia. más adelante. una graduada universitaria como él. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. finalmente. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. al mismo tiempo. Cuando. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. Robinson). No obstante. un estudiante de familia rica. La elección no pudo ser más acertada. le pide que la lleve a casa en coche y. Elaine. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. 1974). Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. Braddock). 1966). son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti.

no muy satisfecho con el resultado. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. DURACIÓN: 117 minutos. Dita Parlo (Campesina). finalmente. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. que. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. B/N. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. son traslados a Wintersborn. Robinson y. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. Argumento La Primera Guerra Mundial. sin embargo. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. tan sólo en los Estados Unidos.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. Nominada en siete categorías para los Osear. Carette (Un actor). En el campo de prisioneros de Hallbach. Finalmente. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. por ejemplo. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. Así. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. una recaudación de 50 millones de dólares. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. No obstante. Marcel Dalio (Rosenthal). un actor de treinta años. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. aunque. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. Durante su viaje de 200 millas. . Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. PROCinedis. los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). con toda razón. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. cuando casi han terminado su túnel de huida. Mike Nichols. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. 1937 Jean Renoir. Joseph Kosma. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. Robinson. que se ha visto forzado a abandonar el frente. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. alegando. MONTAJE: Marguerite Renoir. Tras haber sido abatidos durante una misión. en un determinado momento. lo rechazó. interesantes. se vio forzado a reemplazarlo. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). uno de los ases de la aviación alemana. permitiéndole obtener. Al margen de sus alardes estilísticos.

Pike mata de un disparo . PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. su homólogo en graduación y en rango social. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. Argumento Starbuck. MÚSICA: Jerry Fielding. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. La película. Ryan (Deke Thornton). No obstante. el «General» Mapache.UU. que interpreta Pierre Fresnay.. cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). donde un bandido. un antiguo miembro de la banda. Así. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. rango. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. Jaime Sánchez (Ángel). tanto en el bando francés como en el alemán. credo. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. Al descubrir Mapache que Ángel. Edmond O'Brien (Sykes). la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. elaborada a lo largo de cerca de 45 años. DURACIÓN: 143 minutos. le hace encerrar. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. trasciende las barreras de clase. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. le dispare. Warren Oates (Lyle Gorch). un director cuya obra. posee tal variedad y riqueza. 1914. INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). la banda se dirige a México.202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. Tejas. uno de los miembros de la banda. permite que el personaje de Von Stroheim. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. cuando el oficial de la clase alta francesa. MONTAJE: Louis Lombardo. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. e incluso nacionalidad. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). Irónicamente. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. Ernest Borgine (Dutch). caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. Mapache degüella a Ángel. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. como un acto de patriotismo.

a pesar de que mueran por propia voluntad. DURACIÓN: 121 minutos. sino sangriento y espantoso. precipitando así un sangriento enfrentamiento. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. MÚSICA: John Williams. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. Harrison Ford (Han Solo). No obstante. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. a diferencia de otras películas de acción que. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. cuando llegue Thornton. Aunque la fórmula no tiene nada de original. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas.UU. GUIÓN: George Lucas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. a lo mejor llegamos a alguna parte». Desde un punto de vista técnico. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). A medida que se va desarrollando la caza. desgraciadamente. en el que morirán los miembros del Grupo. siguiendo su estela. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). rápido y sencillo. rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. del lado de la Revolución Mexicana. Anthony Daniels (C3PO). aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. en . 1977 George Lucas.. La película. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). Marcia Lucas y Richard Chew. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. y de un modo increíblemente sangriento. también decidirá unirse a ellos. ha terminado por convertirse en un lugar común. MONTAJE: Paul Hirsch. con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana.

dirección artística. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. montaje. vestuario y banda sonora original. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. Darth Vader y el Imperio. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. una especie de poder interior similar al zen. representados respectivamente por el joven héroe. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Mientras el resto del grupo salva a Leia. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. El primer episodio del ciclo. un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. consigue destruirla. Como ha señalado Lucas. No obstante. traspasa «La Fuerza» a Luke. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. La amenaza fantasma (Phantom Menace). constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. en particular Han Solo. llevándose los premios a los efectos especiales. y por sus enemigos mortales. vería la luz en 1999. Una vez llegados al planeta rebelde. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». C3P0. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. Luke Skywalker. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. Luke Skywalker. pero. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. sonido. la película y sus dos secuelas. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. sean personajes carentes de ambigüedad. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. literalmente atiborrados de efectos especiales. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. no obstante. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. consigue escapar. (1982). George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. 1983). la película supone. antes. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. 1983].206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. Sin embargo. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader.T. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. con la ayuda de Han Solo. .

Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). aunque con desigual fortuna. Alfinalde la escapada (1959). convirtiéndose así en el único autor de la misma. En años sucesivos. Lo cierto es que tal denominación. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. de Alain Resnais. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. 1959). La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine.en una palabra: emoción». publicados en la revista Cahiers du Cinema. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. como sucede en El carnicero (1969). De ese modo. que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. Una de sus últimas películas.. en cuyos artículos. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. Godard. violencia. Pierrot el loco (Pierrot lefou. entre ellos Francois Truffaut. y Vivresa vie (1962). les permitieron crear un cine alternativo. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica.. 1965). 1961). abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. se defendía la teoría del autor. Los miembros del movimiento. Hiroshima. . La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. basada en una idea de Truffaut. acción. y se mantuvo firme. tiene más bien poco valor. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). protagonizada por Alain Delon.. a su entender. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. .208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. mon amour (1959). es amor. declara: «Una película es como un campo de batalla. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. de Francois Truffaut. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. odio. El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. muerte. de Godard. destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. unido a sus innovaciones arguméntales. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. acuñado según parece por Francois Giroud. tanto política como estéticamente. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). lo único que existe es el mar». haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. y Alain Resnais. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. Truffaut. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. 1958). de Claude Chabrol. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. en el papel del desafortunado Jacobi. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. Mary Astor. y la presa a la que perseguía. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». actor y padre del director.Wallis). mientras que la pareja formada por Peter Lorre. apuntan a lo que será . Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. una actriz muy experimentada. el sicario de Gutman.UU. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. Gladys George (Iva Archer). En este caso. acusada del asesinato de Archer. Finalmente. y Sydney Greenstreet. B/N. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). Barton MacLane (Teniente Dundy). Lee Patrick (EfFie Periné). Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. Finalmente. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. Argumento Cuando su socio. Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. Cairo. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). bajo el título Satán Meets a Lady. A su pesar. MÜSICA: Adolph Deutsch. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. Miles Archer.sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. MONTAJE: Thomas Richards. DU- RACIÓN: 100 minutos. O'Shaughnessy y Wilmer. El detective convoca a una reunión a Gutman. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). 1941 DIRECTOR: John Huston. Walter Huston. un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. Peter Lorre (Joel Cairo). Por su parte. un actor de origen húngaro. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Valerie. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. la versión de 1941.. con ese mismo título. son asesinados. sin embargo. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. Brigid O'Shaughnessy. de paso.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. Para negociar un precio por la estatuilla. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. El sombrío humor. Floyd Thursby. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. el Capitán Jacobi. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. enfundado en su sempiterna gabardina. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó.

hasta que. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». 1937). Su desconsolada viuda se retira del mundo. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. está basado en un relato de William A. Lucy Marlowe (Lola Lavery). MONTAJE: Folmar Blangsted. una película realizada igualmente por George Cukor. Charles Bickford (Oliver Niles). Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. Esther Blodgett. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. GUIÓN: MOSS Hart EE. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. La nueva y espléndida versión de 1954 es. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. a su vez. 1975). 1953). hasta que. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. desde hace más de sesenta años. James Masón (Norman Maine). Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester.. de este modo. un tema recurrente del cine dramático. Tom Noonan (Danny McGuire). sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. MÚSICA: Harold Arlen. Jack Carson (Matt Libby). Alan Campbell y Robert Carson que. que. ponen en evidencia a Esther en público. 1932). que. alcanza el estrellato. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. Norman se suicida. Norman Maine. a medida que fue transcurriendo la década. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). La pareja se casa. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. DURACIÓN: 182 minutos. tras la enésima parranda.Wellman y Robert Carson. por encima de todo.UU. la pantalla con problemas de alcoholismo. es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. inspirado en la película Hollywood al desnudo). que. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. a su vez. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. una estrella de . finalmente. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. la preparan para obtener el éxito. se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing. conoce a su benefactora. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft).supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. un temprano experimento en Technicolor.

Harry. el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. Argumento San Francisco.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. como señaló la revista Time. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. Harry Guardino (Teniente Bressler). Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). La segunda opción fue James Masón.UU. ambientada. a la vez que su amargura. Rita M. no obtuvo ningún premio. la película. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. Judy Garland. amenazando con asesinar cada día a una persona. Reni Santoni (Chico). su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. 1971 Don Siegel. en este caso. PRODUCCIÓN: Malpaso. MONTAJE: Cari Pingitore. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. John Larch (El jefe).llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. DURACIÓN: 101 minutos. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. Andy Robinson (Asesino)..consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. para Warner Brothers (Don Siegel). Nominada para seis Osear. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. que. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. Harry. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). el sucio . en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. entre ellos. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. MÜSICA: Lalo Schifrin. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. GUIÓN: Harry Julián Fink. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. sin embargo. John Vermon (El alcalde). pero éste rechazo la propuesta.

tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. el ejecutor (The Enforcer. Paul Newman y John Wayne. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. La última escena. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. Cuando. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. le forzaron a renunciar al papel. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. en la que Harry se desprende de su placa de policía. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. en uno de sus niveles de lectura. el alcalde decide pagar. Harry. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. No obstante. 1974). mientras éste emprende la huida. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. Sin embargo. finalmente. acto seguido. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. 1976). administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución. No obstante. una herida en la mano y su «inminente» retiro. Frank Sinatra aceptó el papel. secuestre un autobús escolar.en películas como Harry. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. el fuerte (Magnum Force.l973). que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. Comentario El papel protagonista de Harry. Se contactó con Steve McQueen. en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. A partir de ese momento. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. Para Eastwood. 1988).216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. hasta que. . Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. arroja su placa de policía al río. pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. para muchos críticos. más adelante. Impacto súbito (Sudden Impact.

se construye en torno a esa escena. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. además. a cambio. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. Rubottom. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. Katharine Hepburn (Tracy Lord).218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE.Mujerdtas {Little Women. Argumento C. Toda la película. algo que consigue. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. A continuación Cary Grant llama al timbre y. K. Tracy. Su prometido suspende la boda. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. cuando la Hepburn abre la puerta. George Kittredge. optó por elegir a la M-GM. cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. Katharine Hepburn. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). DURACIÓN: 112 minutos. indignada. la recibe dándole un empellón en toda la cara. lames Stewart (Macaulay Connor). 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. Howard (George Kittredge).. Tracy Lord. 1940 George Cukor. B/N. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. K. sin embargo. una joven malcriada y mundana. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. una vez más. Dexter Haven). una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. entre ellas la de Sam Goldwyn. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer.UU. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. Cukor. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. Mankiewicz). Tracy y Haven. sus compañeros en escena. No obstante. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. MONTAJE: Frank Sullivan. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. aunque el novio y la novia serán. MÚSICA: Franz Waxman. un viejo compañero en varios repartos. pero la ceremonia sigue su curso. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. 1935). se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. a partir de la cual. El resultado fue Historias de Filadelfia. Katharine Hepburn aparece en el umbral. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. 1932). Roland Young (Tío Willie). haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- .

como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. DURACIÓN: 70 minutos. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. luego. Mickey Daniels (El niño). FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. una red de tenis. se incluían escenas con rascacielos. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. al ser arrestado su compañero. . es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. se repartan el dinero a medias. Noah Young (La ley).220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto.000 dólares por un buen ardid publicitario. en realidad. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. B/N. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. logra completar la escalada. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. Tim Whelan y Sam Taylor. Westcott B. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). GUIÓN: Hal Roach. Bill Strothers (El amigo). Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. un joven obrero metalúrgico que. MONTAJE: Fred L. finalmente será él mismo quien. Guiol. a menudo. Guiol. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. Comentario Considerado. se hace con el dinero y conquista a la chica. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas.Clarke (El jefe de vendedores). Sin embargo. donde la propia vida del actor corría peligro. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película.. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. tras escalar un edificio. es el director del establecimiento.UU. Mildred Davis (La chica). junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. tenga que escalar los doce pisos del edificio. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y.

. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). de los cuales 643. sin añadir prácticamente comentario. a los que. y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. Hiroko Fuji (Doncella Tsune). una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. Meika Seri (Doncella Matsuko). sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. al ver aquello. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. DURACIÓN: 105 minutos. con la asombrosa cifra de 1. accederá a que Sada le estrangule. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. se añaden otros participantes. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. aunque el director fue declarado inocente. MONTAJE: Keiichi Uraoka. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico.545 dólares. Argumento Sada. justificación o análisis alguno. si yo pudiera ofrecer eso al público. pensó: «Dios bendito. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. una sirvienta y antigua prostituta.. Finalmente.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación.. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. Oshima se limita a presentar la situación. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. Hot Water. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). Si pudiera captar algo así en una pantalla. días más tarde. El resultado maravilló al público. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). MÚSICA: Minoru Miki. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. . ocasionalmente. Eiko Matsuda (Sada). no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento.588. Sada amputa el pene de su amante muerto y. La obsesión no tardará en ser recíproca. Comentario Esta película. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. GUIÓN: Nagisa Oshima. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza.842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. la pareja ejerce una actividad sexual constante. Mientras viajan de un lado para otro.. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. alojándose en moteles y en casas de geishas. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. Aoi Nakajima (Toku).

Comentario En el otoño de 1914. GUIÓN: D.uniendo el presente y .. B/N. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película.C. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. con la agitación obrera como telón de fondo. una historia sobre la miseria social contemporánea. la traición que. Griffith. Erich von Stroheim (Fariseo).UU. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. cada vez más interrelacionadas. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. 1916 DIRECTOR: D. Bitzer y Karl Brown. extraídos de Hojas de hierba. que ya tenía prácticamente acabada cuando. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. PRODUCCIÓN: D. la pasión y crucifixión de Cristo. en el 539 a. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. W. Griffith. habiéndose separado temporalmente de ella. en un estreno que hubo de hacer época. FOTOGRAFÍA: G. Se trata del momento en que.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. W. Mae Marsh (La mujer querida). Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). The Mother and The Law. Bessie Love (La novia de Cana). MONTAJE: James y Rose Smith. W. Griffith. el futuro». Constance Talmadge (La chica de la montaña). sufrió el rey Baltasar. «Recién salida de la cuna. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). W. «El propósito de esta obra -explicaría.

aún hoy. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. MÚSICA: Carmen Dragón. Por desgracia. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas».UU. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. Argumento Los Ángeles. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. sino también hacer pensar. Ralph Dumke (Nick). DURACIÓN: 80 minutos. Miles Bennell). nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. Jean Willes (Sally). la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. King Donovan (Jack). B/N. comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». De nuevo en el tiempo presente. Danny Kauffman). MONTAJE: Robert S. Para algunos. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. Larry Gates (Dr. Carolyn Jones (Theodora). Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. Eisen. INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. El hombre. Dana Wynter (Becky DriscoU). cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. A partir de esa secuencia. . GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). La película. pero finalmente también se apoderan de Becky. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. Intentan una huida desesperada..226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza.

228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. Sabine Haudepin (Sabine).la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. y anima a Jim a que se acueste con ella. una vez terminada la contienda. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). sin embargo. Jules le revela. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. ahora completamente solo. Oskar Werner (Jules). Jim visita a la pareja. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. Henri Serré (Jim). En lugar de ello. pero. A medida que todo se desmorona a su alrededor. No obs- . y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. MONTAJE: Claudine Bouche. No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. MÚSICA: Georges Delerue. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. Al igual que el guionista. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). 1961 Francois Truffaut. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. estaba siendo absorbida por unas vainas. Vanna Urbino (Gilberte). Durante la Primera Guerra Mundial. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. B/N. DURACIÓN: 105 minutos. Boris Bassiak (Albert). Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. aparentemente indestructible. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. no contó con la aprobación de Siegel. Daniel Mainwaring. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. en un sentido literal e ineluctable. la película es un thriller tan apasionante como convincente.

Jules y Catherine se van a vivir a París. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. 1980). de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. 1971). Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. que interpreta Jeanne Moreau. La película es una crónica llena de vitalidad. a modo de homenaje. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. Varios años después. saltos de imagen. dejando solo a Jules para llorarlos. pero desigual versión. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. Jim regresará a París para estar junto a su novia. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. madurez e imaginación cinematográfica. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. que. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. . Comentario Para muchos espectadores. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. planos de archivo. Su cautivadora volubilidad.. más adelante. y un día. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. etc.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. típicamente francés. y constituye la más excelsa demostración de cómo. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. fundidos en iris. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent.sin embargo. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut.

Por otra parte. Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. 1946). El poder de los estudios de Hollywood. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). caso del cine negro y de la ciencia-ficción. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. 1946). 1953) o películas que trataban temáticas más serias. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). en adaptaciones de Dickens. comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. floreció en películas como Roma. Irónicamente. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. También el western. . la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. y la oscarizada Un americano en París (1951). 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. Por su parte. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. Así. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. que contribuyó a popularizar el ballet. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). 1959). David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. Por otro lado. como Un tranvía llamado Deseo (1951). domingo mañana (1960). por ejemplo. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). el neorrealismo. 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. o en películas concretas. Por otro lado. Narciso negro (Black Narcissus. más tarde. con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. de Mizoguchi. como la 3-D y la pantalla gigante. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. como Cadenas rotas (Great Expectations. En Italia. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. en un intento. The Archers. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). que durante tanto tiempo había parecido indestructible. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». insólito dentro del cine británico. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. que sacó el musical a los escenarios naturales.

de regreso a Nueva York. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. Sam Hardy (Weston). Willis O'Brien.K.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. Cooper). Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. se ha de poner freno. Bruce Cabot (Driscoll). 1933 DIRECTORES: Ernest B. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. Éste resulta ser un descomunal simio. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica.UU. a través de la ventana de un rascacielos. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. Una vez en el lugar de rodaje. King Kong. GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. según la película. Vernon Walker y J. Mario Larrinaga y Byron L. El simio consigue escaparse. Aunque el gran simio representa. MÚSICA: Max Steiner. Al margen de su virtuosismo técnico.. siembra la destrucción por toda la ciudad y. MONTAJE: Ted Cheesman. Robert Armstrong (Cari Denham). pero. finalmente. O. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». Crabbe. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. sin duda. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. llamada la Isla de la Calavera. consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. Seguramente. el mono gigante. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. se dedican a exhibirla ante el público.O. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. Taylor. El hijo de Kong (Son ofKong. Noble Johnson (Jefe indígena). Radio Pictures (Ernest B. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. DURACIÓN: 99 minutos. Schoedsack y Merian C. B/N. . Cooper. igualmente. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. Alfred Hermán. sino la belleza». PRODUCCIÓN: R. Frank Reicher (Englehorn). Cooper y Edgar Wallace). apuntan la idea de que el monumental primate representa. la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. Schoedsack y Merian C. a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. A Ernest B. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. se apodera de su querida Ann. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. una liberación a la que. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

El papel de la cautivadora Laura. 1937 W. a modo de treta. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. Rosina Lawrence (Mary Roberts). Laura es arrestada. mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. Royce.UU. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. Zanuck. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. recaería en Gene Tierney. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. B/N. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). . de nuevo. Stanley Fields (Sheriff). James Finlayson (Mickey Finn). estableció muchos de los principios del cine negro. Más tarde. intervino y la elevó a la categoría A. Sea cual sea la verdad. un cámara que era más de su agrado. esbozados con vividas pinceladas. GUIÓN: Charles Rogers. DURACIÓN: 65 minutos. conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. descontento con los resultados. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. de esa forma. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. Nominada para cinco premios de la Academia. Oliver Hardy. El culpable resulta ser Lydecker. Mamoulian aseguraría que. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. para que el verdadero asesino se descubra. el concedido a la mejor fotografía. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. Ya iniciado el rodaje. con su fotografía saturada y atmosférica. Cuando. Darryl Z. lo único seguro es que Laura. Alexander Woolcott). MONTAJE: Bert Jordán. MÚSICA: Marvin Hatley. intente atentar contra la vida de Laura. su utilización del flash-back. PRODUCCIÓN: Stan Laurel. INTÉRPRETES: Stan Laurel. cuando el jefe de los estudios. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. Horne. será abatido por la policía. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. que. no tardó en prescindir de Mamoulian. Zanuck.. Sharon Lynne (Lola Marcel).

que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. tanto él como Hardy.«At the Ball. Finalmente. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. por ejemplo. para hacerse cargo de la mina.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. En la persecución que tiene lugar a continuación. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. Lola Maxwell. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. sus personajes. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. la fregona del local. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. mientras que Laurel le comunicará a Mary. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. pero son descubiertos por Finn. en concreto. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. tras más de medio siglo. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. en compañía de Mary. That's All». ya perfectamente perfilados. . que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. En estas obras. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. con todo el tacto del mundo. Así. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. según parece. Hardy. los dos amigos abandonan la ciudad. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. el rufián Mickey Finn. tratan de recuperar el documento. Comentario Desde principios de los años treinta. a Ruth. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. Cuando se dan cuenta del engaño. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. A pesar de ello. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. la mujer de Laurel en aquel momento. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. En Laurel y Hardy en el Oeste. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. el film es pura diversión. La chica a la que buscan es Mary Roberts.

Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. GUIÓN: Robert Bolt. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. Ornar Sharif (Sheriff Ali). Jack Hawkins (General Allenby). que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. MONTAJE: Maurice Jarre. Lean. Por su parte. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. cuyas maniobras -como cabía esperar. Al mando de un pequeño destacamento. Lawrence. lo que confiere unidad a la película. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. Sin embargo. es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. Feisal y Allenby. Apoyado por los británicos. FOTOGRAFÍA: Freddie A. José Ferrer (Rey turco). INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). 1962 DIRECTOR: David Lean. Lawrence de Arabia es.son ejecutadas a la perfección. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. sino de la crisis de . tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). una epopeya inteligente y emotiva. el versátil aventurero T. Argumento Tras su muerte. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. Sin embargo. 1970). hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. Young. no sólo de las batallas. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). MÚSICA: John Stoll. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. Alee Guinness (Príncipe Feisal). se decidió finalmente por Peter O'Toole. E. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. E. se convierte en un héroe para las tropas nativas. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. por el contrario. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos).

había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. es brutalmente agredido en los muelles. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). Cobb (Johnny Friendly). que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. Milford. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano.. Edie. Obedeciendo las órdenes de su hermano. Rod Steiger (Charles Malloy). Al día siguiente. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. que le pedirá su ayuda.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. en la novela que publicaría con posterioridad. MONTAJE: Arthur E. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. Charley Malloy. iluminar las pantallas norteamericanas . Nominada para diez premios de la Academia. que Schulberg optaría por un final distinto. y muy poco heroico. Eva Marie Saint (Edie Doyle). Cuando un posible testigo muere en un «accidente». se siente atraído por Edie. ganó siete de ellos. la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. pero. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos.UU. Karl Malden (Padre Barry). la hermana de éste. MÚSICA: Leonard Bernstein. Pat Henning («Kayo» Dugan). Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. Argumento Nueva York. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Es interesante subrayar. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. Escrita por el novelista Budd Schulberg. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. B/N. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. no obstante. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. en una de las reuniones a las que asiste. espiarles. El papel de Malloy. DURACIÓN: 108 minutos. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. en realidad. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. Lee }. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. año tras año. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo.

que Terry le suelta a su hermano en un taxi. mejor director y mejor guión. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. W. Rhett sigue estando presente en su vida. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Argumento Año 1861. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. que no tardará en morir de sarampión. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). El famoso discurso del «podría haber tenido clase. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. recobrará su antiguo esplendor.UU. 1953). DURACIÓN: 222 minutos. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. jura que Tara. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). toma la decisión de volver a conquistarlo.. Leslie Howard (Ashley Wilkes). sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. con el tiempo. Selznick). la propiedad de su familia. se casa con el hermano de Melanie. Escarlata. Hattie McDaniel (Mammy). Escarlata. Newcorn. MÚSICA: Max Steiner. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Si la obra de D. Kern y James E. la espectacular versión cinematográfica que David O. No obstante. En el baile de Los Doce Robles. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). los derechos de una novela que. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. desplegando una determinación in- . La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). MONTAJE: Hal C. podría haber sido un aspirante al título». ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. Aunque no consigue retenerle. Tras la muerte de su segundo marido.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. En cuanto a la película. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. Tras haberse asegurado. entre ellos los otorgados a la mejor película. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. el ambicioso Selznick. obteniendo ocho premios. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). fue nominada en doce categorías. despechada. Lo que el viento se llevó. antes incluso de su publicación.

INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). Alian García (El mayordomo). 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. DURACIÓN: 86 minutos. y el gallardo picaro. Chaplin. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. una vez cumplida la condena. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera.25 millones de dólares) jamás filmada. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. Comentario En 1928. que. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. Cuando regrese. Virginia Cherril (La muchacha ciega). FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. .254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming.a la M-G-M. Hall. Hank Mann (El boxeador). pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. Harry Myers (El millonario). no obstante. Argumento El pequeño vagabundo. Scarlett O'Hara. George Cukor y Sam Wood. En 1994 se estrenaría Scarlett. le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. no se acuerda de él cuando está sobrio. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. Una serie de percances harán que acabe en prisión. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. como es habitual.que participaron en su realización. en diciembre de 1939. una secuela dirigida por John Erman. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. B/N. GUIÓN: Charles Chaplin.UU.. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. rico y bien parecido. MONTAJE: Charles Chaplin. queda prendado de la belleza de una florista ciega. la película obtuvo finalmente ocho Osear. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. MÚSICA: Charles Chaplin. una actriz británica casi desconocida. A lo largo de los tres años siguientes. su exuberancia. Florence Lee (La abuela). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. Rhett Butler.

Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. No obstante. Argumento Decidido a hacer carrera. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. Joe Lampton. Brown). el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. entre los asistentes a su estreno. la hija de un magnate de la localidad. Laurence Harvey (Joe Lampión). Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. contando con un Chaplin que. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. La gran época de la comedia. MONTAJE: Ralph Kemplen. pero es que. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. al anunciar ella que se encuentra embarazada. como atestigua el hecho de que. W. con unos ingresos de un millón de dólares. Griffith o F. una mujer casada y de más edad. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. Murnau. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. W. se encontraron personajes como Winston Churchill. Heather Sears (Susan Brown). Ambrosine Philpot (Mrs. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. DURACIÓN: 117 minutos. por lo tanto.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. Donald Wolfit (Mr. En su ensayo de 1949. está empeñado en conquistar a Susan Brown. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. Alice. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. de la que llegará a enamorarse.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. a finales de aquel mismo año. B/N. además. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. Brown). aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. Donald Houston (Charles Soames). al verse cruelmente abandona- . Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. en esta película. sobre todo. MÜSICA: Mario Nacimbene. trasciende las innovaciones técnicas del momento.

Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. En términos cinematográficos. Tim Burns (Johnny the Boy). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. mientras Lampton. en particular. Nominada para seis premios de la Academia. Comentario A finales de los años cincuenta. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. Un lugar en la cumbre. 1979 DIRECTOR: George Miller. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. 1959) y de Braine. además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. se suicida. hundido en la miseria. dirigida por Ted Kotcheff. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. Joanne Samuel (Jessie). Alian Sillitoe. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. MÚSICA: Brian May. gracias. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. las de aquellos cineastas que. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. que. MadMax. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. tres años después de su inicio. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. Steve Bisley (Jim Goose). estrellándose con su coche. Roger Ward (Fifi Macaffee). Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. Stan Barstow). DURACIÓN: 91 minutos. de forma un tanto vaga. Cuando el poli- . interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. sobre todo. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. FOTOGRAFÍA: David Eggby. con Sábado noche. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). 1963). Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. Man at the Top. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. contrae matrimonio con Susan. mientras que el personaje de Joe Lampton. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne.258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky).

supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. 1981). Entre tanto. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. Mad Max 2. 1985).» mo impacto visceral que un accidente de tráfico. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. todo lleno de puntillas y miriñaques. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». Cuando Goose es asesinado. Max abandona el cuerpo de policía. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital.pasara sin pena ni gloria. pero que posee también una poderosa textura emocional. un motorista demente. Max vuelve a unirse al cuerpo y. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. Con todo. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. un licenciado en medicina. armado hasta los dientes. a bordo de un Pursuit Special V8. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. Mel Gibson. «El Cortador de Dedos». el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. insiste en que abandone el cuerpo. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. George Miller. la novia de Max. Jessie. la estrella de las tres películas. a su vez. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. Miller. persigue a los motoristas y acaba con ellos. Su director y co-guionista. y que. y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. Mad Max es. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. pero éste. uno de los miembros de la banda. . a un tiempo. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. rebosante de acción. otro motorista psicópata. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. promete vengarse. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror.

Ariane [Love in the afternoon]. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). Niebla en el pasado (Random Harvest. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. 1957. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. Con frecuencia. La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. pero las historias de amor. 1959). a Marcel Carné. regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. 1989).262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. más recientemente. Olivia de Havilland y Errol Flynn. A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). Ghost. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. por Les enfants duparadis (1944). Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación.a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. nunca se pasan de moda. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). 1942). l990)oPretty Woman (1990). cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. 1935). Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. Greer Garson y Walter Pidgeon y. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). más allá del amor (Ghost. por ejemplo. Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. aunque una selección circunscrita. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. o que han tenido un final trágico. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. como por ejemplo. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. .

lo cierto es que. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. El personaje del Mago. GUIÓN: Noel Langley. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. que. Allí se encuentra con Glinda. Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. Baum). No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. es devuelta a Kansas. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. que finalmente interpretaría Frank Morgan. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. Dorothy. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. Frank Morgan (El mago). la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). La película. Aunque el Mago resulta ser un fraude. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. B/Ny Color. en un primer momento. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. capacidad de asombro y vulnerabilidad. MÜSICA: Herbert Stothart.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). Dorothy y su perro Toto son capturados. De camino. hoy en día. un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. le fue ofrecido en un principio a W. MONTAJE: Blanche Sewell. C. fue concluida por King Vidor. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. fue considerada un mal menor. siguiendo las instrucciones que le han dado. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. 1940). A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. en ese preciso instante. en rigor. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). con sus diecisiete años era. Edna May Oliver o Gale Sondergaard.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. Fields. algo mayor para el papel. La alternativa de Judy Garland. Bille Burke (Glinda). como El pájaro azul (The Blue Bird. iniciada por Victor Fleming. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. Sin embargo. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. DURACIÓN: 101 minutos. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. Aunque. una bruja buena.

1990). rescata a Annabelle. los efectos especiales. DURACIÓN: 74 minutos. Frederick Vroom (General del Sur). y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. hasta llegar incluso a rodar en . protagonizada por Diana Ross. el armamento. ya muy adentrado en territorio enemigo. obra de la factoría Disney. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. Charles Smith (Padre de Annabelle). INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). Argumento Al estallar la guerra. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. y de escaso interés. Más adelante. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. de William Pittinger).. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. aparecía una secuela tardía. inspirado en The Great Locomotive Chase. de forma más sobria. bajo el título de Oz. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. mientras que. los encantadores Munchkins.UU. Devereaux Jennings y Bert Haines. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. FOTOGRAFÍA: J. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. la querida locomotora que conduce John Gray. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. importancia de su profesión. Glen Cavender (Capitán Anderson).266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. Cuando llegan al puente de Rock River. inmerecido pero quizá inevitable. Un año más tarde. Schenck). Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). Afortunadamente. Johnnie emprende la persecución y. la tecnología y los escenarios de la época. Buster Keaton. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. en 1985. Marión Mack (Annabelle Lee). Jim Farley (General Thatcher). un mundo fantástico (Return to Oz). se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. la memorable dirección artística. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. B/N.

algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. se ha convertido en una extraña. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. Virginia Mayo (Marie Derry). Argumento Al Stephenson. tras haberse separado de su mujer. que ha descubierto que Marie. mientras que Fred. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. DURACIÓN: 182 minutos. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. 1946 DIRECTOR: William Wyler. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. su atractiva mujer. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. No obstante. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. la hija de Al. tres soldados que regresan a casa. Por su parte. Dana Andrews (Fred Derry). descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. Harold Russell (Homer Parrish). Fred Derry y Homer Parrish. pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. Sherwood (basado en la novela en verso. de MacKinlay Kantor). INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). mientras que Fred. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. . Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. MONTAJE: Daniel Mandell. George Jenkins y Julia Heron. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson.. Gloryfor Me. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. Fredric March (Al Stephenson). B/N. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. así como de su exquisita y relajada forma de actuar.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. Homer. GUIÓN: Robert E.UU. Al empezará a beber en exceso. su prometida. MÜSICA: Hugo Friedhofer. encontrará mucha más comprensión en Peggy. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. Millie.

a la que considera inadecuada para el papel. mientras que el actor no profesional. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. Nominada para ocho premios de la Academia. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). con una minuciosidad impecable. Con inquebrantable tenacidad. DURACIÓN: 112 minutos. y un director. Sus leales amigos. entre otros el concedido a la mejor película. Osear Levant (Lester Marton). uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. Cyd Charisse (Gaby). Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. Contando con la colaboración de Gregg Toland. una estrella de Hollywood. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova).su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. decide embarcarse en el proyecto.UU. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. a continuación. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. el extravagante Jef- . Tony se vuelca en el trabajo. aunque un tanto impersonal. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. ajena a las grandes efusiones. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter).270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. Sherwood. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey).. MONTAJE: Albert Akst. Lester y Lily Marton. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. que finalmente sería el encargado del guión. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. a pesar de contar con una primera actriz. el más logrado ejemplo del oficio consumado. Ava Gardner (Estrella invitada). su cámara habitual. la bailarina Gaby Berard. Harold Russell. posiblemente. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. obtuvo seis de ellos. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. fue todo un acierto. Tony Hunter. de Wyler. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. Nanette Fabray (Lily Marton). William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. 1944). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. ya entrada en años. Wyler empezó por encuadrar la película. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

posteriormente. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. el artista trata de aprovecharse de ella. White). es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. al que. se estrenara en junio de 1927. No obstante. MONTAJE: Emile De Ruelle. triunfe el amor. . lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. GUIÓN: Alfred Hitchcock. MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. la que entonces era su mujer. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. Alice. La película. Argumento Durante una cena con su prometido. que lo utilizará para chantajear a Webber. Thea von Harbou. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. finalmente. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). B/N. y el otro.000 figurantes). atormentada por sus remordimientos. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. Sara Allgood (Mrs. con su científico loco. donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. Arnold y Norman Arnold. en última instancia. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». White). 1929 Hitchcock. Por su parte. Webber decide poner en evidencia a Tracy. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. que ha sido asignado para el caso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. pero olvida sus guantes. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. uno de los cuales será encontrado por Webber. acompañará a su estudio. John Longden (Frank Webber). La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. anunciada a bombo y platillo. el detective de Scotland Yard Frank Webber. Benn W. lo que sigue fascinando a los espectadores. por Tracy. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. Cyril Ritchard (El artista). Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). hoy en día.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. compuesta por trabajadores esclavizados. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. Charles Patón (Mr. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. Donald Calthrop (Tracy). Mientras se prepara para posar.

PRODUCCIÓN: Epoch (D. 1960. Muchos serán los que mueran du- .). EE. Walthall (Ben Cameron. Aunque toda la película. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. Psicosis. 1964). antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. a excepción del último rollo. Griffith. Mary Alden (Lydia Brown. GUIÓN: D. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro.W. Griffith y Frank E. así como en la novela The Leopard's Spots. Griffith. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman).que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. entre otras muchas). 1915 W. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. mitad enigmáticos. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. W. sin embargo. el pequeño coronel). que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. todas ellas de Thomas Dixon Jr.. a pesar de lo cual. Miriam Cooper (Margaret Cameron). el ama de llaves mulata de los Stoneman).W. la ladrona [Marnie]. Bitzer. desayuna con su familia. FOTOGRAFÍA: C. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». B/N. W. Henry W. la hermana pequeña). Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. 1935. MONTAJE: James Smith.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. Anny Ondra. Argumento Año 1860. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. Griffith). El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. Marnie. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada».UU. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. 1946. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos. Mae Marsh (Flora Cameron. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas.

es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. la película posee un argumento. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. desde un punto de vista artístico. . su hermana. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. y Margaret y Phil. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». sin embargo. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. por un lado. Ben Cameron. de paso. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. por otro. Llegada la paz. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. según se dijo. Si. contraigan matrimonio. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. hoy en día. En cualquier caso. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. según reza uno de los rótulos). Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. No obstante. verdadero espanto. que ha caído prisionero. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. obteniendo. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. The Clansman. Dixon. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. Silas Lynch. en última instancia. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back.000 dólares. los indisciplinados y lujuriosos negros. Por su parte. cuya mera sinopsis produce. desde una perspectiva ideológica. Ben Cameron. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. firme defensor de la supremacía blanca. Lo que. Phil Stoneman y su protegido negro. Lynch coge prisionera a Elsie.

1927). I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). más o menos truculentas. la productora de King Kong (1933). al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. Jeckyll and Mr. que figuró en la película Nosferatu. que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. 1931). 1942). 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. . cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. Con El hombre lobo (The WolfMan. 1978). 1959). el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. por ejemplo. 1976). Posesión infernal (The EvilDead. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. 1956). que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. 1954). 1980) con sus innumerables secuelas. 1964). de Alfred Hitchcock. Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género.286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. Sin embargo. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. caso de La noche de Halloween (Halloween. caso. Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. como Mario Bava y Dario Argento. de Drácula. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. La profecía (The Ornen. cuyas grandes orquestaciones de color. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1962). Hyde. El exorcista (1973). elvampiro (1922). o como Psicosis (1960). una película dirigida por el británico James Whale. 1941). 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). Por su parte. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. 1920). Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street.

y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. Posteriormente. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. dado que la película sólo recoge su infancia. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. realizando todo tipo de picados y giros. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). no llegó a realizarse. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. sí consiguió fue explotar al máximo. convertido ya en teniente. juventud y los inicios de su carrera militar. finalmente. GUIÓN: Abel Gance. Pierre Schildknecht. sin embargo. Años más tarde. y de manera harto novedosa. Jacouty. escena tras escena. Alexandre Koubitzky (Danton). FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). Meinhardt y Eugene Lourie. En todas sus películas. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. Antonin Artaud (Marat). entonces como ahora. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. se mueve con extraordinaria agilidad. donde las imágenes. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. MÚSICA: Arthur Honegger. Lochavoff. Lo que.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. no existe una copia definitiva de Napoleón. el retrato está incompleto. Argumento En la academia militar. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. A pesar de su longitud y de su escala. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). e incluso en el momento de su estreno. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. Napoleón no constituye una excepción. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). En todo caso. quedan restringidas a una sola pantalla. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. Cuando se estrenó en París. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. B/N. las posibilidades de la cámara que. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). siguiendo la norma habitual. DURACIÓN: 270 minutos. en este sentido. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. existían ya varias versiones de la misma. En la actualidad. sin duda. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa.

Julie Christie y The Misty Mountain Boys.UU. o la aspirante a cantante. DURACIÓN: 161 minutos. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». Entre los resultados se encuentran un western revisionista. Fraiser .290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. como el joven Kenny Fraiser. y Un largo adiós (The Long Goodbye. MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. 1973). entre ellas. cuyo marido. de forma irreverente. Ronee Blakely (Barbara Jean). FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. Geraldine Chaplin (Opal). Barbara Harris (Albuquerque). Opal.. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. algunas ya veteranas. Miller. muy alejada de los estereotipos del cine negro. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). como Los vividores (McCabe andMrs. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. 1971). Albuquerque. que incluye todo el metraje conservado de la película. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. GUIÓN: Joan Tewkesbury. una adaptación de Raymond Chandler. la película. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. Por su parte. un ferviente partidario de Walker. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). produciendo una sensación de aparente espontaneidad. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. Delbert Reese. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. Argumento Nashville. que huye de un matrimonio desgraciado. Keith Carradine (Tom Frank).LilyTomlin(LinneaReese). saca un revolver y dispara contra el escenario. Tennessee. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. la reportera de la BBC. Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. como Haven Hamilton y Barbara Jean. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Famoso por su utilización de un sonido multipistas. Durante el concierto. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall.

pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. Tal sería el caso de Ronee Blakely. a partir de entonces. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. se está recuperando de una crisis nerviosa. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. o de Lily Tomlin. GUIÓN: Francois Truffaut. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. o de calidad aún no probada. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). Jacqueline Bisset (Julie). Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. alcanzaron el éxito. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. está destrozada por la enfermedad de su hija. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. un hombre comprensivo. sin embargo. la actriz que hace de esposa. Ferrand. el actor que hace de padre en la película. que. MÚSICA: Georges Delerue. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. mientras que Severine. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. el protagonista masculino. su director. Julie. que trata de un joven francés cuya visita a . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. Dani (Lilianna). por «Fin Easy». se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. Concluido el rodaje. DURACIÓN: 120 minutos. la llegada de su marido. restablece la calma. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. la madre en Pamela. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). La muerte en un accidente de coche de Alexander. Alphonse. Natalie Baye (Ayudante). Valentina Córtese (Severine). Jean Champion (Bertrand). PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas.

razón por la cual los franceses la denominan. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. asesina a Willa.UU. John y Pearl. incluso. malentendidos matrimoniales e. la mujer de Harper. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. DURACIÓN: 93 minutos. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. Los niños. Poco antes de que Ben sea ejecutado. Powell ha encontrado la horma de su zapato. para poder sacar adelante la película. No obstante. Shelley Winters (Willa Harper). finalmente. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. a la vez. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). un parado que ha asaltado un banco. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. un supuesto predicador ambulante.. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. intenta trabar amistad con él. Lillian Gish (Rachel Cooper). una galería de personajes absurdos y. Evelyn Varden (Icey Spoon). al trazar. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. Ben Harper. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. Harry Powell. pero el obstinado Powell consigue localizarlos. Argumento West Virginia. perfectamente creíbles. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). y a las que el director. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. ha de hacer frente. recurriendo a todo tipo de malabarismos. MÚSICA: Walter Schumann. Cuando salga de prisión.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. Peter Graves (Ben Harper). su compañero de celda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. Antes de ser aprehendido. MONTAJE: Robert Golden. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. desengaños amorosos. «la nuit americaine». que guardarán el secreto. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. B/N. James Cleason (Birdie). interpretado magistralmente por el propio Truffaut. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. tras huir río abajo. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). Powell es . que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. mediante la utilización de un filtro especial.

Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. Duane Jones (Ben). No obstante. 1968 DIRECTOR: George A. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. "déjame a mí al frente de esa sección"». Romero. DURACIÓN: 96 minutos. abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer.UU. especialmente. descubren a otro grupo de rezagados. le dije. Marilyn Eastman (Helen Cooper). FOTOGRAFÍA: George A. Romero. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. Karl Hardman (Harry Cooper). a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. el de Robert Mitchum. encogidos por el miedo. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. "¡Presente!". Barbara huye a una casa cercana. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". se van congregando en el exterior. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. GUIÓN: John A. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso".. Russo. B/N. que con el papel de Harry Powell. A resultas de ese fracaso. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. que ha sido víctima de un asalto similar. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. en número creciente. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). Judith Riley (Judy). Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . donde se encuentra con Ben. Keith Wayne (Tom). Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. "Charles". relatada según los cánones del cine de suspense. Ocultos en el sótano. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. Con todo. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que.terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película.296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. le respondí. Los desnudos y los muertos. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. Gerstad. Claypool que le presentará a la alta . 1935 Sam Wood. que consigue atrincherarse en el sótano. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). DURACIÓN: 90 minutos. MONTAJE: Wiliam Levanway. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. Bert Kalmar y Harry Ruby. Harpo Marx (Tomasso).UU. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. Margaret Drumont (Mrs. La Guerra de los Mundos. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. aliviado al verse rescatado. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. GUIÓN: George S. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. 1978). Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. El embaucador empresario Otis B. Driftwood).los zombis asaltan la casa. B/N. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. Argumento Milán. y el tono amateur que de ello se deriva.. Kaufman. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. FOTOGRAFÍA: Merritt B. Claypool). Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. y es abatido a tiros por error. Chico Marx (Fiorello). George A. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Alian Jones (Riccardo Baroni). Ben. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. Al Boasberg. basado en un relato de James Kevin McGuinness. abandona su escondrijo. matando a todos menos a Ben. Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. Morrie Ryskind. 1985). Romero. contribuyen a hacer la historia más convincente. MÚSICA: Herbert Stothart. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años.

También dejó que. el agente de Baroni. con resultados sólo ligeramente inferiores. un ayudante de camerino. Afortunadamente. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares).300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. en Un día en las carreras (1937). el novio de la Castaldi. no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. Tomasso. el niño prodigio de la M-G-M. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. Por desgracia. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. De ese modo. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. . contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. iniciado por Thalberg. se dirigen a su hotel. El intento de ampliar su público. que no paraban de tomar notas. antes de pisar los estudios. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx. y Fiorello. el productor Irving Thalberg. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. cuya estrella es Rosa Castaldi.

Gustav von Wangenheim (Hutter. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. pero.Schnell (Harding. Alexander Granach (Knock. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. le deposita frente a las puertas del castillo. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. precisamente. que siempre había sido su punto fuerte. pero Ellen en la película. un agente de la propiedad). Nosferatu). Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. DURACIÓN: 75 minutos. las teorías postvictorianas de Freud. Ellen. de Bram Stoker). haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. un empleado de una inmobiliaria. en parte. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. Como era de esperar. el propietario del barco). G. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. 1922 Murnau. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. a su llegada. PRODUCCIÓN: Prana. Greta Schroeder (Ellen. para el público actual. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. Alemania. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. su esposa). se verá asolada por la peste. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. Ruth Landshoff (Annie. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. W. uno de cuyos referentes eran. creando una situación verdaderamente confusa). No obstante. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. el vampiro NOSFERATU. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. un cambio que. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. a convertirse en un pelele inútil. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. Argumento Hutter. en un principio. ciudad que. Aunque.H. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. Tras un viaje lleno de premoniciones. es recogido por un veloz carruaje que. sin muchas ceremonias. . y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. el empleado). B/N. su esposa). el destructor.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. el principal interés de la película resi- Nosferatu. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. a pesar de lo cual. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. En este sentido.

P.). se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. Con todo.UU. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). con desiguales resultados. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. MÚSICA: Franz Waxman. Pretorius. O. Heggie (El ermitaño). Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). Entre tanto. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Phantom derNacht. que le enseña a hablar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. y seguramente todavía. 1935 DIRECTOR: James Whale. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . Sin embargo. The Return of Frankenstein. Pretorius para que colabore con él. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. intentó. de la primera. Ernest Thesiger (Dr. vampiro de la noche {Nosferatu. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. su creador. a diferencia de lo que solía ser la norma. GUIÓN: William Hurlbut y John L. Hall. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. pero fue Werner Herzog quien. B/N. Una O'Connor (Minnie). un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. trabará amistad con Pretorius. Tras una breve estancia en la cárcel. Henry Frankenstein. mejor versión del mito. con su Nosferatu. 1979). Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. Enfurecido por semejante rechazo. Septimus Pretorius). el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth.. Balderston.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. y a menudo también la letra. el Monstruo continúa causando estragos. Colin Clive (Henry Frankenstein). FOTOGRAFÍA: John Mescall. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. invocar el espíritu. MONTAJE: Ted Kent. un ermitaño ciego. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. DURACIÓN: 76 minutos. Más tarde.

1958). caso. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. 1939). B/N. con Peter Boyle en el papel del Monstruo. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970.306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». DURACIÓN: 112 minutos. que él mismo ha creado. 1944). María Casares (La Princesa). hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. Édouard Dermithe (Cegeste). y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. Francois Perier (Heurtebise). no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. La mezcla de terror y humor negro. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. volverá a reunirse con Eurídice. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. el Dr. 1974). Al llegar a casa de la Princesa. tras lo cual morirá asaltado por una turba. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. Sin embargo. Niemann. el chofer de la Princesa. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. que según él mismo asegura es su «única debilidad». de El hijo de Kong [Son ofKong]. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. por ejemplo. PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. GUIÓN: Jean Cocteau. embelesado por la enigmática Princesa. Orfeo ORPHÉE Francia. le informe de que Eurídice. MÚSICA: George Auric. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. Juliette Greco (Aglaonice). y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. Marie Dea (Eurídice). INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). Argumento Orfeo. su esposa. 1934). se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. también ha muerto.

Peter Zinner. no obstante. el director funde su obsesión por los mitos griegos y. están filmadas de manera muy realista. De regreso a los Estados Unidos. 1972 Francis Ford Coppola. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. DURACIÓN: 175 minutos. MÚSICA: Niño Rota. su antigua novia. Orfeo. Sterling Hayden (McCluskey). tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. Ruddy). La película. y el otro. Richard Castellano (Clemenza). atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. por el contrario. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. se refugia en Sicilia. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). tras lo cual. también divertida. Al Pacino (Michael Corleone). Orfeo es la obra maestra de Cocteau. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. en un fantástico mundo subterráneo. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». y con la colaboración. . Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta.UU. un capo rival. ambientada en el mundo actual. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. está a punto de costarle la vida.a una concepción del cine como poesía visual. a menudo. es su película más conseguida. no mencionada en los títulos de crédito. en particular. al ser abatido a tiros en la calle. efectuada por Sollozzo. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. por el mito de Orfeo. Haciendo gala de una portentosa imaginación. Desafiante siempre y. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. Su hijo Michael. el protector de aquél en el cuerpo de policía. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. MONTAJE: William Reynolds. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. 1930) y Le testament d'Orphée (1960). se casa con Kay Adams. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. James Caan (Sonny Corleone).. Marc Laub y Murray Solomon. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. Robert Duvall (Tbm Hagen). para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. de Robert Towne). se hallan ligadas por una notable unidad de visión. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. consolidando así su posición como nuevo padrino.

una saga sobre la «Cosa Nostra». una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. consiguió que se aumentara el presupuesto. Orson Welles y Edward G. en consecuencia. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. 1974). orquestada con tonos operísticos. Walt y su mujer Ann han adoptado . FOTOGRAFÍA: Robby Muller. a quien se consideraba un guionista de talento y. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. DURACIÓN: 148 minutos. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. M. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. Robinson). un nombre más asequible. con un genuino toque de autor. MONTAJE: Peter Przygodda. Aurore Clement (Anne Anderson). la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. y en El Padrino III (The Godfather III. el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. Aunque en un principio permanece en silencio. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. y. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. 1968). seguramente. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. como son la presencia de estrellas en el reparto. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). Parts. Argumento Travis Anderson. MÚSICA: Ry Cooder. 1990). va contándole a su hermano Walt su historia. Part II. se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. Texas Alemania occidental/Francia. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. Hunter Carson (Hunter Anderson).310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. "Kit" Carson). El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. por encima de todo. Laurence Olivier. En este sentido. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). moral y económica del país. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. Gracias a su tenacidad. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social.000 dólares. Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. Dean Stockwell (Walter Anderson). Natassja Kinski (Jane).

París. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. Texas. si bien se trata de una problemática que. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. sin duda. empezando por su propio título. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. París. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. sobre todo. DU- RACIÓN: 114 minutos. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Louis Ravet (Jean Beaupére). de la música y del cine. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). Antonin Artaud (Massieu). sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. el hijo de Travis. Como él mismo ha señalado. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. Comentario Aunque esta austera y. en la que se desvelará el motivo de su separación. de Joseph Deltell). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. la adolescente . Alfinal. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. Travis se marchará solo. Michel Simón (Jean Lemaitre).la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. la escena clave del film. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. en el que es. B/N. muy exitosa película. a través de los libros y. su mujer. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. Irónicamente. La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano).312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). en último término. no llegará a solucionarse. Texas. sin embargo. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). sufrió la cultura europea en los años de postguerra. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. su mejor papel hasta la fecha). Hunter insiste en acompañarle.

Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. El verdadero tema de la película. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. pero. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. pero ella se mantiene firme ante sus captores. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. es llevada a la estaca donde morirá quemada. Subir Banerjee (Apu). para su director. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). era el único reino verdadero: el del alma. Pather Panchali India. una vez más. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. particularmente. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. el director danés optó por Juana de Arco. . el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. Dreyer trató con extrema dureza. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. Como ocurre en el resto de su obra. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. MONTAJE: Dulal Dutta. cuya canonización se había producido en 1920. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. Karuna Banerjee (Sarbajaya). además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. Urna Das Gupta (Durga). Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. se resiste a hacerlo. Chúmbala Devi (La tía).314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. DURACIÓN: 115 minutos. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). pero triunfa en lo que. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. MÚSICA: Ravi Shankar. considerado revolucionario en su época. pide que se le aplique la pena. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. debido a la complejidad de los decorados. Aunque su cuerpo haya sido destruido. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. B/N. según se dice. Con la cabeza rapada.

como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. Apu. reinició la filmación ya en 1953. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. acompañado de su hermana. Apu conocerá también el significado de la muerte. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. a varios patrocinadores en potencia. de Durga. sin ningún resultado. para cuando Ray la filmó. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. posteriormente. tras un parón de varios meses. aunque teñida de lirismo. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). a lo largo de un año. entre otras razones. A pesar de todas estas dificultades. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. ya en los años cincuenta. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. . el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. si llegaba a completarse. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. y su anciana Tía. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. Que esto fuera así se debió. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. sus hijos Apu y Durga. lo estuvo mostrando. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. Finalmente. sin embargo. esta película. En la escena más famosa de la película. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. se había convertido en un clásico contemporáneo.

entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. loco (It's a Mad. Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. 1974).318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. . Francis Ford Coppola. con La última película (1971). Lo cierto es que. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. 1970). Mad World. El día más largo (The Longest Day. buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. No obstante. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes.como Sonrisas y lágrimas (1965). Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. mientras otros directores. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. sería la película Mad Max. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). Mad. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). el director de Aguirre. finalmente. No obstante. terminaría trabajando en los Estados Unidos. en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. la cólera de Dios (1972). Fred Schepisi y Peter Weir. a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. 1975). con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). Peter Bogdanovich. 1972). o producciones convencionales del género de terror. 1969). con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). 1969) o Love Story (1970). con Malas calles (Mean Streets. engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. 1976) y que. mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. 1966). caso por ejemplo de La conversación (1974). estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. 1963). en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. como El exorcista (1973). Volker Schlóndorff. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. Mad. El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. 1962). caso de Pasolini o Bertolucci. la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. con El padrino (1972) y Martin Scorsese. a principios de la década de los setenta. Texas (1984). 1973). con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. donde realizó París. Aeropuerto (Airport. Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. loco. 1962) o El mundo está loco.

Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). que.UU. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. 1947. cada vez más asqueado. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. 1981. otro de los decanos de la novela policiaca. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson.. pero antes de que él la matara. sospechó que se trataba de un fraude y. detective de la compañía. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. Fred MacMurray es condenado por ase- . antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. luego. Sin embargo. Cain.). Tom Powers (Mr. a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. DURACIÓN: 106 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. Jean Heather (Lola Dietrichson). un vendedor de seguros. MÚSICA: Miklos Rozsa. Jackson). FOTOGRAFÍA: John F. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. Neff. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. trata de consolar a su amigo antes de que muera. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. con frecuencia. etc. Porter Hall (Mr. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. Argumento Walter Neff. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. B/N. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. 1946. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). Retorno al pasado [OutofthePast]. tuvo tiempo de dispararle. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. Adaptación de un relato de James M. primero. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. MONTAJE: Doane Harrison. Robinson (Barton Keyes). un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). Seitz. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. El protagonista masculino. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. tras llamar a la policía. finalmente. Cain. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. su deseo por esa mujer le llevó. y el mordaz Billy Wilder. En el caso de Perdición. En el final original de la película. a pesar de lo cual. Dietrichson). Three ofa Kind). realizada al alimón por Raymond Chandler. con sus diálogos afilados. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. Edward G. Keyes.

mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. Persona Suecia. Alma. inesperadamente. donde Elisabeth comienza a recuperarse. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. Según se cree. que no tiene explicación médica. Comentario Persona. Su estado. Gunnar Bjornstrand (Mr. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. Jorgen Lindstrom (El muchacho). Cuando llega el marido de Eli- . No obstante. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. MÚSICA: Lars-Johan Werle. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. habla sin parar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. sabeth. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). que. que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. a mitad del film. el celuloide parecerá quemarse. pertenecientes a la fantasía del adolescente. que. Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. por contraste. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. Esos 20 minutos de película. MONTAJE: UUa Ryghe. Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Margarethe Krook (La doctora). su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. Bibi Andersson (La enfermera Alma). Vogler). DURACIÓN: 81 minutos. GUIÓN: Ingmar Bergman. B/N.

pero es detenido al caer en una trampa de la policía. un estudiante solitario y sin dinero. después de mucho tiempo. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. Pierre Etaix (Cómplice). FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. vuelve a encontrarse con Jeanne. dromo. vuelve a quedar en libertad. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). por principio. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. Tras ser detenidos dos de sus colegas.sino por el propio acto en sí. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). Cuando regrese. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. Kassagi (Carterista). 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. Jean Pelegri (Inspector de policía). inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . tan evasiva. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. Apesadumbrado tras la muerte de su madre. MONTAJE: Raymond Lamy. GUIÓN: Robert Bresson. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. al poco tiempo. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. y es. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. Pierre Leymarie (Jacques). debida a un director que. esa ambigüedad. La policía le detiene. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. precisamente. Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. va adquiriendo. pero. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. Marika Green (Jeanne). un Pickpocket Francia. Argumento Michel. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. En última instancia. DURACIÓN: 80 minutos. se ve forzado a abandonar Francia. no obstante. no es más que parte de la ilusión creada por el cine. B/N. a la vez.

FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. no puede considerarse una adaptación de la novela. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. consiguiendo ese efecto. en los que muchos serán los que mueran. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. le contratan para que trabaje a su servicio. La película. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. enemigos declarados de aquéllos. . DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. Los Rojo.326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. Wolfgang Lukschy (John Baxter). concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. decidido a devolver el oro robado. Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. MONTAJE: Robert Cinquini. A continuación se sucederán los enfrentamientos. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). Marianne Koch (Marisol). Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. MÚSICA: Ennio Morricone. Finalmente abandona la ciudad. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). Sin embargo. Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. típicamente bressoniano. Antonio Prieto (Benito Rojo). pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. Luego engaña a los Rojo. que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi.

La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. Psicosis PSYCHO EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. por lo general. llegarán para investigar su desaparición.. Janet Leigh (Marión Crane). el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). La película. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. Martin Balsam (Milton Arbogast). Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. aunque. a poder ser. B/N. Russell. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). en apariencia inagotable. una versión oficiosa del Mercenario. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. mediante unos primeros planos brutales.000 dólares. DURACIÓN: 109 minutos. John Mclntire (Sheriff Chambers). de Kurosawa. Argumento Tras haber huido con 40. Marión Crane llega al Motel Bates. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. preferiblemente. Mientras exploran la mansión de los Bates. MONTAJE: George Tomasini. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. John Gavin (Sam Loomis). Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch).000 dólares pertenecientes a su jefe. MÚSICA: Bernard Hermann. de calidad muy inferior. debía tratarse de un actor conocido del público. no demasiado caro. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). FOTOGRAFÍA: John L. adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella.000 dólares. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. también morirá a machetazos. Más tarde. dándoles a su vez un cierto toque operístico.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. sin embargo.UU. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. la hermana de Marión. comenzó a buscar al protagonista que. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. así como por sus duelos interminables y ritualistas. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. Atraído por el guión. Poco después Sam Loomis y Lila. A pesar de la aparente oposición de su madre. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. Norman Bates decide darle una habitación. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. Vera Miles (Lila Crane). Si Steve Reeves estaba descartado. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones.

en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. B/N. por un lado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. La utilización del blanco y negro. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). así como las técnicas empleadas en su realización. una consecuencia del modesto presupuesto de 800. The Public Enemy EE. un asesino y necrófago de Wisconsin. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. dirigida por el propio Perkins). anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha.UU. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . Joan Blondell (Mamie). Norman.. ya bajo atención psiquiátrica. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. GUIÓN: Kubec Glasmon. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. Un Norman. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. Jean Harlow (Gwen Alien). La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. que. 1986.no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. Donald Cook (Mike Powers). así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. 1983). Edward Woods (Matt Doyle). por otro. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. Ed Gein. Más adelante. a su vez. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. así como a su fotografía y dirección artística. sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. Zanuck). 1931 DIRECTOR: William Wellman. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. Psicosis III (Psycho III. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. interviene Sam. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. a pesar de lo cual. una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. DURACIÓN: 84 minutos. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. dos delincuentes juveniles. MONTAJE: Ed McCormick. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). MÚSICA: David Mendoza. aparentemente cuerdo. Beryl Mercer (Ma Powers). Beer and Blood).330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. son.

Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. Sin embargo. tras más de sesenta años. Cagney. Sin embargo. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. Aunque. James Cagney. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. . mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. el jefe de la banda rival. un papel mucho menos relevante. había sido elegido para interpretar a Doyle. éste le respondió lo siguiente: «Mira. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. en adelante. ha pasado a la pequeña historia del cine. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. más violenta y más realista que jamás hayas visto». según se cree. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. con su característico estilo bronco y agresivo. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. cuyo personaje. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. el arquetipo del gángster hollywoodiense. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. las películas de gángsters están acabadas. seguirá el camino recto. tras tres días de rodaje. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. envuelto en vendas. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. En un principio. sobre todo. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». Cagney. Tom promete a su familia que. bordó su papel y creo. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. un rubia explosiva. está basado en el gángster de Chicago. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. Bill. Comentario Se cuenta que. pero la banda de Schemer le saca del hospital. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. y le mata de un disparo en la sien.

B/N. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. un banquero sin escrúpulos. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales.O. 1939). recayó en un principio en Jean Arthur. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. DU- RACIÓN: 129 minutos. al igual que Capra. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios. Potter. sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia.UU. sin embargo. Henry Travers (Clarence). Smith Goes To Washington.K. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. Aunque la R. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. casi perfecta. hacen de esta . un actor que. Potter). Lionel Barrymore (Dr. un ángel. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. cuando Bailey. Clifford Odets y Jo Swerling). aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. de Michael Wilson. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. Donna Reed (Mary Hatch). PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. Bailey). su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. Hundido en la desesperación. se plantea la posibilidad de suicidarse. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. Desde el primer momento. MONTAJE: William Hornbeck. sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. no reflejada en los títulos de crédito. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. 1946 DIRECTOR: Frank Capra. Thomas Mitchell (Tío Billy). pero se le aparece Clarence. En cuanto al papel de esposa.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. GUIÓN: Francés Goodrich. su madre sería una viuda solitaria. había adquirido los derechos. contando también con la colaboración.. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. Corren las fechas navideñas. 1938) y Caballero sin espada (Mr. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey). que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. devorado por el rencor. Beulah Bondi (Mrs. el papel principal se destinó a James Stewart.

1962 Robert Aldrich. Finalmente. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho.000 dólares. MÚSICA: Frank De Vol. Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. en el transcurso de la cual Elvira. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. sumida en la más profunda locura. Cuando éste descubre . una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. El resultado. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. Jane. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Victor Buono (Edwin Flagg). que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. MONTAJE: Michael Luciano. Blanche decide vender su casa. Jane contrata al pianista Edwin Flagg. la película fue. con la intención de enterrarla viva. además. el ama de llaves. En vista de ello. DURACIÓN: 132 minutos. Anna Lee (Mrs. Marjorie Bennett (Mrs. Joan Crawford (Blanche Hudson). a Blanche. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?.UU. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». vive a merced de su hermana Jane. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). Bates). es asesinada cuando trataba de liberarla. Maidie Norman (Elvira Stitt). Cuando llega la policía. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). pagando tan sólo 50. causó sensación. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. B/N.. una mujer cada vez más perturbada. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. provocando una sádica guerra de nervios. Argumento Blanche Hudson. en los últimos tiempos. Della Flagg). Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades. Jane se la lleva a Malibu Beach. un fracaso comercial en el momento de su estreno. de los que no obtuvo ninguno.000 dólares a cada una de sus estrellas. las oportunidades descienden vertiginosamente. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. Nominada para cinco Osear.

Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia).l964). Tom Murray (Black Larson). protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. Mack Swaim (Big Jim McKay). 1967). Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que.. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Betty Morrissey. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve. Hush Sweet Charlotte. que ha recuperado la memoria. en su viaje de regreso. donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación.UU. Un rey en Nueva York (A King in New York. Se produce una pelea. si bien. alfiny al cabo. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. Sin embargo. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. B/N. que ha descubierto su filón de oro. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. a la que invita a su fiesta de nochevieja. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. McKay. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. GUIÓN: Charles Chaplin. donde se enamora de Georgia. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. DURACIÓN: 82 minutos. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. Hall. para que le ayude a encontrar su mina de oro. En adelante. MONTAJE: Charles Chaplin. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. Entretanto. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. el vagabundo se reúne con Georgia. fugiados en una remota cabana. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. querida (Fanatic. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. Más adelante. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. una corista. Georgia Hale (Georgia). ya iniciado el rodaje. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles.1964). Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. debido a una enfermedad. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. los proble- .

El leñador. DURACIÓN: 88 minutos. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. Masago. DIRECTOR: Argumento Japón. La película. Takashi Shimura (Tratante de leña). fue una de las producciones mudas más taquilleras. una escena donde consigue crear. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. Takehiro. El relato deprime a un monje allí presente que. Masayuki Mori (Takehiro). El bandido Tajomaru. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. Atrapado por una tormenta. . PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). 1951 Akira Kurosawa. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). Rashomon Japón. B/N. Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. Masago afirma que. No obstante. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. y de la violación de su mujer. Estos rasgos se aprecian. Minoru Chiaki (Monje). sometido a una persecución por toda la cabana. enormemente popular desde el momento de su estreno. Siguiendo un esquema característico de su autor. realizada por el propio Chaplin. partiendo de los objetos más comunes. de Ryunosuke Akutagawa). ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. Por su parte. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. sin embargo. A través de una médium. acusado del asesinato de aquel hombre. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo.5 millones de dólares. tras ser violada. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. siglo VIII. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. Machiko Kyo (Masago). el pequeño vagabundo. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. sin embargo. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. MÚSICA: Fumio Hayasaka. por ejemplo. un tanto desmañada. sostiene que se trató de un combate limpio.

justo antes de saltar. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. MÚSICA: Leonard Rosenman. El comentario realizado por el propio Kurosawa. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). hace amistad con Platón.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. como la víctima. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. un autor que se suicidó en los años veinte. Sin embargo. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. Desoyendo el consejo de sus padres. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. el jefe de una pandilla. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. de los Siete samurais. DURACIÓN: 111 minutos. y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray).UU. MONTAJE: William Zeigle. temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. sin duda. por encima de todo..1964). los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. pero. convertida en el western Los siete magníficos. 1955 Nicholas Ray. titulada Cuatro confesiones (Outrage. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. la solidez de su trabajo actoral y. quizá erróneamente. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. dirigida por Martin Ritt. Natalie Wood (Judy). posteriormente. fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. Ann Doran (Madre de Jim). Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. Jim Backus (Padre de Jim).Ras- homon sería objeto de una versión. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. su innovadora estructura narrativa. por ejemplo. la película. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. El resultado no estuvo a la altura del original. Jim Stark. ha llevado a algunos críticos a considerarla. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. En su primer día conoce a Judy. un taciturno adolescente. Dennis Hopper (Goon). Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. y Laurence Harvey en el papel de marido.un exotismo que. un muchacho huérfano. Sal Mineo (Platón). Jim da parte a la policía.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. la guerra. en compañía de Judy y Platón. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller.

344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. Por otro lado. Monsigny y Saint-Saéns. B/N. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. para Sal Mineo. No obstante. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. siguen rebosando autenticidad. para Natalie Wood. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. como Rebelde sin causa. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. Sin embargo. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. y mejor actor secundario. cuando finalmente accede a hacerlo. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. Jean Renoir (Octave). el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. marqués De La Chesnaye).cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). 1956). Mila Parley (Genéviéve). El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. la esposa del Marqués De la Chesnaye. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). ropas. Pues. trata de encontrar unos valores que le sean propios. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. se entera de que su ma- . Christine. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. a partir de Mozart. películas y otros tantos productos similares. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. MONTAJE: Marguerite Renoir. es abatido a tiros por la policía. llamado James Dean. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. Marcel Dalio (Robert. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. que trata de vengarse. de Elia Kazan. El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). Paulette Dubost (Lisette). mejor actriz secundaria.

comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. se descubre una nueva faceta de la misma. Aunque. . Repleta de momentos memorables.y es uno de esos raros casos en que. finalmente. cada vez que se contempla. la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. un amigo de la infancia. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. una farsa actualizada de Beaumarchais. el guarda de la finca. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. En vista de ello. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. Sin embargo. La regla del juego sería amputada drásticamente y.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. más tarde. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». Una de las frases emblemáticas de la película. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos. hasta componer. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. prohibida por las autoridades de Vichy. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». Renoir señalaría. Por su parte. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. más adelante. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. con ese toque humano tan característico del director. en realidad. aunque todos dan por sentado que. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. Por todos estos motivos. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. más adelante. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André.

seguramente sea Indiana Jones. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. Como señaló su hijo.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. el James Dean de Rebelde sin causa (1955). el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. 1974). En la historia del cine norteamericano. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. el romántico solitario. las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. Rocketeer (The Rocketeer. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. por lo menos. un hombre cínico y desencantado. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. 1991). Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. que encarnó Sean Connery. El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). y los rebeldes apasionados. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). aunque no demasiado brillante. Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. Una escena. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. como Matt Helm o Derek Flint. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. el cine ha demostrado. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. 1991). Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. 1936). le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. 1938) y The Sea Hawk (1940). desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. 1937).de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. más adelante. a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. No obstante. sugerida por el propio Harrison Ford. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. unos héroes dedicados a hacer el bien. acompañadas de sus respectivas secuelas. . pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. como Marión Brando. Paul Newman o Steve McQueen. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). o. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). algunas de ellas. 1941). ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. sin embargo. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos.

la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. Cristina manda partir a Antonio. se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. pasan juntos dos días de absoluta dicha. B/N. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). perdidamente enamorada. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. Elizabeth Young (Ebba Sparre). la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. Aubrey Smith (Aage). le seguirá a España. Ya de vuelta en Hollywood. mientras monta a caballo. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. La Reina abdica. MÚSICA: Herbert Stothart. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. Greta Garbo. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). Entre ellos. M. siguen viéndose en secreto. Argumento Suecia. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. Mientras se encontraba en Suecia. 1927). con la promesa de que. Harwood. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad.UU. GUIÓN: H. y que. DURACIÓN: 97 minutos. en aquel preciso momento. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. John Gilbert. sin embargo. se prescindió del actor británico. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. aquel en que.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. se encuentra con el embajador español. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. una reina sueca del siglo xvn. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. a instancias de su amiga Salka Viertel. Magnus. descubre su relación. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. se va deslizando por la habitación de la posada. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. Salka Viertel y S. Willis. tras quitarse su disfraz. Harta de tanta guerra. más adelante. Cuando su anterior amante.. MONTAJE: Blanche Sewell. Nils Asther y Franchot Tone. finalmente. Mayer. Ian Keith (Magnus). se sintió atraída por la vida de Cristina. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces. siglo xvn. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. Sir C. N. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). Con todo. Don Antonio de la Prada. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. Un día. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos.

DURACIÓN: 105 minutos. la Primera Guerra Mundial. la mojigata hermana de aquél. aún hoy. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. Condenados a morir ahorcados. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. encuentra refugio a bordo de La reina de África. por ejemplo. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. Technicolor. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. Más adelante.100 millas del río Congo. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. a resultas del cual muere un misionero. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Entretanto. MONTAJE: Ralph Kemplen. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. P. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). Tras un ataque alemán. una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. Rose. La escena. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. un individuo que siente debilidad por la ginebra. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. Finalmente llegan al . Cuando John Huston se incorporó al proyecto. que terminará por convertirse en amor. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman).UU. Forrester). INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut). Theodore Bikel (Primer Oficial). había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. S. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). Aquel año. Peter Bull (Capitán del Louisa). libres de todo peligro. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. Walter Cotell (Segundo Oficial). frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. MÚSICA: Alan Gray. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. Por su par- John Huston. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. Eagle [Sam Spiegel]).352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. El sentimentalismo de la película (que contrasta. Katharine Hepburn (Rose Sayer). 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño.. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. Argumento África Central.

encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. papel que correspondió a Robert Mitchum. . MÜSICA: Dimitri Tiomkin.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. el hermano de Joe Burdette. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. Katharine Hepburn.. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. se impone a la banda de Burdette. está tramando un plan para liberarlo. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. Argumento La certeza de que Nathan. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. McCampbell). Chance). sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. Chance. DURACIÓN: 141 minutos. interpretada por Deborah Kerr. Dean Martin (Dude). un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. Más adelante se unirá a ellos Colorado. En un primer momento. Stumpy. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias. Walter Brennan (Stumpy). H. al que aceptará como ayudante. Allison. y un lisiado.1955). y un marine. Finalmente. Chance se salva de un atentado contra su vida. 1975). 1957). PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. Ward Bond (PatWheeler). 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. reflejados en la novela Cazador blanco. Dude es tomado como rehén. un joven pistolero. INTÉRPRETES: John Wayne (John T. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. favorecido por una buena provisión de dinamita. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. en un nuevo ataque. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. su ayudante Dude.UU. el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. más bien se trata de un telón de fondo. que contaba con la pareja formada por una monja. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. Ricky Nelson (Colorado Ryan). MONTAJE: Folmar Blangsted. Por su parte. que el director utiliza como Río Bravo EE. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. el guardián de la cárcel. Kuter. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. casi abstracto. Angie Dickinson (Feathers). corazón negro. pero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. FOTOGRAFÍA: Russell Harían.

Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Miller. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. por tanto. Sol Polito y W. la fórmula. Chance y Dude. 1939). John Carpenter. su amigo alcohólico y. sin demasiados cambios. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. 1944). INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood).356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. mientras que. Olivia de Havilland (La doncella Marian). un film sobre una compañía de aviación en los Andes. No es de sorprender. así. Wallis y Henry Blanke). y Tenery no tener (To Have and Have Not.. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. Howard Greene. DURACIÓN: 102 minutos. En la película que nos ocupa. era una nueva versión. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. Claude Reins (El príncipe Juan). con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que.UU. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). Eugene Pallete (Fray Tuck). pero valeroso carcelero. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. en 1976. en particular. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. a todos los efectos. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. Chance. un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. MONTAJE: Ralph Lawson. ambientado en la Martinica. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. Río Lobo (1970). está la relación entre el sheriff]ohn T. por un lado. por otro. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. el viejo. el pistolero Colorado y la corista Feathers. que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. donde figuraba como montador un tal John T. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I. Patrie Knowles (Will Scarlet).

Korngold y el montador Ralph Lawson. en compañía de Robin y de sus hombres. El Príncipe Juan y su aliado. el resultado final es un relato sin fisuras. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. 1991). que no tardará en enamorarse de su captor. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. En uno de sus asaltos. que recayeron en las personas de Weyl.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. en fecha más reciente. 1922). La película. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. que se hizo cargo del rodaje de interiores. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. A pesar de ello. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. Cuando Ricardo regresa. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. romántico. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. Con Flynn como protagonista principal. Jack L. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. coge prisionera a la doncella Marian. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. Ganadora de tres Osear. roe de las películas románticas y de aventuras. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. Guy de Gisbourne. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. En el combate que se desencadenará a continuación. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. 1976) y. Sin embargo. Robin de Locksley. Su único oponente. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. 1936). Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. atlético y picaro de todos ellos. Comentario Desde 1908. Kevin Costner en Robin Hood. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan.

Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. Más adelante. PRODUCCIÓN: Excelsia. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. Aunque desde un punto de vista analítico. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. Megna. el proyecto. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. Marai Michi (Marina). Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. una antigua amante de éste. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. Cain realizada por Visconti en 1942. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. Marcello Pagliero (Manfredi). la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. Argumento Roma. un cura de su total confianza.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. el carácter melodramático de su trama. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. MONTAJE: Eraldo Da Roma. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. filmados. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). Francesco Grandjacquet (Francesco). DURACIÓN: 100 minutos. La crítica sigue dudando entre Ossessione. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. todo ello. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. uno de los jefes de la resistencia comunista. y Roma. en la medida de lo posible. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. La película. Harry Feist (Mayor Bergmann). El día antes de su boda con la viuda Pina. MÚSICA: Renzo Rossellini. la adaptación de la obra de James M. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. e incluso sus muebles. B/N. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. Francesco. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. GUIÓN: Roberto Rossellini. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. mientras que Don Pietro será fusilado. que aún hoy sigue conmoviendo. Manfredi.

por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. todos ellos personajes perfectamente definidos. no es ni un joven airado. Arthur Seaton. se dispone a disfrutar por todo lo alto. Comentario Sábado noche. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. Arthur tratará de que aborte y. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). Tras pasar la tarde en elpub. 1959). Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. ni un arribista. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. como Visco nti y Vittorio De Sica. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. se le resistirá. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Rachel Roberts (Brenda). Cuando a Jack le asignen el turno de noche. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. hace noche en casa de Brenda. poco después. MÚSICA: Johnny Dankworth. Bryan Pringle (Jack). cando piso. Con esta película. pero. DURACIÓN: 89 minutos. su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. Shirley Anne Field (Doreen). entre los que se contaban Stan Barstow. uno de ellos el hermano de Jack. cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. Por otro lado. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Dando signos de mayor responsabilidad. el actor teatral Albert Finney. este último el autor de la novela en que está basada la película. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). 1960). dos soldados. MONTAJE: Seth Holt. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. Unido. en un principio. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. un obrero de las Midlands. aprovechando que su marido se encuentra ausente. Sin embargo. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. le asegura que sus días de juerga no han terminado. como el Joe Lampton de Sábado noche. que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. Hylda Baker (Tía Ada). El papel de la mujer casada y de más edad. una chica que. En cuanto al personaje de Finney. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. B/N. John Osborne y Alan Sillitoe. Norman Rossington (Bert). le fue ofrecido a Diana Dors. le propinarán una paliza. Arthur se compromete con Doreen. mientras se encuentran bus- . Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación.

en última instancia. entre otras razones. aunque. Vargas. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). Orson Welles (Hank Quinlan). Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). de Whitt Masterson). Vargas y Menzies. MÚSICA: Henry Mancini. Argumento México.UU. uno de los sospechosos. MONTAJE: Virgil M. que permanece drogada. el voluminoso policía norteamericano . debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. Marlene Dietrich (Tanya). Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. B/N. u n policía mexicano. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. Esa visión limitada y. preparan una trampa que demuestre. el jefe de una red de narcotráfico. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. 1958 Sed de mal encargado del caso. derrotista. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. la culpabilidad del policía norteamericano. mediante una grabación. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. según se descubrirá. el ayudante de Quinlan. Víctor Millan (Manolo Sánchez). No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. para que su marido abandone sus pesquisas. Joanna Moore (Marcia Linnekar). Ray Collins (Adair). Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. Joseph Calleia (Pete Menzies). Con objeto de frenar a Vargas. el explosivo fue colocado en territorio mexicano.364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959).. Vogel y Aaron Stell. En el tiroteo que se sucede a continuación. Janet Leigh (Susan Vargas). Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos).

lo cual no obstó para que.. ante todo. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). DURACIÓN: 136 minutos. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman.UU. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. con objeto de sacarle una confesión. 1968 Román Polanski. Sidney Blackmer (Román Castevet). que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. que había dado por sentado que Welles. y que. Quinlan es una creación inolvidable. posiblemente. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. además de actuar. Román y Minnie Castevet. un actor que trata de salir adelante. Welles sólo había sido contratado como actor. más adelante. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. un su- perviviente de la época de la frontera. MÚSICA: Krzysztof Komeda. Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. Ruth Gordon (Minnie Castevet). cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. FOTOGRAFÍA: William A. A pesar de sus excesos estilísticos. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. John Cassavettes (Guy Woodhouse). La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. se verá forzado a recurrir a una trampa. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. Guy Woodhouse. es desmesurado. Vargas. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. Ralph Bellamy (Dr. Todo en este film. Quinlan es. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. Fraker. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). Guy le propone a Rosemary que tengan . uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). Argumento Nueva York. probablemente.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. un personaje de otros tiempos. Hank Quinlan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. donde traban amistad con sus vecinos. se mudan a su nuevo apartamento. es. si actúa así. En un principio. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. rodado desde una grúa. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. y su esposa Rosemary. Maurice Evans (Hutch). Sapirstein). La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. Sea como sea. mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. sería el director del film.

La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. en realidad. dirigida por Sam O'Steen. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. . 1976). La película rodada para la televisión. en el que era violada por un monstruo con cuernos. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. En cuanto al papel de Guy. dará a luz. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. que. así como la nominación para dos Osear. muere de forma misteriosa.1974). se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. finalmente. en el que se da a entender que Castevet es. Por otro lado. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. recaería en John Cassavettes. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. 1975) yLaprofecía (The Ornen. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon.1961). Su golpe maestro fue. al despertar a la mañana siguiente. en ese preciso momento. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. se decide a consultar a su amigo Hutch que. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. Rosemary se siente indispuesta y. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. el montador de la cinta original. un brujo. al poco tiempo. dejándole un libro sobre brujería. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. La monja poseída (To the Devil A Daughter. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. tras ser rechazado por Robert Redford. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. sin embargo.

sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. y buena parte de la producción cinematográfica en general. por el contrario. desafiando así a las leyes de la época. en cualquier caso. En la actualidad. . fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. más conocido como el Código Hays. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. un antiguo director general de correos. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. Salvaje {The Wild One. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). en teoría. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). Aunque. Como consecuencia del Código. hoy en día. Hays. donde se trataba el tema de la drogadicción. 1955). en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. delante de los niños. el espectador ha de ser protegido. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. por ejemplo. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. el sexo sigue siendo algo de lo que. creada por la propia industria.comparten habitación para pasar la noche. en Sucedió una noche (1934). según parece. se instituiría el Código de Producción de Películas. el último tabú de la censura cinematográfica. poco después. Entre tanto. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. los días del Código Hays estaban contados. mientras que una película como Víctima (Victim. en Estados Unidos. conocida como «Las murallas de Jericó». Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. 1933). 1945). del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. se guiaría durante los próximos treinta años. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. a la vez que. Muchos países. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. de hecho. En el Reino Unido. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. En el Reino Unido. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. domingo mañana (1960). Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. la violencia extrema o la inmoralidad. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. han prohibido películas por motivos políticos y. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. a cuyo frente se situó a Will H.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas.

DURACIÓN: 86 minutos. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. George Macready (General Mireau). Ralph Meeker (Cabo Paris). muy alabada por la crítica. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. finalmente. el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres.. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). Dada la inutilidad del intento. el General Broulard. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. Harris). donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. B/N. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). FOTOGRAFÍA: George Krause. Strangelove . Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres.UU. MONTAJE: Eva Kroll. GUIÓN: Stanley Kubrick. se decide éste a actuar en consecuencia. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. si bien. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. en nombre de una supuesta justicia. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. Kubrick. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. Wayne Morris (Teniente Roget). 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). Argumento Año 1916. pero los artilleros se niegan a obedecer. mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. a unas 25 millas al oeste de Munich. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. La película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. Así. mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. Adolphe Menjou (General Broulard). MÚSICA: Gerald Fried. Sin novedad en elfrente. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales.372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide.

1964). Curiosamente. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte. Dios y la Muerte. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. MÚSICA: Erik Nordgren. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. desafiándola a una partida de ajedrez. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. A día de hoy. A. 7-8. acertada. y sus hijos. Varios ayudantes y electricistas. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. que forman Jof. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. En compañía de un herrero y demás gentes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. Lundgren. 1987). sigue siendo una obra notable. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. Nils Poppe (Joff). el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. Argumento Tras regresar de las Cruzadas. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello.374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. La película. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. tanto por su audaz temática. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. Mia. MONTAJE: Lennart Wallen. Ake Fridell (Plog). FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. Tramalning). pues la Muerte no tardará en visitar a Block. casi desleído. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. de la fotografía de Gunnar Fischer. Bibi Andersson (Mia). y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. que fue rodada durante el verano de 1956. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. Bengt Ekerot (La Muerte). B/N. una decisión . toma su título de un pasaje de la Biblia.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. Gunnar Bjorns- trand (Jons). que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. su mujer. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. el amor. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. DURACIÓN: 96 minutos. Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. Block se dirige al castillo de su familia. reúne a su familia y parte de inmediato.

mentiras y cintas de vídeo SEX. de forma vacilante. Sexo. está casado con Ann. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. aunque fuera de forma inconsciente. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. accederá a ser grabada. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. Cuando ella le confiese que. DURACIÓN: 100 minutos.UU. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . MÚSICA: Cliff Martínez. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. una pieza para cuatro manos. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. en nuestra sociedad. GUIÓN: Steven Soderbergh. él reconocerá que es impotente. MONTAJE: Steven Soderbergh. Comentario Sexo. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. Ron Vawter (Terapeuta). 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. Soderbergh parece querer indicar que. se desenmaraña. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. gada por todo el asunto. Graham. en su opinión. un abogado de éxito. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. La película muestra cómo se va creando y. trata de iniciar una relación con Ann. posteriormente. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto.. 1961). LIES AND VIDEOTAPES EE. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. mientras que Ann. sólo se puede ir cuesta abajo». la hermana de ésta. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. pero tiene una relación con Cynthia. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. Éste destruye sus cintas y. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. En cambio. Cynthia. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. mentiras y cintas de vídeo. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. grabadas por él mismo. Argumento John. ya se diera cuenta. Más tarde. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. carente de pretensiones. que descarga su ira sobre Graham. En este sentido. Ann le pide el divorcio a John. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). manifiestamente impresionado.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. Peter Gallagher (John Millaney). Andie MacDowell (Ann Millaney). mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. se da demasiada importancia al sexo.

Terminado el combate. DURACIÓN: 200 minutos. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. PRODUCCIÓN: Toho. aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. En cualquier caso. y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. B/N. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. Siji Miyaguchi (Kyuzo). El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. suele ignorar. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. en gran medida. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. Minoru Chiaki (Heihachi). Daisuke Kato (Shichiroji). MÚSICA: FU- mio Hayasaka. pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. blo en previsión de que se produzca un ataque. a . 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. Yoshio Inaba (Gorobei). suscitó algunos equívocos. En vista de ello. Kambei y Shichiroji se marchan. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. Aunque peque de cierto esquematismo. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. cuyo carácter escabroso. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama.

un western de Hollywood. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. gracias a la pista de la mariposa. mientras Crawford. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. dos grupos hostiles por naturaleza. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. entre tanto. DURACIÓN: 118 minutos. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. un asesino que se encuentra en prisión. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. Lawrence A. MÚSICA: Howard Shore. para entonces.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. el climax. Como consecuencia de ello.UU. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. Lecter. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. En su ceremonia de graduación. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. Anthony Heald (Dr. 1980) yRan (1985). Anthony Hopkins (Dr. . resulta de una gran eficacia. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). MONTAJE: Craig McKay. Ted Levine (Jame Gumb). GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. sospecha que el asesino es Jame Gumb. Para obtener información vital. La sombra del guerrero (Kagemusha. es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. apodado «Buffalo Bill».380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. la hija de una senadora. Hannibal Lecter). dirigido por John Sturges. Frederick Chilton). Clarice recibe una llamada desde Haiti. una agente del FBI en prácticas. tras matar a Jame de un disparo. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. Hannibal «El Caníbal» Lecter. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas.. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. como es habitual en el director. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Catherine Martin. Argumento Clarice Starling. Entretanto. es secuestrada. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. Kenneth Utt y Ron Bozman). Sin embargo. 1960). de donde rescatará a Catherine. aprovecha un momento de descuido para escaparse. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. Scott Glenn (Jack Crawford). Bonney (Instructor del FBI). a escala mucho mayor.

consigue acabar con tres de ellos. Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. la antigua novia de Kane. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. de John W. Cunningham). Lo cierto es que. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. típicamente norteamericano. sólo en Estados Unidos. en lo que hace referencia a los personajes. Kane. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. un sheriff a punto de retirarse. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. que. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». asqueado.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. un personaje de una pieza. arroja .UU. junio de 1865. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. como no tardará en descubrir. Otto Kruger (Percy Mettrick). El dragón rojo. mitad maestro. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. y su prometida. La protagonista. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. Lloyd Bridges (Harvey Pell). Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. Solo y asustado. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). Amy. el asesino invertido. mitad asesino. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. treinta años atrás.quien mate al cuarto. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. una adaptación de la novela de Thomas Harris. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. Grace Kelly (Amy Kane). Argumento Hadleyville. de los asesinos en serie. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti».. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». ha convencido para que se quede. MÚSICA: Dmitri Tiomkin. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). Katy Jurado (Helen Ramírez). 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. No obstante. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». B/N. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. En un prolongado tiroteo. MONTAJE: Elmo Williams. DURACIÓN: 84 minutos. mientras que será la propia Amy -a la que Helen.

un cantante negro. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. 1966) o Julia (1977). por su parte. titulado «The Tin Star». Rupert Crosse (Rupe). Foreman. Hugh. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. que. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. se ve asaltado por unos temores muy humanos. Argumento Manhattan.000 dólares. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. más un porcentaje en los beneficios. Ben Carruthers (Ben). Por su parte. comparte piso con su hermano Ben. sin embargo. que en lugar de su tarifa habitual de 275. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. Anthony Ray (Tony). MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. Lelia se enamora de Tony. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. Ben. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham.000 dólares. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. más que a su mensaje político subyacente. Sombras SHADOWS EE. DURACIÓN: 87 minutos. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's.. B/N. MÚSICA: Charles Mingus. más adelante. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. y con su hermana Lelia. El actor. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. Tom y Dennis. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real. Tom Alien (Tom).UU. un drama sobre el mundo del boxeo. se pasa todo el día con sus amigos blancos.000. El tema se repite una y otra vez en su obra. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés.384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. Hugh Hurd (Hugh). interpretando el papel de un hombre valiente que. fue contratado por la exigua cantidad de 60. un joven de piel más clara. Solo ante el peligro. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense.

DURACIÓN: 101 minutos. B/N. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. como Faces (1968). Al partir de un guión mínimo. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. MONTAJE: William Hamilton. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. 1974). la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos.). Hugh le echa del piso. la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. Eric Blore (Bates. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). Ginger Rogers (Dale Tremont). continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. con una trama apenas esbozada. fotografía de grano grueso. y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. Mientras practica en la habitación de su hotel. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). etc. de Alexander Farago y Aladar Laszlo). Argumento Londres. Berman). En cuanto a Hugh. PRODUCCIÓN: R.. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. Max Steiner (dirección musical). el mayordomo). en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. Erik Rhodes (Alberto Beddini). Sin embargo. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. (Pandro S.UU. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque.K. Walker. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. Realizada con un presupuesto muy bajo.O. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Helen Broderick (Madge Hardwick). a pesar de las discusiones con su representante.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. 1935 Mark Sandrich. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). Comentario Muy probablemente. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor.

Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. una ex actriz de vodevil. permitiéndoles. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. Sombrero de copa se quedó sin Osear.000 dólares realizada por los estudios. en realidad. sin mediar palabra. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio.O. Travers y Madge la siguen. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. el endeble guión sobre una confusión de identidades.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. Dale y Jerry libres ya para casarse. un antiguo bailarín de Broadway. un profundo afecto. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. consigue ir limando asperezas. hasta que una nota induzca a Dale a creer. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa. Nominada para cuatro premios de la Academia. . con el ingenioso dúo de amor-odio. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue.. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. posteriormente. La alegre divorciada (The GayDivorcee.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. en realidad. Enterada Madge del malentendido. otra residente del hotel. en su momento. y Ginger Rogers. que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). «Isn't This A Lovely Day» y. le propina una bofetada. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. fue la pareja formada por Fred Astaire. Indignada. que se presenta en su habitación y. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. sentirán desbordarse su alegría. realizar otras seis películas juntos. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. En ella. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. Beddini. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. que figuraba en el quinto lugar del cartel.K. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. 1934) y Robería (1935). erróneamente.

ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. una figura chapada en oro. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. Afincada en Beverly Hills. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. La estatuilla.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher.» . con buen criterio. que amenizó la velada con sus canciones. tiene 34. con posterioridad. sin embargo.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. Margaret Herrick.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. en cierta ocasión. sean votadas por el conjunto de la Academia. Una semana más tarde.. o la de F. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G.8 kilos. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. tuvo cierto aire de fiesta privada. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984). en la actualidad. y la presencia en el evento de Al Jolson. la historia más plausible parece ser que. Murray Abraham. mientras que la ceremonia. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. 1927). la bibliotecaria de la Academia.30 centímetros de altura y pesa 3. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929. discutible. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada.. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). Hoy en día. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente.. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. A fuer de ser precisos habría que señalar que.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. la Academia cuenta con cerca de 3. para que. en su conjunto.. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. Louis B. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. al margen del prestigio que supone. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. sin embargo.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. con sonido incorporado. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax.

tras cruzar las montañas. en 1959. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). No obstante. Maria.. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. sin embargo. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. Argumento Salzburgo. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. a su vez. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor.pero bastante ajustado. MONTAJE: William Reynolds. Éste se niega a hacerlo y. Richard Haydn (Max Detweller). antes de que la tarea recayera en Robert Wise. Sin embargo. sin el más mínimo ápice de realidad». MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. y esta película tenía ambas cosas. la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. Una vez allí. había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. encuentra refugio en Suiza. un viudo con siete hijos. Dwight MacDonald. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. Según parece. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). Eleanor Parker (La baronesa). la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. sin una nota en falso. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. Naturalmente. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. una muchacha algo varonil que vive en un convento. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). huye con su familia que. Peggy Wood (Madre superiora). Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. 1938.UU. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. DURACIÓN: 174 minutos. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). 1965 DIRECTOR: Robert Wise. un espectáculo kitsch en estado puro. utilizando como tapadera un gran festival musical. hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. y Maria regresa junto a Von Trapp. Maria regresa a la abadía de Nonnberg. en la revista Esquire. adaptación. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. Charmian Carr (Liesl).

pero. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. . en un sentido más general. 1945. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. llegara incluso a boicotearse la película. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. se convertirían en premios. los espectaculares paisajes de la isla. Mario Vítale (Antonio). que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. DURACIÓN: 81 minutos. el farero.O. entre ellas las de mejor película y mejor director. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. Mario Sponza (El farero). El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. Callegari. Sergio Amedei y C. 1953). año cero.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. cuando se recupera. B/N. TERRA DI DIO Italia. cinco de las cuales. La actriz. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. sin embargo. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. Renzo Cesana. en algunos lugares. Art Cohén. que. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. la diminuta isla donde nació. decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. MÚSICA: Renzo Rossellini. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. el experimento no funcionaría igual de bien.K. a lo que habría que añadir en favor de la película. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. Renzo Cesana (El cura). con la ayuda del farero. en este caso. Paisa. El joven la lleva consigo a Stromboli. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma. 1946 y Alemania. P. La combinación resulta violenta y refleja. Traba amistad con Sponza. trata de escapar. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. (Roberto Rossellini). quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. En la pantalla. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. 1947 [ Germania. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. atino zero]). La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. GUIÓN: Roberto Rossellini. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). ciudad abierta. Al descubrir que está embarazada.

Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. seis días y cuatro horas. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. caso de Miriam Hopkins. que. mientras que la Paramount. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. Jameson Thomas (King Westley).000 dólares por cuatro semanas de rodaje. y ambos se fugan. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. MÚSICA: Louis Silvers. B/N. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. de Samuel Hopkins Adams). rechazaron el papel. DURACIÓN: 105 minutos. pero la petición fue denegada por Louis B. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. Es sabido que otras actrices. Una manta tendida entre sus camas. MONTAJE: Gene Havlick. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. En él viaja también Peter Warne. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer.UU. Roscoe Karns (Osear Shapeley). La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. una rica heredera. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. el mandamás de la M-GM. al igual que había sucedido con la Metro. 1934 DIRECTOR: Frank Capra.. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). Mayer. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. un periodista que acaba de ser despedido. el film que supuso su debut cinematográfico. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. 1927). el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. Claire MacDowell (Madre). además. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. permite a Ellie conservar su pudor. «Night Bus». El día de su boda con otro hombre. Walter Connolly (Alexander Andrews). a la que denominan «las murallas de Jericó». esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. Clark Gable (Peter Warne). Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. Margaret Sullavan y Constance Bennett. . Argumento Ellie Andrews. PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. Exigió que se le pagaran 50. Henry Wadsworth (Muchacho borracho).

Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. Mars le conduce hasta un garaje. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). MONTAJE: Christian Nyby. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. había sido asesinado por Carmen. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. GUIÓN: William Faulkner. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). en realidad. el jugador Eddie Mars.que.UU. El hombre en cuestión es asesinado..398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. Mars. Sin embargo. aparece desnuda. de Eddie Mars). El choque entre personalidades opuestas. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. y hacia Vivian. Lauren Bacall (Vivian Rutledge). MÜSICA: Max Steiner. pero no inaccesible. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). 1934) o La fiera de mi niña (1938). el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. con su personaje de una belleza distante. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. Peggy Knudsen (Sra. La pista de la desaparecida Sra. Martha Vickers (Carmen Sternwood). Dorothy Malone (Dueña de la librería). B/N. John Ridgley (Eddie Mars). . donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. una de sus hijas. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. DURACIÓN: 114 minutos. la seductora hermana de Carmen.

¡qué diablos. más adelante. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. En 1978. (basado en la novela de Günter Grass). el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. GUIÓN: Jean-Claude Carriére. es un lacónico eufemismo de la muerte). MÚSICA: Maurice Jarre. se echan Bogart y Bacall. eran ya marido y mujer. PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). en La dama del lago {The Lady in the Lake. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. 1944). posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. muñeca {FarewellMyLovely. un tendero de Danzig. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. Mario Adorf (Alfred Matzerath). aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. idéntico al de la película. se realizó una nueva y torpe versión. La pareja. Terminada la Primera Guerra Mundial. Franz Seitz y Volker Schlóndorff. My Sweet. Katherina Thalbach (María Matzerath). a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. Angela Winkler (Agnes Matzerath). pero. entre ellos algunos nombres ilustres.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. particularmente en el intercambio de pullas que. 1945) o Robert Montgomery. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. Argumento Polonia. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. primeros años del siglo xx. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. cuando ya era posible tratar cualquier tema. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. como Dick Powell. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. Agnes se casa con Alfred. DURACIÓN: 142 minutos. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. como si fueran pelotas de tenis. en Historia de un detective {Murder. Tener y no tener (To Have and Have not. 1979 Volker Schlóndorff. MONTAJE: Suzanne Barón. 1946). cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. 1975). A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). da a luz a Agnes. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. Oskar. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). que quizá sea el padre de Oskar. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. entretan- . Jan. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. Los fascistas toman Danzig. en este caso ambientada en Londres. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). si ni siquiera yo lo sabía!». que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks.

el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. Más adelante. sino mediante una serie de episodios. donde asiste al fusilamiento de Alfred. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. no obstante. regresa a Danzig. levemente trabados entre sí. que. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. Jan es fusilado. que ha sido acusado de colaboracionista. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. . el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. Con todo. sin lugar a dudas. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. El papel requería un niño de tres años. La película es un tour deforcé visual. en la actuación de David Bennent. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. que se encuentra sitiada. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. precisamente. se refugia bajo las faldas de su abuela. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. Schlóndorff. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. y sería. Tras ser capturado por los alemanes. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. Tras la liberación. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico.

alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. concebida como una especie de infierno en la tierra.. Por su parte. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. este retrato arquetípico de la vida urbana.UU. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. Albert Brooks (Tom). partiendo de una inversión inicial de 2 millones. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. pero pronto es rechazado. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). Lo logrará tras asesinar a Sport. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno. consigue plasmar una frustración casi existencial. MÚSICA: Bernard Herrmann. Las connotaciones religiosas del drama son constantes. 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. Con referencia a esta película. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. Cybill Shepherd (Betsy). un veterano de Vietnam. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Travis Bickle. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips).404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. una prostituta de doce años. Foster (Iris Steensman). la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. cargándose a un atracador en un supermercado. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). y un guionista como Paul Schrader. y . DURACIÓN: 112 minutos. Cumplida su misión tratará de suicidarse. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. Cuando conoce a Iris. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. para que acepte una cita con él. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. Posteriormente. durante el día. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. el chulo de la chica. De noche trabaja de taxista y. ofreciendo una visión satinada. Una película que trata de la angustia religiosa. Argumento Nueva York. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. MONTAJE: Marcia Lucas. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. una empleada de un equipo electoral. Tom Rolf y Melvin Shapiro. que se define a sí mismo como católico. Consigue engatusar a Betsy. GUIÓN: Paul Schrader. Peter Boyle (Wizard). Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). Harvey Keitel (Sport). FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella.

atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. Martins decide descubrir la verdad. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). se trata del mismísimo Lime. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. DURACIÓN: 104 minutos. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. Alida Valli (Anna Schmidt). auspiciando así la reunión con Orson Welles. Argumento Al llegar a Viena. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins).alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. En vista de todo ello. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. 1960). Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . MÚSICA: Antón Karas. Calloway amenaza con deportar a Anna. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. tras abandonar el piso de Anna. Trevor Howard (Comandante Calloway). Joseph Bato y John Hawksworth. la novia de Lime. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. cia a los delitos que ha cometido. Bernard Lee (Sargento Paine). B/N. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. mientras Anna. Martins mata de un tiro a Lime. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. añadió a la elección de actores un toque de genialidad. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. GUIÓN: Graham Greene.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. Orson Welles (Harry Lime). su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. Terminado el entierro de éste. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. Una noche. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. Wilfred Hyde-White (Crabbit). rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. democracia y paz. Cuando llega Frank. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. en treinta años de dominación de los Borgia. tuvieron quinientos años de amor. Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. Dejando a un lado otros proyectos. 1986 DIRECTOR: David Lynch. MONTAJE: Duwayne Dunham. Laura Dern (Sandy Williams). INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad.UU. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». 1980). guerras y matanzas. un extravagante thriller con toques surrealistas. no hubo más que terror. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. Hope Lange (Mrs. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-. Dean Stockwell (Ben). Dennis Hopper (Frank Booth ).. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. por el contrario. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. 1976). la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. En Suiza. «En Italia. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. Y. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). GUIÓN: David Lynch. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Williams).408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. DURACIÓN: 120 minutos. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. le valió una nominación para el Osear al mejor director. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. En su calidad de autor de sus propios diálogos. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. pero surgieron Miguel Ángel. MÚSICA: Angelo Badalamenti.» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. aparente- . y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo.

introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. Cari Gottlieb (Meadows). llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. DURACIÓN: 124 minutos. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. su alcalde.UU. no recogidas en los títulos de crédito.. . de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). de Howard Sackler y John Milius). Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. Cuando se capture a un tiburón. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). ésta los arrastra mar adentro y. MONTAJE: Verna Fields. se hace a la mar. Robert Shaw (Capitán Quint). TICA: Joseph Alves júnior. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. Acompañado por Brody y Hooper. Cuando finalmente avistan a la bestia. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. Sin embargo. un experto en el tema. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). un viejo lobo de mar.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. En una reunión de los vecinos del pueblo. MÚSICA: John Williams. tras rodearlos. en un acto de desesperación. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). Quint. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. Lorraine Gary (Ellen Brody). Richard Dreyfuss (Matt Hopper). con colaboraciones. Matt Hooper. se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. de más ocho metros de longitud. Con Hooper temporalmente fuera de combate. Zanucky David Brown). PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. hace volcar el barco y devora a Quint. Brody. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy.

Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb. Spielberg. El proyecto. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina.UU. con calidad siempre decreciente.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. con estas ideas en mente. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. su primer largometraje para la pantalla grande. antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. no tuvo nada que ver con las secuelas que. hacerse con sendos Osear por su montaje. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward). con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». Sin embargo. Jack Warden (Harry Rosenfield). de los miedos primordiales de la humanidad. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba.. Con todo. Según su concepción. los resultados fueron extraordina- ríos. Wolfe. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. 1974). insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. MÚSICA: David Shire. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. Hal Holbrook (Garganta Profunda). se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. Robert Redford (Bob Woodward).resultara creíble. 1976 DIRECTOR: Alan J. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. se irían sucediendo a partir de entonces. cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . DURACIÓN: 138 minutos. basado en una novela de éxito. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. Pakula. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. En relación con éste. MONTAJE: Robert L. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. Jason Robards (Ben Bradlee). cuya obra sería pasada por alto por la Academia. Martin Balsam (Howard Simons). a la manera de Hitchcock. INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein).

los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman.000 ejemplares. Animados por el apoyo del actor. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. ya era una inversión considerablemente alta. el Asesor Especial de la Presidencia. Alan J.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. el director del Post. finalmente. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». Siguiendo las orientaciones de su informante. «Garganta Profunda». mejor dirección artística. para entonces. con actores de segunda fila.000 dólares. había vendido ya 2. a convertirse en una película de primera categoría. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». Seguirán trabajando en el caso. al poco de haber jurado un nuevo mandato. en este caso. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. que administra el antiguo Ministro de Justicia. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. John Mitchell. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. . por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. 1972). Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. el Jefe de Personal de la Casa Blanca. mejor guión y mejor actor secundario.750. para finales del año 1975. los medios de comunicación y el gobierno. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. para proteger la que. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. que. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones. supondrá la caída del presidente Nixon.

tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). El contrato del dibujante (1982). No obstante. En un mundo como el del cine. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. Así. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. David Lynch. 1991). su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. La guerra de las galaxias (1977) y E. 1980). Voces distintas (Distant Voices. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. Un tipo genial (Local Hero. . tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. por su parte. un film que supondría su despedida del cine. especialmente.T. 1986). con El silencio de los corderos (1991). antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). Las puertas del cielo (Heaven's Gate. que. autor. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. En busca del arca perdida (1981). 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. no obstante. 1983). hoy en día. al promover una visión adolescente del mundo. de El gran azul (Le grand bleu. con su Terciopelo azul (1986). elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). un cineasta que. la obra más taquillera de la década en su país natal. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). su carácter imprevisible. Still Lives. Fuera del ámbito norteamericano. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. este último. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. La cinematografía china. Martin Scorsese. Al otro extremo de la pirámide de las edades. o Jonathan Demme. o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). En cualquier caso. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. caso de El color del dinero (The Color ofMoney. cuyo éxito. la sombra del guerrero (Kagemusha. Sin embargo. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. John Sayles y Spike Lee. 1988) o con las películas de Derek Jarman. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). precisamente. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). 1988). el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). este último. (1982).

GUIÓN: EE. A pesar de que. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . B/N. con más del doble de votos que su más próximo rival. se niega a entrenar. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. En su calidad de dueño de un club nocturno. Joe Pesci (Joey). Una vez alcanzado su objetivo. tanto dentro como fuera del ring. un colaborador habitual de Scorsese. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. en otro nivel. pierde a su esposa. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. típicamente católica. Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. Frank Vincent (Salvy). Por otro lado. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. mientras el rodaje estuvo detenido. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. finalmente. comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. Nicholas Colasanto (Tommy Como). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». Kirk Axtell y Sheldon Haber. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate.UU.de un total de ocho nominaciones. A lo largo de la película. que produce la dicotomía cuerpo/alma. golpea a su leal hermano y pierde también su título. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. su disciplina se relaja. Theresa Saldana (Lenore). al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres.. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). DURACIÓN: 129 minutos. Cathy Moriarty (Vickie La Motta). es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage).

Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling.. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso.UU. te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. MONTAJE: David Weisbart. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. se mantuvo a Elia Kazan como di- . DURACIÓN: 125 minutos. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. Nick Dennis (Pablo Gonzales). Karl Malden (Mitch). el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. Rudy Bond (Steve Hubbell). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. dejando solo a Stanley. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. Marión Brando (Stanley Kowalski). entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. Stanley. basado en el drama de Williams. B/N. Feldman). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. llamado Marión Brando. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. Argumento Comentario Nueva Orleans. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. que le escucha encantado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day.420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. Kim Hunter (Stella Kowalski).

Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. noticiarios. B/N. Hitler y su ministro de Información. así como la decisión con que exploró. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. que fue sustituida por Vivien Leigh. que. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. obteniendo tres de ellos. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. Josef Goebels. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. con la notable excepción de Jessica Tandy. Aunque el film es. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. igualmente eficaz. 1950). que fueron a parar a Vivien Leigh. inspirado en las ideas de Stanislavsky. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. básicamente. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. Karl Malden y a la dirección artística. DURACIÓN: 120 minutos. El film fue nominado para doce premios de la Academia. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. Por otro lado. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. Tanto en las primeras escenas. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. Muy pronto. un documental. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. MONTAJE: Leni Riefenstahl. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. efectuado por el propio Hitler. de dentro afuera. MÚSICA: Herbert Windt. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. de Vivien Leigh. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. la maestría del montaje de . la psique de su personaje.

y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. . Anarene. 1938). en cierto modo. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. sea asesinado. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen.UU. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. frustrado por el comportamiento de Jacy. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. Jeff Bridges (Duane Jackson). Jacy y Duane intentan fugarse juntos. B/N. un muchacho retrasado. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. pero son interceptados por los padres de la chica. GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Ellen Burstyn (Lois Farrow). que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. DURACIÓN: 118 minutos. Duane. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. un acaudalado joven. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. Cloris Leachman (Ruth Popper). Entretanto. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. es otro documental de corte propagandístico. Texas. Su siguiente obra. Friedman). Argumento Año 1951. en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. cuando el viejo muera. MONTAJE: Donn Cambern. Ben Johnson (Sam El León). Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. Cuando Billy. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. se sentirá muy apenado. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. 1971 Peter Bogdanovich.. Aunque. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. de una factura técnica impresionante. una vez concluida la guerra. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy.

el director John Ford. DURACIÓN: 100 minutos. Frankovich y William Self. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. El último pistolero THE SHOOTIST EE.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. asqueado. Hugh O'Brien (Pulford). Richard Boone (Mike Sweeney). ambientada muchos años después. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. pero. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. pero queda gravemente herido. No obstante. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares.. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. una secuela. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. Decidido a asegurarse una salida digna. Acaba con los tres. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. el hijo de ésta. Texasville (1990). 22 de junio de 1901. Nevada. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. y allí traba amistad con Gillon. sólo en los Estados Unidos. arroja lejos de sí el . dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. MÚSICA: Elmer Bernstein. Gillon interviene para matar al camarero. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. PRODUCCIÓN: Mike J. que. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. Argumento Carson City. Lauren Bacall (Bond Rogers). Ron Howard (Gillom Rogers). deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). James Stewart (Dr. Hostetler). un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. compasión y emotividad descarnada. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. MONTAJE: Douglas Stewart. finalmente. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal.UU. Hostetler. un thriller lleno de originalidad y tensión. 1967).

coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. Catherine Sola (Script de TV). donde hace poco se suicidó su mujer. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. 1962). el jugador de La diligencia (1939). el agua corriente. MÚSICA: Gato Barbieri. que acaban de conocerse en un piso vacío.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. con toda su pintoresca gama de pistoleros. caso de John Carradine. el cineasta Tom. él regresa a su hotel. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). Darling Legitimus (Portera). INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). Franco Arcalli y Agnes Varda. por ejemplo.que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. 1972 Bernardo Bertolucci. Lauren Bacall. la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. la electricidad. 1955). Jean-Pierre Leaud (Tom). hacen allí mismo el amor. Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. Todo en esta película. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. María Schneider (Jeanne). mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western.que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. Al principio de la película. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Al día siguien- . el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). Paul y Jeanne. Por otro lado. Después. Mauro Marchetti (Cámara de TV). el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. que hace del enterrador de Carson City. 1962). algo que también es aplicable al propio género del western. MONTAJE: Franco Arcalli. o James Stewart. DURACIÓN: 129 minutos. contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. Argumento París. 1972).

aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. B/N. Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. Charley Grapewin (Abuelo Joad). constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. El último tango en París rebosa veracidad emocional.430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella. Comentario El último tango en París. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. DURACIÓN: 125 minutos. Sin lugar a duda. Zanuck). escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos.. MONTAJE: Robert Simpson. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. y a pesar de sus fallos. a veces. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. 1940 DIRECTOR: John Ford. con final en matrimonio. la segunda de ellas la de mejor director).UU. tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. Russell Simpson (Pa Joad). Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. El encanto se ha roto. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. Por desgracia. Jeanne regresa al piso. Con todo. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. John Carradine (Casy). . Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). MÜSICA: Alfred Newman. Jane Darwell (Ma Joad). verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. Mark Lee Kirk y Thomas Little. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Dorris Bowdon (Rosaham).

Ella. Publicado en marzo de 1939. . aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. y contrató a John Ford para la dirección. En los años sesenta. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. entre ellos el de mejor actor. Darryl F. y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. Novela controvertida. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). En un campamento al que llegan. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». por la magnífica interpretación de Henry Fonda.000 dólares.tuvo algo que ver en ello. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. un sacerdote. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. que llegó a ser prohibida. un antiguo reportero de prensa. Casy. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. 1964). De hecho. En un campamento estatal de tránsito. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. e incluso quemada. en cualquier caso. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. Zanuck. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. Tom venga su muerte. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. encargó el guión a Nunnally Johnson. pero. Sin duda. el jefe del estudio. Nominada para siete premios de la Academia. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. encuentra un refugio provisional. 1946). Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. en este caso bien organizado. por su parte. convirtiéndose en un fugitivo. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. en varios lugares de América.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California.

Douglas Trumbull. debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. a todos los efectos. el octavo pasajero (Alien. un colaborador de Kubrick en aquel film. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. 1973) o Soylent Green. la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978).o degenerado. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. Wells en La vida futura (Things To Come. lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. 1953) y. confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. que fue merecedora de una nominación para los Osear. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. En la década de los setenta. cuando los encuentros con seres extraterrestres. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. la más impactante de todas. 1968) y sus numerosas secuelas. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. una fe que. 1958). en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. El género. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). un film que. (1982) había derivado . mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. sobre sus desconocidos efectos secundarios. 1973). Invasores de Marte (Invaden from Mars. 1979). generalmente hostiles. 1951). o la obra de Stanley Kubrick. G. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!.y con Atmósfera cero (Outland. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. 2001. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. 1953). 1981). La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). T. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. cuando salió a la luz su obra E. una odisea del espacio (1968). Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. más en concreto. o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. No obstante. sin embargo. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). 1954). El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien.en una entrañable cursilería. Sin embargo. 1990) mantuvieron la vitalidad del género. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). como ocurría en La humanidad en peligro (Them. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana.434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. 1936). Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. . una serie que aún hoy sigue impactando. 1902). Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982).

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. En cualquier caso. B/N. Irene Manning (Fay Templeton). Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. Richard Whorf (Sam Harris). Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. Walter Huston (Jerry Cohan). George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. La composición de George Washington Jr. INTÉRPRETES: James Cagney (George M.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. al igual que sucedía en la novela. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. Cohan). DURACIÓN: 126 minutos. Tras la guerra. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. . estaba previsto que en la película. Cohan. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Joan Leslie (Mary). MÚSICA Y LETRAS: George M. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. tal decisión no le resta impacto a la película. une a la familia por última vez.UU. George Tobías (Dietz). productor asociado). De igual modo. Sin embargo. En un principio. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North).. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. MONTAJE: George Amy.

DURACIÓN: 95 minutos. un 4 de julio. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). John queda destrozado y comienza a ir .los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. hasta los momentos finales. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. 1928 King Vidor. según parece. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. Tras quedarse huérfano en su juventud. el verdadero dueño de la misma es. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. MONTAJE: Hugh Wynn. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. al mismo tiempo. sin embargo. interpretando el papel de la hermana de Cohan. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. cuando su hija muere atropellada por un camión. A. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. John V. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana.. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. Tomlinson (Jim). Dell Henderson (Dick). en un papel que le valió su único Osear.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. Bert Roach (Bert). decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. GUIÓN: King Vidor. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor).000 dólares -de los que 100. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. fue. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. La película. B/N. James Cagney que. Narrada mediante flash-backs. Estelle Clark (Jane). a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. Eleanor Boardman (Mary).500. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. Jeanne. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. Sin embargo. La vida de casado no es precisamente sencilla. que se encontraba ya muy enfermo. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. INTÉRPRETES: James Murray (John).000 fueron a parar a manos de Cohan. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. Contando con un presupuesto estimado en 1. gracias a su inmensa experiencia.UU. Daniel G. en todo momento. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar.

Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. algo que.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos.Irene Papas (Helene). Francois Perier (Elfiscal). John toca fondo y decide suicidarse.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. Argumento Un país mediterráneo. Jacques Perrin (El periodista). Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. su orgullo le impidió aceptarlo. Durante bastante tiempo no se supo nada de él. MONTAJE: Francoise Bonnot. El actor principal. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. MÚSICA: Mikis Theodorakis. un carismático parlamentario de la opo- . Vuelve a unirse a Mary. California. según se determinó se había quitado la vida. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. 1934). su cuerpo fue hallado en el río Hudson. pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. pero no obtuvo premio alguno. James Murray. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. DURACIÓN: 125 minutos. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. Cuando años más tarde. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. «Z». en la época. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. z Francia/Argelia. Jean-Louis Trintignant (El juez). lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). al que la película sacó del anonimato. Georges Geret (Nick). hasta que. sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. no era demasiado frecuente. en 1936.

aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. interpretado. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. 1973) o Desaparecido (Missing. 1981). sin embargo. .450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. Con todo. Sin embargo. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. el otro ocupante del vehículo. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. el conductor de la furgoneta. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. por lo demás. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. Finalmente. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. En Estados Unidos. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. asegura que estaba borracho. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. un testimonio que es corroborado por Vago. Al margen de su dimensión política. además. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. unos rasgos que. no ocurre lo mismo con Z. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. No obstante. Yago. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. En última instancia. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. pronuncia un discurso en un mitin pacifista.

una comedia de Neil Simón. por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. en algún momento. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. cuya financiación solía ser muy precaria. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). Es interesante señalar que. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. que ganaría el Osear por su papel en una película que. o la versión de la novela de Conrad Nostromo. pero que nunca pasaron de ahí. 1941) y El halcón maltes (1941). famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. 1989). se le pasaron a alguien por la cabeza. 1991). finalmente. . Por otro lado. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. en la actualidad. sería abandonada definitivamente. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. (1966). Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. No obstante. sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. Ocurre a veces. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. si pueden. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. o The Jackpot (1975). Empieza el espectáculo (1979). poco tiempo después. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. Ése fue el caso de Bette Davis. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. tras dos semanas de rodaje en Suiza. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. Tras dos semanas de rodaje. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. sin embargo. 1977). un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling.The Deep (1957). dirigida por Mike Nichols. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que.

índice de artículos monográficos El silencio es oro. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto». El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. El cine negro «. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 . todos a bailar.. no.. delante de los niños. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos». El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad.en una palabra: emoción». El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine.

. la cólera de Dios (Aguirre.». La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos». derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 . El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós. Los Osear El presente. muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es..

(The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) . (E. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 ._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda.T.T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista.

. domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo.. el vampiro (Nosferatu.. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 .460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max.. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) . 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead). Texas (París. 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París... ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche. mentiras y cintas de vídeo (Sex. eine Symphonie des Grauens).. Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli.. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) .

238 Jonathan Demme. Cooper. 313 Sergei Einsestein. 381 WilliamDieterle. 181 Terence Fisher.91 GeorgeCukor. 255.264 John Ford. 374 Bernardo Bertolucci.338 Jack Clayton. 104. 181 Ingmar Bergman. 449 Kevin Costner.322.396 Marcel Carné. 234 Francis Ford Coppola. 181 Ford Beebe. 155 Tim Burton. 176 Abel Gance. 266 LuisBuñuel.212.96 Charles Chaplin. 425 Robert Bresson. 77 Stanley Donen.23 Federico Fellini. 153 Víctor Fleming. 309 Constantin Costa-Gavras.357. 49. 88.139 Cari Dreyer.336 Woody Alien. 65 AlanCrosland. 273 WilliamFriedkin.192.índice de directores James Algar.445 VittorioDeSica. 324 Clyde Bruckman.115.290 Michelangelo Antonioni. 164 John Cassavetes. 28 John Frankenheimer. 181 RobertAldrich. 257 Jean Cocteau.141. 169 Walt Disney. 307 Merian C. 13.218 Michael Curtiz. 385 ClaudeChabrol. 148. 178.334. 70 FrankCapra.183 Norman Ferguson. 288 . 63 Samuel Armstrong.431 Milos Forman. 44 RobertAltman. 100. 252. 429 Peter Bogdanovich.

111.398 T.352 Wilfredjackson. 295 David Lean.329. 250. 106 Francois Truffaut.72 George Lucas.331 WimWenders.299 WilliamWyler. 181 David Lynch. 376 Steven Spielberg. 139 Buster Keaton. 157.271 Kenji Mizoguchi. 166 Nagisa Oshima. 150.181 Howard Hawks.220 Giuseppe Tornatore. 127 Nicholas Ray. 129 Joseph L.447 Jean Vigo. 266 WilliamKeighley. 137.302 Fred Newmeyer. 360.354.418 DonSiegel.171. 51 Michael Powell. 438 Dennís Hopper. 53 Luchino Visconti. 86 James W.122.420 Gene Kelly.98 John Huston.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. 220 MikeNichols. 47.248 Sergio Leone.215.364 WilliamWellman.74. 442 Steven Soderbergh. 185. 423 Bill Roberts. 315 CarolReed. 20 Alfred Hitchcock.345 Leni Riefenstahl. 341.401 Ernest B. 243 Jean-Paul Rappeneau. 413 Sam Peckinpah. 113 D. 297 Roberto Rossellini. Schoedsack.283 JimHandley. 404. 229. 411 Josef von Sternberg. 67 Edwin S. 259 Vincente Minnelli. 146 Hamilton Luske.Griffith. 109. 203 Arthur Penn. 40 SamTaylor. 181 MarkSandrich.224. Porter.406 Karel Reisz.30.120. 42 Erich von Stroheim.Hee. 79 Román Polanski. 245 HughHudson. 84.320 RobertWiene.311 James Whale.372 Akira Kurosawa. 234 Martin Scorsese. 125 EW. 190 Otto Preminger.436 Charles Laughton.387 VolkerSchlondorff.Murnau.Pakula. 198 Laurence Olivier.292 KingVidor. 60 Prestan Sturges.162.278. 173 George Miller. Romero.367 Gillo Pontecorvo.378 FritzLang. 181 Elia Kazan. 408 Adrián Lyne. 181 George A. 210.357 Stanley Kubrick.W. 35. 102 RaoulWalsh. 350 LouisMalle.427 Víctor Sjóstrom.269 FredZinnemann.181 Werner Herzog. Horne.33.281. 194 RobertWise. 222 Alan J.236 Orson Welles. 58 Rouben Mamoulian. 134.241.394 Paul Satterfield. 440 Istvan Szabo. 201.227. Mankiewicz. 343 SatyajitRay. 205 SidneyLumet.383 . 25 Peter Greenaway. 276 Andrei Tarkovsky. 131. 304 Billy Wilder.392 SamW6od. 327 ErnstLubitsch. 196 Andrzej Wajda. 362 Jean Renoir. 18 Alexander Mackendrick.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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