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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia.. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray.. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. bueno.. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. les instruyó. en su momento. no hay nada que tenga más valor. les conmovió. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". la Muerte jugando una partida de ajedrez. me sentiría muy halagado. toda una colección de clásicos del cine. En cierta ocasión. por lo tanto. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. Años más tarde. una mano que trata de coger una mariposa. Los clásicos del cine . puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas.. Mientras rodaba un western en un remoto paraje.. No me importaría nada que fuera algo así. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. les entretuvo. simplemente. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. aunque sólo sea un instante. En suma. la búsqueda de un elusivo halcón negro. Este libro es. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había. les deleitó o..10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que. Dorothy aventurándose por el arco iris. me conformaría. Tímidamente. y morir sabiendo. mientras exista el cine. verdaderamente inolvidable».

Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. Los marineros se hacen con el 13 . Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). uno de ellos. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Repnikova (Mujer de las escaleras). GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko. Popov. Vakulinchuk. Sin embargo. se ordena su ejecución. Levchenko (Contramaestre). MÚSICA: Edmund Meisel. B/N. 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V. DURACIÓN: 75 minutos.El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. MONTAJE: Sergei Eisenstein. provocándose así el estallido de la revuelta.

un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. De esta forma se cumplían. el más reciente de ellos. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. de forma inmediata. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. la tripulación del Potemkin. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. Lo más significativo fue. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. En la película se plasma la idea del héroe colectivo. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. según el cual. que ha muerto durante la refriega. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. hoy en día. Si bien. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. hasta cierto punto. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. no obstante. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. . 1987). pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. ante el temor de posibles represalias. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine.

No obstante. En la escena que da título a esta película. así como en la subsiguiente persecución. Chaplin. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. De Mille. Entre tanto. quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. W. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. siempre estuvo en entredicho. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). aunque un tanto diluido. en Rusia. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. dando lugar a dos llamativas producciones. Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. Así. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. 1920). se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). Y de hecho. 1928) y La edad de oro (1930). los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. . En 1919. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. Gran innovador de la técnica cinematográfica. Posiblemente. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). Griffíth. en los cines de todo el mundo. Gish. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Aflash-back o el montaje alternado. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. Hoy en día. Griffíth. a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. su impacto a principios de siglo fue revolucionario. 1922). Un perro andaluz (Un chien andalou. que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. Pickford. en cambio. a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias.

está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. realiza en el mercado negro. 1987 DIRECTOR: Louis Malle. marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. El argumento. y clausuran la escuela. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). Raphael Fejtó (Jean Bonnet). el pinche de la escuela. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. muy querido. a pesar de ser bastante travieso. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). la Francia ocupada. Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». Francois Negret (Joseph). tan sencillo como sugerente. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. una experiencia que. éste delata al Padre Jean a la Gestapo. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. Julien descubre que Jean es un muchacho judío. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. D U RACIÓN: 104 minutos. Peter Fitz (Muller). PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). Francine Racette (Mme. GUIÓN: Louis Malle. aunque quizá esté un tanto idealizada. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. MONTAJE: Emmanuelle Castro. Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. Francois Berléand (Padre Michel). Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. un muchacho de doce años. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . La relación entre los dos muchachos. Quentin). INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). Julien Quentin. resulta absolutamente creíble. en venganza por haber sido despedido.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. Comentario Argumento Año 1944. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. y su hermano Francois.

El acto de venganza de Joseph. FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. fruto del resentimiento. que viaja acompañado de su esposa Inés.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. la cólera de Dios Argumento Perú. y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. sella el destino de Bonnet. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). viene de manos de Joseph. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). . Aguirre. y seguramente impremeditado. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. cuando finalmente se produce. Armando Polanah (Armando). EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. DURACIÓN: 93 minutos. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). Del Negro (Gaspar de Carvajal). en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. Tan sólo alguna intrusión ocasional. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. MÚSICA: Popol Vuh. permite prever lo que habrá de ocurrir. 1560. se dedica a trapichear en el mercado negro. Helena Rojo (Inés de Atienza). La traición.se va apoderando del control de la expedición. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». Edward Roland (Okello). la cólera de Dios AGUIRRE. DER ZORN GOTTES Alemania. Impulsado por su maníaca empresa. Dany Ades (Perucho). INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). su jefe. la legendaria ciudad de oro de los incas. Aguirre sigue adelante. Pizarra. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. junto a algunos de los chicos de la escuela. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. Al llegar al Amazonas. el líder del Frente Nacional. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. Aguirre.

GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. constituye un estudio. Abrikosov (Gavrilo Olexich). constituye una imagen inolvidable. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. Reúne un vasto ejército . hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. el último superviviente. gobernador de Pskov). noble de Novgorod). Orlov (Ignat. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. durante el rodaje. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. fruto de la imaginación. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. Arski (Domash. Nikolai P. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. la verdadera motivación de su delirante empresa. N. Aunque el propio Herzog reconoció que. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. La escena final. Okhlopov (Vassily Buslai). K. MÚSI- Sergei Prokofiev. Novikov (Pavsha. Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. cuando las balsas emprenden su largo viaje. Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán. La película. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. maestro armero). La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. B/N. DURACIÓN: 112 minutos. Sin embargo. otra película de Herzog. Alexander L. Sin embargo. N. Dimitri N. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). de una fuerza arrebatadora. una actitud que le valió numerosas críticas. PRODUCCIÓN: Mosfilm. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. en la que Aguirre. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). que invita de forma velada a una interpretación metafórica. V. Fitzcarraldo (1982).

1942-1946). Liliane Robin (Minouche). que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. mandada por el Príncipe. MONTAJE: Cecile Decugis. 1959 Jean-Luc Godard. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. Roger Hanin (Cari Zubart). se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. a orillas del lago Peipus.24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. Argumento Tras robar un coche en la Riviera. presentan unos rasgos mucho más tradicionales. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. En este sentido. DURACIÓN: 90 minutos. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica». Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. Eisenstein. las películas de las décadas siguientes. el primer fruto de su estilo tardío.I: Martial Solal. en el año 1242. B/N. INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . 1967). A pesar de lo dicho anteriormente. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. Daniel Boulanger (Inspector Vital). no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. MÜSIC. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. libra una batalla campal decisiva. Para los espectadores contemporáneos. 1928). El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente.

Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. para alabar.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. Tras regresar de una cita. les sigue la pista cada vez de más cerca. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. La policía. Escrita en colaboración con Truffaut. una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. Tras haber pasado la noche juntos. Conmocionado. a partir de mediados de los cincuenta. . sirven para poner el énfasis en el cine como cine. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. Al serle imposible recuperar su dinero. Claude Chabrol y Eric Rohmer). sin ningún reparo. que. entre tanto. la nueva ola de cineastas franceses. una estudiante americana que aspira a ser periodista. uno de ellos morirá. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. en cambio. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. y contando con Chabrol como consejero técnico. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. se hacen de otras películas. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura.

Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. Finalmente. Alguien voló sobre el nido del cuco. cuando llamó la atención del director Milos Forman. William Redfield (Harding). se le somete a una lobotomía. Entre las actrices que. uno de sus compañeros. que sería quien finalmente encarnara al personaje. Danny De Vito (Martini). Argumento El recluso Randle P. Ellen Burstyn y Geraldine Page. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983. que es. éste se suicida. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky.. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. posteriormente. se encontraban Anne Bancroft. Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. las salas del hospital.UU. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). precisamente. Lynzee Kingman y Sheldon Khan.BradDourif (Billy Bibbit). interpretando un pequeño papel en la película de su marido. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. al amenazarle con informar de ello a su madre. Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. Louise Fletcher. Sería él quién haría el proyecto realidad. que le tuviera a él como protagonista. además. parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. McMurphy. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. una noche. Michael Berryman (Ellis). que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. es trasladado a una casa de salud mental del estado. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. DURACIÓN: 133 minutos. Cuando regresa a su sala. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. William Fraker y Bill Butler. MONTAJE: Richard Chew. pero es domeñado y. McMurphy intenta estrangularla. es. Angela Lansbury. rechazaron el papel. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). llevándoselos sin permiso de excursión. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. según parece. Thieves like us (1974). le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. 1975 Milos Forman. el Jefe Bromden.28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). una de las pelí- . A la mañana siguiente.

John Archer (Phillip Evans). al verse atrapado en la refinería. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. DURACIÓN: 114 minutos. MONTAJE: Owen Marks. GUIÓN: EE. un infiltrado de la policía. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. la esposa de Jarrett. Jarrett está a punto de enloquecer. pero Fallón advierte a Evans de sus planes. Entre tanto. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. conduce al FBI hasta Cody.UU. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. En la prisión. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. Al rojo vivo nato. Hank Fallón. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- .. B/N. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg). una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. Por otro lado. MÚSICA: Max Steiner. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. Edelman). al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor.30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. entabla amistad con él. por la que su hijo siente auténtica devoción. Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). Margaret Wycherly (Ma Jarrett). Virginia Mayo (Verna Jarrett). Vera. Steve Cochran (Big Ed Somers). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. y Jarrett. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. No obstante. La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere.

32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. en cuyo caso. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. Ma. ¡Dios mío. Mientras regresan a su casa en barca. Ralph Sipperly (El barbero).Farrell MacDonald (El fotógrafo). por el que obtuvo un Osear. En cierta ocasión. 1943) o The Time ofYour Life (1948). Murnau. realizados para su propia productora. es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido. Reconciliado con su esposa. ambos pasan el día en la ciudad. El campesino.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. 1927 F. La cima del mundo». Bodil Rosing (La doncella). así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». visité Ward's Island. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. cuando llega el momento. le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. J. en un verdadero tour de forcé de emotividad. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. se enfrenta al oleaje. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. Cohan en Yanqui Dandy (1942). supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). porque. El papel de George M. en Arthur «Doc» Barker. que. B/N. está basado. Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. de joven. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. «Lo conseguí. W. mientras grita un desafiante. le de- . tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. según parece. como El vagabundo (Johny Come Lately. Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre).James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. de Hermann Sudermann).UU. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. y otros trabajos menores. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). Al rojo vivo. Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. El personaje de Cody Jarrett. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. finalmente. Janet Gaynor (La mujer). Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. DURACIÓN: 117 minutos.

permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. a diferencia de lo que suele ser habitual. Aunque es posible que fuera él mismo quien. Leslie Carón (Lise Bouvier). la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. 1928). la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. a la mejor fotografía y a la mejor actriz.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. Georges Guetary (Henri Baurel). Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. reconciliación o sospecha. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. como El séptimo cielo (Seventh Heaven. GUIÓN: Alan Jay Lerner. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas.UU. sin embargo. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. MONTAJE: Adrienne Fazan. MÚSICA: George e Ira Gershwin. Argumento Jerry Mulligan. A pesar de que la película fue un fracaso comercial. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. . Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante.. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. cree que ha ejecutado su plan. resulta absolutamente prodigiosa. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. W. a otras de un mayor naturalismo. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. hasta el punto de que. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. el campesino corre eufórico a su encuentro. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. DURACIÓN: 113 minutos. Osear Levant (Adam Cook). Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Murnau. tanto en los decorados como en la interpretación. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. se desprende de la totalidad de la historia. Su esposa. un soldado norteamericano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. Eugene Borden (George Mattieu). Aun evaluándola con criterios actuales. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). sigue sin aparecer. Melodrama pictórico y poético. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio. Nina Foch (Milo Roberts). PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed).

Manet y otros artistas. . Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. en tiempos recientes. conviene mencionar que. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». Mientras celebra su suerte en un club nocturno. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. cantante. con unos ingresos brutos de taquilla de 4.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina. Sin embargo. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que.5 millones de dólares. Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. que dirigía el productor Arthur Freed. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. especialmente. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. bailes. de la compañía de la chiquillería del barrio. diálogos y decorados. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. Milo Roberts. pues se trata de la prometida de Baurel. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes. una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. Finalmente. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. director y bailarín y. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). No obstante. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. Por otro lado. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). ésta se resistirá al idilio.

sin embargo. en el Reino Unido. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. una modesta empresa creada por Harry Cohn. 1936). entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). a Katharine Hepburn y a KingKong (1933). la primera película hablada del cine británico. Judy Garland y Greta Garbo. Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados.y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. Sin embargo. se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr.y El cuarto mandamiento (1942). Deeds Go to Town. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. Por otro lado. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. Entre tanto. La R-K-O. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. Conviene no olvidar. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel. el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. Entre tanto. hayan sido objeto de numerosas críticas. por su parte. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. al otro lado del Atlántico. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. 1943). considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. durante un breve período de tiempo. 1931). también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. la Universal. como Louis B. sin embargo.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. mientras que la Columbia. 1939). de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. . fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. Marlene Dietrich y Gary Cooper. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). La M-G-M. a excepción de la palabra «cuchillo». Mayer o Harry Cohn. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929).

Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego).. y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. Como cabía esperar. El fantasma de Teófanes se le aparece. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. Más adelante. MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. DURACIÓN: 185 minutos. PRODUCCIÓN: Mosfilm. sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. 1974). Nikolai Burlyayev (Boriska). entre ellas.S. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. vertiendo lágrimas de dicha. y su film de reminiscencias personales. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. un monje y pintor de iconos del siglo xv. El espejo (Zerkalo. siglo xv. Ivan Lapikov (Kirill). Inspirado por esta visión. el pintor de iconos Andrei Rubliov. Paradójicamente. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. A la conclusión de la obra. El héroe epónimo.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. el rostro de Andrei. El dubitativo protagonista. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky. . las autoridades soviéticas. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). Solaris (1972) y Stalker (1979).R. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. Argumento Rusia. Irma Raush (La muchacha sordomuda). GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. se entretiene con un bufón. Color y B/N. comenzará a dudar del valor de su existencia. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética.S. En el curso de sus peregrinaciones. es raptada. hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. posteriormente. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que.

42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. Henchido de dolor. Borracho de placer y de champán. La trama básica de la película. iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. MONTAJE: Sam Winston. B/N. Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. de Heinrich Mann). el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. publicada en 1904. La última orden {The Last Command. A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. De regreso a Alemania. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. que le convence para que se case con ella. Kurt Gerron (Kiepert. Rosa Valette (Guste. DURACIÓN: 103 minutos. GUIÓN: Robert Liebmann. su mujer). INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). Abatido. sin embargo. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. MÚSICA: Friedrich Hollander. con la llegada de las películas habladas. pero se queda cautivado por Lola-Lola. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. filmaran El ángel azul. pasa toda la noche en el local. es despedido. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). Argumento El profesor Immanuel Rath. en su lugar. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. una novela de Heinrich Mann. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. y fue el propio director quién le sugirió que. la seductora artista del espectáculo. uno de los puntales de la comunidad. Trude Hesterberg. Marlene Dietrich. se contrató a Dietrich. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. 1928). regresa junto a Lola-Lola. Briggite Helm. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. y habiendo perdido toda su autoestima. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. regresa a su antiguo colegio y muere. un mago). Hans Albers (Mazeppa).

DURACIÓN: 93 minutos. deciden volver a separarse. Shelley Duval (Pam). resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. Tony Roberts (Rob). Diane Keaton (Annie Hall). ini- Con Annie Hall.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman. Annie regresa a California para reunirse con Lacey. Annie Hall. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. tras realizar un fútil intento de reconciliación. una periodista. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. 1935. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. tras una pelea. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. Alvy inicia una relación con Pam. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. Comentario AnnieHall EE. y en el vuelo de regreso a Nueva York. El interés que el magnate del mundo discográfico. negado para la vida. tiene algo de . MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. pero. Joffe para United Artists (Charles H. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. y Alvy. Joffe). La Venus rubia [Blonde Venus]. escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. muestra por Annie. Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. finalmente. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey.. etc. en este caso. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. 1932. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. 1934. despierta los celos de Alvy y. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos.UU. la pareja volverá a reunirse. a la que el director vestía e iluminaba.). hoy en día. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. 1930. Tony Lacey. se produce la separación. MÚSICA: Varios. Carol Kane (Allison). Capricho español [The Devil is a Woman]. Paul Simón (Tony Lacey).contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer).

INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. D. a su vez. el director de la empresa. Baxter. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. una circunstancia reconocida por la propia Academia. Sheldrake). se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. B/N. En recompensa por la cesión de su apartamento.. la ascensorista de la empresa. D. más bien. Edie Adams (Miss Olsen). Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella.UU. DURACIÓN: 125 minutos. GUIÓN: Billy Wilder e I. Tras declarar su apartamento zona prohibida. un empleado de una aseguradora. J. que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). A. Dreyfus). FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». . pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. para crear un efecto cómico.46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. Ray Walston (Mr. acuciado por su conciencia. Diane Keaton. bajo el título provisional de «Anhedonia». Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. Jack Kruschen (Dr. mejor director y mejor guión. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. envalentonado por su nueva situación. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. MONTAJE: Daniel Mandell. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. Fred MacMurray (J. Sheldrake. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. Diamond. le consigue un inesperado ascenso. C. 1960 Billy Wilder. entre ellos los de mejor película. colocándole. Baxter. Panavisión. Rodada con su habitual secretismo. Dobisch). Baxter. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). Marshall MacLuhan. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. MÚSICA: Adolph Deutsch. Por todas estas razones. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. L.el film es. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear.

aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. fue nominada para diez premios de la Academia. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. The Doors. hasta entonces apenas explotada. Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. Apocalypse Now EE. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon.. Gerald B. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). Wagner. DURACIÓN: 141 minutos. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. A. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. Martin Sheen (Capitán Benjamin L. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. Kurtz). una de sus obras más populares. MÚSI- CA: Carmine Coppola. e insta a Wi- . Harrison Ford (Coronel Lucas). ciertamente. Wilder combina ambas en El apartamento. Kurtz le explica su filosofía. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. (70 mm) (35 mm. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. de Joseph Conrad).UU. etc. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. 1964). Cuando se produce el encuentro. que. un capitán harto de combatir. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco.. una generación más tarde. entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. Dennis Hopper (Fotógrafo). que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. a su vez. con ella. Technicolor. Willard. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis. MONTAJE: Walter Murch. El triunvirato formado por Wilder. y. El resultado fue El apartamento (1960). el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). Este último. 1963). Diamond). Argumento Vietnam. Francis Coppola. Willard). Frederic Forrest («Chef» Hicks). de la que. Greenberg y Lisa Fruchtman. en ocasiones. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). Larry Fishburne («Limpio»). L. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y. GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión.

1903 DIRECTOR: Edwin S. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. irónicamente. según lo utilizó T. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). Finalmente. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad.M. Tras unírseles otros cuatro forajidos. «Bronco Billy» Anderson. pasando de 12 a 31 millones de dólares. Eliot en La tierra baldía. Éste. A. Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. A continuación. Es Vietnam. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica.fue.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. Comentario «Mi película no trata de Vietnam. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. Martin Sheen. tan típica suya. sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. C. Porter. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991). sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella.» Con esta ampulosa declaración. el actor que sustituyó a Harvey Keitel. Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . entre otros. la película. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. Michael «Crónicas» Herr.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados. sin embargo. produciendo un efecto verdaderamente turbador.. justo antes de que un tren llegue a la estación. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Abadie y Marie Murray. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». B/N. INTÉRPRETES: G.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. el horror». horror y absurda belleza. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. S. DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio. y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. Willard parte río abajo. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. George Barnes. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir.UU.

Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». Jean Daste (Jean). DURACIÓN: 85 minutos. por comparación. Porter. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). el capitán de la gabarra L'Atalante. Dita Parlo (Juliette). los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). Rápidamente. En cuanto al principal actor. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. Comentario A principios del siglo xx. conformando una especie de retablo. B/N. Atrapados cuando procedían al reparto del botín. Asalto y robo a un tren. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo.hasta que. Nounez). L'Atalante Francia. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. vivo o muerto (TheBounty Killer. GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). Maurice Gilíes (Jefe de negociado). MÚSICA: Maurice Jaubert. la joven campesina con la que acaba . un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. constituye un importante jalón en ese proceso. finalmente. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. y se emprende la persecución de los ladrones. 1965). la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. Entre tanto. será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. el vodevil y los espectáculos de linterna mágica. Durante la década siguiente. el circo. se forma una partida al mando del sheriff. Argumento Jean. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. «Bronco Billy» Anderson. No obstante. de Edwin S. MONTAJE: Louis Chavance. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. abandonó la realización de películas en 1916. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. Louis Lefebvre (Muchacho).

En la película El último tango en París (1972). . Al estrellarse contra el agua. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. arroja un flotador por la borda. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. le contrató para que realizara lo que. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. a la que. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. Traba amistad con Pére Jules. uno de los grandes estudios franceses. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. Juliette se escapa a tierra. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. Distanciados ahora el uno del otro. Cuando Gaumont. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. consigue localizar. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. fuera de sí. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. Partiendo de un guión de una sencillez extrema. y Jean. Al llegar a Le Havre. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. decide soltar amarras y partir sin ella. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. por un golpe de fortuna. finalmente. al hallarse momentáneamente separados. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. franceses y belgas. alternando momentos de comedia con otros de tensión. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. a primera vista. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. Dos semanas más tarde. Sus cortometrajes anteriores. Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. el viejo y gárrulo compañero de Jean.

que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. 1949). apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. 1965) y tantos otros más. se encuentran Sergei Eisenstein. 1977) y Gandhi (1982). unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). como Robin de los bosques (Robin Hood. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña. 1968). la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. De Mille. 1954). se embarcó en empresas de gran envergadura. la que indujo a D. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). 1956). Sería. cultivó gran variedad de géneros. 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. En el momento presente. a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. en 1923 y 1956). por lo general. sin olvidar otras producciones que. o las primeras obras de Cecil B. Sergei Bondarchuk. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. Sergio Leone. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). El Rey de reyes (The King ofKings. 1953). El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). no tenía ninguna posibilidad de competir. pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. Guerra y paz (Voina i mir. . De Mille. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. Douglas Fairbanks. pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. en cualquier caso. De ese modo. la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). Por otra parte. la enormidad de los costes. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. de algún episodio bíblico. que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. por ejemplo. o Werner Herzog. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. La preponderancia de la figura de Cecil B. 1966-1967). el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. 1962). caso de Guerra y paz (War and Peace. La respuesta del público fue tan entusiasta. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. W. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. Cabiria (1914). una producción italiana. la pequeña pantalla. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. aunque no de carácter bíblico. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. 1956) o Ben-Hur (1959). autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. que protagonizó Richard Burton. Finalmente. no obstante. resultaban igualmente espectaculares. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados.

Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. como ocurre con una de las escenas culminantes. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. un hombre felizmente casado. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. Anne Archer (Beth Gallagher). ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia. Berger. 1987 Adrián Lyne. titulado Diversión. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. Jaffe y Sherry Lansing). ha mantenido con Alex Forrest. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). pero ésta vuelve a levantarse. aparentemente. En un principio. Ellen Foley (Hildy). momento en que Beth acaba con ella de un disparo. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. Más adelante. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. En la pelea que se producirá a continuación. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. calcada de una escena similar en Las . donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly.UU. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. consigue ahogar a Alex. una virulenta proclama a favor de la monogamia. se estrella con su coche. Michael Douglas y Anne Archer. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. Stuart Pankin (Jimmy). Dan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman.. Adrián Lyne. se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Más adelante. solteras y liberadas sexualmente. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher).la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. MÜSICA: Maurice Jarre. éste es un film con más estilo que sustancia. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth. DURACIÓN: 120 minutos. Beth. cuya realización fue confiada a otro compatriota. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. Cada vez más desesperada. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. GUIÓN: James Dearden. conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. Glenn Cióse (Alex Forrest). Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. presa de la angustia. a todas luces desproporcionada. 1986).

al desvelar que ejerce sin licencia y. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. Caballerosamente. 1955). y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. Consigue atraparle una vez muerta"». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. «Sin dolor» Potter). esposados el uno al otro. abandona la ciudad. San Francisco. la prima de éste. además. se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. donde ambos morirán. se establece en . al representarla. MÚSICA: Leo A. Marcus arruina a McTeague. se filmó un final distinto. Recuerdo que pensé: "Es fantástico. Frank Hull y Marguerite Faust. cada vez de forma más manifiesta. Zasu Pitts (Trina). a la que terminará por abandonar. Con posterioridad. B/N. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. bajo el sol abrasador del desierto. desesperado. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. que. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. de Frank Norris). luego. INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). MONTAJE: Erich von Stroheim. Jimmy Wang (Cocinero chino). es su prometida. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. Kempinsky. Stroheim. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg). Gibson Gowland (McTeague). 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague.. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. escrita por Frank Norris. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. Una vez que McTeague y Trina se casan. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. una crónica de los bajos fondos de San Francisco.constituye una excepción en la obra de Von Stroheim. pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. Jean Hersholt (Marcus Schouler). Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. Marcus deja el camino libre a su amigo. McTeague.UU. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. un joven minero. 1921). Erich von Stroheim. Gunther von Ritzau (Dr. como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels.000 dólares en la lotería. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. McTeague.

James Addams (Corrado). parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. Esa misma noche. en compañía de Claudia. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. pero. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro). La aventura L'AVVENTURA Italia. un feroz alegato contra la avaricia humana. Sin embargo.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. MONTAJE: Eraldo da Roma. cuando. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. Monica Vitti (Claudia). pasó primero a siete y. . GUIÓN: Michelangelo Antonioni. hacen el amor. FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. Argumento Tras un mes de separación. DURACIÓN: 145 minutos. 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. Más adelante. Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. por desgracia. resulta inusitada. Renzo Ricci (Padre de Anna). Lea Massari (Anna). Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. a cuatro. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. Dominique Blanchar (Giulia). mientras termina la noche y comienza a amanecer. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. B/N. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. De un montaje inicial de nueve horas de duración. MÚSICA: Giovanni Fusco. el arquitecto Sandro. Mientras continúa la búsqueda. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios. no conseguirán encontrar su cuerpo. A pesar de todo ello. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. Anna y su prometido. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. más tarde.

Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. Graham Greene («Pájaro peleón»). 1955 y Elgrito[Il grido]. Rodney A. Tras haber sido condecorado por su valor. Un malestar social tan abrumador es. por supuesto. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. DURACIÓN: 180 minutos. que. en última instancia. y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. Una vez allí. Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. MONTAJE: William Hoy. Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). se enamorará de «En pie . la utilización de la cámara como un elemento distanciador. 1975).64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. que permanecen vigilantes ante su presencia. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J. tampoco tiene la más mínima importancia). vive o muere y.. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. Argumento Año 1863. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. en este caso. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. parece carecer de sentido. Stephen Potter y Chip Masamitsu. Más adelante. MÚSICA: John Barry. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. Dunbar). el Teniente John J. el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. y evaluada. finalmente. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. era poco menos que obligatoria. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). se establece en una granja abandonada. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). Grant («Cabello al viento»). Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. la tribu trabará amistad con él. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. más adelante. más que carecer de alegría.UU. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja.

Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. DURACIÓN: 135 minutos. Brahim Haggiag (Ali La Pointe). 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. Atrapado en su casa. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Fawzia El Kader (Haahmal). por si fuera poco. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. Dotado de un buen ojo para el paisaje. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). un entusiasta del género. un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. Tommas Neri (Capitán Dubois). GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia.66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). Ali La Pointe. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). 1957. hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. A su regreso a Fort Sedgwick. 1965 Gillo Pontecorvo. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. 1964). FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. sino que recibió siete Osear. B/N. Yacef Saadi (Saadi Kader). que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. Michele Kerbash (Fathia). 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). Además de constituir. entre ellos el concedido a la mejor película. en suma. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. 1991). su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. Argumento Octubre. Costner. El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que.

habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. Sometido a tortura. Así. por ejemplo. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. A principios de 1957. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). El FLN convoca a una huelga general. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. sino que aumente aún más. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. una película que contó con Marión Brando como protagonista. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. Finalmente. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. . en 1962. sin embargo. la resistencia contra los franceses no cesa y. Sin embargo. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. que desata una brutal ola de represión y torturas. consiguiendo así que el impacto de la película. no sólo no disminuya. Argelia obtiene su independencia. el único superviviente será La Pointe. En 1954. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. Sin embargo. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. y en el Octubre. un camarada revela su paradero. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica.

camisetas alusivas. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven.UU. según se dice. MONTAJE: Ray Lovejoy. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». Pat Hingle (Inspector Gordon). lo cierto es que la película. tratará de vengarse de Grisson. organiza el asesinato de Jack Napier que. utilizando personajes creados por Bob Kane). INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). Sin embargo. Robert Wuhl (Alexander Knox). Tim Burton. La película fue objeto de una comercialización. libros y un largo etcétera. Tras tomar a Vicki como rehén. El éxito obtenido por Batman. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas.. muñecos. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. seguramente. 50 millones de dólares. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. Entre tanto. El actor. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. haciendo gala de una gran astucia. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. caerá en una cuba de productos químicos. ignorando que éste posee una doble personalidad. Con gran inteligencia. o al menos parte de ella. debido a la intervención de Batman. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. «The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. Kim Basinger (Vicki Vale). Billy Dee Williams (Harvey Dent). MÚSICA: Danny Elfman. «The Joker» reta a Batman a un duelo. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. cuando sea raptada por «The Joker». Argumento Gotham City. el misterioso luchador contra el crimen. DURACIÓN: 126 minutos. El presupuesto declarado. canciones de Prince. El jefe del hampa. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. Batman es. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. Napier sobrevive y. optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. un millonario que lleva una existencia recluida. hizo que Hollywood . una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. se desdobla en la figura de Batman. en última instancia. la obtención de un Osear. No obstante. Cari Grisson. Antón Furst. el personaje interpretado por Jack Nicholson. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). un ser deforme y trastornado. Bruce Wayne. Dadas las expectativas despertadas. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. Vicki comienza a desentrañar el misterio. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. convertido en «The Joker». su director.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE.

che en que se dispone a conocer a su amada. no recogida en los títulos de crédito. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible.. Rubottom. Alfred Kralik. MÚSICA: Werner R. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. Kralik protesta y es despedido. B/N. Heymann. otras como Robin Hood. FOTOGRAFÍA: William Daniels. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. de Ben Hecht). Sara Haden (Flora). Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. como para darle demasiada importancia. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. Félix Bressart (Pirovitch). de Nikolaus Lazslo. finalmente. DURACIÓN: 97 minutos. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). para evitar caer en el precipicio del mal gusto. El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. 1942). La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. MONTAJE: Gene Ruggerio. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde.72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar.UU. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. Argumento Budapest. con la colaboración. Frank Morgan (Hugo Matuschek). se siente a disgusto con ella. 1992). el verdadero adúltero es despedido. ahora como jefe de tienda. Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. uno de los empleados. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. finura y elegancia visual.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas. James Stewart (Alfred Kralik). Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. una combinación de ingenio. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». 1997).

una pareja que. reconoce en él al hijo de un carpintero que. La túnica sagrada (The Robe. en consecuencia. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. Más adelante. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. N. Winters y John Dunning. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. no recogida en los títulos de crédito. 1959 DIRECTOR: William Wyler. en represalia. La fastuosa producción de la Fox. en cierta ocasión. de Christopher Fry. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. del general Lew Wallace). . Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. Antes de morir. S. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. se compadeció de él. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. Robert Z. Horning y Edward Carfagno. MONTAJE: Ralph E. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). que. Varios años más tarde. Haya Harareet (Esther). Behrman y Gore Vidal. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. éstas se han curado milagrosamente de su mal. Jack Hawkins (Quintus Arrius). protagonizarían cuatro películas románticas juntos. DURACIÓN: 217 minutos. entre las que se cuentan. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. Martha Scott (Miriam). Maxwell Anderson. Technicolor. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Leonard haría una nueva versión de la película. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. MÚSICA: Miklos Rosza.UU. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. 1953). Stephen Boyd (Messala). PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). Argumento Jerusalén. el Cinemascope. en particular. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. un antiguo amigo de la infancia. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. Ben-Hur EE. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y. mientras asiste a su crucifixión. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados.. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. She Loves Me.

un buen día. Moroni Olsen (Espejo mágico). Billy Gilbert (Alérgico). invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. la convence para que se coma una manzana envenenada. 1956). un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. Argumento Criada por un reina perversa. una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. recibe la visita del Príncipe Encantador. . Earl Hurd. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón). Harry Stockwell (Príncipe Encantador).UU. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. MÚSICA: Frank Churchill. Disfrazada de vieja bruja. Richard Creedon. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. McLaren Stewart. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova. en un primer momento. Kenneth Anderson. Perseguida por los enanitos. Leigh Harline. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas.y aunque. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm). Lucile La Verne (La Reina). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. hasta que. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. Y todos vivieron felices y comieron perdices. Sin embargo. DURACIÓN: 83 minutos. la Reina cae por un precipicio y perece. la Reina visita a Blancanieves y. aquélla ordenará su muerte. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. Tom Codrick. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. PRODUCCIÓN: Walt Disney. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. Dorothy Ann Blank. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador.. 1956). Paul Smith y Larry Morey. Kendall O'Connor y Hazel Sewell. Dick Richard. Hugh Hennesy. Otto Englander. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. Rodada en Italia durante un período de diez meses. 1937 Walt Disney. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. GUIÓN: Ted Sears. Harold Miles. Terrel Stapp. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). Gustaf Tenggren. Incapaz de cumplir semejante orden. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Destaca en ella la dirección de William Wyler. En 1925. con engaños. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones.

que le promete un emocionante futuro. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood.UU. utilizó 250.000 dólares. En 1934. En compañía de C. W. Obra llena de innovaciones y. DURACIÓN: 111 minutos.500.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. muy importantes. J. Gene Wilder (Eugene Grizzard). No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. Moss). a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. sin embargo. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. como de los enanitos. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. Estelle Parsons (Blanche). entretenimiento mágico y musical de primer orden. MÚSICA: Charles Strouse. una camarera. a la vez. Moss.. y. MONTAJE: Dede Alien. la película había costado 1. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. Bonnie Parker. el hermano de Clyde.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. con contribuciones. poco a poco. de Robert Towne. Argumento Aburrida de la vida provinciana. anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. caso de Blancanieves. GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). Denver Pyle (Frank Hamer). pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. Faye Dunaway (Bonnie Parker). y su esposa. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. Sin embargo. en . del que le hizo entrega Shirley Temple.500. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». W. no recogidas en los títulos de crédito. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve. satisfacen las ansias de fama de Bonnie. el cazador y el Príncipe Encantador. un mecánico. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. y de Buck. Gene Hackman (Buck Barrow). FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. durante las Navidades de 1937. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn. tanto de los personajes humanos de corte «realista». Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y.78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». Pollard (C.

antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. y a la mejor fotografía. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. para Ellen Parson. corrupto. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. Comentario Una de las películas clave de su época. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. más bien.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad. . Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. con frecuencia. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. Carol Lynley. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. Natalie Wood. En un claro. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Buck muere y Blanche queda ciega. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras.

el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). Bob Hope y Dorothy Lamour. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). Hoy en día. como la formada por Abbott y Costello. 1988). más tarde. Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. En cualquier caso. Judy Holliday. éste no obtendría renombre internacional hasta que. como Sopa de ganso (Duck's Soup. el desvalido y acrobático vagabundo. unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. una vez concluida la guerra. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing.. Si Billy Wilder. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. Un caso. siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. ejercerían una gran influencia en el género. En cuanto a la situación en el Reino Unido. Tony Curtís. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. fue el de Harold Lloyd. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. Walter Matthau y Jack Lemmon. La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas.. Durante muchos años. en compañía de la propia Hepburn. No obstante. la relación. 1949). sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923). cuyo más famoso personaje. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. en parte similar. Si bien otras parejas. . se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960).82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. Junto a Grant y Hepburn.. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. sin embargo. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. Doris Day y Rock Hudson. llena de calidez y buen humor. protagonizada por Bing Crosby. y. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo.. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. 1933) y Una noche en la Ópera (1935). terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland.. iniciadas con Annie Hall (1977). por ejemplo. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. y un largo etcétera. 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). de la extensa serie Carry on. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. entre los personajes de series como TheRoad to. su repudio del sentimentalismo. 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo.

Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. Margaret Barton (Beryl Waters). P. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. relativamente rara para una película británica. De vuelta a su casa. acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. una mujer casada de clase media. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson). Como era de prever. GUIÓN: David Lean. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). actor y celebridad. Alee Harvey en la cafetería de la estación. Breve encuentro. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. En este sentido. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. de sus clases medias. 1970). Williams y G. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. Alee Harvey). Cyrill Raymond (Fred Jesson). produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. al parque. Francke. E. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. la visita de la pareja al cine. Trevor Howard (Dr. MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. Laura Jesson. StillLife). DURACIÓN: 85 minutos. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. Breve encuentro consiguió también la hazaña. más adelante. B/N. Luego.la película de David Lean. resulta mucho menos premeditada. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. contempla la posibilidad de suicidarse. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja.84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. al encontrarse con unos viejos amigos. quedarían para ir juntos al cine y.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. guardia de la estación). 1945 DIRECTOR: David Lean. de ser nominada por la Acade- . como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. tras un nuevo encuentro fortuito. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. Stanley Holloway (Albert Godby. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. Calthorp. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. Joyce Carey (Myrtle Bagot). más en concreto. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. Consternada. es abandonada por el Dr. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. y bastante más conmovedora. al campo y a un restaurante. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. típicamente británica y.

sólo en los Estados Unidos. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. Más tarde serán atacados por el sheriff.y los de la mayoría. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre. y Hanson mo- . la postura antisistema. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. de Richard Kwietniowski. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). Los dos motoristas siguen su camino. el rock. que han obtenido mediante la venta de drogas. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. MÜSICA: Varios. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda.UU. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. donde su presencia no es bien recibida. regresa para matar también a Wyatt. la versión televisiva. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. Jack Nicholson (George Hanson). MONTAJE: Donn Cambren. 1969 Dennis Hopper.y tienen un mal viaje de ácido. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. En 1974.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson.. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. un abogado alcohólico. era el principal componente del público que asistía al cine. Phil Spector (Contacto). Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. DURACIÓN: 94 minutos. Llegan a un pueblo. GUIÓN: Peter Fonda. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. rirá apaleado. Deciden seguir por carretera hacia Florida. Argumento Bien provistos de fondos. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. Dennis Hoppery Terry Southern. recogen a un par de chicas de un burdel. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. Mac Mashourian (Guardaespaldas). INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. Fiantes ofPassion (1990). por otro lado. Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. sin embargo.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. decide mantenerlo oculto. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. Popaul se suicida. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. pero. un ser dulce y atento. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. MÚSICA: Pierre Jansen. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. Roger Rudel (Inspector de policía). la sofisticada pero distante Héléne. dejando a la maestra sola con su culpa. parece estar inexorablemente predeterminado. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. Pasquale Ferone (Padre Charpy). Su verdadera culpa. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. que. en el Périgord. completamente opuesta. Comentario Chabrol. que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. por lo menos. y el carnicero Popaul.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. donde habitó el hombre de Cro-Magnon. De entre el bullanguero gentío. como desearía Popaul. que rápidamente esconde. según la cual. En El carnicero. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. y Popaul. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. DURACIÓN: 94 minutos. el carnicero. el enfrentamiento entre la maestra. MONTAJE: Jacques Gaillard. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. Héléne descubre el cadáver de una joven y. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. Jean Yanne (Popaul Thomas). Antonio Passalia (Angelo). Chabrol. al hacerlo. William Guérault (Charles). como sucede. la maestra de la escuela. un mechero. sin embargo. en esta ocasión. más como víctima que como asesino. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). del posterior fu- . aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. Mario Beccaria (Léon Hamel). pero con un lado oculto atávico y brutal. o de haberle. junto a él. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. GUIÓN: Claude Chabrol. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. por ejemplo. y no amor. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. tras el cual. Ella le regala un mechero. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. una sobria historia de amor con tintes trágicos. De hecho. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta.

En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. del que Liddell sale vencedor. . los ganará en un tiempo récord. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. un tema musical algo anacrónico. un publicista reconvertido en cineasta). Liddell correrá los 400 metros y. que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. La película. representando al Reino Unido. y ganadora de cuatro de ellos. Entre tanto. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. DURACIÓN: 123 minutos. en Escocia. INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). incluidos los de mejor película y mejor canción original. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. un ambicioso atleta. proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. 1919. GUIÓN: Colin Welland. Nigel Havers (Andrew Lindsey). el hijo de un misionero. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. The Foxes (1980). se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. Ian Charleson (Eric Liddell). Nominada para siete premios de la Academia. pero enormemente pegadizo. las hazañas atléticas de Eric Liddell. proferida con ferviente entusiasmo. que ganará Abrahams. 1978). MÚSICA: Vangelis. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. a su vez. que vienen los británicos». MONTAJE: Terry Rawlings. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha. llevado en volandas por su fe.con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. Ian Holm (Sam Mussabinni). El expreso de medianoche (Midnight Express. Aunque esta amenaza. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. Finalmente. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que. FOTOGRAFÍA: David Watkin.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. Daniel Gerroll (Henry Stallard).98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. Nick Farrell (Aubrey Montague). Al negarse a correr en Sabbath. Harold Abrahams. por delante del norteamericano Scholz. Argumento Cambridge.

Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. parecían indicar una situación de declive inexorable. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. MONTAJE: Owen Marks. a América. lleno de oficio. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. Hoy en día. como los niveles de calidad artística. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. Paul Henreid (Victor Laszlo). GUIÓN: Julius J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. su esposa. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. Casablanca EE. aunque fuera momentáneamente. desde allí. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. Conrad Veidt (Mayor Strasser). Como se ve. pero éste. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. no pare de crecer. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). delicadamente siniestro. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. fue nominada para un Osear). sin embargo. DURACIÓN: 102 minutos. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. Ingrid Bergman (Usa). Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. Peter Lorre (Ugarte). fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. tanto las estadísticas de producción. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. la fe en la industria autóctona tras una década en la que. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. Sydney Greenstreet (Señor Farrari). Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. Inesperadamente. cuya interpretación de un jefe de policía.. Wallis). Claude Reins (Capitán Louis Renault). de Rick. lo cual le convierte en objeto de especial interés. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas. en un principio. al conseguir restaurar. Ésta había sido antes la amante . de Murray Burnett y Joan Alison). B/N. y Phillip G. un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y.UU. dos visados de tránsito caen en sus manos. MÚSICA: Max Steiner. los orígenes de la película no era muy prometedores. propiedad del cínico Richard Blaine. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson.

de emular a Bogart. Woody Alien rindió homenaje a la película. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. Sam». pasa la noche con Krystyna. La película completó una trilogía informal. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). último día de la Segunda Guerra Mundial. etc. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). «Tócala otra vez. Por otro lado. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. igualmente oscura. y a la aspiración. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). Tras leer una inscripción en un cementerio. Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). Andrzej Wajda. Maciek. Bogumil Kobiela (Drewnowski). . es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. en cierto modo. 1972). lo que aviva aún más sus dudas. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. MONTAJE: Halina Nawrocka. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. Ewa Kryzjewska (Krystyna). Argumento Polonia. muy generalizada. a su vez. Stanislaw Milski (Pieniazjek). Mientras espera en un hotel. DURACIÓN: 105 minutos. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. recibe la orden de matar a Szczuka. el antihéroe desencantado. se despiden.102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. Maciek mata de un disparo a su oponente pero. recibe el disparo de un oficial borracho. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. Jan Ciecierski (El portero). INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. muchacho». y Cenizas y diamantes. Adam Pawlikowski (Andrzej). una mujer que acaba de conocer. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski.)> o la inolvidable As Time Goes By. del régimen comunista de posguerra. B/N. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas.

A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. tras asesinar a todos los adultos. Vera Miles (Laurie Jorgensen). La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. pero que. se encuentra muy próximo al estado salvaje. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. Whitney). Nugent (basado en una novela de Alan Le May). respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. MONTAJE: Jack Murray.UU. John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. Cooper y C. cuando por fin encuentran a Lucy. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. PRODUCCIÓN: C. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. gers cuando los comanches asalten el rancho. 1956 DIRECTOR: John Ford. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. V. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. Cuando el combate concluye. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. V. Samuel Johnson Clayton). John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. Sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. Technicolor. y. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE.. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). Ward Bond (Capellán castrense. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. En el camino. Natalie Wood (Debbie Edwards). a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. que. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). la chica tiene que enfrentarse a Edward. Hoch. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. FOTOGRAFÍA: Winton C. John Qualen (Lars Jorgensen). a su vez. finalmente. VistaVision. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie. DURACIÓN: 119 minutos. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. Whitney (Merian C. la mate. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. GUIÓN: Frank S. MÚSICA: Max Steiner. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico.

Mario Leonardi (Salvatore adolescente). en este caso. cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. con toda la vida salvaje). un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. MÚSICA: Ennio Morricone. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. por extensión.106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. él mismo se convirtió en sus ojos y. Agnese Nano (Elena). . No obstante. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. Su regreso está teñido de tristeza. que era el proyeccionista de la sala. Argumento El fallecimiento de su mentor. PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). 1977). en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. Salvatore rodará un documental. Salvatore Cascio (Salvatore niño). Si. MONTAJE: Mario Morra. sus implicaciones van más allá y lo convierten. Pupella Maggio (María). A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). Durante su adolescencia. en el operador del cine. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. se enamorará de una chica. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. el legado de Alfredo. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. por otro. Alfredo. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos). GUIÓN: Giuseppe Tornatore. espacial y psicológica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). que también trata del pasado del cine. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. sólo que. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. finalmente. por un lado. le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios. es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. Gracias a Alfredo. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. además. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta).

Gettys). más que de lamento. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. GUION: Hermán J. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Dorothy Comingore (Susan Alexander). Mankiewicz y Orson Welles. Ray Collins (James W. Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. Kane morirá en la más absoluta soledad. se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud».O. MÚSICA: Bernard Herrmann. ultramodernas e impersonales salas multicines. B/N. Mientras el periodista deja Xanadú. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. de los niños revoltosos. La descripción que se hace de los excéntricos dueños.K. DURACIÓN: 119 minutos. George Colouris (Walter Parks Thatcher).. interrogando a sus antiguos amigos y empleados. .UU. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. Se divorcia y se casa con Susan. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». PRODUCCIÓN: Mercury para la R. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. Un periodista tratará de descubrir su significado. Agnes Moorehead (Madre de Kane). Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. Más tarde. (Orson Welles). Darrell Silvera y Hilyard Brown. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). Joseph Cotten (Jedediah Leland). la mansión del magnate. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher. Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Everett Sloane (Mr. Bernstein).

ante todo. Desechando la puesta en escena convencional. Antiguo niño prodigio. Sin embargo. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. Pat O'Brien (Mulligan). cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. corteja a Susan. perdido en el inmenso vacío de su mansión). una película de 1933. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. Thoeren y M. dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín. y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. en 1939.UU. Orson Welles fue contratado por la R. haciéndose pasar por un rico playboy. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». Joan Shawlee (Sweet Sue). USA». granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». La película. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. Joe. En Miami Beach. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. Brown (Osgood Fielding III). Osgood Fielding III. La celebración de una . Durante sus dos primeros años en los estudios. MÚSICA: Adolph Deutsch. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior. Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. DURACIÓN: 120 minutos. Tony Curtís (Joe/Josephine). Diamond (inspirado en un relato de R. se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». el gran magnate William Randolph Hearst. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). MONTAJE: Arthur Schmidt. está basada en un personaje real.K. tanto en los escenarios como en la radio. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. se sentirá atraído por «Daphne». 1959 Billy Wilder e I. GUIÓN: EE. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. en su lugar. Joe E. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). Logan). Joe y Jerry. Entretanto. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). por una compo- sición en profundidad en cada encuadre.. la cantante de la banda. Si su admirada estructura.110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. y apostando. Argumento Año 1929. le había valido grandes elogios. A. que ansia conocer el verdadero amor. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. planos cortos y primeros planos. George Raft (Spats Columbo). un millonario que colecciona matrimonios. B/N. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. por ejemplo. productor.O. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). según la cual. Ciudadano Kane fue.

FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. Talmann). 1694. Herbert. Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. Neville). Con todo. Neil Cunningham (Mr. y garantía segura de diversión. MÜSICA: Michael Nyman. El pintor Neville es contratado por Mrs. su guionista y director. Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar. una agilísima modulación rítmica. entre ellos los de mejor director y mejor actor. Hugh Fraser (Mr. DURACIÓN: 108 minutos. No obstante. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. PRODUCCIÓN: BFI (David Payne). MONTAJE: John Wilson. Sin embargo. Billy Wilder. le fue asignado a Tony Curtis. una dama de la aristocracia. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. Seymour).112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo. Sin embargo. Herbert). lo que se ve en la pantalla es pura magia. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. Talmann). tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. . tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). Herbert). disminuyeron las presiones. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. Más adelante. Noyles). Dave Hill (Mr. 1932). Inglaterra. Anne Louise Lambert (Mrs. El papel de su compañero.1972). El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. GUIÓN: Peter Greenaway. con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. para Jack Lemmon. Janet Suzman (Mrs. un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. David Gant (Mr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. Irma la dulce (Irma La Douce. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. Sin embargo. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. razones de índole comercial. Joe. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. el terror del hampa (Scarface. Argumento Wiltshire. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia.

Cindy Williams (Ann). filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). MONTAJE: Richard Chew. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). entendida como ejercicio cinematográfico. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. el cual. la hija de los Herbert. Alien Garfield (Bernie Moran). a partir de ese momento. se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. es cegado y dado muerte. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. algo a lo que ella consiente. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. GUIÓN: Francis Ford Coppola. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. Neville exige que Mrs. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. . como. Derek Jarman o Ken McMullen. se descubre el cadáver de Mr. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. Como condición para realizar el trabajo. Harrison Ford (Martin Stett). DURACIÓN: 113 minutos. al regresar para realizar un postrer dibujo. A fecha de hoy. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. Finalmente. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. La familia le echa las culpas a Neville. Frederic Forrest (Mark). a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. Según la propia descripción de su director. Talmann. la película es un intrincado juego conceptista. John Cázale (Stan). Herbert en el foso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. mucho más fragmentarias y viscerales. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. infrecuentes en una cinematografía como la británica. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. que. Neville coquetea también con Mrs. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. 1974 Francis Ford Coppola. aunque sea de forma paródica. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. MÚSICA: David Shire. por ejemplo. la película. por lo general. que. Con todo. suele desconocer la obra de otros realizadores.UU. Talmann. la iconografía y la música de Michael Nyman..

Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. la película también permite que Hackman. la redención y la alienación contemporánea. . en algún momento. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. En las oficinas de la empresa. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. No obstante. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. el director de la misma. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». la culpa personal. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. hasta entonces. una de las películas más gratificantes de su director. se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. La conversación. Por otro lado. que. que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. constituye.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. en el transcurso de tan sólo dos horas. Aunque su trabajo ya ha concluido. sin embargo. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta.

A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. A pesar de todo ello. en general. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. en el movimiento del Free Cinema británico. Sábado noche. domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos. 1978). el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. 1946). un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. 1950). de los pobres y. .118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. que se plantea la posibilidad de suicidarse. dirigido asimismo por Rossellini. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. un film compuesto de varios episodios. ciudad abierta (1945). en sentido estricto. el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. y Umberto D (1952). un acontecimiento que. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. En estas últimas. Ladrón de bicicletas (1948). más tardíamente. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. 1989). 1963). Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. el neorrealismo fue. En los Estados Unidos. de actores no profesionales. cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. su última película juntos. La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. la fantasía alegórica. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. Cain. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. caso de La regla deljuego (1939). Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M.1947) y. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). siempre que ello fuera factible. llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. de hecho.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra.

fue un gran acierto. GUIÓN: Billy Wilder. Norma visita a Cedí B. e incluso Mae West. La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. Su guión. entre ellas. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). aunque afortunadamente no su temperamento. decidirá permanecer al lado de Norma. Marshman júnior. precisamente. pero Norma. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. Charles Brackett y D. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer. En cuanto al papel de la actriz principal. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. eran similares a las suyas. INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis). Argumento El guionista Joe Gillis. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. está salpicado de humor negro. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. Cuando Gillis trate de abandonarla. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. Gloria Swanson (Norma Desmond). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. celosa. le matará de un disparo. Nancy Olson (Betty Schaefer). Lloyd Gough (Morino). exmarido y actual sirviente. Pola Negri. FOTOGRAFÍA: John F. Mientras se la llevan arrestada. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . DURACIÓN: 110 minutos. 1950 Billy Wilder. que le anima a que siga con su propio trabajo. Mary Pickford. La elección de Swanson. a pesar de lo cual. Seitz. MÚSICA: Franz Waxman. el escritorzuelo necesitado de recursos.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE.. en el papel de su antiguo mentor. B/N. así como la de Erich von Stroheim. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis.UU. Fred Clark (Sheldrake). las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. Max. de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé. Gillis continúa viendo a Betty. una lectora de guiones. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. revelará que es un mantenido. Sin embargo. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. M.

en el futuro. mejor dirección artística y mejor banda sonora.. acaudalado Wilbur Minafer.UU. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton. La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . Agnes Moorehead (Fanny Amberson). Anne Baxter (Lucy Morgan). MÚSICA: Bernard Herrmann. Sin embargo. que se casa con el . Jack Moss y Mark Robson. que se la llevará a Europa. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. el indolente hijo de Isabel. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria.K. B. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. Anna Q. podrá contar con ayuda. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. Nilsson y H. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE. 1942 DIRECTOR: Orson Welles. Isabel sufre un ataque al corazón. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). Por otro lado. Ray Collins (Jack Amberson). DURACIÓN: 88 minutos. Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. (Orson Welles). C. llegaran a su fin. Nominada para once Osear de la Academia. convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. tanto a nivel individual como en conjunto. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons.O. con W. tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. el de mejor guión. MONTAJE: Robert Wise. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. B/N. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. Fields como protagonista. publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). una novela de Booth Tarkington. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel. Tim Holt (George Amberson Minafer). todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. Tras un accidente en el que está a punto de morir. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). la película tan sólo obtuvo tres de ellos. se descubre que las arcas de la familia están vacías. Años más tarde. Warner.

incluido el de mejor película. en su papel de narrador omnisciente. El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. B/N. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. Masayuki Mori (Genjuro). Kinuyo Tanaka (Miyagi. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. Sakae Ozawa (Tobei). Por su parte.000 dólares frente a una inversión de 1. entre tanto. en el siglo xvi. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. sin embargo. un fantasma. Tras haber dejado montada una versión completa. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior.K. Tras asistir a un pase previo de la película. es violada por unos soldados y. la encontrará su marido. MONTAJE: Mitsuji Miyata. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. durante su ausencia. A pesar de ello. .». con tan mala suerte que. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. El eslogan de la nueva dirección. finalmente. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). La película. se dedica a la prostitución en un burdel.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. constituía toda una declaración de principios. donde. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. a raíz de ello. Mitsuki Mito Ohama. DURACIÓN: 96 minutos. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood.K. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. Welles.O. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro.O. Argumento Japón. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). esposa de Tobei). mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. finalmente. Su mujer.que le encierra en una tierra encantada. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. de 131. se produjo un cambio en la dirección de la R. primero con un metraje de 148 minutos y. conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa).000. 500. En cuanto a Tobei. esposa de Genjuro). MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior.250.

donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. Pronto la pareja se casará y. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. Philippe MorierGenoud (Le Bret). en lugar de constituir dos entidades divergentes.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. 1640. DURACIÓN: 138 minutos. se le muestra un mundo distinto. el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). le ocurre a su cuñado Tobei. Christian es herido de muerte. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). ignorando los sentimientos de Cyrano. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. MÜSICA: Jean-Claude Petit. Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). A su vuelta. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. y lo mismo. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. como si las dos realidades. Cyrano de Bergerac Francia. Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. Al principio. por lo general sigue considerándose una obra maestra. supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. Ésta. pero. A lo largo de la película. La belleza casi pictórica de sus imágenes. Anne Brochet (Roxane). aunque de distinta manera. A ojos de un occidental. cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. Argumento París. guiado ahora por el fantasma de su esposa. Jacques Weber (Conde De Guiche). una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. el espadachín y poeta. Roland Bertin (Ragueneau). una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. MONTAJE: Noelle Boisson.

contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess.. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. J. un agente de prensa sin principios. Hunsecker). Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. en su versión inglesa. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. cuyo estilo. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . sino también a la destreza con que su director y coguionista. y Steve Dallas. humorista. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. J. En colaboración con Jean- Claude Carriére. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. MÚSICA: Elmer Bernstein. Barbara Nichols (Rita). B/N. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. J. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. la única opción posible para interpretar a Cyrano.que engloba la personalidad de Cyrano. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. soldado y personaje trágico. tras lo cual se retira a un convento.UU. Posteriormente. Depardieu era.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. por otro lado. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. Tony Curtís (Sidney Falco). un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. Marty Milner (Steve Dallas ). Jean-Paul Rappeneau. Años más tarde. MONTAJE: Alan Crosland júnior. Susan Harrison (Susan Hunsecker). Hunsecker. que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». Argumento Sidney Falco. El éxito de esta película. Sam Levene (Frank D'Angelo). Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. la adorada hermana de Hunsecker. sin duda. DURACIÓN: 96 minutos. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). un músico de poca monta. no deja de ser bastante convencional. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas.

MONTAJE: Sam O'Steen. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. Por su parte. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. que cuando fue realizada.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. Con posterioridad. en represalia. Argumento Los Ángeles. John Hillerman (Yelburton).. lo cierto es que. J. se le promete que podrá escribir la columna de J. Susie. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. contrata al detective J. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. haga arrestar ahora por un cargo de drogas. Gittes para que . Será a Falco a quién J. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. MÚSICA: Jerry Goldsmith. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). la sorprenda en una situación comprometida con Falco.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. DURACIÓN: 131 minutos. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. 1955) y Trapecio (Trapeze. GUIÓN: Robert Towne. Como recompensa. y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. 1967). haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. 1956). Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. son más actuales hoy en día. J. J. Gittes). Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. mientras que las cuestiones que plantea. Ida Sessions. FOTOGRAFÍA: John A. John Huston (Noah Cross). Alonzo. Stewart Campbel. J. Chinatown EE. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). se las arregla para que J. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. 1959). 1951). INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. seguramente. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. Sin embargo. J. Perry López (Escobar). 1937. cuando éste se encuentre de vacaciones. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. gracias a esta película.

su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija.y el de la compleja Evelyn Mulwray. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. . creando los personajes del cínico. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. Robert Towne. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. son atrapados en Chinatown. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. la hija y la hermana de Evelyn. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. Katherine. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. a un tiempo. al haber sido ésta violada por Cross. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. aparecen en un periodicucho sensacionalista. aunque caballeroso detective. J. mientras que Katherine resulta ser. especialmente. el vicepresidente de la Paramount. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. por entonces la mujer de Evans. concebido en un principio para Ali McGraw. donde Evelyn muere.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. de Faye Dunaway. J. tuvo que conformarse con un solitario premio. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. concedido al siga a su marido. La película. El guionista y antiguo policía.

Lee Prewitt). partiendo de un reparto plagado de estrellas. a pesar de los años. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa. PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler).. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. Embarcadas en el mismo barco. le hacen el vacío. y no Fred Zinnemann. A consecuencia de ello. La muerte de Maggio. Montgomery Clift (Cabo Robert E. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. DURACIÓN: 118 minutos. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. Tras muchas demoras y problemas. como Aldo Ray o John Derek. ambientada en 1959. De aquí a la eternidad es una obra que. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. basado en una novela de James Jones). en cuya tercera parte. Donna Reed (Lorene). Argumento Año 1941. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate. Honolulú. el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa.UU. cuartel de Schofield. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». con Karen Holmes. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. la desengañada esposa del comandante. Two Jakes (1990). se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. Prewitt se enamora de Lorene. hasta entonces prohibidas-. envueltos por las olas. Deborah Kerr (Karen Holmes). MÜSICA: George Duning. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. Prewitt. el Sargento de la prisión militar. pide su readmisión en el ejército. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). una prostituta. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. un recién llegado al cuartel. el jefe de la Columbia. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. todos sus compañeros.134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. MONTAJE: William Lyon. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. Por su parte. Frank Sinatra (Angelo Maggio). Warden. B/N. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn.

aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló. cae al vacío y muere. En 1979. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. «Scottie» se enamora de ella. a la que siguió una serie. MÚSICA: Bernard Herrmann. le contrata para que siga a su mujer. El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. . a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. Raymond Bailey (El doctor). Cuando «Scottie» lo averigua. Tom Helmore (Gavin Elster).500. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. pero. por detrás de La túnica sagrada. DURACIÓN: 128 minutos. conoce a Judy Barton. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas.000 dólares. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. Con respecto al principal papel femenino. MONTAJE: George Tomasini. un antiguo amigo. y. Argumento Al descubrir que padece acrofobia. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). Barbara Bel Geddes (Midge). En cuanto al personaje de Maggio. Gavin Elster.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío.000 dólares como remuneración. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). hicieron que finalmente se le concediera el papel. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. De entre los muertos VÉRTIGO EE. Judy.. pero mientras visitan juntos una vieja misión. había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). Madeleine. Henry Jones (Juez de instrucción). tirándola desde lo alto del campanario. Nominada para trece Osear.UU. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). Bert Allenberg: «Habráse visto. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. con la impresionante cifra de 12. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). en realidad. a la que él mismo había matado. Ella se reconoce culpable y le declara su amor. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. unidos a su aceptación de unos miserables 8. asustada por la súbita aparición de una monja.

con el título de Fascinación (Obsession. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). y se pone a seguirla. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. una estudiante de antropología. Vera-Ellen (Ivy Smith).UU. Los marineros Gabey. por lo tanto. una taxista. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). está incurriendo en necrofilia». Sin embargo. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). Ann Miller (Claire Huddesen).1973). ocurre. sin embargo.m.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. aunque no se reconociera así. Jack Marín Smith.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. 6 a. Un éxito fruto del trabajo en equipo. La película. una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. también. En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. en referencia al papel que interpreta Stewart. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. GUIÓN: EE. Cada uno sigue su camino por separado. MONTAJE: Ralph E. etc. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. . que se une a la búsqueda.. Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. Edwin B. «Miss Torniquetes». Chip conoce a Brunhilde. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. El director. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características. Moore. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. Gabey localiza a su chica. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. Frank Sinatra (Chip). Winters. su peinado. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. Willis y Jack D. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. Jules Munshin (Ozzie). mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). Argumento Brooklyn. Gabey entrevé a la chica de un póster. y que. DURACIÓN: 98 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons.

Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. menos aún. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. John Carradine (Hatfield). Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. Andy Devine (Buck). que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. sale huyendo. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. DURACIÓN: 97 minutos. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. Finalmente. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). que. en vez de detener el desarrollo de la trama. 1939 DIRECTOR: John Ford. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. Por otro lado. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. La película.UU.. Mientras se despiden en el muelle. rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. MÚSICA: Richard Hagerman. abrió nuevos caminos en diversas áreas. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. B/N. Claire Trevor (Dallas). Franke Harling. de Ernest Haycox). La pandilla la sigue en un taxi robado. una bailarina de ballet. Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. un fugitivo de la justicia que busca a los . donde filmaron el número del principio y el final de la película. Josiah Boone). John Leipold. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y. La diligencia STAGECOACH EE. Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. Con todo. MONTAJE: Otho Lovering. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. W. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios. su música y sus bailes. GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. Thomas Mitchell (Dr. sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. Donald Meek (Samuel Peacock). FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. mientras la policía les va pisando los talones.

un doctor aficionado a la bebida. un productor independiente. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. No obstante. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar. a la que ha conquistado con su caballerosidad.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. David O. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. una de las pasajeras. como el racismo y los valores morales de la sociedad. que se encuentra en trance de dar a luz. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. un jugador de nombre Hatfield. De hecho. y por Dallas. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. prosiguen su viaje. y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. la Señora Mallory. gracias al respaldo de Walter Wanger. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. Finalmente. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). acusado de desfalco. . una elección que le produjo numerosos contratiempos. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. Una vez en Lordsburg. durante el cual. como puede apreciarse. es atendida por Boone.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich.Ringo Kid dará muestras de su valor. uno de los estrenos del año 1939 que. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. en la vibrante secuencia de la persecución. el banquero Gatewood es arrestado. y toca una serie de aspectos. una prostituta. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. ante todo. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. junto a Tierra de audaces (Jesse James). que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-.

Sin embargo. como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. 1944) y El pirata (The Pírate. Aunque esta moda fue pasajera. todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). hasta Alice Faye y Bing Crosby. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. Bette Midler con La rosa (The Rose. ya a finales de la década. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. de nuevo Gene Kelly. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). muchos y muy variados talentos. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. Deanna Durbin y. unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). no es de extrañar que. o que. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. 1952) y Melodías de Broadway (1953). la Liza Minelli de esta última película y de New York. el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. 1991). Inexplicablemente. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). pasando por niños prodigios como Shirley Temple. Los años treinta produjeron. Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. con sus populares operetas. a cual más descerebrada. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. mientras que fueron. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. por su condición de primera película hablada. 1968) y Cabaret (1972). . 1929). esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. hoy y por siempre (For the Boys. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York. no obstante. precisamente. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). 1977) y Grease( 1978). Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. 1947). caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). Ira Gershwin y Colé Porter. Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. Excepción hecha de unas cuantas películas. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. 1974).144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. 1979) y Ayer. 1936). en los primeros momentos del cine sonoro. el canto y la danza.

Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. desde hace mucho tiempo. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- . MONTAJE: Cari Lerner. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. Cobb (Jurado n. Adaptado por Reginald Rose. como se aprecia en el hecho. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. accesible a cualquiera. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. partiendo de su propia obra televisiva de 1954.adquiriera dinamismo y fluidez. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet. y Sidney Lumet. Dado que abriga algunas dudas. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J.UU. Poco a poco irá minando su seguridad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. como director. Marshall (Jurado n. Ed Begley (Jurado n° 10). El hecho de que. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. G. Henry Fonda.° 3).° 8).146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. nada frecuente. efectivamente. sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. MÚSICA: Kenyon Hopkins.° 4). lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. Con Doce hombres sin piedad. E. se debe a que sus actores dieron. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. Lee J. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose).° 1). Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». DURACIÓN: 96 minutos. pasados más de cuarenta años.. la película siga transmitiendo esa sensación. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado.° 7). por lo tanto. Jack Warden (Jurado n. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. El veredicto unánime será de no culpable. Martin Balsam (Jurado n. un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. en su doble vertiente de actor y productor. B/N. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial.

de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. Yvonne Fumeaux (Emma). Anita Ekberg (Sylvia Rank). el gacetillero que interpreta Mastroianni. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. GUIÓN: Federico Fellini.han pasado a formar parte del lenguaje común. entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. La película.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. mientras va de fiesta en fiesta. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. B/N. 1960 Federico Fellini. una especie de relato de las andanzas de un vividor. del sexo. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. supuestamente explícito. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. Anouk Aimée (Maddalena). Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. Marcello Rubini. matando a la vez a sus hijos. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. sin embargo. Comentario La dolce vita Italia/Francia. incomprensible desde una perspectiva actual. la sensa- El escándalo. entre ellas la de mejor película. Durante una noche loca. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. Tullio Pinelli y Brunello Rondi. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Argumento Roma. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. Ennio Flaiano. conviene no olvidar. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. Marshall. INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). Alain Curry (Steiner). DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos. MONTAJE: Leo Cattozo. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. G. MÚSICA: Niño Rota.

como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. una circunstancia que. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. ese magistral espectáculo que es Fellini. pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. que. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. que emite señales hacia Júpiter. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. Gary Lockwood (Frank Poole). Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). Douglas Rain (Voz de HAL 9000). Johann Strauss. ni más ni menos. Leonard Rossiter (Smyslov). Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. no deja de ser irónico que. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. tres compañeros. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. sin embargo. que. un ordenador infalible. el observador de la luna). una película cuya temática aborda. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. GUIÓN: Comentario Reino Unido. y HAL. William Sylvester (Dr. 2001. una odisea del espacio. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». simulará un fallo mecánico. Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». mantenidos en un estado de hibernación. provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). MONTAJE: Ray Lovejoy. y se envía una nave para investigarlo. idéntico al anterior. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. Daniel Richter (Moonwatcher. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. Ya en el presente. se descubre enterrado en la luna un monolito. Al acercarse a un monolito negro. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. ocho y medio (1963). a medida que van ven- . DURACIÓN: 141 minutos. Bowman continuará el viaje en solitario. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). ciendo el miedo que les produce. MÚSICA: Richard Strauss. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. según definición de su propio director. Heywood Floyd). unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande.

mucho más que en los propios personajes. y comienza a estrechar su cerco sobre él.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. Christopher Lee (Conde Drácula). resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. aunque inevitablemente decepcionante. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. improvisado con unos candelabros. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. se estrenaría su continuación. Melissa Stribling (Mina Holmwood). sin embargo. la esposa del hermano de Lucy. John van Eyssen (Jonathan Harker). que fue dirigida por Peter Hyams. 2010. . un experto vampirólogo. Entretanto. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. según se dijo. la bella prometida de Harker. Michael Gough (Arthur Holmwood). Nominada para cuatro premios de la Academia. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. 1958 Terence Fisher. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos.o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). En 1984. Drácula Reino Unido. MÚSICA: James Bernard. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. encuentra una referencia al Conde. Sin embargo. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película. había alcanzado los 11 millones. Van Helsing. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. una película inteligente y bastante accesible. En este sentido. que vieron en ella «un viaje alucinante». Justo antes de sucumbir a su voluntad. Carol Marsh (Lucy Holmwood). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. caerá víctima del Conde. en última instancia. DURACIÓN: 82 minutos. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. Odisea Dos (2010). PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). partiendo de un presupuesto que. que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). más adelante. Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. de forma magistral. abre de golpe las cortinas. eso sí. Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón.

en particular. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. Caridad de Laberdesque. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. MÚSICA: MO- zart. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. la forma tan espectacular en que fallece el Conde. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. algo que. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. muy característico. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. Pierre Prevert. el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. Mendelssohn. el intrépido Van Helsing. tan sólo se había mostrado de forma velada. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). le chupará un dedo del pie a una estatua. Beethoven. unos obispos se hacen con el control de una isla. Lya Lys (La mujer). hasta el momento. Wagner. de Bela Lugosi. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. en la que no se permite que nada altere la compostura social. Su gran éxito. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. Debussy. 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. En un castillo medieval. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. En su autobiografía. B/N. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. entre tanto. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. . además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing.000 libras esterlinas. DURACIÓN: 60 minutos. 1973). Max Ernst. José Antigás. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. Sin embargo. 1956). la chica. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí. A continuación. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. con toda lógica.serie de secuelas que la siguieron. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. Tall. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. Dark and Gruesome.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula.

DURACIÓN: 115 minutos. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones). Argumento Año 1936. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo. por su escena inicial. Ronald Lacey (Toht). la película se retiró de las pantallas parisinas y. Karen Alien (Marión Ravenswood). que aparecen en la película. En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE.UU.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. métodos y yuxtaposiciones. no volvió a estrenarse en Francia. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28. al cabo de un rato. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. volverá a aparecer. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). hasta 1979. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. y que. sobre todo. su enemigo mortal y aliado de .156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. el no menos excéntrico Salvador Dalí. donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. El arqueólogo Indiana Jones. MÚSICA: John Williams. Un perro andaluz (Un chien andalou. típicamente surrealistas. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). hasta destruir prácticamente el local. un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. entre los que se encuentra el Duc de Blangis. 1928) -conocido. en la casa de Dalí en España. Marión. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). John Rhys-Davies (Sallan). Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. Los temas. Acto seguido se oye un grito aterrador. MONTAJE: Michael Kahn. sembrando así la semilla de su propia destrucción.Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). un personaje que evoca a la figura de Cristo. parte en dirección a El Cairo. Paul Freeman (Belloq). recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. El resultado. donde ésta será secuestrada por Belloq. serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. posteriormente. acompañado ahora de una jovencita. Una semana más tarde. Denholm Elliott (Brody).

por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. aunque respaldado. durante unas vacaciones en Hawai. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. . en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. En cualquier caso. Harrison Ford. 1984). todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. Tras escapar. en este caso. 1989). Con el personaje de Indiana Jones. ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. le pisó el papel y lo hizo suyo. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. y el director se entusiasmó con la idea. sin embargo. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. el Han Solo de Lucas. Rock. Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. y el Arca vuelve a quedar sellada. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. Blackhawk y Sgt. aparecen los nazis. Libres al fin. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. al no hallarse éste disponible. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. Pronto. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. 1985). y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano.

conferiría a John Wayne el rango de estrella. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». . Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. 1968). los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. 1946). parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. 1976). el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. así. Hart. y La diligencia que. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. que dirigió el propio Clint Eastwood. el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. No obstante. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. 1988). a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. en Solo ante el peligro (1952). Sergio Leone. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. Soldado azul (Soldier Blue. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). no obstante. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. a lo largo de toda la época del cine mudo. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. un cineasta italiano. rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. 1962) de John Ford. Género inmensamente maleable. y si bien es cierto que. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. Sin embargo. 1949). 1924). protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. Sería. en 1939. los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. como Tom Mix y William S. Clint Eastwood. 1950). sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. 1930). Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. aunque con cierto retraso. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). una vez más. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. 1973).

desarrollará de forma aún más elaborada en E. MONTAJE: Michael Kahn. Guiler. En un primer momento. A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. Melinda Dillon (Jillian Guiler). Richard Dreyfuss. Desde su más tierna infancia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. Dave Stewart. Entre tanto. había escrito un relato breve titulado «Experiences». Cary Guffey (Barry Guiler). se encaminan a la Torre del Diablo. Titulada en un principio. la elección definitiva recaería en un actor más joven. 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. Neary. Laszlo Kovacs.. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. Roy Neary. MÚSICA: John Williams. ya en 1970. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. Don Jarel. Watch the Skies. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. pero. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary). GUIÓN: Steven Spielberg. Dennis Muren y Richard Yuricich. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. Teri Garr (Ronnie Neary). Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. Por fin. les permitirá comunicarse con los alienígenas. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. Allí aparece una gigantesca nave que. decidió encargarse él mismo de escribirla. finalmente. Por su parte. posteriormente. un técnico de mantenimiento. tras el éxito cosechado por Tiburón. Fraker. DURACIÓN: 135 minutos. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. (1982). resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. y Barry es abducido. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. y muchos otros. William A.T. Alonzo. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Francois Truffaut (Claude Lacombe). combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull).162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. que también han tenido encuentros similares.UU. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. entre ellos el propio Barry. cuando llegue el momento. Douglas Slocombe. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). Robert Hall. un planteamiento que. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. tras responder a los mensajes de paz. teniendo en cuenta que la película recaudó . que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. en Wyoming. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A.

como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). finalmente. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). que se ha visto involucrada sin querer en un robo. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. Garance se ha convertido en la amante del Conde. Marcel Herrand (Lacenaire). perseguida por Baptiste. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. del que se enamora. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. un rufián de los bajos fondos. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). María Casares (Natalie). En 1980. Años más tarde. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. un amigo de Baptiste. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. en otras palabras. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. ha apuñalado de muerte al Conde. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. a pesar de que la película fue .164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. Garance. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. B/N. Spielberg sacó una nueva versión de la película. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. Un día la lleva al Grand Reíais. 1939). INTÉRPRETES: Arletty (Garance). ignorando que Lacenaire. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. Comentario Les enfants duparadis Francia. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. Pierre Renoir (Jericho). que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. al que retará a un duelo. Les visiteurs du soir (1942). donde conoce a Lemaitre. GUIÓN: Jacques Prévert. Los dos amantes pasan su última noche juntos. que lleva puesto su traje de Pierrot. Les enfants du paradis. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. 1938) y Amanece (Lejourse leve. El muelle de las brumas (Quai des brumes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía.

narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. Comentario A la altura del año 1940. finalmente cumplida. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. MÚSICA: William Walton. sería el Enrique Vde este último la obra que. al frente de unas tropas exhaustas. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier. No obstante.000 hombres. Con un ejército de 30. con unas pinceladas extremadamente precisas. 1936). Finalmente. se convertiría en un auténtico hito. inmediatamente. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. las más sutiles emociones. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. en Azincourt. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). Arletty. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. las dos familias reales se unen. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. pero. obtiene una resonante victoria. DURA- CIÓN: 137 minutos. 1935). GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. de que ésta se estrenaría después de la liberación. una mujer tan terca como independiente. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. . escenarios al aire libre y combates. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. Esmond Knight (Fluellen). dramatismo. a la vez que traza. En realidad. MONTAJE: Reginald Beck. y el drama regresa al Teatro del Globo. entre ellas. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. El 30 de octubre. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. donde obtiene numerosas victorias. basado en la obra de William Shakespeare. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). y Como gustéis (As You Like It. El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. sin sufrir un número de bajas importante. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. en el papel de Garance. Renee Asherson (La princesa Catherine). gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. interpretada por el propio Laurence Olivier. donde se narra la historia de Enrique V. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). La interpretación de la actriz principal. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. Robert Newton (El viejo Pistol).000 hombres asedia el norte de Francia. La magistral obra de Carné. Se firma un tratado de paz en Rouen. Leslie Banks (Coro). cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido.

el poeta gitano Gringoire. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. FOTOGRAFÍA: Joseph August. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. B/N. PRODUCCIÓN: R. muere. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. Vivien Leigh.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. Thomas Mitchell (Clopin). Alan Marshall (Proebus). K. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. Cuasimodo. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). (Pandro S.UU. mientras que Robert Donat. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. La película. O. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. Con todo. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. Edmond O'Brien (Gringoire). que también tenía un compromiso con la M-G-M. la famosa arenga del Día de San Crispín. sin embargo. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). la adapta- . Esmeralda. En cuanto a los actores. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. el capitán de la guardia. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. que le ofrecerá refugio en la catedral. Proebus. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». Selznick. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. Condenada a morir en la horca. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. aún ligada por contrato a David O. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. MÚSICA: Alfred Newman. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. DURACIÓN: 115 minutos. Maureen O'Hara (Esmeralda). Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier.. finalmente. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. Berman). con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. la rescatará. pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano.

Sorprendentemente. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora. fichando. regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty.. había salido a la caza de talentos. esto. para acudir al rescate de Esmeralda. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial..000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame.. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. Elliott irá cayendo enfermo.K.C. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. Sometido a cuidados médicos. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton.O.000 dólares. Bissell. al recibir un mensaje de «su casa». un muchacho de diez años. donde es descubierto por Elliott. este último.T. E.. Peter Coyote («Keys»).UU. del que 250. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. Henry Thomas (Elliott). terminará . que. E. 1935). ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor.T.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE. a Orson Welles. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. Elliott se recuperará. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. la R. MONTAJE: Carol Littleton. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. Martel (Greg). MÚSICA: John Williams. Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados.T. GUIÓN: Melissa Mathison.826. con tintes de la Bella y la Bestia.K. como si se tratara del mismísimo Tarzán. Drew Barrymore (Gertie). ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms). Rodada con un presupuesto de 1. por ejemplo.T. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa».O.. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. en 1939. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. de esa manera. además de hacer toda una exhibición de agilidad física. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. que fallece. Robert MacNaughton (Michael). La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. K. Finalmente. DURACIÓN: 115 minutos. pero no ocurrirá lo mismo con E. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. No obstante.

como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. T.. de Mary Orr). una actriz famosa y. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. Gary Merrill (Bill Simpson). INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. Zanuck). asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares.T. en los últimos tiempos. pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. Hugh Marlow (Lloyd Richards). permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. George Sanders (Addison de Witt). La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. Mankiewicz. B/N. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. De este modo. Argumento La manipuladora Eva Harrington. una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. sin duda. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. las nueve nominaciones obtenidas por E. La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. tras en- . y que fue definida por la revista especializada Variety. Marilyn Monroe (Miss Casswell). DURACIÓN: 138 minutos. Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE. Davis. se gana la confianza de Margo Channing.UU. Anne Baxter (Eva Harrington). sólo se materializaron en tres premios menores. gracias a la reconfortante teología de Spielberg. 1950 DIRECTOR: Joseph L. GUIÓN: Joseph L. MÚSICA: Alfred Newman. donde es recogido por su nave espacial. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. MONTAJE: Barbara McLean. Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Celeste Holm (Karen Richards). Comentario La película E.

Repuesta en numerosas ocasiones. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. por el contrario. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. . hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva.asociación con la Warner. Consagrada como estrella. Karen. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. Margo Channing. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. Eva al desnudo es.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. La película. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. para el papel de Eva. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. y la de George Sanders. de hecho. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. Mankiewicz. Applause. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. pero Margo. antes de que Joseph L. para el de Margo. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. Finalmente. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. The Wisdom ofEve. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. aún hoy. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. fue nominada para 14 premios de la Academia. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse.

sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear. y. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. entre ellos el terror y la ciencia-ficción.. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). Cobb (Teniente Kinderman). El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). fue un fenómeno de similares características. Jack MacGowran (Burke). los vómitos de puré de guisantes. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. acompañadas de sus respectivas secuelas. MONTAJE: Norman Gay.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. Una noche.supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». una niña de doce años. 1973) de Larry Cohén. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). un joven sacerdote. Evan Lottman y Bud Smith. el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. Argumento Regan.UU. que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. Jordán Leondopoulos. sin embargo. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). MÚSICA: Jack Nitzche. que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia. mientras que otras películas. las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. cuya fe pasa por un momento de debilidad. que sufre un ataque al corazón. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. Jason Miller (Padre Karras). para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. De ese modo. Linda Blair (Regan). Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. El exorcista. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. un experto en exorcismos. MacNeill). se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . DURACIÓN: 121 minutos. No deja de ser cierto. Lee J. los espectadores que buscaban emociones fuertes. de hecho. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. caso de La profecía {The Ornen. que hasta entonces habían sido considerados marginales. su madre contacta con el Padre Karras. Max von Sydow (Padre Merrin).

Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. considerado. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). esta última dirigida por William Peter Blatty. Más adelante. Emilie. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. En una pequeña localidad sueca. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. Aunque. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. tras drogar al obispo para poder escapar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl).178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. No obstante. GUIÓN: Ingmar Bergman. Es como si Bergman. da luz a una niña. Emilie. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). tras haber recuperado a su familia. entre ellas las de mejor película y mejor director. termina por unirse a ellos. autor de la novela en que se había basado la primera entrega. MÜSICA: Daniel Bell. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). se casa entonces con el obispo Vergerus. en tiempos.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. No obstante. como era de esperar. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. Alian Edwall (Osear Ekdahl). a la vez que su guionista y productor. Argumento Navidades de 1907. los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. su padre. 1977). que Alexander padecerá con especial rigor. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. muere de resultas de un ataque al corazón. . 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. 1990). Bertil Guve (Alexander Ekdahl). Poco tiempo después. Osear. Por otro lado. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. que les esconde en su tienda de antigüedades. Su madre. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. La madre. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos).

Hamilton Luske.UU. Bill Roberts. Hugh Hennessy. John Fraser McLeish. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Norman Ferguson. GUIÓN: Lee Blair. Lance Nolley. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. William Martin. Graham Heid. . La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. DURACIÓN: 124 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. Norman Wright. T. Leo Thiele. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Sylvia Moberly-Holland. Perkins. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. MacLaren Stewart. Robert Sterner. Gordon legg. Bianca Majolie. Erdman Penner. Phil Dike. Jim Handley. Gritos y susurros (Viskingar och rop. Bill Peet. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Ford Beebe. Bruce Bushman. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. Curtiss D. Herbert Ryman. un colaborador habitual de Bergman.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Thor Putnam. Otto Englander. J. Perce Pearce. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia.. Yale Gracey. George Sallings. Campbell Grant. Elmer Plummer. Fantasía EE. a continuación. Charles Philipi. Joseph Sabo. Kenneth Anderson. John Hubley. Finalmente. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. 1940 James Algar. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Paul Satterfield. Arthur Heinemann. Aparece luego Mickey Mouse. Cari Fallberg. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Charles Payzant. Kay Nielsen. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. de por sí. Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Dick Kesley. Terrell Stapp. Harold Doughty. Arthur Byram. Webb Smith. Wilfred Jackson. 1972). Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. Albert Heath. Al Zinnen. al mejor vestuario. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. Ernest Nordli. cuya existencia se justifica por sí misma. Tom Codrick. la que dibuja un cuadro y la «música pura». Kendall O'Connor. Hee. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Zack Schwartz.

en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. Mickey Mouse. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. MONTAJE: Leo Catozzo. entre . el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. el productor). la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). llega la serenidad del Ave Marta. 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. GUIÓN: Fellini. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. B/N. un director de éxito. ese mismo año. y de resultas de ello nació Fantasía. Argumento Guido. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). por ejemplo. Barbara Steele (Gloria Morin). Ennio Flaiano. DURACIÓN: 138 minutos. algunas partes están bastante más logradas que otras.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. Rossella Falk (Rossella). El aprendiz de brujo. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. MÚSICA: Niño Rota. así. Guido Alberti (Pace. Con todo. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). no consigue comenzar a rodar. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. Blancanievesy los siete enanitos (1937). capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. a pesar de lo cual. Sandra Milo (Carla). Tullio Pinelliy Brunello Rondi. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. No obstante. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. Comentario A lo largo de la década de los treinta. En general. las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. Claudia Cardinale (Claudia). constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. Fantasound. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi).

por lo general. entre los propios actores del film. su reconstrucción de un brontosaurio . La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. Walter Catlett (Agente Slocum). invita a establecer una conexión entre ambos. no sólo de realizar una obra de arte. Barry Fitzgerald (Gogarty). La película. mientras su protagonista contempla diversas opciones. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. primero. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. Cary Grant (David Huxley). Argumento El día antes de su boda. puede pa- recer obvio.. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. no conviene fiarse nunca de lo que. sino de reconciliarse con la vida. con algo de desfile de monstruos o de circo. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate).O. suele aferrarse a las narraciones lineales. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. (Howard Hawks). verdadero. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. DURA- CIÓN: 102 minutos. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). basado en un relato de Wilde. Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. se refugia. Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. en su caso. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee). La película concluye sin que la situación se resuelva. En cualquier caso. más adelante. nunca consigue que su película avance. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. sin duda. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. el suicidio. tratándose de Fellini. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. A algunos espectadores. entre ellas. rara vez conseguido por un medio como el cine que. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. MONTAJE: George Hively. MÚSICA: Roy Webb. Si bien es cierto que. B/N. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. No obstante. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. esa mirada cáustica. aunque. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho. PRODUCCIÓN: R. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. May Robson (Tía Elizabeth). pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. a primera vista.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia.UU. el director de cine Guido. El director italiano.K. entre una compañía de payasos y. El hecho de que el personaje principal.

La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. Despojado de sus ropas y de su dignidad. la rica heredera Susan Vanee.O. bufonadas. También Hawks se vio afectado por su fracaso. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. mientras tonteaban entre sí. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. 1972) de Peter Bogdanovich. trastoque por completo su vida. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa.K. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra.) y un contagioso espíritu anárquico. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada.000 dólares. la sigue hasta una granja de Connecticut. donde se le rinde homenaje. este último desempeñando un papel que. doctor? (What's up Doc. etc. la forma en que Susan descubre el hueso perdido. un enloquecido cazador. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. propiciando así su vuelta al teatro. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. según parece. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras. En cualquier caso. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. finalmente. En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. tuvo unas pérdidas valoradas en 365. poco más o menos en 1934. El género se inició. Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. 1940). sin gran dificultad. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. Ronald Colman y Robert Montgomery. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña.. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. . con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). No obstante. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. Sin embargo. la película no fue un éxito de taquilla. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland.

el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. creando personajes como Cody Jarret. La ambientación en un paisaje de calles sórdidas.film noir. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. Retorno alpasado (Out ofthePast. con películas como Chinatown (1974). la aparición de la figura de la «mujer fatal». 1984). de Jules Dassin. Nosferatu.188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. Hoy en día. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. Ulmer. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. El gabinete del doctor Caligari. 1947). la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. 1919. Metrópolis. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). el término «cine negro». el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. sobre todo. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. 1939). de Nicholas Ray. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. de Edward J. Detour (1945). pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). Una combinación de factores. el detective creado por Mike SpiUane. o Noche en la ciudad (Night and the City. de Howard Hawks. Forajidos (The Killers. el vampiro. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. 1922. \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. cuya denominación viene del irancés. de Raoul Walsh. de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). 1944). si bien. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. de Jacques Tourneur.]. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. 1950). 1931). dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. . que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. o El vampiro de Dusseldorf. fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. de El beso mortal (Kiss Me Deadly. Con el tiempo. Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. 1926. de Fritz Lang. de Robert Siodmark. se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. 1946). Los timadores (The Grifters. 1955). de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. El sueño eterno (1946). 1990) y After Dark My Sweet (1990).

A lo largo de la película. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. terminará por despertar las sospechas de la policía.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. Finalmente. Seguramente. que comienza a seguirle. aún hoy. Al descubrir a Helen en su propia casa. le hacía su padre cuando él era niño. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. a pesar de ser ciega. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. viendo las películas de sus asesinatos. Argumento Mark Lewis. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio. seguramente. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. un empleado de un estudio cinematográfico. complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. Por otro lado. la más controvertida. MONTAJE: Noreen Ackland. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). el espectador se ve forzado. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. GUIÓN: Reino Unido. Su original utilización del color y de la iluminación. 1959 Leo Marks. la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. hacen de ella la más radical de sus obras y. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. la vecina del piso de abajo. MÚSICA: Brian Easdale. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. un interés que. así como los cambios constantes en la textura visual de la película. es interrumpido por la madre de Helen que. se da cuenta de que allí hay algo extraño. Aunque. Anna Massey (Helen Stephens). sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. aunque no de forma tan directa. DURACIÓN: 109 minutos. PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). a pesar de los años . y la deja ver las inquietantes películas que. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). Shirley Ann Field (Diane Ashley). Entabla amistad con Helen Stephens. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis).

Naima Wifstrand (Madre de Isak). una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. Gunnar Bjórnstrand (Evald). Folke Sundquist (Anders). recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. cuando éste mira en el interior de la caja. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. Más adelante. MONTAJE: Osear Rosander. algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. DURACIÓN: 90 minutos. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. un hombre frío y distante. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). Ingmar Bergman. pero. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. GUIÓN: Comentario Suecia. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. desde luego. terminará por comprender su valor. el más grande director sueco anterior a Bergman. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. Julián Kindahl (Agda). el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. Bibi Andersson (Sara). Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia. una anciana de noventa y cinco años. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Recogen a Sara. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. pero finalmente recibe su título honorario. en otro. como siempre están discutiendo. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer.192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. . INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). MÚSICA: Erik Nordgren. 1957 En Suecia. Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. en buena parte. Prosiguen su viaje. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. Ingrid Thulin (Manarme). PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund). la nuera decide expulsarlos del coche. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). finalmente. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. pero que. Marianne. mientras que. y se detienen para visitar a la madre del profesor. su contemplación sigue produciendo inquietud. B/N.

Pabst. Jane. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. Friedrich Feher(Francis).194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. Como es natural. reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. falsas perspectivas y sombras pintadas. Walter Rohrig y Walter Reimann. no obstante. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. afirmativo de la vida humana. su inquietante argumento y sus decorados. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. de G. Una vez acabada la narración. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. Olsen). ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. eran la principal atracción. 1929). que. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz). se trata de un retrato compasivo y. Lili Dagover (Jane). cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. esa dimensión «artística». Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. era algo que saltaba a la vista. Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. morirá mientras es sometido a una persecución. Hans Heinz von Twardowski (Alan). así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. se encara con el doctor y . FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. hace que Francis sospeche de Caligari. es raptada por Cesare. Rudolf Lettinger (Dr. Conradt Veidt (Cesare). le lanza sus acusaciones. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. en última instancia. la novia de Francis. W. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. Cesare. Posteriormente. Argumento Cómodamente sentado. donde Caligari y su asistente sonámbulo. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. posiblemente. B/N. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Caligari). unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. realizados a base de ángulos deformados. DURACIÓN: 78 minutos. Murnau y. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. Sin duda. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. W.

permitiéndole retomar un momento histórico crucial. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio). Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. década de 1860. Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). Aunque pertenece . Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. Don Calogero. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. la hija del alcalde. bajo la dirección de Roger Kay. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. del que ya se había ocupado en Senso (1954). Alain Delon (Tancredi). Argumento Sicilia. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. Romolo Valii (Padre Pirrone). Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. Riña Morelli (Maria Stella). la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. DURACIÓN: 205 minutos. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. obra igualmente de un noble. MONTAJE: Mario Serandrei. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy.UU. A pesar de ello. MÚSICA: Niño Rota. el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. al viejo orden estamental. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). Al no estar ninguno de ellos disponible. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados. Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti.. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. como es el Risorgimento.

durante el trayecto. una graduada universitaria como él. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). No obstante. al mismo tiempo. Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. Aunque se inicia entre ellos una relación íntima.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. La elección no pudo ser más acertada. ya será tarde. 1966). en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. optó por Burt Lancaster. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. Robinson trata de poner fin a esa relación. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. regresa a su hogar en Los Ángeles. cuando me- . De resultas de todo ello surgiría El graduado. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman). un estudiante de familia rica. Braddock). 1974). Elizabeth Wilson (Mrs. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. Mrs. le pide que la lleve a casa en coche y.198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. Robinson). Murray Hamilton (Mr. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. William Daniels (Mr. contándole a Elaine que Benjamín la violó. el director. Robinson). aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. oiga la versión de Benjamín. nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. una amiga de la familia. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). trata de seducirlo. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. Katharine Ross (Elaine Robinson). No obstante. finalmente. Cuando. más adelante. Mrs.UU. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta. Elaine. son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. Robinson. Argumento Benjamín Braddock. en contra de lo que había opinado en un principio. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. pues se encuentra prometida con Cari Smith. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. DURACIÓN: 105 minutos. MONTAJE: Sam O'Steen. Braddock).

Joseph Kosma. finalmente. Finalmente. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. Argumento La Primera Guerra Mundial. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. Robinson. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. en un determinado momento. Al margen de sus alardes estilísticos. una recaudación de 50 millones de dólares. la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. tan sólo en los Estados Unidos. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). con toda razón. por ejemplo. No obstante. un actor de treinta años. se vio forzado a reemplazarlo. y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. MONTAJE: Marguerite Renoir. Carette (Un actor). no muy satisfecho con el resultado. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. Mike Nichols. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. . 1937 Jean Renoir. son traslados a Wintersborn. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia. DURACIÓN: 117 minutos. Así. PROCinedis. Dita Parlo (Campesina). alegando. sin embargo. Marcel Dalio (Rosenthal). que se ha visto forzado a abandonar el frente. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. lo rechazó. En el campo de prisioneros de Hallbach. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). B/N. Tras haber sido abatidos durante una misión. uno de los ases de la aviación alemana. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. aunque. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. que. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. interesantes. Robinson y. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. Nominada en siete categorías para los Osear. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. permitiéndole obtener. Durante su viaje de 200 millas. cuando casi han terminado su túnel de huida.

1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. MONTAJE: Louis Lombardo. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. le hace encerrar. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. Warren Oates (Lyle Gorch). cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). Edmond O'Brien (Sykes). el «General» Mapache. Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. Ernest Borgine (Dutch). posee tal variedad y riqueza. le dispare. como un acto de patriotismo. Argumento Starbuck. un director cuya obra. Tejas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. donde un bandido. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. tanto en el bando francés como en el alemán. trasciende las barreras de clase. Al descubrir Mapache que Ángel. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. Pike mata de un disparo . cuando el oficial de la clase alta francesa. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial.. permite que el personaje de Von Stroheim. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). Así. rango. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. credo. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. 1914. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE.UU. e incluso nacionalidad. Irónicamente. DURACIÓN: 143 minutos.202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. un antiguo miembro de la banda. La película. fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. que interpreta Pierre Fresnay. MÚSICA: Jerry Fielding. Jaime Sánchez (Ángel). la banda se dirige a México. su homólogo en graduación y en rango social. uno de los miembros de la banda. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. Ryan (Deke Thornton). elaborada a lo largo de cerca de 45 años. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. No obstante. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. Mapache degüella a Ángel. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez.

La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. La película. Marcia Lucas y Richard Chew.204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General».sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas. cuando llegue Thornton. 1977 George Lucas. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). MÚSICA: John Williams. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. Anthony Daniels (C3PO). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley. Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. rápido y sencillo. A medida que se va desarrollando la caza. desgraciadamente. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. y de un modo increíblemente sangriento. a diferencia de otras películas de acción que. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. Desde un punto de vista técnico. a pesar de que mueran por propia voluntad. DURACIÓN: 121 minutos. en . precipitando así un sangriento enfrentamiento. No obstante. FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. a lo mejor llegamos a alguna parte». Harrison Ford (Han Solo). del lado de la Revolución Mexicana. GUIÓN: George Lucas.UU. en el que morirán los miembros del Grupo. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. ha terminado por convertirse en un lugar común. Aunque la fórmula no tiene nada de original. sino sangriento y espantoso. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y.. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). siguiendo su estela. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. también decidirá unirse a ellos. MONTAJE: Paul Hirsch.

la película supone. no obstante. Sin embargo. la película y sus dos secuelas. pero. sean personajes carentes de ambigüedad. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. consigue destruirla. .T. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). llevándose los premios a los efectos especiales. (1982). aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. y por sus enemigos mortales. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. No obstante. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. montaje. El primer episodio del ciclo. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. Como ha señalado Lucas. Mientras el resto del grupo salva a Leia. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. 1983). Luke Skywalker. C3P0. 1983]. traspasa «La Fuerza» a Luke. un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Una vez llegados al planeta rebelde. sonido. representados respectivamente por el joven héroe. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. antes. vería la luz en 1999. La amenaza fantasma (Phantom Menace). Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». vestuario y banda sonora original. en particular Han Solo. consigue escapar. dirección artística. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. con la ayuda de Han Solo. George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. Luke Skywalker. Darth Vader y el Imperio. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. una especie de poder interior similar al zen. literalmente atiborrados de efectos especiales.

y Vivresa vie (1962). acción. El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad.. de Claude Chabrol. según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. Los miembros del movimiento. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. Godard. se defendía la teoría del autor. En años sucesivos. La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). Tras El bello Sergio (Le beau Serge. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). violencia. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. 1959).208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. . . Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película. De ese modo. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. les permitieron crear un cine alternativo. muerte. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. Pierrot el loco (Pierrot lefou. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. como sucede en El carnicero (1969). Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. 1965). odio. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. de Godard. acuñado según parece por Francois Giroud. Lo cierto es que tal denominación. Truffaut.. 1958). Alfinalde la escapada (1959).en una palabra: emoción». la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. de Francois Truffaut. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. entre ellos Francois Truffaut. de Alain Resnais. 1961). destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. protagonizada por Alain Delon. es amor. y se mantuvo firme. basada en una idea de Truffaut. declara: «Una película es como un campo de batalla. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. a su entender. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. unido a sus innovaciones arguméntales. publicados en la revista Cahiers du Cinema. tanto política como estéticamente. y Alain Resnais. tiene más bien poco valor. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola».. Hiroshima. aunque con desigual fortuna. Una de sus últimas películas. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. convirtiéndose así en el único autor de la misma. mon amour (1959). en cuyos artículos. lo único que existe es el mar».

o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929.. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. con ese mismo título. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. y la presa a la que perseguía. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). B/N. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. enfundado en su sempiterna gabardina. Gladys George (Iva Archer). combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. apuntan a lo que será . Para negociar un precio por la estatuilla. mientras que la pareja formada por Peter Lorre.sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que. Brigid O'Shaughnessy. sin embargo. un actor de origen húngaro. una actriz muy experimentada. actor y padre del director. Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). Lee Patrick (EfFie Periné). bajo el título Satán Meets a Lady. A su pesar. MONTAJE: Thomas Richards. de paso. MÜSICA: Adolph Deutsch. Argumento Cuando su socio.Wallis). acusada del asesinato de Archer. la versión de 1941. Barton MacLane (Teniente Dundy). el sicario de Gutman. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. Valerie. Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia. En este caso. Floyd Thursby. El sombrío humor. Walter Huston. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. Cairo. Peter Lorre (Joel Cairo). Finalmente. Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. El detective convoca a una reunión a Gutman. y Sydney Greenstreet. Mary Astor. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. Por su parte. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. 1941 DIRECTOR: John Huston.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. DU- RACIÓN: 100 minutos. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. en el papel del desafortunado Jacobi. O'Shaughnessy y Wilmer.UU. el Capitán Jacobi. se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. Finalmente. Miles Archer. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. son asesinados. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista.

GUIÓN: MOSS Hart EE. alcanza el estrellato. Tom Noonan (Danny McGuire). sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born. La nueva y espléndida versión de 1954 es. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. una estrella de . ponen en evidencia a Esther en público. Alan Campbell y Robert Carson que. que. hasta que. un tema recurrente del cine dramático. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). finalmente. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester. Norman se suicida. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. por encima de todo.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. 1953). la preparan para obtener el éxito. tras la enésima parranda. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. Lucy Marlowe (Lola Lavery). a su vez. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland.UU. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. MONTAJE: Folmar Blangsted. Esther Blodgett. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. que. Norman Maine. DURACIÓN: 182 minutos. la pantalla con problemas de alcoholismo. un temprano experimento en Technicolor. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. 1937). 1932). se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado.. Charles Bickford (Oliver Niles). protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. Jack Carson (Matt Libby). Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. hasta que. inspirado en la película Hollywood al desnudo). a su vez.Wellman y Robert Carson. está basado en un relato de William A. a medida que fue transcurriendo la década.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing. regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. una película realizada igualmente por George Cukor. que. es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. Su desconsolada viuda se retira del mundo. James Masón (Norman Maine). pero mientras que la estrella de Esther está en alza. desde hace más de sesenta años. de este modo. conoce a su benefactora. La pareja se casa. 1975). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. MÚSICA: Harold Arlen.

INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan). el sucio . Argumento San Francisco. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. MONTAJE: Cari Pingitore. Reni Santoni (Chico). 1971 Don Siegel. DURACIÓN: 101 minutos. no obtuvo ningún premio. a la vez que su amargura. la película. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. entre ellos. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. Nominada para seis Osear. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. como señaló la revista Time. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera.214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. pero éste rechazo la propuesta. PRODUCCIÓN: Malpaso. sin embargo.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. amenazando con asesinar cada día a una persona. MÜSICA: Lalo Schifrin. ambientada. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio. Andy Robinson (Asesino). Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. Harry Guardino (Teniente Bressler).llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. Harry. Harry. La segunda opción fue James Masón. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. Judy Garland. para Warner Brothers (Don Siegel). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. John Vermon (El alcalde). John Larch (El jefe). 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. GUIÓN: Harry Julián Fink. El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland. que..UU. Rita M. el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl. en este caso.

en uno de sus niveles de lectura. hasta que. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales. acto seguido. Se contactó con Steve McQueen. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. Sin embargo. Para Eastwood. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros.en películas como Harry. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. 1974). el alcalde decide pagar. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. Harry. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. Cuando. el fuerte (Magnum Force. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. Comentario El papel protagonista de Harry. No obstante. arroja su placa de policía al río. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. Impacto súbito (Sudden Impact. le forzaron a renunciar al papel.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. 1976). la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. el ejecutor (The Enforcer. A partir de ese momento. más adelante. La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. finalmente. en la que Harry se desprende de su placa de policía. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». 1988). una herida en la mano y su «inminente» retiro. Paul Newman y John Wayne. La última escena. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. mientras éste emprende la huida. para muchos críticos. secuestre un autobús escolar. Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. Frank Sinatra aceptó el papel. . en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución.l973). No obstante.

hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. Tracy y Haven. 1935). y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. a cambio. sus compañeros en escena. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. a partir de la cual. A continuación Cary Grant llama al timbre y. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement. MONTAJE: Frank Sullivan.. Katharine Hepburn (Tracy Lord). pero la ceremonia sigue su curso. Tracy Lord. algo que consigue. Rubottom. Cukor. Dexter Haven). indignada. aunque el novio y la novia serán. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. Howard (George Kittredge). K. entre ellas la de Sam Goldwyn. 1940 George Cukor. optó por elegir a la M-GM. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. sin embargo. una vez más. la recibe dándole un empellón en toda la cara. Tracy. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. Katharine Hepburn. Toda la película. B/N. además. cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. una joven malcriada y mundana.UU. El resultado fue Historias de Filadelfia. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. 1932). 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. K. GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. George Kittredge. cuando la Hepburn abre la puerta. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. Katharine Hepburn aparece en el umbral.218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. Argumento C. El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . lames Stewart (Macaulay Connor). Mankiewicz). MÚSICA: Franz Waxman. se construye en torno a esa escena. Roland Young (Tío Willie). rompe sobre sus rodillas un palo de golf. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. No obstante. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. Su prometido suspende la boda.Mujerdtas {Little Women. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. DURACIÓN: 112 minutos. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. un viejo compañero en varios repartos. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra.

Tim Whelan y Sam Taylor. tras escalar un edificio. tenga que escalar los doce pisos del edificio. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). una red de tenis. Comentario Considerado. Bill Strothers (El amigo).Clarke (El jefe de vendedores). logra completar la escalada. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. Sin embargo.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. es el director del establecimiento. finalmente será él mismo quien. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach). Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico. El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin.220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. .UU. se incluían escenas con rascacielos. DURACIÓN: 70 minutos. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. Noah Young (La ley). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. Guiol. MONTAJE: Fred L. en realidad. Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. un ratón y las manecillas móviles de un reloj. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. luego. Mildred Davis (La chica). es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. GUIÓN: Hal Roach. un joven obrero metalúrgico que. donde la propia vida del actor corría peligro. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia. Mickey Daniels (El niño). Guiol. al ser arrestado su compañero. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos.000 dólares por un buen ardid publicitario. se hace con el dinero y conquista a la chica. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE.. Westcott B. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que. se repartan el dinero a medias. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. a menudo. B/N. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes.

Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. DURACIÓN: 105 minutos. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas..222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. pensó: «Dios bendito. con la asombrosa cifra de 1. días más tarde. una sirvienta y antigua prostituta. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. GUIÓN: Nagisa Oshima. Hiroko Fuji (Doncella Tsune). justificación o análisis alguno. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. Meika Seri (Doncella Matsuko). Eiko Matsuda (Sada). Argumento Sada. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico. se añaden otros participantes. Oshima se limita a presentar la situación. Sada amputa el pene de su amante muerto y. para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. El resultado maravilló al público. Aoi Nakajima (Toku).842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). de los cuales 643. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. aunque el director fue declarado inocente. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. La obsesión no tardará en ser recíproca. ocasionalmente. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923.. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. a los que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. Mientras viajan de un lado para otro. MÚSICA: Minoru Miki.. . alojándose en moteles y en casas de geishas. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual.. le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). sin añadir prácticamente comentario.545 dólares. Hot Water. Finalmente. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. si yo pudiera ofrecer eso al público. Si pudiera captar algo así en una pantalla. la pareja ejerce una actividad sexual constante. al ver aquello. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes».588. accederá a que Sada le estrangule. Comentario Esta película. MONTAJE: Keiichi Uraoka.

en el 539 a. PRODUCCIÓN: D. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. extraídos de Hojas de hierba.C. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. Bitzer y Karl Brown. pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. Griffith. Miriam Cooper (La mujer sin amigos). cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. Bessie Love (La novia de Cana).. W. W.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». la traición que. el futuro». la pasión y crucifixión de Cristo. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. FOTOGRAFÍA: G. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. Griffith. MONTAJE: James y Rose Smith. Griffith. «El propósito de esta obra -explicaría. una historia sobre la miseria social contemporánea. sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). cada vez más interrelacionadas.UU. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente. Erich von Stroheim (Fariseo). no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. GUIÓN: D. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. B/N. 1916 DIRECTOR: D. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). W. Constance Talmadge (La chica de la montaña). «Recién salida de la cuna. con la agitación obrera como telón de fondo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman.uniendo el presente y . Comentario En el otoño de 1914. y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. Mae Marsh (La mujer querida). Se trata del momento en que.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). W. Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. sufrió el rey Baltasar. que ya tenía prácticamente acabada cuando. habiéndose separado temporalmente de ella. en un estreno que hubo de hacer época. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. The Mother and The Law.

Jean Willes (Sally).UU. De nuevo en el tiempo presente. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. Larry Gates (Dr. King Donovan (Jack). DURACIÓN: 80 minutos. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. Eisen. GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). Ralph Dumke (Nick). Danny Kauffman). Dana Wynter (Becky DriscoU). Miles Bennell). . sino también hacer pensar. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas». A partir de esa secuencia. nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. Intentan una huida desesperada. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. Carolyn Jones (Theodora). comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. aún hoy. MONTAJE: Robert S. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger). no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). La película. Por desgracia. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. B/N. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. MÚSICA: Carmen Dragón. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. Argumento Los Ángeles. pero finalmente también se apoderan de Becky. Para algunos. El hombre.226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza.. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen.

No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. en un sentido literal e ineluctable. y anima a Jim a que se acueste con ella. Henri Serré (Jim). y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. la película es un thriller tan apasionante como convincente. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). sin embargo. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. Durante la Primera Guerra Mundial. en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. A medida que todo se desmorona a su alrededor. No obs- . ahora completamente solo. Boris Bassiak (Albert). B/N. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. Sabine Haudepin (Sabine). Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. MÚSICA: Georges Delerue. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). aparentemente indestructible. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. Al igual que el guionista. y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». Oskar Werner (Jules). DURACIÓN: 105 minutos. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. Daniel Mainwaring. Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia.228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. MONTAJE: Claudine Bouche. no contó con la aprobación de Siegel. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. Jules le revela. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. pero. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. 1961 Francois Truffaut. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. En lugar de ello. la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine. Vanna Urbino (Gilberte). estaba siendo absorbida por unas vainas. una vez terminada la contienda. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. Jim visita a la pareja.

. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. y un día.sin embargo. Comentario Para muchos espectadores. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante.. Su cautivadora volubilidad. y constituye la más excelsa demostración de cómo. dejando solo a Jules para llorarlos. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. madurez e imaginación cinematográfica. Jim regresará a París para estar junto a su novia. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. a modo de homenaje. etc. que. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. que interpreta Jeanne Moreau. planos de archivo. típicamente francés. Varios años después. Jules y Catherine se van a vivir a París. fundidos en iris. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. La película es una crónica llena de vitalidad. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia. Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. saltos de imagen. más adelante. 1971). 1980). sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. pero desigual versión. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo.

en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. en un intento. Por su parte. caso del cine negro y de la ciencia-ficción. 1946). como la 3-D y la pantalla gigante. 1959). 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. como Cadenas rotas (Great Expectations. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). Narciso negro (Black Narcissus. como Un tranvía llamado Deseo (1951). de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953). y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. de Mizoguchi. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». en adaptaciones de Dickens. The Archers. El poder de los estudios de Hollywood. o en películas concretas. insólito dentro del cine británico. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. En Italia. floreció en películas como Roma. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). Así. también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. . domingo mañana (1960). comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. 1946). que sacó el musical a los escenarios naturales. Irónicamente. y la oscarizada Un americano en París (1951). que durante tanto tiempo había parecido indestructible. Por otro lado. También el western. Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. el neorrealismo. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. por ejemplo. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. que contribuyó a popularizar el ballet. el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. Por otro lado. Por otra parte. más tarde.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. Noble Johnson (Jefe indígena). es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica. Crabbe. Robert Armstrong (Cari Denham). a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. O. Frank Reicher (Englehorn). Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica. Schoedsack y Merian C. Seguramente. Cooper. Alfred Hermán. Schoedsack y Merian C. siembra la destrucción por toda la ciudad y. consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. Cooper). finalmente. Bruce Cabot (Driscoll). . llamada la Isla de la Calavera. Éste resulta ser un descomunal simio. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. PRODUCCIÓN: R. de regreso a Nueva York. sin duda..O. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». Aunque el gran simio representa. King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. A Ernest B. el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. Cooper y Edgar Wallace).K. Una vez en el lugar de rodaje. Vernon Walker y J. Taylor. GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. se ha de poner freno. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. El simio consigue escaparse. 1933 DIRECTORES: Ernest B. pero. igualmente. King Kong. apuntan la idea de que el monumental primate representa. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. MÚSICA: Max Steiner. según la película. sino la belleza». donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. El hijo de Kong (Son ofKong. Sam Hardy (Weston). Radio Pictures (Ernest B. MONTAJE: Ted Cheesman. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. se apodera de su querida Ann. B/N. se dedican a exhibirla ante el público. Mario Larrinaga y Byron L. que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. el mono gigante. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. Willis O'Brien. a través de la ventana de un rascacielos. Al margen de su virtuosismo técnico. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. una liberación a la que.UU. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. DURACIÓN: 99 minutos. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

PRODUCCIÓN: Stan Laurel. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. Darryl Z. Cuando. cuando el jefe de los estudios. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. James Finlayson (Mickey Finn). No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. INTÉRPRETES: Stan Laurel. El papel de la cautivadora Laura. Stanley Fields (Sheriff). conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. estableció muchos de los principios del cine negro.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. recaería en Gene Tierney. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. de esa forma. . mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin. descontento con los resultados. será abatido por la policía. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. MONTAJE: Bert Jordán. no tardó en prescindir de Mamoulian. esbozados con vividas pinceladas. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. de nuevo. Sharon Lynne (Lola Marcel). un cámara que era más de su agrado. GUIÓN: Charles Rogers. a modo de treta. El culpable resulta ser Lydecker.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. B/N. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). Nominada para cinco premios de la Academia.. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. su utilización del flash-back. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle.UU. Mamoulian aseguraría que. Horne. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. Royce. Ya iniciado el rodaje. MÚSICA: Marvin Hatley. Más tarde. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. Oliver Hardy. intervino y la elevó a la categoría A. con su fotografía saturada y atmosférica. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. Zanuck. 1937 W. Rosina Lawrence (Mary Roberts). para que el verdadero asesino se descubra. Sea cual sea la verdad. que. DURACIÓN: 65 minutos. Laura es arrestada. que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. Zanuck. lo único seguro es que Laura. Alexander Woolcott). intente atentar contra la vida de Laura. el concedido a la mejor fotografía.

La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. la mujer de Laurel en aquel momento. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. A la noche intentan recobrarlo de nuevo. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. por ejemplo. That's All». dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal».246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. La chica a la que buscan es Mary Roberts. en concreto. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. tras más de medio siglo. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. Hardy. Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». A pesar de ello. en compañía de Mary. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. el film es pura diversión. Lola Maxwell. a Ruth. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. .«At the Ball. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos. Así. sus personajes. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. ya perfectamente perfilados. los dos amigos abandonan la ciudad. En estas obras. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. con todo el tacto del mundo. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos. En Laurel y Hardy en el Oeste. para hacerse cargo de la mina. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. Cuando se dan cuenta del engaño. pero son descubiertos por Finn. Comentario Desde principios de los años treinta. el rufián Mickey Finn. según parece. la fregona del local. tanto él como Hardy. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. tratan de recuperar el documento. a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. Finalmente. En la persecución que tiene lugar a continuación. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. mientras que Laurel le comunicará a Mary.

Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. 1970). Lawrence de Arabia es. Sin embargo. E. Lawrence. Ornar Sharif (Sheriff Ali). FOTOGRAFÍA: Freddie A. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. Feisal y Allenby. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. MÚSICA: John Stoll. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. se convierte en un héroe para las tropas nativas. que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. José Ferrer (Rey turco). La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. E. 1962 DIRECTOR: David Lean. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos.son ejecutadas a la perfección. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. GUIÓN: Robert Bolt. cuyas maniobras -como cabía esperar. lo que confiere unidad a la película. el versátil aventurero T. tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence. sino de la crisis de . se decidió finalmente por Peter O'Toole. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. Sin embargo. Alee Guinness (Príncipe Feisal). Young. por el contrario. Por su parte. una epopeya inteligente y emotiva. Al mando de un pequeño destacamento. Apoyado por los británicos. Jack Hawkins (General Allenby). MONTAJE: Maurice Jarre. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. no sólo de las batallas. Lean. Argumento Tras su muerte. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T.

Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. en una de las reuniones a las que asiste. Argumento Nueva York. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar. en realidad. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. Milford. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). Lee }. en la novela que publicaría con posterioridad. y muy poco heroico. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. iluminar las pantallas norteamericanas . la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. es brutalmente agredido en los muelles. espiarles. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. ganó siete de ellos. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. Obedeciendo las órdenes de su hermano. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. que Schulberg optaría por un final distinto. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. MÚSICA: Leonard Bernstein. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. Al día siguiente. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. año tras año. Pat Henning («Kayo» Dugan). INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). se siente atraído por Edie. y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. B/N. El papel de Malloy. Karl Malden (Padre Barry). DURACIÓN: 108 minutos. Charley Malloy. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. Terry se decide a revelar a Edie su culpa.UU. no obstante. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. Nominada para diez premios de la Academia. Edie. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. Es interesante subrayar. pero. que le pedirá su ayuda. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. Cobb (Johnny Friendly). algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. MONTAJE: Arthur E. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. la hermana de éste. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. Escrita por el novelista Budd Schulberg.. Eva Marie Saint (Edie Doyle). Rod Steiger (Charles Malloy).

La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. el ambicioso Selznick. la propiedad de su familia. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton).UU. Kern y James E. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). El famoso discurso del «podría haber tenido clase. DURACIÓN: 222 minutos. la espectacular versión cinematográfica que David O. podría haber sido un aspirante al título». Leslie Howard (Ashley Wilkes). desplegando una determinación in- . James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). Hattie McDaniel (Mammy). pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. que Terry le suelta a su hermano en un taxi. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes). INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). Selznick). que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. Aunque no consigue retenerle. recobrará su antiguo esplendor. antes incluso de su publicación. MÚSICA: Max Steiner. sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. MONTAJE: Hal C.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. En el baile de Los Doce Robles. Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). Tras haberse asegurado. Rhett sigue estando presente en su vida. que no tardará en morir de sarampión. ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años.. con el tiempo. Lo que el viento se llevó. mejor director y mejor guión. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. entre ellos los otorgados a la mejor película. jura que Tara. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. se casa con el hermano de Melanie. Tras la muerte de su segundo marido. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. Escarlata. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). fue nominada en doce categorías. los derechos de una novela que. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. obteniendo ocho premios. Argumento Año 1861. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. En cuanto a la película. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. Escarlata. Si la obra de D. toma la decisión de volver a conquistarlo. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. No obstante. W. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Newcorn. despechada. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. 1953).

le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. no obstante. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. MONTAJE: Charles Chaplin. Harry Myers (El millonario). en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh.a la M-G-M. Argumento El pequeño vagabundo. DURACIÓN: 86 minutos. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). en diciembre de 1939. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. En 1994 se estrenaría Scarlett. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. y el gallardo picaro. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. una secuela dirigida por John Erman. Alian García (El mayordomo). George Cukor y Sam Wood. Hank Mann (El boxeador). Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. MÚSICA: Charles Chaplin. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería. . B/N. no se acuerda de él cuando está sobrio. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. A lo largo de los tres años siguientes. descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo).254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. Florence Lee (La abuela). Rhett Butler. la película obtuvo finalmente ocho Osear. una vez cumplida la condena. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin.UU. pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. Virginia Cherril (La muchacha ciega).25 millones de dólares) jamás filmada.que participaron en su realización. GUIÓN: Charles Chaplin. Comentario En 1928. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. Cuando regrese. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood. todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Una serie de percances harán que acabe en prisión. como es habitual. rico y bien parecido. Scarlett O'Hara. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. Chaplin. su exuberancia. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. que. queda prendado de la belleza de una florista ciega. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas.. una actriz británica casi desconocida. Hall.

Heather Sears (Susan Brown). George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. se encontraron personajes como Winston Churchill. No obstante. Argumento Decidido a hacer carrera. Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. Donald Houston (Charles Soames). además. Laurence Harvey (Joe Lampión). entre los asistentes a su estreno. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. MÜSICA: Mario Nacimbene. En su ensayo de 1949. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. Brown). sobre todo. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). una mujer casada y de más edad. la hija de un magnate de la localidad. a finales de aquel mismo año. Brown). un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. en esta película. al verse cruelmente abandona- . B/N. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. Alice. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. DURACIÓN: 117 minutos. W. A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. pero es que. Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. al anunciar ella que se encuentra embarazada. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Ambrosine Philpot (Mrs. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. Murnau. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. Joe Lampton. trasciende las innovaciones técnicas del momento. W.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. como atestigua el hecho de que. MONTAJE: Ralph Kemplen. está empeñado en conquistar a Susan Brown. Griffith o F. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. con unos ingresos de un millón de dólares. de la que llegará a enamorarse. La gran época de la comedia. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). por lo tanto. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. contando con un Chaplin que. Donald Wolfit (Mr. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva.

hundido en la miseria. la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. de forma un tanto vaga. cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. estrellándose con su coche. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. Nominada para seis premios de la Academia. DURACIÓN: 91 minutos. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. Comentario A finales de los años cincuenta. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. Un lugar en la cumbre. las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. Steve Bisley (Jim Goose). Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. FOTOGRAFÍA: David Eggby. 1963). Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965). tres años después de su inicio. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. dirigida por Ted Kotcheff. MÚSICA: Brian May. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. mientras Lampton. GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. Joanne Samuel (Jessie). que. pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad. mientras que el personaje de Joe Lampton. Cuando el poli- . gracias. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. 1979 DIRECTOR: George Miller. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy).258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. sobre todo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. las de aquellos cineastas que. contrae matrimonio con Susan. Alian Sillitoe. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. En términos cinematográficos. Roger Ward (Fifi Macaffee). 1959) y de Braine. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. en particular. se suicida. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. MadMax. con Sábado noche. Stan Barstow). surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. Tim Burns (Johnny the Boy). Man at the Top. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica.

la estrella de las tres películas.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico.pasara sin pena ni gloria. Miller. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. pero que posee también una poderosa textura emocional. la novia de Max. a un tiempo. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. . tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. Mel Gibson. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. insiste en que abandone el cuerpo. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. a su vez. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. pero éste. armado hasta los dientes. otro motorista psicópata. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. un motorista demente. todo lleno de puntillas y miriñaques. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. Mad Max 2. a bordo de un Pursuit Special V8. y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. Max vuelve a unirse al cuerpo y. 1981). Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». George Miller. «El Cortador de Dedos». había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. y que. Su director y co-guionista. Jessie. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. 1985). una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. Cuando Goose es asesinado. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza. un licenciado en medicina. persigue a los motoristas y acaba con ellos. uno de los miembros de la banda. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. Entre tanto. Con todo. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. rebosante de acción. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». promete vengarse. Mad Max es. Max abandona el cuerpo de policía.

a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). pero las historias de amor. aunque una selección circunscrita. 1957. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. por ejemplo. como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). por Les enfants duparadis (1944). a Marcel Carné. 1935). más recientemente. Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos.a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. Greer Garson y Walter Pidgeon y. 1989). como por ejemplo. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). o que han tenido un final trágico. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. Olivia de Havilland y Errol Flynn. Niebla en el pasado (Random Harvest. Ghost. Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). Ariane [Love in the afternoon].262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. nunca se pasan de moda. Con frecuencia. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. l990)oPretty Woman (1990). más allá del amor (Ghost. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). 1959). 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. . 1942).

Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L.UU. El personaje del Mago. C. Bille Burke (Glinda). hoy en día. B/Ny Color. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». algo mayor para el papel. INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). con sus diecisiete años era. MONTAJE: Blanche Sewell. la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia. Allí se encuentra con Glinda. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. que finalmente interpretaría Frank Morgan. los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. en ese preciso instante. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. MÜSICA: Herbert Stothart. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. DURACIÓN: 101 minutos. en rigor. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. es devuelta a Kansas. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. La película.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. Aunque el Mago resulta ser un fraude. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). iniciada por Victor Fleming. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. que. Dorothy y su perro Toto son capturados. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum. Aunque. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). Edna May Oliver o Gale Sondergaard. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . 1940). un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. De camino. en un primer momento. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. fue considerada un mal menor. Baum). Dorothy. A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. le fue ofrecido en un principio a W. La alternativa de Judy Garland. lo cierto es que. siguiendo las instrucciones que le han dado. Frank Morgan (El mago). Fields. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). fue concluida por King Vidor. una bruja buena. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. como El pájaro azul (The Blue Bird. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. Sin embargo. capacidad de asombro y vulnerabilidad. GUIÓN: Noel Langley.

inmerecido pero quizá inevitable. la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. Schenck).UU. la querida locomotora que conduce John Gray. el armamento. Afortunadamente. En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). Cuando llegan al puente de Rock River. los encantadores Munchkins. de William Pittinger). se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. inspirado en The Great Locomotive Chase. importancia de su profesión. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. hasta llegar incluso a rodar en . MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. Frederick Vroom (General del Sur).266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. y de escaso interés. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. los efectos especiales. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). Devereaux Jennings y Bert Haines. la tecnología y los escenarios de la época. rescata a Annabelle. FOTOGRAFÍA: J. Johnnie emprende la persecución y. Glen Cavender (Capitán Anderson). Jim Farley (General Thatcher). PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. mientras que. Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). Más adelante. Un año más tarde. obra de la factoría Disney. GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman. en 1985. Charles Smith (Padre de Annabelle). Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. de forma más sobria. ya muy adentrado en territorio enemigo. Marión Mack (Annabelle Lee). Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. Buster Keaton. 1990). bajo el título de Oz. B/N. protagonizada por Diana Ross.. la memorable dirección artística. DURACIÓN: 74 minutos. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. aparecía una secuela tardía. un mundo fantástico (Return to Oz). Argumento Al estallar la guerra.

tras haberse separado de su mujer. pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. Harold Russell (Homer Parrish). mientras que Fred. encontrará mucha más comprensión en Peggy. GUIÓN: Robert E. Millie. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. Homer. su prometida. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo. 1946 DIRECTOR: William Wyler. MONTAJE: Daniel Mandell. MÜSICA: Hugo Friedhofer. No obstante.UU. George Jenkins y Julia Heron. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. Dana Andrews (Fred Derry). Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. Al empezará a beber en exceso. Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. de MacKinlay Kantor). DURACIÓN: 182 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. su atractiva mujer. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. Fredric March (Al Stephenson). FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. Argumento Al Stephenson. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn.. Sherwood (basado en la novela en verso. que ha descubierto que Marie. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil. Gloryfor Me.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. B/N. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. Teresa Wright (Peggy Stephenson). que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. . que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. se ha convertido en una extraña. Por su parte. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. la hija de Al. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Virginia Mayo (Marie Derry). Fred Derry y Homer Parrish. así como de su exquisita y relajada forma de actuar. mientras que Fred. tres soldados que regresan a casa.

aunque un tanto impersonal. ya entrada en años. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). decide embarcarse en el proyecto. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. Con inquebrantable tenacidad. el más logrado ejemplo del oficio consumado. Ava Gardner (Estrella invitada). Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. la bailarina Gaby Berard. decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense. mientras que el actor no profesional. Sherwood. Lester y Lily Marton. una estrella de Hollywood. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. DURACIÓN: 112 minutos. Contando con la colaboración de Gregg Toland. en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. posiblemente.su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. fue todo un acierto. antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. 1944). que finalmente sería el encargado del guión. Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. Sus leales amigos. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. el extravagante Jef- . Osear Levant (Lester Marton). MONTAJE: Albert Akst.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. con una minuciosidad impecable. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. Wyler empezó por encuadrar la película. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. obtuvo seis de ellos. a pesar de contar con una primera actriz. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey). Cyd Charisse (Gaby). ajena a las grandes efusiones. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. Nominada para ocho premios de la Academia. Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. Tony se vuelca en el trabajo. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. de Wyler.. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). entre otros el concedido a la mejor película. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. Tony Hunter. Harold Russell. y un director. su cámara habitual. a la que considera inadecuada para el papel. a continuación. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. Nanette Fabray (Lily Marton).UU.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

al que. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. hoy en día. lo que sigue fascinando a los espectadores. Benn W. Arnold y Norman Arnold. por Tracy. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. anunciada a bombo y platillo. Por su parte. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. el artista trata de aprovecharse de ella. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. se estrenara en junio de 1927. Alice. . es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. uno de los cuales será encontrado por Webber. John Longden (Frank Webber). posteriormente. Mientras se prepara para posar. Argumento Durante una cena con su prometido. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). GUIÓN: Alfred Hitchcock. No obstante. la que entonces era su mujer. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. Thea von Harbou. el detective de Scotland Yard Frank Webber. la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. Charles Patón (Mr. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. y el otro. White). INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). atormentada por sus remordimientos. Webber decide poner en evidencia a Tracy. habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. La película. que ha sido asignado para el caso. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). acompañará a su estudio. ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. White). MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. que lo utilizará para chantajear a Webber. compuesta por trabajadores esclavizados. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. Cyril Ritchard (El artista). Donald Calthrop (Tracy). 1929 Hitchcock. lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. pero olvida sus guantes. finalmente. donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura. B/N. MONTAJE: Emile De Ruelle. Sara Allgood (Mrs. triunfe el amor. en última instancia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C.000 figurantes). con su científico loco.

Psicosis. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. a excepción del último rollo.UU. se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». Mary Alden (Lydia Brown. EE. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. la ladrona [Marnie]. Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). que tuvo que mover los labios como si dijera su texto.). 1915 W. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. 1946. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. Bitzer. Griffith. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. Henry W. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos.que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. la hermana pequeña). B/N. 1964). W. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada». donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado. FOTOGRAFÍA: C. Anny Ondra. Walthall (Ben Cameron. Marnie. desayuna con su familia. así como en la novela The Leopard's Spots. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. Argumento Año 1860. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. todas ellas de Thomas Dixon Jr. DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). sin embargo. Griffith). Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. el pequeño coronel). el ama de llaves mulata de los Stoneman). PRODUCCIÓN: Epoch (D. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. Muchos serán los que mueran du- . MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. mitad enigmáticos. Aunque toda la película. antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. 1935.W.W. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. MONTAJE: James Smith. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. W. Griffith y Frank E. GUIÓN: D. Miriam Cooper (Margaret Cameron). Griffith.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. Mae Marsh (Flora Cameron. a pesar de lo cual.. entre otras muchas). quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. 1960.

Lo que. en última instancia. sin embargo. obteniendo. según reza uno de los rótulos). Griffith había inventado la gramática cinematográfica.000 dólares. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. Lynch coge prisionera a Elsie. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. Ben Cameron. los indisciplinados y lujuriosos negros. por un lado. Dixon. Si. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. verdadero espanto. contraigan matrimonio. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. hoy en día. The Clansman. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. En cualquier caso. Ben Cameron. desde un punto de vista artístico. su hermana. cuya mera sinopsis produce. sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. firme defensor de la supremacía blanca. desde una perspectiva ideológica. No obstante. Silas Lynch. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914).284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. Por su parte. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante. y Margaret y Phil. según se dijo. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. por otro. de paso. Llegada la paz. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. . Phil Stoneman y su protegido negro. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. que ha caído prisionero. la película posee un argumento. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. Griffith fue siempre el primero en hacerlo.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común.

. caso. música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. 1964). que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. La profecía (The Ornen. o como Psicosis (1960). parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. elvampiro (1922). una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. 1927). cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. 1931). Hyde. Sin embargo. El exorcista (1973). Jeckyll and Mr. 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. que figuró en la película Nosferatu. 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. más o menos truculentas. Por su parte. como Mario Bava y Dario Argento. el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. caso de La noche de Halloween (Halloween. en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. 1980) con sus innumerables secuelas. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. 1920). 1976). Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. de Alfred Hitchcock. la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). de Drácula. Con El hombre lobo (The WolfMan.286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. cuyas grandes orquestaciones de color. en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1962). por ejemplo. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). una película dirigida por el británico James Whale. Posesión infernal (The EvilDead. 1959). que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. la productora de King Kong (1933). 1978). Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. 1956). 1941). También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. 1954). donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. 1942).

convertido ya en teniente. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. existían ya varias versiones de la misma. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. y de manera harto novedosa. Lochavoff. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. donde las imágenes. Antonin Artaud (Marat). En todas sus películas. las posibilidades de la cámara que. Cuando se estrenó en París. no llegó a realizarse. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. Jacouty. e incluso en el momento de su estreno. en este sentido. Meinhardt y Eugene Lourie. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). Napoleón no constituye una excepción. no existe una copia definitiva de Napoleón. finalmente. A pesar de su longitud y de su escala. el retrato está incompleto. En todo caso. Alexandre Koubitzky (Danton). quedan restringidas a una sola pantalla. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. dado que la película sólo recoge su infancia. sin embargo. DURACIÓN: 270 minutos. juventud y los inicios de su carrera militar. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. En la actualidad. 1927 DIRECTOR: Abel Gance. sin duda. B/N. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra. Argumento En la academia militar. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. Posteriormente. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. Lo que. se mueve con extraordinaria agilidad. Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). pero también conocerá y se enamorará de Josefina. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. Años más tarde. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. sí consiguió fue explotar al máximo. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. entonces como ahora. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. realizando todo tipo de picados y giros. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. GUIÓN: Abel Gance. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). Pierre Schildknecht. MÚSICA: Arthur Honegger. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. escena tras escena. siguiendo la norma habitual. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa.

El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. Entre los resultados se encuentran un western revisionista. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». como el joven Kenny Fraiser. Opal. Geraldine Chaplin (Opal). 1975 DIRECTOR: Robert Altman. que incluye todo el metraje conservado de la película. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. Albuquerque. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. Argumento Nashville. FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. entre ellas. algunas ya veteranas. y Un largo adiós (The Long Goodbye. exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). cuyo marido. muy alejada de los estereotipos del cine negro. como Haven Hamilton y Barbara Jean. Por su parte. produciendo una sensación de aparente espontaneidad. Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin.UU. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall.. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. saca un revolver y dispara contra el escenario. Ronee Blakely (Barbara Jean). como Los vividores (McCabe andMrs. o la aspirante a cantante. Keith Carradine (Tom Frank). las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country. Durante el concierto. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. que huye de un matrimonio desgraciado. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. la reportera de la BBC. Fraiser . Miller. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. la película. INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). DURACIÓN: 161 minutos. GUIÓN: Joan Tewkesbury. de forma irreverente. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica. Barbara Harris (Albuquerque). Famoso por su utilización de un sonido multipistas. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. Tennessee.LilyTomlin(LinneaReese). de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. Delbert Reese. una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. 1971). 1973). una adaptación de Raymond Chandler. un ferviente partidario de Walker.

sin embargo. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). Valentina Córtese (Severine). obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). el actor que hace de padre en la película. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. Natalie Baye (Ayudante). Jacqueline Bisset (Julie). se está recuperando de una crisis nerviosa. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. su director. mientras que Severine. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. Julie. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. la madre en Pamela. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. el protagonista masculino. que. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. a partir de entonces. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. Alphonse. la actriz que hace de esposa. restablece la calma. La muerte en un accidente de coche de Alexander. o de calidad aún no probada. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). DURACIÓN: 120 minutos.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». la llegada de su marido. Dani (Lilianna). Concluido el rodaje. que trata de un joven francés cuya visita a . Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. está destrozada por la enfermedad de su hija. o de Lily Tomlin. Tal sería el caso de Ronee Blakely. Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. Jean Champion (Bertrand). Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. un hombre comprensivo. 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. por «Fin Easy». alcanzaron el éxito. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. GUIÓN: Francois Truffaut. Ferrand. MÚSICA: Georges Delerue.

John y Pearl. Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. Powell ha encontrado la horma de su zapato. «la nuit americaine». sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. intenta trabar amistad con él. un supuesto predicador ambulante. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. Ben Harper. razón por la cual los franceses la denominan. PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). un parado que ha asaltado un banco. Antes de ser aprehendido. una galería de personajes absurdos y. INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). Shelley Winters (Willa Harper). para poder sacar adelante la película. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. Lillian Gish (Rachel Cooper). aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. perfectamente creíbles. Powell es . Cuando salga de prisión.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. Los niños. Peter Graves (Ben Harper). James Cleason (Birdie). Harry Powell.UU. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. MÚSICA: Walter Schumann. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. finalmente. pero el obstinado Powell consigue localizarlos. recurriendo a todo tipo de malabarismos. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales. y a las que el director. MONTAJE: Robert Golden.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. mediante la utilización de un filtro especial. desengaños amorosos. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). malentendidos matrimoniales e. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. Evelyn Varden (Icey Spoon). asesina a Willa. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. al trazar. Argumento West Virginia. tras huir río abajo. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. interpretado magistralmente por el propio Truffaut. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. a la vez. incluso. B/N. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. DURACIÓN: 93 minutos. su compañero de celda. que guardarán el secreto. ha de hacer frente. Poco antes de que Ben sea ejecutado. la mujer de Harper. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. No obstante.

que con el papel de Harry Powell. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. Keith Wayne (Tom). Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. Los desnudos y los muertos. GUIÓN: John A. que ha sido víctima de un asalto similar. especialmente. Romero. el de Robert Mitchum. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Judith Riley (Judy). relatada según los cánones del cine de suspense. Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . Barbara huye a una casa cercana. Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. le dije. se van congregando en el exterior. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood. Karl Hardman (Harry Cooper). en número creciente. Marilyn Eastman (Helen Cooper). en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. B/N. FOTOGRAFÍA: George A. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. No obstante. Russo. otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra.UU. encogidos por el miedo. 1968 DIRECTOR: George A. "déjame a mí al frente de esa sección"». Con todo. donde se encuentra con Ben. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. Romero. el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. A resultas de ese fracaso. "¡Presente!". le respondí. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución.. Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos.296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara). Ocultos en el sótano. DURACIÓN: 96 minutos. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores.terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. "Charles". Duane Jones (Ben). descubren a otro grupo de rezagados. consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman).

aliviado al verse rescatado. La Guerra de los Mundos. Kaufman. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. Argumento Milán.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. GUIÓN: George S. Bert Kalmar y Harry Ruby. Claypool que le presentará a la alta . La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs.UU. Romero. Gerstad. Alian Jones (Riccardo Baroni). de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg).los zombis asaltan la casa. Chico Marx (Fiorello). que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. MÚSICA: Herbert Stothart. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. contribuyen a hacer la historia más convincente. basado en un relato de James Kevin McGuinness. en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. 1978). Harpo Marx (Tomasso). Morrie Ryskind. Al Boasberg. George A. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original.298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. que consigue atrincherarse en el sótano. matando a todos menos a Ben. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. El embaucador empresario Otis B. Claypool). DURACIÓN: 90 minutos. B/N. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. 1935 Sam Wood. y el tono amateur que de ello se deriva. Ben. Driftwood). FOTOGRAFÍA: Merritt B. MONTAJE: Wiliam Levanway. Margaret Drumont (Mrs. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. abandona su escondrijo. 1985). y es abatido a tiros por error.

Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. y Fiorello. en Un día en las carreras (1937). sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. . el niño prodigio de la M-G-M.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. antes de pisar los estudios. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. Afortunadamente. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. iniciado por Thalberg. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni. El intento de ampliar su público. un ayudante de camerino. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. el agente de Baroni. con resultados sólo ligeramente inferiores. no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. También dejó que. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. se dirigen a su hotel. el productor Irving Thalberg. Por desgracia. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. De ese modo. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. el novio de la Castaldi. que no paraban de tomar notas. Tomasso. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). cuya estrella es Rosa Castaldi. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa.

uno de cuyos referentes eran. Aunque. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner. Nosferatu). de Bram Stoker). y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. 1922 Murnau. PRODUCCIÓN: Prana. G.Schnell (Harding. el principal interés de la película resi- Nosferatu. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. a convertirse en un pelele inútil. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. En este sentido. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. es recogido por un veloz carruaje que.H. precisamente.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. que siempre había sido su punto fuerte. DURACIÓN: 75 minutos. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. las teorías postvictorianas de Freud. le deposita frente a las puertas del castillo. se verá asolada por la peste. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. el empleado). W. su esposa). Tras un viaje lleno de premoniciones. . ciudad que. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. en un principio. Ruth Landshoff (Annie. sin muchas ceremonias. para el público actual. pero. a su llegada. No obstante. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. en parte. Como era de esperar. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. Argumento Hutter. la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. su esposa). creando una situación verdaderamente confusa). Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. parejas de enamorados y números musicales a gran escala. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. B/N. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. un cambio que. Alexander Granach (Knock. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. un empleado de una inmobiliaria. el vampiro NOSFERATU. Ellen. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. el propietario del barco). Greta Schroeder (Ellen. un agente de la propiedad). Alemania. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. a pesar de lo cual. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. pero Ellen en la película. el destructor. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. Gustav von Wangenheim (Hutter.

Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Sin embargo. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. trabará amistad con Pretorius. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. B/N. Con todo. MÚSICA: Franz Waxman. GUIÓN: William Hurlbut y John L. 1979). mejor versión del mito. The Return of Frankenstein. Una O'Connor (Minnie).. Henry Frankenstein. O. Septimus Pretorius). Regodeándose con todo descaro en lo macabro. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. Más tarde. Hall. Pretorius. y a menudo también la letra. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. intentó. la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. con desiguales resultados. MONTAJE: Ted Kent. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. que le enseña a hablar. Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). FOTOGRAFÍA: John Mescall. Ernest Thesiger (Dr. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. de la primera. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan.UU. Entre tanto. es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . invocar el espíritu. su creador. Balderston. y seguramente todavía. 1935 DIRECTOR: James Whale.). se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. Colin Clive (Henry Frankenstein). con su Nosferatu. el Monstruo continúa causando estragos. vampiro de la noche {Nosferatu. INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. un ermitaño ciego. pero fue Werner Herzog quien. Phantom derNacht. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. DURACIÓN: 76 minutos. Enfurecido por semejante rechazo. P. Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). Tras una breve estancia en la cárcel. Heggie (El ermitaño). a diferencia de lo que solía ser la norma.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger. Pretorius para que colabore con él. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man).

306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. el Dr. no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». MÚSICA: George Auric. su esposa. reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. Argumento Orfeo. Orfeo ORPHÉE Francia. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. el chofer de la Princesa. Al llegar a casa de la Princesa. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. Édouard Dermithe (Cegeste). le informe de que Eurídice. 1974). B/N. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. DURACIÓN: 112 minutos. Niemann. por ejemplo. 1934). INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. embelesado por la enigmática Princesa. que según él mismo asegura es su «única debilidad». y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. GUIÓN: Jean Cocteau. tras lo cual morirá asaltado por una turba. se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. Marie Dea (Eurídice). en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. Sin embargo. PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. que él mismo ha creado. 1958). volverá a reunirse con Eurídice. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. La mezcla de terror y humor negro. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. 1939). cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Francois Perier (Heurtebise). el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. de El hijo de Kong [Son ofKong]. también ha muerto. caso. María Casares (La Princesa). con Peter Boyle en el papel del Monstruo. Juliette Greco (Aglaonice). 1944).

Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. Richard Castellano (Clemenza). 1972 Francis Ford Coppola. La película. Al Pacino (Michael Corleone). están filmadas de manera muy realista. se casa con Kay Adams. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». Sterling Hayden (McCluskey). Desafiante siempre y. efectuada por Sollozzo. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. por el contrario. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. no mencionada en los títulos de crédito. en un fantástico mundo subterráneo.. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. Marc Laub y Murray Solomon. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. de Robert Towne). por el mito de Orfeo. INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone).308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». un capo rival.a una concepción del cine como poesía visual. De regreso a los Estados Unidos. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». las imágenes en negativo o el baño de mercurio. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. su antigua novia. Robert Duvall (Tbm Hagen). con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. MONTAJE: William Reynolds. también divertida. en particular. no obstante. PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S. consolidando así su posición como nuevo padrino. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. el protector de aquél en el cuerpo de policía. Haciendo gala de una portentosa imaginación. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. tras lo cual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. Orfeo. al ser abatido a tiros en la calle. ambientada en el mundo actual. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. se refugia en Sicilia.UU. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. James Caan (Sonny Corleone). tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. y con la colaboración. . una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. está a punto de costarle la vida. DURACIÓN: 175 minutos. Su hijo Michael. el director funde su obsesión por los mitos griegos y. y el otro. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. MÚSICA: Niño Rota. Peter Zinner. es su película más conseguida. a menudo. 1930) y Le testament d'Orphée (1960). que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. Ruddy).

seguramente. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. con un genuino toque de autor. una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. Orson Welles y Edward G. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. Part II. Aunque en un principio permanece en silencio. El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. Walt y su mujer Ann han adoptado . MONTAJE: Peter Przygodda. y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. consiguió que se aumentara el presupuesto. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. 1968). Laurence Olivier. y. una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. Argumento Travis Anderson. En este sentido. va contándole a su hermano Walt su historia. "Kit" Carson). FOTOGRAFÍA: Robby Muller. se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. y en El Padrino III (The Godfather III. 1974). Parts. por encima de todo. en consecuencia. MÚSICA: Ry Cooder. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. Texas Alemania occidental/Francia. Aurore Clement (Anne Anderson). Dean Stockwell (Walter Anderson). Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather. PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). Hunter Carson (Hunter Anderson). GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. una saga sobre la «Cosa Nostra». se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. 1990). una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. a quien se consideraba un guionista de talento y. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. moral y económica del país. M. orquestada con tonos operísticos. el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. Robinson). la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. como son la presencia de estrellas en el reparto. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. Natassja Kinski (Jane). INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. Gracias a su tenacidad.000 dólares. DURACIÓN: 148 minutos. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. un nombre más asequible. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada.

terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. Michel Simón (Jean Lemaitre). no llegará a solucionarse. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). en el que es. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. Como él mismo ha señalado. Irónicamente. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. empezando por su propio título. y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. Texas. Hunter insiste en acompañarle. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. París. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. Texas. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. en la que se desvelará el motivo de su separación. la escena clave del film. de la música y del cine. La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. de Joseph Deltell). Comentario Aunque esta austera y. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. sin embargo. Travis se marchará solo. muy exitosa película. Alfinal. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). el hijo de Travis. si bien se trata de una problemática que. Antonin Artaud (Massieu). a través de los libros y. el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur). sobre todo. y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. Louis Ravet (Jean Beaupére). INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco).312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. París. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. su mujer. Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. DU- RACIÓN: 114 minutos. en último término. la adolescente . su mejor papel hasta la fecha). pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. sin duda. sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. B/N. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films.

retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. para su director. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). pide que se le aplique la pena. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. el director danés optó por Juana de Arco. convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. cuya canonización se había producido en 1920. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. pero. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados. . Subir Banerjee (Apu). debido a la complejidad de los decorados. El verdadero tema de la película. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. Dreyer trató con extrema dureza. pero ella se mantiene firme ante sus captores. generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. Urna Das Gupta (Durga). Aunque su cuerpo haya sido destruido. MÚSICA: Ravi Shankar. Como ocurre en el resto de su obra. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. Con la cabeza rapada. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. MONTAJE: Dulal Dutta. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. particularmente. Chúmbala Devi (La tía). sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. era el único reino verdadero: el del alma. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. considerado revolucionario en su época. DURACIÓN: 115 minutos. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). una vez más. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. pero triunfa en lo que. B/N. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. se resiste a hacerlo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. Karuna Banerjee (Sarbajaya). El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. según se dice. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). es llevada a la estaca donde morirá quemada. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. Pather Panchali India.

sus hijos Apu y Durga. Finalmente. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. a varios patrocinadores en potencia. de Durga. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. reinició la filmación ya en 1953. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. sin ningún resultado. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. se había convertido en un clásico contemporáneo. Apu conocerá también el significado de la muerte. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. tras un parón de varios meses. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). En la escena más famosa de la película. A pesar de todas estas dificultades. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. . La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. Apu. dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. aunque teñida de lirismo. lo estuvo mostrando. Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. para cuando Ray la filmó. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. esta película. entre otras razones. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. ya en los años cincuenta. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. y su anciana Tía. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. posteriormente. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. si llegaba a completarse. sin embargo. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. a lo largo de un año. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. Que esto fuera así se debió. acompañado de su hermana. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico.

mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. 1969) o Love Story (1970). También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). Mad World. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. finalmente. Volker Schlóndorff. Francis Ford Coppola. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. a principios de la década de los setenta. loco. Mad. 1972).como Sonrisas y lágrimas (1965). engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. o producciones convencionales del género de terror. la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. como El exorcista (1973). a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. el director de Aguirre. Texas (1984). con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975). Peter Bogdanovich. mientras otros directores. Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. con Malas calles (Mean Streets. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. sería la película Mad Max. 1969). 1970). Aeropuerto (Airport. estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. 1974). podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). 1976) y que. terminaría trabajando en los Estados Unidos. . caso de Pasolini o Bertolucci. Mad. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno.318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. No obstante. 1962). Lo cierto es que. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. No obstante. con La última película (1971). donde realizó París. 1975). 1962) o El mundo está loco. Fred Schepisi y Peter Weir. El día más largo (The Longest Day. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. 1963). buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. caso por ejemplo de La conversación (1974). con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. con El padrino (1972) y Martin Scorsese. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. loco (It's a Mad. En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. 1973). 1966). Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. la cólera de Dios (1972). con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces.

este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. trata de consolar a su amigo antes de que muera. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). FOTOGRAFÍA: John F. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. Jean Heather (Lola Dietrichson). pero antes de que él la matara. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. Retorno al pasado [OutofthePast]. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. En el final original de la película. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. detective de la compañía. Robinson (Barton Keyes). otro de los decanos de la novela policiaca. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). Adaptación de un relato de James M. cada vez más asqueado. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual.). Sin embargo. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. finalmente. tras llamar a la policía. Tom Powers (Mr. etc. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). sospechó que se trataba de un fraude y. Cain. Porter Hall (Mr. que. su deseo por esa mujer le llevó. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. a pesar de lo cual. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. tuvo tiempo de dispararle. Fred MacMurray es condenado por ase- . a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. MÚSICA: Miklos Rozsa. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. Edward G. con frecuencia. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette.UU. 1981. Argumento Walter Neff. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. MONTAJE: Doane Harrison. con sus diálogos afilados. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. y el mordaz Billy Wilder. Neff. Jackson). Three ofa Kind). El protagonista masculino. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. Seitz. Dietrichson). Keyes. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. DURACIÓN: 106 minutos. 1946. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. En el caso de Perdición. primero.. realizada al alimón por Raymond Chandler. un vendedor de seguros. luego. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. 1947. Cain. B/N.

una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. Vogler). Su estado. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. Comentario Persona. MÚSICA: Lars-Johan Werle. MONTAJE: UUa Ryghe. su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. Persona Suecia. es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. por contraste. que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. una mujer aquejada de una mudez psicosomática.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. Cuando llega el marido de Eli- . donde Elisabeth comienza a recuperarse. Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. Margarethe Krook (La doctora). Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. DURACIÓN: 81 minutos. B/N. inesperadamente. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. que. GUIÓN: Ingmar Bergman. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. que. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. a mitad del film. habla sin parar. Según se cree. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. pertenecientes a la fantasía del adolescente. Jorgen Lindstrom (El muchacho). Gunnar Bjornstrand (Mr. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. Alma. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. Esos 20 minutos de película. Bibi Andersson (La enfermera Alma). No obstante. el celuloide parecerá quemarse. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. que no tiene explicación médica. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. sabeth.

Jean Pelegri (Inspector de policía). PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. DURACIÓN: 80 minutos. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). después de mucho tiempo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. Marika Green (Jeanne). se ve forzado a abandonar Francia. pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. un estudiante solitario y sin dinero. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. La policía le detiene. vuelve a quedar en libertad. Pierre Etaix (Cómplice). no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. debida a un director que. B/N. Tras ser detenidos dos de sus colegas. En última instancia. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. Apesadumbrado tras la muerte de su madre. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento.sino por el propio acto en sí. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . Kassagi (Carterista). Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. y es. al poco tiempo. un Pickpocket Francia. no obstante. va adquiriendo. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. MONTAJE: Raymond Lamy. precisamente. GUIÓN: Robert Bresson.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. tan evasiva. Pierre Leymarie (Jacques). Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. vuelve a encontrarse con Jeanne. pero. Cuando regrese. a la vez. Argumento Michel. por principio. dromo. esa ambigüedad. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. no es más que parte de la ilusión creada por el cine.

que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). decidido a devolver el oro robado. A continuación se sucederán los enfrentamientos. Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. no puede considerarse una adaptación de la novela. . le contratan para que trabaje a su servicio. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo).326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. Finalmente abandona la ciudad. toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio. típicamente bressoniano. 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. Luego engaña a los Rojo. este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. MONTAJE: Robert Cinquini. en los que muchos serán los que mueran. enemigos declarados de aquéllos. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. Marianne Koch (Marisol). MÚSICA: Ennio Morricone. Los Rojo. Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). La película. consiguiendo ese efecto. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. Antonio Prieto (Benito Rojo). Wolfgang Lukschy (John Baxter). Sin embargo. aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre).

del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. Poco después Sam Loomis y Lila. dándoles a su vez un cierto toque operístico. B/N. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). Mientras exploran la mansión de los Bates. John Mclntire (Sheriff Chambers). sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. mediante unos primeros planos brutales. aunque.000 dólares. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . Russell. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. así como por sus duelos interminables y ritualistas. Si Steve Reeves estaba descartado. debía tratarse de un actor conocido del público. A pesar de la aparente oposición de su madre. Argumento Tras haber huido con 40. Martin Balsam (Milton Arbogast). una versión oficiosa del Mercenario. adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. también morirá a machetazos. Janet Leigh (Marión Crane). Vera Miles (Lila Crane). Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. Norman Bates decide darle una habitación.000 dólares pertenecientes a su jefe. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado.000 dólares. Marión Crane llega al Motel Bates. Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. MÚSICA: Bernard Hermann. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. MONTAJE: George Tomasini.. por lo general. Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. sin embargo. de Kurosawa. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y. preferiblemente. llegarán para investigar su desaparición. John Gavin (Sam Loomis). cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. la hermana de Marión. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy.UU. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. comenzó a buscar al protagonista que. Psicosis PSYCHO EE. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. FOTOGRAFÍA: John L. de calidad muy inferior. Más tarde. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). a poder ser. no demasiado caro. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. en apariencia inagotable. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial. Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. Atraído por el guión. La película. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. DURACIÓN: 109 minutos. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock).

una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. a pesar de lo cual. así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. La utilización del blanco y negro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. dos delincuentes juveniles. por un lado. Donald Cook (Mike Powers). por otro. 1983). así como las técnicas empleadas en su realización. dirigida por el propio Perkins). FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. aparentemente cuerdo. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. 1931 DIRECTOR: William Wellman. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. que. Beer and Blood).. Joan Blondell (Mamie).no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. Norman. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. Ed Gein. así como a su fotografía y dirección artística. GUIÓN: Kubec Glasmon. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. The Public Enemy EE. B/N. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca.330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. DURACIÓN: 84 minutos. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha. MÚSICA: David Mendoza.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. una consecuencia del modesto presupuesto de 800. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. a su vez. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. Zanuck). Beryl Mercer (Ma Powers). INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers).UU. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. 1986. Un Norman. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. Psicosis III (Psycho III. MONTAJE: Ed McCormick. un asesino y necrófago de Wisconsin. Jean Harlow (Gwen Alien). Argumento Tom Powers y Matt Doyle. interviene Sam. se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. Edward Woods (Matt Doyle). ya bajo atención psiquiátrica. son. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. Más adelante.

. más violenta y más realista que jamás hayas visto». en adelante. cuyo personaje. está basado en el gángster de Chicago. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. Sin embargo. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. el arquetipo del gángster hollywoodiense. seguirá el camino recto. envuelto en vendas. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. ha pasado a la pequeña historia del cine. En un principio. tras tres días de rodaje. sobre todo. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. según se cree.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. James Cagney. Cagney. con su característico estilo bronco y agresivo. Tom promete a su familia que. había sido elegido para interpretar a Doyle. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. Aunque. y le mata de un disparo en la sien. un rubia explosiva. el jefe de la banda rival. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. pero la banda de Schemer le saca del hospital. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. Sin embargo. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. éste le respondió lo siguiente: «Mira. las películas de gángsters están acabadas. Comentario Se cuenta que. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. Bill. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. un papel mucho menos relevante. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. bordó su papel y creo. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. tras más de sesenta años. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». Cagney.

al igual que Capra. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. pero se le aparece Clarence. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. un ángel. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. Bailey). se plantea la posibilidad de suicidarse.UU. GUIÓN: Francés Goodrich. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra). 1939). sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey). Lionel Barrymore (Dr. hacen de esta . una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. de Michael Wilson. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar.. cuando Bailey. no reflejada en los títulos de crédito. contando también con la colaboración. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. un actor que. devorado por el rencor. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. Thomas Mitchell (Tío Billy). Beulah Bondi (Mrs. Henry Travers (Clarence). Corren las fechas navideñas. Donna Reed (Mary Hatch). aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. Potter). FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. 1938) y Caballero sin espada (Mr. Clifford Odets y Jo Swerling).K. casi perfecta. 1946 DIRECTOR: Frank Capra.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. Aunque la R. el papel principal se destinó a James Stewart.O. había adquirido los derechos. Desde el primer momento. sin embargo. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. B/N. su madre sería una viuda solitaria. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. Hundido en la desesperación. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. MONTAJE: William Hornbeck. Potter. En cuanto al papel de esposa. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios. sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. DU- RACIÓN: 129 minutos. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. Smith Goes To Washington. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. un banquero sin escrúpulos. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. recayó en un principio en Jean Arthur.

una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. MÚSICA: Frank De Vol. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. Nominada para cinco Osear. Victor Buono (Edwin Flagg). Cuando llega la policía. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). Jane se la lleva a Malibu Beach. vive a merced de su hermana Jane. tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. DURACIÓN: 132 minutos.UU. B/N. Maidie Norman (Elvira Stitt). el ama de llaves. sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. una mujer cada vez más perturbada. El resultado. Joan Crawford (Blanche Hudson). provocando una sádica guerra de nervios. 1962 Robert Aldrich. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. es asesinada cuando trataba de liberarla. MONTAJE: Michael Luciano. en el transcurso de la cual Elvira.000 dólares a cada una de sus estrellas. Jane. causó sensación. Blanche decide vender su casa.. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. sumida en la más profunda locura.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional.000 dólares. Bates). en los últimos tiempos. interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane». las oportunidades descienden vertiginosamente. Cuando éste descubre . un fracaso comercial en el momento de su estreno. a Blanche. que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». con la intención de enterrarla viva. la película fue. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. Della Flagg). Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. Anna Lee (Mrs. pagando tan sólo 50. Jane contrata al pianista Edwin Flagg. Marjorie Bennett (Mrs. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). Finalmente. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. de los que no obtuvo ninguno. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho. Argumento Blanche Hudson. En vista de ello. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). además. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia.

los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve.. DURACIÓN: 82 minutos. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. una corista. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. Hush Sweet Charlotte. MONTAJE: Charles Chaplin. fugiados en una remota cabana. el vagabundo se reúne con Georgia. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. en su viaje de regreso. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. Tom Murray (Black Larson). 1967). querida (Fanatic. ya iniciado el rodaje. Mack Swaim (Big Jim McKay). no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). debido a una enfermedad. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. GUIÓN: Charles Chaplin. Sin embargo. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. que ha descubierto su filón de oro. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. si bien. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). B/N. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. Un rey en Nueva York (A King in New York. donde se enamora de Georgia. Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. a la que invita a su fiesta de nochevieja.UU. Más adelante. McKay. para que le ayude a encontrar su mina de oro. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. Se produce una pelea. Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte.1964).l964). los proble- . alfiny al cabo.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. En adelante. que ha recuperado la memoria. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. Georgia Hale (Georgia). Hall. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. Entretanto. Betty Morrissey. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana.

Masago. el pequeño vagabundo. Atrapado por una tormenta. sometido a una persecución por toda la cabana. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. fue una de las producciones mudas más taquilleras. y de la violación de su mujer. Masayuki Mori (Takehiro). MÚSICA: Fumio Hayasaka. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. DIRECTOR: Argumento Japón. siglo VIII. Takehiro. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. DURACIÓN: 88 minutos. Estos rasgos se aprecian. Minoru Chiaki (Monje).5 millones de dólares. El relato deprime a un monje allí presente que. No obstante. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. Rashomon Japón. acusado del asesinato de aquel hombre. de Ryunosuke Akutagawa). Por su parte. en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. enormemente popular desde el momento de su estreno.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica. 1951 Akira Kurosawa. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). realizada por el propio Chaplin. Machiko Kyo (Masago). sostiene que se trató de un combate limpio. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. El bandido Tajomaru. . una escena donde consigue crear. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. Takashi Shimura (Tratante de leña). Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. La película. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración. A través de una médium. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. Siguiendo un esquema característico de su autor. sin embargo. un tanto desmañada. partiendo de los objetos más comunes. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. El leñador. Masago afirma que. B/N. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. tras ser violada. GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. sin embargo. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). por ejemplo.

y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. un autor que se suicidó en los años veinte. posteriormente. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. pero. justo antes de saltar. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. por ejemplo. un muchacho huérfano. El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. El comentario realizado por el propio Kurosawa.. sin duda. se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. El resultado no estuvo a la altura del original. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray). fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa.1964). Jim Backus (Padre de Jim). y Laurence Harvey en el papel de marido. su innovadora estructura narrativa. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. la guerra. fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . dirigida por Martin Ritt. Jim da parte a la policía. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. En su primer día conoce a Judy. DURACIÓN: 111 minutos. Natalie Wood (Judy). quizá erróneamente. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. Jim Stark. 1955 Nicholas Ray.un exotismo que. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. Sal Mineo (Platón). Desoyendo el consejo de sus padres. como la víctima. Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso. hace amistad con Platón. ha llevado a algunos críticos a considerarla. por encima de todo. Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados. convertida en el western Los siete magníficos.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. de los Siete samurais. el jefe de una pandilla. MONTAJE: William Zeigle. Dennis Hopper (Goon). MÚSICA: Leonard Rosenman. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. Sin embargo. Ann Doran (Madre de Jim). un taciturno adolescente. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. la solidez de su trabajo actoral y. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». titulada Cuatro confesiones (Outrage. en compañía de Judy y Platón.UU. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. la película. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart).Ras- homon sería objeto de una versión.

Pues. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. B/N. MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. la esposa del Marqués De la Chesnaye. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. Por otro lado. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). para Sal Mineo. que trata de vengarse. películas y otros tantos productos similares. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. MONTAJE: Marguerite Renoir. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. es abatido a tiros por la policía. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. Monsigny y Saint-Saéns. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor. y mejor actor secundario. Sin embargo. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. ropas. al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). Christine. Paulette Dubost (Lisette). El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). trata de encontrar unos valores que le sean propios. 1956). DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. cuando finalmente accede a hacerlo. el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. Marcel Dalio (Robert. Mila Parley (Genéviéve). Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. No obstante. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. como Rebelde sin causa. siguen rebosando autenticidad. se entera de que su ma- . mejor actriz secundaria.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. marqués De La Chesnaye). la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. para Natalie Wood. Jean Renoir (Octave). a partir de Mozart. de Elia Kazan. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. llamado James Dean. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos.

la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. Una de las frases emblemáticas de la película. pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. se descubre una nueva faceta de la misma. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. el guarda de la finca. La regla del juego sería amputada drásticamente y. un amigo de la infancia. prohibida por las autoridades de Vichy. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. hasta componer. Renoir señalaría. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. Sin embargo. en realidad. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. más adelante. más tarde. una farsa actualizada de Beaumarchais.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. más adelante. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. Por todos estos motivos. finalmente. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. con ese toque humano tan característico del director. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. . un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. Por su parte. Aunque. cada vez que se contempla.y es uno de esos raros casos en que. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. aunque todos dan por sentado que. En vista de ello. Repleta de momentos memorables. El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él.

demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. el cine ha demostrado. como Marión Brando. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. Rocketeer (The Rocketeer. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». más adelante. 1936). el James Dean de Rebelde sin causa (1955). unos héroes dedicados a hacer el bien. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). acompañadas de sus respectivas secuelas. No obstante. un hombre cínico y desencantado. En la historia del cine norteamericano. sin embargo. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. 1991). Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. 1938) y The Sea Hawk (1940). Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. seguramente sea Indiana Jones.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves.348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. 1974). Como señaló su hijo. que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. Paul Newman o Steve McQueen. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. aunque no demasiado brillante. en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). Una escena. que encarnó Sean Connery. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. y los rebeldes apasionados. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. 1937). a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. 1941). algunas de ellas. El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. sugerida por el propio Harrison Ford. Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. o. 1991). Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. por lo menos. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. . las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. el romántico solitario. como Matt Helm o Derek Flint.

Aubrey Smith (Aage). la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. MONTAJE: Blanche Sewell. Un día. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). Salka Viertel y S. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). en aquel preciso momento. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. N. Nils Asther y Franchot Tone. Don Antonio de la Prada. mientras monta a caballo. finalmente. Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. descubre su relación. la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. DURACIÓN: 97 minutos. Willis. M. La Reina abdica. MÚSICA: Herbert Stothart. 1927). y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. tras quitarse su disfraz. la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. Cuando su anterior amante. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- .. Cristina manda partir a Antonio. sin embargo. le seguirá a España. siglo xvn. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. Magnus. Harwood. más adelante. perdidamente enamorada. se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. Entre ellos. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna). Mientras se encontraba en Suecia. pasan juntos dos días de absoluta dicha. una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. una reina sueca del siglo xvn. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. GUIÓN: H. se sintió atraída por la vida de Cristina. Ya de vuelta en Hollywood. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). Ian Keith (Magnus). se encuentra con el embajador español. John Gilbert. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. Mayer. Greta Garbo. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. a instancias de su amiga Salka Viertel. Sir C. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. con la promesa de que.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. Harta de tanta guerra. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. Con todo. y que. se va deslizando por la habitación de la posada. aquel en que. se prescindió del actor británico. B/N. Elizabeth Young (Ebba Sparre). tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces.UU. Argumento Suecia. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. siguen viéndose en secreto.

Rose. la Primera Guerra Mundial. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. Por su par- John Huston. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. por ejemplo. El sentimentalismo de la película (que contrasta. P. un individuo que siente debilidad por la ginebra. y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana.352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. Theodore Bikel (Primer Oficial). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton. piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). Entretanto. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África. Más adelante. Argumento África Central. S. Peter Bull (Capitán del Louisa). pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense.100 millas del río Congo. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. Forrester). aún hoy. que terminará por convertirse en amor. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut).UU. con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Eagle [Sam Spiegel]). Cuando John Huston se incorporó al proyecto. Katharine Hepburn (Rose Sayer).. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). AUnut dispone unos torpedos en su lancha. MONTAJE: Ralph Kemplen. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. MÚSICA: Alan Gray. La escena. Walter Cotell (Segundo Oficial). Tras un ataque alemán. la mojigata hermana de aquél. DURACIÓN: 105 minutos. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. Finalmente llegan al . 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. a resultas del cual muere un misionero. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. Condenados a morir ahorcados. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». Aquel año. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman). Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). Technicolor. libres de todo peligro. encuentra refugio a bordo de La reina de África.

Dean Martin (Dude). el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. interpretada por Deborah Kerr. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. un joven pistolero. 1957). Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. Angie Dickinson (Feathers). y un marine. Argumento La certeza de que Nathan. Ricky Nelson (Colorado Ryan). Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad.1955). Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. Ward Bond (PatWheeler). Más adelante se unirá a ellos Colorado. MÜSICA: Dimitri Tiomkin. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro.. En un primer momento. Chance se salva de un atentado contra su vida. INTÉRPRETES: John Wayne (John T. DURACIÓN: 141 minutos. el guardián de la cárcel. Katharine Hepburn. MONTAJE: Folmar Blangsted.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood. Finalmente. en un nuevo ataque. El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. pero. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. su ayudante Dude. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. 1975). está tramando un plan para liberarlo. Chance). más bien se trata de un telón de fondo. . reflejados en la novela Cazador blanco. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. que el director utiliza como Río Bravo EE. Por su parte. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. se impone a la banda de Burdette. McCampbell). Stumpy. Kuter. Chance. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias.UU. Walter Brennan (Stumpy). Allison. casi abstracto. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. H. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. papel que correspondió a Robert Mitchum.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. al que aceptará como ayudante. que contaba con la pareja formada por una monja. encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. corazón negro. y un lisiado. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. el hermano de Joe Burdette. favorecido por una buena provisión de dinamita. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. Dude es tomado como rehén. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks).

donde figuraba como montador un tal John T. el pistolero Colorado y la corista Feathers. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. mientras que. a todos los efectos. Miller. En la película que nos ocupa. Eugene Pallete (Fray Tuck). FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. era una nueva versión. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. John Carpenter. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. Claude Reins (El príncipe Juan). Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. ambientado en la Martinica. el viejo. DURACIÓN: 102 minutos. en 1976. Olivia de Havilland (La doncella Marian). Patrie Knowles (Will Scarlet). volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. pero valeroso carcelero. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. Wallis y Henry Blanke). No es de sorprender. Sol Polito y W. con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que.356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. Chance. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B.. está la relación entre el sheriff]ohn T. 1944). GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I.UU. en particular. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. Howard Greene. y Tenery no tener (To Have and Have Not. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. Río Lobo (1970). aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. por un lado. Chance y Dude. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. MONTAJE: Ralph Lawson. por tanto. que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . 1939). Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). sin demasiados cambios. así. la fórmula. por otro. su amigo alcohólico y.

Su único oponente. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. En el combate que se desencadenará a continuación. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. La película. 1936). y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. que recayeron en las personas de Weyl. en fecha más reciente. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. 1922). Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. A pesar de ello. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. Jack L. romántico. en compañía de Robin y de sus hombres. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. Kevin Costner en Robin Hood. Ganadora de tres Osear. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. Guy de Gisbourne. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. Cuando Ricardo regresa. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. 1991).358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. que se hizo cargo del rodaje de interiores. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. 1976) y. Korngold y el montador Ralph Lawson. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. roe de las películas románticas y de aventuras. el resultado final es un relato sin fisuras. Sin embargo. En uno de sus asaltos. atlético y picaro de todos ellos. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. que no tardará en enamorarse de su captor. Comentario Desde 1908. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. Con Flynn como protagonista principal. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . El Príncipe Juan y su aliado. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. Robin de Locksley. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. coge prisionera a la doncella Marian.

ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. en la medida de lo posible. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). Francesco. Marai Michi (Marina). una antigua amante de éste. Cain realizada por Visconti en 1942. el proyecto. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. El día antes de su boda con la viuda Pina. que aún hoy sigue conmoviendo. DURACIÓN: 100 minutos. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. MONTAJE: Eraldo Da Roma. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. Aunque desde un punto de vista analítico. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. un cura de su total confianza. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. la adaptación de la obra de James M. FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. Francesco Grandjacquet (Francesco). el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. uno de los jefes de la resistencia comunista. Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. Más adelante.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. PRODUCCIÓN: Excelsia. mientras que Don Pietro será fusilado. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. La crítica sigue dudando entre Ossessione. La película. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. el carácter melodramático de su trama. donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . MÚSICA: Renzo Rossellini. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). Marcello Pagliero (Manfredi). y Roma. Argumento Roma. filmados. GUIÓN: Roberto Rossellini. Megna. todo ello. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. e incluso sus muebles. Harry Feist (Mayor Bergmann). B/N. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. Manfredi.

realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. poco después. este último el autor de la novela en que está basada la película.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. uno de ellos el hermano de Jack. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. Comentario Sábado noche. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. MONTAJE: Seth Holt. cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. Bryan Pringle (Jack). El papel de la mujer casada y de más edad. Unido. como el Joe Lampton de Sábado noche. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). Cuando a Jack le asignen el turno de noche. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). le asegura que sus días de juerga no han terminado. se dispone a disfrutar por todo lo alto. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. 1960). por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente. Dando signos de mayor responsabilidad. Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. Arthur se compromete con Doreen. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). aprovechando que su marido se encuentra ausente. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. 1959). B/N. le propinarán una paliza. entre los que se contaban Stan Barstow. que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. Tras pasar la tarde en elpub. una chica que. Por otro lado. en un principio. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. hace noche en casa de Brenda. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. cando piso. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada. Arthur tratará de que aborte y. En cuanto al personaje de Finney. mientras se encuentran bus- . ni un arribista. Shirley Anne Field (Doreen). DURACIÓN: 89 minutos. un obrero de las Midlands. Norman Rossington (Bert). como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. el actor teatral Albert Finney. Arthur Seaton. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. pero. tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. Rachel Roberts (Brenda). FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. Hylda Baker (Tía Ada). Sin embargo. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. no es ni un joven airado. dos soldados. John Osborne y Alan Sillitoe. todos ellos personajes perfectamente definidos. le fue ofrecido a Diana Dors. MÚSICA: Johnny Dankworth. como Visco nti y Vittorio De Sica. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. se le resistirá. Con esta película.

Orson Welles (Hank Quinlan). la culpabilidad del policía norteamericano. uno de los sospechosos. u n policía mexicano.364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). FOTOGRAFÍA: Russell Metty. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. MÚSICA: Henry Mancini. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. derrotista. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. Argumento México. Con objeto de frenar a Vargas. aunque. Víctor Millan (Manolo Sánchez). 1958 Sed de mal encargado del caso. Ray Collins (Adair). Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. para que su marido abandone sus pesquisas. Joseph Calleia (Pete Menzies). No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza.UU. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). en última instancia. de Whitt Masterson). Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin. el voluminoso policía norteamericano . Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. según se descubrirá. En el tiroteo que se sucede a continuación. Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». Marlene Dietrich (Tanya). que permanece drogada. A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. preparan una trampa que demuestre. Vargas y Menzies. el jefe de una red de narcotráfico. se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. MONTAJE: Virgil M. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. entre otras razones. el ayudante de Quinlan. Janet Leigh (Susan Vargas).. B/N. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil. éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. mediante una grabación. Esa visión limitada y. Vargas. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. Joanna Moore (Marcia Linnekar). Vogel y Aaron Stell.

En un principio. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. Quinlan es. Román y Minnie Castevet. un actor que trata de salir adelante. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. se mudan a su nuevo apartamento. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal.366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. ante todo. Ralph Bellamy (Dr. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. A pesar de sus excesos estilísticos. John Cassavettes (Guy Woodhouse). MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman.UU. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. sería el director del film. más adelante. Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. Guy Woodhouse. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. con objeto de sacarle una confesión. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. Sidney Blackmer (Román Castevet). probablemente.. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. un personaje de otros tiempos. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. es. 1968 Román Polanski. lo cual no obstó para que. y que. Sapirstein). Vargas. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. FOTOGRAFÍA: William A. Argumento Nueva York. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. Guy le propone a Rosemary que tengan . donde traban amistad con sus vecinos. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). si actúa así. Hank Quinlan. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). rodado desde una grúa. Todo en este film. DURACIÓN: 136 minutos. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). es desmesurado. además de actuar. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. MÚSICA: Krzysztof Komeda. posiblemente. Maurice Evans (Hutch). PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). Ruth Gordon (Minnie Castevet). mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. que había dado por sentado que Welles. Sea como sea. un su- perviviente de la época de la frontera. y su esposa Rosemary. Fraker. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. Welles sólo había sido contratado como actor. Quinlan es una creación inolvidable. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. se verá forzado a recurrir a una trampa.

La monja poseída (To the Devil A Daughter. dará a luz.1961). se decide a consultar a su amigo Hutch que. Muy debilitada tras unos meses de embarazo. Por otro lado. . tras ser rechazado por Robert Redford. que. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. al despertar a la mañana siguiente. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. al poco tiempo. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). el montador de la cinta original. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. sin embargo. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. 1975) yLaprofecía (The Ornen. finalmente. en ese preciso momento. 1976). Su golpe maestro fue. Rosemary se siente indispuesta y. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. dirigida por Sam O'Steen. en el que se da a entender que Castevet es. La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary.1974). Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. un brujo. en realidad. En cuanto al papel de Guy. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. recaería en John Cassavettes. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. dejándole un libro sobre brujería. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. La película rodada para la televisión. así como la nominación para dos Osear. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. en el que era violada por un monstruo con cuernos. muere de forma misteriosa. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary.

la violencia extrema o la inmoralidad. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. los días del Código Hays estaban contados. aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. el espectador ha de ser protegido. 1955). Entre tanto. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. En el Reino Unido. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. Muchos países. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta. desafiando así a las leyes de la época. 1933). verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. por el contrario. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. en Estados Unidos. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. se instituiría el Código de Producción de Películas. Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). se guiaría durante los próximos treinta años.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. . a la vez que. conocida como «Las murallas de Jericó». en Sucedió una noche (1934). hoy en día. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). donde se trataba el tema de la drogadicción. mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. en cualquier caso. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939). 1945). Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. de hecho. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. delante de los niños. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. un antiguo director general de correos. según parece.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. Hays. y buena parte de la producción cinematográfica en general. han prohibido películas por motivos políticos y. fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. el sexo sigue siendo algo de lo que. En el Reino Unido. más conocido como el Código Hays. En la actualidad. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. Salvaje {The Wild One. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. creada por la propia industria. Aunque. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. el último tabú de la censura cinematográfica. mientras que una película como Víctima (Victim. domingo mañana (1960). Como consecuencia del Código. en teoría. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión.comparten habitación para pasar la noche. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. poco después. A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). a cuyo frente se situó a Will H. por ejemplo. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia.

MONTAJE: Eva Kroll. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. Strangelove . 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. Wayne Morris (Teniente Roget). DURACIÓN: 86 minutos. mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings.372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. Adolphe Menjou (General Broulard).. Ralph Meeker (Cabo Paris). en nombre de una supuesta justicia. anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. Así. Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. Kubrick. pero los artilleros se niegan a obedecer. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. muy alabada por la crítica. finalmente. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb).UU. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. FOTOGRAFÍA: George Krause. se decide éste a actuar en consecuencia. pero un fracaso desde el punto de vista comercial. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. Argumento Año 1916. MÚSICA: Gerald Fried. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). a unas 25 millas al oeste de Munich. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. si bien.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. Dada la inutilidad del intento. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. La película. Sin novedad en elfrente. George Macready (General Mireau). B/N. el General Broulard. GUIÓN: Stanley Kubrick. Harris). mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B.

concretamente de Apocalipsis 8 1-2. el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. una decisión . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. A día de hoy. En compañía de un herrero y demás gentes. Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. La película. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. que forman Jof. sigue siendo una obra notable. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block). su mujer. reúne a su familia y parte de inmediato. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. Varios ayudantes y electricistas. 1964). el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte. Dios y la Muerte. el amor. toma su título de un pasaje de la Biblia. Block se dirige al castillo de su familia. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. y sus hijos. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. casi desleído. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. Argumento Tras regresar de las Cruzadas. MÚSICA: Erik Nordgren. Ake Fridell (Plog). que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático. Lundgren. 7-8. Bibi Andersson (Mia).tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. Gunnar Bjorns- trand (Jons). El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. Nils Poppe (Joff). Mia. de la fotografía de Gunnar Fischer. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. Curiosamente. acertada. Bengt Ekerot (La Muerte).374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. 1987). B/N. A. pues la Muerte no tardará en visitar a Block. tanto por su audaz temática. Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». DURACIÓN: 96 minutos. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. desafiándola a una partida de ajedrez. Tramalning). que fue rodada durante el verano de 1956. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. MONTAJE: Lennart Wallen.

DURACIÓN: 100 minutos. grabadas por él mismo. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. en nuestra sociedad. ya se diera cuenta. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. posteriormente. pero tiene una relación con Cynthia. mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. de forma vacilante. mientras que Ann. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. Cuando ella le confiese que. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. en su opinión. Más tarde. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). carente de pretensiones. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. Ron Vawter (Terapeuta). está casado con Ann. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan. MÚSICA: Cliff Martínez. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. LIES AND VIDEOTAPES EE. Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. Soderbergh parece querer indicar que. Peter Gallagher (John Millaney). mentiras y cintas de vídeo. 1961). Sexo. Éste destruye sus cintas y. Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. trata de iniciar una relación con Ann. En cambio. manifiestamente impresionado. La película muestra cómo se va creando y.. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. mentiras y cintas de vídeo SEX. aunque fuera de forma inconsciente. Graham. un abogado de éxito. Argumento John. En este sentido. se desenmaraña. él reconocerá que es impotente. la hermana de ésta. MONTAJE: Steven Soderbergh. que descarga su ira sobre Graham. sólo se puede ir cuesta abajo». se da demasiada importancia al sexo. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. Cynthia. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . accederá a ser grabada. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. una pieza para cuatro manos. Comentario Sexo. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton).376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham.UU. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. Ann le pide el divorcio a John. Andie MacDowell (Ann Millaney). GUIÓN: Steven Soderbergh. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. gada por todo el asunto.

y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). a . Daisuke Kato (Shichiroji). 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. suscitó algunos equívocos. Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. Yoshio Inaba (Gorobei). aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. en gran medida. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. cuyo carácter escabroso. pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais. En vista de ello. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. Aunque peque de cierto esquematismo. suele ignorar. Terminado el combate. Siji Miyaguchi (Kyuzo). Kambei y Shichiroji se marchan. En cualquier caso. Minoru Chiaki (Heihachi). DURACIÓN: 200 minutos. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. Hideo Oguni y Akira Kurosawa. PRODUCCIÓN: Toho. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. B/N. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei).378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. blo en previsión de que se produzca un ataque.

dos grupos hostiles por naturaleza. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. MÚSICA: Howard Shore. PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. de donde rescatará a Catherine. Bonney (Instructor del FBI). entre tanto. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Anthony Heald (Dr. Scott Glenn (Jack Crawford). con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie.. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. la hija de una senadora. DURACIÓN: 118 minutos. Hannibal «El Caníbal» Lecter. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). Kenneth Utt y Ron Bozman).ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. para entonces. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. dirigido por John Sturges.380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. 1960). como es habitual en el director. un asesino que se encuentra en prisión. La sombra del guerrero (Kagemusha. a escala mucho mayor.UU. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. Frederick Chilton). Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. Entretanto. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. un western de Hollywood. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. Para obtener información vital. gracias a la pista de la mariposa. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. aprovecha un momento de descuido para escaparse. sospecha que el asesino es Jame Gumb. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. Argumento Clarice Starling. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción. Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. 1980) yRan (1985). tras matar a Jame de un disparo. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). el climax. Lecter. Ted Levine (Jame Gumb). una agente del FBI en prácticas. mientras Crawford. Catherine Martin. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. Clarice recibe una llamada desde Haiti. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. Sin embargo. Lawrence A. Como consecuencia de ello. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. resulta de una gran eficacia. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. es secuestrada. . y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. Anthony Hopkins (Dr. MONTAJE: Craig McKay. En su ceremonia de graduación. apodado «Buffalo Bill». Hannibal Lecter).

capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. Cunningham). junio de 1865. de John W. la antigua novia de Kane. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. arroja . Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). Kane. un personaje de una pieza. en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. mientras que será la propia Amy -a la que Helen.quien mate al cuarto. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. sólo en Estados Unidos. como no tardará en descubrir. Argumento Hadleyville.. Lo cierto es que. consigue acabar con tres de ellos. MONTAJE: Elmo Williams. El dragón rojo. mitad maestro. En un prolongado tiroteo. Amy. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. DURACIÓN: 84 minutos. asqueado. B/N. la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. No obstante. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. Otto Kruger (Percy Mettrick). Lloyd Bridges (Harvey Pell). como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. Grace Kelly (Amy Kane). en lo que hace referencia a los personajes. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. ha convencido para que se quede. típicamente norteamericano. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. un sheriff a punto de retirarse. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares.UU. treinta años atrás. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. Katy Jurado (Helen Ramírez). MÚSICA: Dmitri Tiomkin. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y. Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». mitad asesino.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. Solo y asustado. Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. que. La protagonista. de los asesinos en serie. una adaptación de la novela de Thomas Harris. y su prometida. el asesino invertido. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star».

384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. MÚSICA: Charles Mingus. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense. Argumento Manhattan. se ve asaltado por unos temores muy humanos. se pasa todo el día con sus amigos blancos. Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. Por su parte. Foreman. Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. interpretando el papel de un hombre valiente que. Ben Carruthers (Ben). INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). Tom Alien (Tom). sin embargo. un drama sobre el mundo del boxeo. Anthony Ray (Tony). más adelante. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. comparte piso con su hermano Ben.UU. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes.000 dólares. por su parte. 1966) o Julia (1977).000 dólares. Solo ante el peligro. y con su hermana Lelia. Hugh Hurd (Hugh). como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés. Tom y Dennis. Sombras SHADOWS EE. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. El tema se repite una y otra vez en su obra. Ben. MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. El actor. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. más un porcentaje en los beneficios. fue contratado por la exigua cantidad de 60. que en lugar de su tarifa habitual de 275. una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. más que a su mensaje político subyacente. Lelia se enamora de Tony. un cantante negro. que. B/N. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper.. Hugh. un joven de piel más clara. Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real.000. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. Rupert Crosse (Rupe). titulado «The Tin Star». DURACIÓN: 87 minutos.

la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. Helen Broderick (Madge Hardwick). tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos. A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. MONTAJE: William Hamilton. continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal. Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. Mientras practica en la habitación de su hotel. Sin embargo. en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales. Hugh le echa del piso. a pesar de las discusiones con su representante.K. DURACIÓN: 101 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Comentario Muy probablemente. el mayordomo). e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. etc. Max Steiner (dirección musical). Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. Walker. Argumento Londres. de Alexander Farago y Aladar Laszlo).). Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE.O. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. (Pandro S.386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. Al partir de un guión mínimo. B/N. Erik Rhodes (Alberto Beddini). como Faces (1968). con una trama apenas esbozada. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película.. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. En cuanto a Hugh. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . MÚSICA: Irving Berlín (canciones). Eric Blore (Bates. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). 1974). Berman). 1935 Mark Sandrich.UU. Realizada con un presupuesto muy bajo. PRODUCCIÓN: R. Ginger Rogers (Dale Tremont). Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). fotografía de grano grueso. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante.

Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire. otra residente del hotel. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. permitiéndoles. el endeble guión sobre una confusión de identidades. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. consigue ir limando asperezas. con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue. realizar otras seis películas juntos. Dale y Jerry libres ya para casarse. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. le propina una bofetada. un antiguo bailarín de Broadway. Nominada para cuatro premios de la Academia. importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. sentirán desbordarse su alegría. Travers y Madge la siguen. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. posteriormente. un profundo afecto.O. pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público. fue la pareja formada por Fred Astaire. en realidad. La alegre divorciada (The GayDivorcee. con el ingenioso dúo de amor-odio. en realidad. hasta que una nota induzca a Dale a creer. que se presenta en su habitación y. Sombrero de copa se quedó sin Osear. «Isn't This A Lovely Day» y. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick. que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa. Indignada. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. Beddini. erróneamente. la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. En ella. y Ginger Rogers. . una ex actriz de vodevil.K. 1934) y Robería (1935)..000 dólares realizada por los estudios. en su momento. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. que figuraba en el quinto lugar del cartel. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. sin mediar palabra. Enterada Madge del malentendido. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca».sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza.

con posterioridad.30 centímetros de altura y pesa 3. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929.. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. en su conjunto. tiene 34. tuvo cierto aire de fiesta privada. y la presencia en el evento de Al Jolson. para que. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. en la actualidad. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. Una semana más tarde. y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. con buen criterio. la bibliotecaria de la Academia. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. Hoy en día. Afincada en Beverly Hills. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar. al margen del prestigio que supone. discutible. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. en cierta ocasión. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. Murray Abraham.» . los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. sin embargo. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984). la historia más plausible parece ser que. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos.. mientras que la ceremonia.y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año».8 kilos. trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». con sonido incorporado. Margaret Herrick. sean votadas por el conjunto de la Academia. Louis B. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. o la de F. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax.. que amenizó la velada con sus canciones. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. la Academia cuenta con cerca de 3. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. una figura chapada en oro. La estatuilla. A fuer de ser precisos habría que señalar que. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. 1927). tras pasar por las manos del escultor George Stanley..500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. sin embargo.

la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. una muchacha algo varonil que vive en un convento. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. Charmian Carr (Liesl).UU. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). huye con su familia que. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. utilizando como tapadera un gran festival musical. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. Ateniéndose a criterios puramente artísticos. Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). 1938. Éste se niega a hacerlo y. también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. antes de que la tarea recayera en Robert Wise. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. y Maria regresa junto a Von Trapp. Según parece. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»).pero bastante ajustado. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. a su vez. INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. encuentra refugio en Suiza.. tras cruzar las montañas. y esta película tenía ambas cosas. Una vez allí. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. No obstante. sin embargo. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . Richard Haydn (Max Detweller). sin el más mínimo ápice de realidad». las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad. 1965 DIRECTOR: Robert Wise. DURACIÓN: 174 minutos. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. Dwight MacDonald. adaptación. en 1959. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. Eleanor Parker (La baronesa).392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. Sin embargo. hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores. un viudo con siete hijos. Peggy Wood (Madre superiora). Maria. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. en la revista Esquire. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. MONTAJE: William Reynolds. Naturalmente. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp. Argumento Salzburgo. sin una nota en falso. un espectáculo kitsch en estado puro. Maria regresa a la abadía de Nonnberg.

y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. en un sentido más general. El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. La actriz. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. el farero. Callegari. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. año cero. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. los espectaculares paisajes de la isla. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. En la pantalla. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. MÚSICA: Renzo Rossellini. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. (Roberto Rossellini). ciudad abierta. P. 1947 [ Germania. pero. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. entre ellas las de mejor película y mejor director. . decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. en este caso. con la ayuda del farero. Paisa. cinco de las cuales. 1953). sin embargo. Sergio Amedei y C. que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. Al descubrir que está embarazada. Renzo Cesana. se convertirían en premios. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. Mario Vítale (Antonio). DURACIÓN: 81 minutos. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. Art Cohén. trata de escapar. 1946 y Alemania. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma. TERRA DI DIO Italia. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. a lo que habría que añadir en favor de la película. La combinación resulta violenta y refleja. cuando se recupera.K.O. Traba amistad con Sponza. GUIÓN: Roberto Rossellini. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. Renzo Cesana (El cura). en algunos lugares. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. 1945. B/N. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. el experimento no funcionaría igual de bien. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. que. atino zero]). llegara incluso a boicotearse la película. Mario Sponza (El farero). El joven la lleva consigo a Stromboli. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. la diminuta isla donde nació.

Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. «Night Bus». pero la petición fue denegada por Louis B. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. Es sabido que otras actrices. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. al igual que había sucedido con la Metro. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. Margaret Sullavan y Constance Bennett. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE. 1934 DIRECTOR: Frank Capra.UU. La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. DURACIÓN: 105 minutos. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York. 1927). y ambos se fugan. Argumento Ellie Andrews. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. Mayer. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. a la que denominan «las murallas de Jericó». Claire MacDowell (Madre). caso de Miriam Hopkins. El día de su boda con otro hombre. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. Exigió que se le pagaran 50. MÚSICA: Louis Silvers. Clark Gable (Peter Warne). Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. B/N. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. una rica heredera. que. debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. En él viaja también Peter Warne. además. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. rechazaron el papel. Una manta tendida entre sus camas.000 dólares por cuatro semanas de rodaje. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones.. el film que supuso su debut cinematográfico. MONTAJE: Gene Havlick. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. mientras que la Paramount. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). el mandamás de la M-GM. de Samuel Hopkins Adams). permite a Ellie conservar su pudor. un periodista que acaba de ser despedido. Roscoe Karns (Osear Shapeley). seis días y cuatro horas. Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. Walter Connolly (Alexander Andrews). . INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). Jameson Thomas (King Westley).

pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto. Dorothy Malone (Dueña de la librería). una de sus hijas. El choque entre personalidades opuestas. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). de Eddie Mars). mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral.UU. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. Mars. Peggy Knudsen (Sra. había sido asesinado por Carmen. Sin embargo. al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. . pero no inaccesible. en realidad. con su personaje de una belleza distante. El hombre en cuestión es asesinado. La pista de la desaparecida Sra. John Ridgley (Eddie Mars). Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. GUIÓN: William Faulkner. Martha Vickers (Carmen Sternwood). la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. MONTAJE: Christian Nyby. 1934) o La fiera de mi niña (1938). el jugador Eddie Mars. 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. la seductora hermana de Carmen. aparece desnuda. a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. Lauren Bacall (Vivian Rutledge). Mars le conduce hasta un garaje.398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar.. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks).que. MÜSICA: Max Steiner. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. y hacia Vivian. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. DURACIÓN: 114 minutos.

es un lacónico eufemismo de la muerte). En 1978. Los fascistas toman Danzig. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. eran ya marido y mujer. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. Mario Adorf (Alfred Matzerath). aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. La pareja. Katherina Thalbach (María Matzerath). en Historia de un detective {Murder. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). se echan Bogart y Bacall. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. GUIÓN: Jean-Claude Carriére. Jan. ¡qué diablos. a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. Argumento Polonia.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. idéntico al de la película. A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. My Sweet. en este caso ambientada en Londres. un tendero de Danzig. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. Oskar. DURACIÓN: 142 minutos. más adelante. en La dama del lago {The Lady in the Lake. A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. que quizá sea el padre de Oskar. 1944). 1975). (basado en la novela de Günter Grass). INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). 1979 Volker Schlóndorff. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. da a luz a Agnes. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. entretan- . PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). primeros años del siglo xx. cuando ya era posible tratar cualquier tema. como si fueran pelotas de tenis. Angela Winkler (Agnes Matzerath). Tener y no tener (To Have and Have not. 1945) o Robert Montgomery. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. se realizó una nueva y torpe versión. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. pero. Terminada la Primera Guerra Mundial. particularmente en el intercambio de pullas que. 1946). Agnes se casa con Alfred. MÚSICA: Maurice Jarre. Franz Seitz y Volker Schlóndorff. si ni siquiera yo lo sabía!». que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. muñeca {FarewellMyLovely. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). entre ellos algunos nombres ilustres. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla. MONTAJE: Suzanne Barón. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. como Dick Powell.

Jan es fusilado. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. . la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. que ha sido acusado de colaboracionista. Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. Más adelante. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. que se encuentra sitiada. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. y sería. La película es un tour deforcé visual. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. precisamente. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible. sin lugar a dudas. El papel requería un niño de tres años. se refugia bajo las faldas de su abuela. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. regresa a Danzig. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. donde asiste al fusilamiento de Alfred. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. levemente trabados entre sí. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. Tras ser capturado por los alemanes. Schlóndorff. sino mediante una serie de episodios. Con todo. Tras la liberación. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. no obstante. que. en la actuación de David Bennent.

Con referencia a esta película. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. que se define a sí mismo como católico. cargándose a un atracador en un supermercado. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. Albert Brooks (Tom). Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. Una película que trata de la angustia religiosa. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956)..UU. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). Las connotaciones religiosas del drama son constantes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. ofreciendo una visión satinada. y un guionista como Paul Schrader. pero pronto es rechazado. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno. Argumento Nueva York. un veterano de Vietnam. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. el chulo de la chica. 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. GUIÓN: Paul Schrader. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. Foster (Iris Steensman). y . MÚSICA: Bernard Herrmann. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. Cybill Shepherd (Betsy). Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). partiendo de una inversión inicial de 2 millones. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. una empleada de un equipo electoral. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). consigue plasmar una frustración casi existencial. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. DURACIÓN: 112 minutos. concebida como una especie de infierno en la tierra. Tom Rolf y Melvin Shapiro. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. para que acepte una cita con él. una prostituta de doce años. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. Lo logrará tras asesinar a Sport. Travis Bickle. este retrato arquetípico de la vida urbana. Peter Boyle (Wizard). Consigue engatusar a Betsy. Por su parte. Cumplida su misión tratará de suicidarse. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». durante el día. Posteriormente. De noche trabaja de taxista y. Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. Harvey Keitel (Sport). la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. MONTAJE: Marcia Lucas. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. Cuando conoce a Iris.

FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. DURACIÓN: 104 minutos. B/N. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. GUIÓN: Graham Greene. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. Argumento Al llegar a Viena. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. la novia de Lime. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. se trata del mismísimo Lime. En vista de todo ello. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental. mientras Anna. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. MÚSICA: Antón Karas. 1960). Cuando se produzca el encuentro entre ambos. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche. Martins mata de un tiro a Lime. Joseph Bato y John Hawksworth. Bernard Lee (Sargento Paine). Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. Martins decide descubrir la verdad. o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. Trevor Howard (Comandante Calloway). Terminado el entierro de éste. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. Una noche. atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- . dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. añadió a la elección de actores un toque de genialidad. Alida Valli (Anna Schmidt). tras abandonar el piso de Anna.406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. Wilfred Hyde-White (Crabbit). 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. Orson Welles (Harry Lime). Calloway amenaza con deportar a Anna. auspiciando así la reunión con Orson Welles. cia a los delitos que ha cometido.

408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). no hubo más que terror.UU. MONTAJE: Duwayne Dunham. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-.. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. pero surgieron Miguel Ángel. tuvieron quinientos años de amor. La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). Y. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart».» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. un extravagante thriller con toques surrealistas. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. 1986 DIRECTOR: David Lynch. por el contrario. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). «En Italia. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. En su calidad de autor de sus propios diálogos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Hope Lange (Mrs. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. Dean Stockwell (Ben). como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. le valió una nominación para el Osear al mejor director. 1980). Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. DURACIÓN: 120 minutos. aparente- . donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. Laura Dern (Sandy Williams). 1976). Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. democracia y paz. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. GUIÓN: David Lynch. en treinta años de dominación de los Borgia. guerras y matanzas. Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). MÚSICA: Angelo Badalamenti. Dejando a un lado otros proyectos. En Suiza. Cuando llega Frank. Williams). FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. Dennis Hopper (Frank Booth ).

DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). Cuando se capture a un tiburón. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. Acompañado por Brody y Hooper. se hace a la mar.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica. hace volcar el barco y devora a Quint. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. . su alcalde.UU. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. MÚSICA: John Williams. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. en un acto de desesperación. Cari Gottlieb (Meadows). En una reunión de los vecinos del pueblo. se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. TICA: Joseph Alves júnior. Robert Shaw (Capitán Quint). de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas.. Zanucky David Brown). preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. MONTAJE: Verna Fields. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). FOTOGRAFÍA: Bill Butler. Con Hooper temporalmente fuera de combate. ésta los arrastra mar adentro y. de más ocho metros de longitud. no recogidas en los títulos de crédito. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. tras rodearlos. un viejo lobo de mar. con colaboraciones. Matt Hooper. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. Brody. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. Sin embargo. Lorraine Gary (Ellen Brody). Cuando finalmente avistan a la bestia. Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. Quint. DURACIÓN: 124 minutos. además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). de Howard Sackler y John Milius). PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). un experto en el tema.

su primer largometraje para la pantalla grande. 1976 DIRECTOR: Alan J. Con todo. a la manera de Hitchcock. con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. cuya obra sería pasada por alto por la Academia. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. DURACIÓN: 138 minutos. se irían sucediendo a partir de entonces. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. MÚSICA: David Shire. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . Wolfe. Hal Holbrook (Garganta Profunda). Robert Redford (Bob Woodward). y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. Jack Warden (Harry Rosenfield). la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina.resultara creíble. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». Spielberg. con calidad siempre decreciente. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo. de los miedos primordiales de la humanidad. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. MONTAJE: Robert L. 1974). Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. En relación con éste. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. hacerse con sendos Osear por su montaje. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward). El proyecto. Pakula.. no tuvo nada que ver con las secuelas que. tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. Sin embargo. antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). además de ser objeto de algunos elogios extravagantes.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. basado en una novela de éxito. se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. Martin Balsam (Howard Simons). Según su concepción. sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. Jason Robards (Ben Bradlee). insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston.UU. los resultados fueron extraordina- ríos. con estas ideas en mente. INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE.

por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. que administra el antiguo Ministro de Justicia. a convertirse en una película de primera categoría. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. los medios de comunicación y el gobierno. mejor guión y mejor actor secundario. Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. para finales del año 1975. que. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. con actores de segunda fila. el Jefe de Personal de la Casa Blanca. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. el Asesor Especial de la Presidencia. mejor dirección artística. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. había vendido ya 2. para proteger la que. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. finalmente. supondrá la caída del presidente Nixon. Animados por el apoyo del actor. Alan J. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. 1972). los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. al poco de haber jurado un nuevo mandato. para entonces. .414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson.000 ejemplares. en este caso. John Mitchell. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. Seguirán trabajando en el caso. el director del Post.000 dólares. «Garganta Profunda». estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones.750. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). Siguiendo las orientaciones de su informante. ya era una inversión considerablemente alta.

Un tipo genial (Local Hero. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. (1982). tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). No obstante. o Jonathan Demme. este último. elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. la obra más taquillera de la década en su país natal.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). caso de El color del dinero (The Color ofMoney. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales.T. que. Still Lives. si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. con El silencio de los corderos (1991). la sombra del guerrero (Kagemusha. 1988) o con las películas de Derek Jarman. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. En cualquier caso. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. La guerra de las galaxias (1977) y E. La cinematografía china. este último. . o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). no obstante. cuyo éxito. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. con su Terciopelo azul (1986). Voces distintas (Distant Voices. Las puertas del cielo (Heaven's Gate. su carácter imprevisible. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). 1988). 1983). 1986). 1980). En busca del arca perdida (1981). por su parte. A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. hoy en día. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). un film que supondría su despedida del cine. de El gran azul (Le grand bleu. tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. 1991). el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). Fuera del ámbito norteamericano. autor. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. especialmente. Así. Martin Scorsese. En un mundo como el del cine. al promover una visión adolescente del mundo. El contrato del dibujante (1982). precisamente. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. David Lynch. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson. un cineasta que. Al otro extremo de la pirámide de las edades. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. Sin embargo. John Sayles y Spike Lee.

a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. B/N. A pesar de que. Por otro lado.UU. tanto dentro como fuera del ring. un colaborador habitual de Scorsese. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios. golpea a su leal hermano y pierde también su título.. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. En su calidad de dueño de un club nocturno. Frank Vincent (Salvy). Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década». Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. finalmente. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. Kirk Axtell y Sheldon Haber. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. Joe Pesci (Joey). se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. con más del doble de votos que su más próximo rival. Una vez alcanzado su objetivo. como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. que produce la dicotomía cuerpo/alma. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). Cathy Moriarty (Vickie La Motta). FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage). GUIÓN: EE. se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. en otro nivel. A lo largo de la película. se niega a entrenar. Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. su disciplina se relaja.de un total de ocho nominaciones. mientras el rodaje estuvo detenido. Nicholas Colasanto (Tommy Como). Theresa Saldana (Lenore). DURACIÓN: 129 minutos. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . típicamente católica. pierde a su esposa.

GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. MONTAJE: David Weisbart. Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero.. Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. Nick Dennis (Pablo Gonzales). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. dejando solo a Stanley. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. B/N. Karl Malden (Mitch). llamado Marión Brando. Marión Brando (Stanley Kowalski). la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski.UU. basado en el drama de Williams. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. que se quedará llamándola a gritos por su nombre. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. se mantuvo a Elia Kazan como di- . DURACIÓN: 125 minutos. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Feldman). INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. Kim Hunter (Stella Kowalski). te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. Rudy Bond (Steve Hubbell). Stanley. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. Argumento Comentario Nueva Orleans. que le escucha encantado.420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista.

Josef Goebels. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. con la notable excepción de Jessica Tandy. MONTAJE: Leni Riefenstahl. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. de dentro afuera. un documental. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. que. noticiarios. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. obteniendo tres de ellos. Por otro lado. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. El film fue nominado para doce premios de la Academia. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. la maestría del montaje de . Muy pronto. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. Aunque el film es. así como la decisión con que exploró. básicamente. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. la psique de su personaje. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. que fueron a parar a Vivien Leigh. de Vivien Leigh. Hitler y su ministro de Información. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. MÚSICA: Herbert Windt. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. DURACIÓN: 120 minutos. efectuado por el propio Hitler. Karl Malden y a la dirección artística. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). B/N. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. que fue sustituida por Vivien Leigh. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. 1950). inspirado en las ideas de Stanislavsky. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. Tanto en las primeras escenas.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. igualmente eficaz. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción.

es otro documental de corte propagandístico. en cierto modo. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. . en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». se sentirá muy apenado. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. Texas. Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. de una factura técnica impresionante. Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon. Entretanto.. Anarene. Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. Duane. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). Aunque. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. DURACIÓN: 118 minutos. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. un muchacho retrasado. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. Ellen Burstyn (Lois Farrow). INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». Argumento Año 1951. 1938). pero son interceptados por los padres de la chica. un acaudalado joven. Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. 1971 Peter Bogdanovich. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. una vez concluida la guerra. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. Jeff Bridges (Duane Jackson). frustrado por el comportamiento de Jacy. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Ben Johnson (Sam El León). Friedman). Cybill Shepherd (Jacy Farrow). MONTAJE: Donn Cambern. GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). Cuando Billy. sea asesinado. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. cuando el viejo muera. Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. Su siguiente obra. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. B/N. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. Cloris Leachman (Ruth Popper).424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos.

la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. MÚSICA: Elmer Bernstein.. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. Hugh O'Brien (Pulford). un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. Frankovich y William Self. Lauren Bacall (Bond Rogers).UU. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. James Stewart (Dr. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. Decidido a asegurarse una salida digna. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. Ron Howard (Gillom Rogers). MONTAJE: Douglas Stewart. volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. Texasville (1990). asqueado. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. Richard Boone (Mike Sweeney). ambientada muchos años después.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. No obstante. el hijo de ésta. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. El último pistolero THE SHOOTIST EE. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). sólo en los Estados Unidos. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. PRODUCCIÓN: Mike J. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. un thriller lleno de originalidad y tensión. Acaba con los tres. Nevada. obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. una secuela. Gillon interviene para matar al camarero. 22 de junio de 1901. DURACIÓN: 100 minutos. pero. que. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. Hostetler. y allí traba amistad con Gillon. arroja lejos de sí el . Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. pero queda gravemente herido. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). el director John Ford. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. compasión y emotividad descarnada. Hostetler). finalmente. 1967). Argumento Carson City. Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr.

que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. 1962). mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Mauro Marchetti (Cámara de TV). el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. DURACIÓN: 129 minutos.que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). 1972). desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. la electricidad. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. Paul y Jeanne. MÚSICA: Gato Barbieri. MONTAJE: Franco Arcalli. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul).428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma.que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. Darling Legitimus (Portera). Al día siguien- . coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. por ejemplo. 1955). que hace del enterrador de Carson City. 1972 Bernardo Bertolucci. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. o James Stewart. María Schneider (Jeanne). Catherine Sola (Script de TV). Al principio de la película. hacen allí mismo el amor. la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla. Franco Arcalli y Agnes Varda. el agua corriente. Después. Jean-Pierre Leaud (Tom). donde hace poco se suicidó su mujer. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. Por otro lado. El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. Todo en esta película. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. algo que también es aplicable al propio género del western. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros. contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. 1962). caso de John Carradine. el cineasta Tom. Argumento París. con toda su pintoresca gama de pistoleros. Lauren Bacall. un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. el jugador de La diligencia (1939). que acaban de conocerse en un piso vacío. él regresa a su hotel. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real).

la segunda de ellas la de mejor director). Por desgracia. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. El encanto se ha roto. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. B/N. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). 1940 DIRECTOR: John Ford. MÜSICA: Alfred Newman. Sin lugar a duda. tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. a veces. MONTAJE: Robert Simpson. GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. Con todo. John Carradine (Casy). conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas.430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. Jane Darwell (Ma Joad). verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. Jeanne regresa al piso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. con final en matrimonio. Comentario El último tango en París. Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. y a pesar de sus fallos. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. Zanuck). Mark Lee Kirk y Thomas Little. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella.. Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. Dorris Bowdon (Rosaham). . DURACIÓN: 125 minutos. lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. Russell Simpson (Pa Joad). Charley Grapewin (Abuelo Joad). El último tango en París rebosa veracidad emocional.UU. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida.

Ella. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). Darryl F. En un campamento estatal de tránsito. De hecho. 1964). que llegó a ser prohibida. Sin duda. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. un sacerdote.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. en varios lugares de América. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. en este caso bien organizado. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios. pero. por su parte. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. Casy. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria.tuvo algo que ver en ello. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. En un campamento al que llegan.000 dólares. . y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores. el jefe del estudio. e incluso quemada. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. en cualquier caso. convirtiéndose en un fugitivo. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. un antiguo reportero de prensa. entre ellos el de mejor actor. Nominada para siete premios de la Academia. En los años sesenta. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. encargó el guión a Nunnally Johnson. Novela controvertida. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. y contrató a John Ford para la dirección. Tom venga su muerte. Zanuck. 1946). la película fue finalmente galardonada con dos Osear. Publicado en marzo de 1939. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. encuentra un refugio provisional.

sobre sus desconocidos efectos secundarios. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. 1990) mantuvieron la vitalidad del género.o degenerado. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. Douglas Trumbull. o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. El género. entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. G. o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). 2001.en una entrañable cursilería. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. No obstante. . En la década de los setenta. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). 1953). 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. 1953) y. 1973) o Soylent Green. Invasores de Marte (Invaden from Mars. la más impactante de todas. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx. 1973). 1902). debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. que fue merecedora de una nominación para los Osear. T. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. sin embargo. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. 1968) y sus numerosas secuelas. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. el octavo pasajero (Alien. 1954). lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. una serie que aún hoy sigue impactando. cuando los encuentros con seres extraterrestres. Wells en La vida futura (Things To Come. una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. 1981). más en concreto. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. 1979).y con Atmósfera cero (Outland. una fe que. un film que. 1951). entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. 1958). confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. una odisea del espacio (1968). Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. o la obra de Stanley Kubrick. (1982) había derivado . con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. Sin embargo. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). 1936). cuando salió a la luz su obra E. a todos los efectos. utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952).434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. generalmente hostiles. a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. un colaborador de Kubrick en aquel film. como ocurría en La humanidad en peligro (Them.

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

MÚSICA Y LETRAS: George M. De igual modo. . MONTAJE: George Amy. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. Irene Manning (Fay Templeton). que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. Cohan. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. En un principio. DURACIÓN: 126 minutos. B/N. George Tobías (Dietz). INTÉRPRETES: James Cagney (George M. Joan Leslie (Mary). Cohan). con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). La composición de George Washington Jr. Richard Whorf (Sam Harris).. Sin embargo. Tras la guerra. Walter Huston (Jerry Cohan). al igual que sucedía en la novela. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. productor asociado). la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. tal decisión no le resta impacto a la película. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. En cualquier caso. Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. estaba previsto que en la película. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. une a la familia por última vez. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo.UU. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner.

Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que.UU. James Cagney que. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos.000 dólares -de los que 100. cuando su hija muere atropellada por un camión. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt.500. Estelle Clark (Jane). mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. 1928 King Vidor. la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney.446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. hasta los momentos finales.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. fue. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. Bert Roach (Bert). un 4 de julio. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. Dell Henderson (Dick). la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. La película. GUIÓN: King Vidor. gracias a su inmensa experiencia. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. en todo momento. La vida de casado no es precisamente sencilla. el verdadero dueño de la misma es. Tomlinson (Jim). DURACIÓN: 95 minutos. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. Tras quedarse huérfano en su juventud. Narrada mediante flash-backs. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. Daniel G. A. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. John V. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan.000 fueron a parar a manos de Cohan.. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. que se encontraba ya muy enfermo.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. Sin embargo. en un papel que le valió su único Osear. sin embargo. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. interpretando el papel de la hermana de Cohan. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). INTÉRPRETES: James Murray (John). Contando con un presupuesto estimado en 1. al mismo tiempo. B/N. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. Jeanne. según parece. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). MONTAJE: Hugh Wynn. John queda destrozado y comienza a ir . Eleanor Boardman (Mary).

fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. hasta que. pero no obtuvo premio alguno. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. James Murray. MÚSICA: Mikis Theodorakis. John toca fondo y decide suicidarse. algo que. en 1936. El actor principal. En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. DURACIÓN: 125 minutos. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York.Irene Papas (Helene). no era demasiado frecuente. 1934).448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. Francois Perier (Elfiscal). un carismático parlamentario de la opo- . FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. Cuando años más tarde. Georges Geret (Nick). donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. su orgullo le impidió aceptarlo. «Z». A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. MONTAJE: Francoise Bonnot. Vuelve a unirse a Mary. al que la película sacó del anonimato. Durante bastante tiempo no se supo nada de él. z Francia/Argelia. Jean-Louis Trintignant (El juez). y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. su cuerpo fue hallado en el río Hudson. California. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos). en la época. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). Argumento Un país mediterráneo. Jacques Perrin (El periodista). según se determinó se había quitado la vida. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces.

la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. 1973) o Desaparecido (Missing. pronuncia un discurso en un mitin pacifista. Al margen de su dimensión política. No obstante. 1981). el otro ocupante del vehículo. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. un testimonio que es corroborado por Vago.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. unos rasgos que. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. no ocurre lo mismo con Z. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. asegura que estaba borracho. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. . los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. Sin embargo. el conductor de la furgoneta. En Estados Unidos. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. Yago. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. Con todo. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. por lo demás. En última instancia. Finalmente. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. además. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. sin embargo. interpretado.

sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. pero que nunca pasaron de ahí. despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. . a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. Es interesante señalar que. tras dos semanas de rodaje en Suiza. No obstante. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. o la versión de la novela de Conrad Nostromo. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes. o The Jackpot (1975). Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. 1991). finalmente. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. 1989). una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. una comedia de Neil Simón. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. en algún momento. El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. 1941) y El halcón maltes (1941).452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. sería abandonada definitivamente. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. se le pasaron a alguien por la cabeza. en la actualidad. Ocurre a veces. Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). poco tiempo después. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. 1977). cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. Por otro lado. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles.The Deep (1957). cuya financiación solía ser muy precaria. Empieza el espectáculo (1979). a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. dirigida por Mike Nichols. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. Ése fue el caso de Bette Davis. Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. si pueden. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray. que ganaría el Osear por su papel en una película que. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. sin embargo. (1966). el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. Tras dos semanas de rodaje. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas.

delante de los niños. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad. El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine.en una palabra: emoción». La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». El cine negro «.índice de artículos monográficos El silencio es oro. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos». no. El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar.. El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche.. todos a bailar. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto». La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 .

derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 . muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre. Los Osear El presente... la cólera de Dios (Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es.». La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos». El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós.

_¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001.T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) . una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 . (E.T. (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry.

ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche. 269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead).. Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) . 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París.. 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu.. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) ... mentiras y cintas de vídeo (Sex. lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli.. eine Symphonie des Grauens). Texas (París.. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma.460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max. el vampiro (Nosferatu.. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 . Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo.

257 Jean Cocteau. 374 Bernardo Bertolucci.141. 255.334. 307 Merian C. 28 John Frankenheimer.238 Jonathan Demme. 65 AlanCrosland. 70 FrankCapra. 288 .396 Marcel Carné. 234 Francis Ford Coppola. 49. 181 Terence Fisher.290 Michelangelo Antonioni. 63 Samuel Armstrong. 104.322. 449 Kevin Costner. 181 Ford Beebe.23 Federico Fellini.336 Woody Alien. 381 WilliamDieterle. 429 Peter Bogdanovich. 100. 153 Víctor Fleming.192. Cooper. 164 John Cassavetes.91 GeorgeCukor. 181 Ingmar Bergman. 266 LuisBuñuel.212. 324 Clyde Bruckman.357.96 Charles Chaplin.264 John Ford.445 VittorioDeSica.218 Michael Curtiz.431 Milos Forman. 155 Tim Burton. 88. 273 WilliamFriedkin. 169 Walt Disney. 313 Sergei Einsestein.338 Jack Clayton. 44 RobertAltman. 385 ClaudeChabrol. 176 Abel Gance.183 Norman Ferguson. 181 RobertAldrich. 77 Stanley Donen.139 Cari Dreyer. 425 Robert Bresson.115. 148. 13. 252. 178. 309 Constantin Costa-Gavras.índice de directores James Algar.

292 KingVidor.436 Charles Laughton. 350 LouisMalle.302 Fred Newmeyer. 47.Griffith. 362 Jean Renoir. 58 Rouben Mamoulian. 376 Steven Spielberg. 131.283 JimHandley. Mankiewicz. Porter. 181 George A. 18 Alexander Mackendrick. 35. 67 Edwin S.72 George Lucas.311 James Whale. 137.111. 304 Billy Wilder. 198 Laurence Olivier. 106 Francois Truffaut. 210. 127 Nicholas Ray. 266 WilliamKeighley.387 VolkerSchlondorff. 139 Buster Keaton.74.427 Víctor Sjóstrom. 404.215.248 Sergio Leone. 181 David Lynch. 205 SidneyLumet. Horne. 220 MikeNichols.227.236 Orson Welles. 438 Dennís Hopper.329. 442 Steven Soderbergh. 413 Sam Peckinpah. 166 Nagisa Oshima.354. 196 Andrzej Wajda. 203 Arthur Penn.364 WilliamWellman. Romero.241.378 FritzLang. 360. 157. 181 MarkSandrich. 102 RaoulWalsh.98 John Huston.122. 185.Pakula.120.392 SamW6od. 259 Vincente Minnelli. 250. 40 SamTaylor. 84. 408 Adrián Lyne.171. 181 Elia Kazan. 327 ErnstLubitsch. 423 Bill Roberts.224.320 RobertWiene. 150. 53 Luchino Visconti. 194 RobertWise.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. 113 D. 109.271 Kenji Mizoguchi.352 Wilfredjackson.269 FredZinnemann.394 Paul Satterfield.401 Ernest B. Schoedsack. 129 Joseph L. 222 Alan J.220 Giuseppe Tornatore. 20 Alfred Hitchcock.162. 201. 411 Josef von Sternberg. 276 Andrei Tarkovsky. 42 Erich von Stroheim.418 DonSiegel. 440 Istvan Szabo.406 Karel Reisz.367 Gillo Pontecorvo.345 Leni Riefenstahl.281. 229. 190 Otto Preminger.372 Akira Kurosawa. 245 HughHudson. 146 Hamilton Luske.30.299 WilliamWyler. 79 Román Polanski. 51 Michael Powell.33. 86 James W. 134. 60 Prestan Sturges. 25 Peter Greenaway. 341.278.331 WimWenders. 173 George Miller. 343 SatyajitRay. 125 EW. 295 David Lean. 315 CarolReed.Murnau.383 . 243 Jean-Paul Rappeneau.357 Stanley Kubrick.420 Gene Kelly. 234 Martin Scorsese.181 Howard Hawks.181 Werner Herzog. 297 Roberto Rossellini.398 T.Hee.W.447 Jean Vigo.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .

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