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Libro práctico y aficiones

Alian Hunter (ed.)

Los clásicos del cine

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El libro de bolsillo Cine y comunicación Alianza Editorial

Introducción
TÍTULO ORIGINAL: The Wordsworth Book ofMovie Classics Publicado originalmente en inglés por W&R Chambers Ltd. con el título Movie Classics Publicado por acuerdo con Chambers Harrap Publishers Ltd. TRADUCTOR: Borja García Bercero REDACCIÓN: Alian Hunter, Kenny Mathieson Alian Hunter agradece su colaboración a Gay Cox, Gilí Crawford, Shirley Gilmour, Rosemary Goring, Jim Hickey, Trevor Johnston, Kenny Mathieson y Richard Mowe.

Diseño de cubierta: Alianza Editorial Fotografía: Cordón-Press. Cantando bajo la lluvia

Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y perjuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyeren o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva autorización.

Copyright © 1978 W&R Chambers 1992 © de la traducción: Borja García Bercero, 2001 © Alianza Editorial, S. A., Madrid, 2001 Calle Juan Ignacio Luca de Tena, 15; 28027 Madrid Teléfono 91 393 88 88 ISBN: 84-206-7245-9 Depósito legal: M. 45.607-2001 Fotocomposición e impresión: Fernández Ciudad, S. L. Catalina Suárez, 19.28007 Madrid Printed in Spain

No siempre es fácil determinar cuáles son las cualidades esenciales que hacen de una película un clásico del cine. Entre las aspirantes a tal distinción que figuran en estas páginas se incluye, sin duda, una selección de las películas más populares, más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial que jamás se hayan realizado; no obstante, por muy significativa que pueda resultar la información sobre cuáles sean las más grandes o las mejores películas de la historia, esta obra no tiene como principal objetivo recoger una serie de récords, como si se tratara de una especie de Libro Guiness. En realidad, es posible que la única forma de medir el carácter clásico de una película consista en aplicarle esa escala, nada científica, que es la valoración y el cariño del público. Películas como El acorazado Potemkin y Ciudadano Kane son, a todas luces, clásicas, porque han modificado substancialmente el panorama cinematográfico y su impacto sobre el cine como forma artística ha resistido la prueba del tiempo. La mera popularidad de Lo que el viento se llevó o de Sonrisas y lágrimas, el valor simbólico de Roma, ciudad abierta o de Al final de la escapada, en cuanto películas pioneras de nuevas tendencias dentro del campo de las técnicas cinema7

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LOS CLASICOS DEL CINE

INTRODUCCIÓN

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tográficas, o los galardones con que fueron colmadas BenHur o Bailando con lobos, son razones más que suficientes para garantizar a todas ellas un puesto entre las grandes. A veces, tan sólo la posteridad puede conferir la categoría de clásica a una determinada película. Estrenado nada más acabar la Segunda Guerra Mundial, el film de Frank Capra, Qué bello es vivir, terminó por acumular un déficit de más de 500.000 dólares y no consiguió ni un solo Osear. Todo parecía indicar que Capra había perdido su capacidad de conectar con el público y que la carrera de su estrella, James Stewart, había comenzado a declinar tras cinco años de ausencia a causa de la guerra. Sin embargo, las generaciones posteriores se han encariñado con la película, admiradas de la humanidad de la visión de Capra y de la brillantez de la actuación de Stewart. Hoy en día, es una presencia ineludible en las salas de reposiciones, el vídeo y la televisión, y un elemento tan característico del período navideño como lo puedan ser los regalos o Papá Noel. En 1934, el desdichado director de cine francés, Jean Vigo, moría en plena juventud, convencido de que su última película, VAtalante, había sido un fracaso debido a las brutales injerencias de su distribuidor. No obstante, el paso del tiempo ha hecho posible su restauración, y la validez de sus intenciones originales ha quedado vindicada, con el resultado de que hoy en día esta obra es aclamada como uno de los largometrajes más románticos del cine francés. Desde L'Atalante a Sed de mal, desde Qué bello es vivir hasta La noche del cazador, el presente libro está lleno de películas que, en el momento de su primer estreno, fueron repudiadas, vilipendiadas o, simplemente, incomprendidas, pero cuya presencia entre las grandes nadie pone en duda en la actualidad. Los títulos seleccionados, cuya cronología se extiende desde Asalto y robo a un tren (1903) hasta El silencio de los corderos (1991), cubren, por lo tanto, toda la gama de crite-

rios que contribuyen a hacer de un film un clásico del cine; desde el entretenimiento en estado puro de Cantando bajo la lluvia y de Casablanca, películas que pueden verse tantas veces como se quiera sin llegar nunca a aburrir, hasta la controversia y el apasionamiento que suscitaron títulos como El fotógrafo del pánico o Atracción fatal, pasando por la insuperable destreza artística de una comedia de Buster Keaton, un musical de Fred Astaire o un drama de Ingmar Bergman. Sobre la elección de películas para su inclusión en el presente libro han pesado de forma considerable las investigaciones que, en su momento, se llevaron a cabo para confeccionar el Chambers Film and Televisión Handbook. Los materiales recopilados originalmente para ese volumen por sus actuales editores, Kenny Mathieson y Trevor Johnston, han sido revisados de forma exhaustiva, corregidos en aquellos casos en que ha sido necesario y ampliados para adecuarlos al formato del presente libro. Yo mismo y Kenny Mathieson hemos sido los encargados de realizar las investigaciones y la redacción de las numerosas entradas nuevas. En el estado actual del libro, a cada película le corresponde una entrada, que incluye una selección de los títulos de crédito, una lista del reparto, una breve sinopsis argumental y un comentario en el que se proporcionan algunos detalles sobre el contexto en que se realizó la película o se pone de relieve su significación dentro de la historia del cine o de la carrera de un realizador cinematográfico particularmente innovador. En aquellos casos en que la relevancia del dato lo aconseje -y el espacio disponible lo permita- la entrada recogerá también información sobre la recaudación en taquilla y sobre la concesión de Osear. Todas las películas aparecen en orden alfabético, según el título con el que son más conocidas en castellano. Este libro aspira a convertirse en un ágil instrumento de consulta para quienes deseen hacerse una idea de cuáles han sido los grandes hitos del mundo del cine y un recordatorio

. un hombre que chapotea con júbilo bajo la lluvia.. el hombre añadió que esperaba que su intromisión no le hubiera molestado y expresó sus dudas sobre el valor que aquello pudiera tener para el actor. el inimitable James Stewart contó una anécdota que parece resumir el valor que tienen los grandes clásicos del cine y el afecto que sentimos por ellos. les deleitó o. no hay nada que tenga más valor. Los clásicos del cine . les entretuvo. si pusieran: "Nos hizo disfrutar enormemente durante muchos años". en su momento. Mientras rodaba un western en un remoto paraje. Años más tarde. la búsqueda de un elusivo halcón negro. En suma. Este libro es. mientras exista el cine.10 LOS C L Á S I C O S DEL C I N E instantáneo para todos aquellos que han tratado de evocar con melancolía el recuerdo de una película que. sabiendo que le has proporcionado a la gente un instante. la Muerte jugando una partida de ajedrez. No me importaría nada que fuera algo así. aunque sólo sea un instante. nunca serán olvidados: King Kong montado sobre el Empire State. les conmovió. me conformaría. ¿Que si tuvo algún valor para mí? Caray. bueno. se le acercó un admirador y le felicitó por una simple escena de una película que había visto hacía más de quince años. y morir sabiendo. una mano que trata de coger una mariposa.. simplemente. me sentiría muy halagado. toda una colección de clásicos del cine. puedo asegurar que fue mejor que recibir un puñado de buenas críticas. un homenaje a aquellas películas que contienen esos pequeños instantes que forman parte de nuestra conciencia colectiva y que. En cierta ocasión. Tímidamente. Cuando llegue la hora de escribir mi epitafio.. les instruyó. verdaderamente inolvidable». Dorothy aventurándose por el arco iris. Stewart recordaría: «Cuando me dijo que era la cosa más emocionante que jamás había.. por lo tanto..

Sin embargo. DURACIÓN: 75 minutos. MONTAJE: Sergei Eisenstein. conseguirá convencer a los soldados de que no ejecuten las órdenes. Mijail Gomorov (Marinero Matiushenko). 1925 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. se ordena su ejecución. Los marineros se hacen con el 13 . Cuando algunos marineros se niegan a comer carne rancia. GUIÓN: Sergei Eisenstein y Nina Agadzhanova-Shutko.El acorazado Potemkin BRONENOSETS POTEMKIM URSS. Repnikova (Mujer de las escaleras). Argumento Las condiciones a bordo del acorazado Potemkin tienen a la tripulación al borde del motín. Vladimir Barksy (Capitán de fragata Golikov). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vasili Rakhals. uno de ellos. PRODUCCIÓN: Goskino (Jacob Bliokh). MÚSICA: Edmund Meisel. provocándose así el estallido de la revuelta. INTÉRPRETES: Alexander Antonov (Vakulinchuk). Popov. Grigori Alexandrov (Primer oficial Giliarovski). Levchenko (Contramaestre). B/N. Vakulinchuk. FOTOGRAFÍA: Edward Tissey V.

según el cual. las esperanzas depositadas por las autoridades bolcheviques en su programa de subvenciones estatales a la cinematografía. los trabajos de Pavlov sobre la relación entre estímulos y respuestas.14 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 15 control del barco y emprenden rumbo hacia Odessa. Lo más significativo fue. mediante la aplicación de una serie de criterios tipológicos para seleccionar marineros y ciudadanos reales que dieran mayor autenticidad a la interpretación. Si bien. de forma inmediata. pero la llegada de tropas produce una masacre entre la población civil. Su heroico sacrificio sirve de acicate para que la población de Odessa se una a los marineros en su lucha contra el Zar. no obstante. que El acorazado Potemkin se convirtió en una demostración de manual del enfoque teórico y práctico que Eisenstein tenía sobre el montaje. el más reciente de ellos. la psicología freudiana y la oleada de arte constructivista que siguió a la revolución soviética. hasta cierto punto. La proverbial precisión de la secuencia de la masacre en las escaleras de Odessa la ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del cine. la tripulación del Potemkin. un concepto asimilado por su director durante la etapa que colaboró con Meyerhold en la creación de un teatro revolucionario. son pocas las películas que adoptan el enfoque doctrinal de Eisenstein sobre la técnica cinematográfica. donde erigen un mausoleo en memoria de Vakulinchuk. que ha muerto durante la refriega. Eisenstein decidió ceñirse exclusivamente a la sublevación de la marinería y a la subsiguiente masacre de civiles en la ciudad portuaria de Odessa. la atención internacional se volcara sobre el nuevo cine soviético. hoy en día. Partiendo de fuentes tan diversas como el materialismo dialéctico de Marx. pone rumbo a toda maquina hacia el lugar donde se encuentra fondeada el resto de la flota. el realizado por Brian de Palma en Los Intocables de ElliotNess (The Untouchables. Comentario El éxito mundial obtenido por Sergei Eisenstein con el Acorazado Potemkin hizo que. que ha sido objeto de innumerables imitaciones y homenajes. Habiendo recibido el encargo de conmemorar el 20 aniversario de la Revolución de 1905. donde sus camaradas de las demás tripulaciones decidirán apoyar su causa. cuyo objetivo era crear un cine explícitamente propagandístico que contribuyera a consolidar la Revolución en su propio país y a desarrollar la conciencia de clase a escala internacional. 1987). el significado de una película se creaba a partir de las síntesis que surgían de la confrontación entre imágenes sucesivas. Eisenstein había elaborado un concepto del montaje de carácter marcadamente matemático. De esta forma se cumplían. ante el temor de posibles represalias. Tras destruir los cuarteles del ejército con la artillería del barco. . su tesis básica constituyó una inmensa aportación al enriquecimiento de la sintaxis fílmica. En la película se plasma la idea del héroe colectivo.

que los vio como una novedad que permitía colocar un espejo ante el mundo y captar desde un estornudo o un beso hasta un tren llegando a una estación. 1919) y Las dos tormentas (WayDownEast. justo en el momento en que el desarrollo tecnológico estaba a punto de volverlo obsoleto. Nosferatu (1922) y Metrópolis (1926). a medida que el cine fue progresando y dejó de ser una atracción de feria más. Un perro andaluz (Un chien andalou. al público de hoy tienden a complacerle más las temerarias payasadas de un Harold Lloyd en El hombre mosca (1923) o el encanto inexpresivo de un Buster Keaton en El maquinista de La General (1926). dando lugar a dos llamativas producciones. que no tardarían en repercutir de forma duradera en los géneros de gángsters y de terror norteamericanos. Gish. Así. en películas tan influyentes como El gabinete del doctor Caligari (1919). en cambio. De Mille. entre los resultados se cuentan películas como Robin de los bosques (Robin Hood. 1920). Aflash-back o el montaje alternado. los ángulos de cámara y el recurso a escenarios distorsionados. Aunque el tiempo ha hecho que tales innovaciones parezcan rudimentarias. la figura que de manera más inmediata se asocia con la transformación en arte de la dirección de películas sea D. Y de hecho. Si Fairbanks nunca vería amenazada su condición de aventurero más gallardo de la pantalla. Fairbanks y el propio Griffíth la que permitió el nacimiento del star system. Griffíth. como fue el caso de Asalto y robo a un tren (1903). se aplicaba ya la técnica de alternar distintos puntos de vista y se hacía uso de los primeros planos para dar mayor énfasis dramático. Griffíth. Georges Méliés o Thomas Edison por plasmar imágenes en celuloide consiguieron atraer la atención del público. 1922). en los cines de todo el mundo. Griffíth trabajó también en algunas de las primeras películas de Mary Pickford e hizo amplio uso de la habilidad de Lillian Gish para representar muchachas desvalidas en películas como La culpa ajena (Broken Blossoms. comenzaron a desarrollarse algunas técnicas narrativas básicas gracias a breves películas de corte dramático. en Rusia. el cine se utilizó para servir de forma explícita a objetivos propagandísticos y la teoría del montaje de Sergei Eisenstein. El viento (1928) o Y el mundo marcha (1928). Fairbanks y Chaplin crearon United Artists con objeto de obtener un mayor control sobre el proceso creativo de sus obras. Hoy en día. No obstante. . el dominio de Chaplin en el campo de la comedia. Posiblemente. También el movimiento surrealista de los años veinte terminó por llegar al cine. Gran innovador de la técnica cinematográfica. así como en la subsiguiente persecución. se le reconoce como el primer norteamericano que supo aprovechar al máximo las cualidades expresivas de algunos efectos dramáticos como los primeros planos. W. A medida que el cine norteamericano se iba convirtiendo rápidamente en un esclavo de los criterios comerciales y del gusto popular. el expresionismo alemán daría muestras de gran originalidad en su intento de expresar visualmente la confusión interna y los sentimientos más profundos mediante los contrastes de luz y sombra. Entre tanto. El ladrón de Bagdad (1924) o La quimera del oro (1925). a la vez que desarrollaba una técnica narrativa a gran escala en algunas obras seminales como El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). quedaba ilustrada en la afamada secuencia de las escaleras de Odessa de El acorazado Potemkin (1925). aunque un tanto diluido. su impacto a principios de siglo fue revolucionario. Desde los cuadros de costumbres eróticas de Erich von Stroheim hasta las epopeyas bíblicas de Cecil B. según la cual la creación de imágenes dramáticas e impactantes se podía realizar por medio del montaje. pasando por logros poéticos como Amanecer (1927). 1928) y La edad de oro (1930). los experimentos y las innovaciones artísticas tendieron a llegar desde otras partes del mundo. el cine mudo produjo algunas de sus más grandes obras maestras. Pickford. el espíritu liberador de su carácter iconoclasta y de su simbolismo puede apreciarse. Sería precisamente la popularidad alcanzada por figuras como Pickford.16 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 17 El silencio es oro La historia del cine antes de El cantor de jazz Los esfuerzos iniciales de los hermanos Lumiére. Chaplin. siempre estuvo en entredicho. En la escena que da título a esta película. En 1919.

MONTAJE: Emmanuelle Castro. Los nazis se llevan al Padre Jean y a los tres muchachos. Comentario Argumento Año 1944. La pasión compartida por los libros y la destreza de Bonnet tocando jazz al piano les acercará. muy querido. tan sencillo como sugerente. y su hermano Francois. un misterioso alumno que acaba de incorporarse a la escuela. El Padre Jean le pide a Julien que entable amistad con Jean Bonnet. Al descubrirse las trapícheos que Joseph. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Willy Holt. Stanislas Carré de Malberg (Francois Quentin). El argumento. concentrándose en las rutinas cotidianas de la vida escolar más que en los trascendentales acontecimientos que tienen lugar fuera de los mu- Adiós muchachos . Más adelante Bonnet morirá en Auschwitz. Quentin). 1987 DIRECTOR: Louis Malle. a pesar de ser bastante travieso. Malle deja que su relación se vaya desarrollando de forma pausada y con deliberada sobriedad. mientras que el recién llegado se nos muestra desde un primer momento como un ser marginado. Mientras se va fortaleciendo la amistad entre los dos. Phillipe Morier-Genoud (Padre Jean). una experiencia que. Adiós muchachos marcó el regreso de Louis Malle a Francia tras una serie de películas ambientadas en América. La relación entre los dos muchachos. Raphael Fejtó (Jean Bonnet). resulta absolutamente creíble. hasta que llegue a forjarse entre los dos una sólida amistad. Peter Fitz (Muller). un muchacho de doce años. Francine Racette (Mme. D U RACIÓN: 104 minutos. como él mismo señalaría: «bien pudo ser determinante en mi vocación de cineasta». PRODUCCIÓN: NouveUes Éditions de Films/MK2 Productions/Marian Karmitz (París)/ Stella Film/NEF (Munich) (Louis Malle). la Francia ocupada. aunque quizá esté un tanto idealizada. Julien Quentin. Francois Berléand (Padre Michel). marchan a regañaTanto en un sentido literal como figurado. GUIÓN: Louis Malle.18 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 19 Adiós muchachos AU REVOIR LES ENFANTS Francia/Alemania occidental. y clausuran la escuela. está basado en una experiencia que el propio Malle tuvo en Francia durante la guerra. el pinche de la escuela. realiza en el mercado negro. MÚSICA: Schubert y Saint-Saéns. en venganza por haber sido despedido. Francois Negret (Joseph). Quentin es muchacho rebosante de vitalidad y. FOTOGRAFÍA: j l e n a t o Berta. uno de los tres a los que han dado cobijo los Padres. éste delata al Padre Jean a la Gestapo. dientes al internado de Fontainebleau donde les ha enviado su angustiada madre. INTÉRPRETES: Gaspard Manesse (Julien Quentin). Julien descubre que Jean es un muchacho judío.

y seguramente impremeditado. cuando finalmente se produce. . Impulsado por su maníaca empresa. Peter Berling (Don Fernando de Guzmán). EFECTOS ESPECIALES: Juvenal Herrera y Miguel Vázquez. mientras sus hombres van muriendo alrededor suyo. la cólera de Dios AGUIRRE. La película se estrenó en Francia mientras se celebraba el juicio contra Klaus Barbie por crímenes de guerra cometidos en Lyon. Helena Rojo (Inés de Atienza). fruto del resentimiento. sella el destino de Bonnet. MÚSICA: Popol Vuh. 1560. Dany Ades (Perucho). FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch. El acto de venganza de Joseph. Aguirre -que se hace llamar la «Cólera de Dios». Aguirre sigue adelante. envía por delante un pequeño destacamento de cuarenta hombres a bordo de unas balsas. Tan sólo alguna intrusión ocasional. mientras las tensiones internas devienen en conflicto abierto a medida que el segundo en el mando. DURACIÓN: 93 minutos.20 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 21 ros del colegio. a cuyo mando se encuentra Don Pedro de Ursúa. Aguirre. de los otros dos muchachos judíos y del Padre Jean. PRODUCCIÓN: Werner Herzog Filmproduktion (Werner Herzog). permite prever lo que habrá de ocurrir.se va apoderando del control de la expedición. como sucede cuando los dos muchachos se pierden jugando a la búsqueda del tesoro y son encontrados y conducidos a la escuela por unos soldados alemanes. INTÉRPRETES: Klaus Kinski (Lope de Aguirre). en las que afirmaba que el holocausto no había sido más que una anécdota en la historia de la Segunda Guerra Mundial. el líder del Frente Nacional. Pronto las balsas sufrirán los embates de los desastres naturales y el ataque de indios hostiles. Una nutrida expedición de conquistadores parte en busca de El Dorado. Finalmente se quedará solo y proclamará su desafío a una jungla que permanece impasible. Aguirre. MONTAJE: Beate Mainka-Jellinghaus. la cólera de Dios Argumento Perú. Del Negro (Gaspar de Carvajal). y adquirió una relevancia adicional tras las infames declaraciones de Jean Le Pen. un muchacho huérfano que trabaja de pinche en la cocina y que. 1972 DIRECTOR: Werner Herzog. que viaja acompañado de su esposa Inés. Cecilia Rivera (Flores de Aguirre). viene de manos de Joseph. su jefe. Edward Roland (Okello). GUIÓN: Werner Herzog (basado en el diario de Gaspar de Carvajal). Pizarra. DER ZORN GOTTES Alemania. Armando Polanah (Armando). la legendaria ciudad de oro de los incas. Ruy Guerra (Pedro de Ursúa). Al llegar al Amazonas. La traición. se dedica a trapichear en el mercado negro. junto a algunos de los chicos de la escuela.

Aunque ambientada en un período histórico muy posterior. continúa farfullando sobre su espléndido triunfo en medio de una balsa infestada de monos. FOTOGRAFÍA: Edward Tisse. Abrikosov (Gavrilo Olexich). Aunque el propio Herzog reconoció que. Arski (Domash. desde su retiro campestre sigue manteniendo la idea de que los Caballeros Teutónicos constituyen la mayor amenaza para la paz y la seguridad de Rusia. DURACIÓN: 112 minutos. El mundo que crea se va alejando más y más de la realidad objetiva. Reúne un vasto ejército . otra película de Herzog. Para su realización fue necesario transportar un barco de vapor a través de las montañas. Orlov (Ignat. V. Novikov (Pavsha. el príncipe Alexander Nevski ha adoptado una reposada y sencilla existencia entre el campesinado. una actitud que le valió numerosas críticas. MÚSI- Sergei Prokofiev. en consonancia con el cariz cada vez más caótico y absurdo que van tomando los acontecimientos. de una fuerza arrebatadora. la verdadera motivación de su delirante empresa. 1938 DIRECTOR: Sergei Eisenstein. sobre los perversos efectos que se derivan de un ansia monomaníaca de poder. K. gobernador de Pskov). GUIÓN: Sergei Eisenstein y Peter Pav- lenko. Nikolai P. un acontecimiento que ha quedado reflejado en el apasionante documental Burden ofDreams (1982). que gira en torno al retrato que hace Klaus Kinski de un Aguirre cada vez más enloquecido. cuando la expedición trata de abrirse paso por la empinada senda de montaña que les conducirá hasta un río que se interpone en su camino. CA: Argumento Tras derrotar a los invasores suecos en el Neva. Fitzcarraldo (1982). Las dos películas de Herzog han suscitado serios interrogantes sobre hasta dónde es lícito llegar a la hora de realizar una película. PRODUCCIÓN: Mosfilm. a condición de que se adopte una estrategia ofensiva en lugar de defensiva. tanto al equipo como el reparto estuvieron sometidos a numerosos peligros (por no decir que a una auténtica explotación). Cuando Novgorod se convierta en el último baluarte que se resiste al incontenible avance alemán.22 Comentario ALLAN H U N T E R LOS C L Á S I C O S DEL C I N E 23 Este análisis en clave épica sobre el delirio de grandeza y el poder de los mitos contó con un presupuesto irrisorio y fue rodado en el Amazonas en unas condiciones terriblemente azarosas. Herzog desarrolla una narración visual cuyo carácter fantástico se irá acrecentando. cuando las balsas emprenden su largo viaje. fruto de la imaginación. Okhlopov (Vassily Buslai). noble de Novgorod). durante el rodaje. Dimitri N. La película se inicia de forma espectacular en un estilo realista. Sin embargo. en la que Aguirre. Sin embargo. que invita de forma velada a una interpretación metafórica. Alexander L. N. Alexander Nevski ALEXANDRNEVSKI URSS. versa sobre un proyecto igualmente grandioso y delirante: la construcción de un teatro de ópera en medio de la jungla. Nevski accederá a la petición de que encabece un postrer intento de resistencia. N. INTÉRPRETES: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alexander Yaroslavich Nevski). La película. constituye un estudio. la necesidad imperiosa de plasmar su visión primó en todo momento sobre cualquier otro tipo de consideraciones. hasta transformarse en un universo oscuro y onírico. La escena final. pero también la concesión del premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1982. constituye una imagen inolvidable. B/N. maestro armero). el último superviviente.

se formuló una innovadora técnica de montaje y estuvieron protagonizadas por las masas soviéticas en su condición de héroe colectivo. que había visitado los Estados Unidos en 1929 y había trabajado en un proyecto abortado de filmar Una tragedia americana para la Paramount. homenajeada por Ken Russell en El cerebro de un millón de dólares (Billion DollarBrain. la película acude a unos medios de representación literarios y artísticos de larga tradición. Comentario Si en las obras pioneras de Eisenstein realizadas en los años veinte. MÜSIC. es interesante subrayar que la estrecha fusión existente entre el impresionante espectáculo de la acción y la emotiva partitura musical de Prokofiev. supone todavía un reto difícil de igualar para muchas de las películas épicas de Hollywood. sigue siendo una de las obras más accesibles de Eisenstein. DURACIÓN: 90 minutos. mandada por el Príncipe. entre los que se contaban la inacabada Que viva México y la suprimida La pradera de Bejin (Bejin lug). Argumento Tras robar un coche en la Riviera. Para escenificar la vigorosa campaña emprendida por el Príncipe Nevski con objeto de expulsar a los brutales Caballeros Teutónicos de la Santa Rusia del siglo xm. 1959 Jean-Luc Godard. Para los espectadores contemporáneos. No causará gran sorpresa saber que la película fue retirada de la circulación durante la vigencia del pacto germano-soviético de 1938. educados en buena medida en el cine norteamericano clásico. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. para volver de nuevo a las pantallas cuando se produjo la invasión alemana al año siguiente. A pesar de lo dicho anteriormente. y su impresionante secuencia de la «Batalla del hielo». presentan unos rasgos mucho más tradicionales. B/N. Daniel Boulanger (Inspector Vital). 1967). INTÉRPRETES: Jean Seberg (Patricia Franchini). Eisenstein. El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (Oktiabr. tanto por sus aspectos formales como por el hecho de que la narración gire en torno a la figura de un héroe individual. sino como un paso adelante en el desarrollo de sus métodos para poder adaptarse a las exigencias políticas y técnicas del momento. en el año 1242. a consecuencia de todo ello pasarían diez años antes de que empezara a trabajar en Alexander Nevski. no ha de verse esta película como una marcha atrás con respecto a las sesudas exploraciones cinematográficas del período anterior. 1942-1946). Liliane Robin (Minouche). el primer fruto de su estilo tardío. MONTAJE: Cecile Decugis. las películas de las décadas siguientes. Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard/«Laszlo Kovacs»). En este sentido.I: Martial Solal. en la que la fuerza combinada de campesinos y nobles. GUIÓN: Jean-Luc Godard (basado en una idea de Francois Truffaut). PRODUCCIÓN: SNC/Les Films Georges de Beauregard/Imperia (Pierre Rissient). estuvo embarcado durante este período en una serie de proyectos. 1928). a orillas del lago Peipus.24 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 25 y. Alfinal de la escapada A BOUT DE SOUFFLE DIRECTOR: Francia. conducen al ejército alemán a una muerte segura en las aguas del lago. Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti). Alexander Nevski y el díptico de Iván el Terrible {Ivan grozni. Michel Poiccard se dirige a París con la intención de recoger un dinero que se le adeuda . libra una batalla campal decisiva. Roger Hanin (Cari Zubart). llevaron al propio Eisenstein a hablar de una estructura «sinfónica».

una noticia que no hace disminuir en nada la pasión de Michel. habían expuesto la politique des auteurs en las influyentes páginas de la revista de cine Cahiers du Cinema. la profundidad y la dureza de directores norteamericanos como Sam Fuller y Nicholas Ray. Él y sus compañeros provocaron un virulento debate al insistir en que el director era el único autor de la película y rechazar la disciplina del prestigioso cine artístico francés. Conmocionado. Tras regresar de una cita. Durante la persecución a la que le someten dos policías motorizados. Al final de la escapada no aspira a ningún tipo de realismo social ni a la adaptación de valores literarios. entre tanto. . para alabar. sin ningún reparo.26 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 27 Comentario La película de Jean-Luc Godard Al final de la escapada fue el primer y sonoro aldabonazo que sirvió para alertar al resto de la comunidad cinematográfica de la rutilante llegada de la Nouvelle Vague. Al serle imposible recuperar su dinero. Michel comete un robo y anima Patricia a que emprenda con él una vida de aventura. a partir de mediados de los cincuenta. Escrita en colaboración con Truffaut. Un nuevo auge de las producciones francesas independientes de bajo presupuesto permitiría finalmente a Godard plasmar sus ideas en celuloide. Claude Chabrol y Eric Rohmer). El sorprendente juego formal que supusieron en su momento los cortes bruscos que quiebran la continuidad del montaje. sus guiños a Humphrey Bogart y el laconismo icónico de Alfinal de la escapada y de reunirse con su amiga Patricia. les sigue la pista cada vez de más cerca. lo cierto es que los más de treinta años que pesan sobre su argumento de película de serie B. una estudiante americana que aspira a ser periodista. La policía. y contando con Chabrol como consejero técnico. Godard era uno de los componentes del grupo de jóvenes críticos (entre los que se encontraban también los futuros directores Francois Truffaut. a la vez que ponen al descubierto unos mecanismos de significación que habían permanecido largo tiempo ocultos debido al pulido acabado de los estilos narrativos clásicos. uno de ellos morirá. Tras haber pasado la noche juntos. Michel se lanza a la calle y es abatido a tiros por la policía. sirven para poner el énfasis en el cine como cine. la nueva ola de cineastas franceses. en cambio. Patricia se encuentra a Michel en su cama y le comunica que quizá esté embarazada. se hacen de otras películas. Por mucho que suela considerarse como la película vanguardista por excelencia. que. Patricia llama a la policía para indicarles su paradero y luego regresa para justificar sus actos y demostrarse a sí misma su independencia. las escenas cuya longitud no guarda relación alguna con su función narrativa y las «citas» que.

28 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 29 Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. Entre las actrices que. Angela Lansbury.UU. Lynzee Kingman y Sheldon Khan. Exige que se les deje ver las Series Mundiales de béisbol. Sería él quién haría el proyecto realidad. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy). Danny De Vito (Martini). posteriormente. el Jefe Bromden. McMurphy intenta estrangularla. MONTAJE: Richard Chew. una noche. Ratched descubre a Billy Bibbit en la cama con una chica y. las salas del hospital. cuando llamó la atención del director Milos Forman. al amenazarle con informar de ello a su madre. una de las pelí- . Comentario Alguien voló sobre el nido del cuco ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST DIRECTOR: EE. monta partidas de cartas e incluso llega a hacerlos desaparecer como por arte de magia. El papel más difícil de cubrir fue el de la enfermera Ratched. PRODUCCIÓN: Fantasy (Saúl Zaents y Michael Douglas). parecen alinear cada vez más estrechamente Al final de la escapada con el romanticismo maldito del subgénero hollywoodiense del amor fugitivo. optó finalmente por ceder los derechos a su hijo Michael. organiza una fiesta salvaje en una de En 1963. rechazaron el papel. DURACIÓN: 133 minutos. uno de sus compañeros. se le somete a una lobotomía. le asfixia suavemente con una almohada y aprovecha su oportunidad de escapar hacia la libertad. Louise Fletcher. Alguien voló sobre el nido del cuco. en aquel entonces conocido sobre todo por su papel en la serie Las calles de San Francisco. Indignado por el poder tiránico de la enfermera jefe Ratched. William Fraker y Bill Butler. tratará de sacar a sus compañeros de su docilidad. A la mañana siguiente. Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edwin O'Donovan. que es. es. interpretando un pequeño papel en la película de su marido. Thieves like us (1974). GUIÓN: Lawrence Hauben y Bo Goldman (basado en la novela de Ken Kesey y en la obra de teatro de Dale Wasserman). Argumento El recluso Randle P. McMurphy. contando con la presencia de Richard Gere y Valerie Kaprisky. tras reunir un presupuesto de 3 millones de dólares y asegurarse un reparto adecuado. Ellen Burstyn y Geraldine Page. según parece. que sería quien finalmente encarnara al personaje. William Redfield (Harding). se encontraban Anne Bancroft. FOTOGRAFÍA: Haskell Wexler. acababa de regresar a las pantallas tras una década de ausencia. que le tuviera a él como protagonista. donde ha de encuadrarse la nueva versión que hizo de la película el director americano Jim McBride en 1983.. Cuando regresa a su sala. una vieja bruja a la que alguna vez se ha descrito como «una visión pesadillesca y misógina de una mujer castradora». Tras varios e infructuosos años tratando de conseguir respaldo para hacer una versión cinematográfica de la obra. la primera producción cinematográfica que consiguió los cinco Osear principales desde Sucedió una noche (1934). pero es domeñado y. llevándoselos sin permiso de excursión. 1975 Milos Forman. Kirk Douglas hizo una fugaz aparición en los escenarios de Broadway en la adaptación teatral que Dale Wasserman realizara de la famosa novela antiautoritaria de Ken Kesey. además. es trasladado a una casa de salud mental del estado. que ha fingido estar loco para evitar que se le envíe a una cuadrilla de trabajos forzados. Michael Berryman (Ellis). Finalmente. precisamente.BradDourif (Billy Bibbit). éste se suicida.

Edmond O'Brien (Hank Fallon/Vic Pardo). La vigilancia a que se somete a la madre de Jarrett. Steve Cochran (Big Ed Somers).30 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 31 culas más radicales e insobornables que han surgido de Hollywood en los últimos tiempos y un maravilloso alegato a favor del triunfo del espíritu humano sobre las fuerzas deshumanizadoras que tratan de reprimirlo y domeñarlo por la fuerza. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Louis F. Al rojo vivo WHITEHEAT DIRECTOR: Raoul Walsh. MÚSICA: Max Steiner. Cuando llega a la prisión la noticia de la muerte de su madre. INTÉRPRETES: James Cagney (Arthur Cody Jarrett). y Jarrett. John Archer (Phillip Evans). DURACIÓN: 114 minutos. GUIÓN: EE. lo que le permite sintonizar con el desencanto que experimentó la juventud americana con el sistema social y político tras la finalización de la guerra de Vietnam. una actitud de rebeldía que un Jack Nicholson entregado a su papel encarna a la perfección. 1949 Ivan Goff y Ben Roberts (basado en un relato de Virginia Kellogg).UU. Virginia Mayo (Verna Jarrett).. asciende a un tanque de petróleo y lo hace saltar en mil pedazos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. Por otro lado. el film conserva buena parte de la dimensión alegórica implícita en el libro. Al rojo vivo nato. Jarrett está a punto de enloquecer. el film se convirtió en una de las diez películas más taquilleras de la historia con unos ingresos de 60 millones de dólares. entabla amistad con él. No obstante. éste conseguirá zafarse de la trampa que le han tendido y librarse de una condena segura a la pena capital. Argumento El descubrimiento de un cadáver en un refugio de montaña pone al agente del FBI Phillip Evans tras la pista de la banda de Jarrett. Hank Fallón. La banda da un golpe en una refinería de petróleo para hacerse con las nóminas de sus empleados. a la que se busca por asalto a un tren y doble asesi- . pero Fallón advierte a Evans de sus planes. En la prisión. la esposa de Jarrett. al confesarse autor de otro robo y ser condenado por ello a una pena menor. Uno de esos raros casos en que el elogio de la crítica y la aceptación del público van de la mano. se ha liado con el gángster Big Ed Somers. por la que su hijo siente auténtica devoción. Entre tanto. conduce al FBI hasta Cody. Vera. pero finalmente escapa de la prisión en compañía de Fallón y mata a Somers. al verse atrapado en la refinería. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. Edelman). un infiltrado de la policía. Margaret Wycherly (Ma Jarrett). MONTAJE: Owen Marks. B/N.

que. 1938) y The Roaring Twenties (1939) -esta última dirigida por Raoul Walsh. Murnau. B/N. El papel de George M. el papel interpretado por Margaret Wycherly correspondería al de la infausta «Ma» Barker. de joven. un joven campesino accede a matar a su mujer e irse a vivir a la ciudad. así que le pedí a mi memoria que los reprodujera». tras empujar a su mujer para tratar de salvarla. mientras grita un desafiante. Janet Gaynor (La mujer). El personaje de Cody Jarrett. La cima del mundo». El campesino. 1943) o The Time ofYour Life (1948). porque. ¡Dios mío. donde interpretaba una variante de mayor complejidad psicológica de sus papeles más famosos. un hospital psiquiátrico en el que estaba internado el tío de un compa- ñero mío. Margaret Livingstone (La mujer de la ciudad). Cagney explicó cómo se las había arreglado para realizar una interpretación de tanta intensidad: «Sabía muy bien cómo sonaba una persona trastornada. Ma. «Lo conseguí. visité Ward's Island. aquello sí que fue toda una lección! Había que ver cómo aullaba y gritaba la gente que estaba allí encerrada. Tras planear el crimen para que parezca un accidente que les ha ocurrido en su barca. de Hermann Sudermann). Ralph Sipperly (El barbero). le permitieron poner de manifiesto otras facetas de su talento y alejarse del turbulento mundo del crimen. GUIÓN: Cari Mayer (basado en la novela El viaje a Tilsit. Bodil Rosing (La doncella). Me acordé de esos gritos y me di cuenta de que aquello era lo que estaba buscando. Argumento Ofuscado por la aventura amorosa que tiene con una mujer de la ciudad. como El vagabundo (Johny Come Lately. FOTOGRAFÍA: Charles Rosher y Karl Struss. ambos pasan el día en la ciudad. supuso su regreso en plenitud de facultades al universo con el que estaba más familiarizado. INTÉRPRETES: George O'Brien (El hombre). Amanecer SUNRISE DIRECTOR: EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rochus Gliese. el carácter imprevisible y los rasgos infantiles de este ser brutal. forma parte ya de la pequeña historia de Hollywood. le de- . 1927 F. por el que obtuvo un Osear. DURACIÓN: 117 minutos. J. cuando llega el momento. se enfrenta al oleaje.James Cagney se había consagrado como la más perfecta encarnación en la pantalla de la figura chulesca y despiadada del gángster hollywoodiense. PRODUCCIÓN: FOX Film Corporation (William Fox). un delincuente con fijación materna y aquejado de unas migrañas atroces que ponen de relieve los elementos psicóticos de su personalidad. Cohan en Yanqui Dandy (1942). Al rojo vivo. realizados para su propia productora. Mientras regresan a su casa en barca. según parece. La famosa escena de su muerte en lo alto de un tanque de gasolina a punto de explotar. en un verdadero tour de forcé de emotividad. Reconciliado con su esposa. W. estalla una tormenta y la vela de la embarcación se rompe. y otros trabajos menores. Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces.UU.. James Cagney consigue transmitir de forma magistral la violencia salvaje.32 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 33 Con sus electrizantes interpretaciones en películas como The Public Enemy (1931). en Arthur «Doc» Barker. está basado. finalmente. donde asisten a una boda y disfrutan de las diversiones de un parque de atracciones. En cierta ocasión. en cuyo caso.Farrell MacDonald (El fotógrafo). es incapaz de llevarlo a cabo y el propio hecho de haber contemplado tal posibilidad hace que se sienta hundido.

como El séptimo cielo (Seventh Heaven. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Arnés. Amanecer obtuvo el reconocimiento de la primera entrega de los Osear. ello no supone merma alguna en la intensidad de la ansiedad y la ternura que. la película incorpora buena parte del lenguaje visual del movimiento expresionista alemán. a otras de un mayor naturalismo. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). Nina Foch (Milo Roberts). Murnau. Aunque es posible que fuera él mismo quien. justo en el momento en que estaba a punto de quedar obsoleto ante el advenimiento del sonoro. la utilización de efectos luminosos para crear estados anímicos de éxtasis. se desprende de la totalidad de la historia. GUIÓN: Alan Jay Lerner.34 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 35 vuelve a la orilla sano y salvo. Georges Guetary (Henri Baurel). adecuados a las distintas variaciones estilísticas y temáticas. hasta el punto de que. tanto en los decorados como en la interpretación. Murnau abandona las convenciones estáticas del cine mudo y apuesta por un dinamismo casi constante. a la mejor fotografía y a la mejor actriz. Argumento Jerry Mulligan. ha permanecido en París tras la guerra con la intención de hacerse pintor. de acuerdo con el guionista Cari Mayer. y representa también una de las expresiones más acabadas de las altísimas cotas artísticas alcanzadas por el cine mudo. Cuando la mujer de la ciudad le encuentra. W. Un americano en Parts AN AMERICAN IN PARÍS EE.UU. es la acción la que es moldeada para adecuarla a las necesidades de una cámara fluida y no al revés. MONTAJE: Adrienne Fazan. Osear Levant (Adam Cook). A pesar de que la película fue un fracaso comercial. Aun evaluándola con criterios actuales. FOTOGRAFÍA: Alfred Gilks y John Alton. la película pasa de escenas de un ex- presionismo altamente estilizado. permitiéndole a Murnau contar una historia americana con una sensibilidad muy europea. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Jerry Mulligan). este último otorgado a Janet Gaynor en reconocimiento a su trabajo en ésta y en otras películas. Leslie Carón (Lise Bouvier). MÚSICA: George e Ira Gershwin. Comentario Subtitulada «Canción de dos seres humanos» Amanecer marca la transición de Alemania a los Estados Unidos del afamado director F. DURACIÓN: 113 minutos. Melodrama pictórico y poético. al concedérsele los premios a la calidad artística de la producción. Dependiendo de cuál sea el ritmo que el propio director aprecia en los elementos que conforman la historia. resulta absolutamente prodigiosa. a diferencia de lo que suele ser habitual. el campesino corre eufórico a su encuentro. pero al llegar la noticia de que su esposa ha sido hallada viva. Eugene Borden (George Mattieu). 1928). sin embargo.. . 1951 DIRECTOR: Vincente Minnelli. 1927) y El ángel de la calle (Street Ángel. sigue sin aparecer. Su esposa. cree que ha ejecutado su plan. decidiera sustituir el desenlace trágico de la novela original por un final feliz de corte más convencional. gracias a la dirección y la fuerza visual de las imágenes. reconciliación o sospecha. un soldado norteamericano. cuya narratividad se crea mediante el recurso a la luz y el espacio.

toda esa pomposa parafernalia es un rasgo muy característico del enfoque narrativo de Vincente Minnelli. del lúgubre humor de su amigo Adam Cook y del apoyo que le presta Henry Baurel. la película haya sido acusada de ser excesivamente pretenciosa. Aunque son precisamente éstas las cualidades que han hecho que. conviene mencionar que. pues se trata de la prometida de Baurel. cuyo objetivo es contar una historia mediante una combinación de canciones. de la compañía de la chiquillería del barrio. Además de recibir seis de los ocho Osear para los que fue nominada -entre ellos el otorgado a la mejor película. especialmente. Mulligan no tardará en ser descubierto por una rica viuda. la película fue el tercer espectáculo de mayor éxito en Estados Unidos en 1951). el cual está a punto de casarse con una joven y bella bailarina.el trabajo de Gene Kelly fue expresamente reconocido al concedérsele un premio especial por «sus polifacéticas dotes como actor. Mulligan conoce a la joven Lise Bouvier y se enamora de ella. Sin embargo. éste decide rechazar cualquier ayuda que venga de ella. Baurel se dará cuenta de que es inútil interponerse en el camino del verdadero amor y Jerry encontrará la felicidad al volver a reunirse con Lise. quizá lo más significativo sea que el énfasis puesto en los exuberantes números de danza contemporánea del actor y coreógrafo Gene Kelly contribuyó a ampliar el vocabulario del baile en la pantalla y puso en entredicho la idea preconcebida de que el gran público no aceptaría las formas del ballet en un espectáculo de entretenimiento convencional (en este sentido. que dirigía el productor Arthur Freed. que presenta su obra a sus acaudalados amigos. disfruta del romanticismo de alojarse en una pensión de Montmartre. bailes. No obstante. Manet y otros artistas.36 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 37 Aunque viva con estrecheces. . Surgida de la influyente división musical de la M-G-M. diálogos y decorados. como Cantando bajo la lluvia (1952) o Melodías de Broadway (1953). una secuencia de 17 minutos de ballet contemporáneo. daban cuenta de unas aspiraciones artísticas que carecían de precedentes. Por otro lado. en tiempos recientes. cantante. el origen de la película en una pieza orquestal de George Gershwin y su momento culminante. por sus brillantes logros en el arte de la coreografía para películas». con unos ingresos brutos de taquilla de 4. Finalmente. el grado de sofisticación que se aprecia en todos los aspectos de la producción constituye un testimonio del alto grado de destreza alcanzado por los estudios cinematográficos. diseñada según la estética del pintor francés Raoul Dufy e inspirada en obras de Lautrec. Comentario Un americano en París constituye un importante hito en el desarrollo del musical. Mientras celebra su suerte en un club nocturno. ésta se resistirá al idilio. pues se trata de una de las primeras obras del género que realmente consiguió ganarse el respeto de la crítica y de la Academia norteamericanas. director y bailarín y.5 millones de dólares. en cuyo haber se encuentran ya una serie de clásicos. Milo Roberts. Cuando Roberts comience a exigirle a Mulligan algo más que su condición de promesa de las artes.

La Paramount contaba con el sofisticado lustre de las obras de Ernst Lubitsch. presumía de tener «más estrellas que elfirmamento». el cálido humanismo de Jean Renoir encontraba su más feliz expresión en obras como La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939). . sin embargo. 1931). se unió a las grandes gracias al trabajo de Frank Capra en películas como Sucedió una noche (1934) y El secreto de vivir (Mr. también fue entonces cuando se produjo la irrupción de Orson Welles en el medio cinematográfico con Ciudadano Kane (1941) -un film que todavía sigue siendo el más firme candidato a ocupar el puesto de mejor película de todos los tiempos. entre las que cabe destacar el musical patriótico Yanqui Dandy (1942). Cada estudio poseía un estilo característico y una nómina de artistas contratados. 1943). a Katharine Hepburn y a KingKong (1933).y en su nómina contaba con talentos de la categoría de Clark Gable. Hollywood reaccionó ante la situación bélica produciendo un verdadero aluvión de películas de aventuras. La M-G-M. el advenimiento del cine sonoro supuso también la transformación de un lenguaje universal de comunicación artística en una verdadera torre de Babel.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 39 «Esperen a oír esto» La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial Las primeras palabras pronunciadas por Al Jolson en El cantor de jazz (1927) marcaron el inicio y elfinalde una época. fue precisamente en aquella época cuando se produjeron algunos de los clásicos más sublimes e imperecederos del cine norteamericano. Sin embargo. las restricciones impuestas por la guerra no hicieron sino servir de acicate para que Michael Powell y Emeric Pressburger hicieran una obra tan deslumbrante como Coronel Blimp (The Life and Death ofColonel Blimp. lograba condensar el estado de ánimo de la nación en los momentos previos al estallido de la guerra. que servía a la protagonista a modo de devastador recordatorio de las fatales consecuencias del delito que había cometido. Laurence Olivier filmara su Enrique V (1943) y David Lean realizara Breve encuentro (1945). de modo que a menudo bastaba con leer el reparto de secundarios de una película para identificar su estudio de procedencia. que no salían muy bien paradas si se las comparaba con la fluidez expresiva alcanzada por el cine mudo en su momento de máximo desarrollo.y El cuarto mandamiento (1942). por los musicales de Busby Berkeley y por las aventuras de Errol Flynn. al otro lado del Atlántico. la primera película hablada del cine británico. considera- da por muchos como la auténtica joya de la corona. Deeds Go to Town. Marlene Dietrich y Gary Cooper. Hitchcock rodaba La muchacha de Londres (1929). albergaba a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. sin embargo. 1936). Rene Clair encandilaba al público con el humor chispeante y juguetón de películas como El millón (Le million. La década de los años treinta nos muestra al sistema de estudios de Hollywood funcionando a pleno rendimiento. a excepción de la palabra «cuchillo». y el carácter casi servil de las condiciones impuestas a unas estrellas que se velan ligadas a los estudios por contratos de siete años. Entre tanto. 1939). mientras que la Columbia. Entre tanto. una modesta empresa creada por Harry Cohn. se consagró como la productora más innovadora en el campo del género fantástico y de terror. durante un breve período de tiempo. la Universal. que si bien la inmensa popularidad de la película dejó bien sentado que las películas sonoras no eran una moda pasajera sino un adelanto de los tiempos futuros. Judy Garland y Greta Garbo. en el Reino Unido. por su parte. como Louis B. hayan sido objeto de numerosas críticas. Conviene no olvidar. y ofrecía un atisbo de cuáles podían llegar a ser las posibilidades del sonoro en una secuencia en la que la banda sonora amortiguaba el sonido de todo el diálogo. con obras como Drácula (1930) y Frankenstein (1931). Es comprensible que la tiranía de los grandes magnates del cine. comedias y musicales destinadas a levantar la moral. pero también con la imprescindible viabilidad comercial que le proporcionaban las comedias de equívocos de Mae West. El período prebélico también fue testigo de una de las épocas doradas del cine francés. La Warner Brothers se hizo famosa por su ciclo de películas de gángsters. el director Marcel Carné y el actor Jean Gabin en películas como Amanece (Le jourse leve. y la colaboración entre el escritor Jacques Prévert. Mayer o Harry Cohn. las limitaciones técnicas de los nuevos avances tecnológicos dieron lugar a unas producciones rudimentarias y rígidas. Por otro lado. La R-K-O.

contemplará cómo matan a unos campesinos que se divertían y asistirá a la matanza de sus propios compañeros. que arrinconaron durante tanto tiempo una película a la que reprochaban su violento realismo y una atmósfera que consideraban demasiado sombría en fechas del 50 aniversario de la Revolución de Octubre. Andrei Rubliov lleva a la pantalla el sempiterno problema de la relación entre el artista y la sociedad. comenzará a dudar del valor de su existencia.R. se entretiene con un bufón. La película se estrenó en el Reino Unido con un recorte de cuarenta minutos en su metraje. el rostro de Andrei. y su film de reminiscencias personales. Nikolai Grinko (Daniel el Negro). hasta que contemple maravillado la seguridad con que un campesino desahuciado supervisa la fundición de una famosa campana de iglesia. se superpone a un montaje que muestra sus cuadros religiosos. Andrei ayuda a Teófanes a pintar una iglesia nueva y se muestra contrario a mantener una observancia estricta del Antiguo Testamento. El espejo (Zerkalo. admirado del impulso instintivo que conduce al muchacho hacia la realización de su proyecto. vertiendo lágrimas de dicha. entre ellas. posteriormente. 1966 DIRECTOR: Andrei Tarkovsky.S. Aunque se encontraba ya acabado en 1965. Solaris (1972) y Stalker (1979). fueron también las responsables de proporcionar a Tarkovsky el primero de una serie de generosos presupuestos que permitieron al cineasta realizar unas obras que quedarían marcadas con el sello distintivo de un talento artístico insobornable. DURACIÓN: 185 minutos. 1974). sobrecogido por el espectáculo de un mundo dominado por el sufrimiento y la brutalidad que imponen unas hordas tártaras que arrasan todo cuanto encuentran a su paso. FOTOGRAFÍA: Vadim Yusof. y el dilema que plantean los impulsos contrarios de la observación imparcial y el compromiso activo. mata a un tártaro para proteger a una muchacha sordomuda que. Color y B/N. es raptada. este fresco épico de la vida medieval tuvo que esperar hasta el Festival de Cannes de 1969 para llegar por primera vez a las pantallas occidentales. descubrirá que el don divino de la creatividad florece incluso en tiempos de la más profunda turbulencia social. Nikolai Sergeyev (Teófanes el Griego). PRODUCCIÓN: Mosfilm. En el curso de sus peregrinaciones. el pintor de iconos Andrei Rubliov. Nikolai Burlyayev (Boriska). y observa cómo Boriska lleva a cabo la ardua tarea de construir una campana nueva. Argumento Rusia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Yevgeni Tchemiaiev. sus dos meditabundas películas de ciencia ficción. Inspirado por esta visión. Más adelante.. Como cabía esperar.S. Irma Raush (La muchacha sordomuda). y aún tendría que hacer frente a un ulterior retraso de tres años antes de que comenzara a distribuirse en la Unión Soviética. siglo xv. MÚSICA: Vyacheslav Ovchinnikov. GUIÓN: Andrei Mikhalkov-Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. El fantasma de Teófanes se le aparece. cuyas irreverencias serán severamente castigadas. El dubitativo protagonista. INTÉRPRETES: Anatoly Solonitsyn (Andrei Rubliov). un monje y pintor de iconos del siglo xv. El héroe epónimo.40 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 41 Comentario Andrei Rubliov U. y le insta a no caer en la desesperación y a continuar ejerciendo su arte. Paradójicamente. las autoridades soviéticas. . Ivan Lapikov (Kirill). A la conclusión de la obra.

FOTOGRAFÍA: Gunther Rittau y Hans Schneeberger. 1928) y El destino de la carne {The Way ofAll Flesh. Briggite Helm. un hombre débil y masoquista atrapado en las redes de una vampiresa fría y enigmática. Comentario El ángel azul DER BLAUE ENGEL Alemania. Hans Albers (Mazeppa). Jannings era una de las estrellas más respetadas de los tiempos del cine mudo e incluso había ganado ya su primer Osear por sus interpretaciones en las películas de Josef von Sternberg. y habiendo perdido toda su autoestima. antes de que el propio Mann sugiriera a la artista berlinesa. Marlene Dietrich (Lola Frohlich). y fue el propio director quién le sugirió que. El ángel azul es hoy en día objeto de veneración por ser la primera película que puso de manifiesto el sofisticado encanto de la leyenda del celuloide. DURACIÓN: 103 minutos. descubre a Lola-Lola en brazos de otro hombre. Tan sólo cuando estas dos opciones fracasaron. Pronto se verá reducido a la condición de un mero sirviente.42 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 43 Cuando Tarkovsky inunda de color la pantalla para recrearse en los maravillosos iconos de Rubliov. su mujer). MÚSICA: Friedrich Hollander. uno de los puntales de la comunidad. INTÉRPRETES: Emil Jannings (Profesor Immanuel Rath). regresa junto a Lola-Lola. había sido la primera opción para interpretar a la tentadora cantante del club nocturno. Rosa Valette (Guste. Eduard von Wínterstein (Director del colegio). pero se queda cautivado por Lola-Lola. el marcado carácter teatral de su estilo interpretativo y su gutural acento alemán pusieron punto final a su carrera en Norteamérica. la seductora artista del espectáculo. iniciándose así una de las más ilustres asociaciones entre actriz y director que ha dado la historia del cine. en su lugar. B/N. tenía para Von Sternberg una carga autobiográfica indudable. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte y Emil Hasler. una novela de Heinrich Mann. ha decidido entrar en el club nocturno «El ángel azul» para soltar una reprimenda a sus juerguistas estudiantes. el paralelismo con el artista de los tiempos previos a laperestroika salta a la vista. La trama básica de la película. concertó una entrevista con Sternberg para tratar de un guión sobre la figura de Rasputín. se contrató a Dietrich. Cuando el espectáculo vuelve a su ciudad natal. filmaran El ángel azul. y sería un tema al que volvería una y otra vez en las . de Heinrich Mann). A la mañana siguiente es el hazmerreír del colegio. Argumento El profesor Immanuel Rath. y Concebida en un principio como un vehículo destinado al lucimiento de Emil Jannings. Karl Vollmoller y Cari Zuckmayer (basado en la novela El ángel azul. PRODUCCIÓN: Erich Pommer. conocida ante todo por su papel en Metrópolis. Henchido de dolor. Cuando la noticia de sus actividades extraescolares llega a oídos del director. con la llegada de las películas habladas. que le convence para que se case con ella. La última orden {The Last Command. sin embargo. regresa a su antiguo colegio y muere. MONTAJE: Sam Winston. 1930 DIRECTOR: Josef von Sternberg. es sometido a una humillación ritual delante de la multitud. es despedido. Trude Hesterberg. Abatido. 1928). publicada en 1904. un mago). pasa toda la noche en el local. Kurt Gerron (Kiepert. De regreso a Alemania. Marlene Dietrich. GUIÓN: Robert Liebmann. Borracho de placer y de champán.

1930. Woody Alien deja atrás ese estilo paródico (La última noche de Boris Grushenko [Love and Death]. Comentario AnnieHall EE. 1932. 1934.contribuyó de forma determinante a la total absorción de Von Sternberg en un estilo fílmico lleno de sofisticación. 1935.será ahora cuando consiga crear un núcleo narrativo más satisfactorio desde el punto de vista emocional.UU. Aunque ya en sus primeras películas Woody Alien había perfilado su personaje más característico -ese eterno pretendiente romántico. tiene algo de . La Venus rubia [Blonde Venus]. Diane Keaton (Annie Hall). La atracción que Alvy siente por Hollywood le decide a marchar allí en compañía de Annie. el comediante Alvy Singer y la aspirante a cantante. pero. Paul Simón (Tony Lacey). Cuando vuelvan a encontrarse por casualidad en Nueva York. Argumento Tras haber sido presentados en un club de tenis. negado para la vida. muestra por Annie. a la que el director vestía e iluminaba. Annie Hall. y Alvy. 1971) que hasta el momento había caracterizado la obra de este antiguo escritor de gags y cómico de clubes nocturnos. El interés que el magnate del mundo discográfico.). resultará evidente que entre ellos sigue existiendo afecto y amistad. MONTAJE: Ralph Rosenblum y Wendy Greene Bricmont. y en el vuelo de regreso a Nueva York. PRODUCCIÓN: Jack Rollins/Charles H. Capricho imperial [TheScarletEmpress]. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. DURACIÓN: 93 minutos. GUIÓN: Woody Alien y Marshall Brickman. Joffe). una periodista. Alvy inicia una relación con Pam. Dietrich se convirtió en una presencia escultórica. deciden volver a separarse. tras realizar un fútil intento de reconciliación. despierta los celos de Alvy y. Asisten juntos a una fiesta que da Lacey. ese estilo definido por su carácter autorreflexivo y por la adopción del punto de vista de un judío de la costa este de un nivel cultural medio-alto que. etc.44 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 45 sofisticadas y decadentes películas que filmó con la Paramount para lucimiento de la Dietrich (Marruecos [Morocco]. MÚSICA: Varios. Tony Lacey. la pareja volverá a reunirse. finalmente. Carol Kane (Allison). escribe una obra teatral en la que trata de aclarar sus sentimientos con respecto a la relación. 1977 DIRECTOR: Woody Alien. al integrar su innata tendencia al estréllate en una historia de amor que. Tony Roberts (Rob). constituye la verdadera marca de fábrica de su autor. para lograr el primer ejemplo consistente de lo que sería su estilo más personal. Joffe para United Artists (Charles H. tras una pelea. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mel Bourne. INTÉRPRETES: Woody Alien (Alvy Singer). en este caso.. hoy en día. 1975) o propio de revista de variedades (Bananas. Marlene Dietrich -que tenía ya cerca de diecisiete películas de poca monta a sus espaldas cuando interpretó El ángel azul. Consciente siempre de la imagen que daba en pantalla. ini- Con Annie Hall. se produce la separación. Capricho español [The Devil is a Woman]. obedeciendo a sus impulsos fetichistas. El resultado fue una visión pesimista y notablemente personal de una existencia gobernada de forma implacable por las insondables exigencias del placer. cian una relación amorosa y se van a vivir juntos. Shelley Duval (Pam). Annie regresa a California para reunirse con Lacey.

Marshall MacLuhan. el propio Alien ha dicho del film que trataba de «los serios problemas que plantean las relaciones entre los sexos en la América de los setenta a algunas personas un tanto neuróticas». Panavisión. Sheldrake). que la atenderá con todo cariño hasta que se recupere. Diamond. una circunstancia reconocida por la propia Academia. se decide a tratar de conseguir el amor de Fran Kubelik. envalentonado por su nueva situación. D. la ascensorista de la empresa. un desfile de las neurosis personales de Alien (la fugacidad del amor y de la felicidad). DURACIÓN: 125 minutos. la película marcó un hito en la filmografía de Alien. a su vez. J. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Trauner. Rodada con su habitual secretismo. Tras declarar su apartamento zona prohibida.. A. . D. Diane Keaton. Fran toma una sobredosis y es descubierta por Baxter. Edie Adams (Miss Olsen). Sheldrake. para crear un efecto cómico. Fred MacMurray (J.46 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 47 confesión personal. Cuando éste elige el día de Nochebuena para comunicarle a su amante que nunca se casará con ella. añadiendo que ésa era la razón por la que la película le había salido «mucho más seria que todo lo que he hecho anteriormente». PRODUCCIÓN: United Artists (Billy Wilder). más bien. colocándole. que premió a la película con cinco nominaciones y cuatro Osear. convirtiéndose en la plantilla para futuras y más logradas variaciones sobre temas similares. el director de la empresa. B/N. Por todas estas razones. un empleado de una aseguradora. Baxter. se despide del trabajo y es recompensado con el amor de Fran. bajo el título provisional de «Anhedonia». acuciado por su conciencia. En recompensa por la cesión de su apartamento. Dobisch). entre ellos los de mejor película.el film es. Sin dejar totalmente a un lado los viejos trucos cómicos -en una desternillante escena se usan subtítulos para revelar los verdaderos sentimientos de los personajes y en otro gag aparece en persona el gurú de los medios de comunicación. MONTAJE: Daniel Mandell. por hallarse inspirada en la conocida relación sentimental que mantuvo durante la década de los setenta con la coprotagonista. El apartamento THEAPARTMENT DIRECTOR: EE. GUIÓN: Billy Wilder e I.UU. FOTOGRAFÍA: Joseph LaShelle. Baxter. Jack Kruschen (Dr. pero caerá en el abatimiento al descubrir que es la amante de Sheldrake. Dreyfus). 1960 Billy Wilder. le consigue un inesperado ascenso. L. en el camino que conduciría finalmente a su reconocimiento como uno de los talentos cinematográficos norteamericanos más admirados del cine contemporáneo. se ven favorecidas por su disposición a prestarle su apartamento a aquellos jefes que desean tener alguna aventura extramatrimonial. C. Shirley MacLaine (Fran Kubelik). Baxter. Ray Walston (Mr. Argumento Las posibilidades de ascenso de C. INTÉRPRETES: Jack Lemmon (Calvin Clinton «Bud» Baxter). MÚSICA: Adolph Deutsch. y una acertada combinación entre su ingenio aforístico y la seriedad de sus pretensiones. mejor director y mejor guión.

Greenberg y Lisa Fruchtman. Apocalypse Now EE. Willard. según la cual para ser un vencedor hay que dejar a un lado todo dilema moral y utilizar el instinto primordial del hombre que le lleva a matar sin compasión. Argumento Vietnam. 1964). INTÉRPRETES: Marión Brando (Coronel Walter E. MÚSI- CA: Carmine Coppola. 1979 DIRECTOR: Francis Ford Coppola. mejor director y mejor guión (este último escrito en colaboración con I. The Doors.UU. El triunvirato formado por Wilder. etc. una crítica agridulce de la laxitud moral que reinaba en la jungla empresarial de la Norteamérica contemporánea. PRODUCCIÓN: Omni-Zoetrope (Francis Coppola). Willard). Caracterizada en todo momento por un tono compasivo y lleno de emoción. con ella. 1963). MONTAJE: Walter Murch. Robert Duvall (Coronel Bill Kilgore). A. Lemmon y MacLaine volvería a reunirse en Irma la dulce (Irma La Douce. era capaz (véase Bésame tonto [Kiss Me Stupid]. fue nominada para diez premios de la Academia. Cuando se produce el encuentro. Frederic Forrest («Chef» Hicks). de Joseph Conrad). el director y guionista Billy Wilder prometió a Jack Lemmon que crearía un papel específicamente diseñado para que éste pudiera desplegar todos los registros de su talento. a su vez. El resultado fue El apartamento (1960). en ocasiones. fue una opción de última hora al fallecer Paul Douglas durante el período de preproducción. recibe la orden de ejecutar al Comandante Kurtz. (70 mm) (35 mm. Wilder elude en esta película esa áspera amargura de la que. Harrison Ford (Coronel Lucas).. GUIÓN: John Milius y Francis Coppola (basado en El corazón de las tinieblas. Diamond). Gerald B. ciertamente. un capitán harto de combatir. una generación más tarde. Pocas veces ha sido utilizada con mayor destreza la simpatía innata de Lemmon. El viaje río arriba se inicia con una incursión de helicópteros al mando del belicoso Coronel Kilgore. que. e insta a Wi- . Muy respetado por su habilidad para crear tanto duros dramas como atrevidas comedias. Larry Fishburne («Limpio»). que ya había trabajado con Wilder en Perdición (1944). entre MacMurray y el prototipo del canalla típicamente norteamericano. Wilder combina ambas en El apartamento. de la que. Dennis Hopper (Fotógrafo). versión con secuencia final de títulos de crédito: 153 minutos). Martin Sheen (Capitán Benjamin L. un oficial norteamericano que ha establecido una dictadura en el corazón de la jungla. Este último. hasta entonces apenas explotada. y se va volviendo cada vez más surrealista a medida que va quedando atrás el mundo civilizado y se entra en el territorio de Kurtz. se haría también eco Oliver Stone en Wall Street (1987). y. Kurtz le explica su filosofía. Wilder obtuvo la tripleta de mejor película. L. Situada en la lista de las diez producciones más taquilleras de 1960. es hábilmente complementada por la vapuleada fragilidad de MacLaine y por la afinidad. Kurtz). DURACIÓN: 141 minutos. Francis Coppola. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. Wagner.. una de sus obras más populares. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis.48 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 49 Comentario Gratamente impresionado por su primera colaboración juntos en Con faldas y a lo loco. aprovechando el sentimiento de proximidad que despiertan entre el público los tres principales intérpretes -asociados normalmente con la comedia ligerapara conducir al espectador hacia una visión desoladora y dramática de las relaciones sociales. Technicolor. para lograr la que quizás sea la película de mayor resonancia emotiva de toda su carrera y.

Michael «Crónicas» Herr. que había supuesto su definitiva consagración como uno de los directores más fascinantes y visionarios de su generación. Elpadrino 11(1974) y La conversación (1974). Asalto y robo a un tren THE GREAT TRAIN ROBBERY EE. S. «Bronco Billy» Anderson. Los ladrones desenganchan la locomotora del resto del tren y . sufrió un ataque al corazón que casi resultó fatal. Tras el éxito de crítica obtenido con Elpadrino (1972). y el rodaje se prolongó de las diecisiete semanas previstas hasta 238 días. INTÉRPRETES: G. Eliot en La tierra baldía. Es Vietnam. tan típica suya. un reflejo de los acontecimientos reales que se pretendían filmar.50 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 51 llard a que ponga fin a su vida. Coppola decidió embarcarse en una obra magna que llevaba planeando desde hacía mucho tiempo: un manifiesto artístico de primera magnitud sobre la intervención militar norteamericana en el sudeste asiático. atormentado por su sentimiento de culpa y por la locura de todo asesinato. El turbulento rodaje de exteriores en Filipinas -recogido en el documental Hearts ofDarkness (1991).» Con esta ampulosa declaración. Partiendo de la línea argumental y del tema central de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. opta por realizar un análisis grandilocuente de las hondas raíces del mal que anida en el corazón humano. B/N. el verdadero logro de la película reside en esos momentos en los que el carácter alucinante de la matanza queda reflejado en todo su delirio.fue. entre otros. el actor que sustituyó a Harvey Keitel.M. Las tormentas tropicales destruyeron los decorados. Abadie y Marie Murray. Un hombre es abatido por la espalda cuando intenta huir. Martin Sheen. Aunque los agudos comentarios del corresponsal de la Guerra del Vietnam. le atacará con un machete -un acto que tiene su reflejo en el sacrificio ritual de un búfalo. 1903 DIRECTOR: Edwin S. mientras el presupuesto se iba incrementando continuamente. sin embargo. irónicamente.UU. Willard parte río abajo. PRODUCCIÓN: Thomas Edison Company. Éste. asaltan el tren mientras éste se halla repostando. Argumento Dos maleantes atacan a un empleado de telégrafos y lo atan.y Kurtz morirá pronunciando las palabras «el horror. ponen a los pasajeros enfilajunto a la vía y les ordenan que les entreguen todos los objetos de valor. horror y absurda belleza. el horror». DURACIÓN: 11 minutos aproximadamente. justo antes de que un tren llegue a la estación. y entremezclándolo con el mito de muerte y regeneración del «rey pescador». produciendo un efecto verdaderamente turbador. A.. la música rock de The Doors -un grupo contemporáneo del conflicto. según lo utilizó T. la película. La aproximación realizada por Coppola a la historia reciente de su país resultaría ser bastante elíptica. C. sorprenden al vigilante de la caja fuerte y se apoderan de ella. Francis Ford Coppola anunció el estreno de Apocalypse Now. George Barnes. Comentario «Mi película no trata de Vietnam.y el impresionante acopio de material bélico contribuyen a situar los acontecimientos en su momento histórico. Finalmente. Tras unírseles otros cuatro forajidos. pasando de 12 a 31 millones de dólares. en vez de centrarse de manera específica en los perfiles ideológicos del conflicto vietnamita. A continuación. Porter.

será tras el tiroteo final cuando el director se saque de la manga el efecto visual más extraordinario: un primer plano en el que uno de los canallas vuelve su escopeta hacia la cámara. Rápidamente. PRODUCCIÓN: Gaumont (J-L. la hija del empleado de telégrafos le ha rescatado y ha dado la alarma.no eran sino la más novedosa de las atracciones populares del momento. Muchos años después reaparecería haciendo un carneo en la película Quinientos dólares. finalmente. DURACIÓN: 85 minutos. «Bronco Billy» Anderson. Argumento Jean. En cuanto al principal actor. una de las primeras películas americanas que trataban de narrar una historia. B/N. L'Atalante Francia. Atrapados cuando procedían al reparto del botín. conformando una especie de retablo. se forma una partida al mando del sheriff. algo que la dotaba de una complejidad y de una fuerza que empequeñecía. tan abundantes en una época en que el cine era poco más que una atracción de feria. un momento que marcó el nacimiento del cine en 1895. Porter fue uno de los primeros directores que utilizó el recurso de producir tensión alternando dos puntos de vista distintos. Porter. Entre tanto. los nickelodeon -nombre que se daba a las casetas de proyección de la época. abandonó la realización de películas en 1916. 1965). INTÉRPRETES: Michel Simón (Pére Jules). GUIÓN: Jean Vigo y Albert Riera (basado en una historia de Jean Guiñee). aquello debió resultar tan emocionante como el momento en que vieron por primera vez el tren de los hermanos Lumiére entrando en una estación. entre las cuales se contaban el melodrama teatral. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman y Louis Berger. y se emprende la persecución de los ladrones. Durante la década siguiente. constituye un importante jalón en ese proceso. Maurice Gilíes (Jefe de negociado). Comentario A principios del siglo xx. El nuevo medio tendría que hacer frente al reto de desarrollarse como forma artística. el capitán de la gabarra L'Atalante. lleva a bordo de su embarcación a Juliette. aparecería en cerca de cuatrocientos cortos del Oeste antes de retirarse de la pantalla en 1920. Gilíes Margaritis (Vendedor ambulante). de Edwin S. el valor de meras curiosidades que tenían los temas mostrados en una sola escena. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Francis Jourdain. los forajidos mueren durante el tiroteo con los hombres del sheriff. 1934 DIRECTOR: Jean Vigo. Aunque las distintas partes de la acción se presentaban sin montar.52 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 53 se dirigen hacia el lugar donde les esperan sus monturas. No obstante. la joven campesina con la que acaba . Porter demostraría ser un director muy prolífico -aunque ya no tan innovador. MONTAJE: Louis Chavance. MÚSICA: Maurice Jaubert. el vodevil y los espectáculos de linterna mágica.hasta que. Asalto y robo a un tren. Nounez). la importancia de esta película reside en el hecho de que sus veinte tomas están conectadas entre sí para narrar la emocionante historia de una persecución. Jean Daste (Jean). por comparación. sin perder por ello su capacidad de comunicar con el público de un modo que éste pudiera comprender. Anunciada como «el sensacional y asombroso asalto al expreso del oro por una famosa banda de forajidos del Oeste». Para un público que nunca había visto nada parecido a un primer plano. Louis Lefebvre (Muchacho). vivo o muerto (TheBounty Killer. el circo. Dita Parlo (Juliette).

Cuando Gaumont. estrenaron el film con el título Le Chalana quipasse. finalmente. ya habían demostrado el carácter mordaz e idiosincrásico del talento de Vigo. alternando momentos de comedia con otros de tensión. Traba amistad con Pére Jules. Vigo crea toda una sucesión de estados de ánimo cambiantes. pero se siente muy sola cuando Jean tiene que atender a sus múltiples ocupaciones. y Jean. La muchacha vuelve a reunirse con un enamorado Jean y ambos reanudan juntos el viaje. El resultado fue ese desmesurado y excepcional himno al amor que es VAtalante. Al estrellarse contra el agua.54 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 55 de casarse. le contrató para que realizara lo que. fuera de sí. arroja un flotador por la borda. tratando de ajustarse lo máximo posible a las intenciones originales de su autor. La muchacha trata de adaptarse a la monotonía y al ambiente masculino que reina en ese entorno claustrofóbico. franceses y belgas. prohibieron la presencia del director en la sala de montaje mientras reformaban la película. parecía ser una manida historia de amor con bote de por medio. Distanciados ahora el uno del otro. tras haber sido reconstruida con materiales provenientes de archivos británicos. Quizá la secuencia más portentosa sea aquella en la que Jean Vigo nos muestra los sentimientos de los dos apasionados amantes. caso del cáustico «documental» Á propos de Nice (1929) y de su anarquista relato colegial Zero en conduite (1932). Partiendo de un guión de una sencillez extrema. Cuando el personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud se encuentra rodando una escena en una barcaza. uno de los grandes estudios franceses. mostrando los cuerpos que se revuelven inquietos y consiguiendo así transmitir con una viveza y una fuerza poética excepcionales la intensidad del deseo erótico. Dos semanas más tarde. la respuesta de Vigo fue conservar tan sólo las líneas generales de la historia y sacar el máximo partido de las duras condiciones de rodaje. pero con ello no consigue más que despertar el natural celoso de éste. Pére Jules desembarca y se pone a buscar a Juliette. suprimieron algunos trozos de la evocadora partitura compuesta por Maurice Jaubert por una cancioncilla popular y. cimentó entre la crítica el estatus de Jean Vigo como uno de los más consumados artistas cinematográficos. impresas en su perímetro se pueden leer las palabras L'Atalante. Juliette se escapa a tierra. el viejo y gárrulo compañero de Jean. Jean Vigo moría a causa de una septicemia reumática a los 34 años de edad. por un golpe de fortuna. y se pasa el día soñando con la excitante vida parisina. Cuando los estudios Gaumont se encontraron con aquel producto incatalogable. haciendo que las imágenes salten de uno a otro lecho. En la película El último tango en París (1972). a primera vista. ambos se echan de menos y se sienten atormentados por la separación. al hallarse momentáneamente separados. . Comentario La restauración y reedición en 1990 de L'Atalante de Jean Vigo. consigue localizar. a la que. Sus cortometrajes anteriores. hay un pequeño homenaje de Bernardo Bertolucci al film de Jean Vigo. Al llegar a Le Havre. y las visiones surrealistas con auténticas exaltaciones del deseo. decide soltar amarras y partir sin ella.

1968). una producción italiana. cuyo estilo intenso y operístico impregna los viajes narrados en Aguirre. apostando por un tipo de espectáculo monumental y enormemente costoso contra el cual. y pronto no hubo género que no se sobredimensionara hasta alcanzar proporciones épicas. sin olvidar otras producciones que. Los datos que proporcionaba la recaudación en taquilla parecían confirmar la teoría de que las producciones a gran escala eran la solución para sacar a las gentes de sus casas. 1977) y Gandhi (1982). la enormidad de los costes. a quien debemos la fascinante trilogía que arranca con Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. 1949). tal asociación alcanzaría su momento álgido en los años cincuenta. por ejemplo. cuyo episodio babilónico contaba con unos decorados que se encuentran entre los mayores jamás realizados. De ese modo. De Mille. La preponderancia de la figura de Cecil B. pasando por la comedia (Aquellos chalados en sus locos cacharros [ Those Magnifícent MenintheirFlyingMachines]. desde las películas bélicas (El día más largo [ The Longest Doy] 1962) hasta el western (La conquista del Oeste [How the West Was Won]. Guerra y paz (Voina i mir. La respuesta del público fue tan entusiasta. cultivó gran variedad de géneros. o las primeras obras de Cecil B. tampoco fueron éstas las únicas superproducciones de la época del cine mudo. resultaban igualmente espectaculares. Cabiria (1914). que era hijo de un ministro de la Iglesia episcopal. En el momento presente. el cine épico es una rareza dentro del ámbito de la cinematografía anglosajona. Sería. o Werner Herzog. no obstante. que adoptaban un tono marcadamente moralista mientras se regodeaban con fruición en alguno de los siete pecados capitales que en teoría se estaban fustigando. autor de una grandilocuente versión de ocho horas de la novela de Tolstoi. en cualquier caso. Douglas Fairbanks. la epopeya de ciencia-ficción dirigida por Fritz Lang. que protagonizó Richard Burton. se embarcó en empresas de gran envergadura. Finalmente. 1965) y tantos otros más. las pantallas cinematográficas no tardaron en verse invadidas por títulos como Demetriusy los gladiadores (Demetrius and the Gladiators. en 1923 y 1956). El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916). por no mencionar la ciudad futurista de Metrópolis (1926). con unos ingresos que se estimaron en más del doble que los de su más próxi- mo competidor. la pequeña pantalla. 1956) o de La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. . por lo general. Los diez mandamientos (The Ten Commandments. aunque no de carácter bíblico. firmaron la partida de defunción de tan peculiar estilo cinematográfico. la cólera de Dios (1972) y en Fitzcarraldo (1982). De Mille quizá explique por qué el cine épico suele traer a la mente algún tipo de asociación bíblica. De Mille. De Mille con obras como Un puente lejano (A Bridge Too Far. 1953). Entre sus más famosas producciones pueden mencionarse Los diez mandamientos (The Ten Commandments. como Robin de los bosques (Robin Hood. 1962). Un dato resultará revelador de lo que se acaba de señalar: se estima que para realizar Ben-Hur con los precios actuales se necesitaría una inversión que superaría ampliamente los 100 millones de dólares. se encuentran Sergei Eisenstein. El procedimiento de proyección en gran pantalla denominado Cinemascope fue empleado por vez primera en la producción de la Twentieth Century Fox La túnica sagrada (The Robe. caso de Guerra y paz (War and Peace. Griffith a embarcarse en proyectos tan monumentales como su epopeya sureña.56 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE «Un reparto de millares de personas» El cine épico Aunque el tamaño no es necesariamente un indicativo de calidad. Sergei Bondarchuk. 1966-1967). 1954). El Rey de reyes (The King ofKings. 1922) y El ladrón de Bagdad (1924). la escala de los recursos con que contaba Hollywood permitió llevar a la pantalla reconstrucciones históricas verdaderamente espectaculares. que animaron a una nueva generación de cineastas a apostar por películas de bajo presupuesto y de temática actual. Sergio Leone. 1927) o Sansón y Dalila (Samsom and Delilah. de algún episodio bíblico. Entre los ilustres directores que cultivaron el cine épico fuera del ámbito anglosajón. pero su reputación se sustenta sobre todo en ese toque de teatralidad y vulgaridad que supo imprimir a unos espectáculos repletos de acción y extraídos. del que es ineludible mencionar las escenas de la batalla del hielo de su obra Alexander Nevski (1938). aunque directores como Richard Attenborough sigan manteniendo vivo el espíritu de Cecil B. 1956). 1956) o Ben-Hur (1959). que la película no tuvo ninguna dificultad en convertirse en el film más taquillera del año. y el éxito obtenido por Kevin Costner con Bailando con lobos (1990) apunte quizá hacia una revitalización del género. unida a la influencia de películas como Buscando mi destino (1969). Por otra parte. cuando Hollywood decidió hacer frente al desafío planteado por la televisión. no tenía ninguna posibilidad de competir. W. la que indujo a D.

1987 Adrián Lyne. GUIÓN: James Dearden. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Blackman. se estrella con su coche. como ocurre con una de las escenas culminantes. Glenn Cióse (Alex Forrest). se convertirá en algo de lo que no podrá olvidarse ni desentenderse con facilidad. Gallagher la denuncia a la policía y confiesa su infidelidad a su mujer. Alex responderá con una tentativa de suicidio y con la noticia de que está embarazada. si se tiene en cuenta el carácter derivativo de su trama y de su enfoque. Dearden lo ampliaría hasta convertirlo en un guión para un largometraje. Cada vez más desesperada. Beth. vierte ácido sobre el coche de Gallagher y asa al conejo que la hija de éste tiene como mascota. 1986). una virulenta proclama a favor de la monogamia. MÜSICA: Maurice Jarre. FOTOGRAFÍA: HOward Atherton. aparentemente. un hombre felizmente casado. Anne Archer (Beth Gallagher). PRODUCCIÓN: Paramount (Stanley R. cuya realización fue confiada a otro compatriota. Más adelante. ésta se introducirá en su casa con la intención de asesinar a Beth. Ellen Hamilton Latzen (Ellen Gallagher). solteras y liberadas sexualmente. MONTAJE: Michael Kahn y Peter E. Este extraño cruce entre Breve encuentro y Viernes 13 obtuvo unos beneficios brutos de 156 millones de dólares y tuvo una repercusión. se transmite sin la más mínima sutileza o suspense qué es lo que pretende conseguir y se plagia con todo descaro otras películas. se define el buen gusto en términos de lujo y oropeles. a todas luces desproporcionada. calcada de una escena similar en Las . Principal tema de conversación cinematográfico de aquel año. Berger. Argumento La impulsiva relación sexual que Dan Gallagher. INTÉRPRETES: Michael Douglas (Dan Gallagher). En un principio. Michael Douglas y Anne Archer. titulado Diversión. ha mantenido con Alex Forrest.UU. presa de la angustia. consigue ahogar a Alex. Gallagher estará a punto de matar a Alex en un ataque de rabia.58 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 59 Comentario Atracción fatal FATAL ATTRACTION DIRECTOR: EE. A pesar de la eficacia con que manipula las emociones de los espectadores y distribuye los momentos de mayor impacto -dos elementos que contribuyeron a hacer de la película ese tema recurrente de conversación en que efectivamente se convirtió. una concesión vergonzante y reaccionaria a la moralidad de la nueva derecha norteamericana o un ataque misógino contra las mujeres profesionales. En la pelea que se producirá a continuación. Más adelante. DURACIÓN: 120 minutos. Stuart Pankin (Jimmy). A sus repetidos intentos de poner fin a su relación. Aun contando con las excelentes interpretaciones de Glenn Cióse. llegó a ser interpretada como una metáfora de la era del sida. Jaffe y Sherry Lansing). conocido sobre todo por ser el director de Nueve semanas y media (Nine V2 Weeks. momento en que Beth acaba con ella de un disparo. el proyecto fue concebido por el británico James Dearden como un corto de treinta minutos. Adrián Lyne. Dan. Cuando Alex se lleva a su hija para dar un paseo por la tarde y Beth..la dirección de Lyne es también la principal razón por la que esta película figura en este libro más como fenómeno social que como ejemplo de buen hacer cinematográfico. donde se quiere transmitir una idea de refinamiento cultural a base de hacer sonar arias de Madame Butterfly. éste es un film con más estilo que sustancia. Ellen Foley (Hildy). pero ésta vuelve a levantarse.

Caballerosamente. se establece en .. al representarla. 1924 Ninguna de las películas realizadas por el director austríaco expatriado. «Sin dolor» Potter). que. GUIÓN: Erich von Stroheim y June Mathis (basado en la novela McTeague. desesperado. de Frank Norris). cada vez de forma más manifiesta. al desvelar que ejerce sin licencia y. pero comienza a sentirse celoso cuando Trina gana 5. luego. Frank Hull y Marguerite Faust. Cuando más adelante regrese con la intención de asesinarla y apoderarse de su dinero. Con posterioridad. bajo el sol abrasador del desierto. Durante los años veinte la mayor parte de su producción se centró en ofrecer una visión sardónica de la decadencia europea. y la versión original sólo llegó a verse en Japón. Gibson Gowland (McTeague). Los motivos que impulsan al personaje de Glenn Cióse se quedan en nada. el dinero se convierte en la obsesión central de sus vidas. se refugia en el alcohol y comienza a comportarse violentamente con Trina. una crónica de los bajos fondos de San Francisco.000 dólares en la lotería. como una asesina psicótica a la que hay que destruir a toda costa. Zasu Pitts (Trina). la prima de éste. y ya con Esposas frivolas (Foolish Wives. Consigue atraparle una vez muerta"». INTÉRPRETES: Tempe Piggot (Madre de McTeague). Recuerdo que pensé: "Es fantástico. un joven minero. Marcus deja el camino libre a su amigo. Tras algunos pases previos en Estados Unidos. Allí conoce al veterinario Marcus Schouler y se enamora de Trina. Lyne recordaría el final que tenía planeado antes de que la productora insistiera en la necesidad de cambiarlo: «Michael Douglas acababa en prisión. 1955). se filmó un final distinto. es su prometida. PRODUCCIÓN: Metro-Goldwyn Company (Irving Thalberg).constituye una excepción en la obra de Von Stroheim.60 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 61 diabólicas (Les Diaboliques. Erich von Stroheim. Stroheim. Marcus le persiguirá hasta el Valle de la Muerte. MONTAJE: Erich von Stroheim. Argumento Tras trabajar durante un tiempo como aprendiz de un dentista itinerante. se manifestaron los primeros indicios de que su implacable búsqueda de la autenticidad iba a dar lugar a unas obras demasiado extensas o escandalosas para el gusto de los productores de su tiempo. FOTOGRAFÍA: Ben Reynolds y William Daniels. donde ambos morirán. porque se encontraban sus huellas dactilares en el cuchillo que Glenn Cióse había empleado para suicidarse. Aunque la temática de Avaricia -una adaptación de McTeague. B/N. McTeague. Jimmy Wang (Cocinero chino). se conserva en la forma en que habían sido concebidas originalmente. Una vez que McTeague y Trina se casan. Gunther von Ritzau (Dr. DURACIÓN: originalmente 160 minutos aproximadamente. a la que terminará por abandonar.UU. San Francisco. además. MÚSICA: Leo A. Marcus arruina a McTeague. 1921). Avaricia GREED DIRECTOR: Erich von Comentario EE. esposados el uno al otro. escrita por Frank Norris. el trato que recibió la película a manos de la productora Metro Goldwyn Mayer no es sino un ejemplo más del eterno enfrentamiento entre la creatividad del artista cinematográfico y la intransigencia de los capitalistas. abandona la ciudad. McTeague. Jean Hersholt (Marcus Schouler). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day y Erich von Stroheim. Kempinsky.

es imposible valorar cómo sería la obra de Von Stroheim en toda su amplitud. GUIÓN: Michelangelo Antonioni. Sandro sigue a Claudia mientras ésta huye del hotel. Argumento Tras un mes de separación. Claudia le sorprende haciendo el amor a una prostituta con la que se habían encontrado anteriormente. La Metro decidió realizar ella misma los cortes que creía necesarios.62 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 63 Von Stroheim se propuso crear un equivalente visual del naturalismo a lo Zola de Norris rodando todas las escenas en escenarios naturales. más tarde. B/N. . 1960 DIRECTOR: Michelangelo Antonioni. La aventura L'AVVENTURA Italia. la versión de Avaricia con la que contamos hoy en día sigue siendo una película con una tremenda carga visceral. el arquitecto Sandro. no conseguirán encontrar su cuerpo. hasta obtener una copia final con una duración inferior a las tres horas. un feroz alegato contra la avaricia humana. Monica Vitti (Claudia). Dado que los estudios quemaron todo el material que había sido cortado para extraer el nitrato de plata. Esa misma noche. por desgracia. Lea Massari (Anna). Más adelante. MÚSICA: Giovanni Fusco. pero los estudios seguían mostrándose reacios a llevar a la pantalla una película que tuviera que ser proyectada en dos noches consecutivas. en compañía de Claudia. MONTAJE: Eraldo da Roma. Anna y su prometido. Anna no parece sentirse muy feliz con el estado de su relación y trata de comunicarle sus sentimientos a Sandro. a cuatro. Elio Bartolini y Tonino Guerra (basado en un relato de Antonioni). James Addams (Corrado). pasó primero a siete y. Claudia y Sandro se sienten atraídos el uno por el otro y deciden reservar una habitación para ambos en un lujoso hotel. Sin embargo. pero. PRODUCCIÓN: Ciño del Duca Produzioni Cinématografiche Europée/Societé Cinématographique Lyre (Amato Pennasiliio). hacen el amor. aun midiéndola por el rasero de las siempre generosas producciones de Von Stroheim. y las desesperadas escenas finales de asesinato y traición bajo los despiadados cielos del Valle de la Muerte. Dominique Blanchar (Giulia). ese minucioso estilo realista hizo que la duración del producto final se disparara hasta alcanzar una longitud que. De un montaje inicial de nueve horas de duración. pero será finalmente la propia Claudia quien tenga que consolar melancólicamente a un compungido Sandro. FOTOGRAFÍA: Aldo Scavarda. resulta inusitada. las personas presentes en el barco echarán en falta a Anna y. a pesar de llevar a cabo una búsqueda exhaustiva. reemplazando los rótulos de Von Stroheim y conservando tan sólo el esqueleto de la concepción original del director. cuando. Renzo Ricci (Padre de Anna). A pesar de todo ello. DURACIÓN: 145 minutos. parten en coche para pasar unos días de vacaciones en las costas sicilianas junto a unos amigos. mientras termina la noche y comienza a amanecer. Mientras continúa la búsqueda. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Poletto. INTÉRPRETES: Gabriele Ferzeti (Sandro).

. Dunbar pide un destino en el remoto Fort Sedgwick. Tras haber sido condecorado por su valor. MÚSICA: John Barry. por la revista Time como «una pesadillesca obra maestra del tedio». y continuaría desconcertando e irritando al público de múltiples países durante una carrera comercial que resultó sorprendentemente exitosa. la tribu trabará amistad con él. Graham Greene («Pájaro peleón»). Dunbar). Grant («Cabello al viento»). vive o muere y. el característico estilo letárgico que emplea Antonioni para realizar esta evocación de la alienación contemporánea suscitó entre los críticos tanta admiración como congoja. se enamorará de «En pie . el uso limitado del diálogo y la propia caracterización de los personajes. más adelante. Aunque sus obras anteriores (Las amigas [Le amiche]. se establece en una granja abandonada. Stephen Potter y Chip Masamitsu. por aquel entonces se encontraba en pleno apogeo. MONTAJE: William Hoy. era poco menos que obligatoria. que. y evaluada. en este caso. en última instancia. 1957) ya hacían presagiar lo que sería La aventura. 1966) hasta la California hippy (Zabriskie Point. DURACIÓN: 180 minutos. 1962) o el Londres de la era beat (Blow Up. Más adelante. por supuesto. parece carecer de sentido. Rodney A. 1990 DIRECTOR: Kevin Costner. e impide la identificación de los espectadores con la problemática de la pareja protagonista mediante la imposición de un ritmo de una lentitud apabullante. FOTOGRAFÍA: Dean Semler. la utilización de la cámara como un elemento distanciador. cuyos intentos de comunicarse no pasan de ser meros titubeos y cuya sexualidad. desde la bolsa de Roma (El eclipse [L'ecclise]. 1969) o las áridas tierras del norte de África (Elreportero [The Passenger]. GUIÓN: Michael Blake (basado en su propia novela). Antonioni hace caso omiso de las expectativas narrativas convencionales (en ningún momento se explica si Anna se suicida. y Dunbar los acompañará a la caza del búfalo. Bailando con lobos DANCES WITH WOLVES EE. el Teniente John J. una corriente habitual en buena parte del arte europeo del siglo xx. cuya visión dentro del circuito de arte y ensayo. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jeffrey Beecroft. una combinación de rasgos estilísticos y temáticos inconfundibles hicieron de ella una de esos títulos controvertidos. PRODUCCIÓN: Tig en colaboración con Majestic (Kevin Costner y Jim Wilson). Argumento Año 1863. a combatir contra una partida de guerreros pawnee y. en lugar de transmitir esta alienación por medio de una configuración narrativa. donde su única compañía serán un lobo y los indios sioux. Mary McDonnell («En pie con el puño en alto»). Un malestar social tan abrumador es. 1975). 1955 y Elgrito[Il grido]. que permanecen vigilantes ante su presencia. tampoco tiene la más mínima importancia). Floyd Red Crow Westerman («Diez Osos»). más que carecer de alegría. pero lo que hace que la obra de Antonioni resulte especialmente significativa es que. INTÉRPRETES: Kevin Costner (Teniente John J.UU.64 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 65 Comentario Recibida con una combinación de tímidos aplausos y sonoros abucheos durante su primera proyección en Cannes en mayo de 1960. lo realiza mediante cierto tipo de astringencia formal y destacan- do visualmente la alienación de los personajes con respecto a su entorno. Una vez allí. Tantoo Cardinal («Pelliza negra» ). Sería éste un arte que Antonioni continuaría desarrollando en una variedad de escenarios memorables. finalmente.

el líder del Frente de Liberación Nacional Argelino (FLN). su conciencia ecológica y su alegato a favor de un modo de vida casi utópico. También se colocó a la cabeza de una serie de producciones que se ocuparon de los problemas de los indios en la cultura norteamericana. Dunbar y «En pie con el puño en alto» abandonan la tribu para evitar una sangrienta represalia. por si fuera poco.66 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 67 con el puño en alto» (una mujer blanca que fue tomada prisionera cuando niña). DURACIÓN: 135 minutos. 1963) era su película favorita y había participado anteriormente como actor en el western Silverado (1985). hacía un generoso uso del dialecto lakota sioux. junto a Flecha rota (Broken Arrow. Este film es muchas cosas a un tiempo: una saga épica sobre la realización personal. Brahim Haggiag (Ali La Pointe). El impresionante debut tras la cámara de Kevin Costner con una película de tres horas de duración y que. La batalla de Argel LA BATTAGLIA DI ALGERI DIRECTOR: Italia/Argelia. Yacef Saadi (Saadi Kader). entre las que podrían señalarse películas como En pie de guerra (WarParty. es detenido por la caballería y tratado como si fuera un traidor. 1991). obtendría por su trabajo el Osear a la mejor dirección. Tras ser liberado gracias a una emboscada de los sioux. Michele Kerbash (Fathia). Fawzia El Kader (Haahmal). Ali La Pointe. PRODUCCIÓN: Casbah Films-Igor Films (Antonio Musu y Yacef Saadi). 1964). una enardecida fábula de aventuras y un alegato sobre el culpable legado de racismo y genocidio de los Estados Unidos. GUIÓN: Franco Solinas (basado en una historia de Solinas y Gillo Pontecorvo). en suma. Además de constituir. entre ellos el concedido a la mejor película. una de esas arriesgadas apuestas en las que se supone que a Hollywood ya no le gusta embarcarse. MONTAJE: Mario Serandrei y Mario Morra. tanto desde una perspectiva historicista como contemporánea. INTÉRPRETES: Jean Martin (Coronel Mathieu). Tommas Neri (Capitán Dubois). que había declarado que La conquista del Oeste (How the West Was Won. MÜSICA: Ennio Morricone y Gillo Pontecorvo. dejó en ridículo a aquellos críticos que durante su período de producción la habían bautizado «la puerta de Kevin». DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Sergio Canevari. un canto a los sencillos valores de una edad desaparecida. Comentario Mencionada a menudo como ejemplo de la persistente popularidad del western y de la maleabilidad del género para adaptarse a los gustos dramáticos de diferentes generaciones. 1950) y El gran combate (Cheyenne Autumn. un entusiasta del género. uno de esos raros casos en que el celuloide ha alzado la voz para hablar en favor de los indígenas americanos. FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti. reflexiona sobre los tres años que lleva participando en la lucha por . Dotado de un buen ojo para el paisaje. 1965 Gillo Pontecorvo. sino que recibió siete Osear. Argumento Octubre. Bailando con lobos no sólo cosechó un inesperado éxito de taquilla a escala internacional. 1990) o Corazón trueno (Thunderheart. Costner hace gala de una gran seguridad a la hora de elegir el ritmo que ha de tener la historia y confiere al drama un humanismo contagioso que trata al público con inteligencia. B/N. Atrapado en su casa. A su regreso a Fort Sedgwick. Costner. la película conectó con la sensibilidad contemporánea por su defensa de los valores comunitarios y familiares. 1957.

habiendo producido tan sólo un reducido conjunto de obras. ambos contendientes inician una campaña de atentados con bomba. no es menos cierto que la película se abstiene de realizar una caracterización del conflicto en burdos términos ideológicos. . Sin embargo. el grano grueso de sus imágenes en blanco y negro confiere a la película la autenticidad de un noticiario. Sometido a tortura. no se recata de mostrar el coste en víctimas civiles que conlleva el combate político por medios violentos. y en el Octubre. y reconocer el carácter ficticio de su estrategia cinematográfica. Rodada en los propios escenarios de los hechos con un reparto formado fundamentalmente por actores locales no profesionales. y a pesar de que el tratamiento deliberadamente crudo que se da a las escenas de torturas a manos de los militares franceses consti- tuye una convincente denuncia contra la práctica de tales violaciones de los derechos humanos. la resistencia contra los franceses no cesa y. llegan tropas de paracaidistas al mando del Coronel Mathieu. El FLN convoca a una huelga general. el coronel colonialista no tiene ningún reparo en reconocer el carácter inevitable del proceso histórico de la independencia. de las que quizá la mas conocida sea Quciitiadci (1969). el ejército le vuela en pedazos ante su negativa a rendirse. por ejemplo. consiguiendo así que el impacto de la película. Comentario La película de Gillo Pontecorvo constituye una minuciosa recreación de los acontecimientos históricos que rodearon a la triunfante revuelta contra el régimen colonial francés en Argelia. sino también un análisis sobre las técnicas de los propios documentales. Dada la biografía de Gillo Pontecorvo. el único superviviente será La Pointe. en 1962.68 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 69 la independencia de Francia. Al abstenerse de entrar en una dialéctica de malos y buenos. cuando el centro de la ciudad se convierte en el punto neurálgico de la resistencia. pero Mathieu reacciona intensificando los asesinatos. las complejas reglas vigentes entonces en la Academia sobre los criterios de elección de obras extranjeras para los premios principales. no sólo no disminuya. Argelia obtiene su independencia. sino que aumente aún más. La carrera posterior de este director no ha sido particularmente prolífica. y una secuencia que desemboca en un atentado con bomba de los independentistas. A principios de 1957. que desata una brutal ola de represión y torturas. Pontecorvo asume la ductilidad de los valores políticos y estéticos. Finalmente. Así. Sin embargo. un antiguo partisano y ex secretario de las juventudes del Partido Comunista Italiano. difícilmente puede caber alguna duda sobre de qué lado se decantan sus simpatías. un camarada revela su paradero. Nominado para el premio a la mejor película extranjera en el año 1966. una nota incluida en los títulos de crédito que aparecen al principio del film. nos recuerda que no se ha utilizado metraje tomado de la realidad. de tal modo que el film no es sólo un testimonio político comprometido. sin embargo. una película que contó con Marión Brando como protagonista. hicieron que Pontecorvo no tuviera éxito en las nominaciones que recibieron su guión y su dirección en 1968. En 1954.

«The Joker» es derrotado y muere al precipitarse al vacío. utilizando personajes creados por Bob Kane). consiguió estar a la altura de la publicidad que la había precedido. seguramente. un ser deforme y trastornado. La película fue objeto de una comercialización. lo cierto es que la película. el más acabado ejemplo de la actual tendencia de Hollywood a entender la producción de películas como una empresa comercial. Sin embargo. Robert Wuhl (Alexander Knox). libros y un largo etcétera. MONTAJE: Ray Lovejoy. o al menos parte de ella. en última instancia. DURACIÓN: 126 minutos. El presupuesto declarado. debido a la intervención de Batman. hacía de esta película una de las más caras de la historia del cine y. 1989 DIRECTOR: Tim Burton. según se dice.UU. su director. consciente de que en una producción dominada hasta tal punto por la tecnología y el diseño de escenarios. Argumento Gotham City. será precisamente Batman quien acuda a su rescate. hizo que Hollywood . «The Joker» reta a Batman a un duelo. Tras tomar a Vicki como rehén.. Vicki comienza a desentrañar el misterio. El actor. y supo crear un correlato visual de su atormentada personalidad en la amenazadora e imponente visión de Gotham City. Al descubrir que los padres de Wayne fueron asesinados por Jack Napier cuando era joven. la obtención de un Osear. realizó una de sus actuaciones más exuberantes e histriónicas. FOTOGRAFÍA: Roger Pratt. Los dos se enfrentan en lo alto del campanario de una catedral. Tim Burton. con la intención de garantizar un máximo de presencia en los medios de comunicación e inundar la conciencia del público con el «producto» que se le quería vender. caerá en una cuba de productos químicos.70 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 71 Comentario Batman EE. Billy Dee Williams (Harvey Dent). MÚSICA: Danny Elfman. PRODUCCIÓN: Guber-Peters Company en colaboración con Polygram Pictures (John Peters y Peter Guber). Jack Nicholson ganó cerca de 60 millones de dólares por su participación en los beneficios de una operación que se prestaba fácilmente a ramificarse infinitamente con la venta de discos de su banda sonora. El jefe del hampa. Batman es. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (The Joker/Jack Napier). cuando sea raptada por «The Joker». Michael Keaton (Bruce Wayne/Batman). se desdobla en la figura de Batman. camisetas alusivas. una mercantilización y una asignación presupuestaria inusitadas. haciendo gala de una gran astucia. Con gran inteligencia. el personaje interpretado por Jack Nicholson. No obstante. tratará de vengarse de Grisson. un millonario que lleva una existencia recluida. Pat Hingle (Inspector Gordon). Kim Basinger (Vicki Vale). Dadas las expectativas despertadas. convertida en una de las películas más taquilleras de la historia. Antón Furst. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Antón Furst. cuyos formidables decorados le valieron a su creador. la reportera Vicki Vale se enamora de Wayne. muñecos. GUIÓN: Sam Hamm y Warren Skaaren (ba- sada en una historia de Hamm. convertido en «The Joker». Napier sobrevive y. organiza el asesinato de Jack Napier que. Entre tanto. quien se lleva todo el protagonismo y desequilibra la película es «The Joker». optó por resaltar los aspectos más oscuros y esquizofrénicos de la figura del justiciero Batman/Bruce Wayne. el misterioso luchador contra el crimen. 50 millones de dólares. El éxito obtenido por Batman. Cari Grisson. Bruce Wayne. tan sólo una actuación desmesurada conseguiría tener algún impacto. ignorando que éste posee una doble personalidad. canciones de Prince.

UU. 1940 DIRECTOR: Ernst Lubitsch.. Tras un abortado intento de suicidio de Matuschek. la delicadeza agridulce de las emociones que se expresan y la simpatía con que son tratados los personajes y sus flaquezas es indiscutible. B/N. DURACIÓN: 97 minutos.parecen dar validez a las posibilidades de la fórmula. 1997). mientras que Kralik vuelve a trabajar en el negocio. finura y elegancia visual. otras como Robin Hood. Es Navidad y Klara Novak ha conseguido un trabajo en la tienda del señor Matuschek. pues su jefe sospecha que tiene un lío con su esposa. quizá sea en El bazar de las sorpresas donde la calidez y el encanto de su obra queden mejor reflejados. El éxito de la cinta original condujo a la realización de las secuelas Batman vuelve (Batman Returns. INTÉRPRETES: Margaret Sullavan (Klara Novak). 1942). PRODUCCIÓN: M-G-M (Ernst Lubitsch). James Stewart (Alfred Kralik). el verdadero adúltero es despedido. de Nikolaus Lazslo. Si la sutileza de su talento resulta evidente en la chispeante elegancia de Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (Batman and Robin. para evitar caer en el precipicio del mal gusto. che en que se dispone a conocer a su amada. MONTAJE: Gene Ruggerio. Heymann. Matuschek pide a todos los empleados que se queden a trabajar hasta tarde. se siente a disgusto con ella. Rubottom. Félix Bressart (Pirovitch). 1991) -muñecos de los hombres de Sherwood y single de éxito de Bryan Adams incluidos. como para darle demasiada importancia. ahora como jefe de tienda. una combinación de ingenio. Argumento Budapest. Kralik podrá revelar su identidad a Klara y conquistar su corazón. La no- Ensalzado como el gran maestro de la comedia sofisticada y de las historias de amor ligeras. MÚSICA: Werner R. Nunca hice una película en la que el ambiente y los personajes fueran más auténticos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade B. finalmente.» Aunque los escenarios de Budapest se corresponden con los de esa Europa de cuento de hadas que sólo ha existido en los platos de Hollywood.creo que donde mejor estuve fue en El bazar de las sorpresas.72 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 73 se lanzara a la búsqueda de otras propuestas colosales de un tipo similar. FOTOGRAFÍA: William Daniels. 1932) o en el exquisito buen juicio que despliega en Ser o no ser (To Be or not to Be. pero está demasiado absorbido por un romance que mantiene por correspondencia. no recogida en los títulos de crédito. Sara Haden (Flora). Kralik asiste a la cita y descubre que la altanera Klara es la chica del apartado de correos número 237. La fuerza de Lubitsch reside en su habilidad para crear . Comentario El bazar de las sorpresas THE SHOP AROUND THE CÓRNER EE. con la colaboración. Joseph Schildkraut (Ferencz Vadas). Alfred Kralik. 1992). el director Ernst Lubitsch hace gala en todas sus obras de lo que se ha dado en llamar «el toque Lubitsch». «En lo que respecta a la comedia humana -señalaría él mismo en cierta ocasión. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. uno de los empleados. Los beneficios de esa temporada serán los más altos que se recuerden en años y. de Ben Hecht). Frank Morgan (Hugo Matuschek). Kralik protesta y es despedido. GUIÓN: Samson Raphaelson (basado en la obra de teatro Parfumerie. Si películas como Dick Tracy (1990) no parecen haber contado con el favor del público.

MÚSICA: Miklos Rosza. éstas se han curado milagrosamente de su mal. Robert Z. Comentario La década de los cincuenta marcaría el principio del fin de la lucrativa primacía de que había gozado la industria cinematográfica de Hollywood. Judah Ben-Hur se niega a convertirse en informante del tribuno Messala. protagonizarían cuatro películas románticas juntos. Jack Hawkins (Quintus Arrius). She Loves Me. Ben-Hur salva la vida del cónsul Quintus. que le recompensa tomándole como hijo adoptivo. DURACIÓN: 217 minutos. a medida que la televisión se fue convirtiendo en un medio de entretenimiento de masas. Para todo ello cuenta con la inestimable ayuda de un reparto de alto calibre y. MONTAJE: Ralph E. bajo el título In the Good Oíd Summertime (1949). en consecuencia. en el corto espacio de tiempo que media entre 1936 y 1940. el Cinemascope. 1953). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William A. Hugh Griffith (Jeque Liderim ). fue la primera película rodada en el nuevo formato de pantalla gigante. Maxwell Anderson. los conflictos provocados por la rivalidad en el seno de una oficina o el orgullo mancillado de un marido engañado. con las que se pretendía poner de manifiesto la abrumadora superioridad de la pantalla cinematográfica frente a la parpadeante imagen del monitor de rayos catódicos. Ben-Hur tendrá finalmente la oportunidad de vengarse de Messala en una espectacular carrera de cuadrigas. del general Lew Wallace). mientras asiste a su crucifixión. su éxito demostró que las amplias dimensiones de aquel marco exigían también historias de una amplitud equivalente y. en particular. Technicolor. N. el antagonismo entre dos desconocidos que ignoran mutuamente cuál sea su verdadera naturaleza. . La fastuosa producción de la Fox.UU. S. de Christopher Fry. De regreso a Jerusalén y a su amada Esther. una pareja que. en represalia. La túnica sagrada (The Robe. Más adelante. 1959 DIRECTOR: William Wyler. Stephen Boyd (Messala). Haya Harareet (Esther). Messala le informa que su familia vive en el Valle de los Leprosos. le condena a galeras y ordena el encarcelamiento de su madre y de su hermana. un antiguo amigo de la infancia. Argumento Jerusalén. se compadeció de él. PRODUCCIÓN: M-G-M (Sam Zimbalist). con la química que muestran en pantalla James Stewart y Margaret Sullavan. La reacción de los estudios consistió en apostar por una serie de innovaciones tecnológicas. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. no recogida en los títulos de crédito. en cierta ocasión. Horning y Edward Carfagno. dio lugar a toda una retahila de superproducciones similares.74 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 75 historias convincentes y emocionalmente satisfactorias a partir de la sutil observación de las tensiones y los malentendidos de la vida cotidiana: los anhelos románticos de un dependiente. entre las que se cuentan. Ben-Hur busca el auxilio de Jesús y.. GUIÓN: Karl Tunberg (con la colabora- ción. Cuando vuelve a reunirse con su madre y su hermana. reconoce en él al hijo de un carpintero que. Winters y John Dunning. Leonard haría una nueva versión de la película. Varios años más tarde. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Judah Ben-Hur). que. y el material volvería a ser utilizado una vez más en 1963 en el musical de Broadway. Ben-Hur EE. basado en Ben-Hur: una historia de los tiempos de Cristo. Behrman y Gore Vidal. Martha Scott (Miriam). Antes de morir. con Judy Garland y Van Johnson en el papel de los dos solitarios enamorados.

aquélla ordenará su muerte. invirtiendo 15 millones de dólares en una nueva versión de ese cúmulo de lugares comunes que es la novela del general Lew Wallace. En 1925. Blancanievesy los siete enanitos SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS DIRECTOR: EE. como es el caso de la famosa carrera de cuadrigas. Leigh Harline. Richard Creedon. Gustaf Tenggren. 1956) y los diez mandamientos {The Ten Commandments. en un primer momento. Perseguida por los enanitos. McLaren Stewart. Hugh Hennesy. Moroni Olsen (Espejo mágico). Dorothy Ann Blank. había costado la entonces inusitada cifra de 4 millones de dólares. DURACIÓN: 83 minutos. donde encontrará refugio en una casita que pertenece a los siete enanitos. mientras Blancanieves vuelve a la vida al recibir el beso del Príncipe Encantador. Kenneth Anderson. Harry Stockwell (Príncipe Encantador). recibe la visita del Príncipe Encantador. Ben-Hur es considerada la obra cumbre del género. la huerfanita Blancanieves se pasa el tiempo soñando que un atractivo joven viene a rescatarla. Otto Englander. 1956). Billy Gilbert (Alérgico). Argumento Criada por un reina perversa. finalmente se conseguiría convencer a Charlton Heston para que volviera a hacer un despliegue de fortaleza heroica en la pantalla. hasta que. Disfrazada de vieja bruja. . Terrel Stapp. mientras que los once Osear de la Academia que se le concedieron siguen constituyendo el récord de premios obtenidos por una misma película. Impresionada por el balance de cuentas entre gastos y beneficios de estas producciones. y el asombroso trabajo llevado a cabo por Andrew Marton y Yakima Canutt con la segunda unidad de filmación. MÚSICA: Frank Churchill. INTÉRPRETES: Adriana Casselotti (Blancanieves). Rodada en Italia durante un período de diez meses. la convence para que se coma una manzana envenenada. Earl Hurd. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Phillipi. Pinto Colvig (Dormilón/Gruñón).y aunque. Kendall O'Connor y Hazel Sewell. la M-G-M decidió jugarse el futuro de la compañía. Harold Miles. la Reina visita a Blancanieves y. Y todos vivieron felices y comieron perdices. La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days. se anunció que sería protagonizada por Cesare Danova.76 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 77 Guerra y Paz (War and Peace. Destaca en ella la dirección de William Wyler.UU. cuando el espejo de la Reina asegura que Blancanieves es la muchacha más bella del país. Merill De Maris y Webb Smith (basado en el cuento de hadas Sneewitchen de los hermanos Grimm).. con engaños. Tom Codrick. que pone el acento en el drama humano íntimo que se desarrolla en medio de los conflictos épicos. Con unos ingresos brutos en Estados Unidos próximos a los 40 millones de dólares. 1937 Walt Disney. Paul Smith y Larry Morey. La nueva versión se confiaría al profesionalismo de William Wyler -que ya había tenido una modesta participación en la adaptación muda. a la que se deben algunas de las secuencias de acción más vibrantes que se hayan visto en una pantalla. la película cumplió el objetivo de salvar a la M-G-M. la Reina cae por un precipicio y perece. Lucile La Verne (La Reina). una adaptación anterior protagonizada por Ramón Navarro. 1956). un cazador le dirá a Blancanieves que se esconda en el bosque. Sin embargo. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Dick Richard. GUIÓN: Ted Sears. un buen día. Incapaz de cumplir semejante orden.

como de los enanitos. que le promete un emocionante futuro. gracias a la cual era posible crear una mayor ilusión de profundidad. con las figuras de Blancanieves y los siete enanitos. así como explorar el desarrollo de los personajes y las posibilidades del medio para hacer frente a un argumento adaptado a una película de larga duración. Walt Disney deseaba comprobar si la animación podía superar las restricciones impuestas por el formato breve. a los que no se había prestado demasiada atención en el anterior formato. Gene Hackman (Buck Barrow). y su esposa. con contribuciones. utilizó 250. Pollard (C. Denver Pyle (Frank Hamer). no recogidas en los títulos de crédito. una camarera. DURACIÓN: 111 minutos. es fácilmente seducida por las fanfarronadas del atracador Clyde Barrow. Estelle Parsons (Blanche). de Robert Towne. Blancanieves fue el fruto del trabajo de 570 artistas. Sin embargo. satisfacen las ansias de fama de Bonnie.. Faye Dunaway (Bonnie Parker). Argumento Aburrida de la vida provinciana. Gene Wilder (Eugene Grizzard). el cerco de la policía se va cerrando sobre ellos. el hermano de Clyde. como eran el movimiento del humo o de la lluvia y otros «efectos especiales». a la vez.000 dibujos y se convirtió en el patrón por el que serían juzgadas las futuras producciones Disney. sin embargo. muy importantes. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. caso de Blancanieves. No sólo hubo que cambiar todas las mesas de dibujo del estudio para adecuarlas a las imágenes más grandes y detalladas que había que realizar. W. y de Buck. MONTAJE: Dede Alien. Moss).UU. En compañía de C. durante las Navidades de 1937.000 dólares. un mecánico.500. A un año de su estreno había obtenido unos beneficios brutos de 8. También se dio una importancia hasta entonces inusitada al desarrollo de la caracterización. tanto de los personajes humanos de corte «realista». Obra llena de innovaciones y. En 1934. Bonnie Parker.500. PRODUCCIÓN: Tatira-Hiller-Warner Brothers (Warren Beatty). entretenimiento mágico y musical de primer orden. INTÉRPRETES: Warren Beatty (Clyde Barrow ). Ese logro también debió mucho al meticuloso tratamiento que se dio a algunos detalles menores y. anunció su intención de realizar un largometraje basado en un cuento de hadas y estimó en unos 500. 1967 DIRECTOR: Arthur Penn.000 dólares el presupuesto necesario para llevar a cabo el proyecto. MÚSICA: Charles Strouse. Cuando se produjo su estreno en el Cathay Circle Theatre de Hollywood. del que le hizo entrega Shirley Temple.000 dólares y le había proporcionado a Disney un Osear especial. sino que fue necesario desarrollar dispositivos como la cámara multiplano. Moss. confiriendo a cada uno de ellos una forma de hablar y actuar peculiar que el público pudiera reconocer fácilmente. J. forman la banda de Barrow y se dedican a atracar bancos. Sus frecuentes apariciones en la prensa y la aureola de héroes populares que les rodea. pero que contribuían a realzar de manera considerable la calidad del dibujo animado. y. en .78 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 79 Comentario Famoso ya por ser el creador del Ratón Mickey y por las series de dibujos animados «Sinfonías tontas». GUIÓN: David Newraan y Robert Benton. Disney se encontraba al borde de la bancarrota y sus técnicos se habían visto obligados a idear y perfeccionar gran cantidad de novedades. la película había costado 1. el cazador y el Príncipe Encantador. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. W. Bonniey Clyde BONNIE AND CLYDE EE. poco a poco.

para Ellen Parson. con frecuencia.80 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 82 Bonniey Clyde un emboscada. más bien. pero la sensación de que la muerte les ronda de cerca es cada vez mayor. Buck muere y Blanche queda ciega. Tras haber campeado el temporal de publicidad negativa que le cayó encima por su vibrante yuxtaposición de violencia y humor. Moss encuentra un refugio para todos ellos en la casa de su padre y Bonnie consigue que la prensa publique un poema suyo. Fuertemente influidos por la «Nueva Ola» francesa. Bonniey Clyde fue en origen un proyecto desarrollado por los escritores David Newman y Robert Benton con la intención de definir el estado de la Norteamérica de los sesenta. en la evocación que se hace del conflicto entre los impulsos personales y un entramado social restrictivo y. recreando el espíritu de los años treinta a través de dos personajes que encarnaban a la perfección la amoralidad.no era la persona más adecuada para interpretar a una chica del Sur que se lanza a la búsqueda de emociones durante los años de la Depresión. las excepcionales interpretaciones de Faye Dunaway y Gene Hackman. Bonnie y Clyde mueren acribillados como dos muñecos de trapo por el fuego cruzado de la policía. corrupto. las ansias de fama y la oposición al orden establecido que caracterizaban el fenómeno de la contracultura. llegaron a acudir a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard con este proyecto de temática tan típicamente norteamericana. Comentario Una de las películas clave de su época. Tuesday Weld y Sue Lyonantes de decidirse finalmente por Faye Dunaway. Será finalmente el padre de Moss quien les traicione. la película obtuvo unos ingresos brutos de 30 millones de dólares alfinalde su primer año en las pantallas y recibió diez nominaciones de la Academia -incluida la de mejor películade las que obtuvo finalmente los premios a la mejor actriz secundaria. Carol Lynley. Aunque es muy posible que la boina que Faye Dunaway luce en la película fuera la causante de que éstas se pusieran de moda por aquella época. Entre los rasgos más destacados de la película habría que mencionar la brillante dirección de Arthur Penn. y a la mejor fotografía. antes de que Warren Beatty se interesara por él y decidiera finalmente producirlo e interpretar uno de los papeles de protagonista. la profunda resonancia que alcanzó la película y el atractivo que tuvo para los jóvenes de su tiempo ha de buscarse. En un claro. su muy explícita ecuación entre satisfacción sexual y desafío de la ley y su supuesta glorificación del bandolerismo. Como resultaba evidente que Leslie Carón -su pareja del momento. se tomaron en consideración varias actrices para el papel de Bonnie -entre otras. a cambio de que se garantice la seguridad de su hijo. . Natalie Wood. el uso acertadísimo de la música de banjo y la inclusión de gran cantidad de escenas violentas de una intensidad sin precedentes.

y un largo etcétera. En cuanto a la situación en el Reino Unido. 1949). unido a su mayor destreza en el manejo de los mecanismos cinematográficos y a su caracterización de un personaje adusto y animoso a un tiempo. su repudio del sentimentalismo. Si Billy Wilder. se consagró como un maestro de la farsa agridulce con obras como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). Un eco de los momentos más regocijantes de este tipo de comedias se puede también percibir en los desternillantes personajes que pueblan las gozosas astracanadas de Presten Sturges. si bien es cierto que el país siempre había sido pródigo en talento cómico. terminó por granjearle el cariño del público e hizo que obras como El navegante (The Navigator. 1980) o Unpez llamado Wanda (A Fish Called Wanda. la sofisticación de un Woody Alien amenaza con convertirse en una auténtica rareza en un país cuya comedia parece oscilar entre las boberías de los universitarios de Porkys y esas películas que no son sino un burdo escaparate para el lucimiento de dos aprendices de juerguista de fin de semana como Eddie Murphy y Bill Murray. como la formada por Abbott y Costello. capaz de enfrentarse sin desfallecer a los retos que plantea un mundo complejo. Hoy en día. fue el de Harold Lloyd. Un caso. éste no obtendría renombre internacional hasta que. hizo su primera aparición en pantalla en 1913 y alcanzó alguno de sus momentos más conmovedores en películas como La quimera del oro (1925) y Luces de la ciudad (1931). iniciadas con Annie Hall (1977). 1932) y comenzaron a insertar algunos números musicales entre las bufonadas que ejecutaban los dos personajes del sombrero hongo. dos actores capaces de combinar la calidez y el ingenio. el desvalido y acrobático vagabundo. una vez concluida la guerra. maestro de la comedia acrobática por sus piruetas en lo alto de un rascacielos en El hombre mosca (1923).. Si bien otras parejas. en las que actores como Cary Grant y Katharine Hepburn se dedicaban a tontear el uno con el otro. Junto a Grant y Hepburn. y. ejercerían una gran influencia en el género. En cualquier caso. y cuyo talento también estuvo infravalorado durante muchos años. el éxito a escala mundial obtenido por Loca academia de policía 1-6 {Pólice Academy). Tony Curtís. constituyen una de las piedras angulares de la comedia norteamericana contemporánea. Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. nunca consiguieron gozar hasta tal punto del favor del público. sus más resonantes éxitos los obtuvieron a partir de la llegada del sonoro. Doris Day y Rock Hudson. cuyas agudas confesiones neoyorquinas de corte autobiográfico.. que han dado frutos como Los héroes del tiempo (Time Bandits. la comedia cinematográfica estuvo dominada por Charlie Chaplin. más tarde. de las empresas conjuntas o individuales acometidas por los cómicos del grupo Monty Python. No obstante. entre los personajes de series como TheRoad to. Judy Holliday. «Fatty» Arbuckle o Harry Langdon. cuando obtuvieron un Osear por su cortometraje La caja de música (The Music Box. de la extensa serie Carry on. . La década de los treinta marcó también la aparición de las comedias disparatadas. por ejemplo.. mientras se veían embarcados en una serie de aventuras absurdas que combinaban la sofisticación verbal y el sentido del humor físico con un elemento de sátira social de una agudeza inusual y la presencia de heroínas liberadas y tenaces. la relación. hizo que ésta alcanzara una gran aceptación. cuyas entregas se han ido sucediendo con pasmosa regularidad desde 1984 a 1989. protagonizada por Bing Crosby. Aunque la pareja formada por Laurel y Hardy se creó en tiempos del cine mudo.82 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 83 Los reyes de la comedia Aunque la época del cine mudo produjo figuras tan notables como fueron los «polis» de la Keystone. 1933) y Una noche en la Ópera (1935). 1935) o Laurel y Hardy en el Oeste (1937). tampoco sería justo olvidar las aportaciones de Steve Martin y Robin Williams. mientras que la anarquía y el surrealismo del que hacían gala los Hermanos Marx en algunas de sus obras maestras. Bob Hope y Dorothy Lamour. se produjera la aparición de las comedias de la Ealing.. como Sopa de ganso (Duck's Soup. llena de calidez y buen humor. cuyo más famoso personaje. en compañía de la propia Hepburn. algo que se puede apreciar en películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. Walter Matthau y Jack Lemmon. 1924) o El maquinista de La General (1926) fueran aclamadas como auténticas obras maestras. siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch. sin embargo. con obras como Sucedió una noche (l 934) o La fiera de mi niña (1938). en parte similar. 1988). parece indicar que los gustos del público actual no han evolucionado gran cosa desde los tiempos de los «polis» de la Keystone. la fama de Chaplin relegó a un discreto segundo plano a Buster Keaton. Durante muchos años.. algunos otros notables profesionales del arte de la comedia romántica fueron Spencer Tracy. entre los demás talentos cómicos de renombre cabe mencionar al desmadrado satírico Mel Brooks y a Woody Alien.

de ser nominada por la Acade- . resulta mucho menos premeditada. actor y celebridad. La receptividad de Lean a lo largo de toda la película hacia esa mezcla de sentimientos de euforia y fatalismo que experimenta la pareja. Una visita al piso del desconocido también acabó en una situación embarazosa. por más que se hable del supuesto realismo de Breve encuentro. el hecho de que la acción se sitúe en el contexto de las melancólicas ensoñaciones de Celia Johnson confiere a la obra un tono de delirio romántico que. Escrita y producida por el famoso Noel Coward -de profesión dramaturgo. 1945 DIRECTOR: David Lean. Breve encuentro. quedarían para ir juntos al cine y. Elegida en 1946 como una de las mejores películas que acudieron a la primera edición del Festival de Cannes. donde Laura pasó por una situación muy incómoda. StillLife). De vuelta a su casa. Ronald Neame y Anthony Havelock-Alian (basado en la obra teatral de Noel Coward. Como era de prever. Luego.la película de David Lean. Consternada. produce una agudización de los sentidos que hace que una simple visita al parque o a un restaurante adquieran una intensa resonancia emocional. GUIÓN: David Lean. Joyce Carey (Myrtle Bagot). MÚSICA: Segundo concierto para piano de Rachmaninoff. Breve encuentro consiguió también la hazaña. parece indudable que el tratamiento artístico que David Lean da a los escenarios (interiores en penumbra y sombrías calles. MONTAJE: Jack Harris y Harry Miller. Trevor Howard (Dr. Alee Harvey). Francke. DURACIÓN: 85 minutos. tras un nuevo encuentro fortuito. es abandonada por el Dr.debería servir para que el espectador avisado se percatara de que también en esta película hay un importante elemento de fantasía cinematográfica y que. más adelante. al campo y a un restaurante. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker y B. Una mota de polvo que se le metió en el ojo fue la causante de su primer encuentro con aquel amable desconocido. Argumento Estación de ferrocarril de Milford Junction. Margaret Barton (Beryl Waters). E. En este sentido. que contrastan con estimulantes paréntesis en escenarios naturales) indica su intención de hallar un correlato pictórico al tema de la represión de los sentimientos. típicamente británica y. Cyrill Raymond (Fred Jesson). y bastante más conmovedora. Narrada en su mayor parte por medio de flash-backs. de sus clases medias. PRODUCCIÓN: Independent Producers/Cineguild Film (Noel Coward). guardia de la estación). acentuado por el acompañamiento de la música de Rachmaninoff. 1970). ha dejado un testimonio fümico perenne de una clase de historia de amor. al parque. Laura Jesson. Williams y G. INTÉRPRETES: Celia Johnson (Laura Jesson).84 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 85 Comentario Breve encuentro BRIEF ENCOUNTER Reino Unido. una mujer casada de clase media. relativamente rara para una película británica. la visita de la pareja al cine. Alee Harvey en la cafetería de la estación. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: L. Alee le declaró su amor y le comunicó cuál era la única opción honorable: que él se marchara a algún país lejano. como Doctor Zhivago (1965) o La hija de Ryan (Ryan's Daughter. P. al encontrarse con unos viejos amigos. donde ven un trailer de Llamas de pasión -una superproducción que se estrenará próximamente. Stanley Holloway (Albert Godby. B/N. Calthorp. reflexiona sobre los acontecimientos que han desembocado en tan abrupto final. pero finalmente decide regresar a la rutinaria comodidad que le ofrece su agradecido marido. que la monumental vacuidad de algunas de sus superproducciones posteriores. contempla la posibilidad de suicidarse. más en concreto.

Deciden seguir por carretera hacia Florida. GUIÓN: Peter Fonda. donde su presencia no es bien recibida. El grado de paranoia de esta sociedad tan profundamente conservadora ha alcanzado tales extremos. Llegan a un pueblo. el rock. seguramente sí que fue la primera en hacerlo desde dentro. MÜSICA: Varios. Dennis Hoppery Terry Southern. Dennis Hopper (Billy) Antonio Mendoza (Jesús). INTÉRPRETES: Peter Fonda (Wyatt). MONTAJE: Donn Cambren. justo en un momento en que los grandes estudios estaban en declive. Su éxito supuso un verdadero triunfo para las producciones independientes. y Hanson mo- . Los dos motoristas siguen su camino. regresa para matar también a Wyatt. Los 20 millones de dólares de ganancias brutas acumuladas por la película. Fiantes ofPassion (1990).. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jerry Kay. llevaría a cabo una exploración mucho más fructífera del mismo material. una reflexión en clave homosexual sobre la historia de amor de la película. tras disparar accidentalmente a Billy en el estómago. Mac Mashourian (Guardaespaldas). la versión televisiva. Atraído por el espíritu libre de los dos jóvenes.86 ALLAN HUNTER t o s CLASICOS DEL CINE 87 mia para el premio al mejor director y a la mejor actriz. por otro lado. Inspirada en un artículo que había leído Hopper sobre dos motoristas que habían aparecido muertos en la cuneta de una carretera rural. rirá apaleado. que han obtenido mediante la venta de drogas. Jack Nicholson (George Hanson). no anduvo muy lejos de constituir un auténtico desastre.y tienen un mal viaje de ácido. Hanson se las arregla para sacarlos de la cárcel y se une a su viaje. Más tarde serán atacados por el sheriff. DURACIÓN: 94 minutos. Phil Spector (Contacto). En 1974. donde se pondrá de manifiesto con toda crudeza la inmensa brecha que existe entre sus valores -las drogas. sin embargo. que sus miembros más fanáticos tan sólo saben Buscando mi destino EASYRIDER DIRECTOR: EE. Comentario Aunque Buscando mi destino no fue la primera película que analizó el espíritu y las aspiraciones de la floreciente contracultura juvenil de la Norteamérica de finales de los sesenta. Argumento Bien provistos de fondos. La odisea de estos motoristas/proscritos les conduce al mismísimo corazón de la Norteamérica profunda. los motoristas Wyatt y Billy parten hacia Nueva Orleans para asistir al Mardi Grass. un abogado alcohólico.UU. la postura antisistema.y los de la mayoría. Viajan sin apenas equipaje y duermen a la intemperie. llegan al carnaval -que resulta decepcionante. era el principal componente del público que asistía al cine. y acaban siendo arrestados y enviados a la cárcel junto a George Hanson. recogen a un par de chicas de un burdel. aunque se detienen brevemente en una comuna hippy. de Richard Kwietniowski. protagonizada por una insólita pareja formada por Richard Burton y Sofía Loren. 1969 Dennis Hopper. bastaron para poner de relieve hasta qué punto las grandes productoras ignoraban cuáles eran los gustos de una juventud que. la película fue realizada con un presupuesto mínimo por un equipo que rodaba a toda velocidad y viajaba con tan poco equipaje como los propios protagonistas. sólo en los Estados Unidos. PRODUCCIÓN: Pando Company/Raybert (Peter Fonda). FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs. pero en el trayecto se topan con un patán sureño que les insulta y.

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responder a la actitud de los jóvenes con balas. Sin embargo, aunque el lírico viaje de Hopper y Fonda representa la única libertad verdadera que aún subiste, la visión que la película ofrece de las diversas alternativas sociales existentes resulta, cuando menos, un tanto limitada. Sincera, profética, y también un tanto sobredirigida, Buscando mi destino no ha envejecido bien, pero sigue siendo panegírico y elegía a un tiempo de una época crucial en la reciente historia cultural, así como una puerta abierta hacia el nuevo Hollywood de los años setenta. Por otro lado, sería también la película que, finalmente, lanzaría a Jack Nicholson, tras una década de trabajos meramente alimenticios. En un principio, Rip Torn fue el elegido para interpretar a ese abogado liberal, cuyo hondo sentimiento personal del fracaso del «sueño americano», encarnaba las desilusiones de toda una generación. Torn, sin embargo, abandonaría el rodaje por «diferencias creativas», y tras considerar la posibilidad de sustituirle por Bruce Dern, sería Nicholson quien se hiciera con un papel por el que recibiría una nominación como mejor actor secundario; una de las dos nominaciones que obtuvo la película.

Cantando bajo la lluvia Argumento Año 1927. Tras un estreno en Hollywood, Don Lockwood, una estrella del cine de aventuras, se refugia de sus admiradores en el coche de la aspirante a actriz Kathy Seldon. Lockwood queda prendado de ella, a pesar de que Kathy no se deja cautivar por sus encantos. El sonoro arrasa en la industria cinematográfica y Don decide que su próxima película será hablada. La producción resulta ser un desastre, y el estridente acento de Brooklyn de la actriz principal, Lina Lammont, provoca risas. Cosmo Brown, un amigo de Lockwood, ha vuelto a localizar a Kathy y, en un momento en que los tres están lamentándose de su mala suerte, se le ocurre la idea de convertir la película en un musical, en el que Kathy doblaría la voz de Lina. La estratagema da resultado, y el intento de una celosa Lina de ocultar la verdad queda al descubierto en una proyección pública de la película, momento que Lockwood aprovechará también para declarar su amor a Kathy.

Cantando bajo la lluvia
SINGIN' IN THE RAIN EE.UU., 1952
DIRECTOR: Stanley Donen; GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green;

PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed); FOTOGRAFÍA: Harold Ros-

son; MONTAJE: Adrienne Fazan; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Randall Duell; MÚSICA: Nació Herb Brown; INTÉRPRETES: Gene Kelly (Don Lockwood); Donald O'Connor (Cosmo Brown); Debbie Reynolds (Kathy Seldon); Jean Hagen (Lina Lamont); Millard Mitchell (R. F. Simpson); Rita Moreno (Zelda Zanders); DURACIÓN: 103 minutos.

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Comentario Una de las indiscutibles candidatas al título de mejor musical de Hollywood, Cantando bajo la lluvia partió de una idea del productor Arthur Freed, cuya obra como letrista -que incluye la canción que da título a la película- sería la base de la banda sonora. Aunque el proyecto fue anunciado en 1949 con Ann Miller de protagonista, sólo comenzaría a cobrar forma a partir del momento en que Betty Comden y Adolph Green fueron contratados como guionistas. Creadores de Vuelve a mí (The Barkleys ofBroadway, 1949) y adaptadores de Un día en Nueva York (1949) para la sociedad Kelly-Donen, a ellos se debió la idea de situar la acción en los años veinte, durante la primera fiebre del sonoro, y de utilizar la figura -más o menos inspirada en John Gilbert- de una estrella que ve su carrera amenazada por la llegada de los nuevos tiempos, aunque dando a la situación un enfoque cómico en lugar de dramático. El resultado es uno de los musicales con más colorido y alegría que jamás se hayan realizado. Todo en él, desde el chapoteo de Kelly bajo la lluvia hasta el frenético ingenio del número musical «Make'Em Laugh» de Donald O'Connor, pasando por esa «rutilante y resplandeciente estrella del firmamento cinematográfico» que interpreta Jean Hagen, constituye una importante contribución al efecto de conjunto de la obra. Al igual que sucede en Un día en Nueva York., los números musicales suelen utilizarse para hacer avanzar la trama, aunque en esta película no se trata tanto de realzar el carácter realista del musical, como de celebrar ese país de Nunca-jamás, tan típico del género, mediante una generosa utilización del color, la estilización de los decorados y el uso de telones de foro de la propia industria cinematográfica. Hay que señalar, no obstante, que una de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que muchos de sus personajes sean auténticas caricaturas de personas reales: el jefe del estudio,

interpretado por Millard Mitchell, está basado en el propio Arthur Freed, mientras que Douglas Fowley, el apoplético director, hace pensar inevitablemente en Busby Berkeley. La película sólo recibió dos nominaciones, para Hagen y para la mejor banda sonora, ninguna de las cuales llegó a materializarse en un Osear. La posteridad, no obstante, ha situado su reputación a una altura donde ya no puede afectarle la arbitraria concesión de unas simples estatuillas.

El cantor de jazz
THE JAZZ SINGER EE.UU., 1927
DIRECTOR: Alan Crosland; GUIÓN: Al Cohn (basado en la obra de tea-

tro de Samson Raphaelson); PRODUCCIÓN: Warner Brothers; FOTOGRAFÍA: Hal Mohr; MONTAJE: Harold McCord; DIRECCIÓN MUSICAL: Louis (Lou) Silvers; INTÉRPRETES: Al Jolson (Jakie Rabinowitz/Jack Robin); May McAvoy (Mary Dale); Warner Oland (Chantre Rabinowitz); Eugenie Besserer (Sara Rabinowitz); Bobby Gordon (Jakie, a los trece años); Otto Lederer (Moisha Yudelson); Myrna Loy (Chica del coro); DURACIÓN: 89 minutos; B/N.

Argumento El joven Jakie Rabinowitz huye de casa cuando su padre, un solista de coro, le golpea por haber actuado en un bar en vez de acudir a la sinagoga. Tras cambiar su nombre por el de Jack Robin, se convierte en un artista popular, aunque sigue sintiéndose culpable por haber elegido esa profesión. Cuando alcanza el éxito en Broadway, se reúne con su madre, pero su padre se mantiene implacable: afirma que la música de jazz es sacrilega y le vuelve a rechazar. Cuando su padre caiga gravemente enfermo, Jack se verá escindido entre una

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El cantor dejazz

gran oportunidad que se le brinda en el teatro y el regreso a casa. Su madre está convencida de que su talento pertenece a la escena, pero Jack, como homenaje a su padre, que está a punto de morir, canta el Kol Nidre en la sinagoga. Más adelante, cuando su espectáculo le haya convertido en un triunfador, enviará un saludo a su madre, cantándole «Mammy».

Comentario Aunque las películas mudas solían ir acompañadas por un piano e incluso, en algunas ocasiones, por una banda que tocaba música compuesta ex profeso para el film, el primer sistema de sonido sincronizado de uso generalizado fue el aparato de discos grabados que diseñó la empresa Vitaphone para la Warner Brothers a mediados de los años veinte. Don Juan, una película de aventuras protagonizada por John Barrymore, que fue estrenada en 1926, y cuyo director fue el

propio Alan Crosland, sería la primera producción cinematográfica que se benefició de la nueva tecnología (que no contaba todavía con la sincronización de los diálogos). Aunque no tardaron en exhibirse una serie de cortos de prueba destinados a mostrar el nuevo juguete del cine, la primera producción donde aparecían sincronizados el diálogo y la música no se estrenaría hasta octubre de 1927, cuando la actuación de Al Jolson en El cantor de jazz no sólo se convertiría en un rotundo éxito de taquilla, sino que, casi de un día para otro, dejaría bien patente que la nueva tecnología tenía futuro. Aunque el propio Jolson había sido la fuente de inspiración original de la historia, la primera opción para la película fue George Gessel -que ya había interpretado con gran éxito ese papel en Broadway- y, según parece, se barajaron también los nombres de algunos otros artistas de variedades, como Eddie Cantor o Harry Richman, antes de que se eligiera finalmente a Jolson, cuyos cortos de prueba habían tenido una acogida más favorable entre el público. Sería, por tanto, el latiguillo que pronuncia Jolson en escena: «esperen a oír esto», el destinado a convertirse en el primer diálogo pronunciado en una pantalla, mientras que su vibrante versión de «Mammy» trascendería el chirriante melodramatismo de la historia y dejaría una marca indeleble en la imaginación del público. El impacto creado por el actor de la cara pintada de negro terminaría por resultar mucho más significativo que el del propio equipo Vitaphone que le permitió cantar en pantalla; un año más tarde había desaparecido de escena, y el sistema de sonido incorporado a la película, creado por la Western Electric, se consolidaba como el nuevo estándar.

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«Eso es todo amigos» El arte de la animación
A ojos de muchos Walt Disney y los dibujos animados son términos sinónimos y, desde Blancanievesy los siete enanitos (1937) hasta La bella y la bestia (Beauty and The Beast, 1991), la factoría Disney ha producido horas y horas de dibujos animados y algunos de los largometrajes de animación más queridos por el público, aplicando una fórmula que ha experimentado muy pocas variaciones a lo largo de los años: unos entrañables personajes antropomórficos, unos villanos hábilmente perfilados y toda una serie de alegres canciones. El cuidado del detalle, la maestría técnica y la utilización de la cámara multiplano, elementos todos ellos que enriquecieron y ahondaron la visión de algunas de sus producciones tempranas, como Pinocho (Pinocchio, 1940) yBambi (1943), siguen teniendo la facultad de despertar los sentidos del espectador, como quedó de manifiesto en algunas de sus películas que se recuerdan con más cariño: La dama y el vagabundo (TheLady and The Tramp, 1956), Ciento y un dálmatas (One Hundred and One Dalmatians, 1961) o El libro de la selva (The JungleBook, 1967). No obstante, el tipo de animación clásica, que caracteriza la obra de Walt Disney, no agota ni mucho menos las posibilidades del género. Entre los pioneros en este campo se cuentan figuras como Winsor McKay, cuya obra Gertie, el dinosaurio (Gertie, the Dinosaur) apareció en 1909, el dibujante francés Émile Cohly el neozelandés Len Lye. Disney llegó a Hollywood a principios de los años veinte y trabajó en diversas series antes de dar a luz a su más famoso personaje, el ratón Mickey (que, en un principio, iba a llamarse Mortimer). La galería de personajes que irían apareciendo con posterioridad en la serie de las «Sinfonías tontas» convertiría a Disney en el mayor ganador de Osear de toda la historia del cine. Entre los pocos contendientes de consideración que tuvo el imperio de Disney estuvo Max Fleischer, el creador de Popeye y de Betty Boop, que también se embarcó en la realización de largometrajes con la película Gulliver's Travels (1939). En cualquier caso, la mayoría de los grandes estudios crearon departamentos de animación y realizaron regularmente series de dibujos animados, en las que figuraban personajes como Buggs Bunny o Tom y Jerry En esta área destacaron las figuras de Tex Avery y Chuck Jones, cuyo enfoque anárquico e irreverente ofrecía un vivo contraste con el carácter edulcorado de las obras de Disney.

Aunque este último llevaría a cabo algunas incursiones en el campo experimental, caso de Fantasía (1940), sería la M-G-M quien por vez primera combinara la presencia de personajes reales y de dibujos animados en el film Levando anclas (Anchors Aweigh, 1944), donde el ratón Jerry aparecía como pareja de baile de Gene Kelly. Algunos de los aspectos menos convencionales de la animación pueden apreciarse en la obra de Norman McLaren, un artista que trabajó en una gran variedad de formatos, entre ellos los films pintados a mano o los de papeles cortados; su obra Love on the Wing (1939), por ejemplo, fue dibujada directamente sobre el celuloide fotograma a fotograma. Por su parte, Ray Harryhausen utilizó su proceso de Dynamation y la filmación fotograma a fotograma para insuflar vida a las extravagantes criaturas de películas como Simbady la princesa (The Seventh Voyage ofSinbad, 1958) ojasónylos argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), mientras que, de la mano de Ralph Bakshi, el género de animación hizo una incursión en el mundo de las aventuras de serie X, con su película El gato caliente (Fritz the Cat, 1972). La vertiente más surrealista de la animación puede verse en la obra de Ladislaw Starewicz y Jan Svankmajer, que han hecho uso de muñecos, fotografías trucadas, dibujos animados y personajes reales para presentar sus cómicas y mordaces obsesiones. Entre sus largometrajes se incluye Alice (1988), una idiosincrásica versión de Alicia en el país de las maravillas. En el campo más comercial, la Disney fundió el dibujo animado con los personajes reales en Mary Poppins (1964) y obtuvo unos resultados espectaculares en este campo al colaborar con la productora de Steven Spielberg y con el animador Richard Williams en el film ¿Quién engañó a RogerRabbifí (WhoframedRogerRabbit?, 1988). El éxito obtenido por este film, unido al regreso a las técnicas tradicionales que supuso La sirenita (The Little Mermaid, 1989), anunció un renacimiento del arte de la animación, como demuestran los estudios dublineses de Don Bluth, autores de Fievely el nuevo mundo (An American Tail, 1986), En busca del valle encantado (The Land Before Time, 1988) y otras. La conclusión de la obra de Richard Williams, The Thiefand The Cobbler (1991) y la obtención de un Osear por el animador británico Nick Ward por su obra Creature Comfort (1990), ilustra el saludable estado del cine de animación en el Reino Unido.

que no tardó en revelarse como una de las principales luminarias de la «Nueva Ola» francesa de finales de los cincuenta. en el Périgord. encarna mejor que ningún otro de sus compañeros la polémica idea del director entendido como autor de la película. Mientras lleva a sus alumnos a visitar unas cuevas cercanas. MÚSICA: Pierre Jansen. en esta ocasión. Antonio Passalia (Angelo). Héléne descubre el cadáver de una joven y. le deja un poso de culpabilidad y complicidad con el que la maestra tendrá que cargar a partir de entonces. la maestra de la escuela. En El carnicero.96 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 97 El carnicero LE BOUCHER Francia/Italia. del posterior fu- . Ella le regala un mechero. condenándose así a la agonía de la culpabilidad y la indecisión. la cámara destaca a una pareja: la señorita Héléne. A lo largo de toda la producción fílmica de Chabrol aparecen personajes que llevan estos mismos nombres. 1969 DIRECTOR: Claude Chabrol. Roger Rudel (Inspector de policía). más como víctima que como asesino. reside más bien en el hecho de no haber querido o podido responder a la necesidad que Popaul tenía de ella. la sofisticada pero distante Héléne. Cuando ésta descubre que Popaul probablemente sea un asesino. Pasquale Ferone (Padre Charpy). decide mantenerlo oculto. así como el tema del triángulo amoroso condenado al fracaso. pero. hace avanzar la acción con lentitud y de una forma sutil e indirecta. dejando a la maestra sola con su culpa. La película culmina con un enfrentamiento entre ambos en la escuela vacía. DURACIÓN: 94 minutos. Argumento La película comienza con una boda en el pueblo de Le Trémolat. junto a él. GUIÓN: Claude Chabrol. como sucede. William Guérault (Charles). con el paralelismo que se establece entre la boda del principio y la atmósfera. hay quienes consideran que quizá se ha tomado demasiado al pie de la letra la máxima de Jean Renoir. el carnicero. INTÉRPRETES: Stéphane Audran (Héléne Marcoux). Chabrol. Su verdadera culpa. ofrecido algún tipo de ayuda cuando éste. y el carnicero Popaul. que adopta de forma poco convencional una estructura de thriller. por ejemplo. mientras va trazando un complejo cuadro de la relación por medio de la pequeña acumulación de detalles observados con gran minuciosidad. y Popaul. aunque le asegura que entre ellos sólo hay una buena amistad. sin embargo. no completa la presencia de un tercer amante sino la relación que la señorita Héléne mantiene con sus alumnos. De hecho. un mechero. se encontraba al acecho en la oscuridad de la escuela. completamente opuesta. Popaul se suicida. MONTAJE: Jacques Gaillard. que. FOTOGRAFÍA: Jean Rabier. Mario Beccaria (Léon Hamel). PRODUCCIÓN: A La Boetie/Euro International (André Génovés). una sobria historia de amor con tintes trágicos. y no amor. Jean Yanne (Popaul Thomas). donde habitó el hombre de Cro-Magnon. todo gran cineasta siempre está haciendo la misma película. Comentario Chabrol. según la cual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Guy Littaye. De entre el bullanguero gentío. el enfrentamiento entre la maestra. al hacerlo. que en numerosas ocasiones se ha declarado partidario de las tramas sencillas con personajes complejos. pero con un lado oculto atávico y brutal. Popaul prefiere suicidarse antes que tener que matarla. que rápidamente esconde. parece estar inexorablemente predeterminado. o de haberle. tras el cual. un ser dulce y atento. por lo menos. como desearía Popaul.

proferida con ferviente entusiasmo. Nick Farrell (Aubrey Montague). 1981 DIRECTOR: Hugh Hudson. siempre y cuando el presupuesto fuera modesto y el tratamiento eficaz. en Escocia. «Quería hacer una película del estilo de Un hombre para la eternidad sobre alguien cuyas acciones no se guiaran por criterios de conveniencia. Harold Abrahams.con los gustos dominantes al otro lado del charco y que se podía alcanzar el éxito con unas temáticas autóctonas. que ganará Abrahams. En 1924 son seleccionados para tomar parte en los Juegos Olímpicos de París. representando al Reino Unido.a pronunciar su famosa advertencia a los miembros de la Academia: «cuidado. que se convertiría en la película extranjera que había obtenido mayor éxito de taquilla en los Estados Unidos hasta la fecha.» El resultado fue lo que él mismo denominaría más tarde «un cuento de la Cenicienta al cien por cien». Nigel Havers (Andrew Lindsey). The Foxes (1980). PRODUCCIÓN: Enigma (David Puttnam). proporcionó aliento e ilusión a un público cinematográfico que llevaba bastante tiempo privado de ambos. MÚSICA: Vangelis. Argumento Cambridge. La película. FOTOGRAFÍA: David Watkin. un publicista reconvertido en cineasta). INTÉRPRETES: Ben Cross (Harold Abrahams). Liddell correrá los 400 metros y. un tema musical algo anacrónico. y un atractivo acabado visual (marca de la casa de su director. Ian Holm (Sam Mussabinni). Finalmente. GUIÓN: Colin Welland. Comentario Abrumado por la buena acogida que tuvo entre el público su producción. Aunque esta amenaza. por delante del norteamericano Scholz. 1919. el productor David Puttnam regresó al Reino Unido decidido a hacer una película inequívocamente británica y que.98 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 99 neral. han hecho que se gane el apodo de «El Escocés Volante». MONTAJE: Terry Rawlings. que vienen los británicos». un ambicioso atleta. pero decepcionado por los resultados de su fábula norteamericana. Esta película constituye la manifestación más lograda de su tema de siempre. . Nominada para siete premios de la Academia. Los dos se conocen en un desafío francoescocés en Edimburgo. Carros de fuego sirvió para demostrar que no era necesario que los productores británicos optaran por soluciones de compromiso -casi siempre arriesgadas y a menudo insatisfactorias. incluidos los de mejor película y mejor canción original. DURACIÓN: 123 minutos. que cuenta con unas interpretaciones muy conseguidas. del que Liddell sale vencedor. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Ridley y Jonathan Amberston. 1978). llevado en volandas por su fe. Ian Charleson (Eric Liddell). Daniel Gerroll (Henry Stallard). a su vez. y ganadora de cuatro de ellos. los ganará en un tiempo récord. se convierte en el primer hombre en siete siglos capaz de cubrir el perímetro del patio de Caius College en 46 segundos. el éxito obtenido por elfilmindujo a Collin Welland -ganador del premio al mejor guión. el hijo de un misionero. Liddell se ve forzado a no tomar parte en la carrera de 100 metros. Espoleado por su lucha personal contra el antisemitismo. las hazañas atléticas de Eric Liddell. Entre tanto. Al negarse a correr en Sabbath. El expreso de medianoche (Midnight Express. no se materializaría en años Carros defuego CHARIOTS OF FIRE Reino Unido. fuera un canto a los valores humanos en los que él mismo creía. pero enormemente pegadizo.

nos deleita el derroche de facultades de que hacen gala los actores secundarios (especialmente Claude Reins. parecían indicar una situación de declive inexorable. Hoy en día. y Phillip G. GUIÓN: Julius J. consciente de la importancia del trabajo de Laszlo.UU. tanto las estadísticas de producción. Argumento Casablanca se ha convertido en un santuario para los refugiados que tratan de conseguir un visado de salida para viajar a Lisboa y. Inesperadamente. Peter Lorre (Ugarte). B/N. en un principio. que cuenta ya con más de cincuenta años a sus espaldas.. delicadamente siniestro. Wallis). Sydney Greenstreet (Señor Farrari). dos visados de tránsito caen en sus manos. pero éste. como los niveles de calidad artística. fue concebida como un vehículo para el lucimiento de las parejas formadas bien por Dennis Morgan y Michele Morgan o por Ronald Reagan y Ann Sheridan. siendo quizá la más querida de las películas clásicas de Hollywood y la que más veces se repone en las pantallas. Casablanca EE. propiedad del cínico Richard Blaine. aunque fuera momentáneamente. MÚSICA: Max Steiner. Uno de los lugares más frecuentados es el Café Americain de Rick. Conrad Veidt (Mayor Strasser). FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. Casablanca ha terminado por convertirse en un auténtico fenómeno. elabora un plan que pone a Laszlo e Usa en el avión con destino a Lisboa. Usa reaviva sus sentimientos románticos hacia Rick. para el público de hoy constituye el mejor ejemplo de ese tipo de entretenimiento. no pare de crecer. al conseguir restaurar. Ésta había sido antes la amante . la película fue ofrecida a otros tres directores antes de que Michael Curtiz asumiera el encargo de dirigirla y. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/First National (Hal B. a América. los orígenes de la película no era muy prometedores. Como se ve. constituye un ejemplo permanente del enorme poder de la nostalgia cinematográfica. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. desde allí. Epstein y Howard Koch (basado en la obra de teatro Everybody's Comes to Rick. Ingrid Bergman (Usa). de Murray Burnett y Joan Alison). lleno de oficio. mientras él y el Inspector jefe de policía Renault se enfrentan a un incierto pero patriótico futuro. que se asocia indisolublemente a una edad de oro de Hollywood que ya es cosa del pasado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. de Rick. al que había abandonado en París cuando se enteró de que su marido había sobrevivido a su internamiento en un campo de concentración. tanto para las autoridades como para el recién llegado Victor Laszlo. Carros de fuego se aseguró un lugar en la historia de la cinematografía británica. fue nominada para un Osear). un líder de la resistencia que viaja en compañía de Usa. sin embargo. DURACIÓN: 102 minutos.100 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 101 sucesivos. Paul Henreid (Victor Laszlo). su esposa. cuya interpretación de un jefe de policía. Ni mejor ni peor que muchas otras producciones similares de la época. Comentario El hecho de que la popularidad de esta ganadora del premio de la Academia a la mejor película. la fe en la industria autóctona tras una década en la que. Basada en una obra de teatro que nunca se llevó a escena. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Rick Blaine). Claude Reins (Capitán Louis Renault). MONTAJE: Owen Marks. lo cual le convierte en objeto de especial interés.

Andrzej Wajda. PRODUCCIÓN: Film Polski (Stanislaw Adler). muchacho». Maciek. nos hace olvidar lo inverosímil de la trama y la ramplonería de la pareja de fugitivos que interpretan Bergman y Henreid. el primer director polaco cuya obra causó una profunda impresión más allá de las fronteras de su propio país. pero ahora su conciencia se halla dividida entre su sentido del deber y lo absurdo de la situación. es posiblemente el más logrado ejemplo de ello. cuyas dos primeras entregas habían sido Pokokenie (1955) y Kanal (1957). Maciek mata de un disparo a su oponente pero. a su vez. Un violento asesinato que se muestra al principio de la película ha dejado bien claro que Maciek no tiene reparos en matar. Argumento Polonia. MÚSICA: Quinteto Rítmico de la Radio Polaca. Adam Pawlikowski (Andrzej). Waclaw Zastrzeynski (Szczuka). en cierto modo. pertenecía a una generación que había crecido bajo la ocupación fascista y que se había iniciado en el cine a la sombra. Woody Alien rindió homenaje a la película. en su obra de teatro y posterior película Sueños de seductor (Play it Again Sam. muy generalizada. el antihéroe desencantado. de emular a Bogart. igualmente oscura. «Tócala otra vez. y Maciek marcha hacia su inevitable y trágico enfrentamiento con Szczuka. 1958 DIRECTOR: Andrzej Wajda. lo cual hace que un producto meramente funcional trascienda sus orígenes y pase a formar parte integrante de nuestra cultura popular. Ewa Kryzjewska (Krystyna).102 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 103 los diálogos acerados y las frases memorables («Te está mirando. lo que aviva aún más sus dudas. último día de la Segunda Guerra Mundial. una mujer que acaba de conocer. . B/N. Sam».)> o la inolvidable As Time Goes By. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Román Mann. FOTOGRAFÍA: Jerzy Wójcik. INTÉRPRETES: Zbigniew Cybulski (Maciek Chelmicki). del régimen comunista de posguerra. nuevo secretario comunista de la región y antiguo compañero de armas. La muerte de Maciek sobre un montón de chatarra estará teñida de resonancias simbólicas. es muy probable que la razón que explique su permanente atractivo se deba a que. Stanislaw Milski (Pieniazjek). adaptación de una famosa novela de Jerzy Andrzejewski. Su obra se ha enfrentado cara a cara con las realidades políticas e históricas que acompañaron al nacimiento de la nueva Polonia. Tras leer una inscripción en un cementerio. recibe el disparo de un oficial borracho. Aunque la película satisface el gusto actual por lo retro. se despiden. La película completó una trilogía informal. 1972). pasa la noche con Krystyna. Jan Ciecierski (El portero). Por otro lado. Bogumil Kobiela (Drewnowski). y Cenizas y diamantes. Comentario Cenizas y diamantes POPIOLIDIAMENT Polonia. Mientras espera en un hotel. la presencia de Humphrey Bogart en un papel que supuso la definitiva consagración de su personaje-tipo. MONTAJE: Halina Nawrocka. las actitudes que se retratan en ella siguen teniendo vigencia (la idea de un amor condenado al fracaso en un mundo al borde del caos aún nos afecta). y a la aspiración. DURACIÓN: 105 minutos. que asiste a un banquete donde se celebra el nacimiento de la nueva Polonia. GUIÓN: Andrzej Wajda y Jerzy Andrzejewski. el miembro más joven de un movimiento nacionalista de resistencia de una pequeña ciudad polaca. recibe la orden de matar a Szczuka. etc.

John Wayne ofrece una de sus mejores interpretaciones en el papel de un Edwards que odia a los indios. John Ford alcanzó su más alto logro en el género del Oeste. ésta se mostrará reacia a dejarse salvar. Whitney (Merian C. finalmente. V. INTÉRPRETES: John Wayne (Ethan Edwards). a su vez. Pawley se adelanta para ir a rescatar a la muchacha. se encuentra muy próximo al estado salvaje. gers cuando los comanches asalten el rancho. Jeffrey Hunter (Martin Pawley). la mate. Samuel Johnson Clayton). cuando por fin encuentran a Lucy. La gran virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad con que transforma una de las líneas arguméntales más básicas del western en una reflexión.. PRODUCCIÓN: C. Whitney). Technicolor. A medida que va avanzando la búsqueda de Debbie. tras asesinar a todos los adultos. John Qualen (Lars Jorgensen). MÚSICA: Max Steiner. uno de los puntos fuertes de la película reside en el hecho de que la política quede relegada a un segundo plano frente a la importancia de la tragedia humana que se está narrando. de una enorme riqueza iconográfica y psicológica. se hallará ausente con los Texas Ran- Con esta compleja y sombría fábula sobre el afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. y. FOTOGRAFÍA: Winton C. Mientras se prepara el ataque contra el campamento indio. parte en su persecución en compañía de Martin Pawley y Brad Jorgensen. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank Hotaling y James Basevi. Sin embargo. La característica visión simbólica de Wajda hace que el descarnado realismo del film se eleve a un nivel superior. Hoch. Embargado de un obsesivo deseo de venganza. hallará el cadáver de Lucy y tendrá que hacer frente a la muerte de Brad. El realizador capta a su país en el mismo vértice entre la guerra y la paz. 1956 DIRECTOR: John Ford. MONTAJE: Jack Murray. GUIÓN: Frank S. V. la complejidad de su personalidad y los dilemas morales que su figura plantea se irán multiplicando. Cuando el combate concluye. que. Ward Bond (Capellán castrense. DURACIÓN: 119 minutos. Ethan Edwards se ha quedado a vivir en el rancho de su hermano Aaron. Comentario Centauros del desierto THE SEARCHERS EE.UU. sobre el propio género y sobre los mitos que en él se reflejan. Sólo la intervención de Pawley evitará que Edwards. Su propia forma de actuar -incluida su adopción de la costumbre india de cortar cabelleras. a medida que los objetos más vulgares se van recubriendo de sucesivas capas de significación en relación con el tema de la Polonia emergente. respeta su vida y se la lleva de vuelta a casa. Argumento Tras la derrota confederada en la Guerra de Secesión. En el camino. a través de unos personajes cuyas angustiadas incertidumbres y frágiles lealtades hablan con gran elocuencia y maestría de aquel momento histórico.104 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 105 Aunque el conflicto que enfrenta a Maciek y Szczuka posee un alcance que supera ampliamente las dimensiones humanas del drama. La persecución continúa implacable a lo largo de cinco años y. haciendo que cada vez resulte más evidente que el propio Edwards se halla atrapado en una extraña tierra de na- . Nugent (basado en una novela de Alan Le May). VistaVision. convencido de que se ha convertido en una salvaje más. pero que.resulta tan salvaje como cualquiera de las atrocidades perpetradas por los indios. la chica tiene que enfrentarse a Edward. Natalie Wood (Debbie Edwards). Vera Miles (Laurie Jorgensen). Cooper y C. rapten a sus sobrinas Lucy y Debbie.

PRODUCCIÓN: Cristaldifilm/Ariane (Franco Cristaldi). un rollo que contiene todas las escenas de besos que fueron censuradas en las películas de su juventud. . le hará sentir que su devoción por el cine está justificada. El dilema de este personaje ambiguo adquiere una resonancia aún mayor por ser su intérprete John Wayne. MONTAJE: Mario Morra. en la que vacila un instante a la entrada de la casa antes de cerrar definitivamente la puerta. Su enorme éxito de público vendría además acompañado de una verdadera lluvia de premios.sería Giuseppe Tornatore quien conseguiría tocar una fibra sensible del público de todo el mundo con su evocación sentimental de los tiempos anteriores a la televisión. se enamoró de todo lo que tuviera que ver con el cine. sus implicaciones van más allá y lo convierten. por un lado. el legado de Alfredo. finalmente. Su regreso está teñido de tristeza. El imperecedero atractivo de Centauros del desierto ha de buscarse en el hecho de que se trata de un soberbio relato de aventuras. 1976) y George Lucas (Laguerra de las galaxias. Si. hará el servicio militar y seguirá el consejo de Alfredo de abandonar el pueblo y convertirse en director de cine. que era el proyeccionista de la sala. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Andrea Crisanti. pues el Paradiso está a punto de ser derruido y los miembros de su familia se han convertido en unos extraños. Alfredo. Salvatore rodará un documental. Agnese Nano (Elena). El personaje de Wayne se encuentra atrapado entre los dos polos que dibuja la película. Gracias a Alfredo. entre ellos el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el Osear a la mejor película extranjera. GUIÓN: Giuseppe Tornatore. 1977). Argumento El fallecimiento de su mentor. entre ellos Martin Scorsese (TaxiDriver. INTÉRPRETES: Philli- pe Noiret (Alfredo). en un revelador análisis de los valores inherentes al propio género. FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato. DURACIÓN: 123 minutos (originalmente: 155 minutos).106 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 107 die. en el operador del cine. el actor que representa la quintaesencia del héroe clásico del western. 1989 DIRECTOR: Giuseppe Tornatore. Comentario Aunque su película posee ciertas similitudes con Splendor (1988) -una obra de su compatriota Ettore Scola. además. No obstante. Cuando Alfredo perdió la vista en un incendio. MÚSICA: Ennio Morricone. con toda la vida salvaje). es incapaz de aceptar los estrechos lazos que le unen con el universo de los detestados indios (y. Salvatore Cascio (Salvatore niño). lleva al director de cine Salvatore Di Vitta a rememorar las horas muertas que pasaba durante su infancia en el cine Paradiso de su pueblo. como quedará de manifiesto en la dimensión simbólica que adquiere la escena final. Mario Leonardi (Salvatore adolescente). cuya influencia puede detectarse en numerosos directores actuales. por otro. en este caso. Durante su adolescencia. que también trata del pasado del cine. cuando el cine aún desempeñaba un papel fundamental en la vida comunitaria. sólo que. Pupella Maggio (María). él mismo se convirtió en sus ojos y. A diferencia de lo que ocurre con elfilmLa última película (1971). se enamorará de una chica. su carácter y sus costumbres le excluyen de la civilización que representan los blancos. donde el cierre del cine local sirve de excusa para Cinema Paradiso NUOVO CINEMA PARADISO Italia/Francia. espacial y psicológica. Jacques Perrin (Salvatore Di Vitta). por extensión.

Kane heredó una fortuna cuando no era más que un muchacho y fue puesto al cuidado del banquero Walter Thatcher.K. que estaría protagonizada por Bruce Willis y Macaulay Culkin. PRODUCCIÓN: Mercury para la R. A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta el director y de la evidente destreza de que hacen gala el veterano Noiret y el entrañable Cascio. se hará cargo del New York Enquirer y se convertirá en un magnate de la prensa. Gettys). fue necesario el refrendo del elogio internacional y un recorte de 30 minutos de metraje para que la película llegara a los corazones del público italiano. Bernstein). Más tarde. Ray Collins (James W. reflejen una serie de experiencias que fueron comunes a muchos públicos cinematográficos en el momento de apogeo de los cines locales. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. pero su carácter manipulador y la vaciedad de su vida hacen que ella le abandone. Dorothy Comingore (Susan Alexander). de los adolescentes que se masturban y de los ancianos que roncan. Cinema Paradiso apuesta por un tono de celebración. GUION: Hermán J. Se divorcia y se casa con Susan. más que de lamento. Mankiewicz y Orson Welles. Al salir a la luz su relación extramatrimonial con Susan Alexander. . interrogando a sus antiguos amigos y empleados. 1941 DIRECTOR: Orson Welles. Un periodista tratará de descubrir su significado. MONTAJE: Robert Wise y Mark Robson. George Colouris (Walter Parks Thatcher). Mientras el periodista deja Xanadú. MÚSICA: Bernard Herrmann. Ello se debe a que Giuseppe Tornatore consigue que los detalles concretos de los incidentes que ocurren en ese cine de un pequeño pueblo siciliano. Agnes Moorehead (Madre de Kane). se ve fugazmente la imagen de un trineo infantil que lleva inscrito el nombre de «Rosebud». B/N. es la historia de todos aquellos que han tomado parte alguna vez en la ceremonia comunitaria de una noche de sábado en el cine. Su éxito consagró a Tornatore como un consumado manipulador de sentimientos y desató numerosas especulaciones sobre la posibilidad de que se realizara una versión norteamericana. La descripción que se hace de los excéntricos dueños. Kane morirá en la más absoluta soledad. Ciudadano Kane CITIZEN KANE EE. INTÉRPRETES: Orson Welles (Charles Foster Kane). la mansión del magnate. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. antes de que se generalizara el fenómeno de las eficacísimas.108 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 109 elaborar una elegía por una época pasada. justo cuando se presentaba a las elecciones para el cargo de gobernador. ultramodernas e impersonales salas multicines. y es capaz de llegar a los públicos de todo el mundo. de los niños revoltosos.. Darrell Silvera y Hilyard Brown. (Orson Welles).O. sus aspiraciones políticas se vienen abajo. Argumento Charles Foster Kane muere pronunciando la palabra «Rosebud». Joseph Cotten (Jedediah Leland). DURACIÓN: 119 minutos. Everett Sloane (Mr.UU.

dos músicos que han sido testigos de la Matanza del Día de San Valentín.K. la cantante de la banda. DURACIÓN: 120 minutos. productor. Si su admirada estructura. Pat O'Brien (Mulligan). ante todo. MÚSICA: Adolph Deutsch. por ejemplo. INTÉRPRETES: Marilyn Monroe (Sugar Kowalczyk). Osgood Fielding III. una película de 1933. se inspira en Podery gloria (The Power and The Glory). le había valido grandes elogios. está basada en un personaje real. La celebración de una . Orson Welles fue contratado por la R. MONTAJE: Arthur Schmidt. PRODUCCIÓN: Ashton-Mirisch Company (Billy Wilder). y apostando. cuyos adláteres se esforzaron en todo momento por conseguir su paralización. le permitieron absorber gran cantidad de información sobre la técnica cinematográfica y le llevaron a realizar el comentario de que los recursos del estudio eran «el tren eléctrico más grande que jamás había tenido un niño». Brown (Osgood Fielding III). perdido en el inmenso vacío de su mansión). planos cortos y primeros planos. una versión de El corazón de las tinieblas y el thriller The Smiler with the knife. basada en la superposición de los relatos de varios testigos. donde se narra la vida de un despiadado magnate de la industria por medio deflash-backs. Diamond (inspirado en un relato de R. corteja a Susan. Antiguo niño prodigio.. Entretanto. A. su trabajo en dos proyectos que finalmente no verían la luz. cuando contaba tan sólo veinticuatro años de edad. se sentirá atraído por «Daphne». Argumento Año 1929. su carácter de análisis de las complejas relaciones que existen entre el poder individual. director y actor no han quedado empañados en lo más mínimo tras el paso de más de medio siglo. George Raft (Spats Columbo).O. haciéndose pasar por un rico playboy. Logan). B/N. Durante sus dos primeros años en los estudios. Jack Lemmon (Jerry/Daphne). Joe y Jerry. Sin embargo. el gran magnate William Randolph Hearst. que ansia conocer el verdadero amor. «todo aquello que importa en el cine a partir de 1940 ha recibido la influencia de Ciudadano Kane» es compartida por la práctica totalidad de la crítica especializada. cuya obra al frente de la compañía Mercury Theatre. Con faldas y a lo loco SOME LIKEIT HOT DIRECTOR: Billy Wilder. un millonario que colecciona matrimonios. Ciudadano Kane fue. por una compo- sición en profundidad en cada encuadre. basada en el montaje de una sucesión de planos generales. USA». La película. granjeándole igualmente el merecido apelativo de «genio». y marchan hacia Florida integrados en una banda musical de mujeres. en su lugar. Desechando la puesta en escena convencional. FOTOGRAFÍA: Charles Lang júnior.UU.110 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 111 Comentario La conocida afirmación de Francois Truffaut. Welles crea sentido a través de la forma en que los personajes se ubican en su entorno (el moribundo Kane. tanto en los escenarios como en la radio. la elección personal y el contexto social es un testimonio de la fascinación que Welles sentía por Shakespeare. GUIÓN: EE. Joe E. Joan Shawlee (Sweet Sue). se disfrazan de «Josephine» y «Daphne». En Miami Beach. Tony Curtís (Joe/Josephine). Los logros del proteico Welles en sus distintas facetas de guionista. 1959 Billy Wilder e I. en 1939. Joe. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. Thoeren y M. conocida antes de iniciarse el rodaje bajo los títulos de «American» y «John Citizen. según la cual. una piedra angular en el desarrollo artístico y estilístico del cine.

Herbert). y cuando «Daphne» confiese a Osgood que es un hombre. MONTAJE: John Wilson. por lo cual tuvo que conformarse con la estatuilla concedida al mejor vestuario. una dama de la aristocracia. Joe. un análisis complejo y desinhibido de la identidad sexual y un cariñoso pastiche de la época de los gángsters. le fue asignado a Tony Curtis. esta película marcaría el inicio de una fructífera colaboración entre Lemmon y Wilder. entre ellos los de mejor director y mejor actor. DURACIÓN: 108 minutos. de la que saldrían películas como El apartamento (1960). Más adelante. MÜSICA: Michael Nyman. El amor de Susan por Joe no se verá afectado al desvelarle éste su verdadera identidad. el terror del hampa (Scarface. . tuvo la desgracia de toparse con el año de Ben-Hurycon el innato conservadurismo de la Academia. y garantía segura de diversión. Neville). disminuyeron las presiones. FOTOGRAFÍA: Curtis Clark. Hugh Fraser (Mr. Inglaterra. el millonario le regañará cariñosamente con un «nadie es perfecto». Irma la dulce (Irma La Douce. cuyo tirón comercial en aquel momento era inmenso. para Jack Lemmon. Dave Hill (Mr. GUIÓN: Peter Greenaway. y la química entre Jack Lemmon y Tony Curtis pudo desarrollarse en toda su plenitud. Sin embargo. 1963) y ¿Qué ocurrió entre tupadrey mi madre ? (Avanti. Comentario Comedia imperecedera donde las haya. 1694. Herbert. Con todo. Herbert). razones de índole comercial. para que realice una serie de doce dibujos sobre su casa y sus terrenos. Talmann). con un Geor- ge Raft parodiando su famoso papel en Scarface. recibió seis nominaciones para los premios de la Academia. El pintor Neville es contratado por Mrs. INTÉRPRETES: Anthony Higgins (Mr. un guión afilado como una navaja combinado con unas interpretaciones llenas de ingenio. David Gant (Mr. Tercera película más taquillera del año 1959 en Estados Unidos.112 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 113 convención de gángsters en Florida -a la que asiste Spats Columbo.vuelve a poner a Joe y a Jerry en peligro. 1932). PRODUCCIÓN: BFI (David Payne).1972). No obstante. Seymour). Anne Louise Lambert (Mrs. su guionista y director. Noyles). Con faldas y a lo loco fue concebida en un principio como un vehículo para el lucimiento de la pareja formada por Bob Hope y Danny Kaye. El contrato del dibujante THE DRAUGHTSMAN'S CONTRACT Reino Unido. 1982 DIRECTOR: Peter Greenaway. El papel de su compañero. Billy Wilder. estuvieron a punto de forzar la sustitución de Jack Lemmon por Frank Sinatra. crearía el personaje de «Daphne» a la medida de Jack Lemmon. Argumento Wiltshire. Talmann). Sin embargo. Janet Suzman (Mrs. Sin embargo. tras haber visto al actor en Operation Mad Ball (1957). Ésta fue también la película que llevó a Tony Curtis a comentar que «besar a Marilyn era como besar a Hitler». Neil Cunningham (Mr. Spats y su banda morirán a manos de una mafia rival. mientras que Mitzi Gaynor sería Sugar. una agilísima modulación rítmica. Con faldas y a lo loco se hizo también famosa por los retrasos causados por la impuntualidad de Marilyn Monroe y por su incapacidad para recordar hasta las más sencillas frases. lo que se ve en la pantalla es pura magia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bob Ringwood. Al aceptar Marilyn Monroe el papel de Sugar.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dean Tavoularis. Neville coquetea también con Mrs. MÚSICA: David Shire. donde la tradición dominante es de corte literario y realista. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. que. y consagró a su director como el representante más conspicuo de las tendencias vanguardistas del cine británico a ojos de un gran público. a partir de ese momento. Neville exige que Mrs. pues deja al espectador libertad para que saque a la luz los significados ocultos tras la atractiva fachada de esta maliciosa trama de sexo y asesinatos. MONTAJE: Richard Chew. por lo general. que le permite recrearse en las interacciones formales y temáticas que surgen entre la trama. Finalmente. la película es un intrincado juego conceptista. entendida como ejercicio cinematográfico. se haya cada vez más contrariado por el ascendiente que ha cobrado el artista sobre la familia. Cindy Williams (Ann). por ejemplo. Comentario Esta película marca un punto de inflexión en la carrera del director Peter Greenaway que. que ansia obtener el heredero que no le puede proporcionar su marido. algo a lo que ella consiente. Una vez que Neville ha acabado sus dibujos y ha partido. DURACIÓN: 113 minutos. la iconografía y la música de Michael Nyman. mucho más fragmentarias y viscerales. Herbert en el foso. Como condición para realizar el trabajo.UU. el misterio con asesinato) y unos criterios abiertamente formalistas. infrecuentes en una cinematografía como la británica. como. la hija de los Herbert.. la fuerza de la película de Greenaway arranca precisamente de esa tradición y puede disfrutarse a varios niveles distintos. . suele desconocer la obra de otros realizadores. Talmann. Con todo. La familia le echa las culpas a Neville. John Cázale (Stan). Harrison Ford (Martin Stett). Alien Garfield (Bernie Moran). se descubre el cadáver de Mr.114 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 115 como regalo sorpresa para cuando regrese su infiel marido. GUIÓN: Francis Ford Coppola. aunque sea de forma paródica. resulta bastante más convencional que algunas de sus obras posteriores. que. Derek Jarman o Ken McMullen. La conversación THE CONVERSARON DIRECTOR: EE. al regresar para realizar un postrer dibujo. Según la propia descripción de su director. El film obtuvo un inesperado éxito de taquilla en el circuito de arte y ensayo. Frederic Forrest (Mark). filmadas a diferentes horas del día y bajo luces distintas. es cegado y dado muerte. A fecha de hoy. a la vez que crea una rica (aunque desigual) fusión entre diversos géneros tradicionales (el drama de época. INTÉRPRETES: Gene Hackman (Harry Caul). la película. PRODUCCIÓN: Coppola Company-Directors Company (Francis Ford Coppolay Fred Roos). similar a los que solían abundar en el teatro de la Restauración. 1974 Francis Ford Coppola. pasará de realizar un cine extremadamente experimental a otro de carácter bastante más comercial. se descubrirá que el verdadero asesino fue Mr. el film da muestras de un gran interés por estudiar visualmente la inserción en el paisaje de una serie de formas verticales. el film abstracto Vertical Features Remake (1979). Al igual que ocurría en una de sus anteriores producciones. el cual. Herbert acceda a tener relaciones sexuales con él cada vez que termine un dibujo. Aunque la cámara de Greenaway se recrea en la casa y sus terrenos. Talmann. sigue siendo la película más convencional y accesible de todas las realizadas por Greenaway.

hasta entonces. la culpa personal. la redención y la alienación contemporánea. No obstante. una de las películas más gratificantes de su director. Aunque su trabajo ya ha concluido. se pensó en Marión Brando) realice una de las interpretaciones más inquietantes del cine norteamericano de la década de los setenta. tan característico de la personalidad cinematográfica de Hackman. imperturbable objetividad del experto en vigilancia Harry Caul. sin embargo. la primera versión del guión fue realizada por Coppola a finales de los años sesenta. A pesar de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes. En pocas ocasiones se ha sacado más partido a ese aspecto de hombre vulgar y corriente. que. Por otro lado. La conversación no fue un éxito de taquilla y no consiguió que ninguna de sus tres nominaciones para los Osear se materializaran en la obtención de una estatuilla. el director de la misma. constituye. En las oficinas de la empresa. en algún momento. en el transcurso de tan sólo dos horas. Basada libremente en la vida del experto en sonido Hal Lipert e inspirada en la película de Antonioni Blow Up (1966). se irá desmoronando progresivamente mientras va pasando por toda la gama de actitudes que median entre un comportamiento aséptico y la más arrebatada tormenta interior. Su realización fue posible gracias al éxito obtenido con El padrino y consiguió una buena dosis de publicidad extra al estrenarse cuando la herida producida por el caso Watergate se encontraba aún abierta. Caul recibe la advertencia de que no se inmiscuya en el asunto y se recluye en su destartalado apartamento. acude a una habitación de hotel contigua a la que se menciona en la cinta.116 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 117 Argumento La grabación de una conversación entre una pareja de jóvenes hace que se tambalee la. la pareja se somete al interrogatorio de la prensa sobre la repentina muerte de su padre. una tensa amalgama entre la paranoia y el suspense de los thrillers al estilo de Hitchcock y un minucioso estudio de un hombre destruido por su culpabilidad y por la necesidad de responsabilizarse de sus propios actos. Contratado para entregar la cinta al director de una empresa. Comentario Eclipsada por el alcance y la escala de los logros de Coppola como creador de El padrino (1972). que en esta interpretación de un individuo cauto y obsesionado con su propia seguridad. la película también permite que Hackman. en su papel de un solitario atormentado (un papel para el cual. su curiosidad se incrementará aún más cuando ve fugazmente a esa misma pareja en el edifico de oficinas e intuye la presencia de algún tipo de peligro al oír la frase: «Nos mataría si tuviera la oportunidad». a la vez que da toda una lección sobre la utilización del sonido y de la estructura narrativa cinematográfica. la conexión con el caso Watergate es puramente incidental a una película que permite a Coppola mostrar su preocupación por los temas de la responsabilidad individual. donde oye una violenta pelea y distingue una figura ensangrentada a través de una ventana cubierta de escarcha. . La conversación. con la idea de llevar a las pantallas un film de terror contemporáneo que explorara el tema de la privacidad.

el estilo adoptado por los cineastas italianos en el período inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. que se plantea la posibilidad de suicidarse. La influencia del movimiento también se puede apreciar en una serie de thrillers realizados con técnica de documental que fueron producidos en Hollywood durante los años de postguerra. . llevó a De Sica a declarar en cierta ocasión que la intención que habían tenido al realizarlas había sido mostrar «la indiferencia de la sociedad hacia el sufrimiento. domingo mañana (1960) y El ingenuo salvaje (This SportingLife.118 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 119 El neorrealismo Surgido como reacción contra la artificialidad de las películas de ambiente burgués que se conocían por el nombre de «comedias de teléfono blanco» -el género predominante en tiempos del fascismo. siempre que ello fuera factible. su última película juntos. inauguró la concesión de un premio a la mejor película extranjera. y Umberto D (1952). 1950). cuyo tema es la desgarradora situación de un pensionista empobrecido. Milagro en Milán (Miracolo a Milano. dirigido asimismo por Rossellini. cuyos miembros se declaraban decididos a hacer películas «comprometidas». el título de primera película genuinamente neorrealista ha de otorgarse al film de Roberto Rossellini Roma. la fantasía alegórica. El cartero siempre llama dos veces) ha hecho que esta película se considere una precursora de este efímero movimiento. de los pobres y. 1978). un acontecimiento que. en la que un huérfano termina por convertirse en el líder de todos los sin hogar de Milán. Sábado noche. además de haber servido de inspiración a la cariñosa parodia de Maurizio Nichetti Ladrones de anuncios (Ladri di saponette. en el movimiento del Free Cinema británico. el neorrealismo fue. más tardíamente. un film compuesto de varios episodios. de hecho. dando ejemplo al resto del mundo de que el espíritu creativo puede triunfar sobre todas las adversidades». en general. Otras notables películas neorrealistas son Paisa (1946). 1963).1947) y. 1946). Algunos directores pertenecientes al movimiento terminaron por hacer largometrajes de corte narrativo. se puede decir que el neorrealismo tocó a su fin. y las películas fruto de la colaboración entre el guionista Cesare Zavattini y el director Vittorio De Sica. el impacto que produjo este movimiento fue trascendental. Se trataba de hacer uso de un enfoque cuasidocumental para narrar ficciones de contenido social sobre la gente corriente y los sucesos cotidianos de sus vidas. un fallecimiento que no arrancó ni una sola lágrima a un gobierno italiano que había hecho todo lo posible para frenar un movimiento que proyectaba una imagen tan abiertamente crítica y tan poco patriótica de su propio país. caso de La regla deljuego (1939). Aunque la crudeza con que se refleja el entorno provinciano que sirve de telón de fondo a la trama de Ossessione. donde se narra la historia de cómo los sueños de dos limpiabotas terminan por conducirles al reformatorio. dando lugar a los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). 1946) o Yo creo en ti (CallNorthsisde 777. La influencia del neorrealismo en el cine italiano actual puede apreciarse en películas como El árbol de los zuecos (L'albero degli zoccoli. Ladrón de bicicletas (1948). de todos aquellos a los que las leyes y las costumbres burguesas de su país deniegan la justicia o la compasión humana. (1942) de Luchino Visconti (una adaptación de la novela de James M. A pesar de todo ello. Entre las películas surgidas de su colaboración se encuentran El limpiabotas (Sciuscia. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar. la simpatía con que se presenta la difícil situación de las clases oprimidas. 1989). A partir del momento en que Rossellini inició su relación personal y profesional con Ingrid Bergman y Vittorio De Sica comenzó a dedicarse a hacer comedias y melodramas de factura más refinada y convencional. entre otros La casa de la calle 92 (The House on 92"d Street. de actores no profesionales. Decir algo a favor de los pobres y los desgraciados». Cain. en sentido estricto. En los Estados Unidos.e inspirado en parte en el «realismo poético» de algunas producciones francesas realizadas en vísperas del estallido de la guerra. para lo cual había de recurrirse a la filmación en escenarios reales y a la utilización. En estas últimas. intentando presentar los hechos de la manera más realista posible. ciudad abierta (1945). El limpiabotas fue galardonado con un Osear especial por «la gran calidad de una película que ha visto la luz en un país marcado por la guerra. un relato sobre los últimos días de la ocupación alemana. que reflejaran las vidas de la gente corriente y los sucesos cotidianos.

le matará de un disparo. pero éste renunció una semana antes de que se iniciara el rodaje. Max. eran similares a las suyas. Gillis continúa viendo a Betty. MONTAJE: Doane Harrison y Arthur Schmidt. Argumento El guionista Joe Gillis. Cuando Gillis trate de abandonarla. escrito por el propio Wilder en colaboración con Charles Brackett. Gloria Swanson (Norma Desmond). de diálogos inolvidables y de un ingenio deslumbrante que confieren a la película cierto tono de cine negro. celosa. está salpicado de humor negro. exmarido y actual sirviente. Su guión. acepta la oferta de trabajo y alojamiento que aquélla le hace. tras toparse por casualidad con la antigua estrella del cine mudo Norma Desmond y su mayordomo. e incluso Mae West. que se sintió gravemente ofendida por la propuesta. Erich von Stroheim (Max von Mayerling). pero Norma. DURACIÓN: 110 minutos. así como la de Erich von Stroheim. Gillis se ve colmado de regalos y soporta la necesidad que tiene la vieja estrella de regodearse con sus glorias pasadas. antes de que Gloria Swanson fuera la elegida. Incapaces de convencer a Fred MacMurray para que aceptara el papel. al enterarse de que ésta ha intentado suicidarse. fue un gran acierto. En un principio se contaba con Montgomery Clift para interpretar a Gillis. Seitz. 1928) los causantes de que Swanson se quedara al borde de la quiebra y de que las aspiraciones de ambos . No se debe olvidar que se trata de un personaje cuyas circunstancias. FOTOGRAFÍA: John F. La elección de Swanson. En cuanto al papel de la actriz principal. GUIÓN: Billy Wilder.. los excesivos expendios de Von Stroheim en la dirección de la película La reina Kelly (Queen Kelly. PRODUCCIÓN: Paramount (Charles Brackett). MÚSICA: Franz Waxman. el escritorzuelo necesitado de recursos. Gillis vuelve a ver a Betty Schaefer.UU. Sin embargo. que le anima a que siga con su propio trabajo. Pola Negri. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y John Meehan. precisamente. El crepúsculo de los dioses es uno de los más sombríos y despiadados retratos que Hollywood ha hecho sobre sí mismo y sobre las tragedias que se ocultan tras su resplandeciente fachada. Convencida de que vuelven a solicitarla para la pantalla. se escabullirá de una cena íntima de nochevieja que la actriz había organizado para ambos. posee una credibilidad verdaderamente escalofriante. M. se tomaron en consideración varias viejas glorias del cine para que hicieran el papel de Norma. De Mille y se prepara para su regreso al cine en la película Salomé.120 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 121 Comentario El crepúsculo de los dioses SUNSET BOULEVARD DIRECTOR: EE. cuya caracterización es de una crudeza rayana en la crueldad. a pesar de lo cual. B/N. revelará que es un mantenido. Norma visita a Cedí B. Lloyd Gough (Morino). La interpretación que hace Gloria Swanson del personaje de la actriz principal. decidirá permanecer al lado de Norma. Nancy Olson (Betty Schaefer). Wilder y Brackett se decidieron finalmente por William Holden. entre ellas. las carreras de ambos habían comenzado a languidecer con la llegada del cine sonoro y fueron. una lectora de guiones. la presencia de las cámaras de un noticiario le hace creer que está de nuevo trabajando para el cine. Mary Pickford. Mientras se la llevan arrestada. Charles Brackett y D. algo a lo que también contribuye el hecho de que sea el propio cadáver de Gillis quien narra la historia mientras flota en la piscina de Desmond. Marshman júnior. Fred Clark (Sheldrake). 1950 Billy Wilder. en el papel de su antiguo mentor. aunque afortunadamente no su temperamento. INTÉRPRETES: William Holden (Joe GiUis).

Cuando los compromisos de la estrella hicieron inviable el proyecto. mejor dirección artística y mejor banda sonora. mientras su tía Fanny le echa en cara su carácter despreciable y mezquino. En El crepúsculo de los dioses no sólo aparecen diversas escenas de esa película. La interpretación de Holden fue derrotada por la de José Ferrer en Cyrano de Bergerac y Swanson fue relegada para premiar a Judy HoUiday en Nacida ayer (Bornyesterday). tras el fallecimiento del viejo Mayor Amberson. Tras un accidente en el que está a punto de morir. Welles inicia su crónica con un desenfadado retrato de las lacras de la época. que se casa con el . Jack Moss y Mark Robson. a pesar de que éste viniera acompañado de unos resultados en taquilla más bien decepcionantes. podrá contar con ayuda. Isabel no tardará en morir y George se verá obligado a clausurar la en tiempos floreciente mansión de los Amberson. Welles decidió adaptar al cine The Magnificent Ambersons. Isabel sufre un ataque al corazón. el de mejor guión. C. publicada en 1919 y galardonada con el Premio Pulitzer. Años más tarde.K. quizá no tanto por los tiempos pasados como por (Eugene Morgan). Ray Collins (Jack Amberson). MÚSICA: Bernard Herrmann. Por otro lado. Nilsson y H. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela de Booth Tarkington). Nominada para once Osear de la Academia. se descubre que las arcas de la familia están vacías. B. DURACIÓN: 88 minutos. Orson Welles tenía en mente llevar a la pantalla Los papeles del Club Pickwick de Dickens. tanto a nivel individual como en conjunto. 1942 DIRECTOR: Orson Welles. que se la llevará a Europa. la película tan sólo obtuvo tres de ellos. Anne Baxter (Lucy Morgan). convertido en un hombre viudo y un próspero inventor. Sin embargo. todos ellos auténticas reliquias de la época del cine mudo que habían conocido tiempos mejores. INTÉRPRETES: Joseph Cotten Comentario Tras la satisfacción que supuso el triunfo artístico de Ciudadano Kane (1941). será finalmente la intervención de Morgan la que le asegurará que. para ir ensombreciéndolo cada vez más hasta alcanzar un característico tono de elegía. sino que algunos de los viejos amigos de Norma son interpretados por gentes como Buster Keaton.. el indolente hijo de Isabel. Fields como protagonista. en la que se narraba la historia del ascenso y la caída de una familia de clase alta. B/N. Abandonando el manifiesto sentimentalismo de su fuente literaria. llegaran a su fin. FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez . sus aspiraciones se verán cruelmente frustradas por George. El cuarto mandamiento THE MAGNIFICENT AMBERSONS EE.O. Morgan tiene la esperanza de reavivar el amor de Isabel una vez que Minafer ha fallecido. PRODUCCIÓN: Mercury Theatre/R.122 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 123 en Hollywood. con W. Tim Holt (George Amberson Minafer). Agnes Moorehead (Fanny Amberson). Argumento Considerado una persona de rango social inferior por los distinguidos Amberson. Dolores Costello (Isabel Amberson Minafer). Anna Q. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mark-Lee Kirk. acaudalado Wilbur Minafer. en el futuro. Mientras Morgan continúa disfrutando de una desahogada situación económica. MONTAJE: Robert Wise. Warner.UU. (Orson Welles). una novela de Booth Tarkington. Eugene Morgan es rechazado como pretendiente de la encantadora Isabel.

INTÉRPRETES: Machiko Kyo (Dama Wakasa). Su mujer. MONTAJE: Mitsuji Miyata. es violada por unos soldados y. esposa de Tobei). La película.K. los nuevos gerentes de la productora decidieron reducirla a 88 minutos. 500. un fantasma.O. finalmente. finalmente. de 131. Cuentos de la luna pálida UGETSU MONOGATARI Japón. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kisaku Ito. . un film concebido para mayor gloria de Lupe Vélez. constituía toda una declaración de principios. Masayuki Mori (Genjuro). proporcionó unos dividendos bastante respetables a los estudios. Sakae Ozawa (Tobei). FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa. se ha hecho pasar por un samuray y asegura que ha matado a un famoso guerrero. Welles. en el siglo xvi. Genjuro consigue escapar del fantasma gracias a la ayuda de un monje. insertar una empalagosa escena final -que ni siquiera fue dirigida por Welles. se dedica a la prostitución en un burdel.K. entre tanto. Welles marchó a Brasil para embarcarse en su frustrado proyecto It's All True. junto a Mexican Spitfire Sees a Ghost. Tras asistir a un pase previo de la película.que le encierra en una tierra encantada. Kinuyo Tanaka (Miyagi. durante su ausencia. La esposa de Genjuro muere a manos de unos soldados cuando se había puesto en camino hacia la ciudad. mientras que su marido es cogido prisionero por una hermosa mujer -en realidad. Los dos compañeros terminan por regresar a su pueblo y vuelven a su vida anterior. e incluso en su versión amputada fue nominada para cuatro premios de la Academia.124 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 125 toda una serie de valores. PRODUCCIÓN: Daiei Studios (Masaichi Nagata). El alfarero Genjuro y su cuñado Tobei descubren que pueden sacar dinero con su alfarería y se ponen a trabajar frenéticamente para producir cacharros que puedan vender en el mercado. a salvo de la guerra que se desarrolla en el exterior. se produjo un cambio en la dirección de la R. Mitsuki Mito Ohama. primero con un metraje de 148 minutos y. Argumento Japón. Sugisaku Aoyama (Viejo monje). conserva en todo momento un cierto distanciamento desapasionado con respecto a la autodestrucción de la familia protagonista. a raíz de ello.O. incluido el de mejor película. Tras haber dejado montada una versión completa. en su papel de narrador omnisciente. Con la destrucción parcial de esta reflexiva obra maestra se iniciaba la turbulenta relación entre Welles y Hollywood.». Por su parte.y estrenar el resultado en el segundo lugar de un programa doble. donde. «espectáculo en lugar de genialidades: una nueva apuesta de la R. 1953 DIRECTOR: Kenji Mizoguchi. con tan mala suerte que.000. GUIÓN: Matsutaro Kawaguchi (basa- do en la adaptación de Yoshita Yoda de dos relatos de Akinari Ueda). A pesar de ello. DURACIÓN: 96 minutos. sin embargo. vigilados ahora por el fantasma de la esposa de Genjuro.250. El eslogan de la nueva dirección.000 dólares frente a una inversión de 1. MÚSICA: Fumio Hayasaka e Ichiro Saito. esposa de Genjuro). B/N. En cuanto a Tobei. la encontrará su marido.

se le muestra un mundo distinto. pertenecieran a un mismo todo que las englobara. Cyrano de Bergerac Francia. gracias a las orientaciones de la Dama Wakasa. MÜSICA: Jean-Claude Petit. Al principio. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques Rouxel y Tamas Banovich. Christian es herido de muerte. DURACIÓN: 138 minutos. el rasgo más notable de la película es la forma en que se combinan elementos propios del realismo cotidiano con la fantasía y el mundo sobrenatural. como si las dos realidades. el alfarero fabrica cacharros toscos destinados a un consumo masivo. guiado ahora por el fantasma de su esposa. será el propio Cyrano quien escriba en su nombre unas exquisitas cartas de amor. Anne Brochet (Roxane). cuando Christian y Cyrano marchen a combatir a los españoles. se pone a crear objetos que reflejan tanto el carácter utilitario de sus primeras obras como la nueva belleza que se le ha revelado. PRODUCCIÓN: Hachette Premiére et Cie/Camera One/UGC/DD Productions/Films A2 (Michel Seydoux). MONTAJE: Noelle Boisson. La belleza casi pictórica de sus imágenes. que pasó del izquierdismo de sus primeras películas a mostrar un interés muy acentuado por el esteticismo y la espiritualidad. INTÉRPRETES: Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac). Aunque algunos críticos han reprochado a la película el aleja- miento que supone con respecto a sus obras más comprometidas ideológicamente. Esta circunstancia es un reflejo del propio cambio experimentado por Mizoguchi. A ojos de un occidental. una película basada en dos relatos de fantasmas del escritor del siglo xvm Akinari Ueda y en un cuento de Guy de Maupassant. este último mantendrá la correspondencia en nombre de su camarada. 1640. el alfarero Genjuro sufre una conversión tanto estética como espiritual. en lugar de constituir dos entidades divergentes. A lo largo de la película. le confiesa su amor por Christian de Neuvillette. Argumento París. el espadachín y poeta. una joven a la que todos conocen por el nombre de Roxana. donde todos los objetos han sido creados con un gusto exquisito. le ocurre a su cuñado Tobei. y lo mismo. Las transiciones entre las realidades mundanas de la vida campesina y el resplandeciente universo de fantasía de la fantasmal Dama Wakasa no son en ningún momento bruscas. 1990 DIRECTOR: Jean-Paul Rappeneau. pero. Cyrano de Bergerac no se atreve a declararle su amor a Madeleine Robinot. Vincent Pérez (Christian de Neuvillette). el dramatismo y la originalidad del maridaje entre sonido e imagen y la misteriosa insustancialidad de las secuencias sobrenaturales dan fe de este cambio. Roland Bertin (Ragueneau). Philippe MorierGenoud (Le Bret). Ésta.126 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 127 Comentario Ugetsu monogatari (conocida simplemente como Ugetsu en los Estados Unidos). GUIÓN: Jean-Paul Rappeneau y Jean-Claude Carriére (basado en la obra de Edmond Rostand). ignorando los sentimientos de Cyrano. por lo general sigue considerándose una obra maestra. FOTOGRAFÍA: Pierre L'Homme. Pronto la pareja se casará y. Abrumado por el considerable tamaño de su apéndice nasal. aunque de distinta manera. A su vuelta. y Roxana llega al frente justo a tiempo de que su . Jacques Weber (Conde De Guiche). Cuando el joven zoquete no sepa qué hacer para cortejarla. supuso la consagración de Kenji Mizoguchi como un director de talla internacional. sino que se producen sin que se aprecien fisuras entre ambas.

MONTAJE: Alan Crosland júnior. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. todo ello expresado en unos versos alejandrinos que. llegando incluso a estudiar los planos que Orson Welles había realizado para abordar el tema cuando Alexander Korda se hallaba en posesión de los derechos de la obra. 1957 DIRECTOR: Alexander Mackendrick. El éxito de esta película. un moribundo Cyrano conseguirá llegar hasta ella y revelarle que fueron sus palabras las que conquistaron su corazón. B/N. J. tras lo cual se retira a un convento. debe atribuirse no sólo a la calidad de las interpretaciones y al cuidado que se prestó a la ambientación de época. PRODUCCIÓN: Hecht-Hill-Lancaster (James Hill). Marty Milner (Steve Dallas ). En colaboración con Jean- Claude Carriére. contaron con una magistral traducción de Anthony Burgess.. Posteriormente. por otro lado. Tony Curtís (Sidney Falco). algunos años más tarde retomó el proyecto y se dedicó a ver todos los Cyrano que habían sido llevados a la pantalla. Años más tarde. la única opción posible para interpretar a Cyrano. Aunque aquellos planes iniciales no llegaron a concretarse. la adorada hermana de Hunsecker. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. humorista. no deja de ser bastante convencional. Tras recibir el encargo de acabar con el romance entre Susie. Hunsecker).que engloba la personalidad de Cyrano. un músico de poca monta. como declaró el propio Rappeneau: «Sabía que él sería capaz de expresar los dos aspectos de su carácter: su brillantez y su sufrimiento». elaboró un guión en el que se eliminaban las referencias más oscuras del texto original y consiguió dar igual peso a las distintas facetas -poeta. Jean-Paul Rappeneau. desde las dos versiones mudas hasta la producción de 1950 que le valió el Osear a José Ferrer. soldado y personaje trágico. Hunsecker. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (J. DURACIÓN: 96 minutos. consiguiendo recuperar su presupuesto de 100 millones de francos y haciendo que todo el mundo se descubra ante la sobresaliente interpretación de Gérard Depardieu. y Steve Dallas. en su versión inglesa. Argumento Sidney Falco. no se detendrá ante nada para ganarse la aprobación del poderoso columnista de la prensa neoyorquina. Comentario Una de las películas en lengua no inglesa de mayor éxito de todos los tiempos. J. sino también a la destreza con que su director y coguionista. Cyrano se ha convertido también en una de las más elogiadas. J.128 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 129 amado muera en sus brazos. Depardieu era. y se pidió a Rappeneau que se encargara de hacerlo. Barbara Nichols (Rita). sin duda. diseña una campaña de difamación que hace que Dallas pierda su empleo y acabe en la cárcel por un . que le valió el desacostumbrado honor de ser nominado para el Osear al mejor actor.UU. MÚSICA: Elmer Bernstein. cuyo estilo. el resonante éxito obtenido en 1984 cuando se repuso en el Theatre Mogador hizo que surgiera la idea de llevarla a la pantalla. supo crear una obra maravillosamente actual sin traicionar el espíritu y la intención del original de Rostand. GUIÓN: Clifford Odets y Ernest Lehman. Chantaje en Broadway SWEET SMELL OF SUCCESS EE. un agente de prensa sin principios. Rappeneau había visto por primera vez la obra de Rostand en la Comedie Francaise durante la guerra. Susan Harrison (Susan Hunsecker). Sam Levene (Frank D'Angelo).

GUIÓN: Robert Towne. Darrell Zwerling (Hollis Mulwray). cuando éste se encuentre de vacaciones.. mientras que las cuestiones que plantea. Como recompensa. lo cierto es que. Conocido sobre todo por su faceta de actor cachas. 1967). cuando nada escapa a los implacables focos de los medios de comunicación. Susie. Con posterioridad. J. MacKendrick trabajaría en una película producida por Burt Lancaster. se le promete que podrá escribir la columna de J. la sorprenda en una situación comprometida con Falco. que cuando fue realizada. J. John Hillerman (Yelburton). son más actuales hoy en día. gracias a esta película. cuando se decidió a apostar en firme por este corrosivo análisis del poder y la corrupción. haciéndose pasar por Evelyn Mulwray. Ida Sessions. seguramente. Argumento Los Ángeles. DURACIÓN: 131 minutos. 1937. desde Whisky Galore (1948) hasta El hombre del traje blanco (The Man in the White Suit. Suyo es también el mérito de descubrir en actores como Tony Curtís y Sandy MacKendrick una serie de cualidades que nunca antes habían sido explotadas. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray). ni su estilo ni su temática permiten adscribirla a ningún género en concreto. MÚSICA: Jerry Goldsmith.UU. INTÉRPRETES: Jack Nicholson (J. Aunque la célebre fotografía de James Wong Howe de las calles nocturnas de Nueva York evoca un paisaje sórdido que emparenta la película con el género negro. 1974 DIRECTOR: Román Polanski. La productora Hecht-Hill-Lancaster había obtenido ya algunos éxitos con películas como Marty (Marty. no hacía presagiar la ha- bilidad con que supo teñir de suspense y de amenaza psicológica las sórdidas revelaciones extraídas de las cloacas del atractivo mundo de los medios de comunicación neoyorquinos. Comentario Chantaje en Broadway es una de esas películas de Hollywood que se salen demasiado de los cánones establecidos como para obtener en su tiempo el reconocimiento que merecen y que la posterior revalorización crítica termina por situar en el lugar que en justicia le corresponde. en represalia. Los crispados diálogos que el guión pone en boca de la pareja formada por Clifford Odets y Ernest Lehman. John Huston (Noah Cross). 1955) y Trapecio (Trapeze. Gittes para que . DIRECCIÓN ARTÍSTICA: W. se las arregla para que J. Stewart Campbel. de la que finalmente sería reemplazado por Guy Hamilton. Tony Curtís pudo por fin presentar sus cartas credenciales como actor. MONTAJE: Sam O'Steen. FOTOGRAFÍA: John A. Perry López (Escobar). 1951). y volvería a reunirse con Tony Curtís en la comediaNo hagan olas (Don'tMake Waves. J. Chinatown EE.130 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 131 asunto de drogas. J. El discípulo del diablo (The Devil's Disciple. Gittes). realizando un retrato escrupulosamente fiel de un agente de prensa corrupto y ambicioso. Sin embargo. pero su poder patriarcal se tambaleará cuando Susie abandone el hogar para estar junto a Dallas. Será a Falco a quién J. haga arrestar ahora por un cargo de drogas. J. la evocadora música de jazz de Elmer Bernstein y el elegante acabado de la película no han perdido nada de su atractivo. la fama que precedía a MacKendrick como responsable de algunas de las mejores comedias de la Ealing. 1959). Por su parte. PRODUCCIÓN: Paramount (Robert Evans). 1956). contrata al detective J. Alonzo.

creando los personajes del cínico.y el de la compleja Evelyn Mulwray. Las fotos que toma a Mulwray cuando éste se encuentra en compañía de una jovencita. J. en el que se permitía a la joven Katherine escapar de las redes de Cross. Gittes -un papel pensado a la medida de Jack Nicholson. A pesar de las violentas amenazas a las que se ve sometido. lo que llevó a que se reclutara a Faye Dunaway para sustituirla. mientras que Katherine resulta ser. desarrolló su guión por encargo de Robert Evans. Ali McGraw abandonó a Evans para convertirse en la señora de Steve McQueen. además de ponerle tras la pista del terrateniente Noah Cross. Katherine. al haber sido ésta violada por Cross. Éste llevaría a la pantalla una visión de Los Ángeles a través de la mirada de un cineasta extranjero e insistiría en que se diera al film un final más sombrío que el ideado por Towne. por entonces la mujer de Evans. son atrapados en Chinatown. una combinación de mujer fatal y enigmática víctima.132 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 133 Comentario Visión de una consistencia impresionante sobre la inocencia individual y las mas variadas manifestaciones del mal y la corrupción presentes en el nacimiento de una nación como los Estados Unidos. consigue absorber toda la atención del espectador tanto en su condición de thriller como por su estudio de personajes. Dotada de una sensibilidad muy contemporánea. concebido en un principio para Ali McGraw. que cuenta con unas interpretaciones excelentes por parte de Nicholson y. aunque caballeroso detective. Cuando se descubre el cadáver de Mulwray. En el film de Polanski no apuntaría ni un rayo de falsa esperanza. Las investigaciones de Gitttes le llevarán a descubrir el cuerpo de Sessions y a establecer el papel crucial de Mulwray en la construcción de una presa. a un tiempo. Robert Towne. descubre que Cross está detrás de los asesinatos y que Evelyn es su hija. de Faye Dunaway. J. El guionista y antiguo policía. . la película se niega a recubrir con la pátina del bien triunfante todo un cúmulo de actos despiadados de los que los malos salen como triunfadores. concedido al siga a su marido. Aunque trata de ayudar a las mujeres para que escapen a México. el vicepresidente de la Paramount. donde Evelyn muere. mientras que la realización de la película era encargada a Román Polanski. Chinatown es también una meticulosa recreación de la atmósfera de Los Ángeles en los años treinta y un homenaje al género negro de Hammet y Chandler. Aunque recibió once nominaciones para los Osear. la hija y la hermana de Evelyn. Durante los 18 meses que se tardó en escribir el guión. La película. su verdadera esposa amenaza a Gittes con demandarle por difamación. especialmente. tuvo que conformarse con un solitario premio. aparecen en un periodicucho sensacionalista.

una prostituta. MÜSICA: George Duning. provocada por el trato brutal que recibe a manos de Judson. hasta entonces prohibidas-. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Sargento Milton Warden). De aquí a la eternidad es una de las películas de los años cincuenta que comenzó a desafiar los códigos de censura hasta entonces dominantes y a exigir de Hollywood un enfoque más maduro en el tratamiento del sexo. lleva a Prewitt a vengarle y a huir en compañía de Lorene. además de ser la película que confirmó definitivamente el talento dramático de Frank Sinatra. Por su parte. el Sargento de la prisión militar. Frank Sinatra (Angelo Maggio). Argumento Año 1941. Two Jakes (1990). el detective privado Gittes tendría que enfrentarse a una querella interpuesta por su propia esposa. Honolulú. Los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Pearl Harbour y Prewitt muere cuando trataba de regresar junto a sus compañeros. como Aldo Ray o John Derek. Embarcadas en el mismo barco. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gary Odell. se niega a tomar parte en una pelea en representación de la compañía. A consecuencia de ello. y no Fred Zinnemann. pero Zinnemann insistió en que se escogie- Fred Zinnemann. De aquí a la eternidad es una obra que. ambientada en 1959. circunstancia que deja en suspenso la viabilidad de concluir la trilogía propuesta por Towne. para seguir haciendo lo único que sabe hacer: ser un soldado. Estrenada el mismo año que llegó a las pantallas el film de Otto Preminger The Moon is Blue -una película que causó verdadera sensación al utilizar palabras como «virgen». Donna Reed (Lorene). Lee Prewitt). todos sus compañeros. a pesar de los años. Prewitt se enamora de Lorene. Tras muchas demoras y problemas. cuartel de Schofield. Ernest Borgine (Sargento «Fatso» Judson). PRODUCCIÓN: COlumbia (Buddy Adler). partiendo de un reparto plagado de estrellas. el jefe de la Columbia. mientras que el inconmovible Sargento Warden se embarca en una apasionada relación . le hacen el vacío. en cuya tercera parte. quien se hubiera salido con la suya en lo concerniente a la elección del reparto. Prewitt. B/N. sigue siendo una de las adaptaciones más inteligentes que se hayan hecho de una novela de éxito. Karen y Lorene regresan a los Estados Unidos. El planteamiento delfilmpodría haber sido bien distinto si hubiera sido Harry Cohn. FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey. una película que no conseguiría repetir el impacto de la cinta original. Deborah Kerr (Karen Holmes). GUIÓN: Daniel Taradash (Dalton Trumbo. 1953 Famosa sobre todo por la escena en la que Burt Lancaster y Deborah Kerr se revuelcan en la playa.134 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 135 guión de Towne. De aquí a la eternidad FROM HERE TO ETERNITY DIRECTOR: Comentario EE. MONTAJE: William Lyon.UU. Montgomery Clift (Cabo Robert E. envueltos por las olas. DURACIÓN: 118 minutos. pide su readmisión en el ejército. con Karen Holmes. el propio Jack Nicholson dirigiría su continuación. con la excepción del nervudo y exaltado Maggio. basado en una novela de James Jones). un recién llegado al cuartel. Cohn era partidario de utilizar alguno de los actores que tenía bajo contrato. La muerte de Maggio. Atormentado por el recuerdo de un oponente al que dejó ciego en un combate.. Warden. la desengañada esposa del comandante.

en realidad. fue tan sólo un desacuerdo sobre el vestuario lo que hizo que Joan Crawford fuera sustituida por Deborah Kerr. cuyo paso por la pequeña pantalla fue más bien fugaz. hicieron que finalmente se le concediera el papel. unidos a su aceptación de unos miserables 8. regresa con Judy al campanario y supera su miedo. ese hijo de la gran puta me ha sugerido que cojamos a esa virgencita inglesa de la Metro». 1958 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. Gavin Elster. fue la segunda película más taquillera del año 1953 en los Estados Unidos. De entre los muertos VÉRTIGO EE. con la impresionante cifra de 12. Nominada para trece Osear. a pesar de los exabruptos con que Cohn recibió las súplicas de su representante. Madeleine. DURACIÓN: 128 minutos. el máximo número de estatuillas logradas por una misma película desde Lo que el viento se llevó (1939). Ella se reconoce culpable y le declara su amor. INTÉRPRETES: James Stewart (John «Scottie» Ferguson). El papel que interpretó en esta película haría trizas la gazmoña imagen de florecilla británica de la Kerr. Con respecto al principal papel femenino. Tom Helmore (Gavin Elster). conoce a Judy Barton. por detrás de La túnica sagrada. se realizó una versión televisiva protagonizada por Natalie Wood y Willian Devane. Judy. FOTOGRAFÍA: Robert Burks. le contrata para que siga a su mujer. temeroso de que ésta tenga tendencias suicidas. Bert Allenberg: «Habráse visto. Raymond Bailey (El doctor). a la que él mismo había matado. a la que transforma en una réplica exacta de su desaparecida amada. cae al vacío y muere. a la que siguió una serie. se quedará paralizado de miedo cuando Madeleine ascienda al campanario de la iglesia y se arroje al vacío. Barbara Bel Geddes (Midge). MONTAJE: George Tomasini. tirándola desde lo alto del campanario. Henry Jones (Juez de instrucción). aunque Eli Wallach fue la primera opción que se contempló.000 dólares. Mientras se está recuperando del mazazo que le ha supuesto su muerte. «Scottie» se enamora de ella. En cuanto al personaje de Maggio. y. pero mientras visitan juntos una vieja misión.. Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton). había sido contratada por Elster para que se hiciera pasar por su esposa. En 1979. Argumento Al descubrir que padece acrofobia. un antiguo amigo. Cuando «Scottie» lo averigua.136 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 137 ra a Montgomery Clift. MÚSICA: Bernard Herrmann.UU. pero. GUIÓN: Alee Coppel y Samuel Taylor (basado en la novela D'entre les morís de Pierre Boileau y Thomas Narcejac). los ruegos y los favores que Sinatra fue pidiendo por todas partes. DIRECCIÓN ARTfSTICA: Hal Pereira y Henry Bumstead. . De aquí a la eternidad obtuvo ocho de ellos. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock).500. «Scottie» Ferguson se retira del cuerpo de policía.000 dólares como remuneración. asustada por la súbita aparición de una monja.

Jack Marín Smith. su peinado. «Miss Torniquetes». también. 1949 Betty Comden y Adolph Green (basado en su propia comedia musical adaptada del ballet Fancy Free de Jerome Robbins/Leornard Bernstein). Winters. una estudiante de antropología. MÚSICA: Leornard Bernstein y Roger Edens. INTÉRPRETES: Gene Kelly (Gabey). sin embargo. una de las propuestas más aviesas surgidas del cine convencional norteamericano de la década de los cincuenta. es posiblemente la obra cumbre del maestro británico y. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed). El director. Edwin B. Un día en Nueva York ON THE TOWN DIRECTOR: Gene Kelly y Stanley Donen. lo ha definido como «el de un hombre que desea irse a la cama con una mujer que está muerta. el marido asesino queda en libertad y en ningún momento se explica cómo consigue «Scottie» salir indemne de una peligrosa persecución por los tejados de la ciudad. esta subversión del pulso narrativo tradicional del thriller. La película. una obra en la que la destreza técnica de Hitchcok se engrana a la perfección con la riqueza de los materiales que tiene a su disposición. Betty Garrett (Brunhilde Esterhazy). Un éxito fruto del trabajo en equipo.m. y se pone a seguirla. mientras que Ozzie conoce en el Museo de Ciencias Naturales a Claire. etc.138 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 139 De entre los muertos. Argumento Brooklyn. Dadas las tendencias voyeurísticas del maestro del suspense y sus fantasías sexuales más características.UU. aunque no se reconociera así. el hecho de que haga que su protagonista transforme a la actriz principal en una de sus paradigmáticas rubias glaciales: un mero objeto de gratificación visual. . por lo tanto. no hace sino acentuar el impacto emotivo y psicológico de la película. Ann Miller (Claire Huddesen). Cada uno sigue su camino por separado. 6 a. Frank Sinatra (Chip). Chip y Ozzie desembarcan para pasar su día de permiso en tierra. Chip conoce a Brunhilde. y que. FOTOGRAFÍA: Harold Rossen. que sustituyó en el papel a Vera Miles a causa del embarazo de ésta. fue objeto de una nueva versión realizada por Brian de Palma. Moore. que se une a la búsqueda. ocurre. que Hitchcock aprovecha las incertidumbres propias de toda relación humana para llevar a cabo un cínico juego de manipulaciones. Gabey entrevé a la chica de un póster.) a imagen y semejanza de su antiguo amor. en referencia al papel que interpreta Stewart. no deja de ser muy indicativo del importante papel que desempeñan en la película sus obsesiones personales. De entre los muertos le debe mucho a la fotografía de San Francisco de Robert Burks. Jules Munshin (Ozzie). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons. Vera-Ellen (Ivy Smith). En pocas ocasiones ha mostrado el director tanto desprecio por las convenciones cinematográficas como en De entre los muertos: la intriga se descubre a mitad de la película. GUIÓN: EE. que estuvo protagonizada por Cliff Robertson y Génévieve Bujold. una taxista. hasta que vuelven a encontrarse en el edificio del Empire State. con el título de Fascinación (Obsession.. especialmente a esa Kim Novak con aspecto de maniquí. Gabey localiza a su chica.1973). Los marineros Gabey. DURACIÓN: 98 minutos. MONTAJE: Ralph E. Sin embargo. a la música de Bernard Herrmann y a las interpreta- ciones de los dos actores principales. Willis y Jack D. cuyo punto culminante quizá sea el momento en que un «Scottie» ansioso remodela a Judy (sus ropas. está incurriendo en necrofilia».

sirven para hacerla avanzar o para establecer relaciones entre los personajes. Josiah Boone). Un día en Nueva York marca el inicio del musical contemporáneo. Argumento Al grupo de pasajeros de la diligencia que se dirige a Tonto se une Ringo Kid. seguiría siendo uno de los grandes musicales de la historia. Roger Edens y Lennie Hayton obtendrían con ella el Osear a la mejor banda sonora. mientras la policía les va pisando los talones. John Leipold. B/N. un fugitivo de la justicia que busca a los . PRODUCCIÓN: Walter Wange/United Artists (John Ford). de Ernest Haycox). GUIÓN: Dudley Nichols (basado en el relato Diligencia a Lordsburg. otros tres marineros desembarcan para pasar un día en Nueva York. Thomas Mitchell (Dr. Leo Shuken y Louis Gruenberg (adaptada de canciones de la época). Las canciones nunca se tratan como un mero aditamento y. La pandilla la sigue en un taxi robado. La diligencia STAGECOACH EE. menos aún. Por otro lado. abrió nuevos caminos en diversas áreas. Andy Devine (Buck). FOTOGRAFÍA: Bert Glennon. sale huyendo. DURACIÓN: 97 minutos. MÚSICA: Richard Hagerman. Franke Harling. no es su influencia en las futuras generaciones de musicales norteamericanos. que. en las piezas de repertorio de Busby Berkeley. INTÉRPRETES: John Wayne (The Ringo Kid). Nominada en una sola categoría en los premios de la Academia. Claire Trevor (Dallas). rompiendo así con la práctica habitual en las películas del género. Mientras se despiden en el muelle. Igualmente significativo fue el hecho de que los números de baile y las canciones se integraran plenamente en la acción. sino la euforia y la vitalidad que transmiten sus actores. una adaptación de un éxito de Broadway que había permanecido largo tiempo en cartel. John Carradine (Hatfield). su música y sus bailes. Donald Meek (Samuel Peacock). Comentario Dejando a un lado los moldes un tanto anticuados en que se había fraguado el musical de Hollywood durante la década clásica de los años treinta. el factor determinante que hace de esta película una obra esencial. Aun en el caso de que Un día en Nueva York no hubiera sido la película pionera que de hecho fue. como ocurre con el número del «Hombre prehistórico». MONTAJE: Otho Lovering. Aunque se les impidió rodar por entero en escenarios naturales. que Ann Miller ejecuta ante Jules Munshin en el Museo de Ciencias Naturales. sino que hacen gala de una enorme franqueza y parecen sorprendentemente liberadas para la época. La película.UU. en vez de detener el desarrollo de la trama. avergonzada de su trabajo como bailarina en Conney Island. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Wiard Ihnen. Con todo. algo que no se había estimado necesario en los musicales de Fred Astaire de los años treinta y.140 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 141 Ivy. 1939 DIRECTOR: John Ford. donde filmaron el número del principio y el final de la película. Gene Kelly y Stanley Donen sacaron el máximo partido de la semana de rodaje en Nueva York. W. todos bailan para obtener fondos con los que pagar los desperfectos que han causado y quedan tan amigos. las mujeres que conocen Gene Kelly y Frank Sina- tra no son las típicas chicas modositas de anteriores películas. especialmente al rodar en las propias calles de Nueva York en lugar de acudir a los sempiternos platos de los estudios.. además de ser tan dominantes como los personajes masculinos. Finalmente. una bailarina de ballet.

El s/zenjff Wilcox le permitirá escapar. antes de que se produzca la oportuna llegada de la caballería. La propia calidad y la tensión dramática de la acción ponen de relieve su carácter pionero en el desarrollo del género. De hecho. Finalmente. una de las pasajeras. un jugador de nombre Hatfield. junto a Tierra de audaces (Jesse James). John Ford eligió a John Wayne para el papel principal. No obstante. el alcance del film no se limita simplemente al nivel de la acción. un doctor aficionado a la bebida. un productor independiente. David O. el banquero Gatewood es arrestado. Durante la terrible escaramuza que tiene lugar cuando se produce un ataque de los indios -en el que morirá uno de los pasajeros. lo cierto es que llevaba doce años sin hacer ninguna incursión en este campo cuando se embarcó en el proyecto de La diligencia. Selznick había manifestado su interés en aportar los 230. es atendida por Boone. anunció el inicio de un duradero repunte de la popularidad y el prestigio del género. acusado de desfalco. sino que demuestra unos intereses mucho mas complejos y ambiciosos. que se encuentra en trance de dar a luz. que con anterioridad no habían encontrado acomodo dentro de las convenciones del género. Su caracterización posee una profundidad y complejidad sin precedentes. . en la vibrante secuencia de la persecución. y Ringo marcha hacia la frontera en compañía de Dallas. Ni la nueva versión realizada en 1966 ni la adaptación televisiva de 1986 consiguieron hacer la más mínima sombra al original. como puede apreciarse. se pudo hacer una película que resultó ser crucial en el proceso que hizo que el western dejara de ser un simple vehículo para realizar películas de acción y pasara a convertirse en un género capaz de tratar los temas más serios dentro del formato de un relato de aventuras. la Señora Mallory. pero sólo a condición de que el reparto incluyera a Gary Cooper y Marlene Dietrich. Una vez en Lordsburg. una elección que le produjo numerosos contratiempos. como queda de manifiesto en el estudio de las relaciones entre unos personajes que se convertirían en verdaderos modelos para futuros westerns. y por Dallas. A pesar de que ya no cuentan con escolta militar.000 dólares a los que ascendería el presupuesto. como el racismo y los valores morales de la sociedad.142 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 143 hombres que asesinaron a su padre y a su hermano. Una vez adquiridos los derechos de Diligencia a Lordsburg -un relato de Ernest Haycox. una prostituta.Ringo Kid dará muestras de su valor. y toca una serie de aspectos. Unión Pacífico (Union Pacific) yArizona (Destry Rides Again). y Ringo Kid arregla las cuentas que tenía pendientes con los muchachos de Plummer. que había aparecido en el número de abril de 1937 de la revista Collier-. a la que ha conquistado con su caballerosidad. prosiguen su viaje. Comentario A pesar de que siempre se ha considerado a John Ford como una de las figuras claves en el desarrollo histórico y artístico del western. durante el cual. para la que Ford utilizaría por vez primera la magnífica amplitud del escultórico Monument Valley. uno de los estrenos del año 1939 que. ante todo. gracias al respaldo de Walter Wanger. pues existían dudas de que la presencia de Wayne constituyera un reclamo para el público.

1952) y Melodías de Broadway (1953). todos los estudios de Hollywood se lanzaran a producir grandes espectáculos en los que se combinaba la palabra. por su condición de primera película hablada. la norma fueron las producciones lujosas basadas en éxitos contrastados de Broadway. la muy costosa Annie (1982) o la decepcionante Stepping Out (1991). Bette Midler con La rosa (The Rose. Ira Gershwin y Colé Porter. También dejaron que Gene Kelly y el director Stanley Donen sacaran el musical a las calles de Nueva York en Un día en Nueva York (1949) y que recrearan la aparición del cine sonoro. 1944) y El pirata (The Pírate. Ése fue también el año en que se estrenó Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio). caso de El rey y yo (1956) o las muy oscarizadas West Side Story (1961) y Sonrisas y lágrimas (1965). el escapismo musical siguió gozando de buena salud a lo largo de los años de la Depresión gracias al director de Broadway Busby Berkeley. desde Jeanette MacDonald y Nelson Eddy. como fueron Hollywood revue 29 (Hollywood Revue ofl929) o La melodía de Broadway (Broadway Melody. Utilizando la más magnífica paleta de colores que pueda imaginarse y dejando vía libre para que los creadores experimentaran al máximo con los límites técnicos y estéticos del musical. Excepción hecha de unas cuantas películas. no es de extrañar que. Deanna Durbin y. todos a bailar La comedia musical norteamericana Dado el entusiasmo con que fue acogido un film parcialmente musical como El cantor de jazz (1927). 1979) y Ayer. Sin embargo. creara una de las más admiradas secuencias de ballet cinematográfico en Un americano en París (1951). Entre sus más grandes logros se cuentan películas como Sombrero de copa (1935) y En alas de la danza (Swing Time. ya a finales de la década. 1991). afinalesde los cincuenta la comedia musical clásica comenzó a perder el favor del público. Inexplicablemente. dos artistas juveniles tan completos como Mickey Rooney y Judy Garland. Aunque esta moda fue pasajera. o que. Respaldados por las coreografías de Hermes Pan y una dirección artística sensacional. hasta Alice Faye y Bing Crosby. el canto y la danza. que en películas como La caUe42 (42nd Sfreef. a cual más descerebrada. hoy y por siempre (For the Boys. de nuevo Gene Kelly. la pareja Astaire-Rogers revolucionó el musical con su relajado perfeccionismo y su habilidad para contar historias a través de la danza. obra de compositores de la talla de Irving Berlín. cuya obra fue objeto de un homenaje en la reco- pilación Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment. en los primeros momentos del cine sonoro. . 1968) y Cabaret (1972). mientras que fueron. 1947). Las innovaciones aportadas por las coreografías y el estilo de Bob Fosse dieron lugar a algunas obras notables como Noches en la ciudad (Sweet Charity. quien verdaderamente dominó la historia del musical fue el equipo de producción de la M-G-M que dirigía Arthur Freed. 1974). John Travolta con Fiebre del sábado noche (SaturdayNightFever. pasando por niños prodigios como Shirley Temple. en los que tomaban parte verdaderas legiones de coristas. Los años treinta produjeron. 1936). Mientras Doris Day alcanzaba gran popularidad con sus películas de la Warner. que encontraría su tema musical por excelencia en la canción «Over fhe Rainbow» de El Mago de Oz (1939). unas de las pocas estrellas contemporáneas que consiguieron brillar en el género musical. 1933) y Vampiresas 1933 (GoldDiggersofl933)üevó a la pantalla sus calidoscópicos números de danza. precisamente. marcando así el inicio de una de las asociaciones más sublimes que dio el género. 1929).144 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 145 Todos a cantar. dondefigurabaun número secundario ejecutado por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers que atrajo especialmente el interés del público. mientras que las constantes reposiciones televisivas y la difusión en vídeo dan fe de la vigencia de las antiguas glorias del pasado. esta última galardonada con el segundo Osear a la mejor película que se concedía en la historia del cine. New York (1977) y la Barbra Streisand de Funny Girl (1968) y Yentl (1983). aún ofrecen a los asiduos de las salas de cine un eco de lo que fue la gran época del musical. la Liza Minelli de esta última película y de New York. hechas a la medida de estrellas como Elvis Presley. con sus populares operetas. no obstante. aunque en esta ocasión en compañía de Vincente Minnelli. el equipo de Freed consiguió crear películas como Cita en San Luis (Meet me in St Louis. Betty Grable y Carmen Miranda se convertían en dos figuras indispensables de la vistosa nómina de talentos de que alardeaba la Twentieth Century Fox. muchos y muy variados talentos. para que sirviera de telón de fondo a la jubilosa Cantando bajo la lluvia (1952). 1977) y Grease( 1978). o sacar a Fred Astaire del retiro para proporcionarle una serie consecutiva de éxitos. desde Easter Parade (1948) hasta La belladeNueva York (TheBelleofNew York.

Henry Fonda. Argumento El resultado de un juicio parece estar claro hasta que el jurado se retira a deliberar y un miembro del mismo vota no culpable. Cobb (Jurado n. Dado que abriga algunas dudas. por lo tanto.UU. de que dedicará dos semanas de ensayos para que los actores se familiarizaran con los personajes. Jack Warden (Jurado n. Con Doce hombres sin piedad. MONTAJE: Cari Lerner. crearon uno de los más admirados ejemplos de drama judicial.adquiriera dinamismo y fluidez. accesible a cualquiera. nada frecuente. Los demás miembros del jurado se sienten molestos con esta decisión: uno de ellos tenía la esperanza de acabar a tiempo de asistir a un partido de béisbol y a los demás no les cabe ni la más mínima duda de que el joven reo asesinó a su padre con un cuchillo. como director. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Markell. considera que el acusado se merece que su caso se discuta con detenimiento. B/N. se debe a que sus actores dieron. como se aprecia en el hecho. la película supuso el debut cinematográfico de Lumet y puso de manifiesto su interés por los procedimientos judiciales y su gusto por los protagonistas cuyo comportamiento viene dictado por su propia conciencia. Cobb hasta el fanatismo indisimulado de Ed Begley o la géli- . Gradualmente sus argumentos les irán convenciendo. MÚSICA: Kenyon Hopkins.° 3). La película es también un buen ejemplo de la rapidez y la eficacia por las que Lumet se haría famoso. Los actores que trabajan con Lumet tienen la sensación de haber dado lo mejor de sí mismos». sin cuidarse de cuáles sean las consecuencias personales que de ello se puedan derivar. El veredicto unánime será de no culpable. PRODUCCIÓN: Orion/Nova (Henry Fonda y Reginald Rose). desde hace mucho tiempo.146 ALLANHUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 147 Comentario Doce hombres sin piedad TWELVE ANGRY MEN EE. Ed Begley (Jurado n° 10). GUIÓN: Reginald Rose (basado en su obra televisiva). Lee J. G. de tal modo que una situación de por sí estática -el sofocante confinamiento entre las cuatro paredes de una sala de jurado. pasados más de cuarenta años.° 1). partiendo de su propia obra televisiva de 1954. en su doble vertiente de actor y productor. hasta que incluso el más recalcitrante de sus compañeros termine por darle la razón a regañadientes. y que el testimonio de los testigos clave es muy dudoso. El hecho de que. Martin Balsam (Jurado n.° 7). o en la sabiduría con que supo colocar las cámaras.° 8). un género cuyo intenso dramatismo y ambiente claustrofobia co han hecho que sea. Marshall (Jurado n.° 4). Henry Fonda haría el siguiente elogio de Lumet: «su comunicación con el actor es absoluta. Adaptado por Reginald Rose. además de contar con un conjunto de personajes secundarios muy bien perfilados. y Sidney Lumet. lo mejor de sí mismos y a que Doce hombres sin piedad hace un uso ejemplar de esa autoridad e integridad que Henry Fonda confiere con toda naturalidad a los papeles cinematográficos que interpreta. FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. INTÉRPRETES: Henry Fonda (Jurado n. demostrándoles que el arma del crimen es muy común y. la película siga transmitiendo esa sensación. uno de los más favorecidos por los realizadores de cine y de televisión. 1957 DIRECTOR: Sidney Lumet.. DURACIÓN: 96 minutos. Poco a poco irá minando su seguridad. E. efectivamente. que abarcan desde la figura patriarcal y pendenciera del personaje interpretado por Lee J.

INTÉRPRETES: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini). entre ellas la de mejor película. el gacetillero que interpreta Mastroianni. La popularidad que alcanzó llegó hasta tal punto. La película obtuvo tres nominaciones de la Academia. La película. sin embargo. PRODUCCIÓN: Riama Films/ Pathé Consortium Cinema (Giuseppe Amato y Angelo Rizzoli). se convencerá de que no es más que un agente de publicidad. matando a la vez a sus hijos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. Alain Curry (Steiner). Tras cubrir la llegada de la starlet Sylvia Rank. acude a un lugar donde se ha profetizado que va a ocurrir un milagro. Annibale Ninchi (Padre de Marcello). entre ellas su novia Maddalena y su prometida Emma. donde se produce un tumulto en el que fallece un tullido. recoge una serie de caricaturescas actividades que se desarrollan a lo largo de una semana: desde las infidelidades del protagonista hasta la llegada en helicóptero de una estatua de Cristo. supuestamente explícito. mientras va de fiesta en fiesta. Comentario La dolce vita Italia/Francia. que su título y el nombre de uno de sus personajes -el desaliñado fotógrafo de prensa Paparazzo. pasando por una visión de la Virgen que causa una algarada o la orgiástica parranda del momento culminante. como en cierta ocasión señaló el propio Henry Fonda. una especie de relato de las andanzas de un vividor. con el paisaje urbano de una Roma profundamente decadente como telón de fondo. MONTAJE: Leo Cattozo. 1960 Federico Fellini. Yvonne Fumeaux (Emma).han pasado a formar parte del lenguaje común. sin por ello dejar de regodearse alegremente en todos los extremos de semejante estilo de vida. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. de incidente en incidente y tiene una serie de encuentros con varias mujeres. que garantizó el inmenso éxito de La dolce vita debido a su tratamiento. Argumento Roma. MÚSICA: Niño Rota. Marcello Rubini. es testigo de la decadente vida de la alta sociedad. ción de frustración personal y su disgusto consigo mismo se verán exacerbados por la visita de su padre y la noticia de que un amigo se ha suicidado. nunca se sintió tan cerca de encontrar en el cine el tipo de satisfacción artística que normalmente suele proporcionar el teatro. Ennio Flaiano. DURADIRECTOR: CIÓN: 174 minutos.148 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 149 da indiferencia de E. un columnista de la prensa rosa con aspiraciones literarias. Anouk Aimée (Maddalena). Tullio Pinelli y Brunello Rondi. conviene no olvidar. B/N. Aunque parece decidido a tomarse más en serio la literatura. que el director italiano no se caracteriza precisamente por ser un hombre de ideas. Durante una noche loca. incomprensible desde una perspectiva actual. Aunque a menudo se ha señalado que con esta película Fellini pretendía poner en evidencia el derrumbe moral y el malestar espiritual de la sociedad. G. La película acaba con Marcello contemplando cómo los invitados a unafiestase reúnen en una playa para ver cómo arrastran fuera del mar a un enorme pez. GUIÓN: Federico Fellini. consagró a Fellini como un autor de prestigio internacional. del sexo. Anita Ekberg (Sylvia Rank). La imaginería religiosa y el suicidio del estereotipado personaje del intelectual tienen mucha menos importan- . la sensa- El escándalo. Marshall. La unión entre todos los actores y su familiaridad con sus papeles llegó hasta tal punto que.

William Sylvester (Dr. un ordenador infalible. confieren a la película una dimensión y una exuberancia que relegan a un segundo plano el mensaje social y personal que se pretende transmitir con ella. se descubre enterrado en la luna un monolito. DURACIÓN: 141 minutos. y se envía una nave para investigarlo. que emite señales hacia Júpiter. Ya en el presente. ha de entenderse como una «experiencia no verbal». Clarke (basado en el relato de Clarke «El centinela»). Posiblemente no haya ningún otro gran director que tenga tan pocas cosas que decir. como ocurre con buena parte de la obra Stanley Kubrick y Arthur C. el observador de la luna). simulará un fallo mecánico. no deja de ser irónico que. ocho y medio (1963). a medida que van ven- . pero ha de ir más allá de la propia tecnología para poder renacer como un superhombre astral. 1968 Las deliberadas connotaciones homéricas de su título pueden ofrecer algún indicio sobre cuáles eran las ambiciones de Stanley Kubrick al realizar 2001. La tripulación de la nave la forman los pilotos Bowman y Poole. Johann Strauss. una película cuya temática aborda. se transforma en el feto del que nacerá una nueva humanidad. MÚSICA: Richard Strauss. y HAL. INTÉRPRETES: Keir Dullea (David Bowman). ese magistral espectáculo que es Fellini.250 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 151 cia que la teatral exhibición que hace el director de sus diversos deslices o que las emociones que provoca en el espectador su estrambótico retablo. según definición de su propio director. MONTAJE: Ray Lovejoy. Fellini optó por construir su propia versión de la urbe en los estudios romanos de Cinecitta. una odisea del espacio. FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth. que. Leonard Rossiter (Smyslov). Al acercarse a un monolito negro. Daniel Richter (Moonwatcher. idéntico al anterior. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Hoesli. donde se encontrará con una replica envejecida de sí mismo. PRODUCCIÓN: M-G-M (Stanley Kubrick). unida a la utilización del blanco y negro y al uso de la pantalla grande. matará a los astronautas dormidos y abandonará a Poole en medio del espacio. Heywood Floyd). la humanidad ha trascendido su condición humana por medio de la tecnología. que la historia y el desarrollo futuro de toda la humanidad. Aram Khachaturian y Gyorgy Ligeti. tres compañeros. Gary Lockwood (Frank Poole). GUIÓN: Comentario Reino Unido. A pesar de estas pretenciosas elucubraciones nietzschianas sobre la «humanidad». provocará un espectacular desarrollo de su inteligencia. En lugar de rodar en la famosa Vía Véneto de Roma. una odisea del espacio 2001: A SPACE ODYSSEY DIRECTOR: Stanley Kubrick. mantenidos en un estado de hibernación. De acuerdo con la interpretación más generalizada de una obra que. ciendo el miedo que les produce. En las proximidades de Júpiter avista un monolito en órbita y entra en una dimensión desconocida. como queda de manifiesto en la famosa escena en la que una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. pero que sepa decirlas de una manera tan sorprendente. Douglas Rain (Voz de HAL 9000). que. una circunstancia que. una postura que el propio Fellini tratará en su siguiente película. 2001. ni más ni menos. Argumento Unos hombres-mono prehistóricos descubren un misterioso monolito de granito negro. Tras desconectar los bancos de memoria del ordenador. sin embargo. Bowman continuará el viaje en solitario.

Jonathan Harker es mordido por una mujer vampiro. de forma magistral. En 1984. dando paso a la luz letal que convierte al Conde en un montón de polvo. En el curso de sus investigaciones sobre la desaparición de Harker. 2010. en última instancia. GUIÓN: Jimmy Sangster (basado en la novela de Bram Stoker). que emprenderá viaje a Londres con objeto de cobrarse su venganza con Lucy Holmwood. DIRECTOR: Argumento Mientras trabaja como bibliotecario para el misterioso Conde Drácula. encuentra una referencia al Conde. MONTAJE: Bill Lenny y James Needs. MÚSICA: James Bernard. una película inteligente y bastante accesible. según se dijo. que vieron en ella «un viaje alucinante». mucho más que en los propios personajes. 1958 Terence Fisher. que fue dirigida por Peter Hyams. Sin embargo. pero produjo unos muy sustanciales dividendos de 24 millones de dólares brutos. eso sí. y mientras le mantiene a raya con un crucifijo. había alcanzado los 11 millones.152 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 153 posterior de Kubrick. abre de golpe las cortinas. DURACIÓN: 82 minutos. improvisado con unos candelabros. FOTOGRAFÍA: Jack Asher. caerá víctima del Conde. Van Helsing consigue localizar la guarida de Drácula. Christopher Lee (Conde Drácula). se estrenaría su continuación.o en la brillante impronta estilística de su director (puesta de manifiesto en el extravagante virtuosismo del que hace gala en la elección de las piezas de música clásica de su banda sonora). el principal énfasis visual recaiga en una maquinaria futura -concebida y ejecutada. y en la que una misión conjunta de soviéticos y norteamericanos era enviada para descubrir qué había sucedido exactamente durante la misión a Júpiter del Discovery. resulta curioso que en una película que aspira a poner de manifiesto la deshumanización a que aboca la tecnología. un experto vampirólogo. Odisea Dos (2010). Van Helsing. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernard Robinson. más adelante. Nominada para cuatro premios de la Academia. la película tan sólo recibió el Osear por los mejores efectos especiales. lo más irónico del caso es que una producción tan cerebral fuera acogida con el máximo entusiasmo por los gurús de la psicodelia. . aunque inevitablemente decepcionante. INTÉRPRETES: Peter Cushing (Van Helsing). Melissa Stribling (Mina Holmwood). Michael Gough (Arthur Holmwood). PRODUCCIÓN: Hammer (Anthony Hinds). la bella prometida de Harker. y comienza a estrechar su cerco sobre él. Carol Marsh (Lucy Holmwood). Justo antes de sucumbir a su voluntad. John van Eyssen (Jonathan Harker). Entretanto. Drácula somete a Lucy a su poder y trata de apoderarse también de Mina. En este sentido. partiendo de un presupuesto que. la esposa del hermano de Lucy. Harker consigue atravesarle con una estaca el corazón. Drácula Reino Unido. uno de los fallos de la película resida precisamente en su falta de calidez humana. sin embargo. una frase que luego sería utilizada en los carteles que anunciaban la reposición de la película.

el siguiente paso de la productora británica Hammer fue. tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. hasta el momento. Elfilmopta por mantener una fidelidad mayor a la novela de Stoker que la expresionista Nosferatu (1922) o la famosa Drácula (1931). la chica. Lee y Fisher como maestros de lo macabro. Tall. 1930 DIRECTOR: Luis Buñuel. con Christopher Lee en el papel de un muy distinguido Conde y Peter Cushing en el de su mortal enemigo. FOTOGRAFÍA: Albert Dubergen. Argumento La película comienza con un breve documental sobre escorpiones. ni tan siquiera la aparición de una carreta o un incendio en las cocinas que hace que una de las doncellas pase corriendo por en medio de la fiesta. Mendelssohn. el intrépido Van Helsing. Max Ernst. La edad de oro L'ÁGE D'OR Francia. con toda lógica. además de impulsar las prolíficas carreras de Cushing. MÚSICA: MO- zart. La pareja vuelve a reunirse en una fiesta organizada por la madre de la chica. entre otras Las novias de Drácula (Brides of Drácula. Wagner. A pe- sar de toda la nutrida -y muy lucrativa. unos obispos se hacen con el control de una isla. entre tanto. El director Terence Fisher adopta un estilo goticista. en la que no se permite que nada altere la compostura social. embarcarse en una nueva versión del Drácula de Bram Stoker. un generoso despliegue de sangre y un sentido de la anticipación subrayado por el ritmo rápido del montaje y la creciente tensión creada por un enervante e implacable acompañamiento musical. Beethoven. y convierte al Conde en un personaje sofisticado y atractivo. En su autobiografía. Pierre Prevert. en particular. 1956). A continuación. José Antigás. y la película consagró un estilo y un enfoque que caracterizarían los primeros grandes éxitos de la Hammer dentro del género de la fantasía y el terror. Dark and Gruesome. enfatizando el encanto erótico de la figura del vampiro. Sin embargo. El siguiente intento de hacer el amor por parte de la pareja se verá interrumpido al recibir el hombre una llamada telefónica. de Bela Lugosi. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Schilzneck. PRODUCCIÓN: Vicomte de Noailles (Luis Buñuel). Su gran éxito. Debussy.154 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 155 Comentario Tras haber obtenido un éxito relativo con su versión en color de La maldición de Frankestein (The Curse ofFrankenstein. muy característico.serie de secuelas que la siguieron. DURACIÓN: 60 minutos. algo que. tan sólo se había mostrado de forma velada. separan a una joven pareja en pleno paroxismo pasional y hacen arrestar al hombre. la falta de recursos financieros se vio más que compensada por la inventiva. 1973). B/N. de las que a él le correspondió la «principesca» suma de 750 libras. En un castillo medieval. INTÉRPRETES: Gastón Modot (El hombre). la forma tan espectacular en que fallece el Conde. la ha convertido en la película que ha conseguido la más alta ratio entre costes y beneficios en toda la historia del cine británico. que se manifiesta en la utilización de un colorido rico y sensual. Christopher Lee recuerda que la película dispuso de un presupuesto de 90. ninguna de ellas consiguió igualar el impacto y el terror que produjo el film original. en la que Peter Cushing interpretaba al insensato Barón y Christopher Lee a la perversa criatura fruto de sus descabellados experimentos. GUIÓN: Luis Buñuel y Salvador Dalí.000 libras esterlinas. Caridad de Laberdesque. . 1960) o Los ritos satánicos de Drácula (Rites ofDrácula. Lya Lys (La mujer). le chupará un dedo del pie a una estatua.

en la casa de Dalí en España. DURACIÓN: 115 minutos. John Rhys-Davies (Sallan). Un perro andaluz (Un chien andalou. volverá a aparecer. Tras reunirse en Nepal con su antigua novia.UU. 1928) -conocido. Denholm Elliott (Brody). el film se centra en la historia de dos amantes que se ven separados por las restricciones impuestas por la Iglesia y por la hipocresía de una moral burguesa que ha corrompido la pureza del amor. Una semana más tarde. un personaje que evoca a la figura de Cristo. parte en dirección a El Cairo. típicamente surrealistas. sembrando así la semilla de su propia destrucción. Karen Alien (Marión Ravenswood). Tras el pionero trabajo que realizaron juntos en el célebre corto. INTÉRPRETES: Harrison Ford (Indiana Jones).Buñuel estrechó sus vínculos con el movimiento surrealista y tuvo la fortuna de encontrar un acaudalado patrocinador en la figura del vizconde de Noailles (de cuyo apoyo también se beneficiaron Man Ray y Jean Cocteau). donde los miembros de la Liga de Patriotas y de la Liga Antisemita unieron sus fuerzas para dar de palos al resto del público. Acto seguido se oye un grito aterrador. su enemigo mortal y aliado de . Ateniéndose en todo momento a la lógica dislocada de los sueños y haciendo un uso discordante de la banda sonora. por su escena inicial. hasta 1979. hasta destruir prácticamente el local. En busca del arca perdida RAIDERS OF THE LOST ARK EE. MONTAJE: Michael Kahn. que aparecen en la película. Ronald Lacey (Toht). sobre todo. GUIÓN: Lawrence Kasdan (basado en una historia de George Lucas y Phillip Kaufman). un ataque blasfemo contra la moralidad convencional y contra la perniciosa influencia de la Iglesia. y que. recibe el encargo de ocuparse de que el Arca de la Alianza no caiga en manos de los nazis. que le proporcionó un millón de francos y le dejó mano libre para que hiciera con él lo que quisiera. Marión. acompañado ahora de una jovencita. PRODUCCIÓN: Lucasfilm (Frank Marshall). donde ésta será secuestrada por Belloq. mientras que su obsesión con el amour fou reaparecería en su versión más extravagante en Belle de jour (1967). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leslie Dilley. marcó un momento clave en el desarrollo del arte cinematográfico europeo. Argumento Año 1936. posteriormente. la película se retiró de las pantallas parisinas y. entre los que se encuentra el Duc de Blangis. Paul Freeman (Belloq).. métodos y yuxtaposiciones. MÚSICA: John Williams. que acaba de salir ileso de una peligrosa expedición en Sudamérica. La edad de oro se rodó a lo largo de un mes en los estudios Billancourt de París y. El resultado. Comentario La colaboración entre el iconoclasta director español Luis Buñuel y su paisano. serían a partir de entonces una constante en la larga e ilustre carrera cinematográfica de Buñuel. 1981 DIRECTOR: Steven Spielberg. al cabo de un rato. no volvió a estrenarse en Francia. causó una algarada durante su estreno en el Studio 28.156 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 157 aparece un grupo de discípulos del marqués De Sade. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe. el no menos excéntrico Salvador Dalí. cuya particular forma de satirizar a la Iglesia se haría todavía más patente en la blasfema Viridiana (1961). Los temas. El arqueólogo Indiana Jones. en la que se muestra con toda crudeza el primer plano de una navaja sajando un ojo.

Libres al fin. El personaje volvería a las pantallas en Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and The Temple ofDoom. Comentario Durante la década que se extiende entre Tiburón (1975) y la búsqueda de la satisfacción artística que inauguran películas como El color púrpura (The Color Purple. Cuando los poderes que posee el Arca se desencadenan. 1989). Pronto. Con el personaje de Indiana Jones. el director norteamericano encontró la figura perfecta para dar rienda suelta a su pasión por las aventuras juveniles con mayúsculas. todo recuerdo del fiasco que supuso para Spielberg 1941 (1979) quedaría borrado por una película que obtendría la inmediata aceptación de crítica y público. Mientras que Lucas ha mencionado como fuente de inspiración para la película las trepidantes series semanales de aventuras y suspense que le encantaban de niño. Blackhawk y Sgt. en este caso. al no hallarse éste disponible. durante unas vacaciones en Hawai. El origen del proyecto se remonta a una conversación que mantuvieron Spielberg y George Lucas en el año 1977.158 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 159 los nazis. un actor de poca monta y rutilante estrella de la publicidad. sin embargo. en la que Sean Connery interpretaba al padre de Indiana Jones. ese aventurero armado siempre de un látigo que aborrece a las serpientes. . En cualquier caso. y el Arca vuelve a quedar sellada. sus captores alemanes quedan convertidos en cenizas. y en la gozosa Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade. se apoderan del hallazgo y abandonan al arqueólogo y a Marión en un foso lleno de serpientes. En un primer momento el elegido para hacer el papel de Indiana Jones fue Tom Selleck. 1984). la colaboración entre ambos tuvo como resultado un guión de un ritmo trepidante. Justo cuando Jones ha descubierto el Arca. George Lucas le pidió a Spielberg que le dijera cuál sería su proyecto soñado. Spielberg considera que el enfoque que dio al film vino dictado más bien por su gusto por comics como The Green Lantern. sería galardonada con cuatro Osear y terminaría por quedar incluida en la lista de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. el Han Solo de Lucas. en la línea de los relatos por entregas del tipo Flash Gordon. Rock. por todos los recursos técnicos y los efectos especiales que podían pagarse con un presupuesto de 22 millones de dólares. aparecen los nazis. a lo que éste le contestó que una aventura del estilo de las de James Bond. Exaltado por el éxito obtenido con La guerra de las galaxias (1977). Steven Spielberg había sido el maestro indiscutible del cine comercial norteamericano. 1985). la pista del Arca les conduce hasta una misteriosa isla. y el director se entusiasmó con la idea. envían el Arca a un inmenso almacén y quedan a la espera de nuevas aventuras. Tras escapar. aunque respaldado. Lucas le contó entonces la historia de En busca del arca perdida. una película carente de la frescura de la anterior y de marcados tintes racistas. Harrison Ford. le pisó el papel y lo hizo suyo.

rindiendo un cálido homenaje a los hombres que conquistaron el Oeste en películas como Pasión de los fuertes (MyDarling Clementine. no sólo constituye un capítulo muy importante de la historia de Hollywood a lo largo de más de ochenta años. que respondió con películas como En el viejo Arizona (In Oíd Arizona. mientras que el propio John Wayne llegaría a retratar la ambigüedad moral de un despiadado pionero en Centauros del desierto (1956). en Solo ante el peligro (1952). el western fue un entretenimiento muy popular que sirvió de caldo de cultivo para la narración en estado puro y del que surgieron héroes que. una película que destaca por la simpatía con que se contempla la causa india. un subgénero que extremaba algunos elementos característicos del western clásico norteamericano y trataba de forma mucho más explícita la violencia. 1970) o Infierno de cobardes (The High Plains Drifter. como Tom Mix y William S. protagonizadas por un jovencísimo John Wayne. no obstante. son muy pocos los westerns que han llegado a las pantallas en los últimos años. daban constante prueba de rectitud y de una virtud sin tacha. El estilo de Leone alcanzó su apoteosis en Hasta que llegó su hora (Cera una volta il West. a la vez que confirmaba a John Ford como el maestro supremo del género. y si bien es cierto que. caso de Duelo en la alta sierra (Ride the High Country. 1988). Sin embargo. Hart. El conmovedor canto de cisne de John Wayne en El último pistolero (1976) y. un cineasta italiano. Stewart también figuró en Flecha rota (Broken Arrow. 1924). 1929) yLa gran jornada (TheBig Trail. Fort Apache (1948) y La legión invencible (She WoreaYellowRibbon. 1961) o de El hombre que mató a Liberty Valonee (TheMan Who Shot Liberty Valonee. como las formadas entre Randolph Scott y Budd Boetticher o James Ste- wart y Anthony Mann. 1973). se decantaban por acentuar el tono elegiaco en lugar de la acción. conferiría a John Wayne el rango de estrella. que dirigió el propio Clint Eastwood. Asalto y robo a un tren (1903) fue una de las primeras producciones cinematográficas que utilizó el cine para narrar una historia y. que sirvieron también para catapultar al estrellato a Clint Eastwood y como carta de presentación del llamado «spaghetti-western». Soldado azul (Soldier Blue. . sino que muchos de los nombres que solemos asociar más estrechamente con el género son también las estrellas quefigurancon mayor frecuencia en la lista de las diez figuras con mayor tirón comercial. quien revitalizaría el género con obras como Por un puñado de dólares (1964). y La diligencia que. 1949). Género inmensamente maleable. 1923) y El caballo de hierro (The Iron Horse. o Cimarrón (1931) que consiguió la singular hazaña de ganar el Osear a la mejor película. 1962) de John Ford. La postguerra trajo consigo un western de mayor profundización psicológica y de héroes más ambiguos. 1950). Sergio Leone. parecieron extender de forma definitiva la partida de defunción del género. una de las pocas formas artísticas genuinamente norteamericanas.I (¡O ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 161 Érase una vez en el Oeste El western. 1946). con el tándem formado por James Stewart y Marlene Dietrich. Sería. Si los rasgos épicos del western se pusieron más plenamente de manifiesto gracias a obras como La caravana de Oregon (The Covered Wagón. los años treinta también fueron una década durante la cual el género se convirtió en una especie de terreno acotado para las películas de bajo presupuesto producidas en serie y los vaqueros cantores. mientras que su tratamiento de la violencia fue transferido al western norteamericano en películas como Grupo salvaje (1969). 1976). el inmenso éxito obtenido por Bailando con lobos (1990) podría indicar que no hay que darlo nunca por definitivamente muerto. el western serviría ahora a una multiplicidad de propósitos. 1930). aunque con cierto retraso. quitando algunas raras excepciones como Silverado (1985) y Armajoven (YoungGuns. así. en 1939. los avances técnicos que hicieron posible el rodaje en exteriores y la grabación del sonido fueron inmediatamente aprovechados por el género. el solitario agente del orden interpretado por Gary Cooper podía ser entendido como un símbolo del aislamiento a que habían quedado sometidas las víctimas de la caza de brujas anticomunista. antes de volver a un papel más en consonancia con su imagen tradicional en Río Bravo (1959). la tendencia se invirtió gracias a la aparición de películas como Tierra de audaces (Jesse James) la humorística Arizona (Destry Rides Again). a lo largo de toda la época del cine mudo. Mientras que algunos westerns de principios de los sesenta. una vez más. Clint Eastwood. 1968). una tendencia que se hizo particularmente palpable en algunas fructíferas asociaciones entre directores y actores. Ford demostraría que también era el mayor poeta del western. la plétora de westerns televisivos parecían indicar que el género ya no era económicamente viable para la gran pantalla. con El fuera de la ley (The Outlawjosey Wales. No obstante.

entre ellos el propio Barry. Bob Balaban (El intérprete Laughlin). desarrollará de forma aún más elaborada en E. les permitirá comunicarse con los alienígenas. tras responder a los mensajes de paz. Más adelante conocerá a Jillian Guiler y a su hijo Barry. GUIÓN: Steven Spielberg. donde la paranoia imperante durante la «guerra fría» hizo que se retratara a los extraterrestres como unos seres belicosos. con un vistoso despliegue de luces cegadoras y música estimulante. la elección definitiva recaería en un actor más joven. finalmente.UU. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond y John A. Entre tanto. Neary abandona su trabajo y su familia para tratar de encontrar una explicación a lo sucedido. Desde su más tierna infancia. Argumento Mientras investiga un corte en el suministro eléctrico. En un primer momento. 1977 DIRECTOR: Steven Spielberg. Aunque el primer actor en que pensó para interpretar el papel de Neary fue Jack Nicholson. Douglas Slocombe. resueltos a destruir todo lo que se les pusiera por delante. en el que una joven pareja de novios se topaba con un platillo volante. teniendo en cuenta que la película recaudó . tras el éxito cosechado por Tiburón.. Dennis Muren y Richard Yuricich. Dave Stewart. Guiler. Richard Dreyfuss. que también han tenido encuentros similares. decidió encargarse él mismo de escribirla. los Guiler reciben la visita de los extraterrestres. se encontró en condiciones de obtener financiación para su sueño. Francois Truffaut (Claude Lacombe). Por fin. Neary. El coste de los efectos especiales hizo que el modesto presupuesto inicial de 7 millones de dólares se disparara hasta alcanzar una cifra próxima a los 21 millones. Melinda Dillon (Jillian Guiler). William A. Laszlo Kovacs. se encaminan a la Torre del Diablo. ya en 1970. y muchos otros. Allí aparece una gigantesca nave que. PRODUCCIÓN: Columbia (Julia y Michael Phillips). Cary Guffey (Barry Guiler). (1982). cuando llegue el momento. es testigo de la aparición de una nave extraterrestre. pero. un técnico de mantenimiento. INTÉRPRETES: Richard Dreyfuss (Roy Neary).162 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 163 Comentario Encuentros en la tercera fase CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND EE. Robert Hall. Watch the Skies.T. DURACIÓN: 135 minutos. y Barry es abducido. una circunstancia que tampoco supuso un contratiempo demasiado grave. un planteamiento que. Neary se unirá al grupo de personas que se han presentado voluntarias para acompañar a los extraterrestres en su viaje espacial. abre la trampilla de carga y deja salir a numerosos terrícolas. Alonzo. Teri Garr (Ronnie Neary). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dan Lomino. dejó que el ilustre guionista Paul Schrader trabajara en una primera versión de la historia. que ya había sido la estrella de Tiburón y que se había convertido en una especie de alter ego del director. combinó lo último en materia de efectos especiales (cortesía de Douglas Trumbull). A diferencia de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. el científico Claude Lacombe y su equipo han conseguido diseñar un lenguaje musical que. Don Jarel. MONTAJE: Michael Kahn. Spielberg se había sentido atraído por la temática de los ovnis y. para ilustrar su ingenua visión pseudorreligiosa de unos extraterrestres que visitan nuestro planeta henchidos de buenas intenciones. Titulada en un principio. había escrito un relato breve titulado «Experiences». en Wyoming. la primera película realizada por Spielberg tras Tiburón (1975). posteriormente. Roy Neary. Fraker. Por su parte. Spielberg plantea de manera convincente la posibilidad de que sus intenciones sean pacíficas e inofensivas. MÚSICA: John Williams.

Pierre Renoir (Jericho). El muelle de las brumas (Quai des brumes. como aquella en la que se ve al personaje de Dreyfuss entrando en la nave extraterrestre. ha apuñalado de muerte al Conde. y la última imagen de Garance nos la muestra perdiéndose en la distancia. MÚSICA: Joseph Kosma y Maurice Thiriet. Los dos amantes pasan su última noche juntos. en otras palabras. a pesar de que la película fue . El romántico pesimismo de las famosas colaboraciones entre Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert. Pierre Brasseur (Frederick Lemaitre). 1939). un rufián de los bajos fondos. tiste se ha casado con la abnegada Natalie y Lemaitre ahoga sus penas en vino. MONTAJE: Henri Rust y Madeleine Bonin. que lleva puesto su traje de Pierrot. PRODUCCIÓN: SN Pathé-Cinema (Fred Orain). un amigo de Baptiste. pero finalmente la descubrirá en brazos de Debureau. María Casares (Natalie). perseguida por Baptiste. será salvada por la intervención del Conde Edward de Monteray. Garance. Encuentros en la tercera fase: Montaje especial. Comentario Les enfants duparadis Francia. donde conoce a Lemaitre. donde le espera un impresionante despliegue de luces y máquinas. Marcel Herrand (Lacenaire). FOTOGRAFÍA: Roger Hubert y Marc Fossard. que no alcanzó la brillantez de sus anteriores colaboraciones. Argumento Baptiste Debureau está encaprichado de Garance. justo en el momento en que el país languidecía bajo la ocupación nazi. viene a ser el equivalente francés de Lo que el viento se llevó. Bap- No pecaría de excesiva necedad quien sugiriera que la obra de Marcel Carné. El Conde sospecha que ella sigue queriendo a Lemaitre. pudieron escapar a la tijera de los censores alemanes. DURACIÓN: 195 minutos (posteriormente: 185 minutos). 1944 DIRECTOR: Marcel Carné. Incluso la problemática gestación de la visión panorámica de Selznick tiene su equivalente en la insensatez que supuso que la productora Pathé se embarcara en el proyecto cinematográfico más caro quejamás se había realizado en Francia. Al ambientar Les enfants duparadis en el siglo xvm. Años más tarde. Les visiteurs du soir (1942). tuvo que conformarse con obtener tan sólo el premio a la mejor fotografía. INTÉRPRETES: Arletty (Garance). Un día la lleva al Grand Reíais. Les enfants du paradis.164 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 165 77 millones de dólares al poco de haberse estrenado en los Estados Unidos. Garance se ha convertido en la amante del Conde. que se ha visto involucrada sin querer en un robo. una película en la que la maestría de las producciones de los estudios de anteguerra se manifiesta en todo su esplendor. Natalie ruega a Garance que les deje en paz. B/N. Nominada en ocho categorías para los premios de la Academia. ignorando que Lacenaire. finalmente. Jean-Louis Barrault (Baptiste Debureau). En 1980. forzando al tándem a realizar una alegoría medieval. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Trauner. con un montaje ligeramente distinto y algunas escenas nuevas. al que retará a un duelo. había hecho que éstas fueran prohibidas durante la ocupación alemana. GUIÓN: Jacques Prévert. consiguiendo una obra de un acabado perfecto y dotada de una intensa carga emocional. Spielberg sacó una nueva versión de la película. del que se enamora. 1938) y Amanece (Lejourse leve.

las más sutiles emociones. 1936). El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream. durante un período de tiempo que se extendió desde agosto de 1943 a marzo de 1944. La interpretación de la actriz principal. entre ellas. donde se narra la historia de Enrique V.000 hombres. Finalmente. INTÉRPRETES: Laurence Olivier (El rey Enrique V). obtiene una resonante victoria. una producción que contaba con un nutrido plantel de estrellas. 1944 DIRECTOR: Laurence Olivier.166 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 167 concebida como un canto a la persistente vitalidad del espíritu francés. que constituiría su particular aportación al esfuerzo propagan- Enrique V HENRY V Reino Unido. finalmente cumplida. con unas pinceladas extremadamente precisas. El 30 de octubre. al ofrecer una versión idiomática del imperecedero verso del Bardo y utilizar los recursos cinematográficos para captar en toda su amplitud la concepción shakesperiana de la historia. Dado que los alemanes habían prohibido que las películas excedieran de los 90 minutos de duración. DURA- CIÓN: 137 minutos. Comentario A la altura del año 1940. Tras obtener un permiso de la División Aérea de la Armada. dramatismo. las dos familias reales se unen. mientras Enrique corteja a la princesa francesa Catherine. Renee Asherson (La princesa Catherine). Robert Newton (El viejo Pistol). de que ésta se estrenaría después de la liberación. escenarios al aire libre y combates. tiene que entrar en combate con un ejército francés de 60. Arletty. GUIÓN: Alan Dent y Laurence Olivier. No obstante. MÚSICA: William Walton. En 1414 Enrique abandona Inglaterra y marcha a combatir a su tradicional enemigo: los franceses. Leo Genn (lefe de las tropas francesas). interpretada por el propio Laurence Olivier. MONTAJE: Reginald Beck. y Como gustéis (As You Like It. Con un ejército de 30. eran ya muchas las obras de Shakespeare que habían sido llevadas a las pantallas. donde obtiene numerosas victorias. sería el Enrique Vde este último la obra que. en el papel de Garance. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. una mujer tan terca como independiente. a la vez que traza. Esmond Knight (Fluellen). 1935). Se firma un tratado de paz en Rouen. rodaron su vertiginoso fresco en dos partes: Boulevard du crime y L'homme blanc. gracias a un eficaz despliegue de sus arqueros y a una proclama patriótica. Argumento Una representación en el Teatro del Globo londinense se transforma en un vasto panorama de colorido. en Azincourt. basado en la obra de William Shakespeare. Laurence Olivier se embarcó en una belicosa interpretación fílmica del Enrique V. se convertiría en un auténtico hito. cuya suntuosidad consigue hacer perfectamente tangible el cuadro histórico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Paul Sheriff. En realidad. al frente de unas tropas exhaustas. PRODUCCIÓN: Rank/ Two Cities (Laurence Olivier y Filippo Del Giudice). y el drama regresa al Teatro del Globo. inmediatamente.000 hombres asedia el norte de Francia. La magistral obra de Carné. sin sufrir un número de bajas importante. Leslie Banks (Coro). . narra la historia de las fluctuaciones que sufren los sentimientos encontrados que a una ingenua actriz le producen tres hombres muy distintos. Carné trató de dilatar todo lo posible el rodaje de la película con la esperanza. pero. la sitúa al lado de la Escarlata O'Hara de Vivien Leigh dentro de la nómina de las grandes heroínas románticas.

con extras pertenecientes a la Guardia Nacional de la zona. Esmeralda consigue salvarse y reunirse con su amante. no obtuvo permiso para interpretar a la Reina Catherine. Cuasimodo. que hará torturar a Esmeralda con objeto de que se confiese autora del crimen. mientras que Robert Donat. sin embargo. Selznick. que en ningún momento deja traslucir las difíciles condiciones en que fue rodada. INTÉRPRETES: Charles Laughton (El jorobado). de la que dan buena cuenta los barridos de cámara en las vibrantes escenas de batalla o su inteligencia al situar la acción en el marco de una representación isabelina en el Teatro del Globo. MÚSICA: Alfred Newman. GUIÓN: Sonya Levien y Bruno Frank. el poeta gitano Gringoire. Maureen O'Hara (Esmeralda). muere. justo en el momento en que el campanero Cuasimodo es coronado «Rey de los Tontos». que también tenía un compromiso con la M-G-M. Thomas Mitchell (Clopin). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase. Comentario A pesar de haber sido llevada a las pantallas en numerosas ocasiones. la zíngara THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME EE. aún ligada por contrato a David O. B/N. Edmond O'Brien (Gringoire). Condenada a morir en la horca.168 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 169 dístico en marcha. La belleza de la gitana hace que el arcediano Claude sefijeen ella y envíe a Cuasimodo para raptarla. Esmeralda. el capitán de la guardia. La película. Sir Cedric Hardwicke (Frollo). Con todo. finalmente. En cuanto a los actores. Alan Marshall (Proebus). FOTOGRAFÍA: Joseph August. la salvará la intervención del fiel Cuasimodo. Aunque la sombría e impresionante versión de Enrique V realizada por el actor y director Kenneth Branagh en 1989 atenúa el patrioterismo de tiempos de guerra de su antecesora y ofrece un relato más equilibrado sobre el terrible coste de las guerras. no consideró adecuado aceptar el papel del Coro. la adapta- . (Pandro S. la rescatará. Laurence Olivier consiguió reunir un reparto espléndido y rodar en los terrenos que Lord Powerscourt tenía en Enniskerry (Irlanda). Vivien Leigh. interpretada con fervoroso ardor por Laurence Olivier. la famosa arenga del Día de San Crispín. desde la Esmeralda de 1906 hasta la versión televisiva realizada por Anthony Hopkins en 1982. Argumento La gitana Esmeralda llega a París para interceder ante el rey en nombre de su pueblo. DURACIÓN: 115 minutos. que le ofrecerá refugio en la catedral. K. 1939 DIRECTOR: William Dieterle. recorta el texto original para centrarse en el famoso triunfo inglés en la batalla de Azincourt e ilustra la osadía cinematográfica de Laurence Olivier. Proebus. sigue poseyendo una fuerza arrebatadora e incomparable..UU. MONTAJE: William Hamilton y Robert Wise. finalmente se decidió por coger él mismo las riendas de la dirección. Berman). pero posteriormente morirá apuñalado por el arcediano. O. A pesar de hacer uso de todo su ingenio y agilidad para protegerla. Tras haber establecido contactos con directores como William Wyler y Carol Reed. PRODUCCIÓN: R.

este último.-THE EXTRA-TERRESTRIAL EE.826. las autoridades darán con el paradero del muchacho y del ser que tiene consigo. a Orson Welles. Bissell. un papel que supuso el debut cinematográfico de Maureen O'Hara en los Estados Unidos. que fallece. No obstante. FOTOGRAFÍA: Alien Daviau. la R. Elliott irá cayendo enfermo. Como parte de un plan concertado para aumentar el prestigio del estudio. pero no ocurrirá lo mismo con E.. Argumento Abandonado accidentalmente por su nave espacial.. y busca el equipo necesario para que el extraterrestre pueda ponerse en contacto con su nave y llamar a «su casa». Esmeralda consigue transmitir de forma impactante el carácter mísero y grotesco de los tiempos medievales gracias a sus impresionantes decorados.000 dólares.170 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 171 ción cinematográfica más ingeniosa y recordada de la novela de Víctor Hugo es la espléndida producción que hizo la R. Elliott se recuperará. Henry Thomas (Elliott). Rodada con un presupuesto de 1. E. Sorprendentemente. de esa manera.K. INTÉRPRETES: Dee Wallace (Mary). Sometido a cuidados médicos. mientras corretea por lo alto de la torre de la catedral. La falta de belleza física que siempre acongojó a Laughton debió llevarle a transmitir a su personaje parte de su tormento personal. se la presenta a su hermana Gertie y a su hermano mayor Michael. E. ni siquiera fue nominada para el premio al mejor actor. terminará .T. 1982 DIRECTOR: Steven Spielberg. Drew Barrymore (Gertie).. había salido a la caza de talentos. que se desarrolla entre el Jorobado y Esmeralda. 1935). con tintes de la Bella y la Bestia. como si se tratara del mismísimo Tarzán. Robert MacNaughton (Michael). regresaba a Hollywood por primera vez desde su actuación en Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty. por ejemplo. y ofreciendo un contrato para realizar cinco películas a Charles Laughton. fichando. donde es descubierto por Elliott. GUIÓN: Melissa Mathison.C. además de hacer toda una exhibición de agilidad física. DURACIÓN: 115 minutos.K. un extraterrestre se refugia en el jardín de una casa de una zona residencial.T. contribuyeron de forma determinante a convertir esta actuación en una de las más brillantes que jamás se han visto en pantalla.UU. un año en que sí lo fue Mickey Rooney por su interpretación en . DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James D.. MONTAJE: Carol Littleton..T.000 se emplearon en la reproducción de la plaza del siglo xv que rodeaba a la catedral de Notre Dame. en 1939. PRODUCCIÓN: Amblin para la Universal (Steven Spielberg y Kathleen Kennedy). K. Apenas reconocible tras las cinco horas de sesiones de caracterización necesarias para crear la lastimosa deformidad del cuerpo del Jorobado. Peter Coyote («Keys»). Finalmente. vierte aceite hirviendo sobre la multitud que se apresta al ataque o se lanza por los aires. Charles Laughton realiza una interpretación de una delicadeza conmovedora.T. A medida que el entorno extraño en que se encuentra va debilitando a E. MÚSICA: John Williams.O. Elliott da cobijo en su casa a la criatura. que. a las tumultuosas escenas de masas y a un tono realista que sirve de contrapeso a esa patética historia de amor. esto.O. para acudir al rescate de Esmeralda. al recibir un mensaje de «su casa». Martel (Greg). un muchacho de diez años. unido a las agotadoras condiciones en que se realizó la película y a sus propias emociones con respecto al estallido de la guerra en Europa. del que 250. ¡Los hijos de la farándula] (BabesinArms).

gracias a la reconfortante teología de Spielberg. DURACIÓN: 138 minutos. donde es recogido por su nave espacial. Hugh Marlow (Lloyd Richards). De este modo. la inquietante figura del «otro» que aparecía en las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. sólo se materializaron en tres premios menores. El abrumador gancho emocional de la película ha de buscarse en la posibilidad que ofrece al público de participar en una historia de amor genuinamente infantil. en los últimos tiempos. GUIÓN: Joseph L. Se estima que más de 240 millones de personas en todo el mundo han visto la película. INTÉRPRETES: Bette Davis (Margo Channing). una experiencia que se ve incrementada por el drama de la «muerte» y resurrección de la criatura. George Sanders (Addison de Witt). como «la mejor película Disney que Disney nunca llegó a realizar». MÚSICA: Alfred Newman. pasa a convertirse ahora en un ser en el que se aunan los rasgos del mejor amigo del hombre y de un redentor a la manera de Cristo. Marilyn Monroe (Miss Casswell). las nueve nominaciones obtenidas por E. Celeste Holm (Karen Richards). permitiéndonos salir del cine reconfortados por la idea de una gran familia nuclear a escala cósmica. tras en- . asaltan al consumidor con pasmosa regularidad. se gana la confianza de Margo Channing. en una historia que narra la relación sentimental que surge entre un solitario muchacho de un barrio residencial y su único amigo verdadero. Zanuck). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y George W. de Mary Orr). una historia que recuerda a los lacrimógenos relatos sobre la amistad entre un muchacho y su perro. una chica de apariencia ingenua que está deslumbrada por el estrellato. sin duda. MONTAJE: Barbara McLean.UU. T. Mankiewicz. Argumento La manipuladora Eva Harrington.172 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 173 por revivir.T. Anne Baxter (Eva Harrington). La amistad profunda y duradera que establece el protagonista con ese extraterrestre sin sexo ni edad. La única institución a la que la película no conseguiría conmover sería a la Academia norteamericana. Elliott le libera y le conduce a un lugar del bosque. La lucrativa fuente de la que mana toda esta veneración de público y crítica ha de buscarse. B/N. una actriz famosa y. FOTOGRAFÍA: Milton Krasner. convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de esos «eventos» multimedia que. proporciona una visión de un afecto hondo y recíproco en un mundo en el que las instituciones familiares (la película hace bastante hincapié en el tema del padre ausente) y las religiones organizadas han dejado de ofrecer un consuelo del que los seres humanos siguen estando muy necesitados. Gary Merrill (Bill Simpson). Eva al desnudo ALL ABOUT EVE EE.. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Davis. Comentario La película E. de Steven Spielberg trasciende las categorías meramente cinematográficas para entrar de lleno dentro del apartado de los fenómenos culturales. a lo que habría que añadir el auténtico aluvión de subproductos que acompañó al film. en la que el espacio viene a cumplir el papel que antiguamente desempeñaba el cielo. y que fue definida por la revista especializada Variety. Mankiewicz (basado en el relato The Wisdom ofEve. lo que le ha reportado una recaudación superior a los 700 millones de dólares. 1950 DIRECTOR: Joseph L.

que supuso un gran éxito para todos los que participaron en ella. como el sardónico crítico teatral Addison de Witt.174 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 175 candilar a su círculo de amigos y colegas. consideraba que esa historia le proporcionaba el punto de partida idóneo para realizar una película sobre el tema. Entre las primeras opciones que se tomaron en cuenta a la hora de configurar el reparto se encontraban Jeanne Crain. uno de los espectáculos de Hollywood que cuenta con un guión más punzante e ingenioso y con unas interpretaciones más memorables por parte de todo el reparto. antes de que Joseph L. para el de Margo.asociación con la Warner. con unos diálogos llenos de acidez y cinismo. por el contrario. muy necesitada de un nuevo ímpetu tras la ruptura en el año 1949 de su larga -y cada vez más insatisfactoria. ha servido también de punto de partida para el musical de Broadway. verá peligrar su matrimonio con el dramaturgo Lloyd Richards. Mankiewicz apremiara a la Twentieth Century Fox para que comprara los derechos. The Wisdom ofEve. en la que se pusieran de manifiesto los sacrificios personales necesarios para obtener el éxito profesional. La airada reacción de ésta hace que la crédula Karen Richards la retenga en el campo para facilitar así a Eva su gran oportunidad. Basada en un hecho real de la vida de la actriz Elisabeth Bergner -que daría lugar al relato de Mary Orr. el carácter traicionero de Eva quedará al descubierto. y Barbara Stanwyck o Claudette Colbert. publicado en 1946 en la revista Cosmopolitan. pero una ruptura de disco la obligó a abandonar el proyecto. expresados de la forma más aguda y memorable que quepa imaginarse. que ha conseguido conservar el amor del director Bill Simpson. Eva se convertirá a su vez en el blanco de otra ambiciosa aspirante a actriz. que le valió a Lauren Bacall la concesión de un premio Tony. Consagrada como estrella. Comentario Una historia sobre el viboreo de las gentes del mundo del espectáculo. La película. para el papel de Eva. antes de que el propio Mankiewicz decidiera entrar en contacto con Bette Davis y proponerle un papel que habría de revitalizar su carrera. destacando entre todas ellas la electrizante actuación de Bette Davis en el papel de la gran dama del teatro. Gertrude Lawrence fue la segunda opción que se consideró. Finalmente. ya se encuentra fuera del alcance de sus maquinaciones. Repuesta en numerosas ocasiones. fue nominada para 14 premios de la Academia. Applause. pero Margo.la historia había sido también objeto de una versión dramática radiofónica en 1949. de hecho. así como los de mejor sonido y mejor vestuario. Margo Channing. Karen. hasta que intervenga el crítico Addison de Witt y haga valer brutalmente sus derechos sobre el afecto de Eva. consigue asegurarse el puesto de sustituta de Margo. Eva al desnudo es. . obteniendo el galardón concedido a la mejor película del año. la Colbert llegó a firmar el contrato para realizar el papel. además de los Osear recibidos por Mankiewicz (como guionista y director) y George Sanders. aún hoy. y la de George Sanders. Mankiewicz. que desde hacía tiempo se sentía atraído por la idea de contar la vida de una actriz famosa.

supo aprovecharse de lo difundido que estaba entonces el debate sobre la «muerte de Dios». Una de las principales tendencias del cine durante los años setenta fue la notable revalorización comercial de una serie de géneros. FOTOGRAFÍA: Owen Roizman y Billy Williams. las cabezas giratorias y el indiscutible plato fuerte: la masturbación con un crucifijo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bill Malley. MacNeill). Linda Blair (Regan).. se concentrarían de manera explícita en el tema de la descendencia demonía- . acompañadas de sus respectivas secuelas. los espectadores que buscaban emociones fuertes. pero el Padre Karras continúa la ceremonia y consigue expulsar al demonio. cuya fe pasa por un momento de debilidad. Lee J. un joven sacerdote. En vista de que el comportamiento de Regan se vuelve cada vez más violento e incontrolable. mientras que otras películas. sin embargo. El exorcista. MONTAJE: Norman Gay. como La semilla del diablo (1968) o La noche de los muertos vivientes (1968). para envolver este estudio descaradamente gráfico de una posesión con un manto de respetabilidad temática. contaban con el pretexto de una meditación sobre la crisis de la fe en la sociedad contemporánea para deleitarse con el regocijante espectáculo que ofrecían las escenas de profanación y levitación. 1973 DIRECTOR: William Friedkin. dotado con un presupuesto de 10 millones de dólares y con un reparto bastante digno. que la idea de la existencia de un monstruo interior ponía de manifiesto la ansiedad creada por la crisis de la familia nuclear.UU. 1973) de Larry Cohén. una circunstancia que quedaría bien patente cuando películas como Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) se convirtieran en las películas de mayor éxito realizadas hasta el momento. Éste se introduce dentro del cuerpo de Karras. 1975) de Richard Donner o de Estoy vivo (It's Alive. y. sufre una serie de cambios repentinos e inexplicables que tienen desconcertados a su madre y a toda la profesión médica. GUIÓN: William Peter Blatty (basado en su propia novela). Jordán Leondopoulos. Argumento Regan.176 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 177 Comentario El exorcista THE EXORCIST EE. entre ellos el terror y la ciencia-ficción. Una noche. No deja de ser cierto. El esfuerzo resulta demasiado grande para el Padre Merrin. caso de La profecía {The Ornen. de hecho. INTÉRPRETES: Ellen Burstyn (Mrs. un experto en exorcismos. Jack MacGowran (Burke). el tema de la ruptura del ámbito doméstico ya había aflorado en obras anteriores. De ese modo. El film de Friedkin -un thriller de tema demoníaco. con su capacidad de atraer a un público de amplio espectro (su recaudación en taquilla ascendió a 82 millones de dólares). se embarcan en un titánico combate por el alma de la niña. su madre contacta con el Padre Karras. Cobb (Teniente Kinderman). DURACIÓN: 121 minutos. Mercedes McCambridge (Voz del Demonio). MÚSICA: Jack Nitzche. que hasta entonces habían sido considerados marginales. Jason Miller (Padre Karras). que se arroja por la ventana y muere para salvar a Regan. fue un fenómeno de similares características. que sufre un ataque al corazón. una niña de doce años. los vómitos de puré de guisantes. Éste llegará a la conclusión de que la niña está poseída por el demonio y solicita la colaboración del Padre Merrin. PRODUCCIÓN: Hoya para Warner Brothers (William Peter Blatty). Evan Lottman y Bud Smith. Max von Sydow (Padre Merrin). que termina por sugerir que se consulte a la Iglesia.

FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. Osear. DURACIÓN: 189 minutos (versión televisiva: 300 minutos). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Anna Asp. Fannyy Alexander FANNY OCH ALEXANDER Suecia. Aunque. ofrecido por gentileza de la Iglesia católica.a examinar las tensiones psicológicas y metafísicas de los personajes por medio de ese teatro de sueños que es la representación fílmica. Poco tiempo después. ambos son finalmente rescatados por Isak Jacobi. Por otro lado. e incluso la abuela parece dispuesta a regresar a los escenarios. en tiempos. entre ellas las de mejor película y mejor director. muere de resultas de un ataque al corazón. Borje Ahlstedt (Cari Ekdahl). tras haber recuperado a su familia. Más adelante. que sorprende por su exuberante afirmación vitalista. 1961) sirven en este caso para poner de relieve cómo las obsesiones del adulto nacen a partir de las tribulaciones dickensianas del niño. da luz a una niña. que Alexander padecerá con especial rigor. el obispo morirá quemado vivo en un incendio que se ha declarado accidentalmente. Emilie. a la vez que su guionista y productor. el retablo tragicómico que es Fanny y Alexander constituye el intrigante y gozoso epílogo de una carrera memorable. Gunn Wallgren (Helena Ekdahl). autor de la novela en que se había basado la primera entrega. que les esconde en su tienda de antigüedades. entre tanto retazo de vida y tantas referencias a su obra anterior. Argumento Navidades de 1907. GUIÓN: Ingmar Bergman. Bertil Guve (Alexander Ekdahl). los imperativos comerciales terminarían por poner en duda la efectividad de un tratamiento que no pudo evitar la aparición de un par de desatinadas secuelas: Exorcista II: el hereje (Exorcist II: The Heretic. como era de esperar. que subrayan la tendencia del director -muy apreciable en su película Persona. Es como si Bergman. Alian Edwall (Osear Ekdahl). MÜSICA: Daniel Bell. Ewa Froling (Emilie Ekdahl). y los niños se convierten en las víctimas de una tiranía religiosa. Su madre. de John Boorman y El exorcista III (Exorcist III: Legión. PRODUCCIÓN: Cinematograph para el Instituto Sueco del Cine/Televi- sión sueca SVTl/Gaumont/Personafilm/Tobis Filmkunst (Ingmar Bergman). termina por unirse a ellos. Emilie. lo cual da lugar a nuevas celebraciones. La madre. . 1982 DIRECTOR: Ingmar Bergman. No obstante. se casa entonces con el obispo Vergerus.178 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 179 ca. la acongojada niña de El Exorcista es «curada» gracias a un despliegue de fe. las persistentes dudas espirituales (véase al respecto Los comulgantes [Nattavards-gasterna]. considerado. Alexander Ekdahl y su hermana Fanny disfrutan de unas alegres celebraciones navideñas. quizá el elemento más inesperado sea el tono global de la película. tras drogar al obispo para poder escapar. Comentario Planteado expresamente como su despedida del cine. su padre. esta última dirigida por William Peter Blatty. INTÉRPRETES: Pernilla Allwin (Fanny Ekdahl). y al que había correspondido uno de los dos Osear que obtuvo la película de un total de diez nominaciones. El contenido parcialmente autobiográfico de esta película se pone de manifiesto en esa linterna mágica que se revela como metáfora del propio cine. así como en los decorados teatrales y las referencias a Shakespeare y Strindberg. MONTAJE: Sylvia Ingemarsson. 1990). 1977). En una pequeña localidad sueca. No obstante.

Tom Codrick. Otto Englander. Argumento Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia ocupan sus respectivos lugares. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Cormack. a continuación. y un ballet interpreta La danza de las horas de Ponchielli. George Sallings. Gritos y susurros (Viskingar och rop. J.Fannyy Alexander constituirá un deslumbrante y perfecto canto de cisne. Aparece luego Mickey Mouse. Herbert Ryman. Dick Kesley. Charles Philipi. Sylvia Moberly-Holland. Ernest Nordli. Kendall O'Connor. 1972). William Martin. Harold Doughty. y nunca vuelve a rodar una película -algo que cada vez parece más probable. representando el Aprendiz de brujo de Dukas y. Un logro que se acrecentaría al obtener cuatro de los Osear para los que había sido nominada: a la mejor película en lengua no inglesa. Curtiss D. Hee. la que dibuja un cuadro y la «música pura». Bianca Majolie. Ninfas y centauros escenifican la Sinfonía Pastoral de Beethoven. que ya había sido galardonado con un Osear por otra película del director sueco. Graham Heid.. Elmer Plummer. Erdman Penner. Wilfred Jackson. cuya existencia se justifica por sí misma. Norman Wright. que tenía que hacer frente a los mareantes presupuestos destinados a promocionar a bombo y platillo las producciones de los estudios de Hollywood. Cari Fallberg. Bruce Bushman. 1940 James Algar. . Esta última es ilustrada por la Tocata y Fuga de Bach. John Hubley. hubiera resuelto todos sus conflictos con sus demonios familiares y descubierto su fe en la celebración de la pura alegría de sentirse vivo. Perce Pearce. Zack Schwartz. mientras un narrador distingue entre los distintos tipos de música: la música que narra una historia. La obtención de seis nominaciones para los premios de la Academia fue. T. Si Bergman se mantiene fiel a su palabra. Kay Nielsen. Charles Payzant. de por sí. a la que seguirá una versión bailada de la Suite del Cascanueces de Tchaikovsky. Webb Smith. Gordon legg. Robert Sterner. Terrell Stapp. Perkins. al mejor vestuario. Arthur Byram. Ford Beebe. Thor Putnam. MacLaren Stewart. Bill Roberts. Bill Peet. el ciclo del nacimiento y la regeneración de la tierra sirve para ilustrar La consagración de la primavera de Stravinsky. Albert Heath. DURACIÓN: 124 minutos. Jim Handley. Hugh Hennessy. tras el Dios DIRECTORES: Samuel Armstrong. Hamilton Luske. Norman Ferguson. Joseph Sabo. Arthur Heinemann. Kenneth Anderson. a la mejor dirección artística y a la luminosa fotografía de Sven Nykvist. un colaborador habitual de Bergman. PRODUCCIÓN: Walt Disney. Lance Nolley. Leo Thiele. John Fraser McLeish. Fantasía EE. Campbell Grant.UU. GUIÓN: Lee Blair.180 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 181 poco menos que «un apóstol de la muerte». Phil Dike. Al Zinnen. Finalmente. Paul Satterfield. un inmenso logro para una película en lengua no inglesa. Yale Gracey.

las posibilidades del mismo tan sólo se pudieron apreciar plenamente cuando se pasó la película al sistema Dolby digital. así.cambia constantemente a la luz de sus recuerdos infantiles. En general. Para ello se puso en contacto con el célebre director de orquesta Leopold Stokowski. Se ve constantemente acosado por sus propios colegas y agobiado por su complicada vida privada. Sandra Milo (Carla). constituyó un temprano precursor de la grabación en estéreo. por ejemplo. B/N.y ejerció una notable influencia estilística en obras posteriores. eclipsado en los últimos tiempos por la creciente popularidad de un pato llamado Donald. Disney comenzó a concebir el proyecto de realizar un concierto completo. PRODUCCIÓN: Cineriz (Angelo Rizzoli). Guido Alberti (Pace. GUIÓN: Fellini. Claudia Cardinale (Claudia). INTÉRPRETES: Mar- cello Mastroianni (Guido Anselmi). 1963 DIRECTOR: Federico Fellini. con la idea de presentar al roedor más famoso de Norteamérica en una escenificación en dibujos animados del cuento orquestal de Dukas. no consigue comenzar a rodar. una circunstancia que se agravará cuando su esposa y su amante se presenten en el plato. Ennio Flaiano. Aunque no consigue evitar del todo una cierta vulgarización de la música. sus obsesiones sexuales y sus propias experiencias actuales. un director de éxito. en el que se visualizaran algunas de las piezas clásicas más conocidas. y de resultas de ello nació Fantasía. Argumento Guido. Rossella Falk (Rossella). algunas partes están bastante más logradas que otras. Fellini ocho y medio OTTO E MEZZO Italia. llega la serenidad del Ave Marta. Barbara Steele (Gloria Morin). Cuando los trabajos se prolongaron hasta bien entrado el año 1938. Anouk Aimée (Luisa Anselmi). la película se aleja del antropomorfismo gráfico -llegando incluso a optar por la abstracción pura en algunas ocasiones (caso de la «Tocata y Fuga» de Bach). ese mismo año. el productor). Con todo. MONTAJE: Leo Catozzo. Aunque ha hecho montar unos decorados espléndidos. entre . La insustancial trama de su película -un hombre que es rechazado por su mujer ideal. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Piero Gherardi. MÚSICA: Niño Rota. Comentario A lo largo de la década de los treinta. tiene que hacer frente a múltiples dificultades para realizar su nueva película. capaces de crear el primer largómetraje de dibujos animados de la historia del cine. los negocios de Walt Disney crecieron de tal manera que su empresa pasó de ser una pequeña productora a convertirse en un importante complejo de estudios. Mickey Mouse. Fantasound.182 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 183 Negro de la Noche en el monte pelado de Mussorgsky. DURACIÓN: 138 minutos. FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo. Disney andaba también a la búsqueda de un nuevo espectáculo que restableciera la preeminencia de su personaje favorito. el compromiso de Disney con el objetivo de ampliar las posibilidades del medio es innegable. durante el proceso de restauración que se llevó a cabo para reeditarla con motivo de su 50 aniversario. Blancanievesy los siete enanitos (1937). No obstante. Tullio Pinelliy Brunello Rondi. El aprendiz de brujo. a pesar de lo cual. y el desarrollo del prohibitivo sistema de altavoces múltiples. el bullicioso bestiario de «La danza de las horas» de Ponchielli posee mucho más encanto que la religiosidad de postal del «Ave María» de Schubert.

Barry Fitzgerald (Gogarty). a primera vista. La película. El hecho de que el personaje principal. entre ellas. Charles Ruggles (Mayor Horace Applegate). Ocho y medio es un film ambiguo y desigual. sin duda. Argumento El día antes de su boda. GUIÓN: Dudley Nichols y Hagar Wilde. se refugia. con colaboraciones no recogidas en los títulos de crédito de Robert McGowan y Gertrude Purcell. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. May Robson (Tía Elizabeth). sino de reconciliarse con la vida. La película concluye sin que la situación se resuelva. MONTAJE: George Hively. El director italiano. puede pa- recer obvio.. tratándose de Fellini. entre una compañía de payasos y. a través del cual se lleva a cabo una exploración del declive y la caída de la cultura y el cine italianos. no conviene olvidar que pocos directores contemporáneos han puesto tanto de sí mismos en sus creaciones. su reconstrucción de un brontosaurio . esa mirada cáustica. B/N. no sólo de realizar una obra de arte. 1938 DIRECTOR: Howard Hawks. constituye también un magistral entrecruzamiento de tramas temáticas y temporales. el director de cine Guido. por lo general. rara vez conseguido por un medio como el cine que. cuyas grandes películas no se caracterizan precisamente por su exquisitez o por su acabado. el paleontólogo David Huxley se siente muy satisfecho.K. A algunos espectadores. MÚSICA: Roy Webb. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase y Perry Ferguson. primero. aunque.UU. Comentario Como ocurre con el resto de la obra de Fellini. entre los propios actores del film. En cualquier caso. INTÉRPRETES: Katharine Hepburn (Susan Vanee).O. desmarcándose de la estética realista propia de lo específicamente autobiográfico. basado en un relato de Wilde. verdadero. PRODUCCIÓN: R. Cary Grant (David Huxley). en su caso. La fiera de mi niña BRINGING UP BABY EE. suele estar compensada por el carácter afirmativo que subyace a la capa externa de cinismo. haya realizado exactamente el mismo número de películas que el propio Fellini (ése es el significado del enigmático título de la película). Pero también lo es el que profesa a la ambivalencia. ha creado una obra de conjunto con cierto toque épico y mítico. más adelante. suele aferrarse a las narraciones lineales. el carácter asistemático de la película les resulta irritante. (Howard Hawks). no conviene fiarse nunca de lo que. nunca consigue que su película avance.184 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 185 las que se encuentra el descubrimiento de su propia mujer «ideal» en la figura de Claudia. a la par que una fascinante anatomía del proceso creativo. con algo de desfile de monstruos o de circo. mientras su protagonista contempla diversas opciones. invita a establecer una conexión entre ambos. el amor que Fellini profesa por su desfile de monstruos es. Tratando de esconderse de la prensa y de sus productores. y eso es algo que se manifiesta con especial nitidez en una película como ésta. abandonar el cine o reconciliarse con el mundo. No obstante. pero otros se sienten fascinados por sus ambigüedades y por la valentía y la complejidad de una apuesta que trata. que compone un fresco entre caótico y autocomplaciente. el suicidio. Si bien es cierto que. donde el espectador goza de plena libertad para extraer sus propios significados de este metafórico ejercicio de transformación de la experiencia. DURA- CIÓN: 102 minutos. Walter Catlett (Agente Slocum).

Igualmente característica era la presencia de personajes femeninos liberados y dotados de una voluntad férrea que. tuvo unas pérdidas valoradas en 365.) y un contagioso espíritu anárquico. Concebidas como una especie de alocado antídoto contra una realidad bastante sombría. estallando de frustración tras sus gafas de montura de concha. poco más o menos en 1934. la película no fue un éxito de taquilla. Ronald Colman y Robert Montgomery. y alcanzó su máximo auge en torno a la fecha de estreno de Lafierade mi niña. un enloquecido cazador. un leopardo de Brasil y con Horace Applegate. no podrá resistirse a la arrebatadora personalidad de Susan. conseguían ridiculizar al supuesto héroe masculino. A pesar de las buenas críticas con que fue recibida. No obstante. a lo que habría que añadir un tono satírico de corte social no muy habitual en la época. La fiera de mi niña se considera hoy en día el más depurado ejemplo de la comedia disparatada. Sin embargo. donde se verá embrollado en una serie de humillantes peripecias con la mascota Baby. será entonces cuando un embarazoso encuentro con una cabeza loca. Aunque a raíz de todo ello dará con sus huesos en la cárcel. mientras tonteaban entre sí. con películas como Sucedió una noche y La comedia de la vida (Twentieth Century). En ellas se mezclaba la sofisticación verbal con un sentido del humor físico más obvio (batacazos.. 1972) de Peter Bogdanovich. En cualquier caso. Dirigida por Howard Hawks con un vigor y un ritmo que intensificaría aún más en Luna nueva (His girlfriday. Despojado de sus ropas y de su dignidad. 1940). la forma en que Susan descubre el hueso perdido. había sido rechazado con anterioridad por Ray Milland.O. Comentario Dotada de una línea argumental tan descabellada que desafía cualquier intento de descripción lógica. la sigue hasta una granja de Connecticut. la película constituye una de las cuatro fructíferas colaboraciones en pantalla entre Katharine Hepburn y Cary Grant. y ha servido como modelo para la película ¿Qué me pasa. este último desempeñando un papel que. doctor? (What's up Doc. Cary Grant es el perfecto complemento de la elegante y mimada heredera que interpreta Katharine Hepburn. contribuyó a que los exhibidores colgaran a la Hepburn la etiqueta de «veneno para la taquilla» y precipitó la ruptura de su asociación con la R. También Hawks se vio afectado por su fracaso. propiciando así su vuelta al teatro. donde se le rinde homenaje. la rica heredera Susan Vanee. pues perdió la oportunidad de dirigir Gunga Din para esos estudios. un género que surgió en el Hollywood de anteguerra. El género se inició. sin gran dificultad.000 dólares. La Tía de ésta financiará sus trabajos y la propia Susan se convertirá en su prometida. A todo ello se añadió finalmente el hecho de que la película no obtuviera ninguna nominación de la Academia. . no permite augurar un futuro precisamente tranquilo a la pareja. finalmente. trastoque por completo su vida. estas películas solían incluir unos personajes atractivos que. hoy en día es considerada como una obra cumbre de la comedia cinematográfica de su década. de resultas de la cual se produce la destrucción del dinosaurio. según parece. bufonadas. etc. iban pasando por una serie de disparatadas aventuras.186 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 187 está casi acabada. Al descubrir que el perro de la joven puede ser el responsable de la desaparición de un hueso que es crucial para la conclusión de su obra.K.

de Raoul Walsh. que reflejaban el pesimismo que embargaba al país en el período de postguerra y buceaban en los temas de la corrupción y la traición a través de unos personajes. aplicada a la literatura gótica anglosajona del siglo xix. de Nicholas Ray. o el sádico y rufianesco Mike Hammer. 1922. con películas como Chinatown (1974). 1955). de Jules Dassin. la atmósfera se volvió todavía más nihilista y muchas películas comenzaron a prestar especial atención a las psicologías retorcidas y a la neurosis. 1939).188 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 189 Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad El cine negro Los antecedentes de este estilo cinematográfico. un personaje que a menudo resulta crucial para la resolución de la trama y que proporciona al héroe. el detective creado por Mike SpiUane. Retorno alpasado (Out ofthePast. el término «cine negro». La ambientación en un paisaje de calles sórdidas. Ulmer. o Noche en la ciudad (Night and the City. si bien. en las últimas tres décadas se han producido algunos intentos de recuperar sus formas y su atmósfera. de Howard Hawks. 1944).film noir. como fruto de la colaboración entre el actor Jean Gabin. . se puede rastrear en los personajes interpretados por Gene Tierney en Laura (1944) y. o la escenificación de unos niveles de violencia hasta entonces desconocidos. 1981) o Sangre fácil (Blood Simple. dos escritores que también ejercieron ocasionalmente de guionistas. Detour (1945). Si los primeros indicios de este estilo pueden apreciarse ya en la adaptación que John Huston hizo de la novela de Hammet El halcón maltes (1941). Nosferatu. cuyo estoicismo a la hora de hacer frente a un destino inexorable y fatídico. 1950). Entre los ejemplos más característicos del género cabría citar películas como La mujer del cuadro (The Woman in the Window. envueltas en sombras y empapadas de lluvia. pueden rastrearse en una serie de fuentes que incluirían las películas expresionistas alemanas del período de entreguerras (ejemplos serían. la ocasión de soltar alguna de sus impertinencias. pusieron punto final al desarrollo de este estilo cinematográfico. creando personajes como Cody Jarret. por Barbara Stanwyck en Perdición (1944). de cuyas obras se han sacado ya películas como The Kill-Off (1989). Hoy en día. Con el tiempo. sobre todo. el gángster con fijación materna que interpretó James Cagney en Al rojo vivo (1949). la aparición de la figura de la «mujer fatal». de Fritz Lang. 1926. y las crudas ficciones policiacas de autores como Dashiell Hammett o Raymond Chandler. de Robert Aldrich (prácticamente el último de los de su clase). de El beso mortal (Kiss Me Deadly. Sobrevive también en la fascinación que hoy en día produce la obra de un escritor de novelas baratas como Jim Thompson. los violentos claroscuros y las perspectivas distorsionadas. 1946). Los timadores (The Grifters. 1984).]. de Robert Siodmark. El sueño eterno (1946). la tórrida Fuego en el cuerpo (Body Heat. Forajidos (The Killers. la vena de realismo poético presente en esos dramas de atmósferas neblinosas e inquietantes surgidos en la Francia del período de anteguerra. El gabinete del doctor Caligari. 1919. el guionista Jacques Prévert y el director Marcel Carné (ejemplos significativos serían El muelle de las brumas [Quai des brumes. Una combinación de factores. que deriva a su vez de la expresión román noir («novela negra»). fueron algunos de los recursos empleados por el cine negro para crear sus típicas atmósferas. parecía reflejar las zozobras y la confusión de quienes vivían ya en la era nuclear. o El vampiro de Dusseldorf. 1947). se utiliza para describir el estilo característico de una serie de películas muy diversas surgidas en el Hollywood de los años cuarenta y principios de los cincuenta. el guionista neurótico Dixon Steele (Humphrey Bogart) de In a Lonely Place. muchas de ellas con una intrincada estructura narrativa a base deflash-backs y dotadas de una trama que gira en torno al atractivo irresistible de una mujer hermosa. 1990) y After Dark My Sweet (1990). \9i8 o Amanece [Lejourseléve]. muy distinto ya del buen chico de otros tiempos. cuya denominación viene del irancés. que incluirían desde el inicio del confortable patriarcado de la era Eisenhower hasta la experimentación de la industria cinematográfica con el color y la proyección en pantalla gigante. el género fue alcanzado cotas cada vez más altas de brutalidad y pesimismo. Metrópolis. de Edward J. 1931). el vampiro. de Jacques Tourneur.

Por otro lado. El elogio de varias generaciones sucesivas de críticos ha terminado por rescatar del olvido en que había caído -junto al resto de su producción cinematográfica. DURACIÓN: 109 minutos. un empleado de un estudio cinematográfico. aún hoy. es interrumpido por la madre de Helen que. FOTOGRAFÍA: Otto HeUer. al no existir un elemento de fantasía al que agarrarse. un interés que. a modo de experimentos sobre la psicología del miedo. a pesar de los años . GUIÓN: Reino Unido. Cuando se encuentra viendo una de sus películas. Anna Massey (Helen Stephens). hoy se reconoce la importante contribución que supuso para el cine contemporáneo. terminará por despertar las sospechas de la policía. la vecina del piso de abajo. Shirley Ann Field (Diane Ashley). a pesar de ser ciega. Posteriormente asesina a la modelo Vivian y se dedica a filmar las investigaciones que realiza la policía sobre el caso. hacen de ella la más radical de sus obras y. y la deja ver las inquietantes películas que. MONTAJE: Noreen Ackland. Condenada con virulencia por la crítica en el momento de su estreno. la más controvertida. al incluir las filmaciones de Mark -que éste reproduce por el placer que saca de ellas. Entabla amistad con Helen Stephens. Al descubrir a Helen en su propia casa. a la vez que se dedica a filmar los rostros de sus víctimas femeninas mientras las apuñala con el trípode de su cámara. Powell hace uso en muchas ocasiones del efecto del cine dentro del cine. se puede apreciar en la mayoría de sus principales obras. Semejante estructura refleja la obsesión de Powell con la naturaleza y la forma del cine. 1959 Leo Marks. Seguramente. seguramente. a diferencia de lo que ocurre con otras películas de terror. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur Lawrence. Finalmente. Su original utilización del color y de la iluminación. el espectador se ve forzado. MÚSICA: Brian Easdale. no sólo a aceptar que Mark Lewis es un personaje al que se puede comprender y con el que incluso es posible llegar a identificarse. INTÉRPRETES: Cari Boehm (Mark Lewis). PRODUCCIÓN: Anglo-Amalgamated/Astor (Michael Powell). se da cuenta de que allí hay algo extraño. este relato sobre un joven perturbado que disfruta filmando a las mujeres que asesina con las afiladas patas del trípode de su cámara siga siendo. vuelve la cámara hacia sí para filmar su propio suicidio.y las que su padre (interpretado por el propio Powell) realizó sobre los experimentos llevados a cabo con él cuando era niño (un papel que interpreta el verdadero hijo de Powell). Argumento Mark Lewis. que comienza a seguirle. aunque no de forma tan directa.esta impactante y provocativa obra de Michael Powell. complementa sus ingresos sacando fotos de «destape» para una tienda local. Aunque.190 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 191 Comentario Elfotógrafo del pánico PEEPING TOM DIRECTOR: Michael Powell. Son precisamente estas últimas filmaciones las que permiten intuir dónde puede hallarse el origen de su perversión. viendo las películas de sus asesinatos. sino a reconocer también su complicidad en los hechos al participar del acto de voyeurismo que es la propia contemplación de la película. Moira Shearer (Vivían) Esmond King (Arthur Badén). la película más espeluznante que jamás haya producido la cinematografía británica. A lo largo de la película. le hacía su padre cuando él era niño. así como los cambios constantes en la textura visual de la película.

pero que. y se detienen para visitar a la madre del profesor. recogen también a la pareja que ocupaba el otro vehículo. el resto del grupo hace una parada para realizar una comida campestre. que realiza una gran interpretación en el otoño de su vida. Marianne le comunicará finalmente su intención de regresar junto a su marido y tener el hijo que está esperando. Fresas salvajes SMULTRONSTÁLLET DIRECTOR: Ingmar Bergman. se da cuenta de que está forcejeando con su propio cuerpo. al que siempre le ha costado mucho responder a la calidez humana. parten de viaje para asistir a una ceremonia que se va a celebrar en honor de aquél. su contemplación sigue produciendo inquietud. INTÉRPRETES: Víctor Sjóstróm (Profesor Isak Borg). terminará por comprender su valor. el más grande director sueco anterior a Bergman. Ingmar Bergman. en buena parte. La película sigue el viaje en coche que realiza el profesor en compañía de su nuera -un viaje que se convierte en un recorrido por su pasado y su presente. finalmente. Bibi Andersson (Sara). pero. y que guarda un gran parecido con el antiguo amor del profesor (ambas son interpretadas por la misma actriz). Cuando pasan junto al que fue el hogar de su infancia.y gira en torno a los sueños que va teniendo a medida que visita los escenarios donde transcurrió su vida. Argumento El viejo profesor Borg y su nuera. Folke Sundquist (Anders). el paso del tiempo y los cambios producidos en el contexto social y psicológico han hecho que ya no parezca una rareza y. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Gittan Gustafsson. Más adelante. Prosiguen su viaje. las fresas salvajes son consideradas un símbolo de regeneración y de la llegada de la primavera. Naima Wifstrand (Madre de Isak). una anciana de noventa y cinco años. la nuera decide expulsarlos del coche. cuando éste mira en el interior de la caja. un hombre frío y distante. pero finalmente recibe su título honorario. el profesor recuerda a una chica que amó en su juventud. 1957 En Suecia. En un sueño posterior vuelve a encontrarse con el amor no correspondido de su juventud. MONTAJE: Osear Rosander. durante la cual se habla sobre la existencia de Dios. una joven autoestopista que viaja acompañada de dos amigos. algo muy distinto a esa obra gratuitamente repulsiva que tanto impactó al público de 1959. en otro. Tras haber estado a punto de verse involucrados en una colisión. se ocupa de rememorar todas las oportunidades perdidas en la vida del profesor Isak Borg. Marianne. mientras que. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. MÚSICA: Erik Nordgren. Gunnar Bjórnstrand (Evald). Julián Kindahl (Agda). Ingrid Thulin (Manarme). algo que pone de manifiesto el carácter básicamente positivo de una película que. DURACIÓN: 90 minutos. se ve sometido a un humillante examen de su vida privada y profesional. GUIÓN: Comentario Suecia. desde luego. .192 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 193 transcurridos. Recogen a Sara. Borg es interpretado por Víctor Sjóstróm. como siempre están discutiendo. Borg sueña con que no puede demostrar su valía profesional. B/N. El más famoso de estos sueños es el que tiene lugar al principio de la película (un sueño que Bergman confesó haber tenido en cierta ocasión): de un ataúd que ha caído de un coche fúnebre sale una mano que trata de aferrar a Borg. Bjórn Bjelvenstam (Viktor). PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Alian Ekelund).

A pesar de lo desgarrador que puede resultar en ocasiones. Posteriormente. ponía de relieve su asociación con los artistas del movimiento expresionista. le lanza sus acusaciones. Friedrich Feher(Francis). es raptada por Cesare. realizados a base de ángulos deformados. y la crítica ha sabido sacarle mucho partido al modo en que El gabinete del doctor Caligari refleja el estado anímico imperante en la Alemania de posguerra. además de ejercer posteriormente una notable influencia estilística en el desarrollo del género de terror de Hollywood. INTÉRPRETES: Werner Krauss (Dr. para la Caja de Pandora (Die buchse der Pandora. esa dimensión «artística». la película se anunció como «la mayor contribución europea al arte cinematográfico». posiblemente. Al estrenarse en el Reino Unido en 1922. Como es natural. afirmativo de la vida humana. Francis regresa al manicomio en el que está internado junto a Cesare y Jane. W. Caligari). Cesare. El asesinato de su amigo Alan tras una visita a una feria. 1929). Jane. Aunque el guión original parece contener un mensaje nítidamente antiautoritario. toda obra de arte es en gran medida fruto de la situación ideológica de un determinado momento histórico. FOTOGRAFÍA: Willy Hameister. Conradt Veidt (Cesare). Walter Rohrig y Walter Reimann. así como uno de los mayores logros fümicos de Bergman. Argumento Cómodamente sentado. Cuando Francis descubre una serie de informes sobre un asesino del siglo xvín llamado Caligari. se encara con el doctor y . Olsen). se trata de un retrato compasivo y. su inquietante argumento y sus decorados. Pabst. Comentario Considerada generalmente como la primera gran obra cinematográfica del expresionismo alemán. de G. unido al carácter marcadamente enfático de las actuaciones. no obstante. Rudolf Lettinger (Dr. y de cierta tendencia a caer en un exceso de análisis. Francis se dispone a relatar cómo llegó a verse involucrado en las actividades del Doctor Caligari. donde Caligari y su asistente sonámbulo. falsas perspectivas y sombras pintadas. pero éste hace que se lo lleven aprisionado por una camisa de fuerza. Sin duda. W. Murnau y. El gabinete del doctor Caligari serviría de fuente de inspiración para películas como Nosferatu (1922) de F. cuyas formas distorsionadas y antinaturalistas. la novia de Francis. Una vez acabada la narración. en última instancia. que. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. PRODUCCIÓN: Decla-Bioscop (Erich Pommer). reflejaban la progresiva fragmentación del tejido social alemán. El profesor terminará por darse cuenta de los muchos errores cometidos a causa de su incapacidad para tratar con las personas más cercanas a él. Lili Dagover (Jane). morirá mientras es sometido a una persecución. El Doctor considera que el paciente ha experimentado una mej oría y vaticina que Francis terminará por curarse de la locura que le ha llevado a crear estas fantasías. eran la principal atracción. era algo que saltaba a la vista. B/N. DURACIÓN: 78 minutos.194 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 195 Los sucesivos sueños van revelando los miedos y angustias de Borg a medida que su vida se va aproximando a su fin. la versión definitiva (tras las modificaciones introducidas por el productor). Hans Heinz von Twardowski (Alan). hace que Francis sospeche de Caligari. en la que la horripilante his- El gabinete del doctor Caligari DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI Alemania. 1919 DIRECTOR: Robert Wiene. GUIÓN: Cari Mayer y Hans Janowitz (basado en un relato de Janowitz).

Riña Morelli (Maria Stella). el Príncipe Don Fabrizio de Salina reconoce la necesidad de adaptarse a un mundo cambiante. permitiéndole retomar un momento histórico crucial. Comentario Combinando de forma inconfundible la nostalgia por la elegancia de los tiempos pasados y el enfoque determinista de raigambre marxista sobre el carácter inevitable del cambio social. la Fox proporcionó a Visconti una breve lista en la que figuraban Spencer Tracy. y contribuirá a engrosar de forma considerable las arcas de la familia. un aristócrata de reconocidas simpatías procomunistas. A pesar de ello. el Príncipe no puede evitar sentirse invadido de un amargo sentimiento de nostalgia por los tiempos pasados.. Don Calogero.196 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 197 toria principal resulta ser fruto de los delirios de un demente y la figura del Doctor Caligari se corresponde en realidad con la de su benévolo psiquiatra. un próspero comerciante y miembro de la cada vez más poderosa burguesía. Durante un plácido verano en la mansión campestre de la familia. Extremos todos ellos que quedaron confirmados por la versión en color que el cine norteamericano realizó en 1962. Claudia Cardinale (Angélica Sedara). al viejo orden estamental. La unión de ambos hará saltar las barreras entre las clases sociales. se diría que la idea de llevar a cabo una versión actualizada de la misma tenía muchas probabilidades de resultar una empresa arriesgada y con pocas posibilidades de éxito. década de 1860. La publicación en 1958 de la novela en que se basa la película. Al no estar ninguno de ellos disponible. la hija del alcalde. La ejecución de cuatro traidores no hará sino reforzar su condición de último representante de una estirpe agonizante. GUIÓN: Luchino Visconti y otros (basado en la novela de Giuseppe Di Lampedusa). el príncipe Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Romolo Valii (Padre Pirrone). Elgatopardo sigue siendo la película más característica del director milanés Luchino Visconti. del que ya se había ocupado en Senso (1954). Tras alcanzar un acuerdo con la Twentieth Century Fox.UU. MONTAJE: Mario Serandrei. durante un gran baile que se da para presentar a Angélica en sociedad. su sobrino Tancredi se enamora de Angélica. que le permitió disponer del capital necesario para financiar el proyecto. proporcionó a Visconti un material de base perfecto. Dado que la verdadera fuerza de la película reside en su fidelidad a los postulados expresionistas y en las circunstancias históricas tan específicas en las que fue realizada. Alain Delon (Tancredi). 1963 DIRECTOR: Luchino Visconti. FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno. Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Mario Garbuglia. la primera opción para el papel del Príncipe fue el actor ruso Nicolai Cherkassov. MÚSICA: Niño Rota. obra igualmente de un noble. bajo la dirección de Roger Kay. PRODUCCIÓN: Tita- nus/SNPC/SGC para Twentieth Century Fox (Goffredo Lombardo). Argumento Sicilia. Anthony Elgatopardo IL GATTOPARDO Italia/Francia/EE. barajándose también como posibles aspirantes los nombres de Laurence Olivier o Marión Brando. Aunque pertenece . Garibaldi trata de unir las distintas regiones de Italia para crear un único estado. ha sido interpretada como una expresión del temor de la psique alemana a que la libertad individual sea una incitación al caos y a la consecuente necesidad de contenerla recurriendo a un liderazgo férreo. como es el Risorgimento. DURACIÓN: 205 minutos. INTÉRPRETES: Burt Lancaster (Don Fabrizio).

son precisamente estos impulsos contradictorios los que hacen tan fascinantes las mejores películas de Visconti. DURACIÓN: 105 minutos. nombres todos ellos que estaba dispuesta a aceptar para el papel. trata de seducirlo. En el transcurso de una fiesta organizada para darle la bienvenida. un estudiante de familia rica. No obstante. oiga la versión de Benjamín. una graduada universitaria como él. cuando me- . Cuando. escenificara las dudas y preocupaciones de unas jóvenes generaciones norteamericanas que ya no eran capaces de conectar con los valores de sus progenitores. Benjamín llega a la iglesia cuando la ceremonia está a punto de terminar y sale huyendo de allí con la recién casada. Comentario El graduado THE GRADÚATE EE. 1967 DIRECTOR: Mike Nichols. una amiga de la familia. Elaine decidirá creerle a él y no a su madre. Elaine. Argumento Benjamín Braddock. finalmente. el director. Robinson). contándole a Elaine que Benjamín la violó. FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. durante el trayecto. un ingenuo muchacho que acaba de graduarse con premio extraordinario. le pide que la lleve a casa en coche y. al mismo tiempo. De resultas de todo ello surgiría El graduado. el exquisito mobiliario y las galas de la fiesta.UU. William Daniels (Mr. Benjamín no tardará en sentirse atraído por su hija. Robinson). la relación entre ambos fue muy fructífera y dio como resultado una interpretación magistral. en contra de lo que había opinado en un principio. Mrs. regresa a su hogar en Los Ángeles. Ambos volverían a trabajar juntos en Confidencias (Gruppo difamiglia in un interno. ^ Tras haber entrado por la puerta grande en el mundo del cine con su acida versión de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf. A medida que la cámara de Visconti se va recreando en la autenticidad de los trajes de baile. ya será tarde. Braddock). INTÉRPRETES: Anne Bancroft (Mrs. Murray Hamilton (Mr. MÚSICA: Dave Grusin (canciones: Paul Simón). Robinson. Dustin Hoffman (Benjamín Braddock). MONTAJE: Sam O'Steen. Las opciones que se barajaron antes de tomar una decisión definitiva con respecto al reparto fueron. Los treinta y seis días empleados para rodar la espectacular secuencia del baile que ocupa el último tercio de la película. Robinson trata de poner fin a esa relación. donde tendrá que hacer frente a las dudas que le suscitan su futuro y los círculos de clase alta en que se mueven sus padres. PRODUCCIÓN: AVCO Embassy (Lawrence Turman).198 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 199 Quinn y Burt Lancaster. Mrs. La elección no pudo ser más acertada. aunque no pueda evitar albergar serias dudas sobre el rigor o la sinceridad de su análisis en clave izquierdista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert. el espectador se siente seducido por la riqueza y la fluidez de su trabajo. GUIÓN: Calder Willingham y Buck Henry (basada en la novela de Charles Webb). No obstante. 1966). en los que capta a la perfección un estado de ánimo que se caracteriza más por un tono elegiaco y resignado que por un festivo optimismo. Elizabeth Wilson (Mrs. el director Mike Nichols puso sus miras en realizar una película que satirizara algunos rasgos del estilo de vida propio de la ciudad de Los Ángeles y que. Aunque se inicia entre ellos una relación íntima. más adelante. Katharine Ross (Elaine Robinson).. dieron como resultado algunos de los mejores momentos del director. 1974). Braddock). optó por Burt Lancaster. pues se encuentra prometida con Cari Smith.

En el campo de prisioneros de Hallbach. los pilotos Marechal y De Boeldieu son tratados con toda hospitalidad por Von Rauffenstein. permitiéndole obtener. Nominada en siete categorías para los Osear. interesantes. Marcel Dalio (Rosenthal). finalmente. Pierre Fresnay (Capitán De Boeldieu). Durante su viaje de 200 millas. Al margen de sus alardes estilísticos. el caballeroso Von Rauffenstein se verá obligado a matarlo de un disparo. lo rechazó. Erich von Stroheim (Von Rauffenstein). y la simpatía con que se retratan los traumas de la primera madurez. Robinson y. alcanzan la libertad tras cruzar la frontera suiza. Al frente de la nueva prisión se encuentra Von Rauffenstein. por ejemplo. cuando De Boeldieu trate de distraer la atención de los alemanes para que sus dos compañeros puedan escapar. uno de los ases de la aviación alemana. Dita Parlo (Campesina). Nichols filma en todo momento desde el punto de vista de este personaje. recurriendo con frecuencia a la distorsión de las imágenes para subrayar formalmente la alienación que va corroyendo al protagonista por dentro. alegando. que. a cuyo lado promete volver Marechal una vez terminada la contienda. Joseph Kosma. que nadie creería que alguien como él pudiera tener dificultades para relacionarse con chicas. Tras haber sido abatidos durante una misión. No obstante. en un determinado momento. sin embargo. el carácter sumamente agradable de las canciones pop de la banda sonora. se vio forzado a reemplazarlo. tan sólo en los Estados Unidos. B/N. FOTOGRAFÍA: Christian Matras. se ofreció el papel protagonista a Robert Redford. . la película proporcionaría a Mike Nichols el premio al mejor director. y que procurará mostrarse todo lo correcto que le permiten las circunstancias. GUIÓN: Jean Renoir y Charles Spaak.200 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 201 nos. con toda razón. INTÉRPRETES: Jean Gabin (Marechal). Finalmente. Argumento La Primera Guerra Mundial. DURACIÓN: 117 minutos. MONTAJE: Marguerite Renoir. poco conocido y proveniente de los escenarios de Broadway. La versión definitiva de la película sirvió para catapultar al estrellato a Dustin Hoffman. que se ha visto forzado a abandonar el frente. También se pensó en Doris Day para el papel de Mrs. cuando casi han terminado su túnel de huida. un actor de treinta años. Robinson. Gene Hackman fue el elegido para hacer de Mr. una recaudación de 50 millones de dólares. PROCinedis. Así. fueron elementos más que suficientes para hacer de ella una de las películas más populares de los años sesenta. cuya relación con una lasciva mujer casada hará que ponga en entredicho los acomodaticios valores burgueses a los que se suponía que tenía que adaptarse sin protestar. Carette (Un actor). los dos fugados encontrarán alimento y refugio gracias a una joven viuda alemana. aunque. no muy satisfecho con el resultado. son traslados a Wintersborn. 1937 Jean Renoir. que supo dar en el clavo con su interpretación de un joven inocente de clase media. Mike Nichols. traban amistad con el Capitán francés Rosenthal y. La gran ilusión LA GRANDE ILLUSION DIRECTOR: DUCCIÓN: Francia.

Tras conseguir abrirse paso a tiros y huir. un antiguo miembro de la banda. como un acto de patriotismo. permite que el personaje de Von Stroheim. que tan sólo pudo llevarse a cabo tras los denodados esfuerzos que hubo de hacer Renoir durante tres años para con- seguir financiación. los dos fugitivos aún son vistos como un rufián de clase obrera y un odioso judío. un director cuya obra. PRODUCCIÓN: Warner Brothers/Seven Arts (Phil Feldman). en ese «mundo feliz» de fuera de la prisión. Tejas. Edmond O'Brien (Sykes). cuya defensa a ultranza de la incursión que hace Renoir en el terreno de la sátira maliciosa en su película La regla del juego (1939). MONTAJE: Louis Lombardo. su homólogo en graduación y en rango social. ha amenazado con eclipsar el logro que supone La gran ilusión. FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard. trasciende las barreras de clase. 1914. Ernest Borgine (Dutch).202 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 203 La gran ilusión es la película más conocida del francés Jean Renoir. la gran ilusión a la que hace referencia el título ha de buscarse en el contraste que existe entre los ideales de hermandad que se experimentan en una situación de reclusión y la persistencia de los prejuicios en la sociedad «libre». que interpreta Pierre Fresnay. Basada en una historia real acontecida durante la Primera Guerra Mundial. No obstante. ha entregado algunos rifles a los revolucionarios mexicanos. Argumento Starbuck. ambas obras constituyen una sabia reflexión sobre laflexibilidadde unas estructuras sociales. le dispare. uno de los miembros de la banda. Cuando Pike y los demás regresan para pedirle que lo libere. Pike Bishop consigue burlar a los hombres de Thornton y llevar a cabo su misión. les contrata para que se apoderen de un tren de municiones destinadas al ejército norteamericano. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Edward Carrere. la película ilustra cómo la camaradería entre oficiales y tropa. Warren Oates (Lyle Gorch).UU. DURACIÓN: 143 minutos. Cuando la banda de proscritos el Grupo Salvaje llega a un pueblo para robar el banco. caracterizadas hasta hace no mucho por su extrema rigidez. Así. cuando el oficial de la clase alta francesa. GUIÓN: Walon Greeny Sam Peckinpah (basada en una historia de Green y Roy Sickner). La película. Aunque esta última suele interpretarse como un ejercicio de humanismo antibélico de corte más convencional. Grupo salvaje THE WILD BUNCH EE. MÚSICA: Jerry Fielding. le hace encerrar. posee tal variedad y riqueza. e incluso nacionalidad. rango. donde un bandido. que algunos críticos han llegado a considerarlo el más grande cineasta de todos los tiempos. Mapache degüella a Ángel. La soltura con que se desenvuelve Renoir en un amplio espectro de enfoques temáticos quizá haya contribuido a desorientar a los críticos más comprometidos con la teoría del autor. la banda se dirige a México. su trágico sacrificio es tanto un reconocimiento del final del orden antiguo y del amanecer de una nueva sociedad. INTÉRPRETES: William Hol- den (Pike Bishop). Pike mata de un disparo . al frente de los cuales se encuentra Deke Thornton. Ryan (Deke Thornton). fue la producción de mayor éxito en Francia en el año de su estreno y recibió el premio al mejor conjunto artístico en el Festival de Venecia. Al descubrir Mapache que Ángel. el «General» Mapache.. elaborada a lo largo de cerca de 45 años. Irónicamente. Jaime Sánchez (Ángel). tanto en el bando francés como en el alemán. 1969 DIRECTOR: Sam Peckinpah. caen en una emboscada preparada por unos cazadores de recompensas. credo.

204 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 205 al «General». precipitando así un sangriento enfrentamiento. y de un modo increíblemente sangriento. a diferencia de otras películas de acción que. también decidirá unirse a ellos. FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor. Anthony Daniels (C3PO). La película. un grupo cuyos miembros tratan de enfrentarse a un mundo cambiante. del lado de la Revolución Mexicana.. No obstante. una ambigüedad que nunca llega a resolverse del todo. aferrándose a un código de honor y lealtad tan caduco como estricto. 1977 George Lucas. MÚSICA: John Williams. Marcia Lucas y Richard Chew. en . Alee Guinness (Ben Obi-Wan Kenobi). La trama parte de uno de los presupuestos más básicos del cine: una prolongada persecución. cuando llegue Thornton. Argumento Tras haber sido capturada por Grand Moff Tarkin. Harrison Ford (Han Solo). en este caso su violencia atroz se halla cuidadosa y deliberadamente enmarcada en un contexto moral con resonancias míticas.sino que está enraizada en la fusión entre una violencia visual extrema y una visión verdaderamente oscura de la condición humana. El propio Peckinpah justificó tales recursos de la siguiente manera: «Matar a un hombre no es algo limpio. supuso una reelaboración del vocabulario fümico destinado a reflejar la violencia de una forma más gráfica. A medida que se va desarrollando la caza. ha terminado por convertirse en un lugar común. El viejo Sykes regresará junto a los revolucionarios y. Carrie Fisher (Princesa Leia Organa). siguiendo su estela. por medio de la cual los proscritos son presentados a un tiempo como unos personajes violentos que perturban el orden social y como una especie de héroes del folklore. Ésta se inicia y concluye con dos matanzas espantosas. Aunque la fórmula no tiene nada de original. la película es un verdadero tour de forcé que no admite comparación alguna con nada de lo que se había filmado hasta entonces. desgraciadamente. se mostraron igual de explícitas en ese aspecto. a lo mejor llegamos a alguna parte». Desde un punto de vista técnico. Si mucha gente termina por darse cuenta de que disparar a alguien es algo más que un juego divertido. Comentario Aunque es posible que Grupo salvaje sea uno de los westerns convencionales más despiadadamente violentos jamás realizados. a pesar de que mueran por propia voluntad. con su tendencia a recrearse en los primeros planos y su utilización casi musical de la cámara lenta.UU. en las que se verá envuelto ese grupo de avejentados proscritos que da nombre a la película. sino sangriento y espantoso. rara vez se ha llevado a la práctica con tal grado de intensidad. INTÉRPRETES: Mark Hamill (Luke Skywalker). rápido y sencillo. MONTAJE: Paul Hirsch. contextualizado todo ello mediante una serie de personajes con los cuales el espectador no puede evitar sentirse íntimamente identificado. DURACIÓN: 121 minutos. GUIÓN: George Lucas. La guerra de las galaxias STARWARS DIRECTOR: EE. Peter Cushing (Grand Moff Tarkin). Peckinpah crea con gran habilidad una dicotomía moral. su capacidad perturbadora no depende exclusivamente de la violencia -que. en el que morirán los miembros del Grupo. la Princesa Leia implanta un holograma en el robot R2D2 que. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Gary Kurtz). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Norman Reynolds y Lesley Dilley.

C3P0. Darth Vader y el Imperio. 1983]. donde se revela que Vader es en realidad el padre de aquél). constituyen los episodios intermedios de un ciclo épico de nueve partes. vestuario y banda sonora original. En la ceremonia de los Osear barrió en todas las categorías técnicas. no obstante. Comentario La guerra de las galaxias abrió las puertas a un verdadero aluvión de espectáculos de aventuras de alto presupuesto. consigue escapar.T. que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su deslumbrante aparición. los robots R2D2 y C3PO -y toda la cohorte de estrambóticos y peludos extraterrestres que figuran en la serie. Luke Skywalker se presenta voluntario para un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y. sonido. Sin embargo. Luke Skywalker. una especie de poder interior similar al zen. un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de la época de Flash Gordon. y por sus enemigos mortales. vería la luz en 1999. la película y sus dos secuelas. llevándose los premios a los efectos especiales. aunque ambos provenían del mundo de las escuelas de cinematografía.206 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 207 compañía de otro robot. literalmente atiborrados de efectos especiales. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Sky- walker es también una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su propio interior (una idea que se hace aún más palpable en El retorno del Jedi [Return ofthejedi. en particular Han Solo. no es menos cierto que su inmenso atractivo y los ingresos de más de 165 millones de dólares que obtuvo en taquilla le deben mucho a la maestría con que esa acción está ejecutada. que ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra. 1980) y El regreso del Jedi (Return ofthejedi. El primer episodio del ciclo. Aunque definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal. Cuando sus parientes son asesinados por los hombres de Tarkin. pero. La amenaza fantasma (Phantom Menace). mientras que tampoco se puede decir que sus compañeros. (1982). George Lucas y Steven Spielberg serían las figuras dominantes en este campo y. El imperio contraataca (The Empire Strikes Back. antes. Éste le informará de que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza». No obstante. Mientras el resto del grupo salva a Leia. la película supone. descubre el mensaje de la Princesa y busca a Owi-Wan Kenobi. consigue destruirla. además de prefigurar el posterior éxito obtenido por Spielberg con E. 1983). Como ha señalado Lucas. fueron los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia los que les sirvieron de inspiración para sus obras de mayor éxito. montaje. dirección artística. traspasa «La Fuerza» a Luke. Una vez llegados al planeta rebelde. Si bien la película es algo más que un mero espectáculo de acción. con la ayuda de Han Solo. Luke contrata al piloto Han Solo para que le conduzca a él y a Obi-Wan a la Estrella de la Muerte.parecen cumplir la función de proporcionar un toque de ligereza que sirva de contraste. Obi-Wan muere al enfrentarse a Darth Vader. Vader sale ileso y dispuesto a volver a dar guerra. Luke Skywalker. representados respectivamente por el joven héroe. . sean personajes carentes de ambigüedad.

. Una de sus últimas películas. Alfinalde la escapada (1959). lleva el provocativo título de Nouvelle vague (1990). tanto política como estéticamente. en una palabra: emoción» La «Nueva Ola» francesa El término. como sucede en El carnicero (1969). destacando entre sus obras la serie de películas que evocan las alegrías y las penas del amor a través de la figura de su alter ego cinematográfico. de Claude Chabrol. Truffaut. 1959). tiene más bien poco valor. mon amour (1959).en una palabra: emoción». y Alain Resnais. 1961). Los miembros del movimiento. en un intento de revolucionar el medio y reflexionar a la vez sobre el propio proceso de creación cinematográfica. unido a sus innovaciones arguméntales. Antoine Doinel (interpretado por el actor Jean-Pierre Leaud) y La noche americana (1973). La influencia que ha ejercido este cine a lo largo de los últimos cuarenta años ha sido inmensa y es fácilmente detectable en el cine norteamericano a través de películas como Bonnie y Clyde (1967) o Buscando mi destino (1969). la forma de presentar las historias y la aceptación de la artificialidad de la narración filmica se convirtieron en elementos de la experiencia cinematográfica tan importantes como las emociones provocadas por la propia historia. declara: «Una película es como un campo de batalla. aunque con desigual fortuna. El año pasado en Marienbad (L'année derniére a Marienbad. en cuyos artículos. Hiroshima. lo único que existe es el mar». muerte. Chabrol se haría famoso por su habilidad para hacer de un asesinato o algún otro acto violento un espejo de las costumbres burguesas. haría gala de una elegancia y una maestría llenas de naturalidad en el enfoque que dio a la gran variedad de géneros que tocó. En años sucesivos. considerada la primera manifestación auténtica de la «Nueva Ola». según la cual el director imprime su sensibilidad personal y su visión artística a todos los aspectos de la obra cinematográfica. acuñado según parece por Francois Giroud. y se mantuvo firme. en su empeño de desmantelar uno por uno todos los pilares dramáticos y técnicos del cine convencional. odio. de Alain Resnais. La «Nueva Ola» la formaban un grupo de entusiastas aficionados al cine. Algunos de los títulos más notables de la «Nueva Ola» fueron Julesy Jim (1961). 1958). que a la postre sería el que tendría más éxito comercial de todos ellos. . acción. entendida como un término genérico que abarcaría la obra de todos estos directores. Godard. convirtiéndose así en el único autor de la misma. Su entusiasmo con la libertad que les proporcionaba la ligereza de las cámaras de mano y el abundante uso que hicieron de la filmación en escenarios naturales. en los próximos años irían surgiendo películas de la mano de Francois Truffaut. entre ellos Francois Truffaut.. de Francois Truffaut. De ese modo. se aplicó a la nueva hornada de jóvenes directores franceses que empezó a destacar afinalesde los años cincuenta y durante los sesenta. a su entender. y es muy posible que Chabrol tuviera razón cuando dijofilosóficamente:«No existen nuevas olas. Los cuatrocientos golpes (Les quatre cent coups. abogaban por un cine libre de toda la prosopopeya que. de Godard. Pierrot el loco (Pierrot lefou. El director Sam Fuller supo expresar de forma memorable esta filosofía cuando en la película de Godard. violencia. dotado de unas estructuras másflexiblesque las del cine convencional y que no hacía tanto hincapié en la necesidad de realizar películas de un acabado perfecto y de una narratividad lineal y cerrada. publicados en la revista Cahiers du Cinema. 1965). el montaje elíptico y una utilización nada convencional del sonido. y Vivresa vie (1962).. es amor. protagonizada por Alain Delon. basada en una idea de Truffaut. las carreras de los iniciadores del movimiento seguirían caminos radicalmente distintos. Finalmente conseguirían llevar sus ideas a la práctica y se pondrían detrás de la cámara. una deliciosaficciónsobre las tensiones asociadas al proceso de realización de una película.208 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 209 «. Lo cierto es que tal denominación. Por su parte Godard siguió siendo el más radical de todos ellos. era responsable de la atrofia de la industria cinematográfica francesa de la época. Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. Tras El bello Sergio (Le beau Serge. se defendía la teoría del autor. . les permitieron crear un cine alternativo.

Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Robert Haas. también realizó una breve aparición a modo de amuleto. Humphrey Bogart -cuyo papel había sido rechazado previamente por George Raft. y la presa a la que perseguía. DU- RACIÓN: 100 minutos. bajo el título Satán Meets a Lady. FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson. los constantes engaños y la desenfrenada paranoia. Lee Patrick (EfFie Periné).sería el encargado de crear el arquetipo del detective privado que.ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 211 Comentario El halcón maltes THE MALTESE FALCON EE.UU. en el papel del desafortunado Jacobi.. son asesinados. una actriz muy experimentada. Barton MacLane (Teniente Dundy). serviría para confirmar su máxima de que: «La clave de todo está en la elección de actores». de paso. o que en 1936 William Dieterle realizó una nueva adaptación. Argumento Cuando su socio. Hoy en día son pocos los que recuerdan que en 1931 Roy Del Ruth filmó. 1941 DIRECTOR: John Huston. Miles Archer. Finalmente. Valerie. B/N. Por su parte. Brigid O'Shaughnessy. Walter Huston. y Sydney Greenstreet. GUIÓN: John Huston (basado en una novela de Dashiell Hammett). Spade recibe la visita de un hombre mortalmente herido. Finalmente. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Sam Spade). la versión de 1941. Spade pone como condición que Wilmer haga de chivo expiatorio por los asesinatos de Thursby y Jacobi. MONTAJE: Thomas Richards. en la que Warren William hacía del detective Ted Shane y Bette Davis de la mujer fatal. el detective Sam Spade decide proteger la identidad de su cliente. O'Shaughnessy y Wilmer. cuyo interés por la muy codiciada estatuilla de un halcón negro es compartido por los delincuentes Joel Cairo y Casper Gutman. Floyd Thursby. un actor de origen húngaro. Para negociar un precio por la estatuilla. Huston aprovechó la oportunidad para descolgarse con un modelo de concisión narrativa que. apuntan a lo que será . PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Hall B. crearon una deliciosa sociedad delictiva que se prolongaría a lo largo de los años cuarenta. el pájaro resultará ser una falsificación y los delincuentes se darán a la fuga. sin embargo. Recompensado con su primera incursión detrás de una cámara tras muchos años de servicios prestados como solvente guionista. Gladys George (Iva Archer). se perfila como el prototipo del antihéroe sardónico y romántico. El sombrío humor. combinados con los sórdidos escenarios urbanos y la inquietante ambientación. Peter Lorre (Joel Cairo). El detective convoca a una reunión a Gutman. que supuso el fulgurante debut de John Huston como director. A su pesar. En este caso. acusada del asesinato de Archer. la primera versión cinematográfica de la novela policiaca publicada por Dashiell Hammett en 1929. mientras que la pareja formada por Peter Lorre. que le confiará la custodia del esquivo pájaro. con ese mismo título.Wallis). un actor de sesenta y dos años de edad procedente del teatro británico. Mary Astor. se considera desde hace mucho tiempo un clásico del cine de Hollywood. realizó una interpretación que irradiaba una muy atrayente maldad. Sydney Greesnstreet (Casper Gutman). enfundado en su sempiterna gabardina. MÜSICA: Adolph Deutsch. Cairo. el sicario de Gutman. el Capitán Jacobi. actor y padre del director. Spade tendrá que poner a O'Shaughnessy a disposición de la justicia.

Jack Carson (Matt Libby). Ha nacido una estrella A STAR IS BORN DIRECTOR: George Cukor. ponen en evidencia a Esther en público. Argumento Tras haber sido salvado de una situación embarazosa durante un estreno en Hollywood. sería la fuente de inspiración directa para la primera versión oficial de Ha nacido una estrella (A Star is Born.Wellman y Robert Carson. James Masón (Norman Maine). hasta que. y se queda fascinado por su prometedor talento como cantante. pero mientras que la estrella de Esther está en alza. la fama de juerguista y la pérdida de gancho de Norman señalan el declive de su carrera. que. Lucy Marlowe (Lola Lavery). se fue adentrando en el camino de un barroquismo cada vez más acentuado. 1937). desde hace más de sesenta años. y que parodiaría con ternura en La burla del diablo (Beat The Devil. que. la preparan para obtener el éxito. que. por encima de todo. GUIÓN: MOSS Hart EE. MÚSICA: Harold Arlen. a su vez. está basado en un relato de William A. protagonizado por Fredric March y Janet Gaynor. FOTOGRAFÍA: Sam Leavitt. de este modo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bert. Sus orígenes pueden remontarse a Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?. Su desconsolada viuda se retira del mundo. 1975). tras la enésima parranda. 1932). La pareja se casa. Charles Bickford (Oliver Niles). Tom Noonan (Danny McGuire). la pantalla con problemas de alcoholismo. inspirado en la película Hollywood al desnudo). regresaba a Hollywood por primera vez desde la finalización de su contrato con la M-G-M en 1950 y una vez (basado en el guión realizado por Dorothy Parker. hasta que. 1947) o El hombre que pudo reinar (The Man Who WouldBeKing. Horrorizado ante la idea de que su mujer esté dispuesta a abandonar su profesión para cuidar de él..UU. INTÉRPRETES: Judy Garland (Esther Blodgett/Vicki Lester). Alan Campbell y Robert Carson que. a medida que fue transcurriendo la década.212 ALLAN HÜNTER LOS CLASICOS DEL CINE 213 el género negro. a su vez. un vehículo para el lucimiento de los excepcionales talentos dramáticos y musicales de Judy Garland. 1953). conoce a su benefactora. PRODUCCIÓN: Transcoma Enterprises (Sidney Luft). La nueva y espléndida versión de 1954 es. es detenido y sólo será liberado para quedar bajo la custodia de su esposa. una estrella de . Tras cambiarle el nombre por el de Vicki Lester.supuso la primera exploración de un territorio al que John Huston volvería a acudir con excelentes resultados en obras como El tesoro de Sierra Madre {The Treasure ofthe Sierra Madre. un temprano experimento en Technicolor. Norman Maine. alcanza el estrellato. 1954 Comentario La vieja historia de los trágicos vaivenes a los que se ven sometidas las relaciones entre las parejas formadas por gentes del mundo del espectáculo es. aunque finalmente realizará un emotivo regreso como «la señora de Norman Maine». Esther Blodgett. para descubrir finalmente que aquel tesoro era algo ilusorio. DURACIÓN: 182 minutos. finalmente. MONTAJE: Folmar Blangsted. Su tendencia a regodearse en la autocompasión y a ahogar sus penas en alcohol. un tema recurrente del cine dramático. El tema de la película -un variopinto grupo de tipos humanos que buscan afanosamente una recompensa fabulosa. Norman se suicida. una película realizada igualmente por George Cukor.

ambientada. 1954) -una interpretación cuyo principal mérito es que en ella la actriz aparece desprovista de su tradicional glamour. Nominada para seis Osear. como señaló la revista Time. para Warner Brothers (Don Siegel). a la vez que su amargura. en el mundo del rock en lugar de en Hollywood. Argumento San Francisco. Judy Garland. 1971 Don Siegel. GUIÓN: Harry Julián Fink. Fink y Dean Reisner (basado en una historia de los Fink). entre ellos. Para el papel de Norman Maine se pensó en un primer momento en Cary Grant. sin exagerar en exceso: «bien puede considerarse el más espléndido espectáculo protagonizado por una mujer en la historia del cine». El año 1976 alumbraría una nueva e innecesaria versión de la historia. en este caso. MONTAJE: Cari Pingitore. estaba deseando que su regreso a las pantallas viniera de la mano de esta obra. protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson. MÜSICA: Lalo Schifrin. DURACIÓN: 101 minutos. Harry. John Larch (El jefe). Reni Santoni (Chico). no obtuvo ningún premio. pero éste rechazo la propuesta. la película. que carecía de cualquiera de las virtudes de las anteriores versiones. que. John Vermon (El alcalde). Harry Guardino (Teniente Bressler).214 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 215 alcanzado el éxito como cantante en los escenarios neoyorquinos. cuya actuación -una de las mejores de toda su carrera. Harry. que ya había interpretado el papel de Esther en 1942 en una versión radiofónica de la historia. su desprecio de sí y su capacidad de sacrificio.llevó a Groucho Marx a calificar tal decisión como el más grande robo desde los tiempos de Brinks. El misterioso «Scorpio» chantajea a toda la ciudad. La segunda opción fue James Masón. sin embargo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dale Hennessy. amenazando con asesinar cada día a una persona. PRODUCCIÓN: Malpaso. los concedidos al mejor actor y a la mejor actriz. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. Rita M.. Andy Robinson (Asesino). el sucio DIRTY HARRY DIRECTOR: EE. ofreciendo una réplica perfecta al cautivador tour de forcé emocional de Judy Garland.consigue transmitir el entusiasmo que Esther llega a reavivar en su personaje. el sucio . El escándalo que supuso que se relegara a Judy Garland para conceder el premio a Grace Kelly por su papel en La angustia de vivir (Country Girl.UU. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (Harry Callahan).

finalmente.en películas como Harry. administra al criminal un disparo mortal con su Magnum calibre 44 y. en la que Harry se desprende de su placa de policía. una herida en la mano y su «inminente» retiro. lo cierto es que el personaje de Harry es el típico solitario de las películas de Don Siegel. Se contactó con Steve McQueen. en uno de sus niveles de lectura. para muchos críticos. que quieren ver cómo se hace justicia sin que lo impidan las maquinaciones o las justificaciones socio-psicológicas. Para Eastwood.l973). La última escena. Cuando. No obstante. el alcalde decide pagar. mientras éste emprende la huida. le forzaron a renunciar al papel. con unos resultados siempre lucrativos -aunque no tan provocativos como en la primera entrega. No obstante. El Inspector Harry Callahan es brutalmente atacado mientras se disponía a entregar el dinero. acto seguido. Tras identificar al chantajista gracias a sus heridas. Paul Newman y John Wayne. el fuerte (Magnum Force. Comentario El papel protagonista de Harry. la chica ya ha muerto y «Scorpio» quedará libre al no ser admitidas las pruebas presentadas en su contra. Es difícil ver en todo ello una llamada a filas para aprendices de justicieros. Aunque se puede sostener que la película es un panfleto antidemocrático. 1983) y La lista negra (The Dead Pool. Sin embargo. La película comienza mostrando una placa conmemorativa en la que se lee: «A la memoria de los oficiales de la policía de San Francisco que dieron su vida en cumplimiento de su deber». en Harry encuentran expresión las frustraciones de sus conciudadanos. arroja su placa de policía al río. Harry. hasta que. el sucio pasó por las manos de varias estrellas antes de recaer en Clint Eastwood. Para asegurarse de que en esta ocasión no habrá restricciones impuestas por los tecnicismos legales.216 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 217 Cuando una muchacha es enterrada viva. 1976). La riqueza temática de la película no hace sino dar más realce a su condición de thriller de éxito. pero consigue herir con un cuchillo a su atacante. . Frank Sinatra aceptó el papel. el ejecutor (The Enforcer. secuestre un autobús escolar. más adelante. tipificadas por obras como El justiciero de la ciudad (Death Wish. la película deriva hacia uno de esos thrillers modernos que mantienen al espectador pegado a la butaca y cuyo éxito comercial inspiraría todo un ciclo de películas sobre individuos que se toman la justicia por su mano. la única diferencia que existe entre Harry y el asesino psicópata reside en el hecho de que el primero de ellos lleva una insignia. un éxito que llevó a Clint Eastwood a volver a encarnar al personaje en repetidas ocasiones. 1988). pone de manifiesto que su tipo de combate individualista no tiene cabida dentro de las justas restricciones en las que se desenvuelven los organismos encargados de asegurar el cumplimiento de la ley. Callahan intervendrá de nuevo y emprenderá su persecución. un individuo cuyos actos se rigen por su propio código moral y que constituye un anacronismo en un mundo que no alcanza a entender. que aplaude la violencia policial y está imbuido de una mentalidad fascista. 1974). Callahan le atrapa haciendo uso de sus métodos brutales. A partir de ese momento. sería entonces cuando Clint Eastwood se incorporó al proyecto. Impacto súbito (Sudden Impact.

una joven malcriada y mundana. una vez más. A continuación Cary Grant llama al timbre y. 1932). K. MONTAJE: Frank Sullivan. un director que ya la había dirigido en películas como Doble sacrificio (A BillofDívorcement.. y de contratar al actor teatral James Stewart y a George Cukor. Tracy y Haven. Tracy Lord. aunque el novio y la novia serán.Mujerdtas {Little Women. Cary Grant es expulsado precipitadamente de la puerta de entrada de una espléndida mansión. B/N. Su prometido suspende la boda. K.218 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 219 Comentario Historias de Filadelfia THE PHILADELPHIA STORY DIRECTOR: EE. cuando la Hepburn abre la puerta. Toda la película. lames Stewart (Macaulay Connor). indignada. el cinismo de Connor le servirá para percatarse de sus propios defectos. a partir de la cual. PRODUCCIÓN: Metro Goldwyn Mayer (Joseph L. pero la ceremonia sigue su curso. hacen que se dé cuenta del error que está a punto de cometer. DURACIÓN: 112 minutos. lo que le permitía contar con Clark Gable y Spencer Tracy como posibles sustitutos de Joseph Cotten y Van Heflin. un viejo compañero en varios repartos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Wade R. Mankiewicz). Roland Young (Tío Willie). El artero Haven convence a una revista del corazón de que suprima un reportaje escandaloso sobre los deslices de Seth Lord y. Katharine Hepburn aparece en el umbral. 1935). cuyo estreno tuvo lugar en marzo de 1939. MÚSICA: Franz Waxman. además. que se dispone a contraer nuevo matrimonio con el magnate de las finanzas. se compromete a conseguir para el reportero Macaulay Connor y la fotógrafa Liz Imbrie la exclusiva de la boda del año en los círculos de la alta sociedad. finalmente no tuvo ningún reparo en acomodarse a la idea de trabajar con Cary Grant. 1933)y La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett. la recibe dándole un empellón en toda la cara. 1940 George Cukor. entre ellas la de Sam Goldwyn. FOTOGRAFÍA: Joseph Ruttenberg. en la que William Wyler figuraba como director y Gary Cooper como su compañero masculino. La película puede enorgullecerse de contar con una de las secuencias iniciales más eficaces de la historia del cine. sin que en el transcurso de la misma se pronuncie ni una sola palabra. Katharine Hepburn (Tracy Lord). Dexter Haven sigue enamorado de su ex mujer. le arroja las dos mitades y cierra la puerta de un golpe. El resultado fue Historias de Filadelfia. sin embargo.UU. Tracy. Argumento C. Howard (George Kittredge). No obstante. Katharine Hepburn. optó por elegir a la M-GM. entró en contacto con el dramaturgo Phillip Barry con objeto de que creara para ella un papel con el que regresar a los escenarios de Broadway. y que alcanzaría con éxito las 415 representaciones. algo que consigue. comúnmente considerada como la quintaesencia de la comedia de enredo. a pesar de recibir una serie de ofertas importantes. Ruth Hussey (Elizabeth Imbrie). una de las estrellas a las que en 1938 se las había tildado de veneno para la taquilla. a cambio. haciendo uso del ingenioso guión y de la bri- . GUIÓN: Donald Odgen Stewart (basado en una obra teatral de Phillip Barry). Un baño a la luz de la luna en estado de embriaguez y una declaración de amor de Haven. La Hepburn había comprado los derechos para llevar la obra a la pantalla y. sus compañeros en escena. rompe sobre sus rodillas un palo de golf. se construye en torno a esa escena. reacciona tratando a los periodistas con prepotencia. Dexter Haven). Rubottom. INTÉRPRETES: Cary Grant (C. George Kittredge. Cukor.

B/N. donde la propia vida del actor corría peligro. Tras oír decir a su jefe que estaría dispuesto a pagar 1. junto a Charles Chaplin y Buster Keaton. se puso a montar en bicicleta por su El hombre mosca SAFETY LAST EE. Tras conseguir superar obstáculos tales como varias bandadas de palomas. La idea del film se le ocurrió a Harold Lloyd en 1922. Cuando su chica viene a visitarle se las arregla para que parezca que.000 dólares por un buen ardid publicitario. finalmente será él mismo quien. Aunque las tomas más largas se realizaron con un doble y parte de la filmación se completó desde una altura de tres o cuatro pisos -en lugar de los doce pisos de los que se habla en la película. Guiol. FOTOGRAFÍA: Walter Lundin. una red de tenis. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred L. Argumento Un joven marcha a la ciudad dispuesto a impresionar a su chica y a hacerse rico.. en realidad. Mildred Davis (La chica). se hace con el dinero y conquista a la chica. Sin embargo. MONTAJE: Fred L. Consigue empleo como dependiente en unos grandes almacenes y se dedica a enviar cartas a casa donde exagera sus logros. Comentario Considerado. tras escalar un edificio. 1923 DIRECTORES: Fred Newmeyer y Sam Taylor. es indudable que es la estrella de la película quien pone en peligro su vida para conseguir entretener al público. INTÉRPRETES: Harold Lloyd (El chico). a menudo. Guiol. consigue convencer a éste de que contrate a un acróbata para que trepe a lo alto del edificio de los almacenes. al ser arrestado su compañero. la reputación de Harold Lloyd como rey de la comedia temeraria se debe a su afición a realizar gags que ponían los pelos de punta y en los que. Westcott B. Mickey Daniels (El niño). se repartan el dinero a medias.al margen de la polémica sobre cuáles fueron los niveles de riesgo a los que tuvo que hacer frente Harold Lloyd. al ver cómo una multitud asistía hipnotizada al espectáculo que ofrecía Bill Strohers. PRODUCCIÓN: Hal Roach/Pathé Exchange (Hal Roach).Clarke (El jefe de vendedores). Tim Whelan y Sam Taylor. GUIÓN: Hal Roach. DURACIÓN: 70 minutos. luego. logra completar la escalada. . El hombre mosca combina con destreza este tipo de emociones con una construcción del personaje principal que nada tiene que envidiar en materia de penetración psicológica a las creaciones de Chaplin. se incluían escenas con rascacielos. tenga que escalar los doce pisos del edificio. un joven obrero metalúrgico que. El joven llega a un acuerdo con un amigo para que realice la proeza y. es el director del establecimiento. Historias de Filadelfia batió todos los récords de taquilla desde el momento de su estreno y fue nominada para seis premios de la Academia.220 AIXAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 221 llantez de los actores de reparto. un ratón y las manecillas móviles de un reloj.UU. juega maliciosamente con las expectativas de un público ansioso de ver cómo esas dos estrellas de Hollywood vuelven a juntarse. como uno de los cómicos de la época del cine mudo más populares e ingeniosos. obteniendo las estatuillas al mejor actor para James Stewart y al mejor guión para Donald Stewart. Noah Young (La ley). Quizá su escena más famosa sea la que nos muestra a ese empleado gañido colgando de las manecillas de un reloj por encima de las calles del centro de Los Ángeles. Bill Strothers (El amigo).

le valió a Oshima un proceso por obscenidad en Japón y. Sada pasa de ser una criada complaciente a convertirse en una compañera dominante. provocó una efímera proliferación de hombres mosca e hizo de la película una de los grandes éxitos de taquilla de 1923. se añaden otros participantes. una mujer que estranguló y castró a su amante con su consentimiento. FOTOGRAFÍA: Hideo Ito. Oshima se limita a presentar la situación. que tan sólo interrumpe ocasionalmente para atender algunas necesidades de orden práctico. PRODUCCIÓN: Oshima Productions/Argos Films/Shibata Organization (Anatole Dauman). Eiko Matsuda (Sada). días más tarde. GUIÓN: Nagisa Oshima. Mientras viajan de un lado para otro... con la asombrosa cifra de 1. una inversión de roles que va en contra de los comportamientos sociales tradicionales de la El imperio de los sentidos AI NO CORRIDA Francia/Japón. Hiroko Fuji (Doncella Tsune). INTÉRPRETES: Tatsuya Fuji (Kichizo). no por ello consiguió que se derogara la estricta legislación contra la obscenidad existente en su país. aunque el director fue declarado inocente. La versión de la película que hoy en día suele proyectarse en las pantallas televisivas incluye un episodio de otra película de Harold Lloyd. un análisis absolutamente explícito de una obsesión sexual. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jusho Toda. sino que toda persona que entra en contacto con ellos se ve involucrada en su actividad sexual. Finalmente. justificación o análisis alguno.. Taiji Tonoyama (Viejo mendigo). alojándose en moteles y en casas de geishas. sin añadir prácticamente comentario. Si pudiera captar algo así en una pantalla. Los juegos sexuales que practican con cuchillos y navajas prefiguran el resultado final de su obsesiva relación. La obsesión no tardará en ser recíproca. Argumento Sada. lo cual añade ocho minutos más de duración al metraje original. la pareja ejerce una actividad sexual constante. se obsesiona con su señor Kichizo tras verle hacer el amor con su esposa. . para finalmente trepar hasta lo más alto del mástil de la bandera y sostenerse allí apoyado en su cabeza. accederá a que Sada le estrangule. ocasionalmente. con la esperanza de alcanzar así una satisfacción sexual máxima. una sirvienta y antigua prostituta.842 fueron a parar a manos de Harold Lloyd. a los que.. El resultado maravilló al público. es arrestada mientras camina sin rumbo en un estado de aturdimiento. DURACIÓN: 105 minutos. Sada amputa el pene de su amante muerto y.222 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 223 cornisa. que no sólo las otras exigencias de la vida quedan relegadas. El grado de obsesión que sienten ambos por el acto sexual es tal. 1976 DIRECTOR: Nagisa Oshima. Comentario Esta película. y fue más tarde arrestada cuando aún tenía el miembro viril en su posesión. un Kichizo incapaz de responder físicamente a las exigencias de su pasión mutua. si yo pudiera ofrecer eso al público.588. Hot Water.545 dólares. MÚSICA: Minoru Miki. Creo que ahí hay algo que nunca se ha intentado hacer antes». pensó: «Dios bendito. MONTAJE: Keiichi Uraoka. Meika Seri (Doncella Matsuko). al ver aquello. La trama se basa en la historia real de Sada Abe. de los cuales 643. Kichizo la hará su amante y se fugarán juntos. La mayor parte de la película consiste en los actos sexuales que realiza la pareja formada por Kichizo y Sada. Más adelante Harold Lloyd recordaría que. Aoi Nakajima (Toku).

GUIÓN: D. Erich von Stroheim (Fariseo). en el 539 a. Griffith comenzó a trabajar en su siguiente película. «El propósito de esta obra -explicaría. Bitzer y Karl Brown. y añadiría «nuestro objetivo no es sólo Intolerancia INTOLERANCE EE.UU. que ya tenía prácticamente acabada cuando. The Mother and The Law. Constance Talmadge (La chica de la montaña). sin haber concluido todavía el montaje de El nacimiento de una nación (1915). pasea solo por una calle completamente ajeno a una columna de soldados que pasa desfilando y a la multitud que la aclama. Griffith.. una historia sobre la miseria social contemporánea. Animado por la buena acogida que había obtenido la dimensión épica de El nacimiento de una nación. que ilustran la inhumanidad con que el hombre ha tratado a sus semejantes a lo largo de la historia y la persistencia en el tiempo de los sentimientos de intolerancia: una pareja contemporánea lucha por obtener justicia cuando un joven irlandés es condenado a morir ahorcado. Se trata del momento en que. Argumento Inspirada en unos versos de Walt Whitman. DURACIÓN: 220 minutos aproximadamente. INTÉRPRETES: Lillian Gish (La mujer que mece la cuna). Griffith se propuso ahora ampliar el material que ya tenía rodado y realizar una película diferente.C. Esa imagen sirve de eslabón para cuatro historias. extraídos de Hojas de hierba. 1916 DIRECTOR: D. cuando los católicos llevaron a cabo la matanza de los hugonotes en el día de San Bartolomé. la traición que.224 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 225 sociedad nipona (e incluso de la occidental). habiéndose separado temporalmente de ella. W. en un estreno que hubo de hacer época. W. Griffith.uniendo el presente y . Aunque todavía hoy sigue siendo un punto de referencia básico en el tratamiento del acto sexual en la pantalla. PRODUCCIÓN: D. la pasión y crucifixión de Cristo. que se convertiría en el proyecto más ambicioso que se había planteado hasta entonces. su movimiento nunca cesa» y «La cuna se mece sinfin. y ansioso de responder a las acusaciones de racismo que se habían hecho contra su obra y de reafirmar su derecho a expresarse libremente. no deja de resultar irónico que la expresión más poderosa y elocuente del ensimismamiento que Sada ha provocado en Kichizo provenga de una de las pocas escenas sin contenido sexual. W. MONTAJE: James y Rose Smith. Mae Marsh (La mujer querida). sufrió el rey Baltasar. B/N. FOTOGRAFÍA: G. la película empieza y termina con la imagen de una mujer meciendo una cuna. y los acontecimientos acaecidos en Francia en 1572. «Recién salida de la cuna. cada vez más interrelacionadas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Frank «Huck» Wortman. el futuro». con la agitación obrera como telón de fondo.es seguir la pista a un tema universal a través de diversos episodios de la historia de la humanidad». y que condujo a la caída de Babilonia en manos de los persas. W. su relato fflmico sobre la Guerra de Secesión fue recibida con una admiración generalizada. Griffith. no fueron únicamente los censores japoneses quienes consideraron que la distinción era en exceso tenue. Comentario En el otoño de 1914. Aunque los actos sexuales se muestran con una mirada distante y aséptica que renuncia a buscar la excitación propia de lo pornográfico. Bessie Love (La novia de Cana). Miriam Cooper (La mujer sin amigos).

no ha sobrevivido ninguna de las copias de la versión original de Griffith. la película no fue un éxito comercial cuando se estrenó y. A pesar de contar con algunos decorados notables (los del episodio de Babilonia se encuentran entre los más grandes jamás realizados). Ralph Dumke (Nick). Por desgracia. A partir de esa secuencia. Dana Wynter (Becky DriscoU). GUIÓN: Daniel Mainwaring (basado en un relato de Jack Finney). De nuevo en el tiempo presente. 1956 DIRECTOR: Don Siegel. Argumento Los Ángeles. La película. PRODUCCIÓN: AUied Artists Picture (Walter Wanger).226 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 227 crear belleza. sino también hacer pensar. Jean Willes (Sally). El hombre. INTÉRPRETES: Kevin McCarthy (Dr. FOTOGRAFÍA: Ellsworth Fredericks. . Un hombre en un estado de gran desarreglo trata desesperadamente de convencer a las autoridades de que la tierra está siendo invadida por unas vainas que son capaces de apoderarse del cuerpo y de la mente de los seres humanos. Danny Kauffman). Carolyn Jones (Theodora). y terminan por darse cuenta de que se están apoderando de los habitantes de Santa Mira mientras duermen. utiliza la secuencia en que aparece la madre de las edades meciendo la cuna de la historia como punto de unión entre varios momentos históricos. nadie cree su historia hasta que alguien informa del accidente sufrido por un camión cargado de unas extrañas vainas. un doctor que vive en la pequeña población de Santa Mira. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Haworth. La invasión de los ladrones de cuerpos INVASIÓN OF THE BODYSNATCHERS EE. mientras que otros comparten el sentimiento de confusión que experimentó el público en el momento de su estreno y consideran que los constantes cortes que realiza el director dificultan la comprensión y no contribuyen a comunicar de manera eficaz el significado de la película. B/N.. Larry Gates (Dr. MONTAJE: Robert S. Sus temores se ven confirmados cuando él mismo y Becky encuentren en una extraña vaina una réplica a medio formar de un amigo suyo. su complejidad formal y su riqueza temática hacen de ella una verdadera obra maestra del cine norteamericano. la opinión de la crítica con respecto a ella sigue estando dividida. pues si hay algo que caracteriza al drama mudo es su condición de generador de ideas».UU. la narración de la película se desarrolla de manera retrospectiva. pero finalmente también se apoderan de Becky. Eisen. Para algunos. en cada uno de los cuales tuvo lugar un combate contra la opresión. DURACIÓN: 80 minutos. cuyo énfasis en el papel del montaje como principio estético dominante habría de ejercer una gran influencia en la escuela de cineastas soviéticos de los años veinte. King Donovan (Jack). MÚSICA: Carmen Dragón. El número de vainas que descubren es cada vez mayor. Miles Bennell). comienza a notar que los habitantes del lugar se comportan de un modo «antinatural». aún hoy. Intentan una huida desesperada.

A medida que todo se desmorona a su alrededor. ahora completamente solo. No es de extrañar que a William Wanger le entraran sudores fríos al verla e insistiera en que se añadiera un prefacio y un epílogo más tranquilizadores. lo cual constituye uno de los ingredientes esenciales del éxito de una película en la que la principal fuente del horror se encuentra en la cotidianidad. Kevin McCarthy comprende a la perfección el enfoque que ha de dar a su actuación y resiste la tentación de excederse en sus reacciones. y se encuentra en medio de un pesadillesco flujo de coches. Tras el impresionante patetismo del momento en que Bennell besa a Becky. Argumento La estrecha amistad que ha surgido entre Jules y Jim en París se verá amenazada al quedar ambos prendados de la volátil Catherine. pero. En lugar de ello. DURACIÓN: 105 minutos. Oskar Werner (Jules). en las que queda claro que las autoridades terminan por creer la historia de Bennell. Vanna Urbino (Gilberte). la negativa de Bennell a sucumbir a la tentación del conformismo es cada vez más desesperada. Jim visita a la pareja. una vez terminada la contienda. 1961 Francois Truffaut. los dos amigos se encontrarán en bandos opuestos. Henri Serré (Jim). en un sentido literal e ineluctable. la película es un thriller tan apasionante como convincente. Al contrario de lo que ocurre con la mucho menos lograda versión que Phillip Kaufman realizara en 1978 -en la que el propio Siegel hacía un carneo. estaba siendo absorbida por unas vainas. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. Daniel Mainwaring. Siegel quería hacer el retrato de una sociedad que. Jules le revela. no contó con la aprobación de Siegel. Sabine Haudepin (Sabine). Realizada a comienzos de la caza de brujas de McCarthy. presenta una escalofriante visión de la paulatina transformación de una sociedad a causa de una amenaza. aparentemente indestructible.la cinta original no recurre a la violencia ni a las efusiones de sangre para transmitir su mensaje. No obs- . y en medio del clima de creciente paranoia provocado por la «guerra fría». y anima a Jim a que se acueste con ella.228 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 229 Comentario La secuencia inicial y final de la película. que aparenta estar muy satisfecha con su situación. Boris Bassiak (Albert). B/N. INTÉRPRETES: Jeanne Moreau (Catherine). Ésta se casará finalmente con Jules y ambos se irán a vivir a Alemania. MONTAJE: Claudine Bouche. y el espectador no puede por menos que sentirse identificado con su impotencia. ninguno de los cuales se detiene para escuchar su aterrador mensaje. huye de su amada y del resto de los hombres-vaina. que no deseaba que el público pudiera librarse tan fácilmente de la sensación de angustia. sin embargo. Al igual que el guionista. MÚSICA: Georges Delerue. y contra la cual los humanos apenas pueden ofrecer resistencia alguna. Julesyjim JULES ET JIM DIRECTOR: Francia. se precipita el verdadero final de la película: la memorable secuencia en la que Bennell. GUIÓN: Francois Truffaut y Jean Grualt (basado en una novela de Henri-Pierre Roche). PRODUCCIÓN: Les Films du Carrosse/SEDIF (Francois Truffaut). la joven viuda con la que ha establecido una intensa relación. Durante la Primera Guerra Mundial. y se da cuenta de que también ella ha caído en poder de las vainas. que se siente incapaz de hacer feliz o de conservar el afecto de Catherine.

y sus pretendientes Jules y Jim va oscilando de forma imprevisible de una a otra configuración. Sorprende que la película de Truffaut consiga mantener intacta su vibración emocional a la vez que hace todo un alarde de una plétora de trucos cinematográficos -fotogramas congelados. pero desigual versión. la obra llamó de forma inmediata la atención del entonces crítico de cine Francois Truffaut. la fascinante actuación de la actriz francesa consigue que esa continua alternancia entre la satisfacción y la frustración resulte convincente. 1971). Basada en una oscura novela autobiográfica que el escritor Henri-Pierre Roche publicó en 1955 (a los setenta y cinco años de edad). El propio Truffaut volvería a utilizar una obra de Henri-Pierre Roche en Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent. que interpreta Jeanne Moreau. que alentaba en las primeras obras de Jean Renoir y Jean Vigo. etc. dejando solo a Jules para llorarlos. sigue dejando una impronta mucho más vivida que todos los esfuerzos que realiza Margot Kidder en la deslumbrante. que. una exploración menos lograda de otro triángulo amoroso. 1980). a modo de homenaje. fundidos en iris. donde se narran los vaivenes de un triángulo amoroso a lo lar- go de las décadas que van desde la Belle Époque hasta el azote de la depresión durante la década de los treinta. fules y Jim sigue siendo la película de la «Nueva Ola» francesa que recuerdan con más cariño. saltos de imagen. lo cierto es que todos estos efectos proporcionan un contexto estilístico adecuado en el que enmarcar el carácter tragicómico de la historia.. Su cautivadora volubilidad. típicamente francés. que hace que cada uno de sus amantes vea en ella sólo lo que quiere ver. Jim regresará a París para estar junto a su novia. planos de archivo. Jules y Catherine se van a vivir a París. . y constituye la más excelsa demostración de cómo.230 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 231 Julesyjim tante. Jim se dará cuenta de que no pueden recuperar su antigua alegría. La película es una crónica llena de vitalidad. y un día. realizó Paul Mazursky en Una almohada para tres (Willie & Phil. Aunque las complejas relaciones entre la voluble Catherine. este cineasta ya fallecido fue quien recogió la antorcha del lirismo. de toda la generación surgida a partir de la revista Cahiers du Cinema. Varios años después. Comentario Para muchos espectadores. la voluble Catherine hará que la pareja muera ahogada en el Sena. más adelante.sin embargo. madurez e imaginación cinematográfica.

1946). produciendo espectáculos como La túnica sagrada (The Robe. Así. como la 3-D y la pantalla gigante. 1947) y las zapatillas rojas (The Red Shoes. de aunar la potencialidad del cine como lenguaje visual y su fuerza emocional. ciudad abierta (1945) y Ladrón de bicicletas (1948). En Italia. domingo mañana (1960). caso del cine negro y de la ciencia-ficción. mientras que la maestría de Ingmar Bergman quedaba patente con películas como El séptimo sello (1957) y Fresas salvajes (1957). la aparición de la televisión fue percibida como una seria amenaza para la popularidad del cine y llevó a Hollywood a contraatacar con nuevas técnicas. . Irónicamente. especialmente en las colaboraciones entre James Stewart y el director Anthony Mann. como ponen de relieve las películas Un día en Nueva York (1949). más tarde. Siete sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronéis. algo que se podía apreciar de forma particularmente virulenta en unfilmcomo La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). el tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. que sacó el musical a los escenarios naturales. o en películas concretas. 1953) o películas que trataban temáticas más serias. Frank Capra hacia que su tradicional fanfarria de alabanza al hombre común adquiriera unos tintes más oscuros en ¡Qué bello es vivir! (1946). mientras que Carol Reed causaba una enorme impresión con Larga es la noche (1946) y El tercer hombre (1949) y las comedias de los estudios Ealing. También el western. en un intento. Por otro lado. El hombre del brazo de oro (The Man With the Golden Arm. Por otro lado. que durante tanto tiempo había parecido indestructible. que contribuyó a popularizar el ballet. como Solo ante elpeligro (1952) o Centauros del desierto (1956). como Un tranvía llamado Deseo (1951). comenzó a tambalearse en este período al prohibirse la situación de monopolio que suponía el hecho de que las productoras no sólo se dedicaran a hacer las películas sino que tuvieran también el control de las salas en las que aquellas se proyectaban. comenzó a explorar con mayor complejidad y profundidad psicológica los tenues matices que separan el bien del mal. de Mizoguchi. muchas de lasfigurasmás relevantes de la cinematografía británica consiguieron mantener el ímpetu que habían recibido sus carreras durante los años de la guerra. el neorrealismo. Los géneros queflorecieronen el cine norteamericano durante la postguerra. parecían reflejar el estado de ánimo mucho más sombrío de un país preocupado por las consecuencias de la nueva era atómica y sumido en el paranoico clima creado por la «guerra fría». con su enfoque documental de los rigores de las vidas de la gente corriente. insólito dentro del cine británico. David Lean desplegó toda su maestría como montador y narrador de historias. y su influjo se dejó sentir en el mayor realismo de las producciones cinematográficas del Hollywood de la época y. como Cadenas rotas (Great Expectations. 1955) y Anatomía de un asesinato (Anatomy ofa Murder. 1946). Narciso negro (Black Narcissus.232 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 233 ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra El talento de muchos de los cineastas de Hollywood que fueron llamados a filas había adquirido un mayor grado de madurez cuando se reincorporaron a la vida civil. y la oscarizada Un americano en París (1951). The Archers. mientras William Wyler reflejaba los problemas de los soldados que volvían a casa en Los mejores años de nuestra vida (1946). también fue éste el período durante el cual el vistoso escapismo de los musicales alcanzó nuevas cotas de expresión artística gracias al equipo que Arthur Freed dirigía en la M-G-M y a las obras de Gene Kelly. 1948) continuó sorprendiendo al público con su seductora utilización del color. floreció en películas como Roma. por ejemplo. 1949) se ganaban el favor del público a escala internacional. el cine japonés también comenzó a labrarse una reputación a escala internacional gracias al triunfo obtenido en algunos festivales y a la aceptación general que obtuvieron entre el público películas como Tokio Monogatari (1953). en adaptaciones de Dickens. con películas como A vida o muerte (A Matter ofLife and Death. en los kitchen sink dramas británicos del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) y Sábado noche. Por otra parte. El poder de los estudios de Hollywood. 1959). Por su parte. de Ozu y Cuentos de la lunapálida (1953).

consiguen dominar a la bestia con la ayuda de una bomba de gas y. Taylor. donde una flotilla de cazas termina por abatirlo. Shoedsack le faltó tiempo para realizar una lamentable y cómica secuela. Bruce Cabot (Driscoll). Willis O'Brien. INTÉRPRETES: Fay Wray (Ann Darrow). se ha de poner freno. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Carroll Clark. sino la belleza». Cooper y Edgar Wallace). que rapta a la mujer y se la lleva consigo a la jungla. como demuestra la destrucción final del monstruo a manos de las fuerzas de la gran ciudad.. a la naturaleza salvaje domesticada por la brutal tecnología humana. . el desencadenamiento de las pulsiones de carácter sexual o violento que la vida en sociedad mantiene reprimidas. Éste resulta ser un descomunal simio. La famosa imagen en que los enormes dedos de King Kong van despojando de sus vestidos a la heroína Fay Wray. Vernon Walker y J. 1933 DIRECTORES: Ernest B. igualmente. Anunciada en el momento de su estreno como «la octava maravilla del mundo». a nadie se le habrían pasado por la cabeza estas ideas si la plasmación en pantalla de esta fábula moral no hubiera resultado tan absolutamente verosímil. se apodera de su querida Ann. El simio consigue escaparse. Mario Larrinaga y Byron L. según la película. una liberación a la que. finalmente. Sam Hardy (Weston). King Kong aún sigue ejerciendo un enorme poder sobre la imaginación de los espectadores. llamada la Isla de la Calavera. El hijo de Kong (Son ofKong. a través de la ventana de un rascacielos. Radio Pictures (Ernest B.O. Schoedsack y Merian C. A Ernest B. MONTAJE: Ted Cheesman. siembra la destrucción por toda la ciudad y. B/N. el mono gigante. Cooper.K. pero. Alfred Hermán. integrar a los actores y a los escenarios de los estudios con la filmación fotograma a fotograma de la maqueta de 46 centímetros del fiero simio. Aunque el gran simio representa. EFECTOS ESPECIALES: Willis O'Brien. una misteriosa película que se dispone a rodar en una remota isla tropical. Noble Johnson (Jefe indígena). Crabbe. Cooper). Una vez en el lugar de rodaje. PRODUCCIÓN: R. apuntan la idea de que el monumental primate representa. Al margen de su virtuosismo técnico. Los nuevos avances en la proyección por transparencia y el uso del catch permitieron al maestro de los efectos especiales. Schoedsack y Merian C. Seguramente. de cuyo rostro y manos se hicieron también versiones a tamaño natural para esos primeros planos que todavía poseen la facultad de turbar al espectador. O. MÚSICA: Max Steiner. La persecución de la bestia concluye en lo alto del edificio del Empire State. es a la vez una figura trágica que inspira compasión y una perturbadora fantasía psicológica.UU. King Kong. Argumento El productor cinematográfico y empresario del mundo del espectáculo Cari Denham contrata a Ann Darrow para que sea la estrella de su última producción. como señala finalmente el empresario Denham: «Lo que mató a la bestia no fueron los aviones. sin duda. FOTOGRAFÍA: Edward Lindon. se dedican a exhibirla ante el público.234 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 235 Comentario King Kong EE. de regreso a Nueva York. Robert Armstrong (Cari Denham). Ann es raptada por los nativos para ofrecerla en sacrificio a su dios Kong. DURACIÓN: 99 minutos. GUIÓN: Ja- mes Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. Frank Reicher (Englehorn). la fascinación de la película reside en la riqueza del mito que ha sabido trasladar a la pantalla de forma tan inolvidable. Buena parte del grupo de Denham pierde la vida en el intento de rescatar a la chica.

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1933) y, más adelante, lo que, a todos los efectos, fue una repetición, El gran gorila (Mightyfoe Young, 1949), una cinta que tenía algunos momentos valiosos. Por otra parte, a los japoneses cabe atribuirles algunas versiones oficiosas, con obras como King Kong contra Godzilla (KingKong Vs. Godzilla, 1963) o King Kong se escapa (King Kong Escapes, 1968), mientras que es al productor independiente Diño de Laurentiis a quien se debe la decepcionante y onerosa versión de 1976, así como su patética secuela, King Kong vive {King KongLives, 1986).

en el transcurso del cual obtendrá la «Hombría verdadera» y el «Poder sobre los Hombres». Entre tanto, el Príncipe Mongol, que trama el derrocamiento del califa, envenena a la Princesa. Aunque la Princesa se salva, un ejército chino se apodera de la ciudad. Ahmed hace aparecer por arte de magia un ejército, reinstaura al califa en el poder y, acto seguido, monta a la Princesa en su alfombra mágica y se pierde volando en un firmamento tachonado de estrellas.

Comentario Aunque el gran héroe del cine mudo, Douglas Fairbanks sénior, fue, posiblemente, el más gallardo, atlético y grácil de todos los aventureros de la pantalla, también fue algo más que un diestro espadachín, y a raíz de la enorme popularidad obtenida con películas como El signo del Zorro {The Mask ofZorro,l920), Los tres mosqueteros (The Three Musketeers,l921) yRobin de los bosques (Robin Hood, 1922), comenzó a hacerse cargo de todos los aspectos de la creación de sus espléndidos espectáculos. Tratando siempre de superar sus logros anteriores y los de sus rivales europeos de menor valía, escribió, interpretó y produjo El ladrón de Bagdad con la intención de crear la más fabulosa de las fantasías orientales jamás llevada al cine. Después de más de setenta años, la película no ha perdido ni un ápice su capacidad de impresionar, gracias a su grandiosidad y a un guión repleto de peripecias, que se desarrolla en lugares como el Valle de los Monstruos, el Reino de Cristal o la Caverna de Fuego, y en el que figuran un caballo volador y -cómo n o - una alfombra mágica. El director artístico de la película, William Cameron Menzies, creó Bagdad, la mágica ciudad de Oriente, en un solar de seis acres y medio situado en los estudios PickfordFairbanks. Sin embargo, cuando los decorados fueron so-

El ladrón de Bagdad
THE THIEF OF BAGDAD
DIRECTOR:

EE.UU., 1924

Raoul Walsh; GUIÓN: Lotta Woods y Elton Thomas (Douglas Fairbanks sénior); PRODUCCIÓN: Fairbanks-United Artists; FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Cameron Menzies; INTÉRPRETES: Douglas Fairbanks (Ahmed, el ladrón de Bagdad); Snitz Edwards (Su malvado compañero); Charles Belcher (El hombre santo); Julianne Johnston (La princesa); Anna May Wong (La esclava mongola); Winter-Blossom (La esclava del laúd); DURACIÓN: 155 minutos; B/N.

Argumento En el palacio del califa, el bribonzuelo Ahmed queda prendado de la hermosa princesa. Entre los pretendientes que van a hacerle la corte, el «príncipe» Ahmed será el elegido para ser su esposo, pero, al descubrirse su verdadera identidad, es azotado y condenado al destierro. La princesa promete conceder su mano a quien consiga traerle el más maravilloso de los tesoros. Ahmed emprenderá un viaje mágico,

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metidos a la mirada de la cámara, el resultado no fue satisfactorio, por lo que optó por recubrir el acre y medio que ocupaba la representación del zoco de Bagdad con una capa de cemento pulido, pintado de negro azabache, de forma que los edificios adyacentes se reflejaran en la reluciente superficie, creando así una vivida ilusión de una ciudad suspendida de las nubes. En el film, Fairbanks, que tenía fama de realizar él mismo las acrobacias de sus películas, vuela sobre Bagdad montado en una alfombra mágica, colgada por seis cables de una grúa de 27 metros de altura, e incluso se le puede ver enfrentarse a un dragón (en realidad, la imagen superpuesta de un cocodrilo, ingeniosamente caracterizado). En lo que hace a la creación de un mundo de fantasía a través del cine, el resultado obtenido con esta película sigue sin tener rival, y toda la tramoya de efectos especiales que permiten los avances técnicos actuales no ha conseguido que disminuya en lo más mínimo la admiración que despiertan su ingenio y su inventiva.

Argumento Roma. Antonio Ricci consigue trabajo como pegador de carteles, a condición de que aporte su propia bicicleta. Por desgracia, durante su primer día de trabajo la bicicleta le es sustraída. Los incidentes de ese tipo son tan habituales que la policía le sugiere que busque él mismo al ladrón. Acompañado de Bruno, su hijo de diez años, Antonio emprende la búsqueda. Primero avistan al ladrón en un mercadillo y luego Ricci lo sigue hasta un burdel, pero, al interrogarle, éste niega todas las acusaciones. Mientras se encuentran rodeados por un corro de personas enfurecidas, el ladrón tiene un ataque de epilepsia y no se llega a ninguna solución. Ricci, desesperado, roba una bicicleta, pero es atrapado inmediatamente. El dueño no presenta cargos contra Ricci, cuyo hijo, que ha contemplado la humillación de su padre, le ofrece la mano, tras lo cual, ambos emprenden cansinamente la marcha.

Comentario

Ladrón de bicicletas
LADRI DI BICICLETTE
DIRECTOR:

Italia, 1948

Vittorio De Sica; GUIÓN: Vittorio De Sica, Oreste Bianco, Suso Gecchi D'Amico, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi y Gerardo Guerrieri (basado en la adaptación de la novela de Luigi Bartolini realizada por Cesare Zavattini); PRODUCCIÓN: Produzione De Sica (Vittorio De Sica); FOTOGRAFÍA: Cario Montuori; MONTAJE: Eraldo Da Roma; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Traverso; MÚSICA: Alessandro Cicognini; INTÉRPRETES: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci); Enzo Staiola (Bruno Ricci); Lianella Carell (Maria Ricci); Vittorio Antonucci (El ladrón); Elena Altieri; Gino Sáltamerenda; DURACIÓN: 90 minutos; B/N.

El Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, un ídolo de las pantallas italianas que se había pasado al campo de la dirección, sigue siendo una de las películas más conocidas del neorrealismo italiano, un estilo cinematográfico que floreció en la década de los cuarenta como reacción contra las lustrosas e insulsas películas de amor y lujo subvencionadas por el estado fascista. De acuerdo con la concepción desarrollada por sus principales teóricos, entre los que se contaban el guionista Cesare Zavattini y el director Roberto Rossellini, el neorrealismo encarnaba una postura moral (y, por derivación, estética), cuya aspiración era enfrentar al público con la «realidad», animando al espectador a que pusiera en cuestión el mundo «real» en vez de empaparse con las

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atractivas imágenes que le ofrecía la industria fílmica del entretenimiento. El propio De Sica se preguntaba: «¿Por qué habrían los cineastas de buscar aventuras extraordinarias, cuando en nuestra vida cotidiana tenemos que hacer frente a hechos que nos generan auténtica angustia?». De Sica, que tuvo enormes dificultades para encontrar financiación para la película, llamó a todas las puertas, e incluso tuvo que rechazar una oferta de David O'Selznick, al añadir éste la condición de que Cary Grant hiciera el papel del pegador de carteles. Finalmente, tres hombres de negocios italianos respaldaron su proyecto y De Sica pudo contar con un reparto compuesto por no profesionales y rodar en los barrios más deprimidos de la capital, para trazar así un retrato lo más fiel posible de la lucha cotidiana de las clases populares. Sin embargo, a pesar de toda esa puesta en escena y de las proclamas neorrealistas a favor de la objetividad, el impacto emocional de la película brota del estilo deliberadamente sentimental empleado en la narración de la historia. Como cabía esperar, justo después de que se haya producido el robo, Antonio se ve rodeado de bicicletas, mientras suena una banda sonora compuesta por un concierto de timbrazos. Estos trucos, y otros similares, forman parte de las estratagemas propias de la narrativa cinematográfica, pero, en realidad, el verdadero truco -y De Sica lo sabe utilizar con una destreza conmovedora- consiste en que nadie se aperciba de ellas.

Larga es la noche
ODD MAN OUT Reino Unido, 1946
DIRECTOR: Carol Reed; GUIÓN: F. L. Green y R. C. Sherriff (basado en la novela de Green); PRODUCCIÓN: Carol Reed/Two Cities (Carol Reed); FOTOGRAFÍA: Robert Krasker; MONTAJE: Fergus McDonell; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Britten; MÜSICA: William Alwyn; INTÉRPRETES: James Masón (Johnny McQueen); Robert

Newton (Lukey); Robert Beatty (Dennis); F. J. McCormick (Shell); Fay Compton (Rosie); Beryl Measor (Maudie); DURACIÓN: 116 minutos; B/N. Argumento Irlanda, a principios de los años veinte. Johnny McQueen, el líder de una organización política clandestina, huye de la prisión donde cumplía condena por tráfico de armas. Para conseguir dinero, planea el robo de las nóminas de una fábrica textil. Durante el atraco es herido de bala y abandonado a su suerte en la calle, mientras la policía le sigue la pista. El estado de debilidad en que se encuentra hace que viva las peripecias que le acontecen (un artista le saca un retrato y un estudiante de medicina fracasado le somete a una operación) como si se trataran de alucinaciones. Kathleen, su abnegada novia, conseguirá localizarle y organizar su huida hacia los muelles. No obstante, al ser localizados por la policía, la pareja se da cuenta de que no tienen escapatoria posible y Kathleen prende de un disparo el fuego que acabará con la vida de ambos. Comentario Carol Reed se contó entre el grupo de directores que supo sacar mayor partido del florecimiento que conoció la indus-

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tria cinematográfica británica en los años inmediatamente posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Larga es la noche, un thriller con tintes surrealistas y lleno de imaginación -aunque, en ocasiones, un tanto arrebatadoexplora uno de los temas favoritos de Reed: la historia de un héroe solitario, atrapado en una situación sobre la cual no tiene control alguno y de la que trata (a menudo en vano) de salir airoso. James Masón está soberbio en el papel del romántico y malhadado héroe de la revuelta irlandesa (resulta inimaginable que en la actualidad se pudiera dar un tratamiento similar a un miembro del IRA o del INLA), y está respaldado por unos actores de reparto excelentes, entre los que destaca Robert Newton, en el papel del artista que presencia esa sensibilidad extrema, inducida por el dolor, que siempre había intentado reflejar en un lienzo. Carol Reed dirige con gran estilo tanto las escenas de acción como las de suspense, y, si bien el carácter extremadamente simbólico delfinalresulta quizá un tanto forzado, pocos serán los que se muestren en desacuerdo con la afirmación que James Masón realizaría muchos años después: «Creo que fue una gran película, quizá la mejor de Carol Reed y, ciertamente, la mejor que yo hice». A fecha de hoy, sigue siendo una de las pocas obras maestras producidas por el cine británico, y prefigura la siguiente, y mucho más famosa obra de Reed, El tercer hombre (1949), en aspectos tales como el carácter atmosférico de la fotografía en blanco y negro de Robert Krasker, su ambientación en los medios de los bajos fondos y la figura de su protagonista, un hombre solitario y turbio, sometido a una persecución que terminará en tragedia. El enfoque del director refleja el estilo de los documentales de guerra y ese gusto por el realismo descarnado que iba a caracterizar al cine británico en las décadas siguientes. El argumento de Larga es la noche sería puesto al día y alterado para adecuarlo al tema de la lucha de la población ne-

gra de los Estados Unidos por sus derechos civiles en la película El hombre perdido (The LostMan, 1969), en la que Sydney Poitier interpretaba el papel de Masón, aunque sin conseguir igualar el impacto que produjo la actuación de su predecesor.

Laura
EE.UU., 1944 DIRECTOR: Otto Preminger; GUIÓN: Jay Dratier, Samuel Hofifenstein, Betty Reinhardt, Ring Lardner Júnior y Jerome Cady (basado en la novela de Vera Caspary); PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Otto Preminger); FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle; MONTAJE: Louis Loeffler; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler y Leland Fuller; MÚSICA: David Raskin; INTÉRPRETES: Gene Tierney (Laura Hunt); Dana Andrews (Mark McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell); Dorothy Adams (Besie Clary); DURACIÓN: 88 minutos; B/N.

Argumento El cadáver sin identificar de una mujer es descubierto en el apartamento de Laura Hunt y el detective Mark McPherson se dispone a investigar el caso. Waldo Lydecker, un cáustico columnista, rememora cómo Laura llegó a convertirse en una protegida suya, a la que guardó celosamente hasta el día en que ella se enamoró del playboy Shelby Carpenter. Éste, al ser interrogado, reconoce su carácter mujeriego y la relación que mantiene con la modelo Diane Redfern. La inesperada aparición de Laura, que se encontraba de vacaciones, permite descubrir que la víctima del asesinato fue Diane Redfern; Carpenter se hallaba oculto en el lugar del crimen

y cuya primera medida fue sustituir a Lucien Ballard por Joseph La Shelle. Argumento Laurel y Hardy se dirigen a Brushwood Gulch para entregar la escritura de una mina de oro a la hija de su difunto socio. el concedido a la mejor fotografía. por no considerarle un valor lo suficientemente contrastado. cuando el jefe de los estudios. MONTAJE: Bert Jordán. El papel de la cautivadora Laura.UU.y su hábil análisis de la esquiva protagonista a través de los testimonios y las cambiantes perspectivas de toda una serie de personajes secundarios. su inquietante tema musical -compuesto por David Raskin y Johnny Mercer. intervino y la elevó a la categoría A. Sea cual sea la verdad. su utilización del flash-back. James Finlayson (Mickey Finn). Su puesto sería ocupado por Otto Preminger. MÚSICA: Marvin Hatley. su ambiente y el tenso suspense que emerge del resultado final. Oliver Hardy. a modo de treta. DURACIÓN: 65 minutos. INTÉRPRETES: Stan Laurel. Rosina Lawrence (Mary Roberts). que había disparado sobre Diane Redfern al confundirla con Laura. intente atentar contra la vida de Laura. Más tarde. Royce. un cámara que era más de su agrado. una obra muy influyente en el desarrollo del cine negro. por mucho que Preminger afirmara que había desechado el material anterior y empezado de cero. su concepción de la película seguía siendo la que ahora era de dominio público. estableció muchos de los principios del cine negro. esbozados con vividas pinceladas. se contrató finalmente a Rouben Mamoulian. lo único seguro es que Laura. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Arthur I. Laura es arrestada. Cuando. No se permitió a Otto Preminger que la dirigiera. Elaborada por Otto Preminger a partir de la novela de Vera Caspary. Mamoulian aseguraría que. la película estaba destinada a convertirse en una producción de serie B de la Fox. Alexander Woolcott). conseguía dirigir una película que siempre había deseado hacer. FOTOGRAFÍA: Art Lloyd y Walter Lundin. Zanuck. Horne. que habían rechazado tanto Jennifer Jones como Hedy Lamarr. será abatido por la policía. Sharon Lynne (Lola Marcel). mientras que fueron necesarios muchos esfuerzos para conseguir convencer a Zanuck de que se contratara a Clifton Webb para interpretar el papel del cáustico Waldo Lydecker (un personaje basado en el famoso ingenio de la Mesa Redonda de Algonquin.. PRODUCCIÓN: Stan Laurel. son hoy en día algo intrascendente dada su coherencia estilística. recaería en Gene Tierney.244 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 245 cuando una mano desconocida disparó contra ella. Félix Adler y James Parrott (basado en un relato de Jack Levne y Charles Rogers). Stanley Fields (Sheriff). El culpable resulta ser Lydecker. GUIÓN: Charles Rogers. Ya iniciado el rodaje. 1937 W. Zanuck. . con su fotografía saturada y atmosférica. que. no tardó en prescindir de Mamoulian. finalmente tuvo que conformarse con un solitario Osear. Darryl Z. Laurel y Hardy en el Oeste WAY OUT WEST DIRECTOR: James EE. descontento con los resultados. de nuevo. Comentario Las disputas sobre su autoría y la accidentada producción de esta película. de esa forma. y tras contactar con directores como Walter Lang y Lewis Milestone. Nominada para cinco premios de la Academia. para que el verdadero asesino se descubra.

a Laurel se le escapa el motivo de su viaje delante del dueño. Finalmente. . a Ruth. Hardy. para hacerse cargo de la mina. con todo el tacto del mundo. en los que los personajes se ven sometidos a humillaciones cada vez mayores. Lola Maxwell. consiguen atrapar a Finn y forzarle a devolverles lo que les pertenece por derecho propio. que proporcionaría a la pareja un éxito musical postumo en 1975. se incluyen los deliciosos pasos de claque que dan al son de la canción de los Avalon Boys. La maestría de Laurel a la hora de diseñar complejos chistes visuales. El formato del largometraje también les permitió insertar en las películas una serie de números musicales. pero son descubiertos por Finn. según parece. por la apesadumbrada muchacha y se hace con la escritura. tratando de iniciar una conversación de circunstancias. la idea de ambientar la película en el Oeste se le ocurrió. La película se rodó entre agosto y noviembre de 1936. que: «Su padre estaba tan difunto que se murió». A la noche intentan recobrarlo de nuevo. cuando alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. se veían envueltos en unas situaciones ideadas para que pudieran dar rienda suelta a toda su habilidad para causar verdaderos estragos cómicos.246 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 247 En el saloon del pueblo. Así. Cuando se dan cuenta del engaño. desde You'd be surprised hasta Tonight is the night o In the Money. pero Finn se las arregla para hacer pasar a su mujer. los dos amigos abandonan la ciudad. sus personajes. en concreto. tratan de recuperar el documento. la mujer de Laurel en aquel momento. dirá: «Llevamos unos días que hace un tiempo la mar de temporal». Tras haber conocido una serie de títulos provisionales. se separaron de sus respectivas esposas durante el rodaje de la película. tras más de medio siglo. La chica a la que buscan es Mary Roberts. en un momento en que la pareja de cómicos pasaba por un período repleto de problemas personales y profesionales: Stan Laurel estaba enfrentado a Hal Roach por la renovación de su contrato y. ese par de inocentones con bombín que interpretaban Laurel y Hardy concentraron sus entrañables payasadas en una serie de largometrajes. la ausencia de malicia de sus payasadas casi infantiles y la calidez humana que se desprende de la relación entre los dos camaradas. por ejemplo. en compañía de Mary. el film es pura diversión. En la persecución que tiene lugar a continuación. ya perfectamente perfilados. En Laurel y Hardy en el Oeste. That's All». cuya máxima expresión fueron películas como Dos fusileros sin bala (Bonnie Scotland. En estas obras. tanto él como Hardy. el soberbio sentido de la oportunidad con que se insertan las payasadas y su gusto por los errores en el habla ocupan un lugar preponderante en estas obras. Comentario Desde principios de los años treinta. mientras que Laurel le comunicará a Mary. pero será finalmente Lola quien se quede con él al arrebatárselo a Laurel haciéndole cosquillas hasta que éste casi reviente.«At the Ball. la fregona del local. 1935) y Laurel y Hardy en el Oeste. así como un perfecto ejemplo de las cualidades que hacen que. A pesar de ello. o el igualmente famoso «The Trail of the Lonesome Pine». el rufián Mickey Finn. este tándem de cómicos siga atrayendo al público: el placer que destilan sus números más característicos.

1970). Lawrence. y acariciar durante algún tiempo la idea de contratar a Albert Finney. Por su parte. se adentró en el desierto para visitar al Príncipe Feisal y conoció a Sherif Ali. una epopeya inteligente y emotiva.son ejecutadas a la perfección. el versátil aventurero T. Lawrence es recordado por sus compañeros y amigos. E. Al mando de un pequeño destacamento. Apoyado por los británicos. se decidió finalmente por Peter O'Toole. una tarea formidable que hizo necesario que el reparto original volviera a doblar aquellas partes del metraje que habían sido cortadas tras las primeras proyecciones de la película. cuyo intenso carácter pictórico se halla atemperado por la profundidad psicológica con que se exploran las complejas motivaciones del enigmático soldado y erudito británico T. Con anterioridad habían sido varios los proyectos cinematográficos que se sintieron atraídos por la vida de Lawrence.248 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 249 Comentario Lawrence de Arabia LAWRENCE OF ARABIA Reino Unido. PRODUCCIÓN: Horizon Pictures (Sam Spiegel). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: John Stoll. Lean hace un generoso uso del desierto como telón de fondo. sino de la crisis de . Feisal y Allenby. E. 1962 DIRECTOR: David Lean. José Ferrer (Rey turco). cuyas maniobras -como cabía esperar. tras el daño que habían hecho a su reputación las vehementes expresiones de descontento provocadas por el carácter cada vez más mastodóntico de sus producciones y el romanticismo vacuo que podía apreciarse en películas como Doctor Zhivago (1965) y LahijadeRyan (Ryan's Daughter. FOTOGRAFÍA: Freddie A. no sólo de las batallas. INTÉRPRETES: Peter O'Toole (Lawrence). Young. dio pie a una revaluación de la figura de David Lean entre la crítica contemporánea. Argumento Tras su muerte. es precisamente la fascinante intensidad con que Peter O'Toole interpreta su papel. y figuras como Robert Donat y Dirk Bogarde habían participado en alguno de ellos. hasta que los brutales padecimientos que sufre al ser capturado por los turcos le hagan dudar de su condición de invencible. Lean. DURACIÓN: 222 minutos (copiafinaldel DIRECTOR: 216 minutos). Lawrence toma el puerto turco de Aqaba y consigue restaurar la unidad y levantar la moral de las diversas facciones tribales árabes. que serán quienes resuelvan la situación según su conveniencia. Alee Guinness (Príncipe Feisal). que no tardaría en convertirse en su mejor aliado. Sin embargo. Sin embargo. Tras haber sido convencido de que siga en la lucha. apoyada magistralmente por el minucioso y nada condescendiente guión de Robert Bolt. Anthony Quinn (Auda Abu Tayi). tras intentar hacerse con los servicios de Marión Brando para un proyecto que contaba con un presupuesto de 15 millones de dólares. Jack Hawkins (General Allenby). un actor cuya experiencia en el cine se limitaba a unos cuantos papeles secundarios. Ornar Sharif (Sheriff Ali). MÚSICA: John Stoll. La restauración y posterior reedición de Lawrence de Arabia en 1989. Lawrence de Arabia es. por el contrario. GUIÓN: Robert Bolt. MONTAJE: Maurice Jarre. conquista Damasco e instaura un Consejo árabe. Cuando era un joven teniente destinado en El Cairo. se convierte en un héroe para las tropas nativas. lo que confiere unidad a la película. tendrá que asistir al triste espectáculo del resquebrajamiento de la unidad árabe y al triunfo final de dos políticos arteros.

que Schulberg optaría por un final distinto. Pat Henning («Kayo» Dugan). DURACIÓN: 108 minutos. 1954 DIRECTOR: Elia Kazan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. Lee }. que de vilipendiado «soplón» pasa a convertirse en solitario héroe. Es interesante subrayar. entre otros los concedidos a la mejor película y mejor director. que le pedirá su ayuda.UU. había sido destinado en un principio a Frank Sinatra. Milford. pero. algunos críticos han querido ver en la súbita apoteosis de Terry Malloy.. Terry se decide a revelar a Edie su culpa. espiarles. Lawrence de Arabia le da la vuelta a las convenciones del género al mostrarnos el impulso subyacente a la acción: una odisea interior que invita a la reflexión. además de obtener unos ingresos próximos a los 17 millones de dólares al estrenarse en los Estados Unidos. en la novela que publicaría con posterioridad. Charley Malloy. B/N. uno de los más implacables capitostes de la banda de matones que controla el sindicato de estibadores. año tras año. además de poder alardear de una de las más brillantes actuaciones de Marión Brando. no obstante. la amplitud de registros y el magnetismo animal con el que Marión Brando supo. Terry se dedica a A pesar de su decepcionante final. Charley es asesinado por no haber conseguido convencerle de que permaneciera en silencio y Terry testifica contra la banda. GUIÓN: Budd Schulberg (basado en artículos publicados por el periodista Malcolm Johnson). Argumento Nueva York. Rod Steiger (Charles Malloy). en una de las reuniones a las que asiste. Comentario La ley del silencio ON THE WATERFRONT EE. Cuando un posible testigo muere en un «accidente». se siente atraído por Edie. Aunque la película ofrece al espectador el tipo de espectáculo que suele asociarse a estas esplendorosas epopeyas. ganó siete de ellos. MONTAJE: Arthur E. y el Padre Barry están decididos a llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. pero sobrevive y conduce a los trabajadores de vuelta al trabajo. PRODUCCIÓN: Horizon (Sam Spiegel). La ley del silencio se ha ganado un lugar entre los grandes clásicos del drama realista norteamericano. es brutalmente agredido en los muelles. MÚSICA: Leonard Bernstein. Obedeciendo las órdenes de su hermano. Karl Malden (Padre Barry). El papel de Malloy. y muy poco heroico. pero terminó por convertirse en uno de los personajes clave para definir la fuerza. en realidad. un intento de sus creadores de redimirse y justificarse a sí mismos. Dado que tanto el uno como el otro habían testificado ante el Comité de Actividades Antiamericanas. INTÉRPRETES: Marión Brando (Terry Malloy). iluminar las pantallas norteamericanas . Eva Marie Saint (Edie Doyle). FOTOGRAFÍA: Boris Kaufman. su realización para la pantalla recaería en el director Elia Kazan.250 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 251 identidad que experimenta Lawrence. a partir de unas noticias aparecidas en la prensa sobre la violencia y la corrupción en los muelles. Edie. Cobb (Johnny Friendly). y hace caso omiso de su hermano cuando éste le pide que no se convierta en un soplón. Escrita por el novelista Budd Schulberg. Nominada para diez premios de la Academia. Al día siguiente. moldeado con rasgos propios de una figura a lo Jesucristo. la hermana de éste. utiliza a su hermano Terry para que atraiga hacia una trampa mortal a un estibador poco dispuesto a cooperar.

fue nominada en doce categorías. se casa con el hermano de Melanie. 1953). La muerte de ésta hará que la felicidad del matrimonio se desmorone. Si la obra de D. Aunque no consigue retenerle. Tras la muerte de su segundo marido. Comentario Lo que el viento se llevó GONE WITH THE WIND EE. En el baile de Los Doce Robles. pero no por ello deja de ser un momento cargado de emotividad y una ilustración de la portentosa complejidad que Marión Brando puede conferir a un personaje sustancialmente sencillo. Rhett sigue estando presente en su vida. la espectacular versión cinematográfica que David O. se casará finalmente con Rhett y dará a luz a una hija. que no tardará en morir de sarampión. fue finalmente La ley del silencio la que le permitió ganar su primer Osear. desplegando una determinación in- . GUIÓN: Sidney Howard (basado en la novela de Margaret Mitchell). sería otra epopeya sobre el tema de la Guerra de Secesión. despechada. Tras haber sido nominado por sus actuaciones en Un tranvía llamado Deseo (1951). obteniendo ocho premios.. No obstante. Newcorn. Escarlata. MÚSICA: Max Steiner. MONTAJE: Hal C. Tras haberse asegurado. Olivia de Havilland (Melanie Wilkes).UU. Hattie McDaniel (Mammy). Bing Crosby en La angustia de vivir (Country Girl). 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming.252 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 253 desde su debut en 1950. Escarlata. en competencia con las interpretaciones de Humphrey Bogart en El motín del Caine (The Caine Mutiny). el ambicioso Selznick. Laura Hope Crewes (Tía «Pittypat» Hamilton). ha sido parodiado hasta la saciedad a lo largo de los años. antes incluso de su publicación. la que se ocuparía de cumplir idéntica función hasta el año 1939. Escarlata se dará por fin cuenta de la profundidad del amor que Ashley sentía por su difunta esposa y tratará de reconciliarse con Rhett. Cuando más adelante se produzca también el fallecimiento de Melanie. James Masón en Ha nacido una estrella y Dan O'Herlihy en Robinson Crusoe (The Adventures ofRobinson Crusoe). que Terry le suelta a su hermano en un taxi. Griffith El nacimiento de una nación compendia el conjunto de avances técnicos desarrollados por la cinematografía norteamericana hasta el año 1915. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Lyle Wheeler. podría haber sido un aspirante al título». con el tiempo. los derechos de una novela que. DURACIÓN: 222 minutos. En cuanto a la película. y será precisamente él quien acuda a su rescate cuando Atlanta se encuentre envuelta en llamas. Selznick hizo de la novela de Margaret Mithchell. PRODUCCIÓN: Selznick International (David O. ¡Viva Zapata! (1952) y Julio César (Julius Caesar. W. Lo que el viento se llevó. Selznick). Vivien Leigh (Scarlett O'Hara). Kern y James E. El famoso discurso del «podría haber tenido clase. INTÉRPRETES: Clark Gable (Rhett Butler). la propiedad de su familia. entre ellos los otorgados a la mejor película. toma la decisión de volver a conquistarlo. recobrará su antiguo esplendor. mejor director y mejor guión. Argumento Año 1861. alcanzaría una popularidad tan sólo superada por la de la Biblia. que todavía alberga un amor no correspondido por Ashley. Escarlata O'Hara conoce al gallardo Rhett Butler y se entera de la noticia de que Ashley Wilkes va a contraer matrimonio con Melanie Hamilton. Leslie Howard (Ashley Wilkes). jura que Tara.

y el gallardo picaro. su exuberancia. no obstante. una vez cumplida la condena. no se acuerda de él cuando está sobrio. Alian García (El mayordomo). Hank Mann (El boxeador). todos los pasos que dio Selznick estuvieron destinados a obtener el máximo de publicidad para el proyecto: arrebató a Clark Gable -la más grande estrella masculina del momento. Nominada para la cifra récord de trece premios de la Academia.UU. INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El vagabundo). FOTOGRAFÍA: Roland Totheroh. MÚSICA: Charles Chaplin..a la M-G-M. una secuela dirigida por John Erman. Argumento El pequeño vagabundo. Aunque debieron ser bastantes los escritores que colaboraron en el guión y fueron tres los directores -Victor Fleming. En 1994 se estrenaría Scarlett. Harry Myers (El millonario). DURACIÓN: 86 minutos.que participaron en su realización.25 millones de dólares) jamás filmada. convencido de que la facultad de hablar que acababa de adquirir el cine no era una moda pasajera. George Cukor y Sam Wood. en homenaje a un producto final que resultó ser la película más larga y más costosa (4. Una serie de percances harán que acabe en prisión. Hall. las carismáticas interpretaciones de sus actores principales y su lacrimoso gancho emocional han seguido conquistando a los públicos de todo el mundo y la han mantenido incólume en su puesto de película más famosa producida por Hollywood.254 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 255 quebrantable. que. queda prendado de la belleza de una florista ciega. combatió contra el Código de Producción para tratar de conseguir que se permitiera incluir en la película una suave palabrota y. rico y bien parecido. la película obtuvo finalmente ocho Osear. una actriz británica casi desconocida. la muchacha sale de la tienda para ofrecerle una flor y darle unas monedas. 1931 DIRECTOR: Charles Chaplin. Florence Lee (La abuela). en diciembre de 1939. GUIÓN: Charles Chaplin. como es habitual. Chaplin. . pero le proporcionarán también el dinero necesario para pagar una operación en los ojos a la muchacha. en el mayor acontecimiento cinematográfico que los Estados Unidos habían conocido hasta la fecha. Comentario En 1928. Al reconocer en él a su benefactor se sentirá apabullada y emocionada a un tiempo por la generosidad de espíritu demostrada por el vagabundo. para finalmente decidirse por Vivien Leigh. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. B/N. La amistad del vagabundo con un millonario borracho que. aireó todo lo que pudo la búsqueda de la Escarlata ideal (entre las muchas actrices que se tomaron en cuenta se encontraban Katharine Hepburn y Pauline Goddard). descubrirá alborozado que la chica ha recuperado la vista. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D. le sirve para convencer a la joven de que es un hombre de mundo. Cuando regrese. Luces de la ciudad CITY LIGHTS EE. Virginia Cherril (La muchacha ciega). Scarlett O'Hara. Rhett Butler. se encuentra sin un techo bajo el que cobijarse y sin una perra en el bolsillo. MONTAJE: Charles Chaplin. organizó una fiesta que duró tres días antes de que tuviera lugar su estreno mundial en Atlanta. se puso a convertir la melodramática historia de amor en tiempos de guerra entre la belleza sureña. A lo largo de los tres años siguientes. Al verle contemplándola a través del escaparate de la floristería.

es la más grandiosa actuación que se haya visto nunca en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine». Aunque la versión definitiva de Luces de la ciudad -estrenada finalmente en 1931. 1959 DIRECTOR: Jack Clayton. PRODUCCIÓN: Remus (John y James Woolf). Susan se va a pasar una temporada en el extranjero. En su ensayo de 1949. al verse cruelmente abandona- . una mujer casada y de más edad. entre los asistentes a su estreno. La gran época de la comedia. Donald Houston (Charles Soames). MÜSICA: Mario Nacimbene. MONTAJE: Ralph Kemplen. Chaplin nunca se caracterizó por sus innovaciones formales. Griffith o F. la película figuraba ya entre las cinco más taquilleras. por lo tanto. pero es que. Casi siete décadas después sigue siendo una de las películas de Chaplin más apreciadas por el público de todo el mundo. W. sobre todo. Murnau. Joe Lampton. Heather Sears (Susan Brown). A diferencia de lo que ocurre con figuras como D. DURACIÓN: 117 minutos. INTÉRPRE- TES: Simone Signoret (Alice Aisgill). además. Un lugar en la cumbre ROOM AT THE TOP Reino Unido. Donald Wolfit (Mr. la hija de un magnate de la localidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ralph Brinton. con unos ingresos de un millón de dólares.256 ALLANHUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 257 decidió detener temporalmente la realización de su última película y se sumió en un período de reflexión sobre la situación en que tal circunstancia dejaba a un proyecto cinematográfico que él mismo había financiado. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. consigue alcanzar la cumbre de la sutilidad expresiva. Joe iniciará entonces una relación con Alice Aisgill. al anunciar ella que se encuentra embarazada. Brown). Brown). como atestigua el hecho de que. el crítico y guionista James Agee se sintió impulsado a escribir lo siguiente sobre el emotivo encuentro final entre el vagabundo y la florista: «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón. Alice. y el hecho de que en esta película se concentre casi exclusivamente en su pericia para la pantomima y en el encanto que desprende su emblemático personaje. está empeñado en conquistar a Susan Brown. en esta película. en lo sustancial seguía siendo una película muda que se estrenaba cuando corría ya el quinto año de la era del sonoro. Su sencillo argumento ofrece un amplio margen para pasar de la más pura comedia a la tragedia más lacrimógena. Cuando por fin consigue vencer la oposición del padre de la muchacha. aceptará un puesto en el negocio familiar a cambio de casarse con la muchacha. cuando Susan regresa vuelve a iniciar con ella una relación y. El caluroso recibimiento inicial por parte de un público que ya comenzaba a sentir cierta nostalgia por las glorias del pasado mudo del cine fue un buen augurio y. Argumento Decidido a hacer carrera. B/N. contando con un Chaplin que. pero el simple hecho de venir rubricada por Chaplin bastó para que despertara un inmenso interés entre el público. Se trató sin duda de una apuesta arriesgada. W. que no pudo contener las lágrimas durante la proyección. George Bernard Shaw o el propio Eisenstein. trasciende las innovaciones técnicas del momento. se encontraron personajes como Winston Churchill. No obstante. Ambrosine Philpot (Mrs. a finales de aquel mismo año.contaba con el añadido de una banda sonora realizada por el propio Chaplin y de algunos efectos sonoros. un ambicioso empleado que trabaja en Warnley. demuestra que la esencia de su arte reside en la actuación ante las cámaras y. GUIÚN: Neil Paterson (basado en la novela de John Braine). Laurence Harvey (Joe Lampión). de la que llegará a enamorarse.

la película obtuvo un Osear para Neil Paterson por su guión y otro para Simone Signoret como mejor actriz. Stan Barstow). Hugh Keays-Byrne (The Toecutter). INTÉRPRETES: Mel Gibson (Max Rockatansky). manifestado en la hostilidad contra el sistema y la reivindicación de la conciencia obrera. Man at the Top. sobre todo. Una ojeada a tales propuestas cinematográficas basta para contextualizar la película de Jack Clayton y apreciar su carácter de obra de transición. en particular. Alian Sillitoe. Salvajes de autopista MAD MAX Australia. 1963). En términos cinematográficos. mientras Lampton. tres años después de su inicio. Arnold Wesker) y de la literatura (John Braine. generaría a su vez una nueva película del mismo título en 1973. las de aquellos cineastas que. estrellándose con su coche. Cuando el poli- . las que proporcionarían nuevos ímpetus a la cinematografía británica. Steve Bisley (Jim Goose). además de suponer el inicio de una fugaz consagración de Laurence Harvey como estrella cinematográfica a escala internacional. hundido en la miseria. como reacción ante la aparente inmovilidad de la sociedad británica durante los austeros años de la postguerra. 1979 DIRECTOR: George Miller. dirigida por Ted Kotcheff. MÚSICA: Brian May. surgió en el Reino Unido un espíritu de protesta y de revuelta juvenil. Mirando hacia atrás con ira (Look Back In Anger. PRODUCCIÓN: Kennedy-Miller (Byron Kennedy). se suicida. Nominada para seis premios de la Academia. DURACIÓN: 91 minutos. gracias. las autopistas se convierten en el escenario de combates suicidas entre motoristas y guardianes de la ley. sería precisamente la adaptación cinematográfica de las obras de John Osborne. MONTAJE: Tony Paterson y Cliff Hayes. que sería determinante a la hora de consolidar la confianza que impulsaría las carreras de una serie de nuevos e innovadores talentos. Comentario A finales de los años cincuenta. Un lugar en la cumbre. en la que su tan cacareada franqueza sexual resulta quizá menos significativa que su ambientación en los sórdidos paisajes industriales del norte de Inglaterra (la película fue rodada en Bradford) y que la dureza de su aserto sobre los medios necesarios para superar la osificación del sistema de clases británico. Este último volvería a repetir papel en la película Man at the Top (1965).258 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 259 da. que. Argumento A medida que el orden civilizado se va resquebrajando. volvería a ser resucitado más adelante en la serie televisiva británica. Joanne Samuel (Jessie). GUIÓN: James McCausland y George Mi11er. al éxito internacional conseguido por la segunda de ellas. FOTOGRAFÍA: David Eggby. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jon Dowding. con Sábado noche. contrae matrimonio con Susan. 1959) y de Braine. de forma un tanto vaga. interpretado en esta ocasión por Kenneth Haigh. se agruparon dentro del Free Cinema y entre los que se incluían directores como Karel Reisz. Tim Burns (Johnny the Boy). cuyas expresiones culturales fueron el rock and rolly los llamados «jóvenes airados» del mundo del teatro (John Osborne. mientras que el personaje de Joe Lampton. domingo mañana (1960) o Lindsay Anderson. MadMax. con El ingenuo salvaje (This SportingLife. Roger Ward (Fifi Macaffee). pagando el logro de sus sueños con la renuncia a la felicidad.

Comentario Repleta de escalofriantes acrobacias y dotada de un dinamismo trepidante. Max y su compañero Goose conseguirán capturar a Johnny «el Chico». un motorista demente. Miller. una película de alto voltaje y dotada de un presupuesto mucho más generoso que su antecesora. Max abandona el cuerpo de policía. con objeto de realizar un análisis de la violencia asociada con el mundo del motor y con el culto masculino al coche. . y su banda han ido recogiendo los restos de «El Jinete de la Noche» y han provocado un estallido de violencia. un licenciado en medicina. pero éste. que consiguió alejar a su personaje de la imagen convencional del héroe de una sola pieza.pasara sin pena ni gloria. Max vuelve a unirse al cuerpo y. Mad Max 2. había perdido en sendos accidentes de coche a tres amigos adolescentes y había sido testigo de numerosas tragedias cuando trabajaba en el servicio de urgencias de un gran hospital. a bordo de un Pursuit Special V8. el éxito obtenido exigió que se hiciera una secuela. la estrella de las tres películas. George Miller. Estas circunstancias le proporcionarían la materia prima para realizar una película catártica que produce el mis. 1981). la novia de Max. Mad Max es. Jessie quede mortalmente herida y su hijo Sprog muera. a un tiempo. y que. gracias al tratamiento que se da a la figura del policía humillado que decide tomarse la justicia por su mano. la película no tardó en ganarse buen número de seguidores. estaba decidido a combinar en un escenario futurista los elementos del cine de acción de coches y el género de terror. pero añadiendo también ese toque de vulnerabilidad y de paranoia. tras quedar en libertad en virtud de un tecnicismo jurídico. promete vengarse. uno de los miembros de la banda. Entre tanto. a la que sobrepasó en la destreza y la fuerza de sus escenas de acción. haciendo de él una figura de culto compleja y capaz de granjearse la simpatía del público. 1985). y una furiosa réplica a la imagen que entonces se tenía del cine australiano como un universo de películas de época. «El Cortador de Dedos». pero que posee también una poderosa textura emocional. por más que en los Estados Unidos -donde las voces australianas fueron dobladas para adecuarlas al mercado nacional. Jessie. supo conferir a su papel las dosis necesarias de presencia física.260 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 261 cía Max Rockatansky causa la muerte de «El Jinete de la Noche». a su vez. el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior. rebosante de acción. propio de un solitario enloquecido y desconsolado. armado hasta los dientes. Cuando Goose es asesinado. Su director y co-guionista. Mel Gibson. otro motorista psicópata. todo lleno de puntillas y miriñaques. una imaginativa obra de ciencia ficción post-apocalíptica. insiste en que abandone el cuerpo. pero no puede evitar que en un enfrentamiento con la banda. Con todo. Aunque en su lanzamiento internacional se presentó simplemente como uno de tantos filmes violentos. vino seguida por la bastante más pretenciosa Mad Max-Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max-Beyond Thunderdome. persigue a los motoristas y acaba con ellos.» mo impacto visceral que un accidente de tráfico.

pero las historias de amor. el noble sacrificio de Humphrey Bogart al permitir que Ingrid Bergman escape con su marido Paul Henreid en Casablanca (1942) o el exuberante deambular de Gene Kelly en medio de las inclemencias del tiempo en Cantando bajo la lluvia (1952). cuya primera manifestación fue La mujer del año (Woman of the Year. entre cuyos ejemplos se cuentan el de las parejas formadas por el cazanoticias Clark Gable y la heredera fugitiva Claudette Colbert en Sucedió una noche (1934). A pesar del gran éxito de taquilla obtenido por una película como Atracción fatal (1987). Uno de los caminos más explorados por el cine ha sido el de las historias de amor que brotan de una hostilidad inicial. 1957. caso de La reina Cristina de Suecia (1933) o de Love Story (1970). Olivia de Havilland y Errol Flynn.262 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 263 Un beso no es más que un beso El amor en la pantalla El amor es una temática que trasciende cualquier distinción de géneros y cuya expresión en imágenes es tan infinitamente variada que permite meter en un mismo saco el solícito comportamiento del que hace gala KingKong (1933) en su relación con Fay Wray. 1942). Con frecuencia. en la que se mostraban las nefastas consecuencias que podía tener para un hombre casado alejarse del camino de la fidelidad. a Marcel Carné. a Fred Astaire y Ginger Rogers deslizándose mejilla contra mejilla por una Venecia art déco en Sombrero de copa (1935). regada generosamente con dry martini y salpicada de buen humor y bien intencionadas pullas. por Les enfants duparadis (1944). por ejemplo. 1935). Niebla en el pasado (Random Harvest. aunque una selección circunscrita. Ghost. más allá del amor (Ghost. 1942) y ¡Qué bello es vivir! (1946). Myrna Loy y William Powell -una pareja cuya relación. Greer Garson y Walter Pidgeon y. por muy explícita que sea su representación o inverosímiles sus circunstancias. nunca se pasan de moda. . Entre los directores que han mostrado una mayor sensibilidad en el tratamiento del romanticismo habría que incluir a Josef von Sternberg por El ángel azul (1930). 1989). como demuestra la excelente acogida que han tenido algunas películas ligeras y sentimentales como Cuando Harry encontró a Sally(When Harry MetSally. 1959). a la época clásica de Hollywood debería incluir sin ninguna duda títulos como Historias de Filadelfia (1940). revolucionaría la forma de representar los matrimonios en el cine. 1972) y a Woody Alien por Annie Hall (1977)ypor buena parte de las películas que realizaría con posterioridad. Robert Donat esposado a Madeleine Carroll en Los 39 escalones (The 39 Steps. a Billy Wilder por El apartamento (1960) (o por tantas otras obras. a Ernst Lubitsch por El bazar de las sorpresas (1940). l990)oPretty Woman (1990). una lista de las parejas románticas más memorables que ha dado el cine debería incluir a Janet Gaynor y Charles Farrell. Las historias de amor que concluyen con el tradicional «y fueron felices y comieron perdices» no vienen a la memoria con la misma facilidad. entre las cuales cabría destacar la serie realizada para el lucimiento de la pareja formada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. como por ejemplo. Ariane [Love in the afternoon]. lo cierto es que las historias de amor al viejo estilo siguen contando con el beneplácito de los espectadores cinematográficos. los amores más fuertes e intensos han sido aquellos que han concluido con la separación de la pareja. la extraña combinación formada por la mojigata solterona Katharine Hepburn y el marino aficionado a la ginebra Humphrey Bogart en La reina de África (1951) o el caso de suplantación de identidad que finalmente unirá a Doris Day con Rock Hudson en Confidencias de medianoche (Pillow Talk. como sucede en Lo que el viento se llevó (1939) o en Breve encuentro (1945). o ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? [Avanti]. más recientemente.a Nelson Eddy y Jeanette MacDonald. La batalla de los sexos ha sido la base de muchas comedias románticas. Sofía Loren y Marcello Mastroianni o Elizabeth Taylor y Richard Burton. Aunque para mucha gente Cary Grant continúa siendo el galán romántico por antonomasia y Greta Garbo se mantiene como el arquetipo de las seductoras y enigmáticas diosas del amor de la pantalla. El éxito comercial de otros géneros puede estar sometido a numerosos vaivenes. o que han tenido un final trágico.

con sus diecisiete años era. pero sus tres amigos consiguen rescatarles y acabar con la Bruja. El Mago de Oz ha aguantado bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las más cautivadoras fantasías producidas por Hollywood. El personaje del Mago. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons.264 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 265 Comentario El Mago de Oz THE WIZARD OF OZ EE. mientras que la malevolente interpretación que Margaret Hamilton hizo de la Bruja mala se la debemos al hecho de que ésta fuera elegida como sustituía de las opciones originales. Sin embargo. que. un Hombre de hojalata que quiere encontrar un corazón y un León necesitado de valor. No es posible señalar un único factor que explique un fenómeno que es el resulta- . que finalmente interpretaría Frank Morgan. en un primer momento. La alternativa de Judy Garland. 1939 DIRECTOR: Víctor Fleming. fue considerada un mal menor. Dorothy se encuentra con un Espantapájaros que busca un cerebro. El Mago se muestra dispuesto a ayudarles si se apoderan de la escoba de la malvada Bruja del Oeste. B/Ny Color. Frank Morgan (El mago). los tres amigos han encontrado las cualidades que buscaban gracias a su propio esfuerzo. es devuelta a Kansas. y una de las más mágicas y melodiosas versiones cinematográficas de un cuento de hadas de las realizadas durante la edad de oro de los estudios de Hollywood. Aunque el Mago resulta ser un fraude. que le entrega un par de zapatillas color rubí y la remite al omnipotente Mago de Oz. la espléndida adaptación musical de la Metro sigue siendo la más famosa de todas. GUIÓN: Noel Langley. Dorothy y su perro Toto son capturados. 1940). Dorothy. A diferencia de lo ocurrido con otras producciones contemporáneas. Fields. le fue ofrecido en un principio a W. Margaret Hamilton (Miss Gulch/La bruja mala). INTÉRPRETES: ludy Garland (Dorothy Gale). De camino. lo cierto es que. Baum). La película. el papel de Dorothy Gale parece inseparable de la interpretación de Judy Garland y la canción «Over the Rainbow» se ha convertido en el tema musical que siempre se asocia con la actriz. cuya contribución no figura en los títulos de crédito y a quien se atribuye la dirección del número musical de la canción «Over the Rainbow». Bert Lahr (Zeke/El león cobarde). la actriz supo aportar al papel las dosis justas de inocencia.UU. algo mayor para el papel. en ese preciso instante. PRODUCCIÓN: M-G-M (Mervyn Le Roy). hoy en día. golpea una contra otra sus zapatillas mientras pronuncia las palabras: «No hay lugar como el hogar» y. siendo premiada por ello con un Osear especial a la mejor interpretación juvenil del año. lack Haley (Hickory/El hombre de hojalata). como El pájaro azul (The Blue Bird. Argumento Inconsciente tras haber recibido un golpe durante un tornado. C. y fue un papel muy codiciado también por Wallace Berry. siguiendo las instrucciones que le han dado. iniciada por Victor Fleming. Allí se encuentra con Glinda. capacidad de asombro y vulnerabilidad. FOTOGRAFÍA: Harold Rosson. MÜSICA: Herbert Stothart. Florence Ryerson y Edgar Alien Woolf (basado en la novela de Frank L. DURACIÓN: 101 minutos. en rigor. Aunque. Bille Burke (Glinda). fue concluida por King Vidor. el estudio había pensado en Shirley Temple o en Deanna Durbin para el papel. Ray Bolger (Hunk/El espantapájaros). una bruja buena. Dorothy despierta de pronto en el País de los Munchkin. Edna May Oliver o Gale Sondergaard. MONTAJE: Blanche Sewell. Aunque tanto en 1910 como en 1925 ya se habían llevado al cine algunos de los libros de Frank Baum.

Charles Smith (Padre de Annabelle). GUIÓN: Al Boasberg y Charles Smith (basado en un relato de Keaton y Bruckman.266 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 267 do de la combinación de varios elementos: el exuberante uso del color. Su prometida Annabelle le tacha de cobarde y rompe su compromiso. obra de la factoría Disney. en 1985. 1990). rescata a Annabelle. se vio posteriormente contrarrestado por un notable resurgimiento de la admiración de la crítica. hasta llegar incluso a rodar en . la querida locomotora que conduce John Gray.. la tecnología y los escenarios de la época. un artista cuyo declive durante la era del sonoro. Argumento Al estallar la guerra. importancia de su profesión. pero es rechazado a causa de la El maquinista de La General sigue siendo la comedia muda más famosa dirigida y protagonizada por el cómico de la cara de palo. de su fascinante agilidad física y de su meticuloso control de la realización cinematográfica. Johnnie prende fuego a la locomotora y consigue que se precipite al agua un tren de provisiones de la Unión. y que contaba con un reparto compuesto en su totalidad por actores de color. ya muy adentrado en territorio enemigo. el tren es secuestrado por soldados de la Unión. FOTOGRAFÍA: J. En 1978 se realizó una fallida versión musical titulada El Mago (The Wiz). Su influencia sobre otros realizadores cinematográficos puede apreciarse en producciones tan variopintas como Zardoz (1973) y Corazón Salvaje (Wild atHeart. serían también llevados a la pantalla por la factoría Disney en 1956). el armamento. Jim Farley (General Thatcher). los efectos especiales. protagonizada por Diana Ross. 1926 DIRECTORES: Clyde Bruckman y Buster Keaton. PRODUCCIÓN: Buster Keaton Productions Incorporated Film (Joseph M. Más adelante. inspirado en The Great Locomotive Chase. un mundo fantástico (Return to Oz). B/N. Afortunadamente.UU. bajo el título de Oz. inmerecido pero quizá inevitable. Un año más tarde. Cuando llegan al puente de Rock River. de William Pittinger). DURACIÓN: 74 minutos. INTÉRPRETES: Buster Keaton (Johnnie Gray). Marión Mack (Annabelle Lee). Basada libremente en unos hechos reales ocurridos durante la Guerra de Secesión (que. el maquinista John Gray trata de alistarse en el ejército confederado. el antiguo artista de vodevil vivió lo bastante para disfrutar de este tardío reconocimiento. la banda sonora o las inolvidables interpretaciones de todo el reparto. la memorable dirección artística. aparecía una secuela tardía. se hace con el control de La General y pasa de perseguidor a perseguido. Devereaux Jennings y Bert Haines. por lo que será recompensado con el grado de oficial y con la admiración de Annabelle. de forma más sobria. mientras que. Schenck). los encantadores Munchkins. Frederick Vroom (General del Sur). y de escaso interés. El maquinista de La General proporciona sobradas muestras del excepcional humor de su lúgubre personaje. MONTAJE: Sherman Kell y Harry Barnes. Glen Cavender (Capitán Anderson). la película de Keaton se esfuerza por crear una evocación absolutamente verídica de los trajes. mientras Annabelle se encuentra a bordo del tren del que tira La General. Comentario El maquinista de La General THE GENERAL EE. su valor provocará de forma accidental una victoria del Sur. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fred Gabourie. Buster Keaton. Johnnie emprende la persecución y.

que ha descubierto que Marie. de MacKinlay Kantor). se ha convertido en una extraña. 1946 DIRECTOR: William Wyler. INTÉRPRETES: Myrna Loy (Millie Stephenson). mientras que Fred. GUIÓN: Robert E. Los mejores años de nuestra vida THE BEST YEARS OF OUR LI VES EE. Gloryfor Me. Teresa Wright (Peggy Stephenson). Al empezará a beber en exceso. que había perdido ambos brazos tras el impacto de un torpedo. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. tendrá las manos libres para cortejar a Peggy. Virginia Mayo (Marie Derry). Millie. descubrirá que sus temores eran injustificados cuando Wilma. Harold Russell (Homer Parrish). pues uno de los rasgos más característicos del arte de Buster Keaton. que le hace mantenerse jocosamente imperturbable a lo largo de un verdadero aluvión de gags visuales. Pronto tendrán lugar una serie de reencuentros embarazosos. No obstante.UU. la hija de Al. entre ellos el arriesgado espectáculo del héroe sentado sobre las lanzas en movimiento de su locomotora o la famosa escena del disparo de cañón de un tren a otro. Fred Derry y Homer Parrish. . así como de su exquisita y relajada forma de actuar. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Perry Ferguson. George Jenkins y Julia Heron. Para cuando llegue el momento de la boda de Homer. B/N. Homer. Dana Andrews (Fred Derry). DURACIÓN: 182 minutos. MÜSICA: Hugo Friedhofer. Argumento Al Stephenson. tres soldados que regresan a casa. su atractiva mujer. encontrará mucha más comprensión en Peggy. cuyo único objetivo es captar las habilidades para la pantomima del pequeño vagabundo.. la dirección o la perfecta integración de las diversas escenas de acción en la historia principal apenas si se aprecia. MONTAJE: Daniel Mandell. PRODUCCIÓN: Samuel Goldwyn. tras haberse separado de su mujer. Sherwood (basado en la novela en verso. mientras que Fred. Keaton dota al personaje del maquinista de una incoherencia muy característica. por disponer este Estado de tramos de vía estrecha en los que se podían hacer circular las antiguas locomotoras de vapor que estaba empeñado en utilizar. insista en que nada cambiará el amor que siente por él. Por su parte.268 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 269 Oregon. su prometida. Todas estas escenas están filmadas en planos generales para que pueda apreciarse el carácter verdaderamente temerario de las acrobacias realizadas y sirven para poner de manifiesto cómo la precisión con que Keaton suele colocar las cámaras es a menudo un elemento crucial para garantizar el impacto cómico. algo que habla mucho en su favor si se compara con la puesta en escena funcional de Chaplin. Fredric March (Al Stephenson). Al se hallará ya felizmente adaptado a la comodidad de su vida anterior y a la convivencia con su mujer. reside en la forma en que su meticuloso trabajo llega al espectador sin producir ninguna sensación de esfuerzo. comparten idéntica preocupación por su adaptación a la vida civil.

antes de que se incorporaran al proyecto William Wyler y el escritor Robert E. Nominada para ocho premios de la Academia. MÚSICA: Howard Dietz y Arthur Schwartz. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Tony Hunter). a continuación. fue todo un acierto. Recién llegado del campo de batalla -donde su sensibilidad. Harold Russell. Lester y Lily Marton. Renunciando a un exceso de sentimentalismo. Jack Buchanan (Jeffrey Cordova). Goldwyn llegó incluso a pagarle para que sacara un guión de la novela. Nanette Fabray (Lily Marton).su elección para realizar Los mejores años de nuestra vida. MONTAJE: Albert Akst. su cámara habitual.. era galardonado con un premio especial por haber insuflado «esperanza y coraje al resto de los veteranos de guerra». Wyler empezó por encuadrar la película. y un director. Inspirado por un artículo aparecido en la revista Time. había hecho de él un magnífico documentalista de guerra {The Memphis Belle. a pesar de contar con una primera actriz. el más logrado ejemplo del oficio consumado. una estrella de Hollywood. mientras que el actor no profesional. Tony se vuelca en el trabajo. Sam Goldwyn había contratado a MacKinlay Kantor para que escribiera una adaptación de 50 páginas que sirviera de base para realizar una película. Sherwood. Con inquebrantable tenacidad. 1953 DIRECTOR: Vincente Minnelli. 1944). la bailarina Gaby Berard. su tratamiento sensato y preciso de una serie de cuestiones que afectaban a buena parte de la población hizo de esta película un gran éxito comercial y. ajena a las grandes efusiones. William Wyler era un director al que se podía confiar el encargo de proyectos de calidad con la seguridad de que los ejecutaría con la máxima competencia. ya entrada en años. posiblemente. Melodías de Broadway THE BAND WAGÓN EE. con una minuciosidad impecable. Ava Gardner (Estrella invitada). Aunque la ausencia en su obra de una serie de temas recurrentes lo sitúen fuera del olimpo en que los críticos defensores de la teoría del autor colocan a cineastas como John Ford u Orson Welles. Sus leales amigos. el extravagante Jef- . GUIÓN: Betty Comden y Adolph Green. se puso a recoger con mirada compasiva los sufrimientos causados por la readaptación a la vida civil.270 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 271 Comentario William Wyler. la más notable crónica sobre el regreso de las tropas a los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. obtuvo seis de ellos. aunque un tanto impersonal. ejercitó sus habilidades en una amplia gama de géneros y se ganó el apodo de «Wyler 90 tomas» por su legendario perfeccionismo durante los rodajes. crean un espectáculo musical a la medida de su talento. a la que considera inadecuada para el papel. Contando con la colaboración de Gregg Toland. A pesar de los recelos y la indiferencia con la que es recibido en Nueva York. decide embarcarse en el proyecto. Tony Hunter. Osear Levant (Lester Marton). en el marco característico de la clase media de una pequeña ciudad norteamericana y. entre otros el concedido a la mejor película. PRODUCCIÓN: M-G-M (Arthur Freed).UU. que finalmente sería el encargado del guión. Kantor se gastó el anticipo y recompensó a Goldwyn con una novela de 268 páginas escritas en verso libre. de Wyler. DURACIÓN: 112 minutos. Argumento Preocupado por el declinar de su popularidad. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Preston Ames. Cyd Charisse (Gaby). decide probar suerte en un espectáculo de Broadway. FOTOGRAFÍA: Harry Jackson (George Folsey). uno de los más admirados realizadores del sistema hollywoodiense.

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frey Cordova, que parece decidido a sabotear todos sus esfuerzos con sus opiniones extremistas sobre el material que compone el espectáculo. Como era de prever, la noche del estreno resulta un desastre. Sin embargo, a las puertas mismas de la debacle, conseguirán triunfar, al ponerse todos a colaborar en un vodevil más ligero y menos pretencioso. Tony se enamora de Gaby, y el espectáculo resulta todo un éxito.

Comentario Melodías de Broadway es, junto a Cantando bajo la lluvia (1952), uno de los ejemplos supremos de los niveles de calidad que alcanzó el equipo que Arthur Freed lideró en la MG-M durante los años cincuenta. Escrita por Betty Comden y Adolph Green -que habían sido también los autores del guión de Cantando bajo la lluvia- la película vuelve a tratar de los entresijos del mundo del espectáculo y satiriza la escena teatral del Broadway de la época e incluso (cariñosamente) la propia figura de Fred Astaire, bromeando con la preocupación que le causaba su edad o la altura de su compañera de reparto y caricaturizando el perfeccionismo que siempre había sido uno de sus sellos distintivos. Estructurada en torno a la colección de canciones compuestas por Howard Dietz y Arthur Schwartz, su banda sonora incluye temas como «A Shine on Your Shoes», «Triplets», «That's Entertainment» y «Dancing in the Dark», la última de las cuales fue mencionada en cierta ocasión por Gene Kelly como su número favorito de todo el canon de dúos de danza de Fred Astaire. También incluye la para entonces inevitable secuencia de ballet, en este caso un número llamado «Girl Hunt Ballet» (escrito por Alan Jay Lerner), una parodia de las hazañas de los tipos duros del estilo de Mike Hammer o Mickey Spillane, que gozaban de gran popularidad en la época.

Vincente Minnelli dirige este espectáculo cinematográfico ingenioso y sofisticado con su característica eficacia en el uso del color y distribuye sutilmente los números musicales de modo que expresen la evolución psicológica y emocional del personaje de Fred Astaire. De canciones como «By Myself» se pasa a otras como «I Guess I'll Have to Change my Plans», a medida que su sensación de abatimiento y aislamiento va dando lugar a su decisión de embarcarse en la senda del amor y de un futuro en compañía. Nominada para los Osear a la mejor banda sonora, el mejor vestuario y el mejor guión original, la película no obtuvo finalmente ninguno de estos premios, pero se aseguró, de forma indiscutible, un lugar privilegiado en la historia del cine musical.

El mensajero del miedo
THE MANCHURIAN CANDIDATE
DIRECTOR: John Frankenheimer; GUIÓN:

EE.UU., 1962

George Axelrod (basado en una novela de Richard Condón); PRODUCCIÓN: M.C. (George Axelrod y John Frankenheimer); FOTOGRAFÍA: Lionel Lindon; MONTAJE: Ferris Webster; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Sylbert; MÜSICA: David Amram; INTÉRPRETES: Frank Sinatra (Bennet Marco); Laurence Harvey (Raymond Shaw); Janet Leigh (Eugenie Rose, «Rosie»); Angela Lansbury (Eleanor Iselin); Henry Silva (Chunjin); James Gregory (Senador John Yerkes Iselin); DURACIÓN: 126 minutos; B/N. Argumento Corea, 1952. Una patrulla norteamericana es capturada y sometida a un lavado de cerebro. Tras su liberación, el Capi-

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tan Bennet Marco comienza a sufrir unas pesadillas en las que Raymond Shaw, a quien todo el mundo supone un héroe, resulta ser un autómata al servicio del enemigo, dispuesto a matar cuando se le ordene. Cuando otro miembro de la patrulla dice tener la misma pesadilla, el ejército comienza a preocuparse. Entretanto, Eleanor, la madre de Raymond, le incita a que asesine al Senador Jordán y después le prepara para que vuelva a matar. Todo ello forma parte de una conspiración, cuyo objetivo es llevar a la Casa Blanca a su propio marido, el Senador Iselin, un incauto y virulento ultraderechista. Marco comienza a quebrantar el condicionamiento de Raymond, pero no puede evitar que éste acuda a un mitin que se celebra en Madison Square Gardens. Sin embargo, en el momento crucial, dispara a su madre y a Iselin y, acto seguido, se suicida.

Comentario Una adaptación de la novela publicada en 1959 por Richard Condón, El mensajero del miedo es uno de los thrillers políticos más audaces e imaginativos, cinematográficamente hablando, de todo el canon de Hollywood. Según su director y productor, John Frankenheimer, la película fue concebida con la intención de satirizar «cualquier tipo de fanatismo, y como una demostración de que la extrema derecha y la extrema izquierda son la misma cosa; la una tan estúpida como la otra». La película parodia el extremismo de los anticomunistas que florecían a la sombra de ese martillo de rojos que fue el senador Joseph McCarthy, pero también presenta un retrato, casi sacrilego, del matriarcado norteamericano, ejemplificado en el personaje dominador de la matrona que interpreta Angela Lansbury. Frankenheimer, un realizador que había iniciado su carrera en la televisión en directo, supo en-

contrar un estilo febril que ofrecía la perfecta réplica al carácter intensamente melodramático de los acontecimientos, logrando que la teoría del efecto dominó, con su encadenamiento de causas y efectos, resulte de una plausibilidad escalofriante. Por otro lado, la utilización de lentes especiales, monitores de televisión y un montaje trepidante contribuyen eficazmente a realzar la sensación de realidad. La interpretación a lo largo de toda la cinta es excelente; el personaje frío y distante que Laurence Harvey suele encarnar en la pantalla encaja perfectamente con el papel de un Raymond al que se ha lavado el cerebro, mientras que Angela Lansbury, tan sólo tres años mayor que él, está excelsa en el papel de madre. La película, que tuvo un moderado éxito de crítica y público en el momento de su estreno, sólo fue nominada para dos Osear -para Angela Lansbury y el montador Ferris Webster- y fue retirada de la circulación tras el asesinato de John F. Kennedy, cuyo apoyo expreso al film había sido determinante para su realización. Los asesinatos, conspiraciones y traiciones que, con el tiempo, llegarían a ser un elemento habitual de la política norteamericana, no han hecho sino dar mayor crédito a la trama y el estilo de una película que, en su momento, fue desestimada en algunos sectores por considerarla fantasiosa. Su reestreno en 1988 supuso su confirmación a escala mundial como un clásico del cine.

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Comentario

Mephisto
Hungría, 1981
DIRECTOR: Istvan Szabo; GUIÓN: Peter Dobai e Istvan Szabo (basado en la novela de Klaus Mann); PRODUCCIÓN: Mafilm/Manfred Durniok (Manfred Durniok); FOTOGRAFÍA: Lajos Koltai; MONTAJE: Zsuzsa Csakany; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jozsef Romvari; MÚSICA: Zdenko Tamassy; INTÉRPRETES: Klaus Maria Brandauer (Hen-

drik Hofgen); Ildiko Bansagi (Nicoletta von Niebuhr); Krystyna Janda (Barbara Bruckner); Rolf Hoppe (General); Gyorgy Cserhalmi (Hans Miklas); Peter Andorai (Otto Ulrichs); DURACIÓN: 144 minutos. Argumento Alemania, años veinte. El matrimonio de ventaja contraído por el ambicioso actor Hendrik Hofgen con Barbara Bruckner le lleva a la Compañía Estatal de Teatro de Berlín. Allí, se las arreglará para ganarse el favor de personas del más variado pelaje político, hasta obtener el papel de Mefistófeles en una exitosa producción de Fausto, gracias a la cual, un general nazi se fijará en él. Cuando los nazis llegan al poder en 1933, Barbara huye a París, mientras Hofgen, que ha decidido quedarse, obtiene cada vez mayores distinciones. Sin embargo, ha tenido que pagar un alto precio por su éxito: el divorcio de su mujer, el final de su relación con Juliette y la traición a sus antiguos colegas de izquierdas. Se casa con la actriz Nicoletta y, una vez más, obtiene un rotundo éxito -en esta ocasión por su actuación en Hamlet- antes de que su humillación a manos del General ponga de manifiesto lo precario de su situación.

Al estrenarse Mephisto, una adaptación de la novela en clave que Klaus Mann publicara en 1936, inspirada, según se cree, en la figura del actor Gustav Grundgens, su director y guionista Istvan Szabo declaró lo siguiente: «Nuestra película es la historia de la impresionante capacidad de adaptación de un individuo. Es la historia de un hombre que siente que a lo único que puede aspirar en esta vida es a ser aceptado por los demás». Ganadora del Osear a la mejor película extranjera del año 1981, Mephisto ofrece una singular visión del acontecer histórico a través de los dilemas morales de un hombre falible, y en absoluto heroico, que, irónicamente, ha de tomar una serie de decisiones extremadamente graves y dolorosas para dar satisfacción a una muy arraigada necesidad de llevar una vida segura y alcanzar un éxito al que sólo puede aspirar mediante una interminable serie de componendas y traiciones. La historia del personaje principal, un actor dispuesto a sacrificar sus principios y a sus seres queridos para obtener el vacuo premio de una rutilante carrera, representando el papel de un hombre que vende su alma al diablo, se entrelaza metafóricamente con la propia situación de la nación alemana, enfrentada al ascenso del fascismo en el período de entreguerras. Habla mucho en favor de la convincente dirección de Szabo y del magnetismo de la interpretación de Klaus Maria Brandauer, el hecho de que las reacciones del espectador ante el personaje protagonista recorran toda la gama que va desde el desprecio a la comprensión, sin que en ningún momento desaparezca un remanente de simpatía, que le obliga a plantearse la inquietante cuestión de cómo habría reaccionado él ante unas circunstancias similares. Brandauer y Szabo volverían a trabajar juntos en otras dos películas, creando así una especie de trilogía sobre el tema del hombre carismático enfrentado a su destino y sobre los defectos personales que precipitan su caída en des-

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gracia o su autodestrucción. En Coronel Redi (Redi Ezredes, 1984) es un ambicioso militar del Imperio austro-húngaro y en Hanussen, el adivino (Hanussen, 1988), un soldado herido que adquiere poderes paranormales.

Metrópolis
Alemania, 1926 Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en una novela de esta última); PRODUCCIÓN: Ufa (Erich Pommer); FOTOGRAFÍA: Karl Freund y Gunther Rittau; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht; INTÉRPRETES: Alfred Abel (John Fredersen); GustavFrolich (Freder); Brigitte Helm (Maria); Rudolf Klein-Rogge (Rotwang); Fritz Rasp (Slim); Theodor Loos (Josaphat); DURACIÓN: originalmente 150 minutos (la mayoría de las copias actuales poseen una duración de tan sólo 120 minutos, mientras que la reedición de 1984 dura 83 minutos) ;B/N. Argumento Comentario Corre el siglo xxi en la ciudad de Metrópolis, la masa de los trabajadores vive sumida en la miseria en condiciones próximas a la esclavitud, mientras la clase dirigente disfruta de la vida en los «jardines eternos». Freder, el hijo de Fredersen, el patrón de la urbe, se enamora de Maria, una trabajadora, y se le abren los ojos a las duras condiciones de vida de los trabajadores. Entre tanto, su padre encarga al científico Rotwang la fabricación de un robot que sea una réplica de Maria, con objeto de sofocar cualquier posible intento de sublevación. No obstante, cuando sea la falsa Maria quien provoque la revuelta, los efectos serán catastróficos y conPor muy endebles que fueran los cimientos sobre los que se sustentaba la economía alemana durante los años veinte, no supuso un impedimento para que el director Fritz Lang abordara tres de las mayores producciones cinematográficas jamás realizadas hasta entonces. Al thriller megalómano El Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, derspieler, 1922) le siguió la leyenda wagneriana Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923) y, a continuación, la utopía fantástica Metrópolis. Rodada en casi dieciocho meses, Metrópolis llevaría a la quiebra a los poderosos estudios Ufa de Alemania, aun anDIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN:

ducirán a la paralización de la ciudad y a la inundación de los barrios de los trabajadores. La verdadera Maria y Freder llevan a los niños a un lugar seguro y el robot es destruido. Rotwang se vuelve loco y Fredersen, convencido ahora de lo errado de sus métodos, promete un futuro más justo.

La película. MONTAJE: Emile De Ruelle. el artista trata de aprovecharse de ella. acompañará a su estudio. el escenario social que ambos diseñaron para Metrópolis era lo bastante simplista como para satisfacerlos a ambos: una sociedad futura donde todo el boato tecnológico con que vive la clase dirigente se mantiene gracias a la existencia de una clase marginada. se estrenara en junio de 1927. Por su parte. El momento culminante de la reconciliación sirve para garantizar la consecución de una mayor justicia social. compuesta por trabajadores esclavizados. por Tracy. Alice White se siente halagada por las atenciones de un artista. le abriría a Lang las puertas de Hollywood. hoy en día. posteriormente. y el otro. es sobre todo el impresionante dominio de Lang sobre la arquitectura visual. llegaría con el tiempo a alinearse estrechamente con el partido nazi. que lo utilizará para chantajear a Webber. PRODUCCIÓN: Elstree (John Maxwell). con su científico loco. pero olvida sus guantes. ve cómo todos sus intentos de confesar su culpabilidad a la policía se ven constantemente frustrados. Arnold y Norman Arnold. Alice. Thea von Harbou. Argumento Durante una cena con su prometido. lo que da lugar a una persecución por Londres que concluirá en el Museo Británico. Aunque Lang fue a lo largo de toda su carrera un hombre de izquierdas. a la vez que recalca la validez de la moraleja de la película: «El corazón debe mediar entre la mano y la mente». La propia magnitud de la empresa hace que tanto la trama como los personajes queden relegados a un segundo plano y. Donald Calthrop (Tracy). White). White). habría de ejercer una influencia notable en el cine de ciencia-ficción que se realizaría con posterioridad. su perverso robot femenino y su vibrante visión de la tecnología futura. La muchacha de Londres BLACKMAIL DIRECTOR: Alfred Reino Unido. mientras que la respetuosa acogida que se le brindó en los Estados Unidos sería lo que. Webber se reúne de nuevo con Alice y le devuelve el guante. cuya revuelta estará a punto de conducir a la destrucción de la ciudad hasta que. Cyril Ritchard (El artista). triunfe el amor. Webber decide poner en evidencia a Tracy. uno de los cuales será encontrado por Webber. . la que entonces era su mujer. B/N. en última instancia. No obstante. finalmente. Mientras se prepara para posar. donde Tracy encontrará la muerte al caer desde el techo de la Sala General de Lectura.280 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 281 tes de que la película. Levy y Charles Bennett (basado en una obra teatral de Bennet). la espléndida estilización de los escenarios y las monumentales escenas de masas (el reparto incluyó más de 35. INTÉRPRETES: Anny Ondra (Alice White). atormentada por sus remordimientos. Benn W. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred C. que ha sido asignado para el caso. lo que sigue fascinando a los espectadores. al que. 1929 Hitchcock. el detective de Scotland Yard Frank Webber. DURACIÓN: 86 minutos (versiónmuda: 75 minutos). Sara Allgood (Mrs. GUIÓN: Alfred Hitchcock. FOTOGRAFÍA: Jack Cox. Alice lo mata con un cuchillo de cortar el pan y sale huyendo. John Longden (Frank Webber).000 figurantes). Charles Patón (Mr. MÚSICA: Hubert Bath y Henry Stafford. anunciada a bombo y platillo.

Ralph Lewis (El honorable Austin Stoneman). Alfred Hitchcock se las arregló para «doblar» un diálogo sincronizado que se superpuso a los primeros rollos.W. Woods (basado en la novela y en la obra de teatro The Clansman. Argumento Año 1860.. Hacer de la principal protagonista una mujer culpable de algún delito sería un tema recurrente en la obra de Hitchcock (caso de Encadenados [Notorious]. MONTAJE: James Smith. Con la muerte en los talones[North By Northwest] 1959. Bitzer. Griffith. quizá lo más significativo de La muchacha de Londres resida en el hecho de que en ella se sienta el precedente de subordinar el sentido de la trama a una serie de juegos de suspense -mitad cómicos. B/N. el pequeño coronel). Muchos serán los que mueran du- . DURACIÓN: 180 minutos aproximadamente (con posterioridad: 165 minutos). desayuna con su familia. el ama de llaves mulata de los Stoneman). Mary Alden (Lydia Brown. Griffith y Frank E. algunas de las escenas dialogadas resultan terriblemente lentas. Henry W. Hitchcock consiguió demostrar con una secuencia sorprendente las inmensas potencialidades artísticas del nuevo medio: en la banda sonora de la secuencia en la que Anny Ondra. la ladrona [Marnie]. 1935. Convendrá que los aficionados a descubrir las apariciones de Hitchcock en sus propias películas presten especial atención a una escena que tiene lugar en el metro. mitad enigmáticos. a la mañana siguiente de haber evitado el intento de violación. antes de que el estallido de la Guerra de Secesión los convierta en enemigos. había sido rodada como si se tratara de un film mudo. Miriam Cooper (Margaret Cameron). Los treintay nueve escalones [The Thirty-Nine Steps]. sin embargo. un procedimiento que obligó a repetir numerosas veces varias de las escenas. 1915 W. y lo mismo podría decirse de la idea de una persona normal que se ve sumergida de pronto en una situación caótica (véase.). 1960. 1946. así como en la novela The Leopard's Spots. consiguiendo de tal manera que La muchacha de Londres se estrenara como una película «hablada».que se pueden ir entresacando a lo largo del desarrollo de la acción. mientras la actriz Joan Barry hablaba fuera de cámara. cuya repetición constituye para la muchacha un sangrante recordatorio del crimen que ha cometido. Marnie. MÚSICA: Joseph Cari Breil y D. que tuvo que mover los labios como si dijera su texto. Psicosis. a pesar de lo cual. entre otras muchas). EE. INTÉRPRETES: Lillian Gish (Elsie Stoneman). 1964). Aunque toda la película. Anny Ondra. a excepción del último rollo. Los Stoneman visitan por última vez a los Cameron en el Sur. W. Mae Marsh (Flora Cameron. GUIÓN: D. El nacimiento de una nación THE BIRTH OF A NATION DIRECTOR: D. Como suele ocurrir en los primeros experimentos con el sonoro. se ha puesto sordina a toda la conversación menos a la palabra «cuchillo». Griffith. Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente consistió en disimular el marcado acento checoslovaco de la protagonista. W. PRODUCCIÓN: Epoch (D. todas ellas de Thomas Dixon Jr.282 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 283 Considerada de manera oficial como la primera película sonora filmada en el Reino Unido. La muchacha de Londres es doblemente notable por su carácter precursor de muchos de los temas y rasgos estilísticos que Alfred Hitchcock desarrollaría con posterioridad. FOTOGRAFÍA: C.UU. Walthall (Ben Cameron.W. la hermana pequeña). Griffith). donde cierta figura muy familiar ve frustrados sus intentos de leer a causa de un niño particularmente pesado.

000 dólares. se trata de una de las películas más explícitamente racistas que jamás se hayan realizado. A consecuencia de ello se desencadena un enfrentamiento abierto. intentó crear una obra norteamericana de una magnitud similar. Por su parte. crea el Ku-Klux Klan y ejecuta al negro Gus por provocar el suicidio de Flora. era sureño y se había educado en los valores del viejo Sur. Silas Lynch. contraigan matrimonio. pretende Griffith -que al igual que el autor de la obra. Ben Cameron. firme defensor de la supremacía blanca. desde un punto de vista artístico. No obstante. En los múltiples cortos realizados desde el año 1908 en adelante.284 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 285 rante el conflicto. y el Klan emprende una cabalgada para rescatarla y. de paso. sigue siendo un logro de primer orden en el desarrollo de las técnicas narrativas fílmicas. según reza uno de los rótulos). Lynch coge prisionera a Elsie. mientras que sus admiradores siguen considerando a Griffith como un gigante del cine norteamericano. Comentario El nacimiento de una nación de David Ward Griffith es uno de los más polémicos hitos de la historia del cine. Animado por el éxito internacional de Cabiria (1914). desde una perspectiva ideológica. eligiendo como fuente el melodrama del reverendo Thomas F. su hermana. conseguirá sobrevivir y recibirá los cuidados de Elsie Stoneman. por otro. hay quienes se muestran menos dispuestos a conceder una grandeza duradera a un artista cuya obra se ve aquejada por semejantes lacras conceptuales. liberar la cabana en la que Margaret Cameron estaba cercada.es exhortar a unionistas y confederados a que se unan contra su enemigo común. verdadero espanto. son enviados al Sur para promover la emancipación de los esclavos. Una paz precaria reinará finalmente cuando Ben y Elsie. Phil Stoneman y su protegido negro. pasando por la utilización de rótulos o el empleo de la técnica narrativa del flash-back. En cualquier caso. cuya mera sinopsis produce. según se dijo. Griffith fue siempre el primero en hacerlo. sin embargo. Llegada la paz. Desde los primeros planos y los planos generales hasta la idea de establecer cortes entre dos puntos de interés para crear tensión. los indisciplinados y lujuriosos negros. en última instancia. obteniendo. unas ganancias de 5 millones de dólares sobre un presupuesto de tan sólo 91. The Clansman. en el que tanto los Cameron como los Stoneman combatirán del mismo lado. Dixon. Ben Cameron. por un lado. Lo que. y Margaret y Phil. entrando a formar parte del Ku-Klux Klan («la salvación de la civilización blanca». y haciendo que el propio presidente Woodrow Wilson comentara que aquello era «como escribir historia con un rayo». sus panorámicas de batallas y su minuciosa trama bastaron para que El nacimiento de una nación atrajera a una inusitada cantidad de público. Con su utilización de los más burdos estereotipos raciales (los hombres de color son interpretados por blancos pintados de negro) y su miedo histérico a la mezcla de razas. la película posee un argumento. hoy en día. Griffith había inventado la gramática cinematográfica. Si. . la epopeya italiana de Giovanni Pastrone. que ha caído prisionero.

286 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 287 Los seres que pululan en la noche El género de terror La etiqueta «película de terror» puede aplicarse a una multiplicidad de variantes filmicas. 1941). También conviene hacer mención de algunos maestros italianos del género. 1927). en las que utilizaba el trabajo de cámara de Floyd Crosby. 1964). 1931) y con la conmovedora intensidad que Boris Karloff supo transmitir al monstruo de El doctor Frankenstein (Frankenstein. 1956). 1960) o La máscara de la muerte roja (The Masque ofThe Red Death. cuyas grandes orquestaciones de color. Drácula (1958) o La momia (TheMummy. que figuró en la película Nosferatu. Por su parte. 1931). Igualmente importante fue la contribución de Roger Corman con su serie de exuberantes adaptaciones de la obra de Edgar Alian Poe. o como Psicosis (1960). Hyde. cuyo efecto acumulativo creó un muy característico estilo gótico que ponía un nuevo énfasis en el atractivo erótico del terror. La profecía (The Ornen. El exorcista (1973). entre las que se contaban obras como El gabinete del doctor Caligari (1919) o El Golem (Der Golem. El relevo vino a tomarlo la R-K-O. Lon Chaney sénior se hizo acreedor del apelativo «El hombre de las mil caras» debido a las dolorosas transformaciones físicas a las que se sometió para interpretar los personajes de Elfantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera. I Walked With a Zombie (1943) o The Seventh Victim (1944). que volvería a retomar el tema con una hábil combinación entre lo humorístico y lo macabro en La novia de Frankenstein (1935). 1925) o del vampiro de La casa del horror (London after Midnight. Con El hombre lobo (The WolfMan. el arte dramático de Vincent Price y una interpretación de corte freudiano para iluminar obras como La caída de la casa Usher (The Fall ofthe House of Usher. 1962). así como sus incontables imitaciones de bajo presupuesto destinadas al mercado del vídeo. 1954). en las que la atmósfera de miedo se creaba recurriendo a medios sutiles e implícitos y con una muy hábil utilización de los escenarios más cotidianos. 1984) o Viernes 13 (Friday the 13th. Las películas convencionales de terror han ido ganando cada vez mayor viabilidad comercial gracias a obras como ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Babyjane. que van desde el suspense relativamente sutil de un cuento de miedo hasta las viles acciones de los bellacos creados por unos científicos que se dedican a meterse en camisas de once varas. 1953) o La mujer y el monstruo (The Creaturefrom the Black Lagoon. una de las variasymuy imaginativas producciones del cine alemán. de Alfred Hitchcock. por ejemplo. 1959). música y puesta en escena alcanzaron su culmen en Suspiria (1977) e Inferno (1980). Ya en tiempos del cine mudo habían hecho su aparición en pantaüa todos los monstruos clásicos del género. como Mario Bava y Dario Argento. que inició un ciclo de películas del género que contaban con la presencia de viejas estrellas femeninas. donde se hacía un uso lleno de ingenio de los postulados expresionistas y de los efectos del claroscuro. la productora de King Kong (1933). 1978). parecen indicar que el público está más ansioso que nunca por experimentar miedo en estado químicamente puro desde la seguridad de una butaca de cine. Aunque el advenimiento de la 3-D vino acompañado de una proliferación de películas de terror efectistas. caso de La noche de Halloween (Halloween. donde Val Lewton lideró el equipo de bajo presupuesto que realizaría películas como La mujer pantera (Cat People. el enorme éxito de público obtenido por filmes como La semilla del diablo (1968). de Drácula. una película dirigida por el británico James Whale. más o menos truculentas.con la oscarizada actuación de Fredric March en El hombre y el monstruo (Dr. 1982) oPo/ferge¡sí(1982). caso. Posesión infernal (The EvilDead. . Pesadilla en Elm Street (A Nightmare onElm Street. 1980) con sus innumerables secuelas. elvampiro (1922). Si La noche de los muertos vivientes (1968) y sus continuaciones se han servido de las películas de zombis para expresar diversos puntos de vista sobre los hábitos de la sociedad norteamericana. Jeckyll and Mr. Sin embargo. 1976). al género ya le había llegado la hora de someterse a una revitalización cuando los estudios británicos Hammer contrataron a actores como Peter Cushing y Christopher Lee para realizar películas tan notables como La maldición de Frankenstein (The Curse ofFrankenstein. 1920). la Universal completó una galería de monstruos que serían utilizados en toda una serie de historias cada vez más inverosímiles y de menor calidad. que creó una de los más escalofriantes personajes del género en la figura del cordial psicópata Norman Bates y sirvió de fuente de inspiración para toda una plétora de producciones menores en las que unos maníacos indestructibles se dedicaban a hacer de las suyas. la edad de oro de los monstruos de Hollywood se iniciaría con la aparición de Bela Lugosi en la película Drácula (1930) -un papel que ya había interpretado en los escenarios. como Los crímenes del museo de cera (The House ofWax. 1942).

en este sentido. existían ya varias versiones de la misma. GUIÓN: Abel Gance. Argumento En la academia militar. DURACIÓN: 270 minutos. Cuando se estrenó en París. Jacouty. el resto del inmenso proyecto de llevar a la pantalla su vida nunca llegó a filmarse. Lo que. trata de inducir a Córcega a que se ponga del lado de la Revolución Francesa. Aunque las tropas que le son asignadas están compuestas por un conjunto de hombres agotados y harapientos. MONTAJE: Marguerite Beauge y Henriette Pinson. pero también conocerá y se enamorará de Josefina. se ve a sí mismo como el hombre cuya misión es portar la bandera de la revolución a cotas cada vez más altas. Napoleón no constituye una excepción. donde las imágenes. Nombrado comandante en jefe del Ejército de los Alpes. INTÉRPRETES: Albert Dieudonné (Napoleón Bonaparte). la película fue recibida como una reivindicación del espíritu artístico frente al carácter descaradamente comercial del cine francés del período de anteguerra. juventud y los inicios de su carrera militar. Años más tarde. e incluso una versión del final en el que las escenas de la entrada de Napoleón en Italia forman un tríptico heroico proyectado en tres pantallas. el Napoleón de Abel Gance no es más que el boceto de un proyecto mucho más amplio que. la admiración que despierta esta película se debe mucho más a su virtuosismo técnico que al retrato que ofrece del emperador. a diferencia de lo que ocurre en el resto de la película. consigue insuflarles nuevos bríos y los conduce a una marcha victoriosa a través de Italia. sin duda. se mueve con extraordinaria agilidad. las posibilidades de la cámara que. el espectador puede elegir entre la copia montada en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola y el épico ensamblaje de cinco horas de duración realizado por . En todas sus películas. Gance adoptó un punto de vista típicamente romántico sobre la figura de los grandes hombres y. FOTOGRAFÍA: Jules Kruger. Durante el reinado del Terror es encarcelado por rehusar el mando militar de París. entonces como ahora. Edmond van Daele (Maximilien Robespierre). el retrato está incompleto. escena tras escena. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexandre Benois. no existe una copia definitiva de Napoleón. realizando todo tipo de picados y giros. Posteriormente. Como sucede con la mayoría de las películas mudas. Alexandre Koubitzky (Danton). Acho Chakatouny (Pozzo Di Borgo). PRODUCCIÓN: Westi/ Societé General De Films/Les Films Historiques (Abel Gance). 1927 DIRECTOR: Abel Gance. finalmente. B/N. Meinhardt y Eugene Lourie. sí consiguió fue explotar al máximo. el joven Napoleón se dedica a demostrar sus dotes de estratega en combates de bolas de nieve y busca solaz en la compañía de un águila que tiene como mascota. Pierre Schildknecht. En la actualidad. Antonin Artaud (Marat). convertido ya en teniente. MÚSICA: Arthur Honegger. Jean-Paul Mundwiller y Leonce-Henry Burel. siguiendo la norma habitual. Lochavoff. quedan restringidas a una sola pantalla. Gina Manes (Josefina de Beauharnais). En todo caso. dado que la película sólo recoge su infancia. e incluso en el momento de su estreno. privando a Gance de la oportunidad de realizar uno de esos finales trágicos tan característicos de su obra.288 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 289 Comentario Napoleón Francia. el aplastamiento de un intento de insurrección realista le convierte en el héroe de París. El film contiene también algunas técnicas de montaje auténticamente visionarias. y da muestras de su valía en diversas escaramuzas con las tropas británicas. A pesar de su longitud y de su escala. no llegó a realizarse. sin embargo. y de manera harto novedosa.

UU. PRODUCCIÓN: American Broadcasting Companies (Robert Altman). INTÉRPRETES: Karen Black (Connie White). El candidato presidencial Hal Phillip Walker tiene planeado iniciar su campaña con un mitin en el que tomará parte la crema de las estrellas de la música country. de forma irreverente. entre ellas. Delbert Reese. Argumento Nashville. saca un revolver y dispara contra el escenario. Por su parte. de sus habitantes y de algunas estrellas invitadas de fugaz fama como Elliot Gould. consigue conservar su intimismo gracias a que los personajes son capaces de transmitir la sensación de que albergan tras de sí toda una vida. Fraiser . una película en la que se entrelazan las vidas de veinticuatro personajes. que incluye todo el metraje conservado de la película. Barbara Harris (Albuquerque). exploraban algunas de las más sagradas instituciones norteamericanas. la reportera de la BBC. entre ellas Opal y la cantante de gospel Linnea. Julie Christie y The Misty Mountain Boys. Albuquerque. 1975 DIRECTOR: Robert Altman. Durante el concierto. y Un largo adiós (The Long Goodbye. La ciudad se va llenando de famosos y de gentes de paso. 1973). produciendo una sensación de aparente espontaneidad. MONTAJE: Sidney Levin y Dennis Hall. Aclamada por la revista Newsweek como una «epopeya de la Tierra de la música country». MÚSICA: arreglos de Richard Baskin. Ronee Blakely (Barbara Jean). FOTOGRAFÍA: Paul Lohmann. DURACIÓN: 161 minutos. las dificultades para comunicarse o el vacío que acecha en el corazón del «sueño Nashville EE. o la aspirante a cantante. la película.290 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 291 Kevin Brownlow. GUIÓN: Joan Tewkesbury. algunas ya veteranas. Tennessee. utilizando para ello los géneros cinematográficos más venerables. Robert Altman alcanzó su mayor logro con Nashville. Miller. un ferviente partidario de Walker. Opal. conseguirá finalmente que Barbara Jean actúe en el mitin. no cabe duda de que el inquebrantable esfuerzo llevado a cabo por Brownlow constituye todo un tributo a la visión artística de Abel Gance. cuyo marido. a la vez que iluminan algún aspecto de los temas generales del film: el aislamiento. como Haven Hamilton y Barbara Jean. que huye de un matrimonio desgraciado. Geraldine Chaplin (Opal). Keith Carradine (Tom Frank). una adaptación de Raymond Chandler. Comentario El tardío éxito de crítica y público obtenido con su película M*A*S*H (1970) permitió al veterano director Robert Altman conseguir fondos para realizar a lo largo de los años setenta una serie de proyectos que. el cantante Tom Frank va entablando relaciones con buena parte de la población femenina del lugar. como el joven Kenny Fraiser. muy alejada de los estereotipos del cine negro. que hace que los diálogos se superpongan unos a otros. dando lugar a una descripción caleidoscópica de la ciudad de la música country.LilyTomlin(LinneaReese). Albuquerque aprovechará la subsiguiente confusión para salir a escena a cantar. a pesar de componer un fresco abigarrado y repleto de matices. como Los vividores (McCabe andMrs. 1971).. así como por su persistente búsqueda de una perspectiva antiheroica. Aunque ninguna de las dos obras puede reclamar para sí la autenticidad absoluta. Famoso por su utilización de un sonido multipistas. Entre los resultados se encuentran un western revisionista.

Jean Champion (Bertrand). Ambas artistas fueron nominadas para el Osear a la mejor actriz secundaria. o de Lily Tomlin. por «Fin Easy». el protagonista masculino. MÚSICA: Georges Delerue. se está recuperando de una crisis nerviosa. cada uno de los miembros del equipo sigue su propio camino. INTÉRPRETES: Francois Truffaut (Ferrand). que trata de un joven francés cuya visita a . Jacqueline Bisset (Julie). Julie. o de calidad aún no probada. mientras que Severine. Concluido el rodaje. mientras que Nashville obtuvo nominaciones a la mejor película y el mejor director. PRODUCCIÓN: Les Films du Carros- se/PECF/PIC (Marcel Berbet). MONTAJE: Yann Dedet y Martine Barraque. Alphonse. sin embargo. la madre en Pamela. que sustituyó a Susan Anspach cuando ésta se vio obligada a abandonar el proyecto. obliga al director a utilizar un doble para terminar el film. Tal sería el caso de Ronee Blakely. Jean-Pierre Aumont (Alexandre). su director. pero éste se enamora de ella y llama a su marido para pedirle que le conceda el divorcio. La noche americana LA NUIT AMÉRICAINE Francia. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Damien Lanfranchi.292 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 293 americano». Julie reacciona encerrándose y asegurando que no volverá a salir nunca. está destrozada por la enfermedad de su hija. La muerte en un accidente de coche de Alexander. GUIÓN: Francois Truffaut. que. Natalie Baye (Ayudante). Valentina Córtese (Severine). 1973 DIRECTOR: Francois Truffaut. tiene que hacer frente a todos los problemas que surgen detrás de las cámaras. Argumento Un equipo de filmación se encuentra rodando una película titulada Pamela. la actriz que hace de esposa. una pieza compuesta e interpretada en la propia película por Keith Carradine. siendo galardonada finalmente con el Osear a la mejor canción. Julie trata de consolar al afligido Alphonse. la llegada de su marido. Dani (Lilianna). a partir de entonces. un hombre comprensivo. Jean-Pierre Léaud (Alphonse). restablece la calma. La noche americana sus padres para presentarles a su mujer inglesa tendrá consecuencias tragicómicas. el actor que hace de padre en la película. se enamora de una coqueta script que se fugará con un especialista. DURACIÓN: 120 minutos. Ferrand. El extraordinario reparto reunido por Altman incluye a muchos artistas desconocidos. que obtuvo su gran oportunidad dramática con un papel desarrollado a partir de las experiencias personales de la actriz Louise Fletcher con sus padres sordos. FOTOGRAFÍA: Pierre-William Glenn. Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. alcanzaron el éxito.

al trazar. su compañero de celda. incluso. Truffaut hace que su obra sea algo más que un cúmulo de chistes SO- bre la profesión y de alusiones veladas. MÚSICA: Walter Schumann. John y Pearl. La noche del cazador THE NIGHT OF THE HUNTER EE. la muerte de uno de los actores principales en un accidente de coche. GUIÓN: James Agee (basado en la novela de David Grubb). hacer que escenas rodadas con luz diurna parezcan haber sido filmadas de noche. «la nuit americaine». INTÉRPRETES: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell). interpretado magistralmente por el propio Truffaut. MONTAJE: Robert Golden.UU. tras huir río abajo. razón por la cual los franceses la denominan. El espantoso film que están rodando no es más que una excusa para desvelar el verdadero tema de La noche americana. Ben Harper. la muerte de Francois Dorleac en un accidente de coche durante el rodaje de Lapielsuave [Lapeau douce]) y que el director no se anda con tapujos a la hora de poner al descubierto los frágiles egos y las caprichosas pataletas que tanto abundan en el mundo del cine. James Cleason (Birdie). a la vez. Poco antes de que Ben sea ejecutado. sino que el proceso de creación de las mismas a menudo tiene poco que ver con lo que finalmente aparece en pantalla. esconde el botín y hace jurar a sus hijos. pero el obstinado Powell consigue localizarlos. Shelley Winters (Willa Harper). Aunque todo lo dicho hasta ahora bastaría para conferir a este film un sabor particularmente satisfactorio. Frustrado por no ser capaz de descubrir dónde se halla el dinero. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hilyard Brown. ha de hacer frente. y Rachel logra mantenerle a raya mientras llega la policía. Dicha técnica fue usada en algunos de los primeros westerns. malentendidos matrimoniales e. recurriendo a todo tipo de malabarismos. B/N. desengaños amorosos. que han de enfrentarse a unos dilemas muy reales. la mujer de Harper. un parado que ha asaltado un banco. asesina a Willa. perfectamente creíbles. finalmente. y a las que el director. Peter Graves (Ben Harper). 1955 DIRECTOR: Charles Laughton. DURACIÓN: 93 minutos. Lillian Gish (Rachel Cooper). un supuesto predicador ambulante. Powell ha encontrado la horma de su zapato. sirve también de recordatorio irónico de que las películas no sólo crean una realidad ilusoria. además de indicar que la película trata sobre la propia realización cinematográfica. Antes de ser aprehendido. Powell es . que guardarán el secreto. El hecho de que Truffaut use la expresión como título. encuentran refugio en la casa de la bondadosa Rachel Cooper. Argumento West Virginia. Cuando salga de prisión.. aterroriza a los niños para tratar de sacarles la verdad y. Powell cortejará y terminará por casarse con Willa. Evelyn Varden (Icey Spoon). PRODUCCIÓN: United Artists (Paul Gregory). para poder sacar adelante la película.294 ALLAN HUNTER L O S CLÁSICOS DEL CINE 295 Comentario El título de la película hace referencia a una técnica que permite. Harry Powell. con un estilo lleno de ingenio y elegancia. No obstante. que no es otro que la historia de las tribulaciones que se desarrollan detrás de las cámaras. una galería de personajes absurdos y. Los niños. Es de destacar que todos ellos están basados en hechos reales que se produjeron durante alguna de las películas anteriores rodadas por Truffaut (por ejemplo. intenta trabar amistad con él. mediante la utilización de un filtro especial. Los acontecimientos que tienen lugar incluyen tragedias personales.

Russo. 1968 DIRECTOR: George A. le respondí. Karl Hardman (Harry Cooper).296 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 297 condenado a la pena capital y los niños encuentran un nuevo hogar junto a Rachel. DURACIÓN: 96 minutos. Judith Riley (Judy). Romero. INTÉRPRETES: Judith O'Dea (Barbara).terminó por resultar fatal para el éxito comercial de la película. "Charles". el enfoque deliberadamente artístico con que se planteó la dirección y el montaje -algo en gran medida opuesto a los criterios dominantes en Hollywood. encogidos por el miedo. Barbara huye a una casa cercana. La noche de los muertos vivientes NIGHT OF THE LIVING DEAD EE. Keith Wayne (Tom). Ocultos en el sótano. relatada según los cánones del cine de suspense. el juicio de la historia ha demostrado mayor generosidad que sus contemporáneos. se van congregando en el exterior. GUIÓN: John A. "déjame a mí al frente de esa sección"». consigue superar este defecto gracias a una imaginería visual que crea una atmósfera de gran intensidad y a su imaginativa utilización de los contrastes de luz y sombra. Con todo. FOTOGRAFÍA: George A.. consigue la que es seguramente su mejor interpretación en la pantalla. Charles añadió: "Se supone que yo no sé mucho de esas cosas. Charles Laughton perdió toda la confianza que hubiera podido tener sobre sus potencialidades como director. PRODUCCIÓN: Ten Production (Russell Streiner y Karl Hardman). abandonó el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Norman Mailer. el de Robert Mitchum. y nunca más volvió a colocarse detrás de una cámara. No obstante. Romero. su mayor fuerza reside en el trabajo de los actores. Alegoría religiosa sobre el combate entre el bien y el mal. en mucha mayor medida que cualquiera de las películas que suelen figurar en el canon de Hollywood.UU. Las noticias que les llegan a través de la radio les informan de . "¡Presente!". que ha sido víctima de un asalto similar. en número creciente. A resultas de ese fracaso. a través de los cuales se define un paisaje de tintes oníricos. Como recordaría el propio Mitchum: «Charles me llamó y me dijo: "Hay que interpretar a un monstruo repugnante". Éste emprende la fortificación de la casa mientras combate a las hordas de zombis que. en la que Richard Chamberlain trataba de emular a Robert Mitchum. Argumento Mientras visitan la tumba de su padre. Los desnudos y los muertos. le dije. El film conserva esa fuerza mágica y sombría que evocan algunos de los mayores logros del cine mudo. Barbara y Johnny son atacados por un zombi. es innegable que se trata de una anomalía fascinante. En 1991 se realizó en Estados Unidos una versión televisiva de la película. Comentario Aunque La noche del cazador tiene algo de curiosa anomalía en la historia del cine de Hollywood. Marilyn Eastman (Helen Cooper). Aunque la película adolece de una cierta falta de coherencia a la hora de fundir los diversos aspectos de que trata. descubren a otro grupo de rezagados. que con el papel de Harry Powell. ese monstruo perverso que somete a los niños a una implacable persecución. yo soy un verdadero profesional de lo no monstruoso". B/N. Duane Jones (Ben). otorgando un puesto mucho más honroso a la visión incomparable y personalísima que supo plasmar en esta imperfecta obra maestra. donde se encuentra con Ben. especialmente.

Claypool).298 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 299 que todo el país está infestado de zombis y les aconsejan que traten de dirigirse hacia uno de los puestos de rescate establecidos por las autoridades. la película abandona la tradición heroica del campo del terror. Ben. Argumento Milán. FOTOGRAFÍA: Merritt B. En 1990 Romero colaboró en el guión de una prescindible versión en color de la cinta original. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Ben Carre. El embaucador empresario Otis B. y el tono amateur que de ello se deriva. matando a todos menos a Ben. Alian Jones (Riccardo Baroni). de un modo que recuerda a la forma en que Orson Welles utilizó la fórmula del reportaje radiofónico para aterrorizar a las generaciones anteriores con su producción de 1938. Driftwood asegura a la acaudalada Mrs. contribuyen a hacer la historia más convincente. y es abatido a tiros por error. La escasez de recursos financieros a la que tuvo que hacer frente Romero. Morrie Ryskind.. Kitty Carlisle (Rosa Castaldi). 1978). Tras un fracasado plan de huida -durante el cual la joven pareja formada por Tom y Judy encuentran la muerte. Una noche en la Ópera A NIGHT AT THE OPERA DIRECTOR: EE. GUIÓN: George S.UU. El film muestra de forma muy explícita las escenas sangrientas y permite una interpretación más profunda de la historia. abandona su escondrijo. que consigue atrincherarse en el sótano. Kaufman. y la menos imaginativa El día de los muertos (Day of the Dead. Comentario A pesar de las limitaciones impuestas por un presupuesto modesto y unas interpretaciones de carácter funcional. George A. 1935 Sam Wood. Margaret Drumont (Mrs. La noche de los muertos vivientes representó en su momento una nueva y escalofriante orientación para el género de terror y de ciencia-ficción. Claypool que le presentará a la alta . Chico Marx (Fiorello). DURACIÓN: 90 minutos. 1985). en el que lo habitual es que el bien triunfe sobre el mal y que en el último rollo se produzca la redención heroica o la salvación. cuyo impulso vino de la mano de un joven e imaginativo director de veintiocho años. Entre las secuelas se cuentan Zombi (Zombies-Dawn ofthe Dead. una película llena de tensión y con un acabado mucho más profesional. que incluye un texto secundario de gran penetración crítica. PRODUCCIÓN: M-G-M (Irving Thalberg). La Guerra de los Mundos. Al Boasberg. aliviado al verse rescatado. B/N. La película fue la primera de una serie en la que Romero aprovechó el éxito comercial y las posibilidades dramáticas de los zombis devoradores de carne humana para tratar algunos problemas de orden ecológico (en la cinta original la aparición de los zombis se explicaba como una consecuencia de la fuga radiactiva de un cohete) y para criticar aquellos aspectos menos atractivos de la cultura consumista de los Estados Unidos. Bert Kalmar y Harry Ruby. MONTAJE: Wiliam Levanway. MÚSICA: Herbert Stothart.los zombis asaltan la casa. que puede ser entendida como un símbolo del asedio al que estaban sometidos los valores tradicionales americanos por parte de unas fuerzas extrañas y voraces. Desprovista de esas gotas de humor negro que solían emplearse en las obras del género y muy nihilista en sus conclusiones. Driftwood). basado en un relato de James Kevin McGuinness. Gerstad. INTÉRPRETES: Groucho Marx (Otis B. Romero. La llegada de una patrulla armada consigue alejar a los zombis. Harpo Marx (Tomasso).

se dirigen a su hotel. Tomasso. lo que permitirá a Riccardo y a Rosa continuar el espectáculo y obtener un rotundo éxito. esa fuerza anárquica de la comedia cinematográfica que eran los Hermanos Marx quedó temporalmente sin una orientación clara en el mundo del cine. De ese modo. sin por ello disminuir el carácter caótico de la obra. y Fiorello. el agente de Baroni. El resultado fue uno de los guiones más pulidos y mejor estructurados con que jamás contaron los cómicos. el niño prodigio de la M-G-M. Por desgracia. Tras haber sido aclamados en el ayuntamiento de Nueva York. una versión de la película de algo menos de una hora de duración fue escenificada en cuatro ciudades distintas durante un período de tres semanas. Una noche en la Ópera fue una de sus comedias más divertidas y de más éxito (sus ganancias rondaron los 3 millones de dólares). que no paraban de tomar notas. el productor Irving Thalberg. Thalberg murió mientras se estaba rodando esta segunda película. y los otros ejecutivos de la Metro no mostraron estar tan interesados en el desarrollo de la carrera de los cómicos.300 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 301 Comentario Cuando los malos resultados en taquilla de Sopa de ganso (Duck Soup. iniciado por Thalberg. contando siempre con la presencia entre el público de los guionistas Kaufman y Ryskind. situándoles al mismo tiempo en un contexto fflmico que les haría ganarse un público más amplio. estaba convencido de que sabía cómo conservar la energía y el frenético ingenio de sus mejores trabajos. con resultados sólo ligeramente inferiores. En el barco que parte en dirección a los Estados Unidos van como polizontes Riccardo Baroni.l933) provocaron la ruptura de la asociación con la Paramount. los tres hermanos -que por vez primera trabajarían sin Zeppo. pero ésta le desprecia y es despedida junto a Driftwood. el novio de la Castaldi. no tardó en conducir a la Una noche en la Ópera sociedad norteamericana si decide invertir en la Compañía de Ópera de Nueva York. También dejó que. Afortunadamente. Se vengarán desbaratando lapremiére de II Trovatore y secuestrando a Lassparri. Su solución consistió en incluir dentro del guión una trama secundaria de corte romántico y una serie de números musicales. en Un día en las carreras (1937). cuya estrella es Rosa Castaldi. antes de pisar los estudios. El tenor Rodolfo Lassparri se insinúa a Rosa. además de ser un entusiasta de los Hermanos Marx.salieran a la carretera para probar las escenas cómicas de Una noche en la Ópera delante de un público en directo. un ayudante de camerino. El intento de ampliar su público. al haberlos confundido con unos heroicos extranjeros. lo que hizo que la fórmula se volviera a repetir. .

Argumento Hutter. no concederá excesiva importancia al desmedido interés de su anfitrión por la sangre que brota de su dedo tras haberse cortado durante la cena. GUIÓN: Henrik Galeen (basado oficiosamente en la novela Drácula. pero. Aunque. y dando mucho mayor relieve al principal personaje femenino (Mina en la novela. su esposa). el vampiro NOSFERATU. será finalmente Ellen quien resulte ser su perdición y la causante de su ruina al conseguir que se demore lo bastante para ser destruido por los primeros rayos del sol. un empleado de una inmobiliaria. el propietario del barco). su esposa). Gustav von Wangenheim (Hutter. DURACIÓN: 75 minutos. DISEÑO DE DECORADOS: Albin Grau. tiene que separarse de su esposa Ellen para realizar unos negocios con el extravagante Garf Orlok. G. en un principio. cuyo aspecto consumido parece prefigurar su condición de mártir. le deposita frente a las puertas del castillo. No obstante. W. B/N. un cambio que. En este sentido. . Ellen. hasta el punto de que su gusto por lo concupiscente y lo delictivo. a pesar de lo cual. Atraído por el retrato de la mujer de Hutter. Murnau estuvo siempre vinculado al movimiento expresionista alemán. algunas copias posteriores volvieron a los nombres de la obra de Stoker. 1922 Murnau. el empleado). haciendo que el principal personaje masculino pase de ser Drácula/Nosferatu. se convierte tanto en la víctima del deseo del vampiro como en la causante de su destrucción. en parte. se verá asolada por la peste. Ruth Landshoff (Annie. Hutter terminará por huir del castillo al descubrir que Orlok es un muerto viviente. el principal interés de la película resi- Nosferatu. EINE SYMPHONIE DES GRAUENS DIRECTOR: F. PRODUCCIÓN: Prana. Alexander Granach (Knock. Greta Schroeder (Ellen. Nosferatu). Tras un viaje lleno de premoniciones. que siempre había sido su punto fuerte. uno de cuyos referentes eran.H. pero Ellen en la película. FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner.302 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 303 erradicación de los aspectos más corrosivos de su humor. vino motivado por la circunstancia de que no se pagaran derechos por la utilización del libro. Orlok hace embarcar su ataúd en dirección a Bremen. de Bram Stoker). parejas de enamorados y números musicales a gran escala. invirtiendo de ese modo el típico miedo Victoriano a la sexualidad femenina. INTÉRPRETES: Max Schreck (Graf Orlok. un agente de la propiedad). la primera y más lograda versión cinematográfica del clásico de Bram Stoker sobre la represión sexual en la época victoriana. Comentario El subtítulo «Una sinfonía de terror» no parece fuera de lugar aplicado a esta película. ciudad que. Como era de esperar. Tal circunstancia se pone particularmente de manifiesto en su decisión de invertir la relación existente entre la pareja central de la novela. Alemania. sin muchas ceremonias. las teorías postvictorianas de Freud. acabó por quedar aplastado por la presencia en sus películas de niños. a convertirse en un pelele inútil. creando una situación verdaderamente confusa).Schnell (Harding. A lo largo de las sucesivas etapas de su carrera. no es de extrañar que su lectura del mito del vampiro esté muy influida por esa variante interpretativa de carácter sexual. para el público actual. el destructor. es recogido por un veloz carruaje que. la crítica se ha extendido ampliamente explicando las referencias freudianas de la obra. precisamente. a su llegada.

Elsa Lanchester (Mary Shelley/La novia). es un hombre que se siente perfectamente a gusto viviendo en un . mejor versión del mito. Pretorius. Hall. de la primera. fueron realizados en su mayor parte en exteriores en lugar de en platos. que secuestrará a la mujer de Frankenstein para asegurarse la colaboración de éste en el proyecto de crear una compañera para el Monstruo. The Return of Frankenstein. Comentario La novia de Frankenstein THE BRIDE OF FRANKENSTEIN EE.UU. desde los gigantescos decorados hasta la extravagante caracterización de los personajes. Septimus Pretorius). Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein). B/N. Con todo. PRODUCCIÓN: Universal (Cari Laemmle Jr. trabará amistad con Pretorius. FOTOGRAFÍA: John Mescall. Ernest Thesiger (Dr. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D.). la nueva criatura retrocederá espantada al conocer al que se suponía iba a ser su compañero. 1935 DIRECTOR: James Whale. Whale opta por lo más extremo en todos y cada uno de los aspectos de la producción. El tema de Drácula ha sido objeto de innumerables y muy variadas versiones cinematográficas. O. 1979). Entre tanto. Balderston. un actor que ya había trabajado a las órdenes de Whale en El hombre invisible (The Invisible Man). con desiguales resultados. un papel pensado en un primer momento para Claude Reins. vampiro de la noche {Nosferatu. Phantom derNacht. Enfurecido por semejante rechazo. Argumento Tras haber sobrevivido de forma milagrosa al incendio en el viejo molino. Tras una breve estancia en la cárcel. intentó. esta secuela del clásico de terror realizado por James Whale en 1931 supera con creces a su predecesora. GUIÓN: William Hurlbut y John L. un ermitaño ciego. interpretada por Elsa Lanchester -un papel pensado en un principio para Louise Brooks o Brigitte Helm. DURACIÓN: 76 minutos. algo que se manifiesta más en los sorprendentes personajes de la sibilante compañera del Monstruo. invocar el espíritu. MÚSICA: Franz Waxman.o en el estrafalario sabio que interpreta Ernest Thesiger.304 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 305 de seguramente en la extraordinaria calidad visual que Murnau supo imprimir alfilmy en sus atmosféricos e imaginativos escenarios expresionistas que. Sin embargo. Henry Frankenstein. Más tarde. el Monstruo continúa causando estragos. a diferencia de lo que solía ser la norma.. y tira de una palanca que hace que el castillo se desmorone sobre él y los demás bellacos que lo habitan. el rango clásico de la película ha de buscarse ante todo en su soberbio sentido del humor. y a menudo también la letra. con su Nosferatu. su creador. Colin Clive (Henry Frankenstein). INTÉRPRETES: Boris Karloff (El Monstruo). MONTAJE: Ted Kent. que le enseña a hablar. y seguramente todavía. se recupera de sus heridas y trata de resistirse a la ignominiosa oferta del Dr. Pretorius para que colabore con él. el Monstruo encuentra refugio junto a Concebida en un principio bajo los títulos provisionales de Frankenstein Uves Again! y el bastante menos inspirado. Una O'Connor (Minnie). Heggie (El ermitaño). el desconsolado Monstruo deja libres a Henry y Elizabeth. que en los obvios pasajes cómicos que protagoniza Una O'Connor en el papel de la histérica sirvienta. pero fue Werner Herzog quien. Regodeándose con todo descaro en lo macabro. P.

1974). MÚSICA: George Auric. que según él mismo asegura es su «única debilidad». GUIÓN: Jean Cocteau. que él mismo ha creado. de El hijo de Kong [Son ofKong]. Édouard Dermithe (Cegeste). 1934). con Peter Boyle en el papel del Monstruo. que figuraba en la película La zíngara y los monstruos (House ofFrankenstein. Marie Dea (Eurídice). su esposa. volverá a reunirse con Eurídice. reaparecería de nuevo en la serie en el papel de un científico entrometido. Orfeo romperá la promesa al echar un rápido vistazo por el retrovisor del RoUs Royce de la Princesa. unida al patetismo que sigue transmitiendo el personaje de Boris Karloff. rodeado de un grupo de seres enanos denominados «homúnculos». también ha muerto. caso. y que invita a Frankenstein a que brinde por un mundo nuevo formado por dioses y monstruos con una copa de ginebra. en la desafortunada Frankenstein 70 (Frankenstein-1970. embelesado por la enigmática Princesa. B/N. Tras cruzar el espejo y llegar al averno. se le informa de que Eurídice sólo volverá a vivir si nunca vuelve a mirarla. 1950 DIRECTOR: Jean Cocteau. le presta su ayuda cuando el poeta Cegeste muere a manos de unos motoristas. Orfeo asiste al momento en que el poeta resucita y pasa al otro lado del espejo. 1939). Niemann. Argumento Orfeo. Orfeo ORPHÉE Francia. sino que además sirvió para establecer nuevos niveles de calidad para el género fantástico. y haría una postrera aparición como el último superviviente de la dinastía. Sin embargo. el principal logro obtenido por Jean Cocteau en el apartado correspondiente a la cinematografía lo constituye la llamada «trilogía . DURACIÓN: 112 minutos. Al llegar a casa de la Princesa. Aunque Boris Karloff sólo volvería a interpretar su más famosa creación en La sombra de Frankenstein (Son ofFrankenstein. tras lo cual morirá asaltado por una turba. Mel Brooks realizaría también un afinado y entrañable pastiche de la película de Whale en El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein. 1958).306 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 307 mausoleo frío y húmedo. le informe de que Eurídice. María Casares (La Princesa). hace que La novia de Frankenstein (a diferencia de lo que suele ocurrir con otras secuelas de la época. cuando la Princesa y Heurtebise sean castigados por haberse entrometido en los asuntos de los mortales. Juliette Greco (Aglaonice). Francois Perier (Heurtebise). el Dr. no sólo no desmerezca al compararla con su predecesora. FOTOGRAFÍA: Nicolás Hayer. Comentario Dentro de sus múltiples actividades artísticas. El hechizado Orfeo quedará destrozado cuando Heurtebise. por ejemplo. el chofer de la Princesa. INTÉRPRETES: Jean Marais (Orfeo). La mezcla de terror y humor negro. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jean d'Eaubonne. PRODUCCIÓN: An- dre Paulve/Films du Palais-Royal. 1944).

tras lo cual. Sterling Hayden (McCluskey). Michael asume la jefatura de la familia tras la muerte de Vito. La guerra de gángsters que estalla a continuación se cobra las vidas de Sonny Corleone y de la mujer con la que Michael había contraído matrimonio en Sicilia. venga la afrenta eliminando a Sollozo y a McCluskey. La película. Su hijo Michael.308 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 309 de Orfeo». su antigua novia.. Al Pacino (Michael Corleone). INTÉRPRETES: Marión Brando (Don Vito Corleone). no mencionada en los títulos de crédito. y con la colaboración. Haciendo gala de una portentosa imaginación. .a una concepción del cine como poesía visual. El Padrino THE GODFATHER DIRECTOR: EE. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Warren Clymer. un capo rival. para narrar las aventuras de Orfeo y de su esposa Eurídice en dos planos diferentes: uno en su vida cotidiana. 1972 Francis Ford Coppola. de Robert Towne). MÚSICA: Niño Rota. Las escenas de la vida cotidiana de Orfeo. y dispone de forma implacable la eliminación de todos sus enemigos. se hallan ligadas por una notable unidad de visión. y su mayor aproximación -y quizá la de cualquier cineasta. atrapado entre la realidad mundana y las maravillas de la imaginación. las imágenes en negativo o el baño de mercurio. en particular. James Caan (Sonny Corleone). por el contrario. se refugia en Sicilia. que representa el espejo que les permite pasar de uno a otro universo. Orfeo. que ha conseguido desbaratar in extremis un segundo intento de acabar con su padre. una frase que bien podría servir también a modo de compendio de la temática y el enfoque de Orfeo. tres películas realizadas a lo largo de un lapso de 30 años que. Argumento Una esplendorosa boda familiar sirve para poner de relieve el poder y la influencia del padrino de la mafia Don Vito Corleone. Robert Duvall (Tbm Hagen). Marc Laub y Murray Solomon. consolidando así su posición como nuevo padrino. el protector de aquél en el cuerpo de policía. ilustra la idea de Cocteau de que «un poeta debe morir varias veces para poder llegar a nacer». PRODUCCIÓN: Paramount (Albert S.UU. De regreso a los Estados Unidos. señalada a menudo como uno de los grandes logros del cine europeo. Desafiante siempre y. por el mito de Orfeo. Orfeo es la obra maestra de Cocteau. con sus personalísimas reflexiones sobre la naturaleza poética y el proceso creativo. y el otro. a menudo. también divertida. El propio Cocteau definió el primer film de su trilogía como «un documental realista sobre unos acontecimientos irreales». MONTAJE: William Reynolds. Peter Zinner. una división que sirve a modo de símbolo de la posición del artista. es su película más conseguida. DURACIÓN: 175 minutos. 1930) y Le testament d'Orphée (1960). Cocteau marca formalmente la frontera entre los dos reinos mediante un uso muy ingenioso de efectos como la marcha atrás en cámara lenta. en un fantástico mundo subterráneo. está a punto de costarle la vida. no obstante. están filmadas de manera muy realista. efectuada por Sollozzo. Richard Castellano (Clemenza). La negativa de éste a dar el visto bueno a la propuesta de entrar en el negocio de los estupefacientes. Ruddy). al ser abatido a tiros en la calle. FOTOGRAFÍA: Gor- don Willis. se casa con Kay Adams. GUIÓN: Mario Puzo y Francis Ford Coppola (basado en la novela de Mario Puzo. el director funde su obsesión por los mitos griegos y. que se sitúa entre La sangre de un poeta {Le sang d'un poete. ambientada en el mundo actual.

una cuidada producción y la claridad en la exposición narrativa. Orson Welles y Edward G. a pesar de la oposición de los estudios (para el papel se habían barajado los nombres de Frank Sinatra. antes de que la elección recayera finalmente en Coppola. como son la presencia de estrellas en el reparto. un nombre más asequible. sin que ello supusiera merma alguna en sus cualidades artísticas o en su relevancia social. y. un film de un entramado aún más complejo y que también fue merecedora del Osear a la mejor película. MONTAJE: Peter Przygodda. consiguió que se aumentara el presupuesto. También supuso la consagración de la idea de que los Corleone representaban la apoteosis del «sueño americano». Argumento Travis Anderson. la densa textura de la composición o la riqueza de matices de las interpretaciones. que se puede apreciar en el uso de colores apagados. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Kate Altman. GUIÓN: Sam Shephard (adaptado por L. DURACIÓN: 148 minutos. Robinson). Laurence Olivier. moral y económica del país. El proyecto se ofreció a Arthur Penn y a Peter Yates. Aurore Clement (Anne Anderson). Gracias a su tenacidad. por encima de todo. Texas Alemania occidental/Francia. seguramente. Walt y su mujer Ann han adoptado . y que su saga constituía un compendio en clave dinástica de la historia emocional. el gran mérito de Coppola consiste en haber sabido combinar una serie de valores tradicionales de Hollywood. Parts. 1968). se tenía la sensación de que el interés del público por esta asociación criminal era más bien limitado y. tras el fracaso de Mafia (The Brotherhood. un hombre que había desaparecido hacía cuatro años y al que se daba ya por muerto. la idea original se fue moldeando según su criterio: se mantuvo firme en la elección de Marión Brando. Hunter Carson (Hunter Anderson). supo ver en la idea algo más que una mera crónica gangsteril. se asignó a El Padrino un modesto presupuesto de 2 millones de dólares. Aunque en un principio permanece en silencio. FOTOGRAFÍA: Robby Muller. 1984 DIRECTOR: Wim Wenders.310 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 311 El Padrino sirvió para demostrar que una película podía ser un inmenso éxito comercial.000 dólares. 1974). "Kit" Carson). Natassja Kinski (Jane). una película que evoca al Rey Lear shakesperiano. y en El Padrino III (The Godfather III. una vez que Warren Beatty lo hubo rechazado. va contándole a su hermano Walt su historia. con un genuino toque de autor. durante su viaje en coche de vuelta a Los Ángeles. a quien se consideraba un guionista de talento y. reaparece en un estado de absoluto agotamiento en una pequeña ciudad fronteriza. MÚSICA: Ry Cooder. INTÉRPRETES: Harry Dean Stanton (Travis Anderson). orquestada con tonos operísticos. insistió en que se aceptara su propuesta para que Al Pacino interpretara el papel de Michael. en consecuencia. una saga sobre la «Cosa Nostra». Dean Stockwell (Walter Anderson). PRODUCCIÓN: Road Movies/Argos Fims (Don Guest y Anatole Dauman). M. En este sentido. Los resultados fueron sensacionales: consiguió revitalizar la carrera de Marión Brando. Aunque los derechos cinematográficos de la novela de Mario Puzo habían sido adquiridos por la Paramount por 35. Part II. 1990). rompió todos los récords de taquilla con unas ganancias brutas superiores a los 80 millones de dólares y ganó tres de los diez Osear para los que estuvo nominada. Coppola siguió profundizando en esas ideas en El Padrino II (The Godfather.

MÚSICA: Víctor Alix y Leo Pouget. Jean Victor-Hugo y Valentine Hugo. su mujer. Travis se encara con Jane en una cabina de striptease. GUIÓN: Cari Theodor Dreyer (basado en las actas originales del juicio y en las novelas Vie dejeanne d'Arcy La Passion dejeanne d'Arc. DU- RACIÓN: 114 minutos. Como él mismo ha señalado. la adolescente . y Travis se verá condenado a regresar a la carretera solo. París. sin embargo. terminará por ser un lugar con la misma calidad onírica que posee su nombre. la escena clave del film. Alfinal. PRODUCCIÓN: Societé Genérale de Films. en la que se desvelará el motivo de su separación. se halla explícitamente ligado a ese ideal romántico perdido que representa la ciudad de París. a través de los libros y. 1928 DIRECTOR: Cari Dreyer. si bien se trata de una problemática que. Texas. sufrió la cultura europea en los años de postguerra. pero la tan deseada reconciliación definitiva resulta ser imposible.la esperanza de una solución que ponga punto final a ese eterno vagabundear (la película está repleta de escenas de desplazamientos) se ve frustrada. en el que es. La pasión de Juana de Arco LA PASSION DE JEANNE D ARC Francia. Irónicamente. París. empezando por su propio título. de Joseph Deltell). La película refleja la persistente fascinación de su director por el choque cultural entre Europa y Estados Unidos. Travis no conseguirá ni lo uno ni lo otro. sus años formativos en Alemania estuvieron marcados por la americanización que. y una de las más brillantes que pueden encontrarse en la obra de Wenders. Aunque la cautivadora banda sonora de Ry Cooder y las vistas panorámicas de Texas con que se abre la película son dos elementos que se quedan grabados en la memoria. es aquella en la que Travis y Jane se encaran a través del espejo de la cabina de striptease. muy exitosa película. Argumento Tras haber infundido ánimos a las tropas francesas y haberlas conducido al combate contra los ingleses. sin duda. FOTOGRAFÍA: Rudolph Mate. pero no le revela su identidad hasta una segunda visita. insiste en algunas de las líneas arguméntales presentes en otras road movies realizadas por Wenders. Louis Ravet (Jean Beaupére). Ese complejo entramado cultural vuelve a hacer acto de presencia en esta película. B/N. Michel Simón (Jean Lemaitre). Antonin Artaud (Massieu). Comentario Aunque esta austera y. Texas.312 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 313 a Hunter. Hunter insiste en acompañarle. como Alicia en las ciudades (Atice in den Stadten) o En el curso del tiempo (Im Laufder Zeit). Hace las paces con su hijo Hunter (aunque al precio de desbaratar la vida familiar de su hermano). y alcanza una cierta reconciliación con su esposa Jane (interpretada brillantemente por Nastassja Kinski. de la música y del cine. pero cuando éste decida partir hacia Houston para buscar a Jane. Travis se marchará solo. INTÉRPRETES: Renée Maria Falconetti (Juana de Arco). el lugar donde Travis ha comprado un terreno en el que sueña establecerse con su dispersa familia. resulta excepcional en el conjunto de su obra por el hecho de estar centrada en la problemática familiar. Eugene Silvain (Obispo Pierre Cauchon). su mejor papel hasta la fecha). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hermann Warm. sobre todo. no llegará a solucionarse. El núcleo del film lo constituyen las relaciones de Travis con su familia rota. Tras organizar el encuentro entre madre e hijo. el hijo de Travis. en último término. Maurice Schutz (Nicholas Leyseleur).

DURACIÓN: 115 minutos. Karuna Banerjee (Sarbajaya). Cubierta de sangre y en un estado febril tras una extenuante tortura. pero. cuya canonización se había producido en 1920. pero triunfa en lo que. Tras haber sido sometida a nuevas humillaciones. 1955 DIRECTOR: Satyajit Ray. FOTOGRAFÍA: Subrata Mitra. olvidando otros recursos técnicos igualmente originales. Aunque su cuerpo haya sido destruido. Chúmbala Devi (La tía). generaciones de aficionados al cine pueden dar testimonio de que Dreyer tuvo éxito en su intento. GUIÓN: Satyajit Ray (basado en la novela de Bhibutibhusan Banerjee). Se le acusa de vestir ropas de hombre y de hablar con San Miguel. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bansi Chandragupta. particularmente. MÚSICA: Ravi Shankar. Subir Banerjee (Apu). convencida de que su libertad quedará asegurada gracias a una gran victoria. para su director. PRODUCCIÓN: Gobierno de Bengala Occidental (Satyajit Ray). sigue negándose a obedecer la orden de que abjure de sus visiones. el director danés optó por Juana de Arco. pero ella se mantiene firme ante sus captores. Comentario Aunque la película no fue un éxito en el momento de su estreno. El verdadero tema de la película. en la que se condensan unos interrogatorios que duraron 18 meses en un solo día. Se le promete el cuerpo y la sangre de Cristo si firma la confesión. es el combate que se entabla por el alma de la joven y su conquista de la salvación a través del sufrimiento. una actriz que nunca volvería a actuar ante las cámaras y a la que. . La crítica ha puesto quizá demasiado énfasis en esta insistente utilización de primeros planos. debido a la complejidad de los decorados. Tras dieciocho meses de rodaje y unos costos muy elevados.314 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 315 Juana cae en manos de los borgoñones y es juzgada en el Palacio de Justicia por los cargos de brujería y herejía. gracias a su martirio y a su fe alcanzará la vida eterna. es un elemento esencial para conseguir que el público se sienta implicado en el suplicio de la doncella. MONTAJE: Dulal Dutta. Urna Das Gupta (Durga). Las patentes manipulaciones cronológicas e históricas de la película vienen motivadas por el deseo de involucrar al espectador en este combate intemporal. la rapidez que adquiere el montaje alternado a medida que la película avanza hacia el climax de las escenas finales. Dreyer conseguiría acabar la que sería su última película muda. se resiste a hacerlo. considerado revolucionario en su época. además de contribuir a poner de relieve las maquinaciones de sus verdugos. según se dice. B/N. el relato épico de Cari Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es considerado desde hace tiempo como una de las obras maestras del cine. Como ocurre en el resto de su obra. Con la cabeza rapada. INTÉRPRETES: Kanu Banerjee (Harihar). pide que se le aplique la pena. era el único reino verdadero: el del alma. Dreyer supo sacar una interpretación plena de emoción de la actriz de variedades Renée Maria Falconetti. retratados siempre de la manera más descarnada y sin ningún maquillaje que suavice sus facciones. Pather Panchali India. Tras haber considerado en un primer momento la posibilidad de contar con Lillian Gish para el papel. es llevada a la estaca donde morirá quemada. Cuando se le propuso que eligiera un personaje de la historia francesa para realizar una película. una vez más. la sufriente heroína es derrotada por un mundo cruel y despiadado. Dreyer trató con extrema dureza. El uso constante que hace Dreyer de los primeros planos.

posteriormente. Apu y Durga se divierten siguiendo a un vendedor de dulces. dejaba traslucir la influencia del neorrealismo italiano. entre las que se cuentan las dos partes restantes de su trilogía: Aparajito (1956) y Apursansar(1959). a la vez que enormemente revelador sobre el contexto más amplio en el que se desarrollan sus vidas. reinició la filmación ya en 1953.316 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 317 Argumento Los años veinte. sin ningún resultado. que supuso el debut cinematográfico de Satyajit Ray. Harihar vive en un pequeño pueblo junto a su esposa Sarbajaya. sus hijos Apu y Durga. para cuando Ray la filmó. y su anciana Tía. El recurso a lo más íntimamente personal y emotivo para revelar aspectos de orden político y social es una característica que seguirá presente en las siguientes obras del director. ya en los años cincuenta. Al darse cuenta de que el subsidio que recibe no es suficiente para mantener a su familia. si llegaba a completarse. abrió toda una nueva gama de posibilidades para el cine indio. Ray comenzó a rodar en octubre de 1952 y. La novela en que está basada había comenzado a publicarse en 1928 en un diario de Calcuta a modo de serial y. Apu conocerá también el significado de la muerte. tras un parón de varios meses. Apu. acompañado de su hermana. Harihar decide enviar a su hijo Apu a la escuela para pobres. de Durga. y se lleva a su hijo y su esposa consigo para empezar una nueva vida en Benarés. la película se exhibiría en la exposición de arte indio que el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York tenía programada para abril de 1955. la forma en que reaccionan los personajes está tan henchida de gozo que la convierten en algo maravilloso. . dominado hasta entonces por el escapismo de las películas musicales de amor y aventuras. cruza corriendo un campo de trigo sarraceno para poder ver un instante cómo pasa el tren que se dirige a la ciudad. sin embargo. Que esto fuera así se debió. A pesar de que no consiguió un apoyo entusiasta para su proyecto. Es una escena de una simplicidad pasmosa y. esta película. como consecuencia de unas fiebres que cogió durante la estación de las lluvias. mientras él mismo abandona el hogar para tratar de ganar dinero como predicador seglar. En la escena más famosa de la película. Harihar regresa cuando Durga se encuentra en el lecho de muerte. a que se rodó en bengalí en vez de en hindi (la lengua mayoritaria) y al hecho de que su atmósfera sombría. escuchando las historias de fantasmas que les cuenta su Tía y viendo pasar a los trenes. a lo largo de un año. entre otras razones. Posteriormente montó todo el metraje obtenido hasta el momento y. el rodaje volvería a iniciarse gracias al respaldo del Gobierno del Estado de Bengala Occidental y contando con la promesa de que. a varios patrocinadores en potencia. Comentario Tanto por su temática como por sus rasgos estéticos y formales. Finalmente. La mecanización va cambiando lentamente la vida rural. se había convertido en un clásico contemporáneo. aunque teñida de lirismo. A pesar de todas estas dificultades. lo estuvo mostrando. Ray consiguió crear una película que transforma lo cotidiano en algo literalmente mágico. cuando se produzca el fallecimiento de su Tía y.

El día más largo (The Longest Day. podían convivir sin problemas con obras más arriesgadas que se ocupaban de temas políticos y raciales o que planteaban la cuestión de la identidad nacional. con Malas calles (Mean Streets. Durante este período el cine italiano continuó dando muestras de su importancia a escala mundial con un espectro de producciones que abarcaban desde las lucrativas películas de romanos hasta el spaghettiwestern de Sergio Leone o la plena eclosión artística de Federico Fellini. engrosaban aún más el número de grandes talentos del cine italiano. el cine norteamericano parecía haber encontrado el equilibrio entre los criterios comerciales y los artísticos. 1966). No obstante. con Mi vida es mi vida (Vive Easy Pieces. durante la década de los setenta se asistía igualmente a un inesperado florecimiento del cine de la República Federal Alemana y de Australia. No obstante. 1976) y que. terminaría trabajando en los Estados Unidos. Aeropuerto (Airport. Francis Ford Coppola. con El padrino (1972) y Martin Scorsese. 1973). como El exorcista (1973). a la vez que afirmaba el derecho del director a hacer de la película un vehículo para su expresión personal. 1962) o El mundo está loco. el último de los cuales obtuvo un resonante éxito con Picnic en HangingRock (Pie Nic at HangingRock. estuvo centrado en una serie de figuras como GUlian Armstrong. 1962). buena parte de los grandes éxitos de Hollywood fueron espectáculos pasados de moda -cuando no antediluvianos. Peter Bogdanovich. finalmente. loco (It's a Mad. pertenecientes al ciclo de películas de catástrofes. la cólera de Dios (1972). El graduado (1967) o Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy. el director de Aguirre. Mad World. con El tambor de hojalata (1979) o Wim Wenders. mientras que el impresionante éxito obtenido por Buscando mi destino (1969) abrió nuevas oportunidades para una generación de cineastas cuya cultura cinematográfica era cada vez mayor. Mad. o producciones convencionales del género de terror. Mientras Ingmar Bergman continuaba explorando el lado oscuro de la condición humana con un rigor y una sensibilidad inusitadas. . Los cambios sociales y la desaparición de un sistema de censura muy restrictivo favoreció que surgieran películas como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who'sAfraid of Virginia Woolf?. Fred Schepisi y Peter Weir. cuyo interés por la influencia de la cultura popular norteamericana en la Alemania de posguerra quedaría reflejado en películas como En el curso del tiempo (im Laufder Zeit. 1969) o Love Story (1970). con obras como La dolce vita (1959) o Fellini ocho y medio (1963). 1970). Texas (1984). caso de Pasolini o Bertolucci. ese equilibrio se ha vuelto cada vez más precario. donde realizó París. promovidos por unos estudios que apostaron igualmente por el gigantismo de unas producciones plagadas de estrellas como La conquista del Oeste (How the West Was Won. En cuanto al renacimiento cinematográfico australiano. 1972). 1963). a principios de la década de los setenta. 1969).318 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 319 De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine La historia del cine en los años sesenta y setenta Con películas como Al final de la escapada (1959) y Jules y Jim (1961). También Michelangelo Antonioni desplegó su medido enfoque de la búsqueda de la realización personal en obras como La aventura (1960). 1975). en la medida en la que obras como El coloso en llamas (The ToweringInferno. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o Todos los hombres delpresidente (1976). loco. Salvajes de autopista (1979) la encargada de destruir el mito de que el único tema del cine australiano era una acaramelada nostalgia por los tiempos pasados. con La última película (1971). La influencia de tal filosofía se puede apreciar en algunas obras norteamericanas posteriores como Bonnie y Clyde (1967) y Buscando mi destino (1969). Lo cierto es que. 1974). En el primero de ellos destacaron talentos como el de Werner Herzog. en obras como Persona (1966) o Gritos y susurros (Viskningar och rop. entre los que cabe mencionar a Bob Rafelson. caso por ejemplo de La conversación (1974). sería la película Mad Max. la Nouvelle vague francesa descubrió nuevas ideas sobre la técnica y la artificialidad de la realización cinematográfica. con el descenso de la edad media del público cinematográfico y el inmenso éxito de taquilla obtenido por la obra de Spielberg a partir de Tiburón (1975).como Sonrisas y lágrimas (1965). A pesar de los cambios que se estaban produciendo en el mundo. Mad. mientras otros directores. Volker Schlóndorff.

Tom Powers (Mr.). cada vez más asqueado. a pesar de lo cual. FOTOGRAFÍA: John F. decidió hacer callar para siempre a la ponzoñosa Phyllis (culpable también de la muerte de la primera esposa de Dietrichson). que. Three ofa Kind). MÚSICA: Miklos Rozsa. él mismo señalaría posteriormente que aquél había sido uno de sus mejores papeles. creyó haber descubierto que los culpables eran Phyllis y su amante Niño Zachette. Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson). 1947. un vendedor de seguros. Chandler y Wilder consiguieron trasladar de la hoja impresa a la pantalla el tradicional envoltorio fatalista que caracteriza al género.UU. Las siete nominaciones recibidas por la película se materializaron en sendos Osear para Barbara Stanwyck y Billy Wilder. MONTAJE: Doane Harrison. finalmente. Adaptación de un relato de James M. El protagonista masculino. Wilder había ofrecido el papel del vendedor de seguros corrupto a Alan Ladd y a George Raft. con frecuencia. PRODUCCIÓN: Paramount (Joseph Sistrom). 1981. GUIÓN: Raymond Chandler y Billy Wilder (basado en un relato corto del libro de James M. este último siempre ha asegurado que una de las mejores partes de su trabajo en esta película no llegó a la pantalla. Cain. tuvo tiempo de dispararle. luego. pero antes de que él la matara. y el mordaz Billy Wilder. investiga los desarreglos creados en las estructuras patriarcales por las manipulaciones eróticas de una mujer tan peligrosa como atractiva. B/N. En el caso de Perdición. Sin embargo. Jean Heather (Lola Dietrichson). Neff. su deseo por esa mujer le llevó. Aunque fue necesario recurrir a ciertas dosis de persuasión para convencer al actor de que se alejara de un tipo de personaje que siempre le había garantizado el éxito. Aunque todos los testimonios coinciden en señalar que la relación profesional entre ambos fue bastante tensa. tras llamar a la policía. sus asesinatos a sangre fría y su duplicidad sexual. 1944 DIRECTOR: Billy Wilder. Dietrichson). realizada al alimón por Raymond Chandler. Robinson (Barton Keyes). Seitz. INTÉRPRETES: Fred MacMurray (Walter Neff). Argumento Walter Neff. entra herido en las oficinas de su empresa y comienza a dictar una confesión. un ser confiado que no tarda en convertirse en la atribulada víctima de una devoradora de hombres. Keyes. Cain.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Hal Pereira. a redactar una póliza falsa de indemnización doble por muerte accidental a nombre de su marido y. Tras una visita a la seductora Phyllis Dietrichson. detective de la compañía. con sus diálogos afilados. es un motivo recurrente en las tramas de un género como el cine negro (véanse Forajidos [The Killers]. no es de extrañar que Perdición tipifique a la perfección las temáticas narrativas propias del cine negro. antes de que se le ocurriera la idea de confiar a Fred MacMurray la interpretación de un personaje que era la perfecta antítesis de su tradicional imagen del típico norteamericano afable. Fuego en el cuerpo [BodyHeat]. La última parte de su confesión la escucha el propio Keyes que. Jackson). Porter Hall (Mr. 1946. trata de consolar a su amigo antes de que muera. sospechó que se trataba de un fraude y.320 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 321 Comentario Perdición DOUBLEINDEMNITY EE. a actuar en connivencia con ella para asesinarlo. primero. Edward G. DURACIÓN: 106 minutos. Retorno al pasado [OutofthePast]. Fred MacMurray es condenado por ase- . otro de los decanos de la novela policiaca. etc. En el final original de la película.

El film se inicia con un rollo de película enroscándose en la bobina de un proyector y. una interpretación que vendría avalada por la frecuencia con que se repite una imagen compuesta formada por la mitad del rostro de cada una de ellas). mientras Alma le va confiando sus recuerdos y sus deseos. y Robinson asiste a su ejecución en la cámara de gas de San Quintín. Margarethe Krook (La doctora). Vogler). Alma termina por marcharse y se da a entender que Elisabeth vuelve a ejercer su profesión de actriz. Se trasladan a una casa de veraneo junto al mar. Las excepciones a esta regla son la brutal fantasía erótica de un adolescente que aparece antes de los títulos de crédito. Las dos versiones de la historia que se hicieron para la televisión en 1954 y 1973 no han conseguido eclipsar en lo más mínimo la corrosiva fuerza sombría del original. La mayor parte de la película se centra en la relación entre estas dos mujeres (que bien podrían representar distintos aspectos de una misma mujer. FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist. INTÉRPRETES: LivUllman (Elisa- beth Vogler). Su estado. No obstante. que. a mitad del film. GUIÓN: Ingmar Bergman. Gunnar Bjornstrand (Mr. Según se cree. Alma. que. momento en que reaparecerán esos elementos ajenos. elaborada a partir del más básico de los elementos cinematográficos: el diálogo unidireccional que se establece entre una enfermera muy habladora y su paciente. sabeth.322 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 323 sinato. por contraste. esa secuencia se conserva aún en las cámaras de los estudios Paramount. Cuando llega el marido de Eli- . que Wilder afirma se encuentran entre los mejores que nunca haya filmado. cuando se produce una crisis en la relación entre las protagonistas. habla sin parar. Persona Suecia. la obliga a permanecer bajo los cuidados de una enfermera. Bibi Andersson (La enfermera Alma). Argumento La actriz Elisabeth Vogler es hospitalizada tras haber perdido la facultad del habla. una mujer aquejada de una mudez psicosomática. B/N. Esos 20 minutos de película. que parece incapaz de distinguir una mujer de la otra. es una enigmática obra maestra de múltiples niveles de lectura. donde Elisabeth comienza a recuperarse. DURACIÓN: 81 minutos. fueron eliminados por considerarlos demasiado impactantes para el público de postguerra. MONTAJE: UUa Ryghe. se muestra incapaz de distinguirlas y hace el amor con Alma. vuelven a aparecer a mitad de la cinta. MÚSICA: Lars-Johan Werle. Comentario Persona. las escenas en que un psiquiatra habla con ambas mujeres al principio de la película y la aparición del marido de la enferma. la primera película realizada por Bergman tras haber sufrido una grave enfermedad. PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri (Ingmar Bergman). que no tiene explicación médica. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bibi Lindstrom. pertenecientes a la fantasía del adolescente. Jorgen Lindstrom (El muchacho). su relación cambiará cuando Alma descubra una carta en la que Elisabeth no habla precisamente bien de ella. el celuloide parecerá quemarse. Ésta pondrá su voz para expresar los pensamientos de Elisabeth sobre el problemático parto que pudo estar en el origen de su crisis nerviosa. A todo ello cabría añadir algunos de los elementos de la secuencia previa a los títulos de crédito. 1966 DIRECTOR: Ingmar Bergman. inesperadamente.

después de mucho tiempo. Pierre Etaix (Cómplice). Mientras cumple su condena en prisión recibe la visita de Jeanne. PRODUCCIÓN: Agnes Delahaie. Comentario Pickpocket es una obra cinematográfica austera y llena de rigor. no tanto por obtener de ello un beneficio -la puerta sin pestillo de su habitación permanece abierta a lo largo de toda la película como un testimonio de su despreocupación por las posesiones materiales. FOTOGRAFÍA: Leonce-Henry Burel y Henri Raichi. evitaba cualquier tipo de convencionalismo en la narración y el punto de vista fílmicos. El poder de su amor da un nuevo sentido a su vida y le permite reconciliarse consigo mismo. Jean Pelegri (Inspector de policía). Michel asume el papel de sostén de la familia y reanuda sus actividades delictivas. En última instancia. no obstante.324 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 325 Pocas películas han intentado ocuparse del psicoanálisis de una manera tan directa y. a la vez. Robar se ha convertido para él en una verdadera obsesión. Apesadumbrado tras la muerte de su madre. se ve forzado a abandonar Francia. Persona desafía cualquier intento de dar una explicación o una solución sencilla a lo que el espectador ve en la pantalla. un Pickpocket Francia. pero. su enfoque estilístico y temático es muy diferente del de aquel movimiento. no sólo desde una perspectiva temática sino también formal (exceptuando los momentos cruciales en el desarrollo de su relación. precisamente. inicia una vida de delincuencia tras robar el bolso de una señora en el hipó- . no es más que parte de la ilusión creada por el cine. y es. Aunque la película pertenece al período en que se produjo el nacimiento de la «Nueva Ola» francesa y fue rodada en las calles de París al mismo tiempo que la obra de Jean-Luc Goddard Al final de la escapada. Tampoco son muchas las películas que han puesto tanto empeño en romper la relación entre los espectadores y la temática fümica. 1959 DIRECTOR: Robert Bresson. vuelve a encontrarse con Jeanne. prácticamente no hay cortes cuando se pasa de una mujer a otra). Kassagi (Carterista). pero es también su forma de relacionarse con el mundo exterior y con los demás. debida a un director que. Tras ser detenidos dos de sus colegas. Pierre Leymarie (Jacques). B/N. GUIÓN: Robert Bresson. pero es detenido al caer en una trampa de la policía. a pesar de la preocupación que por él sienten sus amigos Jacques y Jeanne. con objeto de recordarles que aquello que experimentan como si se tratara de la verdad desnuda y la más cruda realidad. esa ambigüedad. La policía le detiene. lo que hace de esta película un caso excepcional en un medio históricamente sometido al yugo de la narración y la acción lineales. Cuando regrese. las técnicas propias del oficio que le enseña un experimentado ladrón y continúa desarrollando su obsesión. Marika Green (Jeanne). vuelve a quedar en libertad. MONTAJE: Raymond Lamy. un estudiante solitario y sin dinero. tan evasiva. Argumento Michel. por principio. INTÉRPRETES: Martin Lassa- lle (Michel). dromo. MÚSICA: Jean-Baptiste Lulli. Michel es un joven que se obstina en definir su superioridad moral mediante el acto de robar. que vive sola con el hijo que tuvo de Jacques. al poco tiempo. va adquiriendo.sino por el propio acto en sí. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Pierre Charbonnier. DURACIÓN: 80 minutos.

326 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 327 símbolo más que un acto. Finalmente abandona la ciudad. Antonio Prieto (Benito Rojo). aunque inspirada en la obra de Dostoyevski Crimen y castigo. no puede considerarse una adaptación de la novela. DURACIÓN: 95 minutos (originalmente: 100 minutos). decidido a devolver el oro robado. 1964 DIRECTOR: Sergio Leone. FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano. le contratan para que trabaje a su servicio. dejando que se carguen de significado mientras la cámara se recrea en ellos. A continuación se sucederán los enfrentamientos. pues no sólo se permite al protagonista sobrevivir alfinalde la misma. Tras haber sido testigo de cómo Ramón Rojo mataba a decenas de soldados mexicanos para apoderarse de un cargamento de oro. John Welles [Gian Maria Volonte] (Ramón Rojo). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cario Simi. Sin embargo. Bresson pone especial énfasis en ese carácter simbólico de los hurtos. y congelando momentáneamente la imagen de los objetos robados en el preciso instante en que cambian de dueño. PRODUCCIÓN: Jolly Film/ Constantin Film/Ocean Film (Henry Colombo y George Papi). haciéndoles creer que los Baxter cuentan con testigos de sus fechorías. enemigos declarados de aquéllos. Wolfgang Lukschy (John Baxter). MÚSICA: Ennio Morricone. Luego engaña a los Rojo. INTÉRPRETES: Clint Eastwood (El hombre sin nombre). Por un puñado de dólares PER UN PUGNO DI DOLLARI Italia/Alemania occidental/ Francia. Sieghardt Rupp (Esteban Rojo). Los diálogos y la narración se encuentran reducidos a su más mínima expresión. pero su intento se verá castigado con una brutal paliza. concentrándose en imágenes de manos en las que apenas aparece el resto del cuerpo. Los Rojo. en los que muchos serán los que mueran. consiguiendo ese efecto. GUIÓN: Sergio Leone y Ducci Tessari (basado en un relato de Tony Palombi). típicamente bressoniano. que consiste en la magnificación de los más nimios gestos visuales hasta hacer que queden henchidos de significado. Ramón prende fuego a la casa de los Baxter y tortura a Silvanito por haber ayudado al desconocido. este último volverá a aparecer y matará a tiros a toda la banda de Rojo. Dentro del canon bressoniano esta película constituye una excepción. . Pickpocket sería una de las fuentes en que se inspiró Paul Schrader para su película American Gigolo (1980). La película. Argumento Un desconocido que acaba de llegar a un pueblo mata a cuatro miembros de la familia Baxter. sino que se le concede que se redima de su obsesión gracias al descubrimiento del amor que siente por una mujer. Marianne Koch (Marisol). MONTAJE: Robert Cinquini. El desconocido intentará rescatar a la hermosa Marisol de las garras de Ramón. toma dos de los cadáveres y los coloca posando en un cementerio.

adoptó un enfoque barroco que llegaría a ser sinónimo de lo que se conocería como spaghetti-western. B/N. Atraído por el guión. Psicosis PSYCHO EE.000 dólares pertenecientes a su jefe. DURACIÓN: 109 minutos. por lo general. GUIÓN: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch). El resultado hizo de Clint Eastwood una estrella.. de calidad muy inferior. el género del western había dejado de ser para el cine ese manantial.000 dólares. Clint Eastwood viajó a España por la módica cantidad de 15. John Mclntire (Sheriff Chambers). Norman golpea a Sam y le deja inconsciente. Mientras exploran la mansión de los Bates. Un detective privado que llega al motel siguiendo la pista de Marión. Fue entonces cuando hizo su aparición la figura de Sergio Leone. Si Steve Reeves estaba descartado. de Kurosawa. cuando está a punto de ser atacada por un Norman vestido con las . a poder ser. que contaban con el convulsivo y magistral acompañamiento de la música de Ennio Morricone. aunque.000 dólares. una versión oficiosa del Mercenario. llegarán para investigar su desaparición. sería este último quién le sugirió que probara con Clint Eastwood. dándoles a su vez un cierto toque operístico. Russell. La película. en apariencia inagotable. cuyo novedoso enfoque consistió en extremar los rasgos del género. Los poderosos mitos de otros tiempos ya habían sido cuestionados por la penetración psicológica de las películas realizadas en los años cincuenta por directores como Anthony Mann. FOTOGRAFÍA: John L. así como por sus duelos interminables y ritualistas. mientras que la película se distinguía por la minuciosidad con que se mostraban las escenas de violencia. no demasiado caro. el protagonista de El correo del infierno (Rawhide). Janet Leigh (Marión Crane). comenzó a buscar al protagonista que. John Gavin (Sam Loomis). Tras haberse asegurado un presupuesto de 200. Martin Balsam (Milton Arbogast). Norman la encontrará cosida a puñaladas en la ducha y tendrá que deshacerse del cadáver. las exigencias salariales de James Coburn resultaban prohibitivas y Richard Harrison gozaba en aquel momento de un empleo muy bien remunerado. 1960 DIRECTOR: Alfred Hitchcock. al tiempo que las omnipresentes series televisivas de vaqueros presentaban una y otra vez las mismas situaciones hasta caer en una tediosa redundancia. A pesar de la aparente oposición de su madre. Argumento Tras haber huido con 40. mediante unos primeros planos brutales. revolucionó el western y dio lugar a toda una serie de imitaciones. PRODUCCIÓN: Paramount (Alfred Hitchcock). preferiblemente. Vera Miles (Lila Crane). Marión Crane llega al Motel Bates. MÚSICA: Bernard Hermann. La reducción de sus diálogos a la mínima expresión y la negativa a darle un nombre contribuyeron a rodear de un aura a la figura del protagonista. MONTAJE: George Tomasini. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joseph Hurley y Robert Clatworthy. Poco después Sam Loomis y Lila. también morirá a machetazos. para participar en una película que en aquel momento se titulaba The Magnificent Stranger. Más tarde. debía tratarse de un actor conocido del público. INTÉRPRETES: Anthony Perkins (Norman Bates). sin embargo. Norman Bates decide darle una habitación.UU. Lila encuentra el cadáver putrefacto de la señora Bates y.328 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 329 Comentario En los inicios de la década de los sesenta. del que fluían los valores propios de los hombres de la frontera. la hermana de Marión.

The Public Enemy EE. por un lado.330 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 331 ropas de su propia madre. la película se convirtió en la producción más taquillera de la Paramount desde Los diez mandamientos {The Ten Commandments. ya bajo atención psiquiátrica. Beer and Blood). a pesar de lo cual. Más adelante. aparentemente cuerdo. una escena en la que las manchas de sangre lo eran realmente de crema de chocolate. mientras que la absolutamente prescindible Psicosis IV (1990). sendas nominaciones (pero ningún premio) de la Academia. dirigida por el propio Perkins). GUIÓN: Kubec Glasmon. John Bright y Harvey Thew (basado en el relato original de Bright. FOTOGRAFÍA: Dev Jennings. MÚSICA: David Mendoza. estaba inspirada en las actividades a las que se dedicaba en la vida real. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Darryl F. Donald Cook (Mike Powers). Psicosis III (Psycho III. El presupuesto afectó tanto al reparto como al equipo de la película y limitó el período de rodaje. Edward Woods (Matt Doyle). por otro. Comentario Ejercicio de terror magníficamente orquestado. La utilización del blanco y negro. Zanuck). así como a su fotografía y dirección artística. en la magistral utilización del encuadre y de la música de Bernard Hermann. interviene Sam. Joan Blondell (Mamie). un asesino y necrófago de Wisconsin. a su vez. 1956) y le valió a Hitchcock ya Janet Leigh. Psicosis es también una de las obras más enjundiosas y de mayor destreza técnica de la última etapa de Hitchcock. que. anunciando a la prensa que dudaba entre Helen Hayes y Judith Anderson para el papel de la madre y no escatiman- do el tiempo y la atención dedicada a la famosa y tantas veces imitada escena de la ducha.000 dólares que concedieron al proyecto unos ejecutivos de los estudios que albergaban serias dudas sobre el buen gusto y la viabilidad comercial del film. un reflejo de la agilidad y la fuerza que Hitchcock había adquirido rodando para la televisión y. e incluso en el sentido del espectáculo de que hizo gala para promocionar elfilm. Hitchcock se mostró en todo momento decidido a disfrutar al máximo de su incursión en el terror puro. trata de convencer al mundo de que él no es capaz de hacer daño ni a una mosca. Ed Gein. MONTAJE: Ed McCormick. una consecuencia del modesto presupuesto de 800.no dejando que nadie entrara en la sala durante su estreno una vez empezada la proyección.. Jean Harlow (Gwen Alien). se convierten en criminales adultos bajo la tutela de Putty . 1931 DIRECTOR: William Wellman. Norman. INTÉRPRETES: James Cagney (Tom Powers). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Max Parker. La película es una adaptación de la novela de Robert Bloch. reapareció en Psicosis 2-el regreso de Norman (Psycho II. Definida por el propio Hitchcock como un ejemplo de cine puramente emocional y denostada por otros como una mera atracción de feria. dos delincuentes juveniles. así como una de las principales responsables del posterior desarrollo de todo un subgénero de terror basado en los destrozos de que es capaz un cuchillo bien afilado. B/N.UU. se dedicaba a hurgar en la infancia de Norman. así como las técnicas empleadas en su realización. 1986. Un Norman. como queda patente en la habilidad de la exposición narrativa. son. 1983). DURACIÓN: 84 minutos. Argumento Tom Powers y Matt Doyle. El maestro del suspense da muestras de hallarse en plena forma. Beryl Mercer (Ma Powers).

había sido elegido para interpretar a Doyle. tras más de sesenta años. Doyle muere de un disparo y Tom cae herido. Ya tenemos Hampa dorada (Little Caesar) y La senda del crimen (Doorway to Hell). envuelto en vendas. a la fuerza desbordante y al magnetismo de su principal estrella. un rubia explosiva. la familia de Powers le desprecia por haberse convertido en un delincuente. Aunque. En un principio. está basado en el gángster de Chicago. un papel mucho menos relevante. cuando William Wellman planteó por primera vez el proyecto de realizar The Public Enemy a Darryl Zanuck. Bill. Wellman se dio cuenta de su potencial y decidió intercambiar los papeles. Sin embargo. el jefe de la banda rival. mientras que Powers había sido asignado a Edward Woods. ligándolo al entorno y remon- tándose a los primeros indicios de criminalidad apreciables en la infancia. Tom se siente muy pagado de sí mismo y se dedica a exhibirse con Kittyy con Gwen. Cagney. y le mata de un disparo en la sien. según se cree. es posible que la película se haya quedado un poco anticuada.332 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 333 Nose. el arquetipo del gángster hollywoodiense. ¿Qué aporta esta película de la que me hablas que la haga diferente de las demás?» A lo que Wellman repuso: «Lo que puede aportar es que se trata de la película más dura. en adelante. Tom promete a su familia que. Aunque se enriquecen durante la ley seca con la especulación de alcohol de contrabando. ha pasado a la pequeña historia del cine. La escena en que se acerca a la actriz Mae Clarke y le espeta: «Ojalá fueras el pozo de los deseos para que pudiera colgarte una cuerda al cuello y ahogarte». éste le respondió lo siguiente: «Mira. productor entonces de la Warner Brothers y futuro mandamás de la Twentieth Century Fox. Charles Dion «Deanie» O'Bannion. Comentario Se cuenta que. además de ser la primera película del género que se ocupó de las raíces sociales del delito. Sin embargo. para después plantarle desprevenidamente un pomelo en toda la cara. Su primer atraco de importancia concluirá con dos muertos y la misteriosa desaparición de Putty. tras tres días de rodaje. un tipo en el que Cagney quedaría encasillado durante los restantes treinta años de su carrera. con su característico estilo bronco y agresivo. La muerte del jefe de Tom y Doyle hace que estalle la guerra entre gángsters. bordó su papel y creo. las películas de gángsters están acabadas. James Cagney. sigue conservando la capacidad de impactar debido al salvajismo y la amoralidad con que se retrata el mundo de los gángsters. pero la banda de Schemer le saca del hospital. y da muerte sin piedad al traicionero Putty Nose cuando éste vuelve a aparecer. más violenta y más realista que jamás hayas visto». Que esta historia sobre la ascensión y caída del típico gángster de tiempos de la ley seca siga siendo una película digna de verse se debe. seguirá el camino recto. cuyo personaje. Cagney. un bailarín de Broadway que llevaba un año haciendo papeles secundarios en el cine. mientras acaba con la vida de Schemer Burns. sobre todo. .

GUIÓN: Francés Goodrich. casi perfecta. Potter. hacen de esta . Hundido en la desesperación. En cuanto al papel de esposa. Corren las fechas navideñas. Donna Reed (Mary Hatch). sacrifique todos sus sueños personales y su deseo de hacer la vida mejor a todos los que le rodean. que le muestra qué habría sido de su ciudad de no haber vivido. Henry Travers (Clarence). Smith Goes To Washington. Las excelentes interpretaciones de todos los actores secundarios. cuando Bailey. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Okey. 1938) y Caballero sin espada (Mr. un ángel. B/N. 1946 DIRECTOR: Frank Capra. Bailey). aunque finalmente no sería ella quien lo interpretara. vuelve a reunirse con su familia y se encuentra con que todas las personas que le aprecian han hecho causa común para pagar sus deudas. una actriz que ya había trabajado con James Stewart en otras películas de Capra como Vive como quieras (You Can't Take It With You. un actor que. DU- RACIÓN: 129 minutos. su hermano habría muerto de niño en un accidente y su esposa sería una bibliotecaria solterona. Albert Hackett y Frank Capra (basado en el relato corto de Phillip van Doren The Greatest Gift. desde ese charlestón que se marcan Stewart y Reed y que acaba en una piscina hasta los gozosos momentos finales. sin embargo. Potter). sería finalmente el propio Capra quien se quedó con la propiedad de la historia. recayó en un principio en Jean Arthur.K. El relato corto de Phillip van Doren Stern The Greatest Gift había sido enviado a sus amigos como felicitación navideña y fue recibido con tal entusiasmo que no tardó en ser publicado. de nada sirve tanta jeremiada cuando lo que se tiene delante es una creación cinematográfica. cuando su Tío Billy deja que los fondos bancarios de la empresa queden en manos del Dr. devorado por el rencor. que puede rivalizar de igual a igual con el Cuento de Navidad de Charles Dickens. pero se le aparece Clarence. la muy eficaz utilización de primeros planos para revelar el torbellino emocional del personaje de James Stewart y la proliferación de escenas inolvidables. INTÉRPRETES: James Stewart (George Bailey).. acababa de regresar del frente y estaba deseando meterse de lleno en un personaje que le permitiría explorar el lado oscuro de su típico encanto norteamericano. Thomas Mitchell (Tío Billy). contando también con la colaboración. su madre sería una viuda solitaria. Al darse cuenta de lo maravillosa que es la vida y la comunidad que él ha contribuido a crear. La visión es infernal: la ciudad se llamaría Poterville. MÚSICA: Dimitri Tiomkin. lo que sitúa a George ante la perspectiva de la ruina y la cárcel. dedicada a la empresa de préstamos hipotecarios familiar. se plantea la posibilidad de suicidarse. el papel principal se destinó a James Stewart. con la esperanza de convertir la historia en una película protagonizada por Cary Grant. PRODUCCIÓN: Liberty Films (Frank Capra).O. de Michael Wilson. Lionel Barrymore (Dr. Es posible que la irresistible ternura de este canto al hombre de la calle y al derecho de la decencia a terminar triunfando dé argumentos a quienes desprecian el sentimentalismo de Capra y su visión reaccionaria de unos Estados Unidos de cuento de hadas. había adquirido los derechos. 1939). Clifford Odets y Jo Swerling). MONTAJE: William Hornbeck. Argumento George Bailey se siente amargado tras haber llevado una vida llena de sacrificios.UU. Aunque la R. Desde el primer momento. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker y Joseph Biroc. al igual que Capra. Beulah Bondi (Mrs. no reflejada en los títulos de crédito.334 ALLAN HUNTEE LOS CLASICOS DEL CINE 335 Comentario ¡Qué bello es vivir! IT'S A WONDERFUL LIFE EE. un banquero sin escrúpulos.

Jane se la lleva a Malibu Beach. B/N. Comentario El machismo consustancial a Hollywood y la importancia que la industria cinematográfica ha dado siempre a la juventud suponen un problema considerable para las estrellas femeninas. con la intención de enterrarla viva. una antigua estrella de la pantalla confinada a una silla de ruedas. a Blanche. provocando una sádica guerra de nervios. Cuando surgió la oportunidad de hacer ¿Qué fue de Baby Jane?. MÚSICA: Frank De Vol. Della Flagg). interpreta una grotesca parodia de su papel de «Baby Jane».. Cuando éste descubre . Robert Aldrich tuvo que financiar el proyecto de manera independiente y rodar la película en veintiún días. ¿Quéfue de Babyjane? WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? DIRECTOR: EE. Marjorie Bennett (Mrs. Jane. una obra en la que predominaba el terror psicológico sobre el meramente visceral. Jane contrata al pianista Edwin Flagg.336 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 337 película una verdadera obra maestra en términos de exposición narrativa y emocional. Blanche reconoce que ella planeó y organizó el accidente que la dejó lisiada y que permitió que Jane cargara con la culpa. en el transcurso de la cual Elvira. en los últimos tiempos. sumida en la más profunda locura. Nominada para cinco Osear. Cuando llega la policía. además. PRODUCCIÓN: Aldrich Associates (Robert Aldrich). Anna Lee (Mrs.000 dólares a cada una de sus estrellas. Aldrich contribuyó a realzar el suspense con la elección de la fotografía en blanco y negro y la música compuesta por Frank De Vol. Los años y el cariño del público han hecho de ella una de las películas más queridas de todos los tiempos y una presencia televisiva ineludible durante las Navidades. INTÉRPRETES: Bette Davis (Jane Hudson). pagando tan sólo 50. el ama de llaves. vive a merced de su hermana Jane. que incluía la canción «I've Written a Letter to Daddy». DURACIÓN: 132 minutos. Joan Crawford (Blanche Hudson). sus papeles habían sido bastante escasos y muy poco atractivos. Con objeto de revivir el número de vodevil que las dos hermanas realizaban en su infancia. El resultado.UU. de los que no obtuvo ninguno. Finalmente. las oportunidades descienden vertiginosamente. pero prometiéndoles una participación en los beneficios. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Maidie Norman (Elvira Stitt). tanto Joan Crawford como Bette Davis llevaban más de treinta años en Hollywood y. una mujer cada vez más perturbada. Bates). Argumento Blanche Hudson. nadie parecía estar muy dispuesto a financiar su aparición en un drama gótico y macabro al que se calificaba de El crepúsculo de los dioses de los años sesenta. 1962 Robert Aldrich. es asesinada cuando trataba de liberarla. quedando finalmente en números rojos por una cantidad que rondó los 525. A pesar de contar con una reputación que admitía pocos parangones y que incluía un buen puñado de nominaciones para los Osear. Victor Buono (Edwin Flagg). GUIÓN: Lukas Heller (basado en una novela de Henry Farrell). la película fue. Una vez que una mujer ha pasado los cuarenta. En vista de ello. causó sensación. un fracaso comercial en el momento de su estreno. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: William Glasgow. MONTAJE: Michael Luciano. Blanche decide vender su casa. y muchas son las carreras que pueden dar fe de la verdad de ese hecho.000 dólares.

Argumento Mientras el malvado Black Larson parte en busca de comida. obteniendo además cinco nominaciones para los Osear. Joan Crawford tuvo que ser sustituida por Olivia de Havilland. alfiny al cabo. DURACIÓN: 82 minutos. GUIÓN: Charles Chaplin. el pequeño vagabundo llega a un pueblo minero. Entretanto. que ha recuperado la memoria. La quimera del oro no es sólo una película gozosa. ya iniciado el rodaje. MONTAJE: Charles Chaplin. Ambos se vuelven inmensamente ricos y. y de la reivindicación tardía de la figura de Buster Keaton.. En adelante. Una cena compuesta de un par de botas hervidas no consigue satisfacerles. como sería el caso de Tallulah Bankhead en Te espera la muerte. autor de una obra que parecía más interesante desde el punto de vista cinematográfico (véase El Maquinista de La General) y cuya sobria personalidad escénica resultaba más atractiva para el público contemporáneo que el acendrado sentimentalismo de Chaplin. que ha descubierto su filón de oro. si bien. En 1990 ¿Qué fue de Babyjane? fue objeto de una versión para la televisión norteamericana. Kay Desleys y Joan Lowell (Amigas de Georgia). no sería justo hacer de menos los logros de Chaplin que. fue el creador del primer personaje que supo encarnar la fuerza comunicativa global del cine. 1925 DIRECTOR: Charles Chaplin. 1957) y La condesa de Hong Kong (A Countessfrom HongKong. McKay. querida (Fanatic. MÚSICA: Reedición de 1942: Música y narración de Charles Chaplin. fugiados en una remota cabana. el vagabundo se reúne con Georgia. el pequeño vagabundo y Big Jim McKay permanecen re- La reputación de Chaplin entre la crítica comenzó a declinar hacia los años cincuenta como consecuencia de los decepcionantes resultados de sus últimos proyectos. protagonizada por Vanessa y Lynn Redgrave en los papeles de Blanche y Jane Hudson. Se produce una pelea. Mack Swaim (Big Jim McKay). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles D.1964). Barbara Stanwyck en TheNight Walker (1965) y Joan Fontaine en The Witches (1966). los proble- . 1967). Aldrich volvería a reunir a las dos actrices en Canción de cuna para un cadáver {Hush. sino que constituye uno de los puntos álgidos de su arte. Más adelante. Hall. el género de terror se convertiría en un refugio para las actrices ya entradas en años. llega a la ciudad y se lleva consigo al vagabundo. McKay abandona la cabana y se encuentra con Larson. una corista. los beneficios brutos de esta película de bajo presupuesto alcanzaron la cifra de 4 millones de dólares. Comentario La quimera del oro THE GOLD RUSH EE. a resultas de la cual McKay recibe un golpe que le hace perder la memoria. FOTOGRAFÍA: Roland Tothero. para que le ayude a encontrar su mina de oro. Tom Murray (Black Larson). Sin embargo. PRODUCCIÓN: Charles Chaplin. Georgia Hale (Georgia). INTÉRPRETES: Charles Chaplin (El solitario buscador de oro). donde el hambre amenaza con conducirlos a la desesperación. donde se enamora de Georgia. debido a una enfermedad. en su viaje de regreso. una de ellas la décima y última que recibiría Bette Davis. Hush Sweet Charlotte. antes de que la llegada de la revolución del sonoro. B/N.l964). y Larson queda sepultado bajo una avalancha de nieve.UU.338 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 339 Sólo en los Estados Unidos. Betty Morrissey. Un rey en Nueva York (A King in New York. pero la caza accidental de un oso resolverá su angustiosa situación. a la que invita a su fiesta de nochevieja.

El leñador. Estos rasgos se aprecian. acusado del asesinato de aquel hombre. partiendo de los objetos más comunes. Takashi Shimura (Tratante de leña). fue una de las producciones mudas más taquilleras. B/N. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: So Matsuyama. tras ser violada. y de la violación de su mujer. de Ryunosuke Akutagawa). A través de una médium. jura que Takehiro se vio forzado a combatir. Machiko Kyo (Masago). Masayuki Mori (Takehiro). . sentirá reavivar su fe cuando el leñador se ofrezca a ocuparse de un niño abandonado. la película contrapone la bondad innata de un ser marginado. pero que Tajomaru actuó en defensa propia. PRODUCCIÓN: Daiei (Jingo Minoura). Takehiro. Aunque el delirio que provoca el hambre en su compañero puede llegar a convertir al vagabundo en un pollo humano. Masago. El relato deprime a un monje allí presente que. DURACIÓN: 88 minutos. sin embargo. Masago afirma que. No obstante. Atrapado por una tormenta. realizada por el propio Chaplin. En 1942 fue objeto de una reedición a la que se había añadido una banda sonora musical y una narración.340 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 341 mas matrimoniales y las polémicas políticas contribuyeran a que su posterior producción resultara más polémica.5 millones de dólares. enormemente popular desde el momento de su estreno. Minoru Chiaki (Monje). GUIÓN: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto (basado en el relato corto Yabu No Naka y en la novela Rasho-Mon. La película. una escena donde consigue crear. MÚSICA: Fumio Hayasaka. a la desaforada falta de escrúpulos de los demás buscadores de oro. ni siquiera su testimonio objetivo es una garantía de fiabilidad. 1951 Akira Kurosawa. inmersos todos ellos en una feroz lucha por la supervivencia en medio de las desoladas y gélidas tierras de Alaska. Por su parte. uno de los momentos cómicos más imperecederos del cine de todos los tiempos. un tanto desmañada. sostiene que se trató de un combate limpio. un leñador le cuenta a sus compañeros una historia que le ocurrió cuando se encontró un cadáver. el pequeño vagabundo. Kichijiro Ueda (Hombre del pueblo). en la famosa escena en la que se zampa sus botas (sorbiendo hasta mondar las tachuelas como si fueran huesos y convirtiendo los cordones en suculentos espaguetis) para quitarse de la cabeza la idea del canibalismo. INTÉRPRETES: TOShiro Mifune (Tajomaru). sin embargo. siglo VIII. Rashomon Japón. sometido a una persecución por toda la cabana. el personaje de Chaplin no pierde en ningún momento ni su espíritu benévolo ni su envidiable ingenio. obteniendo unos beneficios próximos a los 2. el marido asegura que se hizo el harakiri para limpiar su honor mancillado. El bandido Tajomaru. ella misma mató a su marido por haber renegado de ella. por ejemplo. Siguiendo un esquema característico de su autor. DIRECTOR: Argumento Japón. FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa.

se dispone a asistir a clase en su nuevo instituto. Buzz se engancha con el asa de la puerta y se precipita hacia el vacío. la película. Ambos se lanzan a una carrera en coche hacia unos acantilados.. Sin embargo. Jim Stark. un autor que se suicidó en los años veinte. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (David Weisbart). Jim da parte a la policía. ha llevado a algunos críticos a considerarla. de los Siete samurais. el jefe de una pandilla. posteriormente. DURACIÓN: 111 minutos. justo antes de saltar. Ann Doran (Madre de Jim). la guerra. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller. Sal Mineo (Platón). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Malcolm Bart. su innovadora estructura narrativa. hace amistad con Platón. por encima de todo. El aislacionismo del Japón en la década de los treinta y. sin duda. Rebelde sin causa REBEL WITHOUT A CAUSE DIRECTOR: EE. El resultado no estuvo a la altura del original. como la víctima.supuso la consagración definitiva del cine japonés entre el público occidental. y Laurence Harvey en el papel de marido. fueron el virtuosismo de sus movimientos de cámara. El comentario realizado por el propio Kurosawa. fracasa al ser atacado este último por la pandilla de . en el sentido de que la película trataba sobre ese tipo de personas «que no pueden sobrevivir sin mentiras que les hagan sentirse mejores de lo que realmente son». pero. los que demostraron de manera fehaciente que se estaba ante una obra de una gran integridad artística y no simplemente ante la última novedad de la temporada cinematográfica. Argumento Tras haber sido arrestado por borrachera y desorden público. y que contaba entre sus protagonistas con Paul Newman -muy poco creíble en el papel del bandido mexicano acusado de violaciónClaire Bloom. un muchacho huérfano. Jim Backus (Padre de Jim). y se ve forzado a aceptar el desafío de Buzz. GUIÓN: Stewart Stern e Irving Schulman (basado en un relato de Nicholas Ray).Ras- homon sería objeto de una versión. impidieron durante mucho tiempo la exportación de la mayor parte de la producción cinematográfica nipona y contribuyeron a conferir a la obra de Kurosawa -a menudo menospreciada en su propio país. titulada Cuatro confesiones (Outrage.un exotismo que. INTÉRPRETES: James Dean (Jim Stark). Dennis Hopper (Goon).UU. con su estructura de múltiples niveles a la manera de los puzzles chinos. donde obtuvo el Osear a la mejor película extranjera. En su primer día conoce a Judy. dirigida por Martin Ritt. MÚSICA: Leonard Rosenman. favoreció el impacto que produjo en Europa y América. por ejemplo.342 Comentario ALLAN HUNTER tos CLÁSICOS DEL CINE 343 A pesar de que la productora Daiei. convertida en el western Los siete magníficos. una investigación filosófica sobre la naturaleza de la verdad. temiendo que la película fuera recibida con incomprensión o incluso con burlas. quizá erróneamente. 1955 Nicholas Ray. Basada en los relatos de Ryunosuke Akutagawa. se había mostrado reacia a presentarla al Festival de Venecia. la solidez de su trabajo actoral y. un taciturno adolescente. MONTAJE: William Zeigle. en compañía de Judy y Platón. Natalie Wood (Judy). Igual que sucedería con varias otras películas de Kurosawa -caso.1964). El intento de encontrar un lugar donde refugiarse. el revuelo creado por el Rashomon de Akira Kurosawa en su aparición en el festival veneciano del 51 -en el que obtendría el León de Oro. quizá esté más en consonancia con ese humanismo amargo que se halla presente en su espléndida filmografía. Desoyendo el consejo de sus padres.

Pues. Marcel Dalio (Robert.344 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 345 Buzz. Mila Parley (Genéviéve). es abatido a tiros por la policía. dando lugar a un culto que sigue gozando de buena salud -aunque convertido prácticamente en un complemento de moda. Christine. embarcado en un angustiado proceso de autodefinición. Jean-Paul Alphen y Alain Renoir. No obstante. 1939 DIRECTOR: Jean Renoir. Platón mata de un disparo a uno de sus atacantes y se esconde en el planetario. películas y otros tantos productos similares. El edificio es rodeado por la policía y Jim trata de convencer a Platón de que se entregue. la esposa del Marqués De la Chesnaye. se entera de que su ma- . para Natalie Wood. a través de los cuales se aspiraba a configurar una identidad cultural que permitiera distinguir al «adolescente» de las generaciones adultas. mejor actriz secundaria.cuando ya han pasado más de cuatro décadas desde que la malhadada estrella encontrara la muerte en un accidente automovilístico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugéne Lourie y Max Douy. para Sal Mineo. Sin embargo. La persistente vigencia del fenómeno James Dean debe bastante a la eficacia con que Rebelde sin causa supo captar el eterno conflicto que surge cuando las inquietudes típicas del adolescente. el film codificó una conciencia identitaria que suponía un gran salto adelante con respecto a las atildadas caracterizaciones de un Andy Harvy o a los anodinos jóvenes que solían aparecer en las pantallas cinematográficas. a partir de Mozart. Nora Gregor (Christine de la Chesnaye). Por otro lado. Monsigny y Saint-Saéns. Jean Renoir (Octave). al centrarse con tal intensidad en el personaje principal. ropas. El propio Dean recibiría dos nominaciones a título postumo por sus interpretaciones en Al este del Edén y Gigante (Giant. 1956). PRODUCCIÓN: La Nouvelle Édition Francaise (Claude Renoir). esa íntima aflicción que transmiten las in- terpretaciones de James Dean. siguen rebosando autenticidad. como Rebelde sin causa. por más que la película no se distinga demasiado de las típicas «películas-problema» realizadas por la Warner en los años treinta. Aunque finalmente no obtuvo ningún premio de la Academia. de Elia Kazan. DURACIÓN: 115 minutos en su estreno. que trata de vengarse. MONTAJE: Marguerite Renoir. trata de encontrar unos valores que le sean propios. en el portavoz y el símbolo de las frustraciones de la juventud de todo el mundo. y mejor actor secundario. Argumento Durante un fin de semana en su casa de campo. La regla deljuego LA REGLE DU JEU Francia. si bien es cierto que la juventud norteamericana comenzaba a cuestionarse su relación con el status quo. GUIÓN: Jean Renoir y Cari Koch. INTÉRPRETES: Roland Toutain (André Jurieux). B/N. Comentario Es muy probable que la apoteosis de la figura del «adolescente» que tuvo lugar a mediados de los cincuenta deba más a la creación de un mercado juvenil que a cualquier otra de las fuerzas sociales que incidieron en el fenómeno. la película fue nominada para tres Osear en las categorías de mejor guión. llamado James Dean. Paulette Dubost (Lisette). cuando finalmente accede a hacerlo. marqués De La Chesnaye). El hecho de que en 1955 se estrenaran tanto Al este del Edén (East ofEden). MÜSICA: Roger Desormiéres y Joseph Kosma. FOTOGRAFÍA: Jean Bachelet. aquella rebeldía recién descubierta trataba de consolidarse mediante un consumo masivo de discos. contribuyó a convertir a un joven y tenso actor.

aunque todos dan por sentado que. un retrato de la decadencia de una estructura social en el preciso momento en que está a punto de hacerse añicos.y es uno de esos raros casos en que. finalmente. se ha dado cuenta de la inquietante atracción que existe entre su esposa Lisette y un cazador furtivo que ha sido contratado como sirviente. . El cazador furtivo confunde a Christine con Lisette y dispara a André. que no suele citarse completa: «lo verdaderamente terrible es que todo el mundo tiene sus razones». la película cuenta además con unas interpretaciones excelentes -entre ellas la del propio Renoir. Por todos estos motivos. más adelante. prohibida por las autoridades de Vichy. cada vez que se contempla. irónicos y de crónica social con los que Renoir supo enriquecer su material de partida. comunica a su pretendiente André que está dispuesta a escaparse con él. Renoir señalaría. avisa a André para que acuda a su cita en el jardín. Sin embargo. para finalmente quedar destruida en 1942 durante una incursión aérea aliada. el guarda de la finca. cuando éste les asegura que André había sido tomado por un cazador furtivo. considerando que éste es demasiado mayor para su gusto. desde las escenas de la fiesta de disfraces hasta las de la caza del conejo. La regla del juego sería amputada drásticamente y.346 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 347 rido le es infiel con Genéviéve. la película ha terminado por ser reconocida como la obra maestra de Jean Renoir y es una de las presencias habituales en las listas que la crítica realiza sobre las diez mejores películas de todos los tiempos. en realidad. más adelante. una farsa actualizada de Beaumarchais. que: «durante el rodaje estaba escindido entre el deseo de hacer una comedia y el de contar una historia trágica. la versión original de la película tuvo una difusión muy limitada hasta cerca de veinte años después de su estreno. El resultado de esta ambivalencia es la propia película tal y como es». pasando por la hipocresía que rodea a la escena final cuando se trata de racionalizar la muerte de André. Por su parte. con ese toque humano tan característico del director. Christine cambiará de opinión y optará por la compañía de Octave. La magia imperecedera de esta película reside en la tensión creada por esa cámara que va pasando con fluidez de un personaje a otro. Aunque. Una de las frases emblemáticas de la película. Los invitados aceptan las explicaciones que les da el Marqués. es indicativa de la jugosa ambigüedad de los elementos dramá- ticos. ofreciéndonos una mirada crítica y burlesca. un amigo de la infancia. más tarde. tras haber sobrevivido a tan inhóspita acogida inicial. se descubre una nueva faceta de la misma. hasta componer. ha sido él quien se ha desembarazado de su rival para conservar el amor de su mujer. En vista de ello. Repleta de momentos memorables. Comentario Objeto de una calurosa acogida durante sus tres primeras semanas de proyección parisina por parte de un público que veía con agrado cómo se satirizaba a la clase alta francesa del período de anteguerra. pero al mismo tiempo rebosante de una comprensión que parece dispuesta a hacer extensiva a todo ese variopinto grupo de diletantes.

348 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 349 ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras A pesar del paso del tiempo y de la imperturbabilidad del público contemporáneo. No obstante. sugerida por el propio Harrison Ford. años en que la producción cinematográfica norteamericana estuvo dominada por los grandes estudios. el Montgomery Clift de De aquí a la eternidad (1953). como demuestran las películas Gunga Din (1939) y Justicia corsa (The Corsican Brothers. las películas de su padre: «eran tan sutiles que no dejaron un trazo que se pudiera seguir». el James Dean de Rebelde sin causa (1955). Paul Newman o Steve McQueen. más adelante. le confirma como el héroe ideal de nuestro tiempo. como La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. el éxito de películas como La guerra de las galaxias (1977) y Superman (1980). Lafigurasexy y sardónica del indestructible agente 007. Rocketeer (The Rocketeer. seguramente sea Indiana Jones. 1991). En la historia del cine norteamericano. 1991). que tuvo la sensatez de no tratar de seguir sus pasos. como Matt Helm o Derek Flint. sin embargo. Los resultados de todo ello han sido muy desiguales y comprenden. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. 1937). en la que su personaje saca una pistola para arreglar cuentas con un risueño oponente que blande un puñal. Eljusticiero de la ciudad (Death Wish. 1938) y The Sea Hawk (1940). El lado más oscuro de lo que puede experimentar el público a través de un personaje que convierte sus fantasías en realidad ha sido explorado de manera muy reveladora en películas como Centauros del desierto (1956). Su agilidad y el fulgor burlón de su mirada vivificaron algunos clásicos imperecederos. desde una versión camp de Flash Gordon (1980) hasta un Batman (1989) dominado por la presencia de Jack Nicholson.de que hacían gala los personajes de Douglas Fairbanks. y cuya máxima representación sería el Humphrey Bogart de El halcón maltés (1941) o Casablanca (1942). desde El ladrón de Bagdad (1924) hasta Robin Hood. el cine ha demostrado. 1940) o al Stewart Granger de Scaramouche (1952) su derecho a figurar en dicha lista. Robin de los bosques (TheAdventures ofRobin Hood. Entre las décadas de los veinte y los cincuenta. el personaje actual que mejor ha encarnado esas virtudes -ya un tanto anticuadas. 1974). un hombre cínico y desencantado. al Tyrone Power de El signo del Zorro (The Mark of Zorro. unos héroes dedicados a hacer el bien. por lo menos. 1941). pasando por el insulso Dick Tracy (1990) o el agradable. Salvajes de autopista (1979) y en sus secuelas. Con su gracilidad y su soberbio desparpajo. o. pero dotados del cinismo y el sensato pragmatismo de los hombres de mundo. pareció marcar la pauta para los años 60 e inspiró toda una serie de imitaciones de inferior calidad. ha hecho que los productores se apresuren a desenterrar sus cómics favoritos para encontrar personajes que les garantizasen el interés del público y unas muy ansiadas ganancias. el romántico solitario. algunas de ellas. el ídolo del cine mudo Douglas Fairbanks colocó el listón a una altura que pocos han conseguido igualar. . las grandesfigurasheroicas suelen encuadrarse en una de estas tres categorías: el honrado y caballeroso hombre del Oeste. Una escena. muchas estrellas tuvieron que acudir a las armas y. Nadie disputará al Ronald Colman de El prisionero de Zenda (The Prisoner of Zenda. acompañadas de sus respectivas secuelas. sería Errol Flynn quien se convertiría en el más gallardo héroe del cine sonoro. Aunque Fairbanks júnior llegó a ser un excelente aventurero. Taxi Driver (1976) o en esa orgía de venganzas que desencadena el guardián del orden despechado que interpreta Mel Gibson en Mad Max. que no ha disminuido en lo más mínimo su capacidad de reavivar ese poso de fascinación infantil que todos llevamos dentro. aunque no demasiado brillante. como Marión Brando. demostraron poseer la dosis de viril heroísmo necesaria para asegurarse un puesto en el escalafón de los grandes aventureros de la pantalla. alcanzaron una notable destreza en el manejo de la espada y del revólver. y los rebeldes apasionados. que se atiene exclusivamente a su propio código de honor. que encarnó Sean Connery. a la manera de un Gary Cooper o un John Wayne. el arqueólogo y aventurero del látigo que debutó en las pantallas con En busca del arca perdida (1981). 1936). Como señaló su hijo.

la Reina Cristina se dispone a concertar un tratado de paz. M. y que. Ian Keith (Magnus). Harta de tanta guerra. Elizabeth Young (Ebba Sparre). Cristina toma su cuerpo y embarca hacia un exilio en soledad. tratando de grabar en su memoria todo lo ocurrido hasta entonces.UU. Ya de vuelta en Hollywood. la propia Garbo terminó por elegir a su antiguo amante. más adelante. una escena que se rodó al compás de un metrónomo. Don Antonio de la Prada. PRODUCCIÓN: M-G-M (WalterWanger). la escena más famosa de toda la filmografía de la Garbo. 1933 DIRECTOR: Rouben Mamoulian. Argumento Suecia. se encuentra con el embajador español. Las dos estrellas crearon una química auténticamente romántica y la película se convirtió en el que quizá sea el más depurado ejemplo de ese peculiar aura que ha quedado asociada de forma permanente a la presencia en pantalla de la Garbo. John Gilbert. es aquella en la que se la ve navegar impasible hacia un futuro sin amor. pero Antonio muere en un duelo con Magnus. Harwood. finalmente. a instancias de su amiga Salka Viertel. Behrman (basado en un relato de Viertel y Margaret Levin). Magnus. Entre ellos. una reina sueca del siglo xvn. Sir C. 1927). B/N. en aquel preciso momento. John Gilbert (Don Antonio de la Prada). se sintió atraída por la vida de Cristina. Aunque en la corte tiene que tratarle simplemente como a un representante de un país extranjero. La Reina abdica. Los primeros encuentros entre las dos estrellas fueron todo menos prometedores y. mientras monta a caballo. perdidamente enamorada. se prescindió del actor británico. con objeto de conseguir imprimirle el ritmo exacto que deseaba su director. siguen viéndose en secreto.350 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 351 Comentario La reina Cristina de Suecia QUEEN CHRISTINA EE. Con todo. Salka Viertel y S. la película contiene algunos de los mejores momentos de la actriz. un momento culminante que obligó a la cámara a pasar de un plano general a un primer plano sosteni- . N. Mayer. durante el largo período de renegociación de su contrato con la M-G-M. Aubrey Smith (Aage). una estrella del cine mudo con quien había coprotagonizado El demonio y la carne (Flesh and The Devil. Willis. Un día. con la promesa de que. Su estratagema se ve coronada con el éxito y los dos traban amistad en una posada. MÚSICA: Herbert Stothart. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Toluboff y Edwin B. MONTAJE: Blanche Sewell. pasan juntos dos días de absoluta dicha. tras quitarse su disfraz. DURACIÓN: 97 minutos. Entre los muchos actores que se tomaron en consideración como posibles sustitutos se encontraban Leslie Howard. La atracción que siente es cada vez más fuerte y. le seguirá a España. Greta Garbo. Nils Asther y Franchot Tone. la Garbo se empeñó en que su próximo proyecto fuera La reina Cristina de Suecia y dio su aprobación a la elección de Laurence Olivier para el papel de su amante. Lewis Stone (Canciller Oxenstierna).. Cristina manda partir a Antonio. sin embargo. Cuando su anterior amante. se va deslizando por la habitación de la posada. y se queda tan prendada de él que se disfraza de muchacho para tratar de conocerle mejor. se esforzaba por mantener su carrera a flote frente al descarado boicot al que le tenía sometido el vengativo productor Louis B. FOTOGRAFÍA: Wi- Uiam Daniels. Versión de un romanticismo exacerbado sobre unos acontecimientos históricos. siglo xvn. INTÉRPRETES: Greta Garbo (La reina Cristina). aquel en que. GUIÓN: H. Mientras se encontraba en Suecia. descubre su relación.

Cuando John Huston se incorporó al proyecto. Su azaroso viaje por los rápidos del río engendra una mutua admiración. La reina de África THE AFRICAN QUEEN DIRECTOR: Comentario EE. Condenados a morir ahorcados. Walter Cotell (Segundo Oficial). el Louisa se va deslizando por el agua hasta colisionar con los restos de La reina de África y saltar en pedazos. Quiero que cada persona del público escriba en ella lo que quiera». Montgomery Clift por Un lugar en el sol (A Place in the Sun). por el papel de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado Deseo (1951). La escena. MONTAJE: Ralph Kemplen. AUnut dispone unos torpedos en su lancha. aún hoy. 1947) es una garantía de que siempre será recordada con cariño. El sentimentalismo de la película (que contrasta. Más adelante. Arthur Kennedy por Nuevo amanecer (Bright Victory) y Fredric March por Muerte de un viajante (Death ofa Salesman). y que aceptará a regañadientes su plan de realizar un arriesgado ataque contra una patrullera alemana. lago donde se encuentra anclada la patrullera Louisa. Tan arriesgada apuesta produjo sus rendimientos. Eagle [Sam Spiegel]).352 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 353 do del rostro impertérrito de la actriz. Argumento África Central. Entretanto. GUIÓN: James Agee y John Huston (basado en la novela de C. por ejemplo. pues se tuvo la suficiente lucidez de preservar en la pantalla las dificultades reales a las que se tuvo que hacer frente. Finalmente llegan al . encuentra refugio a bordo de La reina de África. P. DURACIÓN: 105 minutos. insistió en que la película se filmara mientras se remontaban 1. frente a la dura competencia que suponía la presencia entre los nominados de Marión Brando. Humphrey Bogart recibiría el premio de la Academia al mejor actor por su retrato del disoluto capitán de barco canadiense. que terminará por convertirse en amor. a resultas del cual muere un misionero. una lancha fluvial capitaneada por Charlie Allnutt. 1951 Por más difícil que resulte imaginarlo. S. sigue siendo una de las expresiones más puras y conmovedoras de un corazón destrozado que jamás se haya visto en la historia del cine. Katharine Hepburn (Rose Sayer). Forrester). Technicolor. Peter Bull (Capitán del Louisa). con la cínica visión de la realidad expresada en una obra anterior del director como El tesoro de Sierra Madre [Treasure of the Sierra Madre]. Aquel año. había sido concebido en un principio para Bette Davis y David Niven. lo cual contribuyó a disimular lo inverosímil de la historia. Theodore Bikel (Primer Oficial). piden como última voluntad que se les permita contraer matrimonio. un individuo que siente debilidad por la ginebra. la Primera Guerra Mundial. FOTOGRAFÍA: Jack Cardiff. el poderoso tándem que formó la pareja Hepburn-Bogart en La reina de África.100 millas del río Congo. Tras un ataque alemán. Los dos prisioneros salen despedidos y caen al agua. Por su par- John Huston. Rose. Mamoulian recordaría haberse dirigido a la estrella con las siguientes palabras: «Quiero que tu rostro sea una hoja de papel en blanco. libres de todo peligro. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Charlie AUnut).UU.. Robert Morley (Reverendo Samuel Sayer). MÚSICA: Alan Gray. la mojigata hermana de aquél. PRODUCCIÓN: Horizon-Romulus (S. pero tanto él como Rose son capturados antes de que puedan llevar a cabo su ataque. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Wilfred Shingleton.

1955). el pueblo texano de Río Bravo no pretende reflejar ningún episodio real en la evolución de la frontera norteamericana. en compañía de un John Wayne aficionado a la botella. En un primer momento. Comentario Mientras se iba recuperando del fracaso obtenido con su película de aventuras egipcias.fue llevada en 1990 a la pantalla de forma encomiable por el actor y director Clint Eastwood.354 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 355 te. Los obsesivos excesos de Huston durante el rodaje. Howard Hawks decidió embarcarse en un proyecto que sirviera de réplica al espíritu de soledad masculina formulado en Solo ante el peligro. y un lisiado. Kuter. está tramando un plan para liberarlo. al que aceptará como ayudante. y un marine. Chance. H. Feathers conseguirá arrancar al imperturbable Chance una declaración de amor. favorecido por una buena provisión de dinamita. Finalmente. creando la película donde se exponen de forma más rotunda los diversos temas que le interesaron a lo largo de su variopinta carrera. sume al pueblo de Río Bravo en una psicosis de estado de sitio. papel que correspondió a Robert Mitchum. que el director utiliza como Río Bravo EE. MONTAJE: Folmar Blangsted.. que contaba con la pareja formada por una monja. Chance). Walter Brennan (Stumpy). Chance accede a intercambiarlo por Joe en el almacén de los Burdette. más bien se trata de un telón de fondo. en El rifle y la Biblia (Rooster Cogburn. FOTOGRAFÍA: Russell Harían. encontró la clave de humor para interpretarlo cuando John Huston le indicó que debía de conferir al papel de Rose la meticulosidad de una gran dama como Eleanor Roosevelt. GUIÓN: Jules Furthman y Leigh Brackett (basado en un relato breve de B. Dude es tomado como rehén.UU. Más adelante se unirá a ellos Colorado. Katharine Hepburn. Ward Bond (PatWheeler). McCampbell). casi abstracto. interpretada por Deborah Kerr. en un nuevo ataque. Argumento La certeza de que Nathan. Tierra de faraones (Land of the Pharaohs. DURACIÓN: 141 minutos. . Huston volvería a tratar el tema de dos almas mal avenidas a las que une la adversidad. corazón negro. se impone a la banda de Burdette. Chance tan sólo cuenta con el apoyo de un alcohólico. un joven pistolero. publicada en 1953 por Peter Viertel -un autor cuya contribución al guión de la La reina de África no figuró en sus títulos de crédito. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Leo K. 1959 DIRECTOR: Howard Hawks. En contraposición con el enfoque histórico que suele caracterizar la obra de John Ford. PRODUCCIÓN: Armada (Howard Hawks). reflejados en la novela Cazador blanco. Por su parte. Gracias a la rapidez de reflejos de la corista Feathers. Stumpy. en películas como Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows Mr. el hermano de Joe Burdette. el guardián de la cárcel. pero. Dean Martin (Dude). 1975). su ayudante Dude. Chance se salva de un atentado contra su vida. que había dado muestras de tener algunas dificultades a la hora de captar la mojigatería del personaje. Ricky Nelson (Colorado Ryan). El variopinto equipo que forman los guardianes del orden. un peligroso criminal que ha sido detenido por el sherijf]ohn T. 1957). Angie Dickinson (Feathers). MÜSICA: Dimitri Tiomkin. Katharine Hepburn volvería a aparecer en una variación sobre el mismo tema. Allison. INTÉRPRETES: John Wayne (John T.

pero valeroso carcelero. Robin de los bosques THE ADVENTURES OF ROBÍN HOOD EE. a todos los efectos. 1944). MONTAJE: Ralph Lawson. MÚSICA: Erich Wolfgang Korngold. por un lado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. No es de sorprender. INTÉRPRETES: Errol Flynn (Robin Hood). sin demasiados cambios. aunque ambientada en este caso en un escenario urbano. así. Chance y Dude. con su Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13) realizaría lo que. la interacción entre ellos dos y el resto de los personajes: Stumpy. Claude Reins (El príncipe Juan). PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Hal B. Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings. La deuda con la vieja película de Hawks quedó expresada en los títulos de crédito. Miller. en particular. Eugene Pallete (Fray Tuck). volvería a ser utilizada por Hawks (a decir verdad sin tanto éxito) en películas como El Dorado (1967) y en su último film. 1939). que el análisis sobre la integridad de este grupo de hombres guarde un gran parecido con el realizado en otras películas de acción anteriores. Patrie Knowles (Will Scarlet). FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio. En la película que nos ocupa. John Carpenter. en 1976. ambientado en la Martinica. Argumento Aprovechando que el Rey Ricardo se halla preso a la espera de que se pague su rescate. Sol Polito y W. la fórmula. está la relación entre el sheriff]ohn T. su amigo alcohólico y. por tanto. un film sobre una compañía de aviación en los Andes. un drama sobre el contrabando en tiempos de guerra. Río Lobo (1970).356 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 357 marco donde enfrentar a unos personajes arquetípicos. era una nueva versión. 1938 DIRECTORES: Michael Curtiz y William Keighley. GUIÓN: Norman Reilly Raine y Seton I.UU. el pistolero Colorado y la corista Feathers. Basil Rathbone (Sir Guy De Gisbourne). DURACIÓN: 102 minutos. Aunque la película fue totalmente ignorada por la Academia. y Tenery no tener (To Have and Have Not. donde figuraba como montador un tal John T. Chance. el énfasis recae en las relaciones entre los personajes más que en la trama. Howard Greene. por otro. Wallis y Henry Blanke). Olivia de Havilland (La doncella Marian). mientras que. llegó a alcanzar el puesto número 8 en la lista de las películas más taquilleras del año 1959 en los Estados Unidos. Ejercicio acompasado y magistralmente ejecutado sobre las convenciones del género.. el Príncipe Juan se nombra a sí Robin de los bosques . el viejo.

romántico. La película. atlético y picaro de todos ellos. el resultado final es un relato sin fisuras. además de un impresionante testimonio de los altísimos niveles de calidad que podían llegar a alcanzarse bajo el viejo sistema de los estudios. Con Flynn como protagonista principal. así como de algunas escenas sueltas de exteriores que quedaban por filmar. Sean Connery en Robiny Marian (Robin andMarian. Warner decidió sustituirle por Michael Curtiz. príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince ofThieves. año en que Robin Hood comenzó a vagar por los bosques de Sherwood del celuloide. que recayeron en las personas de Weyl. en fecha más reciente. Marian informará a los hombres de Robin de lo ocurrido. Errol Flynn se había convertido ya en el principal hé- . Korngold y el montador Ralph Lawson. En uno de sus asaltos. se infiltra en la ceremonia de coronación del Príncipe Juan. Sin embargo. la película puso tan alto el listón para posteriores películas de aventuras que nunca volvería a ser superado. Comentario Desde 1908. que no tardará en enamorarse de su captor. 1991). A pesar de ello. 1936). Ganadora de tres Osear. En el combate que se desencadenará a continuación. Las muchas virtudes de Robin de los bosques no han de buscarse tan sólo en la destreza atlética de Errol Flynn. Kevin Costner en Robin Hood. en la mezquina villanía de Basil Rathbone o en el recatado encanto de la heroína que interpreta Olivia de Havilland. concebida en 1935 como un instrumento que sirviera para dar un cambio de rumbo a la carrera de la estrella de la Warner James Cagney fue aparcada cuando Cagney abandonó los estudios debido a una serie de desacuerdos contractuales. concede la amnistía a los alegres compadres del bosque de Sherwood. Robin atraviesa con su espada al perverso Gisbourne. Cuando Ricardo regresa. en el que cada uno de los elementos contribuye al todo. 1922). El Príncipe Juan y su aliado.358 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 359 mismo regente. 1935) y La carga de la brigada ligera (The Charge ofthe Light Brigade. restituye a Robin sus tierras y le concede la mano de Marian. Cualesquiera que sean los méritos propios de cada una de estas películas. y éstos le rescatarán de las mismas garras de una muerte segura. Robin de Locksley. 1976) y. que se hizo cargo del rodaje de interiores. cuando ya había terminado la mayor parte del rodaje en exteriores. la película comenzó a rodarse bajo la dirección de William Keighley. y utilizando el parque Bidwell de California como remedo del bosque de Sherwood. roe de las películas románticas y de aventuras. Su único oponente. coge prisionera a la doncella Marian. algunos de sus más célebres intérpretes han sido Douglas Fairbanks sénior en Robin de los bosques (Robin Hood. sino también en la vehemente banda sonora de Erich Wolfgang Korngold o en la suntuosidad del colorido y de los decorados creados por Cari Jules Weyl. Jack L. pocos se atreverán a discutir a Errol Flynn el honor de haber sido el Robin más gallardo. en compañía de Robin y de sus hombres. se convertirá en un proscrito para reunir el dinero del rescate. Guy de Gisbourne. Para cuando se volvió a desempolvar el proyecto. se las arreglan para atraer a Robin hacia una trampa con la excusa de un concurso de arqueros. gracias a títulos como Capitán Blood (Captain Blood. El Rey Ricardo destierra al Príncipe Juan.

Aunque desde un punto de vista analítico. Aunque Manfredi consigue escapar del cerco de la policía. GUIÓN: Roberto Rossellini. MÚSICA: Renzo Rossellini. en la medida de lo posible.360 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 361 Comentario Roma. Tras una disputa sentimental Marina denuncia a Manfredi a la Gestapo. ciudad abierta ROMA CITTÁ APERTA Italia. una antigua amante de éste. PRODUCCIÓN: Excelsia. Argumento Roma. la función manipuladora de la música y la utilización sentimental de niños. con objeto de ir juntando dinero suficiente para comprar rollos de película de desecho. lo que obligó a Rossellini a vender sus ropas. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: R. y Roma. en sus escenarios reales y utilizando un reparto compuesto en gran parte por actores no profesionales. Francesco cae en sus manos y Pina es fusilada. Marai Michi (Marina). B/N. Las adversas condiciones en que fue rodada confieren a sus fotogramas de grano grueso. DURACIÓN: 100 minutos. Cain realizada por Visconti en 1942. MONTAJE: Eraldo Da Roma. ciudad abierta a la hora de decidir cuál fue la primera manifestación fílmica del neorrealismo italiano. La película. se vio frenado cuando el rico patrocinador que había hallado su director se quedó sin fondos. el carácter melodramático de su trama. Megna. filmados. Francesco. causó un auténtico revuelo en el momento de su estreno. que llevaba desarrollándose desde el año anterior. uno de los jefes de la resistencia comunista. todo ello. Federi- co Fellini y Sergio Amidei (basado en un relato de Amidei y Alberto Consiglio). Si bien es cierto que la primera de ellas fue realizada con la intención consciente de atenerse a una serie de principios artísticos de corte realista. Manfredi morirá de resultas de las torturas a las que se le somete. el cojo Romolo y su banda de jóvenes saboteadores continuarán la lucha. La crítica sigue dudando entre Ossessione. Más adelante. pero los aliados todavía no han llegado a la ciudad. un cura de su total confianza. INTÉRPRETES: Anna Magnani (Pina). 1945 DIRECTOR: Roberto Rossellini. la adaptación de la obra de James M. son elementos que la sitúan muy lejos de ese modelo de objetividad que propugnaban las doctrinas neorrealistas. mientras que Don Pietro será fusilado. a la tosquedad de sus interpretaciones y a sus sórdidos escenarios una inmediatez que transmite con gran emotividad una experiencia histórica concreta. el humanismo que impregna toda la obra de Rossellini hace que cualquier jui- . Arrestado cuando iba a visitar a Don Pietro. con objeto de transmitir una mayor sensación de autenticidad. Harry Feist (Mayor Bergmann). FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata. El poder de Mussolini ha tocado a su fin. la crónica de Rossellini sobre la vida bajo la ocupación nazi supuso un compromiso más firme con la idea de reflejar en la pantalla unos hechos históricos concretos. e incluso sus muebles. Francesco conseguirá escaparse y se refugiara junto a Manfredi en casa de Marina. Rodada tan sólo dos meses después de la liberación aliada de Roma. Marcello Pagliero (Manfredi). donde la resistencia se manifiesta cada vez con más encono. Francesco Grandjacquet (Francesco). Aldo Fabrici (Don Pietro Pellegrini). que aún hoy sigue conmoviendo. el proyecto. a pesar de que su técnica de raigambre documental sea ya parte integrante del lenguaje cinematográfico. consigue evitar que las autoridades le capturen y refugiarse junto a su compañero Francesco. El día antes de su boda con la viuda Pina. Manfredi.

Mirando atrás con ira (Look Back in Anger. este último el autor de la novela en que está basada la película. FOTOGRAFÍA: Freddie Francis. entre los que se contaban Stan Barstow. en lugar de meros peones de un juego entre hombres. 1960). Dando signos de mayor responsabilidad. como Visco nti y Vittorio De Sica. pero. una chica que. ni un arribista. Comentario Sábado noche. GUIÓN: Alan Sillitoe (basado en su propia novela). el actor teatral Albert Finney. DURACIÓN: 89 minutos. circunstancia que puso en manos de Rachel Roberts uno de los mejores papeles de toda su carrera. todos ellos personajes perfectamente definidos. domingo mañana es la mejor película surgida de esa corriente de realismo social que dominó la cinematografía británica a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. le propinarán una paliza. Cuando a Jack le asignen el turno de noche. Denominadas kitchen sink dramas (dramas de fregadero). cando piso. Argumento Con un sonrisa de oreja a oreja y el bolsillo repleto de dinero. le asegura que sus días de juerga no han terminado. no es ni un joven airado. Unido. Arthur tratará de que aborte y. se le resistirá. Arthur se compromete con Doreen. En cuanto al personaje de Finney. que cometió el error de dejarse convencer para que lo rechazara. le fue ofrecido a Diana Dors. como el Jimmy Porter de la obra de Osborne. Con esta película. El papel de la mujer casada y de más edad. hace noche en casa de Brenda. B/N. Por otro lado. Arthur Seaton. los encuentros entre los dos amantes se harán más frecuentes. PRODUCCIÓN: Woodfall (Tony Richardson). se dispone a disfrutar por todo lo alto. un obrero de las Midlands. Otro de los puntos fuertes de la película reside en sus papeles femeninos. Lo cierto es que buena parte del atractivo que aún conserva el film se debe precisamente al magnetismo y al vigor de su interpretación. Bryan Pringle (Jack). Shirley Anne Field (Doreen). su relación cambiará cuando Arthur empiece a salir con Doreen. domingo mañana SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING R. en un principio. Al enterarse de que Brenda se ha quedado embarazada.362 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 363 ció puntilloso sobre su verosimilitud esté de más. INTÉRPRETES: Albert Fin- ney (Arthur Seaton). Tras pasar la tarde en elpub. uno de ellos el hermano de Jack. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ted Marshall. realizaría un vibrante y convincente debut en un papel principal. John Osborne y Alan Sillitoe. Sin embargo. MONTAJE: Seth Holt. aprovechando que su marido se encuentra ausente. poco después. Norman Rossington (Bert). Rachel Roberts (Brenda). tales películas solían estar basadas en una serie de obras que describían las costumbres de la clase obrera y que fueron publicadas en aquellos años por una nueva generación de novelistas y dramaturgos. 1960 DIRECTOR: Karel Reisz. dos soldados. Hylda Baker (Tía Ada). el éxito que obtuvo a escala internacional ayudó a rejuvenecer la industria cinematográfica de su país y sirvió de acicate a la carrera de otros cineastas italianos. 1959). MÚSICA: Johnny Dankworth. cuya presencia en la pantalla hasta entonces se había limitado a una breve aparición en la versión cinematográfica de El animador (The Entertainer. como el Joe Lampton de Sábado noche. un tema hasta entonces considerado indigno de un cineasta serio. mientras se encuentran bus- . por estar centradas en la vida cotidiana de la gente corriente.

derrotista. Vargas y Menzies. u n policía mexicano. debido a la franqueza con que se abordan las relaciones sexuales. la culpabilidad del policía norteamericano. INTÉRPRETES: Charlton Heston (Ramón Miguel Vargas). Sed de mal TOUCH OF EVIL EE. DURACIÓN: 95 minutos (otras versiones: 105 y 115 minutos). Vogel y Aaron Stell. Vargas. No tardará en descubrir las motivaciones de corte racista que impulsan a Quinlan a actuar de esa manera. preparan una trampa que demuestre. GUIÓN: Orson Welles (basado en la novela Badge ofEvil.UU. el explosivo fue colocado en territorio mexicano. unida al enfoque descarnado y semidocumental de Karel Reisz. según se descubrirá. lo cual no obsta para que siga siendo un hito dentro de la cinematografía británica. da a la película un tono adusto y casi desconsolador. de Whitt Masterson). éste continúa la investigación y descubre con espanto que Quinlan ha colocado pruebas falsas para incriminar al joven Sánchez. Ray Collins (Adair). Con objeto de frenar a Vargas.. B/N. que permanece drogada. se ofrece a ayudar en el caso a Quinlan. para que su marido abandone sus pesquisas. uno de los sospechosos. Víctor Millan (Manolo Sánchez). Vargas devuelve el golpe a Quinlan al descubrir una prueba crucial: un bastón que aquél se había dejado olvidado en el lugar del crimen. PRODUCCIÓN: Universal-International Picture (Albert Zugsmith). MONTAJE: Virgil M. Quinlan DIRECTOR: Orson Welles. aunque. FOTOGRAFÍA: Russell Metty. el voluminoso policía norteamericano . MÚSICA: Henry Mancini. el jefe de una red de narcotráfico. 1958 Sed de mal encargado del caso. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alexander Golitzen y Robert Clatworthy. el ayudante de Quinlan. Akim Tamiroff (Tío Joe Grand). Orson Welles (Hank Quinlan). Esa visión limitada y. Un mañoso muere al explotar una bomba en el lado norteamericano de una pequeña ciudad fronteriza. Janet Leigh (Susan Vargas). Marlene Dietrich (Tanya). en última instancia. Mientras una pitonisa profetiza a Quinlan que su vida toca a su fin.364 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 365 Un lugar en la cumbre (1959). Joseph Calleia (Pete Menzies). A pesar de las advertencias que recibe la mujer de Vargas por parte de Tío Joe Grand. Quinlan y Grand secuestran a su mujer y la recluyen en un motel de mala muerte. En el tiroteo que se sucede a continuación. Su filosofía vital es bastante sencilla: disfrutar de la vida todo lo posible y «no dejar que ninguna panda de bastardos te amarguen la existencia». Argumento México. Joanna Moore (Marcia Linnekar). entre otras razones. mediante una grabación. Quinlan mata a Grand y abandona su cuerpo junto a la mujer de Vargas.

es desmesurado. un su- perviviente de la época de la frontera. posiblemente. sigue siendo una evocación del mal de una intensidad arrebatadora. un plano ininterrumpido de tres minutos de duración. Cuando sus expectativas profesionales comienzan a mejorar. cuya autoría (que no figura en los títulos de crédito) correspondió a Harry Keller. Hank Quinlan. rodado desde una grúa. además de actuar. MONTAJE: Sam O'Steen y Robert Wyman. Welles sólo había sido contratado como actor. probablemente. Ruth Gordon (Minnie Castevet). mandaran que se realizaran algunos cortes a la cinta y se añadieran algunos primeros planos. MÚSICA: Krzysztof Komeda. la película deja bien claro que sólo ha utilizado sus trucos para atrapar a criminales de cuya culpabilidad estaba convencido. un actor que trata de salir adelante. Sidney Blackmer (Román Castevet). que desembocará en un tiroteo de consecuencias trágicas (de nuevo un eco de la frontera). si actúa así. En un principio. Los estudios terminaron por rendirse ante su insistencia. que había dado por sentado que Welles. Guy Woodhouse. Vargas. ante todo. Argumento Nueva York. Quinlan es. sería el director del film. sea el mayor logro de Welles después de Ciudadano Kane. se verá forzado a recurrir a una trampa. que culmina con la explosión que pone en marcha la sórdida trama de la película. Román y Minnie Castevet. La miserable muerte de Quinlan se hace eco de la sordidez dominante de una película que. FOTOGRAFÍA: William A. más adelante. Mientras el cuerpo de Quinlan flota a la deriva en un río. Maurice Evans (Hutch).366 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 367 y Menzies mueren. y es Vargas quien representa el nuevo rostro de la ley y el orden. y que. John Cassavettes (Guy Woodhouse). es. Quinlan es una creación inolvidable. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Joel Schiller. La semilla del diablo ROSEMARY'S BABY DIRECTOR: EE. A pesar de sus excesos estilísticos.. es debido a que su propia mujer fue asesinada por un mestizo que quedó en libertad por falta de pruebas. 1968 Román Polanski. Ralph Bellamy (Dr. Comentario La secuencia inicial de Sed de mal. Vargas oye por la radio que Sánchez se ha confesado culpable. y el hecho de que acabara también dirigiendo la película se debió tan sólo a un malentendido de Charlton Heston. Al ver que Quinlan no tiene reparos en llegar al secuestro o al asesinato para sacar adelante el caso.UU. donde traban amistad con sus vecinos. Fraker. Sapirstein). lo cual no obstó para que. uno de los planos más famosos de cuantos han quedado registrados en celuloide y un ejemplo característico tanto del virtuosismo como de los excesos de su director. PRODUCCIÓN: Paramount (William Castle). un personaje de otros tiempos. se mudan a su nuevo apartamento. con objeto de sacarle una confesión. Guy le propone a Rosemary que tengan . un personaje tan repulsivo en su dimensión física como ambiguo en términos morales. Por mucho que su ética y sus métodos puedan repugnar al timorato Vargas. INTÉRPRETES: Mia Farrow (Rosemary Woodhouse). y su esposa Rosemary. GUIÓN: Román Polanski (basado en una novela de Ira Levin). Sea como sea. DURACIÓN: 136 minutos. empezando por la monumental anatomía del propio Welles en su papel del despiadado agente del orden. Todo en este film.

Tras haber realizado alguna aproximación a Jane Fonda para que interpretara el papel de Rosemary. una de las cuales se materializó en el premio a la mejor actriz secundaria. Comentario Primera película de terror contemporánea que consiguió un éxito masivo de público. el montador de la cinta original. le viene a la memoria el recuerdo de un sueño extravagante. desde El exorcista (1973) hasta Estoy vivo (It's Alive. tras ser rechazado por Robert Redford. no pasó de ser un intento sin mucho interés de continuar la historia original. consigue con gran esfuerzo acercarse hasta el piso de los Castevet. Su golpe maestro fue. así como la nominación para dos Osear. contribuye a conferir a sus personajes un carácter entrañable que hace aún más difícil aceptar sin reservas su carácter diabólico. Tras haber recibido la noticia de que su hijo ha muerto. La monja poseída (To the Devil A Daughter. 1975) yLaprofecía (The Ornen. En cuanto al papel de Guy. ofrecer la dirección de la película a Román Polanski. Look What's Happened to Rosemary's Baby (1976). Muy debilitada tras unos meses de embarazo.1961). dejándole un libro sobre brujería. se decide a consultar a su amigo Hutch que.368 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 369 un hijo. al despertar a la mañana siguiente. recaería en John Cassavettes. El impacto de esta película es apreciable en toda una serie de producciones que se han ocupado del tema del Anticristo. en lugar de apostar descaradamente por las efusiones de sangre y los sobresaltos pueriles. la elección de rostros tan conocidos del público como los de Ralph Bellamy y Ruth Gordon. se tomó la acertada decisión de otorgárselo a alguien como Mia Farrow. un brujo. Al conseguir evocar un sentimiento amenazador partiendo de unos escenarios y unas rutinas de lo más banales. y que contaba también con la presencia de Ruth Gordon. famoso por sus efectistas películas de terror de bajo presupuesto. Rosemary se siente indispuesta y. finalmente. en el que se da a entender que Castevet es. El éxito del film radica en su renuncia a narrar los hechos con sensacio- nalismo y en su firme voluntad de alcanzar el terror mediante una muy medida acumulación de un suspense siempre verosímil. un director que supo aportar la mirada de un foráneo a los conocidos escenarios de Manhattan y los pequeños rituales cotidianos del modo de vida norteamericano. Incapaz de convencer a nadie de la gravedad de lo que está ocurriendo. en ese preciso momento. 1976). en el que era violada por un monstruo con cuernos. al poco tiempo. muere de forma misteriosa. dará a luz. situando al espectador en un estado de escepticismo y aprensión similar al de la propia Rosemary. La película obtuvo unos ingresos por taquilla próximos a los 15 millones de dólares. Polanski fue capaz de crear un terror mucho más genuino que el logrado a través de esos grandes espectáculos que lo fían todo a los derroches de sangre y los efectos especiales. celebran con un aquelarre el nacimiento del Anticristo. Tras ingerir uno de los postres que le prepara Minnie. dirigida por Sam O'Steen. que. Por otro lado. en realidad. que fue a parar a la veterana Ruth Gordon. La semilla del diablo fue una fiel adaptación de la novela de Ira Levin y estuvo producida por William Castle. .1974). como de The Tingler (1959) u Homicidio (Homicidal. que transmitía perfectamente la sensación de desvalimiento del personaje. sin embargo. La película rodada para la televisión.

En el Reino Unido. gracias a películas como ¿Quién teme a Virginia Woolfí{Who'sAfraidof Virginia Woolfl). 1945). según parece. en Sucedió una noche (1934). En el Reino Unido. relegadas por lo general a camas separadas y cuyo contacto íntimo sólo era permitido siempre y cuando sus pies estuvieran tocando el suelo. verdaderos hitos en el tratamiento del sexo en la pantalla. se instituiría el Código de Producción de Películas. el lenguaje se fue haciendo cada vez más explícito. . mientras que la violencia comenzó a proliferar con obras como Grupo salvaje (1969) o El justiciero de la ciudad (1974) y el destape. Si los rotundos senos de las damas en apuros que figuraban en La mujer bandido {The WickedLady. conocida como «Las murallas de Jericó». Aunque. uno de esos filmes de época británicos en los que aparecía algún corpino desgarrado. En la actualidad. fueron considerados demasiado conspicuos para el público norteamericano. Como consecuencia del Código. por el contrario. delante de los niños. sigue resultando un misterio por qué la tumescencia puede resultar más amenazadora para el bienestar moral de un país que los innumerables ejemplos cinematográficos de misoginia. no La censura en el cine La proliferación de noticias sobre el desenfreno que reinaba en el Hollywood de los años veinte condujo a la formación en los Estados Unidos de una comisión autorreguladora. sería el Código Hays el que establecería las reglas por las que Hollywood. los cineastas actuales gozan de una libertad absoluta para reflejar en sus películas lo que deseen. a cuyo frente se situó a Will H. El Código prohibía cualquier representación o discusión explícitas sobre temas sexuales -así como la blasfemia. Salvaje {The Wild One. Muchos países. A partir del momento en que Otto Preminger desafió al Código al estrenar sus películas The Moon is Blue (1953). la Unión Soviética de los tiempos anteriores a laglasnost. el sexo sigue siendo algo de lo que. Hays. Los niveles de permisividad con respecto al lenguaje comenzaron a modificarse a finales de los años treinta. donde Clark Gable y Claudette Colbert -que no están casados en la película. la violencia extrema o la inmoralidad. creada por la propia industria. donde se trataba el tema de la drogadicción. cuando en Pygmalion (1938) se permitió un escandaloso «y un carajo». desafiando así a las leyes de la época. hoy en día. del tipo de Un lugar en la cumbre (1959) o Sábado noche. y El hombre del brazo de oro {The Man With the Golden Arm. poco después.370 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 371 Por favor. destrucción y violencia que hace que incluso al más pintado se le revuelvan las tripas. no produjeron revuelo alguno en su país de origen. de hecho. la representación del acto sexual y todo tipo de licencias no tardaron en convertirse en algo habitual a partir de películas como El último tango en París (1972) y El imperio de los sentidos {1976). Entre tanto. Una sentencia de 1952 del Tri- bunal Supremo sobre el film L'amore (1948) libró a las películas de la censura por motivos religiosos y puso al medio cinematográfico bajo la protección de la Primera Enmienda. los días del Código Hays estaban contados. Probablemente la imagen del miembro masculino en erección sea. se guiaría durante los próximos treinta años. sin contar con el Sello de Aprobación de la Comisión. 1933). en teoría. mientras que una película como Víctima (Victim. mientras que la actriz Hedy Lamarr alcanzó una gran notoriedad por el mero hecho de aparecer desnuda en la película checoslovaca Éxtasis {Extase. donde la censura sigue desempeñando un papel muy importante. 1961) demostró un gran valor al tratar el tema de la homosexualidad. y buena parte de la producción cinematográfica en general. muchas controvertidas producciones soviéticas no vieron la luz en Occidente hasta fechas muy recientes. 1953) estuvo prohibida hasta finales de la década de los sesenta.y poseía la facultad de determinar cuánto debía durar un beso o cuál había de ser el comportamiento de las parejas casadas. Con objeto de rodear de una imagen de respetabilidad a la industria y eludir la amenaza de una censura de carácter estatal o federal. en cualquier caso. han prohibido películas por motivos políticos y. en Estados Unidos. el debido decoro se garantizó mediante una mampara de separación que se levantaba entre ellos. un antiguo director general de correos. el último tabú de la censura cinematográfica. Las distintas sensibilidades nacionales reaccionaron de muy diversas maneras ante esta apertura. 1955). por más que la violencia parezca haberse convertido en un elemento aceptado del lenguaje cinematográfico. en realidad la censura sigue siendo una fuerza poderosa. a la vez que. más conocido como el Código Hays. se concedía a Clark Gable el privilegio de pronunciar un solitario «mierda» en Lo que el viento se llevó (1939).comparten habitación para pasar la noche. donde se cometía la osadía de pronunciar las palabras «virgen» y «embarazada». aportaron un tratamiento más maduro y explícito del sexo. los llamados kitchen sink dramas (dramas de fregadero). por ejemplo. domingo mañana (1960). Aunque la Comisión de Censores Británicos existía desde 1912. el espectador ha de ser protegido.

Ralph Meeker (Cabo Paris). muy alabada por la crítica. Sin novedad en elfrente. mientras que las trincheras que se excavaron tenían aproximadamente 2 metros de ancho para que la cámara pudiera realizar largos travellings. se atuvo a la lógica del guión (del que fue coautor) con una determinación inquebrantable: condenando ferozmente la insensibilidad de los militares franceses. cuando la cámara se centra en la inalterable dignidad de la que hace gala Dax en su compromiso con sus hombres. contraponiendo las crudas escenas de la vida en las trincheras con el lujoso ambiente del castillo en el que residen los oficiales y atemperando su amarga visión sobre la inhumanidad de los hombres sólo en los momentos finales. el General instruye un consejo de guerra por los cargos de motín y cobardía. Tres hombres morirán inútilmente ante un pelotón. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Ludwig Reiber. en nombre de una supuesta justicia. finalmente. Argumento Año 1916. Wayne Morris (Teniente Roget).372 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 373 Comentario Senderos de gloria PATHS OF GLORY EE. MONTAJE: Eva Kroll. 1957 DIRECTOR: Stanley Kubrick. si bien. Dada la inutilidad del intento. B/N.. que rodó la película en escenarios naturales de Alemania. el juicio en realidad no es más que un mero trámite. el General Mireau ordena a su artillería que abra fuego sobre sus propios hombres. Adolphe Menjou (General Broulard). Kubrick. Así. George Macready (General Mireau). Richard Anderson (Comandante Saint-Auban). a unas 25 millas al oeste de Munich. FOTOGRAFÍA: George Krause. MÚSICA: Gerald Fried. Calder WiUingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb). pero un fracaso desde el punto de vista comercial. Strangelove . anticipa los sentimientos antibélicos a los que Kubrick daría rienda suelta en clave de humor negro en ¿ Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. que Mireau ordenó que se disparara contra sus propios hombres. Broulard transigirá y anunciará que Mireau tendrá que hacer frente a una comisión investigadora. INTÉRPRETES: Kirk Douglas (Coronel Dax). Buscando un chivo expiatorio que disimule su propia incompetencia. DURACIÓN: 86 minutos. se decide éste a actuar en consecuencia. pero los artilleros se niegan a obedecer. Un regimiento exhausto recibe la orden de avanzar contra una inexpugnable fortificación alemana. Harris). sino también el precursor del cambio que se produciría en Hollywood en las décadas siguientes en el tratamiento de los temas militares y bélicos. mediante un amplio barrido de una cámara que sobrevuela imperturbable hectáreas y más hectáreas de un paisaje de una devastación absoluta.le debe mucho a la determinación del director de no hacer otras concesiones en materia de autenticidad que aquellas que contribuyeran a realzar su fuerza dramática. donde poder captar la carnicería que tendría lugar durante el asalto a El Hormiguero. PRODUCCIÓN: Harris-Kubrick (James B. El impacto que produjo la película -comparable al que tuvo en su momento el film de Lewis Milestone. Aunque se permite al Coronel Dax que actúe como abogado defensor. Ni siquiera cuando el Coronel informa a su superior. La película. Senderos de gloria no sólo sigue siendo una de los más vigorosos alegatos antibélicos que jamás se hayan llevado al celuloide. GUIÓN: Stanley Kubrick. se empleó una cuadrilla de sesenta obreros para que transformaran a conciencia un terreno en un campo de batalla embarrado y repleto de escombros. el General Broulard.UU.

su mujer. reúne a su familia y parte de inmediato. Varios ayudantes y electricistas. la piedad y la compasión del Dios cristiano parecen brillar por su ausencia. y sus hijos. concretamente de Apocalipsis 8 1-2. Nils Poppe (Joff). de la fotografía de Gunnar Fischer. y supone un interesante contraste con el carácter más ambiguo de sus reflexiones en La chaqueta metálica {Full Metal Jacket. según recuerda Bergman en su autobiografía Linterna mágica: «La mayoría de los actores ya habían acabado el trabajo del día. acertada. consagró a Ingmar Bergman a escala mundial como uno de los principales talentos cinematográficos del momento. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: P. MONTAJE: Lennart Wallen. pero consigue aplazar temporalmente su llamada. que el cineasta sueco concibió en la escuela de arte dramático.tuvieron que ponerse los vestidos de los El séptimo sello DET SJUNDEINSEGLET Suecia. el amor. FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer. desafiándola a una partida de ajedrez. A. el caballero Antonius Block se encuentra con la Muerte. Dios y la Muerte. que forman Jof. una decisión . Mia. Descrita por el propio director como una película sobre «el miedo a la muerte». que la mujer de Block lee poco antes de que la Muerte entre en su castillo. GUIÓN: Ingmar Bergman (basado en su propia pieza teatral. le mostrará también el lado más amable de la experiencia religiosa. 1957 DIRECTOR: Ingmar Bergman.Aunque la poca fe que le quedaba en Dios se hará pedazos ante semejante visión. En compañía de un herrero y demás gentes. INTÉRPRETES: Max von Sydow (Antonius Block).374 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 375 [Or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb]. MÚSICA: Erik Nordgren. Bengt Ekerot (La Muerte). Tramalning). 1987). Argumento Tras regresar de las Cruzadas. inspirándose en unas vidrieras y murales que había visto de niño durante los servicios religiosos oficiados por su padre. que fue rodada durante el verano de 1956. casi desleído. por más que en esta última también se haga hincapié en el tema del efecto deshumanizador de la guerra sobre aquellos que se dejan atrapar por su sangrienta lógica. Bibi Andersson (Mia). PRODUCCIÓN: Svensk Filmindustri. Comentario Esta alegoría enigmática y plagada de alusiones sobre el tema de la relación entre el hombre. B/N. un maquillador y dos visitantes -que nunca supieron de qué iba aquello. como por el áspero estilo visual del blanco y negro. el encuentro con la compañía de cómicos ambulantes. y exigirá que todos los que se sientan a su mesa la acompañen. El caballero halla su país natal devastado por una plaga y sometido a un extraño culto deflagelantes. la famosa escena de la Danza de la Muerte bajo una amenazadora nube no fue fruto de una preparación meticulosa. el film refleja la desasosegada actitud que adopta Bergman ante las creencias religiosas y parte de una obra teatral titulada Pintura sobre madera. toma su título de un pasaje de la Biblia. Gunnar Bjorns- trand (Jons). que presta un tono poético y documental a esta brutal evocación de la vida medieval a través de una asombrosa serie de cuadros religiosos que transmiten la imagen infernal de un mundo en el que el bien. 1964). Ake Fridell (Plog). Lundgren. 7-8. Curiosamente. pues la Muerte no tardará en visitar a Block. La película. sigue siendo una obra notable. A día de hoy. Cuando Jof descubre a Block jugando al ajedrez con la Muerte. tanto por su audaz temática. DURACIÓN: 96 minutos. Block se dirige al castillo de su familia.

carente de pretensiones. trata de iniciar una relación con Ann. LIES AND VIDEOTAPES EE. expresó su agradecimiento por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1989 con el lacónico comentario de que «a partir de aquí. la hermana de ésta. está casado con Ann. fue realizada con un presupuesto muy bajo y contando con un reparto en el que no figuraba ni una sola estrella. Laura San Giacomo (Cynthia Bishop). se da demasiada importancia al sexo. de forma vacilante. Éste destruye sus cintas y. que descarga su ira sobre Graham. enfatizado aún más si cabe por unos diálogos estilizados y una música fúnebre. GUIÓN: Steven Soderbergh. que le ayudará a encontrar un apartamento por su mismo barrio. DURACIÓN: 100 minutos. En cambio. Ann descubrirá que Graham tiene una colección de cintas de vídeo. un viejo amigo de John de tiempos de la universidad. Andie MacDowell (Ann Millaney). accederá a ser grabada. viene a visitarle y se toma un afectuoso interés por Ann. mentiras y cintas de vídeo SEX. MÚSICA: Cliff Martínez. pero tiene una relación con Cynthia. MONTAJE: Steven Soderbergh. INTÉRPRETES: James Spader (Graham Dalton). Graham. tendría continuidad en sus obras El manantial de la doncella (Jungfraukallan.. manifiestamente impresionado. Soderbergh parece querer indicar que. una pieza para cuatro manos. grabadas por él mismo. instará a Graham para que grabe una entrevista con ella. la compleja trama de relaciones personales que se establece entre los cuatro protagonistas. de lo mucho que iban a pesar las expectativas puestas en su película y en las que vinieran después de ella. Cuando ella le confiese que. en las que varias mujeres hablan de sus experiencias sexuales. aunque contribuiría a dar renombre a un actor como James Spader y supuso el lanzamiento de Andie McDowell y de la debutante Laura San Giacomo.376 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 377 que iban a morir. FOTOGRAFÍA: Walt Lloyd. mientras la carrera de John comienza a entrar en declive. intri- Es muy posible que cuando Steven Soderbergh. ya se diera cuenta. sólo se puede ir cuesta abajo». Ron Vawter (Terapeuta).UU. 1989 DIRECTOR: Steven Soderbergh. en nuestra sociedad. En este sentido. unas relaciones tejidas siempre en torno al enigmático y pasivo personaje de Graham. Cynthia. 1961). Las dos hermanas se reconciliarán finalmente. DIRECCIÓN ARTfsTicA: Joanne Schmidt. cuando descubre la relación existente entre su marido y su hermana. la excelente interpretación de Peter Gallagher en el papel del antipático marido fue inmerecidamente pasada por alto. mientras que Ann. mentiras y cintas de vídeo. gada por todo el asunto. el vídeo ha comenzado a funcionar como un sustituto de la experiencia. Peter Gallagher (John Millaney). Se montó una cámara sin sonido y se rodó la escena antes de que se disipara la nube». se desenmaraña. La película muestra cómo se va creando y. Más tarde. Ann le pide el divorcio a John. un abogado de éxito. él reconocerá que es impotente. aunque fuera de forma inconsciente. PRODUCCIÓN: Outlaw Productions (Robert Newmyer y John Hardy). Comentario Sexo. El adusto enfoque de Bergman al tratar los temas de la religión y la muerte. posteriormente. la tendencia de Graham a sustituir las relaciones físicas y afectivas por la gra- . en su opinión. Argumento John. Sexo. 1959) y Como en un espejo (Saasom i en spegel.

aunque sólo tres de los samurais sobrevivirán. Terminado el combate. B/N. GUIÓN: Shinobu Hashimoto. En cualquier caso. cuyo carácter escabroso. el director consigue que la clasificación de los tipos humanos que representan los personajes resulte completamente natural en pantalla. en gran medida. El hecho de que sea su película más popular en Occidente se debe. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: SO Matsuyama. suele ignorar. DURACIÓN: 200 minutos. PRODUCCIÓN: Toho. Daisuke Kato (Shichiroji). Argumento Comentario Durante el siglo xvi la vida y el sustento de los campesinos japoneses se encuentra bajo la constante amenaza de las bandas de salteadores. Tres bandidos que se habían adelantado al grueso de la banda para explorar el terreno son liquidados. suscitó algunos equívocos. Minoru Chiaki (Heihachi). Yoshio Inaba (Gorobei). FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai. MÚSICA: FU- mio Hayasaka. Toshiro Mifune (Kikuchiyo). blo en previsión de que se produzca un ataque. Éste recluta un selecto grupo de compañeros y comienza a fortificar el pueLa fama de Akira Kurosawa como uno de los mejores directores de películas de acción se forjó a raíz de esta película de aventuras de dimensiones épicas. Aunque peque de cierto esquematismo.378 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 379 bación en vídeo de mujeres que hablan sobre sus experiencias y sentimientos. La película explora algunos aspectos de la experiencia sexual y emocional que el cine. Los siete samurais Los siete samurais SHICHININ NO SAMURAI Japón. un pueblo decide contratar la protección del samuray Kambei. a . Hideo Oguni y Akira Kurosawa. Kambei y Shichiroji se marchan. con su tendencia a mostrar los hechos en lugar de describir los sentimientos que los motivan. 1954 DIRECTOR: Akira Kurosawa. pero Katsushiro decide quedarse junto a la hija de un campesino de la que se ha enamorado. Siji Miyaguchi (Kyuzo). Finalmente se produce la batalla final y Kambei conduce a los aldeanos a la victoria. INTÉRPRETES: Takashi Shimura (Kambei). y maneja el entramado emocional resultante con mano maestra. elfilmno respondió a las expectativas comerciales generadas por el galardón obtenido en Cannes y por un título. no sería sino un síntoma de esa enfermedad. En vista de ello. pero un ataque posterior contra los bandidos da como resultado la muerte de uno de los samurais.

UU. FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto. El director ha reconocido lo mucho que debe su película a este género (y en particular a los graneles clásicos de John Ford). PRODUCCIÓN: Orion/Strong Heart/Demme (Edward Saxon. Anthony Hopkins (Dr. la hija de una senadora. como es habitual en el director. de donde rescatará a Catherine. poniendo el máximo esmero en posponer el enfrentamiento final para dar tiempo a que se cree todo un entramado de relaciones personales entre los aldeanos y los samurais. Kenneth Utt y Ron Bozman). 1980) yRan (1985). Scott Glenn (Jack Crawford). Anthony Heald (Dr. La sombra del guerrero (Kagemusha. la batalla principal que tiene lugar entre los civilizados pobladores y los feroces bandidos -con los desmañados defensores de los primeros situados en medio. MÚSICA: Howard Shore. pero también a la profundidad y la intensidad de las emociones que el director consigue trenzar en torno al marco general de la acción.ha sido reproducida en innumerables westerns e incluso en algunas películas posteriores del propio Kurosawa. se desarrolla en medio de un fuerte aguacero. Bonney (Instructor del FBI). Para obtener información vital. 1960). Utilizando las pistas que le proporciona Lecter. una agente del FBI en prácticas. es Lecter que se despide de ella y le muestra su admiración. Aunque la historia está ambientada en el Japón del siglo xvi. creará Kurosawa en películas como Kagemusha. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Tim Galvin. Lawrence A. 1991 DIRECTOR: Jonathan Demme. se ve obligada a tratar a menudo con el Dr. es secuestrada. dirigido por John Sturges. El silencio de los corderos THE SILENCE OF THE LAMBS EE. Sin embargo. Entretanto. gracias a la pista de la mariposa. Frederick Chilton). entre tanto. Clarice ya se encuentra en el escondite de aquél. Catherine Martin. con objeto de que ayude a éste a capturar a un asesino en serie. filmado de forma innovadora con varias cámaras y teleobjetivos y que. resulta de una gran eficacia. Clarice recibe una llamada desde Haiti. MONTAJE: Craig McKay. Como consecuencia de ello. es asignada para el puesto de ayudante de Jack Crawford. y en la garganta de la última víctima del asesino aparece un raro ejemplar de una mariposa que tiene impresa la imagen de un cráneo. mientras Crawford. Clarice llega a la conclusión de que el asesino está usando las pieles de sus víctimas para hacerse un traje. una correspondencia acentuada por su subsecuente transformación en Los siete magníficos {The MagnificentSeven. GUIÓN: Ted Tally (basado en la nove- la de Thomas Harris). un asesino que se encuentra en prisión. apodado «Buffalo Bill». Lecter. DURACIÓN: 118 minutos. si bien su influencia se puede detectar también en muchas otras películas. La coreografía de los violentos encontronazos entre los combatientes es impresionante y prefigura las complejas secuencias de batallas que. . En su ceremonia de graduación. El prestigio mundial de que goza la película se debe en parte a que se trata de un espléndido y apasionante relato de aventuras. un western de Hollywood. a escala mucho mayor. Hannibal «El Caníbal» Lecter. para entonces.380 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 381 su estrecho (y buscado) paralelismo con las convenciones del western. el climax. tras matar a Jame de un disparo.. aprovecha un momento de descuido para escaparse. Hannibal Lecter). sospecha que el asesino es Jame Gumb. INTÉRPRETES: Jodie Foster (Clarice Starling). Argumento Clarice Starling. Ted Levine (Jame Gumb). dos grupos hostiles por naturaleza.

Cunningham). arroja . obtuvo unos ingresos de taquilla superiores a los 130 millones de dólares. en lo que hace referencia a los personajes. el asesino invertido. y su prometida. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Rudolph Sternad. gracias a la caracterización que hizo Anthony Hopkins de ese personaje. una adaptación de la novela de Thomas Harris. FOTOGRAFÍA: Flod Crosby. que. Su sentido del deber impide al sheriff abandonar el pueblo. asqueado. INTÉRPRETES: Gary Cooper (Will Kane). Me comí su hígado acompañado de habas y un buen Chianti». de los asesinos en serie. reavivó la admiración por su director Jonathan Demme y por las cualidades interpretativas de Jodie Foster y.quien mate al cuarto. Otto Kruger (Percy Mettrick). Grace Kelly (Amy Kane). MONTAJE: Elmo Williams.. Lloyd Bridges (Harvey Pell). Aunque el personaje de Hannibal «El Caníbal» ya había sido interpretado por Brian Cox en Hunter (1986). la película impresiona también por la utilización que hace Demme del color y del ritmo. Argumento Hadleyville. de John W.de una mirada penetrante como un rayo láser y de una entonación acerada. La protagonista. a pesar de que Amy le asegura que se irá con o sin él y de que. cuyo refinamiento e inteligencia producen escalofríos. capaz de abrirse paso en medio de un amenazante mundo de hombres y de hacer frente tanto a la fuerza psicológica de Lecter como a la amenaza física de «Buffalo Bill». así como por la maravillosa interpretación de Jodie Foster. Anthony Perkins hiciera de Norman Bates en Psicosis. GUIÓN: Cari Foreman (basado en el relato «The Tin Star». en un papel destinado en un principio a Michelle Pfeiffer. Solo ante el peligro HIGH NOON EE. En un prolongado tiroteo. se prepara para hacer frente a los cuatro forajidos cuando el tren entre en el pueblo. No obstante. mitad maestro. un sheriff a punto de retirarse. no hay nadie dispuesto a combatir a su lado. como: «Uno del censo intentó hacerme una encuesta. Hopkins hizo suyo un personaje al que supo dotar de un encanto sutil -que ocultaba la ferocidad de una bestia salvaje.382 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 383 Un thriller enormemente popular. consigue acabar con tres de ellos. PRODUCCIÓN: Stanley Kramer. mitad asesino. B/N. las únicas críticas se han centrado en el retrato estereotipado que se hace de «Buffalo Bill». DURACIÓN: 84 minutos. Los festejos que tienen lugar para celebrar el matrimonio entre Will Kane. ha convencido para que se quede. Lo cierto es que. la antigua novia de Kane. El dragón rojo. MÚSICA: Dmitri Tiomkin. El director realza el impacto que produce el personaje al limitar sus apariciones en pantalla e ir creando un aura en torno a él por medio del relato que de sus horrores hacen otros personajes. Amy. Katy Jurado (Helen Ramírez). Kane. junio de 1865. 1952 DIRECTOR: Fred Zinnemann. supuso un espaldarazo a favor de la adopción de unos criterios más progresistas sobre la imagen de la mujer en el cine de ma- sas. Thomas Mit- chell (Joñas Henderson). se ven interrumpidos por la noticia de que el forajido Frank Miller ha sido indultado y llegará en el tren del mediodía con objeto de vengarse de Kane. utilizada para pronunciar frases hoy en día célebres. como no tardará en descubrir. un personaje de una pieza.UU. supuso la aparición en pantalla del monstruo de celuloide más espeluznante desde que. sólo en Estados Unidos. treinta años atrás. El silencio de los corderos llamó la atención sobre el fenómeno. mientras que será la propia Amy -a la que Helen. Solo y asustado. típicamente norteamericano.

Ben. debe su éxito a la mordacidad con que está diri- gida. Por su parte. titulado «The Tin Star». que en lugar de su tarifa habitual de 275. pero éste la abandonará cuando se entere de que es . se ve asaltado por unos temores muy humanos. sin embargo. Hugh Hurd (Hugh). una fórmula que ya había utilizado con éxito en The Set-Up (1949). Ben Carruthers (Ben). Sombras SHADOWS EE. El tema se repite una y otra vez en su obra. se pasa todo el día con sus amigos blancos. PRODUCCIÓN: Cassavetes-McEndreeCassel (Maurice McEndree). el director Fred Zinnemann se sintió atraído por los materiales que componían la historia. un drama sobre el mundo del boxeo. un cantante negro. como puede apreciarse en películas como Un hombre para la eternidad (A Man For All Seasons. MÚSICA: Charles Mingus. Mientras que Hugh parece conformarse con los contratos que le salen en clubs nocturnos de segunda. comparte piso con su hermano Ben. un joven de piel más clara. sería acusado de falta de cooperación con las actividades del Comité y puesto en la lista negra. INTÉRPRETES: Lelia Goldoni (Lelia). fue contratado por la exigua cantidad de 60. Rupert Crosse (Rupe). Argumento Manhattan. 1958-1959 DIRECTOR: John Cassavetes. Hugh. pues en ellos se expresaba uno de los temas más habituales de sus películas: el individuo que prefiere obedecer los dictados de su conciencia antes que dejarse guiar por su propio interés. Anthony Ray (Tony). Comentario Vagamente inspirada en un relato breve de John Cunningham. que. 1966) o Julia (1977). más adelante. más un porcentaje en los beneficios. FOTOGRAFÍA: Erich Kollimar. Solo ante el peligro. Su trabajo en el guión coincidió en el tiempo con la creciente vigilancia que el Comité de Actividades Antiamericanas ejercía sobre la comunidad hollywoodiense.000. Lelia se enamora de Tony.. DURACIÓN: 87 minutos. Tom y Dennis. interpretando el papel de un hombre valiente que.000 dólares. Foreman. Película clave en el proceso de maduración psicológica del western que se produjo a partir de la década de los cincuenta. que había aparecido en un número del año 1947 de la revista Collier's. terminó por ver un paralelismo entre la historia del pueblo del Oeste paralizado por el miedo y los acontecimientos de su propia vida. Tom Alien (Tom). Foreman estaba interesado en aplicar a un western la fórmula de narrar los acontecimientos en tiempo real.UU. fue recompensado con su segundo Osear al mejor actor y con la alegría de ver cómo la película producía unos dividendos próximos a los 3 millones de dólares a partir de una inversión de tan sólo 750. El actor. por su parte. la idea de Solo ante elpeligro fue desarrollada a lo largo de una serie de años por el guionista Cari Foreman y el productor Stanley Kramer. a la utilización de un tema musical como «Do Not Forsake Me Oh My Darling» y al hecho de que cuente con la presencia de ese curtido héroe del western que es Gary Cooper. B/N. y con su hermana Lelia.384 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 385 al polvo su insignia de sheriffy abandona el pueblo en compañía de Amy. Lelia ambiciona algo más y entra en contacto con diversos personajes de los ambientes artísticos.000 dólares. con la idea de asignar el papel protagonista a Kirk Douglas. MON- TAJE: Len Appelson y Maurice McEndree. más que a su mensaje político subyacente.

UU. Aunque no se trata de la mejor película de Cassavetes. e incluso puede llegar a resultar un tanto incoherente. gracias al amplio margen concedido a la improvisación. sí que fue la que le permitió demostrar que ese cine profundamente personal y dotado de grandes dosis de espontaneidad con el que soñaba era capaz de producir películas importantes. (Pandro S. tras el cual Tom y Dennis deciden cambiar el rumbo de sus vidas. y dejar que Ben siga con su vida sin norte. y Lelia reacciona a un intento de Tony de entrar en contacto con ella saliendo con un joven negro. el germen de su arte se encuentra ya presente en toda su plenitud en el intenso realismo de este experimento sobre la expresión personal.O. el bailarín norteamericano Jerry Travers despierta sin querer a . mientras que Ben y sus amigos sufren un ataque. con una trama apenas esbozada. B/N. Husbands (1970) y Una mujer bajo la influencia (A Woman Under Thelnfluence. Sombras permitió a Cassavetes dejar que sus actores exploraran las distintas relaciones personales y las cuestiones sobre la identidad individual y racial que se planteaban en la película. PRODUCCIÓN: R. Berman). y ambientada en un mundo de marginalidad que evoca la contracultura Beat de finales de los cincuenta. Comentario Muy probablemente. Max Steiner (dirección musical). A pesar de que la película tiende forzosamente a la divagación. en un intento de encontrar un cauce dramático adecuado para expresar las verdades emocionales.. a la vez que realizaban una investigación sobre el propio oficio de actor. FOTOGRAFÍA: David Abel y Vernon L. En cuanto a Hugh. Sombrero de copa TOPHAT DIRECTOR: EE. Argumento Londres. INTÉRPRETES: Fred Astaire (Jerry Travers). la película surgió como derivación de un taller de interpretación para actores sin empleo que impartía el propio Cassavetes. a pesar de las discusiones con su representante. Hugh le echa del piso. DURACIÓN: 101 minutos. de Alexander Farago y Aladar Laszlo). Eric Blore (Bates. etc. 1974). Sin embargo. una adaptación de la obra teatral The Girl Who Dared. Mientras practica en la habitación de su hotel. GUIÓN: Dwight Taylor y Alian Scott (basado en el musical La alegre divorciada. Realizada con un presupuesto muy bajo. Erik Rhodes (Alberto Beddini). MONTAJE: William Hamilton. 1935 Mark Sandrich. el mayordomo). fotografía de grano grueso. Walker. sigue constituyendo un importante hito cinematográfico y un logro fascinante. El director continuaría retinando las innovadoras técnicas que aplicó en su primera creación en películas más pulidas y con un acabado más cuidado. MÚSICA: Irving Berlín (canciones). continúa aceptando los trabajos que le ofrecen. Edward Everett Horton (Horace Hardwick). Helen Broderick (Madge Hardwick).386 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 387 una mulata. como Faces (1968). la sensación de realidad que transmite la película se ve igualmente favorecida por la música de jazz de Charles Mingus. Al partir de un guión mínimo. la primera película del director John Cassavetes sea más importante por el papel pionero que desempeñó en la consolidación de la credibilidad del cine independiente norteamericano que por sus méritos intrínsecos.). Rodada según los cánones del cinema verité (cámara de mano. y fue financiada en parte con los ingresos obtenidos por su director gracias a su papel en la serie televisiva Johnny Staccato. Ginger Rogers (Dale Tremont). DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Van Nest Polglase.K.

con un número tan cargado de emoción como «Cheek to Cheek». que Jerry es en realidad el marido de su amiga Madge Hardwick.388 AIXAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 389 Dale Tremont. se marcha a Venecia en compañía de su diseñador de vestuario. Sombrero de copa se quedó sin Osear. quienes consiguieron despertar hasta tal punto la atención del público con su número de baile «El Carioca». la primera película creada expresamente para que pudieran desplegar todo su talento. pero cuando el bailarín la pide en matrimonio. realizar otras seis películas juntos. que figuraba en el quinto lugar del cartel.. 1933) se concibió como un vehículo para el lucimiento de la muy taquillera Dolores del Río. Travers y Madge la siguen. Aunque a lo largo de los dos años siguientes los estudios se apresuraron en adaptar para las dos nuevas sensaciones de la danza dos éxitos consagrados de la escena teatral. con unos ingresos de 3 millones de dólares frente a la inversión inicial de 620. «Isn't This A Lovely Day» y. en realidad. Indignada. Aquellas dos figuras que se deslizaban con tal precisión y gracia por la pantalla tipificaron el gusto sofisticado de los años treinta y crearon una química profesional que ha resistido el paso del tiempo. y Ginger Rogers. la magia que transmitía la pareja en la pantalla sólo alcanzaría su máxima expresión con Sombrero de copa. se traza un panorama preciso de las peripecias de dos personas cuya aparente hostilidad esconde. un profundo afecto. Si la canción que da título a la película -una melodía que ya forma parte de la leyenda de Fred Astaire.K. oficiada por el mayordomo de los Hardwick. hasta que una nota induzca a Dale a creer. consigue ir limando asperezas. Nominada para cuatro premios de la Academia. con el ingenioso dúo de amor-odio. sentirán desbordarse su alegría. Dale y Jerry libres ya para casarse. una ex actriz de vodevil. Comentario Aunque la insustancial comedia musical de la R. posteriormente. el endeble guión sobre una confusión de identidades. erróneamente. Cuando se sepa que la ceremonia nupcial entre Dale y Beddini fue.O. en su momento. Travers se dedica a perseguirla de forma implacable y entre los dos acaba por surgir el amor. Enterada Madge del malentendido. fue la pareja formada por Fred Astaire.sirve para que el bailarín se luzca en uno de sus solos de danza. Beddini. En ella. detrás de Rebelión a bordo (Muíiny on íhe Bounly). sin mediar palabra. permitiéndoles. que hizo de ella la segunda película más taquillera del año. que se presenta en su habitación y. Volando hacia Río de Janeiro (FlyingDown to Rio. pero fue ampliamente compensada por la aceptación del público.000 dólares realizada por los estudios. que la realización de una película en la que ellos dos fueran los protagonistas no fue ya más que una mera cuestión de tiempo. le propina una bofetada. . importa mucho menos que la forma en que las maravillosas melodías de Irving Berlín y la coreografía de Hermes Pan y Fred Astaire se aunan para encauzar la fuerza emocional de la historia por medio de una serie de números musicales. La alegre divorciada (The GayDivorcee. en realidad. un antiguo bailarín de Broadway. 1934) y Robería (1935). Dale le abofetea y decide casarse con Beddini. otra residente del hotel.

y sus actividades se centran en tareas investigadoras y educativas. la historia más plausible parece ser que. en su conjunto. En un caso como el de Carros de fuego (1981) no cabe duda de que se benefició de ese triunfo a lo cenicienta que obtuvo en la ceremonia del año 1982. Louis B. se convertiría en el galardón concedido por la Academia. o la de F. en el transcurso de la cual Douglas Fairbanks fue elegido como su primer presidente. tras pasar por las manos del escultor George Stanley. al margen del prestigio que supone. Margaret Herrick.8 kilos.. A lo largo de los años el procedimiento se ha ido racionalizando. La presentación que hizo Fairbanks de aquellos primeros premios tuvo una duración de cuatro minutos y veintidós segundos. Una semana más tarde. y la presencia en el evento de Al Jolson. comentó que le recordaba a su tío Osear y el nombre terminó por cuajar.390 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 391 «Y el ganador es. Desde 1997 el cargo de presidente es ejercido por Robert Rehme. dos actores para los cuales la etapa que se inició tras sus deslumbrantes triunfos fue una especie de anticlímax. tiene 34. el Premio Jean Hersholt a la Labor Humanitaria y el Premio Conmemorativo Irving G. Los relatos contemporáneos del acontecimiento destacan dos detalles: la utilización de un proyector portátil. ha sido bautizado «la verdadera guerra de las estrellas». Aunque son muchas las personas -Bette Davis entre otras. en la actualidad. que amenizó la velada con sus canciones. una figura chapada en oro.que se han atribuido el bautizo de la estatuilla con el nombre de «Osear». trescientos invitados asistieron a un banquete organizado por la industria para tratar los objetivos y propósitos de la Academia. mientras que la ceremonia. tuvo cierto aire de fiesta privada. sin embargo. en cierta ocasión. la Academia cuenta con cerca de 3. se estima que la audiencia global con que cuenta la ceremonia de los Osear ronda los mil millones de espectadores y. desde 1935 la concesión de premios cubre un año natural y se han añadido nuevas categorías. con buen criterio. se considera que la obtención de dicho premio puede acarrear un incremento de millones de dólares en los resultados de taquilla y promocionar de forma espectacular una carrera cinematográfica.» . y su presentación tuvo lugar en un banquete celebrado el 26 de mayo en el Hollywood Roosevelt Hotel. galardonado con el premio al mejor actor por Amadeus (1984). discutible.. 1927). en las que se recogía el momento en que Douglas Fairbanks hacía entrega a Adolph Zukor del premio a la mejor película por Alas (Wings.. Murray Abraham. El verdadero alcance que tiene la obtención de un Osear es. A fuer de ser precisos habría que señalar que. Afincada en Beverly Hills. entre otras la de mejor película en lengua no inglesa.30 centímetros de altura y pesa 3. para mostrar unas imágenes filmadas en Nueva York. la forma correcta de hacer la presentación de los ganadores es: «Y el Osear va a parar a. Mayer sugirió que la nueva institución patrocinara una serie de galardones para premiar los logros cinematográficos más destacados y el director artístico Cedric Gibbons esbozó en una servilleta el diseño de una estatuatilla que. que se levanta sobre una bovina de película y porta una espada. y tampoco se puede decir que la obtención de un Osear haya servido para impulsar carreras como la de Louise Fletcher. que obtuvo el Osear a la mejor actriz por su interpretación en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). la bibliotecaria de la Academia.» Los Osear La Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas fue creada por treinta y seis prominentes figuras de la industria del cine en una reunión que tuvo lugar el 4 de mayo de 1927. La estatuilla. Thalberg en reconocimiento a «la aportación de mayor calidad realizada en el campo de la producción por un productor individual a lo largo del último año». sin embargo. con sonido incorporado. sean votadas por el conjunto de la Academia.. Sólo se puede pertenecer a ella por expresa invitación y son los miembros especializados en cada una de las áreas los encargados de elegir las nominaciones dentro de su propio campo. Hoy en día. con posterioridad.500 miembros activos -la mayoría de ellos ya entrados en años. Los más de setenta años transcurridos desde entonces han transformado el acontecimiento en un espectáculo chabacano e interminable que. los cuatro Osear conseguidos por Elegidos para la gloria (The Right Stuff. lo cual explica las ingentes cantidades que invierten los principales estudios en campañas publicitarias para apoyar aquellas películas o estrellas a las que desean favorecer. 1983) no la salvaron de convertirse en un fracaso comercial. para que. Los primeros galardones para premiar los logros conseguidos entre el 1 de agosto de 1928yel 1 de febrero de 1929 fueron anunciados el 18de febrero de 1929.

la pasmosa belleza de la fotografía de los paisajes suizos. al descubrir que la estima que siente por el Capitán se está convirtiendo en amor. Sin embargo. su adaptación cinematográfica fue ofrecida en primer lugar a directores como Billy Wilder y William Wyler. es enviada a trabajar temporalmente como institutriz a la mansión del Capitán Von Trapp. un espectáculo kitsch en estado puro. sin embargo. su felicidad pronto se verá ensombrecida cuando los nazis insistan en que el Capitán se reincorpore a su puesto en la armada. que rompe su compromiso con la Baronesa Schrader para poder casarse con ella. al público le dejó indiferente el desprecio de la crítica y se encargó de hacer que el film alcanzara unos ingresos por taquilla superiores a los 80 millones de dólares. del libro de Howard Lindsay y Russel Crouse). Christopher Plummer (Capitán Von Trapp). MONTAJE: William Reynolds. Según parece.. Una vez allí. sin una nota en falso.pero bastante ajustado. FOTOGRAFÍA: Ted McCord. 1938. arrebatando a Lo que el viento se llevó (1939) el puesto de película de . Dwight MacDonald. en 1959. sin el más mínimo ápice de realidad». INTÉRPRETES: Julie Andrews (Maria). Ateniéndose a criterios puramente artísticos. la madre superiora la anima a que dé rienda suelta a sus sentimientos. encuentra refugio en Suiza. Aún reciente su debut cinematográfico en Mary Poppins (1964) -que terminaría por valerle un Osearla estrella Julie Andrews firmaría para el papel protagonista. es fácil despreciar esta película por su descarada manipulación sentimental (según se dice. Sonrisas y lágrimas arranca de un flojo musical creado para la escena por Rodgers y Hammerstein que. Basada en la historia real de la huida a la Suiza neutral protagonizada en 1938 por la familia Von Trapp.392 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 393 Comentario Sonrisas y lágrimas THE SOUND OF MUSIC EE. antes de que la tarea recayera en Robert Wise. No obstante. Maria regresa a la abadía de Nonnberg. un viudo con siete hijos. había reportado de nuevo un rotundo éxito en Broadway a Mary Martin. Christopher Plummer solía referirse a ella como «El sonido de los mocos»). Éste se niega a hacerlo y. que tenía en su haber un Osear por su labor como codirector de West Side Story (1961). y esta película tenía ambas cosas. utilizando como tapadera un gran festival musical. 1965 DIRECTOR: Robert Wise. Peggy Wood (Madre superiora). PRODUCCIÓN: Argyle Enterprises (Robert Wise). también lo hay en cualquier ejercicio que requiere la máxima destreza profesional. DURACIÓN: 174 minutos. Charmian Carr (Liesl). Richard Haydn (Max Detweller). una muchacha algo varonil que vive en un convento. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: BOris Leven. Maria. y Maria regresa junto a Von Trapp. huye con su familia que. supo hacerle un cumplido -quizá un tanto envenenado. a su vez. MÚSICA: Rodgers y Hammerstein. GUIÓN: Ernest Lehman (basado en el mu- sical teatral de Richard Rogers y Osear Hammerstein II. Naturalmente. en la revista Esquire. cuando dijo: «Siempre hay algo digno de interés en cualquier producto creado por el hombre que alcanza la perfección dentro de su propio género. El carácter alegre y abierto de la muchacha introduce una nota de calidez en el hogar de la familia. tras cruzar las montañas. adaptación. hacerlo supondría pasar por alto la indudable brillantez del director y de los actores.UU. Argumento Salzburgo. Eleanor Parker (La baronesa). las melodiosas canciones y el mérito de un espectáculo a la antigua usanza cuyo atractivo traspasó todas las fronteras de edad y nacionalidad.

MÚSICA: Renzo Rossellini. PRODUCCIÓN: Be-Ro/R. el farero. a lo que habría que añadir en favor de la película. una refugiada checoslovaca se casa con un soldado para poder escapar de un campo de personas desplazadas. llegara incluso a boicotearse la película. con la ayuda del farero. B/N. MONTAJE: Roland Gross y lolanda Benvenuti. Rossellini había obtenido un gran éxito en Roma. en un sentido más general. Al descubrir que está embarazada. una película como Stromboli también puede considerarse como típica del director. La apasionada relación que surgió entre Bergman y Rossellini (hija de ambos es la actriz Isabella Rossellini) llevó a la actriz a abandonar a su marido y provocó un gran escándalo que hizo que. y otras obras más tardías en las que la búsqueda de un sentido espiritual a la vida se manifiesta de forma más directa. FOTOGRAFÍA: Otello Martelli. DURACIÓN: 81 minutos. la diminuta isla donde nació. TERRA DI DIO Italia. como es el caso de Te querré siempre (Viaggio in Italia. El joven la lleva consigo a Stromboli. los espectaculares paisajes de la isla. Mario Sponza (El farero). se convertirían en premios. pero su marido se siente celoso y la encierra en su casa. El film obtuvo siete nominaciones de la Academia. Traba amistad con Sponza. una sensación que afectó a todo lo que ocurrió tanto delante como detrás de las cámaras. año cero. 1947 [ Germania. Comentario Aunque a la hora de hablar de Rossellini se le suele describir como el padre del neorrealismo italiano. quizá porque resultaban mucho menos convincentes puestos al lado de Ingrid Bergman. ciudad abierta. en algunos lugares. (Roberto Rossellini).K. atino zero]). . el experimento no funcionaría igual de bien. que constituyen un telón de Stromboli STROMBOLI. pero los lugareños desconfían de los extraños y hacen que se sienta aislada del resto de la comunidad. GUIÓN: Roberto Rossellini. entre ellas las de mejor película y mejor director. Argumento Próximo ya el final de la II Guerra Mundial. pero. en la medida en que refleja la creciente presencia de valores espirituales y trascendentes en su obra. En la pantalla. La mujer trata de adaptarse a las duras condiciones de vida que imperan en la hermosa e inhóspita isla. Los gases que encuentra en la cumbre la obligan a rendirse y. trata de escapar. 1946 y Alemania. sin embargo.394 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 395 mayor éxito de todos los tiempos. Renzo Cesana (El cura). Paisa. INTÉRPRETES: Ingrid Bergman (Karin Bjiorsen). decide regresar y enfrentarse a la vida en la isla. no deja que eso le distraiga de su propia interpretación. cuando se recupera. La combinación resulta violenta y refleja. 1953). El film se sitúa en un lugar intermedio entre su trilogía de películas de corte casi documental sobre las consecuencias de la guerra (Roma. ciudad abierta utilizando actores no profesionales. el profesionalismo y el carácter de estrella de la Bergman parecen fuera de lugar en medio de las rígidas y afectadas interpretaciones de un reparto compuesto en su mayor parte por actores no profesionales. Art Cohén. que. escalando el volcán que se encuentra en el corazón de la isla. en este caso. la incomodidad que a Hollywood le producía el contacto con una tradición tan distinta de la suya. 1945.O. cinco de las cuales. La actriz. 1950 DIRECTOR: Roberto Rossellini. Sergio Amedei y C. Renzo Cesana. la perspectiva de tener que dar a luz a sus hijos en aquel lugar la abruma hasta tal punto. Callegari. Mario Vítale (Antonio). P.

Ellie interpreta erróneamente sus intenciones y cree que no es más que otro cazadotes. «Night Bus». rechazaron el papel. INTÉRPRETES: Claudette Colbert (Ellie Andrews). permite a Ellie conservar su pudor. Myrna Loy y Robert Montgomery fueron una de las primeras parejas que la Columbia trató de pedir prestadas para desempeñar los dos papeles protagonistas. una rica heredera. El enfoque relajado e improvisado con que se abordó la realización de la película se refleja en la soltura de las interpretaciones. Argumento Ellie Andrews. seis días y cuatro horas. Margaret Sullavan y Constance Bennett. MÚSICA: Louis Silvers. 1927). Roscoe Karns (Osear Shapeley). y ambos se fugan. no se mostró dispuesta a ceder los servicios de Fredric March. Comentario El espectacular triunfo de Sucedió una noche en la ceremonia de entrega de los Osear del año 1935 contribuyó a inaugurar el género de la comedia disparatada e hizo que la Columbia pasara de ser una productora de tercera a convertirse en una de las grandes de Hollywood. Aunque la actriz había sido dirigida por Frank Capra en Los tres papas (The love ofMike. Capra aceptó el reto y consiguió rodar la película en tres semanas. GUIÓN: Robert Rískin (basado en el relato. de Samuel Hopkins Adams). . Clark Gable (Peter Warne). PRODUCCIÓN: CO- lumbia Picture (Frank Capra). un periodista que acaba de ser despedido. mientras que la Paramount.396 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 397 fondo adecuado para que el director explore la inestabilidad y la fragilidad de las relaciones humanas. al igual que había sucedido con la Metro. convencido de que la obligación de tomar parte en una producción de segunda fila de la Columbia le haría entrar en razón. El carácter cordial y rudo a un tiempo de la Sucedió una noche 1T HAPPENED ONE NIGHT EE.. el film que supuso su debut cinematográfico. el padre de Ellie la convence de la sinceridad de Warne. se fuga de incógnito en un autobús que hace la ruta Miami-Nueva York.000 dólares por cuatro semanas de rodaje. Jameson Thomas (King Westley). debían completarse a tiempo de que ella pudiera tomarse sus vacaciones navideñas. esta circunstancia sentimental no nubló en lo más mínimo su espíritu comercial. Cuando Warne intente publicar su historia para obtener dinero con el que financiar su boda. La inicial antipatía que sienten el uno por el otro se irá transformando en cariño a medida que van pasando por peripecias tales como hacer autostop. Mayer. para ofrecerle que fuera la compañera de Gable en la película. FOTOGRAFÍA: Joseph Walker. además.UU. El día de su boda con otro hombre. Claire MacDowell (Madre). Es sabido que otras actrices. haciendo que los «muros de Jericó» se derrumben finalmente. La suerte de Frank Capra pareció cambiar cuando Mayer decidió castigar a Clark Gable por sus recientes exigencias en materia de salarios y de elección de guiones. DURACIÓN: 105 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Stephen Gooson. B/N. 1934 DIRECTOR: Frank Capra. burlar a la policía o hacerse pasar por marido y mujer. Fue entonces cuando se contactó con Claudette Colbert. MONTAJE: Gene Havlick. En él viaja también Peter Warne. el mandamás de la M-GM. caso de Miriam Hopkins. a la que denominan «las murallas de Jericó». pero la petición fue denegada por Louis B. que. Una manta tendida entre sus camas. Henry Wadsworth (Muchacho borracho). Walter Connolly (Alexander Andrews). Exigió que se le pagaran 50.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl.UU. El sueño eterno El sueño eterno THE BIG SLEEP EE. el jugador Eddie Mars. DURACIÓN: 114 minutos. Mars le conduce hasta un garaje. MONTAJE: Christian Nyby. B/N. Leigh Brac- kett y Jules Furthman (basado en la novela de Raymond Chandler). GUIÓN: William Faulkner. pero la atención de Marlowe se dirige ahora hacia el jefe del difunto.que. PRODUCCIÓN: Warner Brothers-First National (Howard Hawks). la seductora hermana de Carmen. en realidad. una de sus hijas.398 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 399 masculinidad de Clark Gable brilla por vez primera en toda su plenitud. la utilización de un extenso reparto de actores secundarios y el ritmo frenético serán elementos que terminarán por convertirse en las marcas de fábrica de la comedia disparatada. y hacia Vivian. FOTOGRAFÍA: Sid Hickox. donde reconstruye el caso en presencia de Eddie Mars. . había sido asesinado por Carmen. se siente lo bastante seguro como para reconocer la verdad del relato del detective. El choque entre personalidades opuestas. aparece desnuda. Vivian se había visto forzada a pagar un chantaje para proteger a su hermana. que sabe que sus hombres tienen rodeado el lugar. de Eddie Mars). a medida que ésta vaya evolucionando gracias a películas como La comedia de la vida (Twentieth Century. pero no inaccesible. Sin embargo. El hombre en cuestión es asesinado. INTÉRPRETES: Humphrey Bogart (Phillip Marlowe). Martha Vickers (Carmen Sternwood). 1946 DIRECTOR: Howard Hawks. mientras que Claudette Colbert le da una réplica magistral. el potencial cómico de la figura del personaje rico que se ve privado de todo aquello que le da seguridad.. John Ridgley (Eddie Mars). Dorothy Malone (Dueña de la librería). MÜSICA: Max Steiner. Lauren Bacall (Vivian Rutledge). al que acusa de haber montado la farsa de la desaparición de su esposa para hacer recaer las sospechas sobre Sean Regan -el marido de Vivian. Marlowe le obliga a salir del lugar delante de él y Mars muere acribillado a balazos por sus propios hombres. La pista de la desaparecida Sra. Argumento Phillip Marlowe es contratado por el General Sternwood para que le libre de un chantajista que posee unas fotos en las que Carmen. 1934) o La fiera de mi niña (1938). Mars. con su personaje de una belleza distante. Peggy Knudsen (Sra.

en La dama del lago {The Lady in the Lake. FOTOGRAFÍA: Igor Luther. Angela Winkler (Agnes Matzerath). a la vez que desarrolla un estrecho vínculo con su tambor de hojalata. que quizá sea el padre de Oskar. MONTAJE: Suzanne Barón. como Dick Powell. Franz Seitz y Volker Schlóndorff. Mariella Oliveri (Roswitha Raguna). DURACIÓN: 142 minutos. en este caso ambientada en Londres. posiblemente sea Bogart quien mejor haya sabido encarnar al detective en la pantalla.400 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 401 En cierto momento del rodaje de El sueño eterno. 1979 Volker Schlóndorff. los frustrados cineastas decidieron ponerse en contacto con Raymond Chandler para que les aclarara un punto muy concreto de la trama. Tener y no tener (To Have and Have not. entretan- . (basado en la novela de Günter Grass). Mario Adorf (Alfred Matzerath). pero. se realizó una nueva y torpe versión. Aunque son muchos los actores que han tratado de ponerse en la piel del detective creado por Raymond Chandler. preguntándome si uno de los personajes había sido asesinado o se había suicidado. idéntico al de la película. Katherina Thalbach (María Matzerath). A los tres años de edad Oskar decide dejar de crecer. da a luz a Agnes. 1946). más adelante. Terminada la Primera Guerra Mundial. Daniel Olbrychski (Jan Bronski). GUIÓN: Jean-Claude Carriére. 1975). Argumento Polonia. si ni siquiera yo lo sabía!». A pesar de poseer una de las tramas más enmarañadas de toda la historia del thriller. la película funciona gracias a que su principal interés no reside tanto en la resolución del misterio como en sus personajes. es un lacónico eufemismo de la muerte). cuando ya era posible tratar cualquier tema. My Sweet. Oskar. INTÉRPRETES: David Bennent (Oskar). Agnes se casa con Alfred. La fusión entre su personalidad cinematográfica y el personaje literario dieron lugar a esa figura de caballero andante renuente y hastiado de la vida. primeros años del siglo xx. Una campesina da cobijo a un desconocido bajo sus faldas y. Basada en la primera novela de Chandler (cuyo título. PRODUCCIÓN: Franz Seitz Film/Bioskop-Film/GGB 14KG/Hallalujah Film/Artemis Film/Argos Film (Franz Seitz). La pareja. que restringía la posibilidad de tratar en la pantalla temas relacionados con la pornografía y el consumo de drogas. El tambor de hojalata DIE BLECHTROMMEL DIRECTOR: Francia/Alemania occidental. Jan. muñeca {FarewellMyLovely. el contenido de la obra cinematográfica fue atemperado para adecuarlo al código de censura imperante en la época. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Bernd Lepel. que se había conocido durante el rodaje de otra película de Hawks. como si fueran pelotas de tenis. aunque también mantiene relaciones con un primo suyo. eran ya marido y mujer. entre ellos algunos nombres ilustres. un tendero de Danzig. y Agnes muere al forzarla Alfred a comer anguilas. Más tarde Chandler recordaría: «Bogart y Hawks me enviaron un telegrama. que había ido perfeccionando en películas como El halcón maltes (1941) y Casablanca (1942). cuyo parecido con el original era mera coincidencia y que contaba con la presencia de un Robert Mitchum que no supo dar a su interpretación de Marlowe ese toque especial que hizo tan satisfactoria su anterior encarnación del personaje en Adiós. 1944). se echan Bogart y Bacall. Los fascistas toman Danzig. particularmente en el intercambio de pullas que. en Historia de un detective {Murder. En 1978. 1945) o Robert Montgomery. ¡qué diablos. MÚSICA: Maurice Jarre.

Schlóndorff renunció el proyecto de realizar una secuela de la película. precisamente. sino mediante una serie de episodios. y que trata de ocuparse de las dramáticas convulsiones y vaivenes de la historia alemana. una decisión que tan sólo revertirá cuando Danzig (actualmente la ciudad polaca de Gdansk) sea liberada del yugo de los nazis. que. Comentario Aunque la famosa novela de Günter Grass planteaba a su adaptador cinematográfico un desafío de gran envergadura. sin por ello renunciar a la creación de un todo coherente (aunque un tanto abstruso) desde el punto de vista cinematográfico. Tras ser capturado por los alemanes. en la actuación de David Bennent. Más adelante. y sería. Con todo. El papel requería un niño de tres años. . sin lugar a dudas. Como resulta inevitable en una película que abarca un lapso de tiempo tan largo. Jan es fusilado. Parece indudable que sin la asombrosa actuación del muchacho la película no hubiera sido posible.402 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 403 El tambor de hojalata to. a la vez que un intento enormemente convincente de llevar a la pantalla un libro cuya complejidad hacía de tal intento una tarea prácticamente imposible. el factor determinante que explica el éxito de la película se encuentra. La película es un tour deforcé visual. adquieren unidad y coherencia a través del personaje y la perspectiva de un Oskar que ha tomado la resolución de no crecer. Alfred vuelve a casarse y Oskar conduce a Jan a la oficina de correos. que ha sido acusado de colaboracionista. no obstante. esta versión de una parte de la misma consigue conservar en gran medida sus múltiples referencias y su intencionalidad simbólica. al comprobar que el desarrollo físico de Bennent no le permitía adaptarse al papel de adulto. dotado del grado de conciencia y de las maneras de un adulto. Será entonces cuando Oskar decida volver a crecer. Oskar entabla amistad con Roswitha y se une a un circo que actúa para los nazis. haciendo que su rostro resultara mucho más adulto que el resto de su cuerpo. regresa a Danzig. se decidió por el hijo del actor Heinz Bennent. que abarcaría el resto de la novela y la etapa de madurez de Oskar. el muchacho de doce años que interpreta al personaje de Oskar. tras desestimar la idea de utilizar un enano para interpretar a Oskar. que se encuentra sitiada. Tras la liberación. Schlóndorff. la propia desgracia personal de Bennent la que garantizaría su éxito en pantalla. se refugia bajo las faldas de su abuela. levemente trabados entre sí. que realmente padecía una enfermedad que atrofiaba su desarrollo. la narración no avanza de una forma lineal y fluida. donde asiste al fusilamiento de Alfred.

Lo logrará tras asesinar a Sport. se siente asqueado por el entorno de vicio que le rodea. se dedica a ver películas pornográficas o a anotar sus turbadas reflexiones en un cuaderno. y un guionista como Paul Schrader. Argumento Nueva York. unas actitudes que han quedado atrofiadas a la edad de trece años». GUIÓN: Paul Schrader. Travis Bickle. Cybill Shepherd (Betsy). 1976 DIRECTOR: Martin Scorsese. consigue plasmar una frustración casi existencial. el papel del taxista Travis Bickle combina elementos propios del héroe moralista de los westerns con la potencialidad destructiva de los asesinos psicópatas. cargándose a un atracador en un supermercado. Por su parte. durante el día.404 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 405 Comentario TaxiDriver EE. concebida como una especie de infierno en la tierra. Partiendo de la canción de Harry Chapín «Taxi». Cuando conoce a Iris. Cumplida su misión tratará de suicidarse. sólo podía ser fruto de la colaboración entre un cineasta como Martin Scorsese. Scorsese encuentra un estilo visual capaz de reflejar ese estado mental. para encontrar finalmente su propia redención en una catarsis de violencia. Scorsese señaló que se trataba de «una continuación de Malas calles (Bad Streets). FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. se asigna a sí mismo la misión de sacarla de las calles. y . ofreciendo una visión satinada. Posteriormente. Peter Boyle (Wizard). un veterano de Vietnam. desde las velas que aparecen en la habitación de la prostituta hasta la interpretación de lafigurade Bickle como un personaje que viaja a través del purgatorio. el chulo de la chica. De noche trabaja de taxista y. pero pronto es rechazado. Foster (Iris Steensman). cuando vuelva a encontrarse con Betsy la tratará con desdén. Aclamado por los medios de comunicación como un héroe. se hace con un verdadero arsenal de armas de fuego y da rienda suelta a su rabia. a uno de sus hombres y al cliente que estaba con ella. la película obtuvo unos ingresos próximos a los 12 millones de dólares. pero la falta de balas le impedirá hacerlo. MONTAJE: Marcia Lucas.UU. PRODUCCIÓN: Italo-Judeo (Michael Phillips y Julia Phillips). este retrato arquetípico de la vida urbana. Con referencia a esta película. auténtico endemismo de los géneros de terror y de justicieros contemporáneos. Harvey Keitel (Sport). Rechazada por la mayoría de los estudios de Hollywood. una empleada de un equipo electoral.. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Charles Rosen. Albert Brooks (Tom). para que acepte una cita con él. Consigue engatusar a Betsy. una prostituta de doce años. alimentada por un sentimiento de deficiencia sexual y por un desprecio paranoico por las demás personas. Inspirado en parte en la inquietante ambigüedad del personaje de John Wayne en Centauros del desierto (1956). que se define a sí mismo como católico. Tom Rolf y Melvin Shapiro. cuya visión de la realidad tiene una fuerte impronta calvinista. partiendo de una inversión inicial de 2 millones. Las connotaciones religiosas del drama son constantes. DURACIÓN: 112 minutos. Una película que trata de la angustia religiosa. reluciente y pesadillesca de la noche neoyorquina. la culpa y de las actitudes de un hombre con respecto a las mujeres. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Travis Bickle). MÚSICA: Bernard Herrmann. La fascinante interpretación que hace De Niro de este personaje abrasado por la repugnancia que le produce la decadencia moral de su entorno.

INTÉRPRETES: Joseph Cotten (Holly Martins). Bernard Lee (Sargento Paine). El Comandante Calloway le informa de las actividades delictivas de su amigo. dos temas que aparecen con frecuencia en lo mejor de su producción literaria. Lo lamentable fue que hubiera sectores del público que saludaran con entusiasmo los enloquecidos propósitos de su protagonista. Lime le recuerda su vieja amistad y quita importan- .406 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 407 consiguió cuatro nominaciones para los Osear. tras abandonar el piso de Anna. Calloway amenaza con deportar a Anna. GUIÓN: Graham Greene. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Vincent Korda. Tras una persecución por las cloacas de la ciudad. no cabe duda de que la presencia de Welles en la cinta confiere a la película un sello Carol Reed. rodando en las estrechas callejuelas y las sombrías cloacas de una ciudad devastada por las bombas. auspiciando así la reunión con Orson Welles. algo que parece confirmar el hecho de que el portero de la casa del difunto recuerde haber visto a un misterioso «tercer hombre» que se hallaba presente en el momento de la muerte de Lime. atisba en la distancia a un hombre oculto entre las sombras. FOTOGRAFÍA: Robert Krasker. el escritor Holly Martins se entera de que su amigo Harry Lime ha fallecido en un accidente de coche. Las sugerencias que realizó en un principio apostaban por Orson Welles o Noel Coward para el papel de Harry Lime. El hecho de que finalmente se eligiera a Joseph Cotten. Selznick hizo necesario que se llevara a cabo una profunda reescritura del guión y le garantizó el derecho a veto sobre la elección del reparto. se trata del mismísimo Lime. algo que pone de manifiesto el alarmante y provocador grado de ambivalencia ideológica que posee la película. 1948) y Nuestro hombre en La Habana (OurMan in Havana. su viejo mentor y amigo de los tiempos del Mercury Theatre. Joseph Bato y John Hawksworth. En vista de todo ello. Una noche. Argumento Al llegar a Viena. Pues si bien es cierto que el atractivo de la película le debe mucho a la maestría con que Reed sabe crear una atmósfera. MONTAJE: Oswald Hafenrichter. El tercer hombre THE THIRD MAN DIRECTOR: Comentario Reino Unido. y Martins se decide a traicionar a su viejo amigo para lograr la libertad de la chica. DURACIÓN: 104 minutos. La participación financiera en el proyecto del gran magnate David O. Martins decide descubrir la verdad. Anna pasa por delante de Martins sin dirigirle la palabra. MÚSICA: Antón Karas. PRODUCCIÓN: London Films (Carol Reed). Alida Valli (Anna Schmidt). la novia de Lime. Orson Welles (Harry Lime). o a su acertada elección del virtuoso de la cítara Antón Karas para que subrayara con su eficaz e insistente música la acción. Wilfred Hyde-White (Crabbit). añadió a la elección de actores un toque de genialidad. B/N. 1949 La fructífera asociación entre el escritor Graham Greene y el director Carol Reed -a la que se deben títulos como El ídolo caído (The Fallen Idol. Cuando se produzca el encuentro entre ambos. Terminado el entierro de éste. cia a los delitos que ha cometido. Trevor Howard (Comandante Calloway). le sugiere que su muerte puede no haber sido accidental.alcanzaría su más alto logro con esta historia original de Greene sobre la corrupción y la traición. 1960). Martins mata de un tiro a Lime. mientras Anna. mientras que Holly Martins debería ser interpretado por Cary Grant o James Stewart.

tuvieron quinientos años de amor. no hubo más que terror. concluyó en un fracaso tanto artístico como comercial. si la dramática El hombre elefante (The Elephant Man. y éste descubre que el compañero de Williams está implicado en todo aquel horror. democracia y paz. trata de tranquilizarla y la acompaña a su piso. pero será su carismática y fascinante encarnación de ese personaje cínico e individualista que es Harry Lime lo que haga saltar verdaderas chispas de la pantalla. en treinta años de dominación de los Borgia. MONTAJE: Duwayne Dunham.. Dejando a un lado otros proyectos. Leonardo Da Vinci y el Renacimiento -susurra con la perspectiva de la gran noria al fondo-. PRODUCCIÓN: De Laurentiis Entertainment Group (David Lynch). INTÉRPRETES: Kyle MacLachlan (Jeffrey Beaumont). como ya quedara de manifiesto en las perturbadoras imágenes y ambientes de su película Cabeza borradora {Eraserhead. Y. Williams). por el contrario. Laura Dern (Sandy Williams). Frank se burla de la delgada línea que separa su venalidad de la pureza de Jeffrey. Su paso a un cine más convencional ha tenido unos resultados desiguales. un extravagante thriller con toques surrealistas. Atraído por los deseos sadomasoquistas de Dorothy. donde encuentra los cadáveres del marido de Dorothy y del compañero de Williams. Dennis Hopper (Frank Booth ). En Suiza. Welles haría una de las más deliciosas justificaciones de la villanía que se recuerden. DURACIÓN: 120 minutos. y llega a la conclusión de que éste tiene secuestrados al marido y la hija de la cantante. Hope Lange (Mrs. el director David Lynch ha demostrado ser uno de los talentos más originales del cine norteamericano contemporáneo.» que está realizando su padre sobre la cantante Dorothy Vallens. Lynch se embarcó entonces en Terciopelo azul. 1986 DIRECTOR: David Lynch. 1976).408 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 409 inconfundible. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Patricia Norris. Al encontrarse a Dorothy desnuda en la calle. «En Italia. además de poseer una portentosa capacidad para despertar la inquietud del público. GUIÓN: David Lynch. aparente- . Comentario Terciopelo azul BLUE VELVET EE. Jeffrey le mata y la vida en Lumberton retorna a su aparente normalidad. el pretencioso intento de llevar a la pantalla Dune (1984). ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco. 1980). La utilización de encuadres angulares y los estilizados claroscuros de la fotografía de Robert Krasker evocan claramente el estilo del director norteamericano. Argumento Jeffrey Beaumont le cuenta a su amiga Sandy Williams que ha encontrado tirada una oreja humana y ella le revela que el hallazgo quizá guarde relación con las investigaciones Definido en cierta ocasión como «una versión marciana de Jimmy Stewart». MÚSICA: Angelo Badalamenti. la novela de ciencia-ficción de Frank Herbert. Isabella Rossellini (Dorothy Vallens). En su calidad de autor de sus propios diálogos. Cuando llega Frank. Jeffrey es testigo de la humillación a la que la somete el desquiciado Frank Booth. en el que daba rienda suelta a su afición a escudriñar bajo la superficie. le valió una nominación para el Osear al mejor director. pero surgieron Miguel Ángel. FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes. su conmovedora versión de una historia real acontecida en la Inglaterra victoriana. guerras y matanzas.UU. Dean Stockwell (Ben).

TICA: Joseph Alves júnior. 1975 DIRECTOR: Steven Spielberg. DIRECCIÓN ARTÍS- co (1959). un experto en el tema. Robert Shaw (Capitán Quint). Argumento A pesar de los ataques de tiburones que se están sucediendo en Amity Island. evade la cuestión y trata de contrarrestar los efectos de la publicidad negativa. tras rodearlos. teoría que compartirá el Jefe de policía Brody tras producirse un nuevo ataque. su alcalde. Terciopelo azul constituye una de las experiencias audiovisuales más ricas y provocativas que ha producido el cine norteamericano en la década de los ochenta. el tratamiento que da al tema del voyeurismo y las similitudes que implícitamente se señalan entre el aparentemente sano Beaumont y el vicioso psicópata Booth (interpretado con verdadera ferocidad por Dennis Hooper). además de proporcionar a Lynch su segunda nominación como mejor director. FOTOGRAFÍA: Bill Butler. En una reunión de los vecinos del pueblo. GUIÓN: Peter Benchley y Cari Gottlieb (basado en la novela de Peter Benchley. INTÉRPRETES: Roy Scheider (Jefe Martin Brody). con colaboraciones. . se hace a la mar. llega a la conclusión de que el responsable de los ataques es un Gran Tiburón Blanco. emocionales y criminales que se ocultan bajo su aseada apariencia externa. Más adelante Lynch puliría aún más sus obsesiones en esa espléndida y estrambótica demostración de su arte que es la serie televisiva de culto Twin Peaks. La película ofrece una visión dantesca de lo que en realidad puede estar ocurriendo en las vidas de unos seres de una ingenuidad típicamente norteamericana. ésta los arrastra mar adentro y. Brody. hace volcar el barco y devora a Quint. se dará por sentado que el peligro ya ha pasado. no recogidas en los títulos de crédito. para poner al descubierto la turbamulta de perversiones sexuales. Con Hooper temporalmente fuera de combate. MÚSICA: John Williams.. Richard Dreyfuss (Matt Hopper). de más ocho metros de longitud. PRODUCCIÓN: Universal (Richard D. en un acto de desesperación. preocupado por el efecto que podría tener en el turismo. en aspectos tales como el seductor acabado con que retrata la relación sadomasoquista entre Beaumont y Dorothy.UU. un viejo lobo de mar. Sin embargo. Acompañado por Brody y Hooper. de la vida en las pequeñas ciudades norteamericanas. DURACIÓN: 124 minutos. Zanucky David Brown). Cuando finalmente avistan a la bestia. Cari Gottlieb (Meadows). Matt Hooper. Cuando se capture a un tiburón. se ofrece a capturar al tiburón a cambio de un precio razonable. Lorraine Gary (Ellen Brody). Con ciertas reminiscencias del Hitchcock de De entre los muertos (1958) o del Michael Powell de Elfotógrafo del páni- Tiburón JAWS EE. de Howard Sackler y John Milius). Quint. introduce en las fauces del animal una bombona de aire comprimido y hace explotar al animal en mil pedazos. Murray Hamilton (Comandante Larry Vaughn). MONTAJE: Verna Fields.410 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 411 mente idílica.

Jason Robards (Ben Bradlee). con estas ideas en mente. el verdadero problema fue conseguir que el tiburón mecánico -al que se conocía por el nombre de «Bruce». tras descartar la posibilidad de concedérselo a Timothy Bottoms o a Jeff Bridges. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis. Tiburón fue el film que consagró a Spielberg como el hombre que transformaba en oro todo lo que tocaba. SU colega Cari Bernstein establece el nexo que une a . Según su concepción. En relación con éste. Wolfe. sustituyó a Sterling Hayden por Robert Shaw para el papel de Quint. los resultados fueron extraordina- ríos. el cineasta John Milius y el comediógrafo Cari Gottlieb. cuya obra sería pasada por alto por la Academia. además de ser objeto de algunos elogios extravagantes.412 Comentario ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 413 Una explotación. El proyecto. y eligió a Richard Dreyfuss (que terminaría por convertirse en una especie de alter ego del director) para hacer el papel del ictiólogo. se puso a trabajar sobre diversos borradores del guión con el escritor Howard Sackler. su primer largometraje para la pantalla grande. aderezado con unas gotas de Moby Dick» y. Argumento Mientras el reportero Bob Woodward averigua que uno de los cinco hombres detenidos en el cuartel general del Partido Demócrata en Washington es un antiguo agente de la CÍA. se irían sucediendo a partir de entonces.. Sin embargo. se le ofreció a Spielberg al poco de haber estrenado Loca evasión (The Sugarland Express. basado en una novela de éxito. Spielberg. MÚSICA: David Shire. a la manera de Hitchcock. Pakula. con calidad siempre decreciente. Hal Holbrook (Garganta Profunda). Robert Redford (Bob Woodward). con algunas reminiscencias de El diablo sobre ruedas (1971) -una película anterior del propio Spielberg. 1974). Con todo. el candidato del estudio para el papel de Jefe de policía. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: George Jenkins. Martin Balsam (Howard Simons). PRODUCCIÓN: Wildwood Enterprises (Walter Coblenz). cuando señaló que «hay partes de Tiburón que nos permiten hacernos una idea de lo que podría haber llegado a hacer Eisenstein de no haberse dejado llevar por su intelectualismo». antes de ponerse a considerar las diferentes opciones para el reparto. como aquel con el que le obsequió Pauline Kael. sonido y la machacona vibración de la banda sonora creada por John Williams. hacerse con sendos Osear por su montaje. Jack Warden (Harry Rosenfield). insistió en preferir a Roy Scheider frente a Charlton Heston. Las dificultades en este terreno fueron las causantes de que los cincuenta y dos días previstos para el rodaje se convirtieran en ciento cincuenta y cinco y de que fuera necesario doblar el presupuesto asignado a la producción. además de convertirse en el primer superéxito que generó toda una pequeña industria de subproductos y secuelas. la película debía ser «un experimento sobre el terror» y «un grandioso episodio de caza marina. y el film no tardó en convertirse en la película más rentable de la historia. DURACIÓN: 138 minutos. no tuvo nada que ver con las secuelas que. Todos los hombres del presidente ALL THE PRESIDENT'S MEN EE. GUIÓN: William Goldman (basado en el libro de Cari Bernstein y Bob Woodward).UU. de los miedos primordiales de la humanidad.resultara creíble. MONTAJE: Robert L. INTÉRPRETES: Dustin Hoffmann (Cari Bernstein). 1976 DIRECTOR: Alan J.y ciertos ecos de la forma en que manejó Nixon el caso Watergate y del drama de Ibsen Un enemigo del pueblo.

Pakula supo también apurar al máximo el suspense que se podía extraer de los elementos propios de un thriller que contenía el gran rompecabezas que trataba de desenmarañar el trabajo detectivesco de aquellos dos combativos David enfrentados al Goliat de la laberíntica corrupción gubernamental. recibió ocho nominaciones de la Academia y fue galardonado con los Osear al mejor sonido. Alan J. que. los reporteros del Washington Post Woodward y Bernstein trasladaron sus experiencias a un libro que. un extremo que será confirmado por «Garganta Profunda». a convertirse en una película de primera categoría. Animados por el apoyo del actor. 1972). el Jefe de Personal de la Casa Blanca. mejor dirección artística. que administra el antiguo Ministro de Justicia. Seguirán trabajando en el caso.000 dólares. Comentario Fenómeno relativamente raro en la cinematografía norteamericana. los medios de comunicación y el gobierno. Bregando contra el escepticismo de sus colegas y el silencio de los principales testigos. John Mitchell. El film obtuvo unos ingresos de 30 millones de dólares. Adoptando un enfoque de documental para enfrentarse al maremágnum de personajes y de información. Muy característica de la película es la utilización de una fotografía con mucha luz y dotada de gran profundidad de campo para que las oficinas del Washington Post parezcan lo más amplias y luminosas posibles.000 ejemplares. gestionados por el Comité para la Reelección del Presidente (CRP). para entonces. mejor guión y mejor actor secundario. había vendido ya 2. Todos los hombres del presidente (1976) es el resultado de una hábil fusión entre la sensibilidad liberal y la influencia de su estrella Robert Redford y la fascinación del director Alan J. en este caso. Este último premio recaería en Jason Robards por su interpretación del papel de Ben Bradlee. ya era una inversión considerablemente alta. finalmente. el director del Post. . para proteger la que. descubren la existencia de unos fondos destinados al «juego sucio». La Warner Brothers compró los derechos a nombre de la Wildwood Enterprises de Robert Redford por un valor de 450. los dos periodistas conseguirán que un antiguo tesorero del CRP implique en la trama a Bob Hadelman. para finales del año 1975. y el proyecto pasó de ser una producción de bajo presupuesto. Pakula por los personajes obsesivos y por los más mínimos detalles del funcionamiento de las grandes estructuras de poder.414 ALLAN HUNTER LOS CLÁSICOS DEL CINE 415 aquellos hombres con Charles Colson. al poco de haber jurado un nuevo mandato.750. «Garganta Profunda». el Asesor Especial de la Presidencia. El interés de Redford por el robo que había tenido lugar en Watergate se remonta a los tiempos en que realizaba la gira promocional de su película El candidato (The Candidate. que Robert Redford se sintió obligado a coprotagonizar junto a Dustin Hoffmann. Siguiendo las orientaciones de su informante. supondrá la caída del presidente Nixon. con actores de segunda fila. por lo que supone de compromiso con las realidades políticas del momento. estableciendo así un contraste con el mundo sombrío de la ciudad y las furtivas figuras de los participantes en una peligrosa red de engaños y revelaciones.

un film que supondría su despedida del cine. antes de volver a embarcarse en empresas más arriesgadas ya en la década de los noventa. no obstante. Pedro Almodóvar aprovechó el retorno de las libertades tras la muerte de Franco para recrearse en una visión iconoclasta de las relaciones humanas y. autor. Voces distintas (Distant Voices. los viejos maestros adornaron el otoño de sus vidas con algunas obras verdaderamente notables. La guerra de las galaxias (1977) y E. que. Still Lives. se nutre fundamentalmente de adolescentes y de jóvenes de veintipocos años. tras el éxito obtenido con su película Ñola Darling (1986). 1988) o con las películas de Derek Jarman. Martin Scorsese.416 ALLAN HONTER LOS CLASICOS DEL CINE El presente La historia del cine contemporáneo Con una obra que incluye títulos como Encuentros en la tercera fase (1977). Steven Spielberg y George Lucas han sido los responsables de la mayor parte de las películas que componen en la actualidad la lista oficial de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos. Esa circunstancia explica algunos hechos desalentadores. el éxito de obras tan insustanciales como la serie Porkys (1981) o la tendencia a medir los logros cinematográficos atendiendo a criterios exclusivamente comerciales. tal fue el caso de Kurosawa con Kagemusha. Si de Finlandia nos llegó el adusto ingenio de Aki Kaurismaki. Así. se convirtió en uno de los niños mimados de las salas de arte y ensayo. 1983). En cualquier caso. John Sayles y Spike Lee. . si hay algo que sigue haciendo que acudir al cine sea un placer es. el cine británico ha conseguido salir adelante con producciones tan diversas como Carros de fuego (1981). En busca del arca perdida (1981). Las puertas del cielo (Heaven's Gate. este último. como son la sucesión de películas cuyas aspiraciones rara vez se elevan por encima del nivel de la entrepierna o superan un coeficiente intelectual de dos dígitos. su predominio dentro de las producciones de Hollywood durante la década de los setenta y ochenta ha contribuido a estrechar las miras de los principales estudios. 1991). (1982). la sombra del guerrero (Kagemusha. quedó eclipsado a escala internacional por el de películas como El manantial de las colinas (Jean de Florette. Sin embargo. Fuera del ámbito norteamericano. tras los elogios con que fueron acogidas sus obras Taxi Driver (1976) y Toro salvaje (1980). este último. Las dificultadesfinancierasque trajo aparejadas la producción de obras como Apocalypse Now (1979) y. su carácter imprevisible. precisamente. o de Bergman con su vitalista Fannyy Alexander (1982). con El silencio de los corderos (1991). 1986). especialmente. caso de El color del dinero (The Color ofMoney. o Jonathan Demme. elflorecientecine independiente norteamericano proporcionó un hogar a talentos como Jim Jarmusch. a pesar del conservadurismo de los grandes estudios. cuyo éxito. de Buñuel con Ese oscuro objeto de deseo (1977). de El gran azul (Le grand bleu. 1980) provocaron una reacción conservadora de los estudios hollywoodienses. al promover una visión adolescente del mundo. con su Terciopelo azul (1986). David Lynch.T. optó por una serie de proyectos menos arriesgados desde el punto de vista comercial. en consonancia con la edad media del público cinematográfico norteamericano. No obstante. 1988). el éxito en un área determinada nunca está garantizado y la mentalidad supervenías que impera hoy en día en Hollywood lo mismo puede producir esa mina de oro que fue Batman (1989) y el sorprendente éxito de Bailando con lobos (1990) que un bodrio tan monumental como El gran halcón (The Hudson Hawk. Un tipo genial (Local Hero. El contrato del dibujante (1982). tampoco tardaría en alcanzar talla internacional. La cinematografía china. Pero también el cine convencional terminó por madurar lo bastante como para aceptar a figuras como Woody Alien. En un mundo como el del cine. 1980). un cineasta que. por su parte. 1986) y Cyrano de Bergerac (1990). hoy en día. gracias a su película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). A pesar de tener que hacer frente a numerosos obstáculos. el sentimentalismo de Giuseppe Tornatore hizo que una película como Cinema Paradiso (1989) se ganara una multitud de admiradores en todo el mundo. Al otro extremo de la pirámide de las edades. la obra más taquillera de la década en su país natal. inició una carrera más convencional y llegó a convertirse en el portavoz oficioso de una nueva generación de realizadores afroamericanos. mientras que Francia alentó los empeños estilistas de Jean-Jacques Beineix o Luc Besson.

Frank Vincent (Salvy).UU. Joe Pesci (Joey). se niega a entrenar. 1980 Paul Schrader y Mardik Martin (basado en un libro de Jake La Motta. quizá la más fieramente visceral y audaz desde el punto de vista estilístico de todas las realizadas por un director cuya carrera está salpicada de retos. tanto dentro como fuera del ring. es encarcelado por servir a jovencitas menores de edad y. Cathy Moriarty (Vickie La Motta). comienza a ganar peso de forma alarmante y da muestras de unos celos enfermizos. es un buen indicador del aplauso unánime que ha merecido esta película. Theresa Saldana (Lenore). se entregara al máximo y realizara una de sus interpretaciones más incisivas. o las aterradoras peleas familiares a que dan lugar los celos irracionales y . como suele ocurrir con la mayoría de la obra de Scorsese. al comprobar lo atractiva que resulta su segunda mujer Vickie a los ojos de otros hombres. Argumento Impulsado por un feroz deseo de victoria. INTÉRPRETES: Robert De Niro (Jake La Motta). DURACIÓN: 129 minutos.418 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 419 Comentario Toro salvaje RAGING BULL DIRECTOR: Martin Scorsese. a engordar veinticinco kilos para dar la imagen del boxeador en su declive. Toro salvaje es en un nivel de lectura un desahogo reflexivo sobre esa angustia. Una vez alcanzado su objetivo. En su calidad de dueño de un club nocturno. en las que la sangre brota a borbotones de unos rostros distorsionados. MONTAJE: Thelma Schoonmaker. GUIÓN: EE. Por otro lado. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Alan Manser. uno de los dos premios que obtuvo el film -el otro recayó en la montadora Thelma Schoonmaker. golpea a su leal hermano y pierde también su título. A pesar de que. con más del doble de votos que su más próximo rival. en otro nivel. pronto vuelve a pelear y consigue arrebatar el título a Marcel Cerdan. pierde a su esposa. Su empeño en caracterizar adecuadamente al personaje le llevó a entrenarse primero para adquirir el físico y la técnica de un boxeador y. Su actuación le valió el Osear al mejor actor. PRODUCCIÓN: United Artists (Irwin Winkler y Robert Chartoff). que produce la dicotomía cuerpo/alma. tiene que conformarse con ganarse la vida en un espectáculo de cabaret en el que rememora sus errores pasados. finalmente. Incapaz de comunicarse si no es con sus puños. FOTOGRAFÍA: Michael Chapman. A lo largo de la película. Nicholas Colasanto (Tommy Como). Aunque sus relaciones con la Mafia están a punto de hacerle perder la licencia. Kirk Axtell y Sheldon Haber. el film de Scorsese Toro salvaje figurara en el primer lugar de la lista de «Films de la década».de un total de ocho nominaciones. con el desarrollo de un sentimiento de su propia valía espiritual. Scorsese contrapone la brutalidad con que su héroe-víctima se castiga a sí mismo y a los demás. se trata de un retrato particularmente duro de las limitaciones de los valores masculinos. un colaborador habitual de Scorsese. Contemplando la impactante estilización de las escenas de combate. mientras el rodaje estuvo detenido. típicamente católica. Jake La Motta va pulverizando a los rivales que se interponen entre él y la posibilidad de aspirar al cetro de los pesos medios.. su disciplina se relaja. la vida de Jake La Motta también sirvió para que Robert De Niro. El hecho de que en la encuesta realizada en 1989 por la revista norteamericana Premiére entre diversos críticos y cineastas. B/N. en colaboración con Joseph Cárter y Peter Savage).

B/N. se mantuvo a Elia Kazan como di- . Stella cogerá a su hijo recién nacido y se irá de la casa. Llegado el momento de realizar su versión cinematográfica. Blanche du Bois acude a visitar a su hermana Stella y al marido de ésta.. Stanley viola a Blanche y precipita su definitivo hundimiento en la locura. INTÉRPRETES: Vivien Leigh (Blanche du Bois). Karl Malden (Mitch). te contándole la verdad sobre la refinada y elegante Blanche a su amigo Mitch. llamado Marión Brando. lo que el espectador tiene ante sus ojos son los impulsos que mueven al machismo en su modalidad más autodestructiva. que le escucha encantado. el resultado final es una perturbadora explosión física que nunca podrá llegar a clasificarse recurriendo a algún esquematismo simplista. Stanley y Blanche se quedan solos en el claustrofóbico piso. que le reclama la parte que les corresponde por la venta de la casa familiar. MONTAJE: David Weisbart. Un tranvía llamado Deseo A STREETCAR NAMED DESIRE EE. Marión Brando (Stanley Kowalski). FOTOGRAFÍA: Harry Stradling. Nick Dennis (Pablo Gonzales). Feldman). DURACIÓN: 125 minutos. con un reparto encabezado por Jessica Tandy y un joven de veintitrés años. Cuando Stella es hospitalizada a causa de su embarazo. Argumento Comentario Nueva Orleans.UU. Rudy Bond (Steve Hubbell). Stanley se dedica a desenterrar los secretos de su escandaloso pasado. Stanley se regodea especialmenBajo la dirección del propio Elia Kazan. entre ellos el suicidio de su marido y su fama de ser una mujer de la vida. que causó una auténtica sensación con su electrizante interpretación del brutal Stanley Kowalski. basado en el drama de Williams. dejando solo a Stanley. Kim Hunter (Stella Kowalski). Blanche se verá forzada a reconocer que ya no queda nada de aquel dinero. GUIÓN: Tennessee Williams y Osear Saúl. Stanley. 1951 DIRECTOR: Elia Kazan. Aprovechando al máximo el expresionismo de la brillante fotografía en blanco y negro de Michael Chapman y ese virtuosismo formal del que hace gala Scorsese con total naturalidad. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (Charles K. MÚSICA: Un tranvía llamado Deseo Alex North. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. que se quedará llamándola a gritos por su nombre.420 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 421 paranoicos de La Motta. Molesto por la elegancia y los aires que se da Blanche. la obra de Tennessee Williams fue estrenada en Broadway en diciembre de 1947.

MÚSICA: Herbert Windt. Aunque el film es. con su clásico estilo interpretativo de la escuela inglesa. Tras su debut en las pantallas con la película Hombres (TheMen. La intensidad emocional y la autenticidad de su logro. Tanto en las primeras escenas. como en el dinamismo de los dieciocho minutos de desfile o en las monumentales panorámicas arquitectónicas de la secuencia de la colocación de las coronas. Por otro lado. básicamente. Hitler y su ministro de Información. DURACIÓN: 120 minutos. inspirado en las ideas de Stanislavsky. PRODUCCIÓN: NSDAP (WalterTrauty Walter Groskopf). de Vivien Leigh. FOTOGRAFÍA: Sepp Allgeier. un documental. de dentro afuera. no por ello deja de suponer un avance hacia un tratamiento más maduro de la sexualidad que el permitido hasta entonces por el remilgado y restrictivo Código de Producción. de que recogiera en una película el mitin que se celebraría en Nuremberg en 1934. 1934 DIRECTOR: Leni Riefenstahl. Comentario Nada más hacerse con el poder en Alemania. B/N. la película marcó la consagración de Brando como una estrella cinematográfica con todas las de la ley. que fue sustituida por Vivien Leigh. la psique de su personaje. había sido difundido en los Estados Unidos por Lee Strasberg. Muy pronto. el control que ejerció Leni Riefenstahl sobre la composición y el montaje fue tan completo que los elementos propiamente reales se convirtieron finalmente en la materia prima para elaborar un repelente mito wagneriano. En 1984 se realizó una adaptación televisiva de Un tranvía llamado Deseo. así como a una buena parte del reparto que había interpretado los papeles en escena.422 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 423 rector. influiría en sucesivas generaciones de actores y contrastó vivamente con la actuación. efectuado por el propio Hitler. cortos y documentales se convirtieron en herramientas de propaganda del Partido. El triunfo de la voluntad TRIUMPH DES WILLENS Alemania. Josef Goebels. 1950). un mitin que se escenificaría para que las más de treinta cámaras y el personal de ciento veinte operarios puestos a su disposición pudieran sacar el mayor provecho del mismo. MONTAJE: Leni Riefenstahl. que fueron a parar a Vivien Leigh. noticiarios. A pesar de que la versión cinematográfica eliminó cualquier referencia a la homosexualidad del primer marido de Blanche y atenuó de forma considerable la ninfomanía de ésta. obteniendo tres de ellos. que pudo mostrarse mucho más fiel al original. con la notable excepción de Jessica Tandy. El film fue nominado para doce premios de la Academia. El contraste de técnicas y personalidades entre Brando y la actriz británica contribuyó a realzar aún más una situación dramática cargada de tensión. protagonizada por Ann-Margret y Treat Williams. Karl Malden y a la dirección artística. se dieron cuenta de que el medio cinematográfico podía desempeñar un papel muy importante en la difusión de la doctrina nazi a un público lo más amplio posible. Éste fue el contexto en que se produjo el nombramiento de la actriz y directora Leni Riefenstahl para el cargo de «asesora cinematográfica del Partido Nacional Socialista» y el encargo. Brando sería derrotado por la actuación de Humphrey Bogart por su papel en La reina de África (1951). igualmente eficaz. su interpretación de Kowalski dejó atónito a todo el mundo por su descarnado realismo y por su utilización de las técnicas interpretativas del Método. así como la decisión con que exploró. cuando se produce el mesiánico descenso del avión del Führer desde las nubes. la maestría del montaje de . que.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Walter Scott Herndon.. Cuando Billy. Jeff Bridges (Duane Jackson). que le llevó a cubrir los Juegos Olímpicos de 1972 y a realizar una serie de reportajes sobre la tribu de los mesakin nuba del África oriental. Sonny Crawford inicia una problemática relación con Ruth Popper. B/N. Cybill Shepherd (Jacy Farrow). Riefenstahl consigue trastocar el sentido de la perspectiva del espectador. asistiendo a la última película que se proyecta en el cine. frustrado por el comportamiento de Jacy.424 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 425 Leni Riefenstahl consigue crear impresionantes diseños abstractos de imágenes y sonidos. Jacy y Duane intentan fugarse juntos. no es fácil sustraerse al interrogante de si el énfasis en las glorias formales de Riefenstahl no supone. PRODUCCIÓN: BBS/Last Picture Show (Stephen J. forzando al espectador a una valoración en términos estrictamente cinematográficos. una vez concluida la guerra. un acaudalado joven. Olimpiada (Olympia: Fest der VolkerFest der Schónheit. es otro documental de corte propagandístico. Anarene. Jacy se dedicará entonces a coquetear con Sonny. Saltando constantemente de los planos generales (un vasto despliegue de estandartes nazis) a los primeros planos (la mano de un hombre posada en un estandarte). los comités de desnazificación otorgaron a Leni Riefenstahl un «certificado de limpieza ideológica». Ellen Burstyn (Lois Farrow). Duane.UU. de una factura técnica impresionante. no es de extrañar que la directora no llegara nunca a retomar del todo sus actividades cinematográficas. Texas. en cierto modo. INTÉRPRETES: Timothy Bottoms (Sonny Crawford). 1971 Peter Bogdanovich. La última película THE LAST PICTURE SHOW DIRECTOR: EE. MÚSICA: Varias grabaciones de los años 50. que tiene la mirada puesta en Boby Sheen. cuando el viejo muera. Friedman). MONTAJE: Donn Cambern. se sentirá muy apenado. en el que se celebran los Juegos Olímpicos de Berlín a modo de «loa a los ideales del nacionalsocialismo». Sonny se entera de que Sam El León tuvo en tiempos una relación sentimental con la madre de Jacy y. Ben Johnson (Sam El León). Aunque. Sonny buscará consuelo en brazos de Ruth. creando así un aura de armonía visual que casa de forma implícita con el mensaje que se quiere transmitir. un muchacho retrasado. y cuyo estreno se produjo en la gala que se dio para celebrar el cuarenta y nueve cumpleaños de Hitler. una aprobación tácita a su trabajo como propagandista nazi. Aunque es lícito argumentar que semejante despliegue de talento formal trasciende el contenido de lo que se contempla. DURACIÓN: 118 minutos. sea asesinado. mientras su amigo Duane sigue empeñado en conquistar a la distante Jacy. 1938). que recibirá una brutal paliza a manos del celoso Duane cuando éste regrese. Cloris Leachman (Ruth Popper). Entretanto. pero son interceptados por los padres de la chica. si bien iniciaría una nueva carrera como reportera gráfica con el nombre de Helen Jacobs. Argumento Año 1951. GUIÓN: Larry McMurty y Peter Bogdanovich (basado en la novela de McMurty). Su siguiente obra. . Duane pasa su última noche en el pueblo en compañía de Sonny. FOTOGRAFÍA: RObert Surtees. la esposa del entrenador del equipo de fútbol. decide abandonar el pueblo y alistarse para la guerra de Corea.

. Frankovich y William Self. Nevada. Acaba con los tres. arroja lejos de sí el . Texasville (1990). James Stewart (Dr. ya había demostrado su talento con El héroe anda suelto (Targets. pero. Semejante logro es posible gracias a una poderosa combinación de precisión. volvió a reunir a Bogdanovich con el reparto de la cinta original para realizar una historia a retazos sobre el malestar de las personas de mediana edad y sus desilusiones. la película no consiguió repetir el aplauso de crítica y público que obtuvo la cinta original. asqueado. Books se aloja en casa de la viuda Bond Rogers. sólo en los Estados Unidos. una secuela. El famoso pistolero John Bernard Books llega a la ciudad para ir a la consulta del Dr. ambientada muchos años después. pero queda gravemente herido. y allí traba amistad con Gillon. Hugh O'Brien (Pulford). Igualmente sorprende el éxito comercial de la película de Bogdanovich. DURACIÓN: 100 minutos. su consagración como uno de los más prometedores talentos del joven cine norteamericano vendría de la mano de La última película. un thriller lleno de originalidad y tensión. GUIÓN: Miles Hood Swarthout y Scott Hale (basado en una novela de Glendon Swarthout). Gillon interviene para matar al camarero. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Boyle. aspiraciones y deseos insatisfechos de la población joven y adulta de una polvorienta y decadente localidad texana de los años cincuenta. MONTAJE: Douglas Stewart. 1976 DIRECTOR: Don Siegel. No obstante.426 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 427 Comentario Aunque Peter Bogdanovich. un primoroso y nostálgico film en el que se narran las frustraciones. que hace pensar en las maneras de cineastas como Renoir o Satyajit Ray más que en ese populismo vago y carente de conciencia social al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. Richard Boone (Mike Sweeney). MÚSICA: Elmer Bernstein. la película es un caso prácticamente único dentro del cine norteamericano contemporáneo por la maestría con que sabe destilar la esencia de una época y esclarecer las vidas vacías de unos individuos que viven en una comunidad perfectamente definida. además de conseguir ocho nominaciones de la Academia que se materializarían en dos merecidísimos Osear por su trabajo de secundarios para los veteranos Cloris Leachman y Ben Johnson. Books arregla diversos asuntos pendientes y accede a enfrentarse en el saloon con tres pistoleros. el hijo de ésta.UU. al que trata de quitar de la cabeza la romántica idea que tiene sobre su violenta profesión. INTÉRPRETES: John Wayne (John Bernard Books). Argumento Carson City. a la que la fotografía en blanco y negro de John Surtees retrata con tintes elegiacos. Ron Howard (Gillom Rogers). y el camarero aprovecha para dispararle un balazo que resultará fatal. deseosos de añadir su nombre a la lista de sus víctimas. El último pistolero THE SHOOTIST EE. el director John Ford. finalmente. un periodista pasado a la dirección cinematográfica. que le diagnostica un cáncer en fase terminal. Sorprendente por su sentido pictórico de la composición y por la madurez con que están caracterizados sus personajes. FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees. Hostetler. 22 de junio de 1901. enmarcado en las celebraciones del centenario de la localidad. dos actores que participaron en el proyecto gracias a la intervención de un buen amigo de Bogdanovich. Hostetler). PRODUCCIÓN: Mike J. 1967). obtuvo unos ingresos por taquilla de 13 millones de dólares. compasión y emotividad descarnada. Lauren Bacall (Bond Rogers). que. Decidido a asegurarse una salida digna.

caso de John Carradine. DURACIÓN: 129 minutos. Por otro lado. Wayne realiza una de sus interpretaciones más sobrias y conmovedoras (la lucha que mantiene su personaje contra el cáncer no es sino un reflejo del propio combate del actor en la vida real). contribuye a convertirla en el último y emocionado adiós de John Wayne. INTÉRPRETES: Marión Brando (Paul). Lauren Bacall. desde la calidez que se desprende de las escenas rodadas junto a Lauren Bacall o Ron Howard. 1972). un gesto que recibe una mirada aprobatoria de Books justo antes de morir. 1972 Bernardo Bertolucci. María Schneider (Jeanne). la última película que protagonizaría John Wayne es uno de los más conmovedores cantos de cisne de una estrella que jamás se hayan llevado a la pantalla.428 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 429 arma. Mauro Marchetti (Cámara de TV). Después. 1962).que sirven para dar a conocer al espectador la historia del personaje. 1955). El último tango en París ULTIMO TANGO A PARIGI DIRECTOR: Italia/Francia. Al principio de la película.que ponen de manifiesto que el avance de la civilización es una sentencia de muerte para el salvaje mundo de la frontera. 1962). hacen allí mismo el amor. Al día siguien- . por ejemplo. MONTAJE: Franco Arcalli. mientras Jeanne va a reunirse con su prometido. el film trata a su personaje central como si fuera una reliquia de una era desaparecida. Catherine Sola (Script de TV). El periódico que lee Books le informa del fallecimiento de la reina Victoria y de otros muchos detalles -los coches sin caballos. coprotagonista con Wayne de El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Fredinando Scarfiotti. Darling Legitimus (Portera). MÚSICA: Gato Barbieri. donde hace poco se suicidó su mujer. con toda su pintoresca gama de pistoleros. el agua corriente. Paul y Jeanne. Con ciertos toques que recuerdan al Sam Peckinpah de Duelo en la alta sierra (Ride in the High Country. que hace del enterrador de Carson City. que fue la protagonista de Callejón sangriento (Blood Alley. algo que también es aplicable al propio género del western. el cineasta Tom. FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro. hasta la dignidad y el vigor que muestra el protagonista en la escena de su fallecimiento. Comentario Homenaje al legado de una leyenda del cine y lamento por la desaparición del género del western. GUIÓN: Bernardo Bertolucci. John Wayne y los cowboys (The Cowboys. mientras que el enérgico alegato contra cualquier exaltación de la violencia que se expone en la película es un reconfortante antídoto contra el entusiasmo por las armas de que habían hecho gala las películas más recientes del actor. la electricidad. PRODUCCIÓN: PEA Cinematograficia/Les Artistes Associés (Alberto Grimaldi). Jean-Pierre Leaud (Tom). el reparto incluye a muchos actores que desempeñaron un papel importante en la leyenda de John Wayne. Argumento París. él regresa a su hotel. que acaban de conocerse en un piso vacío. Franco Arcalli y Agnes Varda. Todo en esta película. o James Stewart. el jugador de La diligencia (1939). Don Siegel se cuida de recordar al público sus tiempos de montador con un hábil montaje de secuencias de anteriores filmes de John Wayne -Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959) entre otros.

la segunda de ellas la de mejor director). Russell Simpson (Pa Joad). Jeanne le mata de un disparo y comienza a preparar para la policía una historia creíble sobre un agresor desconocido.UU. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Richard Day. la sobresaliente y expuesta interpretación de Marión Brando tuvo mucho que ver en ello. escenas como aquella en la que Brando se derrumba y rompe a llorar frente al cadáver de su esposa. a medida que trata de enfrentarse al vacío de su matrimonio y al reciente suicidio de su esposa. Sin lugar a duda. el actor resulta unas veces brutal y otras trágico. le pide que se case con él y la lleva a rastras a un concurso de tangos. a veces. DURACIÓN: 125 minutos. PRODUCCIÓN: Twentieth Century Fox (Darryl F. Una relación cada vez más degradante hace que Jeanne se sienta desgarrada entre la humillación y el amor. Por desgracia. Mark Lee Kirk y Thomas Little. aunque la película de Bertolucci se centra en la elección que ha de hacer la protagonista entre la sensualidad sin compromisos que le ofrece Brando y el noviazgo convencional. FOTOGRAFÍA: Gregg Toland. y a pesar de sus fallos. El encanto se ha roto. Con todo. constituyen para todo espectador uno de esos raros momentos de epifanía que. Dorris Bowdon (Rosaham). Tras haber utilizado mantequilla para sodomizarla. .430 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 431 te. Comentario El último tango en París.. 1940 DIRECTOR: John Ford. tuvo un efecto liberador para el medio cinematográfico en su conjunto. Jane Darwell (Ma Joad). que representa el incorregible cineasta interpretado por Jean-Pierre Leaud. John Carradine (Casy). GUIÓN: Nunnally Johnson (basado en la novela de John Steinbeck). Si bien es cierto que la combinación entre sus excelentes resultados en taquilla y su procesamiento en virtud de las leyes contra la obscenidad italianas hicieron de la película una especie de succés de scandale. el empeño que pone Schneider en su interpretación no consigue rayar a la misma altura y. Paul está allí y ambos deciden dar rienda suelta a sus obsesiones sexuales sin desvelar ningún detalle sobre sus vidas. Jeanne regresa al piso. Cargando a sus espaldas todo su bagaje de estrella. MONTAJE: Robert Simpson. Charley Grapewin (Abuelo Joad). INTÉRPRETES: Henry Fonda (Tim Joad). lo cierto es que se aprende mucho menos sobre las angustias de una joven que trata de conservar su sentido de la identidad que sobre el autoengaño al que se somete el hombre de más edad en su intento de alcanzar una sensación de comunión en los más oscuros recovecos de la sensualidad. Zanuck). puede llegar a ofrecer el arte cinematográfico. MÜSICA: Alfred Newman. B/N. o los perturbadores momentos de depravación mutua a los que se entrega la pareja. con final en matrimonio. Paul rompe las reglas: le cuenta su vida. conviene no olvidar que también supuso una confirmación fehaciente de que la mayoría del público (y buena parte de los censores) estaban preparados para aceptar que se trataran los temas más íntimos y se mostraran de manera directa las relaciones sexuales en un contexto que no fuera el de la mera pornografía. El último tango en París rebosa veracidad emocional. Las uvas de la ira THE GRAPES OF WRATH EE. verdadero punto de inflexión en el tratamiento del sexo en la pantalla. Su presencia eleva el arte interpretativo cinematográfico a una nueva cumbre de credibilidad y tuvo como resultado una nueva nominación para el Osear al mejor actor (una de las dos que recibió la película.

y la Twentieth Century Fox adquirió los derechos para el cine por 70. el libro se convirtió de inmediato en un éxito de ventas. Darryl F. en todas ellas se halla presente ese imperativo fordiano que es la búsqueda por parte del grupo de un lugar pacífico que puedan considerar propio. muchos eran los que pensaban que su trasposición a la pantalla no haría sino legitimar aún más sus postulados socialistas. por su parte.000 dólares. 1946). entre ellos el de mejor actor. Casy. Probablemente eso -mi propia tradición irlandesa. mostrará su voluntad inquebrantable de mantener a la familia unida.tuvo algo que ver en ello. En los años sesenta. Publicado en marzo de 1939. Tom venga su muerte. Ni el trabajo ni la hospitalidad abundan en el camino. que fueron a parar a John Ford y Jane Darwell. Tom se une a ellos en un arduo viaje con destino a California. Comentario Quizá lo mas sorprendente de una película como Las uvas de la ira sea que la emotiva novela de John Steinbeck sobre la Norteamérica de tiempos de la Depresión pudiera llegar a las pantallas sin cambio alguno en el Hollywood de los años cuarenta. De hecho. Sin duda. John Ford le contaría a Peter Bogdanovich lo siguiente: «la historia era similar a la de la hambruna en Irlanda. la película fue finalmente galardonada con dos Osear. el jefe del estudio. sean cuales sean las circunstancias que puedan darse en el futuro. Zanuck. Tom Joad regresa a la granja algodonera que su padre tiene en Oklahoma y se encuentra con que su familia ha sido desahuciada de sus tierras. a la división de caballería de la trilogía iniciada con Fort Apache (1948). Ella. es asesinado cuando intenta organizar una huelga para protestar por las condiciones lamentables en que se encuentran. convirtiéndose en un fugitivo. un sacerdote. Nominada para siete premios de la Academia. encargó el guión a Nunnally Johnson. encuentra un refugio provisional. pero. . y contrató a John Ford para la dirección. en cualquier caso. me atraía la idea de una familia que tiene que ponerse en marcha para tratar de encontrar su lugar en el mundo». 1964). Novela controvertida. en este caso bien organizado. un antiguo reportero de prensa. y será allí donde prometa a su madre que continuará luchando por los derechos de los trabajadores.432 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 433 Argumento Tras haber pasado un tiempo en prisión por haber matado a un hombre en defensa propia. que llegó a ser prohibida. el único compañero fiel son las múltiples privaciones. e incluso a los propios indios de El gran combate (CheyenneAutumn. e incluso quemada. la profesión de fe en «el pueblo» que manifiesta Ma Joad al final de la cinta está en consonancia con esa idea del espíritu comunal como fuente de vida que es una de las piedras angulares de muchas de las obras de John Ford. En un campamento estatal de tránsito. en varios lugares de América. cuando echaron a la gente de sus tierras y los dejaron vagar por los caminos hasta morirse de hambre. aceptando una condición por la que se comprometía a respetar la «intencionalidad social» de la obra literaria. las dificultades que afligen a los oakies no difieren tanto de las que acucian a los vecinos del pueblo de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine. En un campamento al que llegan. por la magnífica interpretación de Henry Fonda. Resistiéndose con toda energía a todos aquellos planteamientos reaccionarios.

En la década de los setenta. (1982) había derivado . sin embargo.y con Atmósfera cero (Outland. a las que podrían añadirse algunas obras tan amenas e ingeniosas como Dark Star (1974) o The Man Who Fell to Earth (1976). en los años noventa tan sólo la continuidad de las aventuras de la nave Enterprise y la confusa utopía negativa. 1973) o Soylent Green. Convertido en el género de mayor viabilidad comercial del momento. 1973). un film que. sólo se practicó de forma ocasional durante las primeras décadas del siglo xx.o degenerado. Ejemplos de lo dicho serían películas como El enigma de otro mundo [The Thing. generalmente hostiles. confirieron expresión dramática a la paranoia que existía en la «guerra fría» ante la posibilidad de un ataque enemigo. Sin embargo. 1979). utilizar los vastos recursos de que dispone el cine para imaginarse cómo será el futuro o qué aspecto tendrán los habitantes de los planetas más lejanos ha sido una tentación irresistible para todos los cineastas. Flash Gordon (1980) y El enigma de otro mundo (1982). con sus inmensos decorados que representaban la ciudad deshumanizada del mañana. G. el octavo pasajero (Alien. cuando los encuentros con seres extraterrestres. La guerra de los mundos (Warofthe Worlds. 1979) y Jeff Bridges realizaba su particular aportación al género con su emotiva interpretación en la película Starman (1984). entre las que se contaban Almas de metal (Westworld. El cuento de la doncella (The Handmaid's Tale. una odisea del espacio (1968).434 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 435 «No dejéis de vigilar los cielos» El cine de ciencia-ficción Desde el preciso instante en que Georges Méliés filmó Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune. a la vez que un espectáculo visual arrebatador. 2001. con la película Star TrekILapelícula (Star Trek. un colaborador de Kubrick en aquel film. en el que unas hormigas gigantes siembran el caos en el sudoeste de los Estados Unidos. 1990) mantuvieron la vitalidad del género. otras se ocuparon de prevenir sobre los peligros de los avances científicos en materia de energía nuclear y. . a la vez que se producía la llegada a la pantalla grande de la serie Star Trek. 1951). El terror fue transportado al espacio exterior en producciones como Alien. T. 1953) y. 1971) y proliferaron una serie de películas que ofrecían una visión particularmente lúgubre de un mundo contemporáneo que se deslizaba hacia un futuro disfuncional. 1936).en una entrañable cursilería. cuando salió a la luz su obra E. era una nueva versión de Solo ante el peligro (1952). una película que insufló una fe cuasirreligiosa al postulado de la existencia de unos seres extraterrestres que irradiaban bondad. 1954). más en concreto. una fe que. el género sólo alcanzaría la cúspide de su triunfo comercial con el fenomenal éxito que obtuvo la aventura de la era espacial de George Lucas La guerra de las galaxias (1977) y el film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase (1977). Invasores de Marte (Invaden from Mars. entre ellas El planeta de los simios (Planet ofthe Apes. cuya combinación de unos efectos especiales de última generación con unas secuencias visuales pseudopsicodélicas y una desconcertante maraña de significados constituían un verdadero desafío para cualquier inteligencia. El género. Los viajes espaciales que tenían lugar en la vida real y la llegada del hombre a la luna coincidieron con algunas de las producciones más imaginativas del género. o la versión que hizo William Cameron Menzies de la visión del futuro de H. 1953). que fue merecedora de una nominación para los Osear. mientras que el western se transfirió a las fronteras del espacio con Batalla más allá de las estrellas (Battle Beyond the Stars. 1980) -una adaptación libre de Los siete magníficos. debutó en la dirección con Naves misteriosas (Silent Running. una serie que aún hoy sigue impactando. 1958). o en El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man. como ocurría en La humanidad en peligro (Them. Por estos mismos años se realizaron nuevas versiones de La noche de los muertos vivientes (1978). el género no se convirtió en una presencia habitual en las salas de cine hasta la postguerra. Wells en La vida futura (Things To Come. La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). No obstante. Douglas Trumbull. a todos los efectos. 1951) haría sonar una nota discordante al plantear la posibilidad de que los alienígenas vinieran en son de paz. Sólo el tiempo dirá si su pérdida de favor entre el público es o no una circunstancia coyuntura!. la más impactante de todas. A pesar de la popularidad de series como Flash Gordon (1936) y del impacto de la famosa versión radiofónica que hizo Orson Welles de La guerra de los mundos en 1938. 1968) y sus numerosas secuelas. 1902). o la obra de Stanley Kubrick. Cuando el destino nos alcance (Soylent Green. 1981). sobre sus desconocidos efectos secundarios. en la que se producía un alarmante caso de disminución de tamaño. lo cual no obstó para que produjera algunas obras notables. Si una película como Ultimátum a la tierra (The Day The Earth Stood Still. como la poderosa alegoría que hizo Fritz Lang en Metrópolis. la ciencia-ficción fue utilizada para enmascarar otros géneros. película esta última que contaba con la presencia de David Bowie en el papel de un alienígena que visita la tierra.

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Comentario

El vampiro de Dusseldorf
M-EINE STADT EINE MORDER Alemania, 1931
DIRECTOR: Fritz Lang; GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou (basado en un artículo de Egon Jacobson); PRODUCCIÓN: Ñero Film/A. G.Ver Star Film (Seymour Nebenzal); FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner, Gustav Rathje y Karl Vash; MONTAJE: Paul Falkenberg; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Volbrecht y Emil Hasler; MÚSICA: Extractos del «Peer Gynt» de Grieg; INTÉRPRETES: Peter Lorre (El

asesino); Otto Wernicke (Inspector Karl Lohmann); Gustav Grundgens (Schraenker); Theo Lingen (Baurenfaenger); Theodor Loos (Inspector jefe Groeber); Georg John (Vendedor ambulante); DURACIÓN: 118 minutos; B/N. Argumento Una ciudad alemana vive atemorizada por un demente que se dedica a asesinar niños y al que buscan tanto la policía como los propios delincuentes. Cuando una hermosa niña, Elsie Berckmann, se convierte en su última víctima, los delincuentes organizan una red de espionaje formada por ciegos, para que les informen de cualquier posible pista. Silbando como de costumbre, el asesino se acerca a otra víctima en potencia, cuando es reconocido por un vendedor de globos ciego y un niño le marca una «M» con tiza. Aterrorizado, el asesino emprende la huida y se refugia en un ático abarrotado de objetos. Sin embargo, sus perseguidores lo descubren oculto en una alfombra y le someten a un juicio improvisado. Enfrentado a un tribunal elegido arbitrariamente, el asesino se niega a reconocer su derecho a juzgarle y asegura que no tiene control sobre el mal que reside en su interior. La multitud comienza a clamar por su ejecución, momento en que irrumpe la policía y arresta al asesino.

Mientras que los thrillers que realizaría durante su época americana, entre ellos La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944) o Los sobornados (The BigHeat, 1953), iban a centrarse en la descripción de unos sombríos paisajes urbanos poblados casi exclusivamente por criminales psicópatas e inocentes desencantados, quizá sea en El vampiro de Düsseldorfdonde se pueda encontrar la expresión más pura de esa visión extremadamente pesimista, tan característica de Fritz Lang. Basada en el caso real de un asesino de niños de la ciudad de Dusseldorf y titulada en un principio «El asesino se encuentra entre nosotros», la película, escrita para la pantalla por el propio Lang en colaboración con su mujer, Thea von Harbou, constituye una escalofriante mezcla de expresionismo y realismo. El principal personaje, un pequeño burgués que se transforma en un asesino en serie incapaz de controlarse a sí mismo, sirve para hacer hincapié en la tensión entre un orden cada vez más débil y ese caos creciente que sería uno de los denominadores comunes del período de la historia alemana que conocemos como la República de Weimar, así como una de las razones que crearon las condiciones que facilitaron el ascenso de Hitler al poder. El vampiro de Dusseldorf íue también la primera película sonora realizada por su director, que, sin embargo, se adaptó al nuevo medio con singular maestría; algo que resulta evidente por la habilidad con que hace progresar la historia valiéndose tanto de la información visual como de la auditiva y por el uso innovador que hace de los diálogos superpuestos para trazar un paralelismo entre la policía y el hampa de la ciudad, unidos por el propósito de apresar al desalmado que se encuentra entre ellos. En un climax memorable, Lang hace que un Beckert atrapado asegure que es incapaz de ayudarse a sí mismo y pida clemencia a esa congregación de individuos que se tienen por infalibles; la línea

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divisoria entre la inocencia y la culpabilidad, entre la ley y el caos se ha vuelto casi indistinguible. En 1951, Joseph Losey dirigiría en los Estados Unidos una versión de la película, mucho menos eficaz y sin tantas resonancias simbólicas, con David Wayne en el papel del asesino.

sus dedos, la providencial llegada de Doyle le salva. No obstante, caerá desde el tercer piso y se romperá la pierna sana, lo que le obligará a prolongar su convalecencia voyeurística.

Comentario Alfred Hitchcock ya había trabajado con James Stewart en La soga (Rope, 1948), una película cuya acción se circunscribía a un apartamento y en la que el director experimentó con la limitación narrativa de realizar tan sólo planos de diez minutos de duración. La restricción que se impuso para su segunda colaboración fue observar los acontecimientos desde el punto de vista de un protagonista confinado en una silla de ruedas, de tal modo que los espectadores experimentaran su misma sensación de claustrofobia y participaran de sus impulsos voyeurísticos. Filmada en un complejo plato sonorizado de la Paramount, la película tiene tanto que ver con la relación entre el prestigioso fotógrafo interpretado por James Stewart y su novia modelo, Grace Kelly, como con el desenmascaramiento del asesino que interpreta Raymond Burr. En todo momento se nos presenta a Grace Kelly como el miembro con más iniciativa de la pareja, un personaje que rezuma erotismo y que siempre está poniendo en entredicho la virilidad de James Stewart, con su empeño en llevarle al altar y su disposición a arriesgar su vida para satisfacer la curiosidad de aquél. La escena en la que la Kelly enseña a Stewart un minúsculo camisón que ha sacado de su bolso y le promete que aquello no es más que un anticipo de futuras atracciones, constituye una de los momentos más eróticos del cine de los años cincuenta, comparable al encuentro entre Marilyn Monroe y una rejilla de ventilación en La tentación vive arriba {The Seven Yearltch, 1955). Con todo, Hitchcock se complace en retratarla a la vez como objeto de deseo y como

La ventana indiscreta
REARWINDOW EE.UU., 1954
DIRECTOR: Alfred Hitchcock; GUIÓN: John Michael Hayes (basado en un relato breve de Cornell Woolrich); PRODUCCIÓN: Patrón Production para Paramount (Alfred Hitchcock); FOTOGRAFÍA: Robert Burks; MONTAJE: George Tomasini; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hal Pereira y Joseph McMillan Johnson; MÚSICA: Franz Waxman; INTÉRPRETES: James Stewart (L. B. Jeffries); Grace Kelly (Lisa Fremont);

Wendell Corey (Thomas J. Doyle); Thelma Ritter (Stella); Raymond Burr (Lars Thorwald); Judith Evelyn (Miss Lonelyhearts); DURACIÓN: 112 minutos.

Argumento Inmovilizado a causa de una pierna rota, el fotógrafo L. B. Jeffries se entretiene espiando a sus vecinos. Su interés se centra especialmente en el Sr. Thornwald y su esposa, una pareja que siempre está peleando. Cuando la mujer desaparece, Jeffries sospecha que puede haberse cometido un crimen. Aunque su amigo, el detective Doyle, desestima la teoría, Lisa, la novia de Jeffries, accede a entrar en secreto en el piso de Thornwald. Éste la descubre y, luego, entra en el piso de Jeffries, que, en un primer momento consigue cegarlo con los destellos de su flash. Cuando Jeffries se encuentra colgando de la ventana, sostenido tan sólo por la punta de

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amenaza en potencia; en un momento en que Jeff se encuentra dormido, la inquietante sombra que súbitamente se proyecta sobre sus facciones no es sino la propia Lisa que se le ha acercado para darle un posesivo beso. Es precisamente esa magistral combinación entre la lucha de sexos y los rasgos propios de un emocionante thriller lo que ha garantizado la reputación de Hitchcock como el gran maestro del suspense; un director cuyas películas funcionan a varios niveles, ya sea como puro entretenimiento o como un revelador autorretrato psicológico.

tiene un altercado con un jefe de tren y es condenado a seis años de trabajos forzados. Mientras se encuentra en prisión, su único consuelo es la alegría que le producen los dibujos animados de Mickey Mouse. Sullivan se confiesa autor de su propia muerte y, gracias a la publicidad que adquiere el caso, es reconocido y puesto en libertad. Decide casarse con la chica y se hace también el firme propósito de que sus futuras obras sirvan para hacer reír al público.

Comentario Aunque su fulgurante carrera como uno de los talentos cómicos más ingeniosos de Hollywood no duró más que unos pocos años, en el haber de Preston Sturges, en su doble faceta de guionista y director, se hallan algunos de los espectáculos más agudos y divertidos que surgieron del Hollywood de los años de la guerra, entre los que cabría mencionar Las tres noches de Eva (TheLadyEve, 1941), Hail, The ConqueringHero (1944) y TheMiracle ofMorgan's Creek (1944). Sus maravillosas y alocadas comedias combinan con vigor las bufonadas, la sátira social y una galería de personajes estrafalarios que proporcionó un empleo bien remunerado a una compañía de repertorio oficiosa, compuesta por una avezada troup de chupacámaras. Los viajes de Sullivan, una de sus pocas películas que, entre el humor y las ingeniosas vueltas de tuerca de su trama, trata de comunicar un mensaje, fue escrita por Sturges pensando en Joel McCrea, y, en palabras del director, fue «el producto de una urgencia, de la urgencia de decirle a algunos de mis compañeros dramaturgos que se estaban pasando un poco de profundos y que dejaran la tarea de predicar a los predicadores». Impresionado por la interpretación de Verónica Lake en Vuelo de águilas (I Wanted Wings, 1941), Sturges se empeñó en contar con ella para el papel protagonista y consiguió arrancar esa concesión a un estudio cuya idea era asignar el

Los viajes de Sullivan
SULLIVAN'STRAVELS EE.UU., 1941
DIRECTOR: Preston Sturges; GUIÓN: Preston Sturges; PRODUCCIÓN: Paramount (Paul Jones); FOTOGRAFÍA: John Seltz; MONTAJE: Stuart Gilmore; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Hans Dreier y Earl Hedrick; MÚSICA: Leo Shuken y Charles Bradshaw; INTÉRPRETES: Joel McCrea

(John L. Sullivan); Verónica Lake (La chica); Robert Warwick (Mr. Lebran); William Demarest (Mr.Jones); Franklin Pangborn (Mr. Casalais); Porter Hall (Mr. Hadrian); DURACIÓN: 91 minutos; B/N. Argumento John Sullivan, un director de comedias ligeras, anhela poder realizar un desgarrador drama sobre el sufrimiento humano. Su primer intento de experimentar lo que es una vida normal se convierte en un truco publicitario. Vuelve a intentarlo por segunda vez y en el transcurso de sus peripecias conoce a una chica. Ella regresa a Los Ángeles, pero Sullivan es robado por un vagabundo, que posteriormente muere y es confundido con el director. Entretanto, Sullivan, aquejado de amnesia,

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papel a alguien como Claire Trevor, Lucille Ball o Ruby Keeler. El precio que Sturges tuvo que pagar a cambio fue un firme compromiso de que la película estaría acabada en un plazo de 45 días y sin superar un presupuesto de 600.000 dólares. No sólo cumplió su compromiso, sino que, de paso, aprovechó para realizar una ajustada y maliciosa sátira de la pretenciosidad hollywoodiense, fundada en información de primera mano. La película que se propone hacer Sullivan sobre el tema de la degradación humana se titula Brother, WhereArt Thou {Hermano, dime dónde estás); no es difícil imaginar el placer que sentiría Sturges al ver cómo se reivindicaban sus propias creencias a medida que Sullivan se va desprendiendo de la idea de que el arte con mayúsculas sólo puede ser fruto de la seriedad del realismo social. Los viajes de Sullivan es, por sí misma, una elocuente refutación de los equivocados principios en que se asienta esa doctrina.

cia y sus refinados modales, le pedirá que abandone la casa para evitar un conflicto matrimonial. Sin un lugar a donde ir y enervada por la fuerza de los elementos, decide contraer matrimonio con Lige, un peón, que al menos le proporcionará un techo bajo el que cobijarse. Mientras se encuentra sola en casa durante un violento vendaval, recibe la visita de Roddy Wirt, que trata de violarla. La joven le mata de un disparo e intenta enterrar el cuerpo, pero, una y otra vez, el viento huracanado y la arena en continuo movimiento descubren partes del cadáver, hasta conducirla a un estado próximo a la locura. Finalmente, el regreso de Lige consigue tranquilizarla, y ambos deciden intentar labrarse juntos un futuro mejor.

Comentario El viento, una de las mejores películas de los momentos finales del cine mudo, además de uno de los últimos papeles importantes que interpretó Lillian Gish, fue rodada en un territorio yermo, asolado por el tórrido calor del desierto de Mojave, en unas condiciones que, más adelante, indujeron a Lillian Gish a declarar que aquella había sido «una de las peores experiencias de mi carrera cinematográfica». Lo cierto es que las incomodidades padecidas por el reparto y el equipo quedaron vividamente reflejadas en la pantalla, donde el viento, la arena, el calor y la topografía se convierten en otros tantos personajes de este cruel análisis del tormento emocional y psicológico de una inocente joven. La muchacha, que marchaba hacia Texas con la cabeza repleta de ideas románticas sobre la vida en un próspero y civilizado rancho, se encuentra de pronto enfrentada a la cruda realidad de hallarse sin hogar, de verse forzada a casarse con un hombre al que no quiere y de tener que matar a otro para defenderse de un intento de violación.

El viento
THEWIND
DIRECTOR:

EE.UU., 1928

Víctor Sjóstróm; GUIÓN: Francés Marión (basado en una novela de Dorothy Scarborough); PRODUCCIÓN: M-G-M; FOTOGRAFÍA: John Arnold; MONTAJE: Conrad A. Nervig; DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons; INTÉRPRETES: Lillian Gish (Letty); Lars Hanson (Lige); Montagu Love (Roddy Wirt); Dorothy Cumming (Cora); Edward Earle (Beverly); William Orlamond (Sourdough); DURACIÓN: 74 minutos; B/N. Argumento Una inocente joven de Virginia llega a Texas para vivir en la casa de su primo. La esposa de éste, molesta por su presen-

en la que la arena parece invadir cada fibra del cuerpo de la protagonista. la película va abandonando su estilo realista para adoptar las formas de una alucinación a gran escala. que no por ello deja de ser una descarnada reflexión sobre el carácter imprevisible de los elementos que moldean la existencia humana. que le permite definir a la perfección el carácter y las emociones de su personaje por medios exclusivamente gestuales. productor asociado).UU. la obra es una demostración más de la gran sensibilidad de Sjóstróm por el paisaje y de su fina percepción psicológica. FOTOGRAFÍA: James Wong Howe. PRODUCCIÓN: Warner Brothers (William Cagney. George Michael Cohan no tardó en convertirse en una estrella de los escenarios. Joan Leslie (Mary). al igual que sucedía en la novela. el viento se convierte en un elemento inextricable de su propia vida y la aparición de un alazán marca el punto de inflexión de una mente que se encuentra al borde de la locura. En un principio. Walter Huston (Jerry Cohan). estaba previsto que en la película. El fracaso de una obra dramática seria y la muerte de su familia serán algunos de los acontecimientos que precederán a la composición de la canción patriótica «Over There». Cohan). La composición de George Washington Jr.. con la muchacha vagando por el desierto en un estado de locura. INTÉRPRETES: James Cagney (George M. Sin embargo. la M-G-M consideró que semejante conclusión dañaría gravemente las expectativas comerciales del film e insistió en que se le añadiera un final feliz. así como de la habilidad expresiva de Lillian Gish. se dedica a viajar y realiza una reaparición tardía en los escenarios de Broadway con I'd Rather Be Right. El gran momento de su carrera llegará cuando el presidente le imponga la medalla del Congreso. Irene Manning (Fay Templeton). tal decisión no le resta impacto a la película. Yanqui Dandy YANKEE DOODLE DANDY EE. Tras la guerra. George Tobías (Dietz). Más tarde escribe Yankee Doodle Dandy y se compromete con Mary. De igual modo. la lógica de los acontecimientos siguiera su curso natural y condujera a un final sombrío. GUIÓN: Robert Buckner y Edmund Jo- seph (basado en una historia original de Buckner. 1942 DIRECTOR: Michael Curtiz. une a la familia por última vez. Richard Whorf (Sam Harris). MONTAJE: George Amy. Cohan. DURACIÓN: 126 minutos. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cari Jules Weyl. Argumento Nacido el 4 de julio de 1878 en el seno de una familia dedicada al mundo del espectáculo. con contribuciones oficiosas de Phillip y Joseph Epstein y Joseph North). MÚSICA Y LETRAS: George M. En cualquier caso.444 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 445 A medida que las circunstancias en que se halla la protagonista se aproximan más a una auténtica pesadilla. que le servirá de paliativo para su decepción por haber sido rechazado cuando quiso alistarse para combatir en la Primera Guerra Mundial. . B/N.

Daniel G. según parece. la última que el actor haría en virtud de su contrato de larga duración con la Warner Brothers y.los Cagney y el director Michael Curtiz consiguieron crear uno de los musicales más patrióticos de todos los tiempos. Bert Roach (Bert).446 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 447 Comentario Citada a menudo por el propio James Cagney como la película que más le gustaba de toda su filmografía. al mismo tiempo. Yanqui Dandy no es en realidad más que una muy convencional saga sobre el mundo del espectáculo que. GUIÓN: King Vidor.500. alcanza un estatus clásico gracias a la energía y las artes como bailarín de Cagney. Weaver y Harry Behn (basado en una historia de Vidor). Narrada mediante flash-backs. Dell Henderson (Dick). sin embargo. el día de su estreno en el Hollywood Theatre de Nueva York se cobraron 25. que se encontraba ya muy enfermo. interpretando el papel de la hermana de Cohan. Estelle Clark (Jane). A.000 dólares -de los que 100. John queda destrozado y comienza a ir . Contando con un presupuesto estimado en 1. La película no tardaría en convertirse en la más rentable que la Warner había realizado hasta el momento. los estudios no escatimaron medios en su producción con la esperanza de convencer al actor para que volviera a firmar con ellos. es capaz incluso de dar buena cuenta de la extravagante forma de bailar que era una de las características de Cohan. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Cedric Gibbons y Arnold Gillespie. FOTOGRAFÍA: Henry Sharp. La película. Jeanne. en todo momento. cuando su hija muere atropellada por un camión. Tras quedarse huérfano en su juventud. INTÉRPRETES: James Murray (John). fue. que en gran medida fue un asunto de la familia Cagney. Argumento John Sims nace el 4 de j ulio de 1900. hasta los momentos finales.UU. en que una multitud de soldados se ponen en marcha para servir al presidente y al país. 1928 King Vidor. DURACIÓN: 95 minutos. Eleanor Boardman (Mary). Tomlinson (Jim).000 fueron a parar a manos de Cohan. mientras que la obtención de un premio por valor de 500 dólares parece indicar que a partir de ahora todo irá mejor. a partir de la solemne audiencia concedida al artista por el presidente Roosevelt. decide abrirse camino en el mundo y marcha a Nueva York para trabajar de oficinista. La vida de casado no es precisamente sencilla. como indica la presencia de su hermano William como productor asociado y de su propia hermana. PRODUCCIÓN: MG-M (King Vidor). la historia no deja escapar ni la más mínima oportunidad de hacer ondear bien alto la bandera norteamericana. pero el nacimiento de sus dos hijos trae la alegría a su hogar. Y el mundo marcha THE CROWD DIRECTOR: EE. un 4 de julio. En Coney Island conoce a Mary y se enamoran. John V.000 dólares por uno de los asientos preferentes y consiguió recaudar la asombrosa cifra de 6 millones de dólares para el esfuerzo de guerra. desde el mismo día del nacimiento de Cohan. gracias a su inmensa experiencia. Sin embargo. MONTAJE: Hugh Wynn. Uno de los grandes éxitos de su tiempo. Aunque ha de ponerse en el haber de su director Michael Curtiz la perfección en el ritmo narrativo y el tono nostálgico de la película. al decidirse la intervención en la Segunda Guerra Mundial. y que sirvió también para acallar las voces que habían acusado a Cagney de ser comunista. en un papel que le valió su único Osear.. James Cagney que. el verdadero dueño de la misma es. muy en consonancia con el estado de ánimo de unos Estados Unidos en guerra. B/N.

En la primera ceremonia de los Osear la película fue honrada con sendas nominaciones al mejor director y a la mejor calidad artística de la producción. INTÉRPRETES: Yves Montand («Z»). «Z». al que la película sacó del anonimato. Jean-Louis Trintignant (El juez). el punto más fuerte y perdurable de la película reside en su realismo documental. un realismo que Vidor se afanó por conseguir centrándose en los aspectos más cotidianos de la vida. pero no obtuvo premio alguno. donde sus cámaras se dedicaron a recoger imágenes de grandes rascacielos. Durante bastante tiempo no se supo nada de él. Vidor y su equipo también rodaron en Detroit y Nueva York. lo cual confirmaba el punto de vista de los altos jerarcas de la M-G-M que consideraban que el público no tenía interés en ver en la pantalla una agridulce reflexión sobre sus propias vidas.sobre la vida de un rostro perdido en la multitud y los vaivenes que experimentaba su dueño en la lucha de todos los días. fue incapaz de sacar provecho del éxito obtenido por su interpretación y acabó convirtiéndose en un alcohólico. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jacques d'Ovidio. todavía una novedad) que servían para poner de manifiesto la pequenez del individuo en los tiempos modernos. algo que. según se determinó se había quitado la vida.448 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 449 de un empleo a otro y a distanciarse de Mary. multitudes bulliciosas y grandes congestiones de tráfico (entonces. Vuelve a unirse a Mary. Jacques Perrin (El periodista). un carismático parlamentario de la opo- . DURACIÓN: 125 minutos. MONTAJE: Francoise Bonnot. 1934). El actor principal. Argumento Un país mediterráneo. Cuando años más tarde. no era demasiado frecuente. El interés que siempre mostró en que sus películas reflejaran en forma dramática las vidas cotidianas de sus compatriotas alcanzó su cénit en este relato -algo simplista pero sin duda revelador. A pesar de haber recibido amenazas contra su vida. GUIÓN: Costa-Gavras y Jorge Semprún (basado en la novela de Vassili Vassilikos).Irene Papas (Helene). Aunque la historia adquiere un carácter universal e intemporal gracias a la determinación de Vidor de no caer en el sentimentalismo o en una visión romántica del tema. Francois Perier (Elfiscal). eligiendo a un perfecto desconocido para el papel de protagonista y experimentando con la filmación en exteriores. Vidor le ofreció un pequeño papel en su película El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread. su cuerpo fue hallado en el río Hudson. su orgullo le impidió aceptarlo. California. Georges Geret (Nick). sino como un medio adecuado para la expresión artística y la transmisión de mensajes sociales. Si bien es cierto que una parte sustancial delfilmse rodó en los estudios que la M-G-M tenía en Culver City. pero la visión de su hijo pequeño le da renovadas fuerzas para seguir luchando. FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard. no sólo como una forma de entretenimiento de masas. Comentario King Vidor fue uno de los directores de la época del cine mudo que apostó por explorar las posibilidades del cine. James Murray. MÚSICA: Mikis Theodorakis. y la familia acude a un espectáculo de variedades para olvidar sus problemas y unir sus risas a las de la multitud. z Francia/Argelia. en la época. PRODUCCIÓN: Reggane Film/ONCIC (Jacques Perrin). en 1936. 1968 DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras. hasta que. John toca fondo y decide suicidarse.

pues la combinación nada habitual de la seriedad de su mensaje político con la comercialidad que asegura un espectáculo entretenido. pero la autopsia demuestra que fue golpeado en la cabeza. Aunque el carácter coyuntural de muchos thrillers políticos tiende a hacerlos envejecer rápidamente. 1981). No obstante. Basada en unos hechos reales y rodada en Argelia. aunque la referencia a la Grecia gobernada por los militares es bastante clara. los dos hombres reciben condenas leves y los altos cargos implicados en el caso ni siquiera son llevados ajuicio. obteniendo este último galardón así como el concedido al mejor montaje. unos rasgos que. interpretado. por un plantel de primeras figuras que consiguen captar la atención y las sim- patías del público. asegura que estaba borracho. Su principal punto fuerte es su propia sencillez y la universalidad del mensaje que trata de transmitir. entre otras las de mejor película y mejor película extranjera. En última instancia. sin embargo. el otro ocupante del vehículo. la película no hace alusión alguna al lugar donde transcurre la acción. habrían de caracterizar el estilo de Costa-Gavras en posteriores thrillers como Estado de sitio (État de siege. Posteriormente es atropellado por una furgoneta y muere de resultas de las heridas recibidas. no ocurre lo mismo con Z. En Estados Unidos. contribuye a que la película conserve toda su frescura y su capacidad impactante. la película recibió cinco nominaciones de la Academia. Entre todos ellos destaca Jean-Louis Trintignant. Yago. el éxito de la película le debe mucho al hecho de que sea un thriller apasionante y lleno de suspense. el film sigue interesando porque plantea el eterno conflicto entre los individuos y el aparato estatal. Comentario Considerada unánimemente como un modelo ejemplar de lo que deber ser un thriller político. Las autoridades insisten en que se trata de un simple accidente. la preocupación de Costa-Gavras por el tema de los derechos humanos trasciende su aplicación particular al Régimen de los Coroneles y puede hacerse extensiva a cualquier sistema o gobernante totalitario. Al margen de su dimensión política. además. el conductor de la furgoneta. Z fue la película que consagró al director griego exiliado Constantin Costa-Gavras como el máximo especialista en el género. los dos sospechosos reconocen que pertenecen a un grupo de extrema derecha y queda establecido que la muerte de «Z» fue un asesinato. por lo demás. un testimonio que es corroborado por Vago. Finalmente. el Juez llega a la conclusión de que se trata de un crimen meticulosamente planeado. Sin embargo. pronuncia un discurso en un mitin pacifista.450 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 451 sición. cuya actuación en el papel del magistrado que tiene que hacer frente a múltiples y despiadados intentos de intimidación para sacar a la luz la conspiración le valió un premio en el Festival de Cannes. . 1973) o Desaparecido (Missing. Con todo.

dirigida por Mike Nichols. Ése fue el caso de Bette Davis. si pueden. el personaje que seguramente ha protagonizado más casos de películas inacabadas es Orson Welles. a Burt Lancaster revolcándose entre las olas con Joan Crawford en De aquí a la eternidad (1953). Peter Bogdanovich parece estar empeñado en desenmarañar el embrollo legal que permitiría la exhibición pública de este film. De entre los proyectos conocidos que nunca llegaron a realizarse. La historia del cine está plagada de ideas que no llegaron a materializarse. una película protagonizada por Gregory Pecky Ian McKellen que. en la actualidad. famoso por tener desperdigados por todas partes del mundo fragmentos de producciones parcialmente acabadas. una película que estaba previsto protagonizaran Charles Laughton y Merle Oberon. cuya financiación solía ser muy precaria. de no haber sido por la ruptura de disco que forzó a Claudette Colbert a abandonar Eva al desnudo (1950). despierta especial curiosidad la idea de Jean Renoir de filmar la vida de Napoleón con Charlie Chaplin y Greta Garbo como protagonistas. Éstos no son sino unos pocos ejemplos de repartos que. Con posterioridad Herbert Ross se haría cargo de la dirección y el papel protagonista se rescribiría para adecuarlo a Richard Dreyfuss. tras dos semanas de rodaje en Suiza. o a ese embozado paladín de la justicia que es Batman interpretado en versión cómica por Bill Murray.452 ALLAN HUNTER LOS CLASICOS DEL CINE 453 Las películas que nunca existieron Traten de imaginarse. un proyecto encabezado por Richard Burton y Charlotte Rampling. finalmente. 1991). o la versión de la novela de Conrad Nostromo. una comedia de Neil Simón. The Bells ofHell Go Ting-A-Ling-A-Ling. que iba a ser protagonizado por Greta Garbo y James Masón. y que hubo de sufrir innumerables reveses hasta quedar finalmente descartada cuando Merle Oberon se vio involucrada en un accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida. el proyecto del año 1949 de Max Ophuls titulado La duchesse de Langeais. que la interrupción del rodaje de un film no hace sino preludiar su propia salvación. un papel que había dejado vacante Richard Dreyfuss. ejemplos de ello serían Something's Got To Give (1962). se titularía La chica del adiós (The Goodbye Girl. poco tiempo después. cuya producción estaba a punto de iniciarse cuando se produjo el fallecimiento de David Lean en 1991. una obra en la que se revelaban los entresijos del mundo del cine. por no mencionar lo bien que le vinieron a Humphrey Bogart los repetidos errores de cálculo de George Raft al rechazar los papeles protagonistas de El último refugio (High Sierra. Tras dos semanas de rodaje. Por otro lado. Ocurre a veces. aterrorizado por el violador convicto que interpreta Robert De Niro en El cabo del miedo (Cape Fear. En 1976 Robert De Niro pasó sin solución de continuidad de su agotador trabajo en Taxi Driver a interpretar a un esforzado actor en la mucho más liviana Bogart Slept Here. el número de películas que nunca llegaron a terminarse fue creciendo de forma considerable. un film que sería aparcado tras la muerte de Marilyn Monroe. No obstante. que no habría podido protagonizar uno de los retornos a las pantallas más sonados de la historia del cine. o The OtherSide ofthe Wind (1970-1975). El metraje filmado de esta malhadada producción puede verse en el documental de 1965 The Epic That Never Was. una película protagonizada por Jeanne Moreau y Laurence Harvey. Con el declinar del sistema de estudios y el florecimiento de una serie de producciones independientes. Simón declaró que el actor «parecía incapaz de transmitir un sentimiento de alegría» y la película se interrumpió. y entre cuyos protagonistas estaba el difunto John Huston. sería Roy Scheider quien recibiría una nominación para el Osear al mejor actor por su participación en el musical de Bob Fosse. entre las que se cuentan una versión de Don Quijote que inició en los años cincuenta -y que treinta años más tarde pudo verse en Cannes.The Deep (1957). Empieza el espectáculo (1979). 1941) y El halcón maltes (1941). o The Jackpot (1975). (1966). 1977). de sueños largo tiempo acariciados que se quedaron en meros proyectos o de inspiraciones de última hora que provocaron un cambio de reparto y alteraron literalmente vidas y carreras profesionales. pero que nunca pasaron de ahí. Es interesante señalar que. sin embargo. a Kevin Costner y a Debra Winger interpretando al matrimonio que se tira los trastos a la cabeza en La guerra de los Rose (The War ofthe Rose. 1989). Durante muchos años el más famoso de todos los proyectos inacabados fue la versión de Josef von Sternberg del Yo Claudio (1937) de Robert Graves. en algún momento. que ganaría el Osear por su papel en una película que. a Robert Redford haciendo de un abogado y padre de familia. se le pasaron a alguien por la cabeza. . sería abandonada definitivamente.

La historia del cine desde El cantor de jazz hasta la Segunda Guerra Mundial «Un reparto de millares de personas». El cine negro «. El arte de la animación El neorrealismo Todos a cantar. todos a bailar. delante de los niños.en una palabra: emoción». no. El amor en la pantalla Los seres que pululan en la noche. La comedia musical norteamericana Érase una vez en el Oeste Un paseo por las calles más sórdidas de la ciudad.. La historia del cine en los años sesenta y setenta ¡Quién necesita un nuevo héroe! Las películas de aventuras Por favor. El género de terror De la «Nueva Ola» a los jóvenes cachorros del cine. La censura en el cine 455 16 38 56 82 94 118 144 160 188 208 232 262 286 318 348 370 .. La «Nueva Ola» francesa ¿Los mejores años de nuestra vida? La historia del cine de postguerra Un beso no es más que un beso. La historia del cine antes de El cantor de jazz «Esperen a oír esto».índice de artículos monográficos El silencio es oro. El cine épico Los reyes de la comedia «Eso es todo amigos».

derZorn Gottes) AlexanderNevski (Alexandr Nevski) Al final de la escapada (Ábout de souffle) Alguien voló sobre el nido del cuco (Oneflew over the cuckoo's nest) Al rojo vivo (WhiteHeat) SS' Amanecer (Sunrise) í ^ U n americano en París (An American inParis) Andrei Rubliov (Andrei Rubliov) El ángel azul (DerblaueEngel) SjpAnnie Hall (AnnieHall) HSf El apartamento (The Appartment) ApocalypsenowfApoca/ypseMw) Asalto y robo a un tren (The Great Train Robbery) L'Atalante (L'Atalante) Atracción fatal (Fatal Attraction) Avaricia (Greed) La aventura (L'Avventura) Bailando con lobos (Dances with Wolves) La batalla de Argel (LabattagliadiAlgeri) /'Batman (Batman) 457 13 18 20 23 25 28 30 33 35 40 42 44 47 49 51 53 58 60 63 65 67 70 . Los Osear El presente... muchachos (Au revoirles enfants) Aguirre.456 ÍNDICE DE ARTÍCULOS MONOGRÁFICOS «Y el ganador es. El cine de ciencia-ficción Las películas que nunca existieron 390 416 434 452 índice de películas El acorazado Potemkin (Bronenosets Potemkin) Adiós.». la cólera de Dios (Aguirre. La historia del cine contemporáneo «No dejéis de vigilar los cielos».

la zíngara (The Hunchback ofNotre Dame) E.458 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 459 El bazar de las sorpresas (The Shoparound the Córner) Ben-Hur (Ben-Hur) Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs) .T-TheExtra-terrestrial) Eva al desnudo (All about Eve) El exorcista. (The Exorcist) Fanny y Alexander (Fanny ochAlexander) Fantasía (Fantasía) Fellini ocho y medio (Ottoemezzo) La fiera de mi niña (Bringing up Baby) El fotógrafo del pánico (Peeping Tom) Fresas salvajes (Smultronstallet) El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari) Elgatopardo (II Gattopardo) El graduado (The Gradúate) La gran ilusión (La Grande Illusion) Grupo salvaje (The Wild Bunch) • La guerra de las galaxias (StarWars) El halcón maltes (The Maltese Falcon) ->sHa nacido una estrella (A Star is Born) Harry. el sucio (Dirty Harry) Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story) El hombre mosca (SafetyLast) El imperio de los sentidos (Ai no corrida) Intolerancia (Intolerance) La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasión ofthe Bodysnatchers) Julesyjim(7«/esef/imj KingKong (KingKong) Elladrón de Bagdad (The Thiefof Bagdad) Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette) Larga es la noche (OÍM Man Owf) & Laura (Laura) Laurel y Hardy en el Oeste (Way out West) * Lawrence de Arabia (Lawrence ofArabia) • La ley del silencio (On the Waterfront) % Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) Luces de la ciudad (CityLights) 166 169 171 173 176 178 181 183 185 190 192 194 196 198 201 203 205 210 212 215 218 220 222 224 227 229 234 236 238 241 243 245 248 250 252 255 ._¿ BonnieyClyde(BonnieandClyde) Breve encuentro (BriefEncounter) Buscando mi destino (EasyRider) Cantando bajo la lluvia (Singirí in the Rain) El cantor de jazz (The Jazz Singer) El carnicero (Le Boucher) Carros de fuego (Chariots ofFire) Casablanca (Casablanca) Cenizas y diamantes (Popiol i diament) Centauros del desierto (The Searchers) Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) Ciudadano Kane (Citizen Kane) Con faldasy alo loco (Some iike ithot) El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract) La conversación (The Conversation) El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons) Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari) Cyrano de Bergerac (Cy rano de Bergerac) Chantaje en Broadway (Sweet Smell ofSuccess) Chinatown (Chinatown) De aquí ala eternidad (From here to Eternity) De entre los muertos (Vértigo) Un día en Nueva York (On the Town) La diligencia (Stagecoach) Doce hombres sin piedad (Twelve Angry Men) La dolce vita (La dolce vita) 2001. (E. una odisea del espacio (2001: A Space Oddyssey) Drácula (Dracula) La edad de oro (L'Áged'or) En busca del arca perdida (Raiders ofthe LostArk) Encuentros en la tercera fase (Cióse encounters ofthe third kind) Les enfants du paradis (Les enfants duparadis) 72 74 77 79 84 86 88 91 96 98 100 102 104 106 109 111 113 115 120 122 125 127 129 131 134 137 139 141 146 148 150 153 155 157 162 164 Enrique V (Henry V) Esmeralda.T.

269 Melodías de Broadway (The Batid Wagón) 271 El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) 273 Mephisto (Mephisto) 276 Metrópolis (Metrópolis) 278 La muchacha de Londres (Blackmail) 281 El nacimiento de una nación (The Birth ofa Nation) 283 Napoleón (Napoleón) 288 Nashville (Nashville) 290 La noche americana (La Nuit américaine) 292 La noche del cazador (The Night of the Hunter) 295 La noche de los muertos vivientes (Night oftheLivingDead). el vampiro (Nosferatu. térra di dio) Sucedió una noche (It Happened one Night) El sueño eterno (TheBigSleep) áKEl tambor de hojalata (Die Blechtrommel) #TaxiDriver (Taxi Dnver) El tercer hombre (rnerhira 1 Man) Terciopelo azul (Blue Velvet) Tiburón (Jaws) Todos los hombres del presidente (All thepresident's men) Toro salvaje (RagingBull) Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire) El triunfo de la voluntad (Triumph Des Willen) La última película (The lastpicture show) El último pistolero (The Shootist) El último tango en París (Ultimo tango a Parigi) Las uvas de la ira (TTie grapeso/wrafn) El vampiro de Dusseldorf (M-Eine Stadt eine Morder) La ventana indiscreta (Rear Window) Los viajes de Sullivan (St/ZZ/vani TraveZs) El viento (The Wind) Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy) Y el mundo marcha (The Crowd) Z(Z) 354 357 360 362 364 367 372 374 376 378 381 383 385 387 392 394 396 398 401 404 406 408 411 413 418 420 423 425 427 429 431 436 438 440 442 445 447 449 . 297 Una noche en la Ópera (A Night at the Opera) 299 Nosferatu. eine Symphonie des Grauens)... mentiras y cintas de vídeo (Sex. ciudad abierta (Roma cittá aperta) Sábado noche...460 ÍNDICE DE PELÍCULAS ÍNDICE DE PELÍCULAS 461 Un lugar en la cumbre (Room at the Top) 257 Mad Max.. Robin de los bosques (The adventures ofRobin Hood) Roma. Texas (París. 302 La novia de Frankenstein (The Bride ofFrankenstein) 304 Orfeo (Orphée) 307 El Padrino (The Godfather) 309 París... Texas) 311 La pasión de Juana de Arco (La Passion dejeanne d'Arc) 313 PatherPanchali (PaínerPanc/ía/í) 315 5 Perdición (Double Indemnity) 320 Persona (Persona) 322 Pickpocket (Pickpocket) 324 Por un puñado de dólares (Perunpugnodidollari) 327 Psicosis (Psycho) 329 The Public Enemy (The Public Enemy) 331 Qué bello es vivir! (It'sawonderfullife) 334 ¿Qué fue de Baby Jane? (Whatever Happened to Baby Jane) . domingo mañana (Saturday night and Sundaymoming) Sed de mal (Touch ofEvil) * La semilla del diablo (Rosemary's Baby) Senderos de gloria (Paths ofGlory) El séptimo sello (Det sjunde inseglet) Sexo. 336 La quimera del oro (The GoldRush) 338 Rashomon (Rashomon) 341 Rebelde sin causa (Rebel without a cause) 343 La regla del juego (La régledujeu) 345 La reina Cristina de Suecia (Queen Christina) 350 La reina de África (TheAfrican Queen) 352 Río Bravo (Rio Bravo) . Salvajes de autopista (MadMax) 259 El Mago de Oz (The Wizard ofOz) 264 El maquinista de La General (The General) 266 • LosmejoresañosdenuestravidafTrteBesrlfearso/OurLives). lies and videotapes) Los siete samurais (Shichinin no samurai) El silencio de los corderos (The Silence ofthe Lambs) Solo ante el peligro (High Noon) Sombras (Shadows) Sombrero de copa (Top Hat) Sonrisas y lágrimas (The Sound ofMusic) Stromboli (Stromboli..

115.338 Jack Clayton.23 Federico Fellini.290 Michelangelo Antonioni.índice de directores James Algar. 70 FrankCapra. 381 WilliamDieterle. 181 Ford Beebe. 374 Bernardo Bertolucci. 77 Stanley Donen.357. 65 AlanCrosland. 181 RobertAldrich. 148. 449 Kevin Costner. 100. 164 John Cassavetes. 153 Víctor Fleming. 255. 49. 234 Francis Ford Coppola. 176 Abel Gance. 429 Peter Bogdanovich.445 VittorioDeSica.431 Milos Forman. 307 Merian C.91 GeorgeCukor.334. 13. 313 Sergei Einsestein. 178.141. 273 WilliamFriedkin. 181 Terence Fisher. 288 .139 Cari Dreyer.96 Charles Chaplin.264 John Ford.336 Woody Alien. 385 ClaudeChabrol.192. 88. 266 LuisBuñuel. 181 Ingmar Bergman.238 Jonathan Demme.212.218 Michael Curtiz. 104.396 Marcel Carné. 169 Walt Disney. 309 Constantin Costa-Gavras. 252. 257 Jean Cocteau. 44 RobertAltman. Cooper. 425 Robert Bresson. 28 John Frankenheimer. 155 Tim Burton.183 Norman Ferguson.322. 63 Samuel Armstrong. 324 Clyde Bruckman.

181 George A.420 Gene Kelly. 276 Andrei Tarkovsky. 185. 47. 125 EW.292 KingVidor. 137.427 Víctor Sjóstrom.299 WilliamWyler. 408 Adrián Lyne. 341.120. Mankiewicz. 194 RobertWise. 362 Jean Renoir. 201. 79 Román Polanski.320 RobertWiene.162.Griffith.406 Karel Reisz. 134. 113 D.354.111. 205 SidneyLumet.248 Sergio Leone. 350 LouisMalle. 35.171.227. 234 Martin Scorsese. 243 Jean-Paul Rappeneau. 203 Arthur Penn.241. 42 Erich von Stroheim.271 Kenji Mizoguchi.302 Fred Newmeyer.181 Howard Hawks. 109. 250.378 FritzLang. 106 Francois Truffaut.367 Gillo Pontecorvo. 181 MarkSandrich.122.447 Jean Vigo. 295 David Lean. 102 RaoulWalsh. 196 Andrzej Wajda. 315 CarolReed. 210.364 WilliamWellman. 413 Sam Peckinpah. 442 Steven Soderbergh. 53 Luchino Visconti. 222 Alan J. 84. 220 MikeNichols. Romero. 150.98 John Huston.372 Akira Kurosawa. 376 Steven Spielberg.418 DonSiegel. 245 HughHudson. 67 Edwin S. 20 Alfred Hitchcock. 51 Michael Powell. 411 Josef von Sternberg.401 Ernest B. 259 Vincente Minnelli. 343 SatyajitRay. 266 WilliamKeighley.181 Werner Herzog.236 Orson Welles.269 FredZinnemann.357 Stanley Kubrick. 360. 166 Nagisa Oshima.387 VolkerSchlondorff.283 JimHandley. 60 Prestan Sturges. 86 James W.345 Leni Riefenstahl.72 George Lucas.220 Giuseppe Tornatore. 423 Bill Roberts.215.W. 146 Hamilton Luske. 181 Elia Kazan. 40 SamTaylor. 438 Dennís Hopper. 127 Nicholas Ray. 173 George Miller.352 Wilfredjackson. 131.311 James Whale.281.331 WimWenders. 440 Istvan Szabo. 297 Roberto Rossellini.30. 157. Porter. 304 Billy Wilder.383 . 181 David Lynch.392 SamW6od. 198 Laurence Olivier.224.74. 139 Buster Keaton.436 Charles Laughton.404 ÍNDICE DE DIRECTORES ÍNDICE DE DIRECTORES 465 Jean-Luc Godard. 18 Alexander Mackendrick.Pakula. 327 ErnstLubitsch. Schoedsack.33. Horne. 404. 25 Peter Greenaway.398 T.Hee. 129 Joseph L.394 Paul Satterfield.Murnau. 229. 190 Otto Preminger.278. 58 Rouben Mamoulian.329.

índice Introducción LOS CLÁSICOS DEL CINE 7 11 índice de artículos monográficos índice de películas índice de directores 455 457 463 467 .