IGOR STRAVINSKY Zulma Roque Q.

UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTIN

MAESTRIA EN ARTES
ZULMA ROQUE Q.

ÍGOR FIÓDOROVICH STRAVINSKY

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IGOR STRAVINSKY Zulma Roque Q.

Contenido

1 Resumen ************************ 3
2 Biografía ************************ 4

3 Períodos estilísticos ************* 6

3.1 El período primitivo o ruso ******** 6

3.2 El período neoclásico ********** 6

3.3 El período Serialista ********** 7

4 Influencias e innovación ******** 8

4.1 Las innovaciones compositivas **** 8

4.2 El neoclasicismo ********** 8

5 Obras *********************** 10

6 Glosario *********************** 13

7 Bibliografía *********************** 14

ANEXOS

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IGOR STRAVINSKY Zulma Roque Q.

1. RESUMEN
FIÓDOROVICH STRAVINSKY

Fue un compositor y director de

orquesta ruso, uno de los músicos
más importantes y trascendentales
del siglo XX.

Nacimiento: 17 de junio de 1882

Oranienbaum, Rusia
Fallecimiento: 6 de abril de 1971
Nueva York, EE. UU.
Cónyuge(s): Katerina Nossenko /
Vera de Bosset

Stravinski trabajó varios años como

autodidacta y a los veintiún años
pudo mostrar sus primeros ensayos a
RimskiKorsakov, quien aceptó darle
dos clases por semana.

La música de Stravinsky se
caracteriza por el uso de la música
folklórica, pero él no la usa de una
manera sinfónica; él juntó pedazos
de estas canciones sin preocuparse
de esconder las conexiones. Esta
técnica resultó en música de alta
energía y mucho más rítmica que
melódica. Stravinsky era un
compositor de muchos estilos y caras.

Sus primeras obras exhiben las influencias de Wagner, Debussy y Rimsky-Korsakov; a medida que progresaba
añadía elementos eslavos y rusos a su música, así como ritmos que sólo él componía y comprendía. Figura
como el primer compositor para la escena, no sólo por sus ballets, sino también por sus óperas. También se
le venera por su música de cámara y su obra maestra en la composición coral, la Sinfonía de los Salmos (1930).

Su composición más conocida es Los Ritos de Primavera (1913) que causó un escándalo por su ritmo agresivo
cuando la presentó por la primera vez en Moscú. La salvaje extravagancia de los sonidos producidos por unos
instrumentos de apariencia familiar horrorizó a los editores. Medio año después de su estreno, esta obra era
aclamada por el público. El pájaro de Fuego (1910), un ballet basado en un cuento del Oriente eslavo;
Petrushka (1911) con esta obra Stravinsky devuelve a la música los volúmenes que había disuelto el
impresionismo y abandona la influencia meramente francesa.
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la
música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una
de las personalidades más influyentes del siglo XX.

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2. BIOGRAFIA
Stravinski nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (hoy
Lomonosov), Rusia. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor,
siendo su primera infancia una mezcla de experiencias que revelaban
poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si bien su padre Fiódor
Stravinski era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Mariinski,
Stravinski inició los estudios de Derecho, que tiempo después
cambiaría por la composición. En 1902, a los 20 años de edad,
Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov,
probablemente el compositor ruso más importante de su tiempo.
Una de sus obras de estudiante, Feu d'artifice (fuegos artificiales en
francés), impresionó a Serguei Diaghilev, que encargó a Stravinski
varias orquestaciones y luego un ballet completo, El pájaro de fuego.

Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir a Paris al estreno de su ballet Pajaros de Fuego por
los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos:
Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del
compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov, a
Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La
consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era "mandar
todo al demonio". (Lo logró: El estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más
famoso "escándalo" en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la
necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto).

Stravinski desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su vida. Este deseo se
manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No sólo fue el compositor principal para Sergei Diaghilev
de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex,
1927) y George Balanchine (Apollon Musagete, 1928).

Relativamente pequeño de estatura y no convencionalmente atractivo, Stravinski no era fotogénico, como

muchas fotos lo demuestran. Todavía era joven cuando, el 23 de enero de 1906, se casó con su prima Katerina
Nossenko a quien conocía desde pequeño. Su matrimonio duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y,
después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset (1888-1982). Aunque fue un
notorio galanteador (se rumoreó que tuvo encuentros con personalidades influyentes como Coco Chanel),
Stravinski también fue un hombre familiar que consagró cantidades considerables de su tiempo y dinero a sus
hijos. Uno de sus hijos, Soulima Stravinski, también fue compositor, pero poco conocido, dada la comparación
con su padre.

Cuando Stravinski conoció a Vera a inicios de los años 20, ella estaba casada con el pintor y diseñador de
escenarios Serge Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al
cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Katerina (1939) Stravinski llevó una vida doble,
invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Katerina advirtió la relación y la
aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinski y Vera se casaron en Nueva York, a
donde habían viajado desde Francia para escapar de la Segunda Guerra Mundial en 1940.

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El patrocinio nunca estuvo lejos. En los comienzos de la década de 1920 Leopold Stokowski pudo darle un
apoyo regular a Stravinski como su "benefactor" anónimo. El compositor también pudo atraer encargos: la
mayoría de sus trabajos desde El Pájaro de Fuego en adelante, fueron escritos para ocasiones específicas y se
pagaron generosamente.

Stravinski demostrando su aptitud para "jugar" al rol de "hombre del mundo", adquirió un instinto perspicaz
para las cuestiones de negocio lo que le permitió aparecer relajado y cómodo en muchas de las ciudades
mayores del mundo. En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos
como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de conversaciones
personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés, atento y preocupado de los demás. Por ejemplo,
Otto Klemperer, quien conocía bien a Arnold Schoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinski mucho
más cooperativo y fácil de tratar. Al mismo tiempo él tenía un menosprecio por las "clases sociales inferiores":
Robert Craft se avergonzaba por su hábito de golpear un vaso insistentemente con un tenedor y exigir
ruidosamente la atención en los restaurantes.

Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue noticia por Serge Diaghilev, el director de los Ballets Rusos
en París. Encargó a Stravinski para escribir un ballet para su teatro, por lo que este viaja a París en 1911. Ese
ballet terminó siendo el famoso L'Oiseau de Feu (Pájaro de Fuego). Sin embargo, debido a la Primera Guerra
Mundial, se trasladó a la neutral Suiza en 1914. Volvió a París en 1920 para escribir más ballets así como
muchos otros trabajos. Posteriormente viaja a Estados Unidos en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en
1945. Continuó viviendo en Estados Unidos hasta su muerte en 1971. Stravinski se había adaptado a la vida en
Francia, pero el trasladarse a América, a la edad de 58 años, era una perspectiva muy diferente. Durante un
tiempo conservó el deseo de traer a sus amigos y contactos rusos, pero al poco tiempo comprendió que esto
no sostendría su vida intelectual y profesional en EE.UU. Cuando planeó escribir una ópera con W. H. Auden, la
necesidad de adquirir más familiaridad con el mundo angloparlante coincidió con el encuentro con el director
y musicólogo Robert Craft, quien vivió con Stravinski hasta su muerte, actuando como intérprete, cronista,
director auxiliar y factótum para una infinidad de tareas musicales y sociales.

El gusto de Stravinski por la literatura fue amplio y refleja su deseo constante de nuevos escubrimientos. Los
textos y las fuentes literarias para su trabajo empezaron con un período de interés en el folclore Ruso, que
progresaron a los autores clásicos y a la liturgia Latina. A esto le siguió el contemporáneo francés André Gide
(en Persephone), llegando finalmente a la literatura inglesa: Auden, Eliot, y versos medievales ingleses. Al final
de su vida estaba incluso utilizando las escrituras hebreas en Abraham e Isaac.

Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue enterrado en Venecia en la isla del
cementerio de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diaghilev. La vida de
Stravinski abarcó la mayoría del siglo XX, incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando
a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Él posee una Estrella en el Paseo de la Fama
de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340.

Tumba de Stravinski en San Michele, Venecia.

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3. PERIODOS ESTILISTICOS
La carrera de Stravinski pasa por tres grandes períodos estilísticos distintos, por lo que la mayoría de
sus composiciones pueden ser consideradas como parte de alguno de ellos.

3.1 El período primitivo o ruso

El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos menores
tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev. Éstos ballets tienen varias
características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes;
los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov
tanto es su desarrollo como en su instrumentación.

El primero de los ballets, El pájaro de fuego, es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas
bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka, también se anota distintamente y es el primero de los
ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La consagración
de la primavera, el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Ruso" de Stravinski.
Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la
agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay
varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los
sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente
irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve
e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las
cuerdas y haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial,
duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada vez (véase La consagración de la
primavera para una análisis más detallado de este trabajo).

Otras piezas de este período incluyen: Renard (1916), Historia de un soldado (Histoire du soldat)
(1918), y Las bodas (Les Noces) (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y
percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela
nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

3.2 El período neoclásico

La siguiente fase del período composicional de Stravinski, solapando al primero ligeramente, es
marcado por dos trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. Ambos
trabajos ofrecen lo que será un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o "vuelta atrás"
a la música clásica de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo "neoclásico", que de hecho
nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico,
involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras, escritas
aproximadamente entre 1920 y 1950, Stravinski se vuelca mayoritariamente a los instrumentos de
viento, piano, coros y trabajos de cámara. La Sinfonía de Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfonía
de los Salmos está entre los trabajos más finos compuestos para vientos.

Otros trabajos como Oedipus Rex (1927), Apolo, dios de las musas (Apollon Musagéte) (1928) y el
Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1931), continúan esta tendencia.

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Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los Salmos (Symphonie
des Psaumes) (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en Tres Movimientos (1945). Apolo, Perséfone
(1933) y Orfeo (1947) también marcan la preocupación de Stravinski, durante este período, de no sólo
volver a la música "Clásica" sino también volver a los temas "Clásicos",: en estos casos, la mitología de
los antiguos griegos.

El pináculo de este período es la ópera The Rake's Progress completada en 1951. Esta ópera, escrita
por W.H. Auden y basada en las pinturas y grabados de William Hogarth, encapsula todo lo que
Stravinski había perfeccionado en los 20 años anteriores a su período neoclásico. La música es directa
pero rara; pide prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias
sorprendentes; ofrece las células y los motivos rítmicos desplazados de la marca de fábrica de
Stravinski; y recuerda a las óperas y temas de Monteverdi, Gluck y Mozart.

Después de la realización de ésta ópera Stravinski no escribió nunca más otro trabajo "neoclásico",
comenzando a escribir la música que vendría a definir su cambio estilístico final.

3.3 El período dodecafónico o serialista

Sólo después de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951, el inventor del dodecafonismo, Stravinski
empieza a utilizar ésta técnica en sus propios trabajos. Sin duda, Stravinski se ayudó en su
comprensión, e incluso su conversión, al método de los doce tonos en su confidente y ayudante
Robert Craft, quién había estado defendiendo este método musical. De esta forma, los siguientes
quince años fueron empleados en escribir trabajos en este estilo.

Stravinski empezó a impregnarse de la técnica dodecafónica en los primeros trabajos vocales más
pequeños como Cantata (1952), Tres Canciones de Shakespeare (1953) y In Memoriam Dylan Thomas
(1954), como si estuviera probando el método. Él posteriormente empezó expandiendo el uso de la
técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como Cánticum sacrum y Threni (1958), A
Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), y El Diluvio (1962). Además durante esta etapa sobresalen
títulos como Movimientos para piano y orquesta (1959), Monumentum pro Gesualdo y Réquiem
canticles (1966), aunque ninguno de estos ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos
épocas precedentes.

Un trabajo importante de transición de este período en las obras de Stravinski, es su retorno al ballet:
Agon, un trabajo para doce bailarines escrito entre 1954 y 1957. Algunos números de Agon recuerdan
la tonalidad de la "nota-blanca" del período neoclásico, mientras otros (el Bransle Gay, por ejemplo) el
despliegue de su reinterpretación única del método serial. El ballet es así una clase de enciclopedia en
miniatura de Stravinski, conteniendo muchas de las firmas que pueden ser halladas a lo largo de sus
composiciones, primitivismo, neoclasicismo, o serialismo: peculiaridad rítmica y experimentación,
ingeniosidad armónica, y un oído ágil para la orquestación impetuosa y autoritaria. De hecho, estas
características son lo que hace que las producciones de Stravinski sean tan únicas cuando se comparan
con las obras de compositores seriales contemporáneos.

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4. SU INFLUENCIAS E INNOVACION
El trabajo de Stravinski abrazo múltiples estilos composicionales, revolucionando la orquestación y
abarcando varios géneros; prácticamente reinventó el ballet en su forma, incorporando múltiples
culturas, idiomas y literaturas. Como consecuencia, su influencia en otros compositores fue
considerable durante su vida y sigue siéndolo después de su muerte.

4.1 Las innovaciones compositivas

Stravinski comenzó a re-pensar el uso del "motive" y el ostinato ya en el ballet El Pájaro de fuego, pero
el uso de estos elementos alcanzó su florecimiento en La consagración de la primavera.

Los "motives", que se desarrollan usando una frase musical distintiva que es seguidamente alterada y
desarrollada a lo largo de una pieza musical tiene sus orígenes en la sonata de la era de Mozart. El
primer gran innovador en este método fue Beethoven; el "leitmotiv" famoso que abre la Quinta
Sinfonía reaparece sorpresivamente a lo largo de la obra, siendo las permutaciones refrescantes un
ejemplo clásico. Sin embargo, el uso de Stravinski en el desarrollo de los "motives" era único sobre
todo por la manera que tenía de permutar estos. En "La consagración de la primavera" introduce
permutaciones aditivas, es decir, quita o agrega una nota a un motiv sin tener en cuenta los cambios
en la métrica.

Este ballet también es notable en el uso implacable de los "ostinati". El pasaje más famoso,
mencionado anteriormente, es el ostinato de la octava nota de las cuerdas acentuadas por ocho
trompas que aparecen en la sección Augurios Primaverales (Danzas de las adolescentes). Éste es quizás
el primer caso en la música del ostinato extendido que no se usa ni para la variación ni para el
acompañamiento de la melodía. En otros diversos momentos del trabajo de Stravinski éste emplea
varios ostinati sin tener en cuenta la armonía o el tempo de la obra, creando un pastiche, una clase de
equivalente musical al cubismo en la pintura. Estos pasajes no sólo son notables por su calidad-
pastiche sino también por su longitud: Stravinski los trata como un todo, como secciones musicales
completas.

Tales técnicas figuraron por varias década como trabajos minimalistas de compositores como Terry
Riley y Steve Reich.

4.2 El Neoclasicismo
Stravinski no fue el primer practicante del estilo neoclásico; de hecho el compositor alemán Richard
Strauss podría ser el primero y más grande ejemplo (compuso la mozartiana El caballero de la rosa en
1910, cuando Stravinski aún estaba empezando las obras de su período ruso). Otros, como Max Reger,
estaban componiendo a la manera de Bach mucho antes que Stravinski, pero ciertamente este último
fue un músico neoclásico inteligente. El estilo neoclásico se adoptaría después por compositores tan
diversos como Darius Milhaud y Aaron Copland. Sergei Prokofiev una vez reprendió a Stravinski por sus
amaneramientos neoclásicos, aunque simpáticamente, ya que Prokofiev había utilizado música similar
para su Sinfonía No.1 de 1916-17.

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Stravinski anunció su nuevo estilo en 1923 con su delicada obra para vientos Octeto. Las armonías
claras, recordando la era de la música clásica de Mozart y barroca de Bach, y las combinaciones más
simples de ritmo y melodía eran una contestación directa a las complejidades de la Segunda Escuela de
Viena. Stravinski puede haber sido precedido en estos temas por compositores más tempranos como
Erik Satie, pero no existe ninguna duda de que cuando Copland estaba componiendo su ballet
Appalachian Spring estaba tomando a Stravinski como modelo.

Ciertamente de forma tardía, entre 1920 y 1930, el neoclasicismo fue aceptado como género moderno
prevaleciendo entre los círculos musicales alrededor del mundo. Irónicamente, fue el propio Stravinski
quién anunció la muerte del neoclasicismo al menos en su propio trabajo, y tal vez para el mundo, con
la realización de su ópera The rake's Progress en 1951. Una suerte de declaración última para el estilo,
la ópera fue ampliamente ridiculizada por parecer en demasía una "vuelta atrás" incluso por aquéllos
que habían alabado el nuevo estilo sólo tres décadas antes.

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5. OBRAS

1898 Tarantella, para piano Música de piano)

1902 Scherzo, para piano Música de piano)
1902 Romance, para voz y piano Música vocal)
1904 Sonata en Fa sostenido menor, para piano Música de piano)
1907 Sinfonía en Mi bemol Música orquestal)
1907 Faun and Shepherdess orquesta Op. 2 Música vocal (orquesta)
1907 Pastorale, para soprano y piano Música vocal (piano)
1908 Quatre Etudes, para piano Op.7 Música de piano
1908 Scherzo fantastique Música orquestal
1908 Feu d'artifice [Fuegos artificiales] Música orquestal
1908 Two Melodies for mezzosoprano y piano Op.6 Música vocal (piano)
1910 Dos poemas de Paul Verlaine barítono y orquesta Op.9 Música vocal (orquesta)
1910 L'oiseau de feu, para orquesta Ballet
1911 Petrushka, para orquesta Ballet
1911 Two Poems of K. Balmont para voz y piano Música vocal (piano)
1912 El rey de las estrellas Música coral
1913 Trois poésies de la lyrique japonaise para voz y piano Música vocal (piano)
1913 Trois petites chansons, para voz y piano
(o orquesta pequeña) Música vocal (piano)
1913 La consagración de la primavera
(Le sacre du printemps), para orquesta Ballet
1913 Le Sacre du Printempsç
[La consagración de la primavera] para dos pianos Música de piano
1914 Le rossignol [El ruiseñor] Música de escena
1914 Valse des fleurs, para dos pianos Música de piano
1914 Solovey (El Ruiseñor) (Solovey (Le Rossignol))
para solistas vocales, coro y orquesta Ballet
1914 Tres piezas para cuarteto de cuerdas Musica de cámara
1914 Pribaoutki, para voz, flauta, oboe, clarinete, fagot,
violin, viola, violonchello y contrabajo Música vocal
1915 Trois pièces fáciles, para dos pianos Música de piano)
1915 Souvenir d'une marche boche para píano Música de piano)
1916 Renard Ballet
1916 Berceuses du Chat, para contralto y tres clarinetes Música vocal
1916 Burleske, para cuatro pantomimas
y orquesta de cámara Música de escena
1917 Le chant du rossignol (El canto del ruiseñor) Música orquestal
1917 Pour Pablo Picasso, pieza para clarinete Música solista (clarinete)
1917 Canon para dos trompas Música solista (trompa)
1917 Cinq pièces fáciles, para dos pianos Música de piano
1917 Valse pour les Enfants, para piano Música de piano
1917 Three Tales for Children, para voz y píano Música vocal (piano)
1917 Four Russian Peasant Songs Música vocal
1918 Berceuse, para voz y piano Música vocal (piano)
1918 Dueto para dos fagots Música solista (fagot)
1918 Histoire du soldat [Historia de un soldado] Música de escena
1918 Quatre chants russes, para voz y piano Música vocal (piano)

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1919 Piano Rag Music, para piano Música de piano

1919 Suite para Historia de un soldado clarinete y piano Música de cámara
1919 Tres piezas para clarinete Música solista (clarinete)
1918 Histoire du Soldat [Historia de un soldado] Ballet
1918 Quatre études, para orquesta Música orquestal
1920 Sinfonía de instrumentos de viento Música orquestal
1920 Suite para Pulcinella, para orquesta Música orquestal
1920 Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas Ballet
1920 Chorale, para piano Música de piano
1920 Concertino para cuarteto de cuerdas Música de cámara
1921 Suite No. 2, para orquesta de cámara Música orquestal
1921 Les Cinq Doigts, para piano Música de piano
1922 Mavra Música de escena
1923 Las bodas (Les noces) Música de escena
1923 Octeto, para instrumentos de viento Música de cámara
1924 Sonata, para piano Música de piano
1925 Serenade, para piano Música de piano
1925 Suite No. 1, para orquesta de cámara Música orquestal
1925 Concierto para piano e instrumentos de viento Música orquestal
1926 Pater Noster Música coral
1927 Oedipus Rex Música de escena
1928 Apolo, dios de las musas , orquesta de cuerdas Ballet
1928 El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta Ballet
1929 Capriccio, para piano y orquesta Música orquestal
1930 Sinfonía de los salmos para coro y orquesta Música coral
1931 Concierto para violín en Re Música orquestal
1932 Duo Concertant para violin y piano Música de cámara
1933 Perséphone, para narrador, solistas,
doble coro y orquesta Ballet
1933 Pastorale, para violín y piano Música de cámara
1933 Suite Italienne (de Pulcinella),
para violín o violonchelo y piano Música de cámara
1934 Divertimento para orquesta, Suite de El Beso del hada Música orquestal
1935 Concierto para dos pianos Música de piano
1936 Jeu de cartes, para orquesta Ballet
1937 Preludium for jazz band Música orquestal
1938 Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) Música orquestal
1938 Petit ramusianum harmonique, para voz solitaria o coro Música vocal
1940 Sinfonía en Do Música orquestal
1940 Tango, para orquesta de cámara (1940/1953) Música orquestal
1940 Tango, para piano Música de piano
1942 Circus polka, para orquesta Música orquestal
1942 Danses concertantes, para orquesta de cámara Música orquestal
1942 Four norwegian moods, para orquesta Música orquestal
1943 Ode, para orquesta Música orquestal
1943 Sonata para dos pianos Música de piano
1944 Elegy, para solo de viola Música solista
1944 Babel Música de escena
1944 Scherzo a la russe, para orquesta Música orquestal
1944 Scènes de ballet, para orquesta Ballet
1945 Sinfonía en tres movimientos Música orquestal
1945 Ebony concerto, para clarinete y banda de jazz Música orquestal
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1946 Concierto en Re, orquesta de cuerdas Música orquestal

1947 Orpheus, para orquesta de cámara Ballet
1948 Mass Música coral
1951 The Rake's Progress Música de escena
1953 Septeto Música de cámara
1953-54 Cantata para soprano, tenor, coro femenino,
2 flautas, oboe, corno inglés y violoncello Música coral
1953 Tres canciones de William Shakespeare,
para mezzosoprano, flauta, clarinete y viola Música vocal
1954 Four Russian Songs [Cuatro canciones Rusas],
para mezzosoprano, flauta, arpa y guitarra, versión
de Quatre chants russes y de Three Tales for Children Música vocal
1954 Dos poemas de K. Balmont Música vocal
1954 In Memoriam Dylan Thomas Música vocal
1955 Canticum Sacrum Música coral
1955 Greeting prelude, para orquesta Música orquestal
1957 Agon, para orquesta de cámara Ballet
1958 Threni Música coral
1958-59 Movimientos, para piano y orquesta Música orquestal
1959 Epitaphium, para flauta, clarinete y arpa Música de cámara
1959 Double Canon, para cuarteto de cuerdas en
memoria de Raoul Dufy Música de cámara
1960 Monumentum Pro Gesualdo Di Venosa (arreglo),
para grupo de cámara Música de cámara
1961 A Sermon, a Narrative y a Prayer Música coral
1962 The Flood [El Diluvio] Música de escena
1963 8 instrumental miniatures, para 15 interpretes,
orquestación de Les Cinq Doigts Música orquestal
1963 Abraham and Isaac Música coral
1963-64 Variaciones (Variations), en memoria de Aldous Huxley Música orquestal
1964 Fanfare for a New Theatre, para dos trompetas Música de cámara
1964 Elegy for J.F.K., para barítono y tres clarinetes Música vocal
1965 Introitus Música coral
1966 The Owl and the Pussy Cat, para soprano y piano Música vocal (piano)
1966 Requiem Canticles [Cánticos de réquiem] Música coral
1967 Two Sketches for a Sonata, para piano Música de escena

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6. GLOSARIO

Ostinato, concepto que designa la repetición más o menos frecuente de un diseño melódico o rítmico
a lo largo de toda una composición o de parte de ella.

Sonata, (Del it. sonata, y este del lat. sonāre, resonar). f. Mús. Composición musical, para uno o más
instrumentos, que consta generalmente de tres o cuatro movimientos, uno de ellos escrito en forma
sonata.

Pastiche, (Del fr. pastiche). m. Imitación o plagio que consiste en tomar determinados elementos
característicos de la obra de un artista y combinarlos, de forma que den la impresión de ser una
creación independiente.

Cubismo, movimiento artístico en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la

representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un
objeto visto desde múltiples ángulos

Impresionismo , (musica ) fue encabezado por el compositor francés Claude Debussy. Este movimiento
fue influido por los pintores impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine, Charles
Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en vez de estructuras formales
tales como la sonata y la sinfonía

Permutar, (Del lat. permutāre). tr. Cambiar algo por otra cosa, sin que en el cambio entre dinero a no
ser el necesario para igualar el valor de las cosas cambiadas y transfiriéndose los contratantes
recíprocamente el dominio de ellas. || 2. Dicho de dos funcionarios públicos: Cambiar entre sí sus
respectivos empleos. || 3. Variar la disposición u orden en que estaban dos o más cosas

Métrica, (Del lat. [ars] metrĭca, y este del gr. μετρική [τέχνη]). f. Arte que trata de la medida o
estructura de los versos, de sus clases y de las distintas combinaciones que con ellos pueden formarse.

Primitivismo, Expresión o manifestación propia de los pueblos primitivos. || 2. Tosquedad, rudeza,

elementalidad. || 3. Utilización en la pintura y la escultura del siglo XX de rasgos formales
considerados propios del arte de los pueblos primitivos.

Neoclasicismo, (música), término con el que se suele denominar a la tendencia estilística en la

composición musical del periodo de entreguerras que destacaba la contención y la claridad formal de
los modelos de la época clásica.

Romanticismo, (música), movimiento artístico que dominó en la literatura, la pintura y la música

durante el último periodo del siglo XVIII y principios del XIX. Se caracterizaba por una amplia variedad
de rasgos, muchos de los cuales pueden encontrarse ocasionalmente en la música de otras épocas; a
pesar de ello, las ideas románticas determinaron el pensamiento de los compositores a lo largo del
siglo XIX.

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7. BIBLIOGRAFIA

LIBROS:

Diccionario ENCARTA 2007

SADIE, Stanley (Ed.): “Strawinsky, Igor”, en Diccionario l, Madrid, 2000

STRAWINSKY, Igor: Poética Musical, Taurus, Madrid, 1989 [1977].

Notas de Clase

PAGINAS WEBS:

La historia de la música y sus diferentes periodos

http://www.monografias.com/trabajos5/mudipe/mudipe.shtml

Biografía de Igor Stravinski

http://es.wikipedia.org/wiki/igor_Stravinski

Catalogo de obras de Stravinski

http://www.karadar.com/Cataloghi/stravinsky.html

Grandes directores del siglo XX

http://www.filomusica.com/filo38/direct2.html

Igor Stravinski, la revolución de la música culta en el siglo XX (I)

http://www.hiru.com/es/musika/erreportaiadidaktikoak/46210

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IGOR STRAVINSKY Zulma Roque Q.

ANEXOS

RECURSOS UTILIZADOS

Los siguientes enlaces dirigen a los recursos utilizados durante la exposicion:

a) Diapositivas “Igor Stravinsky”

www. esnips.com/zulmaroque
www.zulmaroque.blogspot.com

b) Videos

Video 1 : PAJARO DE FUEGO

http://es.youtube.com/watch?v=5tGA6bpscj8

http://es.youtube.com/watch?v=VlrrllC927o

Video 2 : PETRUSKA

http://www.youtube.com/v/VlrrllC927o&hl=es&fs=1

Video 3: CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA

http://es.youtube.com/watch?v=PSyoi0EGYBw

Video 4: DOCUMENTAL IGOR STRAVINSKI

http://es.youtube.com/watch?v=4R-0zt_T_4M

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