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REVISTA DE LA ESCUELA DE BLUES diciembre de 2008 - Año 0 - Nº 1

NOTAS NEGRAS _________________________________________ 3

MUDDY WATERS. GOT MY MOJO WORKING _____________________ 4
POETAS DEL BLUES. EL SEXO EN LAS LETRAS DE COUNTRY BLUES
por Gabriel Grätzer ___________________________________ 7
PANORAMA DEL BLUES EN BUENOS AIRES ______________________ 11
ADRIÁN JIMÉNEZ, PIONERO DE LA ARMÓNICA BLUES
por Nuria Gómez Belart _______________________________ 17
PERÍODOS DEL DESARROLLO DEL BLUES GRABADO
por Gabriel Grätzer __________________________________ 19
DUKE ROBILLARD EN BUENOS AIRES
por Alejandra Herren _________________________________ 24
EL BLUES EN EL CINE. IMÁGENES PAGANAS
por Leo Caruso ______________________________________ 26
BLUES COMENTADO
por Gustavo Blues ____________________________________ 30

EDICIÓN: Gabriel Grätzer

DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN: Nuria Gómez Belart
ILUSTRACIÓN DE TAPA: Edgardo Edmunds
COLABORAN EN ESTE NÚMERO: Leo Caruso,
Alejandra Herren, Gustavo Blues.

ESCUELA DE BLUES
DIRECTOR GENERAL: Gabriel Grätzer
DIRECTOR ARTÍSTICO: Gabriel Cabiaglia
COORDINADOR GENERAL: Mauro Diana

Cuando en septiembre de 2000,
comenzó a funcionar la ESCUELA DE BLUES
basándose en el deseo de contar con un
espacio para que el Blues pudiera ser
compartido, se podría haber imaginado
algo de lo que hoy está sucediendo, pero
jamás, en esta dimensión.
Desde una escuela de estas caracte-
rísticas, se pueden gestar un sinfín de
actividades de producción, de conciertos,
etc., pero, ante todo, se entablan pro-
fundas relaciones que, motivadas por un
común denominador que es el Blues,
comienzan este fascinante camino sin
más coincidencias que el deseo de tocar,
vivir, aprender.
La magia que se genera no es ilógica,
porque el Blues es una manifestación del
sentir cotidiano, es una música que se
construye, más que con teoría y técnica,
con corazón y el transcurrir del día a
día; más que con estudio y disciplina, con
dedicación y conciencia.
El Blues —y todo lo que él conlleva—
puede ser materializado en un buen
concierto, en un disco, en un portal de
Internet, en un video, en un programa
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de radio y —por qué no— en una
revista que refleje aspectos
informativos, biográficos, históricos y
otras curiosidades.
Trazando una analogía, la marcación
del pulso en la música está representada
en figuras rítmicas por las negras, y lo
mismo, cuando al negro nos referimos
para definir el color tradicional de la tinta
con la que se escribe esa música del alma
y la historia que nos legaron, que
tomamos prestada de los grandes
maestros y que continuamos escribiendo.
La historia con que, hace ocho años,
se inició con el deseo de compartir el
Blues, tiene ahora, en esta revista, otro
medio de expresión y difusión para
reflejar la música afroamericana en
palabras, artículos, comentarios,
expresiones escritas a través de notas
negras.
GABRIEL GRÄTZER
DIRECTOR DE LA ESCUELA DE BLUES
DEL COLLEGIUM MUSICUM
 4
Muddy Waters
Muddy Waters edificó el sonido del Blues de Chicago sin dejar de sostener los
lazos, las raíces y el sentimiento del Mississippi Delta Blues que supo cultivar en
sus orígenes.
No se trata solamente de comprender
la influencia de Muddy Waters a través
de muchos de sus continuadores en el
Blues o en el Rock sino también, en cómo
cada uno de los músicos que tocaron con
él recorrieron un importante camino e
hicieron grandes carreras, como los casos
de Jimmy Rogers, Little Walter, Fred
Bellow, Junior Wells, Walter Horton,
James Cotton, Luther Tucker, John
Primer, Otis Span y otros.
Muddy Waters es el Blues, y conocer
los puntos básicos de su historia es,
definitivamente una manera de
profundizar en los secretos de esta
música.
Continuando con la tradición de los
viejos bluesmen del Delta del Mississippi,
el joven McKinley Morganfield, nacido
el 4 de abril de 1915, en Rolling Fork,
Mississippi, tempranamente aprendió a
tocar la guitarra gracias a la gran influencia
que, en él, ejerció uno de los grandes
maestros del Country Blues de los años
‘20 y ‘30: Son House.
Su desempeño como músico tenía las
mismas características que las de muchos
de sus antecesores o contemporáneos:
alternaba las pequeñas fiestas o eventos
sociales en los que tocaba, con su trabajo
de conductor de tractores en la
plantación de Stovall, cerca de donde
vivía, en Clarksdale, Mississippi.
En el verano de 1941, sobre la sofocante
geografía estival del Delta, el antropólogo
Alan Lomax, en busca de nuevos talentos
del Blues, lo descubrió descalzo y sin

guitarra. Le prestó su propio calzado y su
Martin Guitar, y le hizo algunas
grabaciones que serían destinadas al
Archivo de la Biblioteca del Congreso de
Washington. En ese momento, nadie se
imaginó que ese joven que tocaba en el
estilo rural de Son House, Robert Johnson
oWillie Brown, con los años, se convertiría
en lo que finalmente fue.
Tras una segunda sesión, en 1942, y a la
edad de 27 años, Muddy marchó hacia la
gran ciudad, la verdadera meca del Blues
Urbano: Chicago. En poco tiempo, su
estilo comenzó a llamar la atención, en
el área del South Side (zona sur) de la
ciudad.
Solía tocar en la conocida Maxwell
Street, donde se hallaba el mercado local
y epicentro de la vida de los afroame-
ricanos. Lentamente, su estilo rural fue
adquiriendo, influido por la vida de la
ciudad, un perfil más agresivo en el cual
reemplazó, incluso, la guitarra acústica
por la amplificada. Esto le valió la atención
de algunos músicos que pronto lo
introdujeron en el circuito de clubes y
bares en los cuales comenzó a compartir
escenario con figuras ya consagradas como
Sonny Boy Williamson, Tampa Red o
Eddie Boyd.
Su andar por la noche le permitió
entablar una estrecha relación personal y
musical con Jimmy Rogers y con el
armonicista LittleWalter (Walter Jacobs)
con quienes rápidamente formó su
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primera banda y a los que se sumó el
pianista Sunnyland Slim.
Después de sufrir el rechazo de algunas
compañías de grabación que consideraban
su música algo inapropiada para los
estándares comerciales, consiguió hacer
su debut discográfico para Aristocrat, en
1947; pero sería con su clásico I Can’t Be
Satisfied de 1948 que cosecharía su primer
gran éxito.
Así, sus primeras grabaciones, entre
1948 y 1950, como Louisiana Blues, I’m a
Rolling Stone, I Feel Like Goin’ Home, eran
una fascinante mezcla de melodías y
ritmos rurales con un sonido urbano,
fresco y original. Realizadas todas para
Aristocrat (más tarde convertido en
Chess, su lugar de grabación por los
siguientes 25 años), Muddy forjó su
reputación grabando un sinfín de clásicos
como Hoochie Coochie Man, Got My Mojo
Working, I Got my Brand onYou, Manish Boy,
Trouble No More, Forty Days & Forty Nights,
Don’t Go No Farther Walkin’ thru’ the Park,
siempre acompañado con una soberbia
banda y recibiendo, a su vez, la
inestimable ayuda, como músico y
letrista, del contrabajista Willie Dixon,
autor de muchos de los clásicos que
Muddy grabó como I’m Ready o I’ Just
Wanna Make Love toYou.
Entre 1950 y 1958, disfrutó de 12 hits
en el R&B Billboard y popularizó el Blues
hasta niveles entonces desconocidos en
los Estados Unidos.
 6

Su fama trascendió los límites de su país,
y la participación en el Festival de Jazz de
Newport, en 1960, con la versión del Got
my Mojo Working, le abrió las puertas del
mercado y las audiencias internacionales.
La década transcurrió entre discos, viajes
y conciertos. Muddy continuó tocando
también en formaciones dentro del
llamado movimiento de Folkmusic y
participando de los American Folk
Festivals.
La Era de Oro del Blues Eléctrico de
Chicago había llegado a su fin conjun-
tamente con la compañía que lo lanzó a
la fama: Chess. Los ‘70 fueron años
difíciles; con muchos conciertos, pero sin
grabar, hasta que, en 1976, de la mano
del guitarrista Johnny Winter, la carrera
deWaters fue relanzada, con nuevos discos
para el sello Blues Sky (subsidiaria, de
Columbia, que paradójicamente había
rechazado a MuddyWaters en los años‘40).
Al igual que en la década del‘50, formó
grandes bandas con músicos como Pinetop
Perkins, Willie Smith, Bob Margolin,
James Cotton, Lovie Lee, John Primer,
Mojo Buford y el propio Winter.
Nuevos y excelentes discos, giras y un
renovado reconocimiento de sus colegas
fueron el último premio a una carrera
brillante, que culminó en mayo de 1983.
Al final de su vida, su status musical
estaba asegurado y, si bien su lugar
quedará vacante, aquel muchacho que
edificó, desde el Mississippi, el sonido del
Blues Eléctrico dejó un legado invaluable.

Internet es el medio ideal para acceder a la amplia discografía, videoteca y bibliografía sobre MuddyWaters.

Biografía recomendada Discografía

Can’t Be Satisfied:The Life andTimes of MuddyWaters La amplia discografía incluye discos oficiales y
Robert Gordon, Keith Richards, publicado por Little recopilaciones.
Brown and Company, 2003 www.muddywaters.com/disc.html
www.music-city.org/Muddy-Waters/
Muddy Waters: The Mojo Man
discography/
Sandra B.Tooze, publicado por ECW, 1997
www.bluesandrhythm.co.uk
The Land Where the Blues Began www.allmusic.com (ingresar «MuddyWaters»)
Alan Lomax, publicado por Bantam Dell, 1995
Videos
Letras La enorme cantidad de filmografía sobre Muddy
En www.blueslyrics.tripod.com se pueden Waters es posible recorrerla a través del sitio de
encontrar muchas de las letras de los clásicos de videos de www.youtube.com
MuddyWaters.

Poetas del Blues
El sexo en las Letras
del Country Blues
Pocas músicas folklóricas edificaron una
historia tan rica e influyente como la
afroamericana, considerando que es la
semilla de todas las corrientes estilísticas
populares dentro del Rock, el Jazz, el Pop.
Pero, ¿cuánto conocemos realmente sobre
su poesía? ¿Cuánta atención le prestamos
realmente a las letras?
«Poetas del Blues» tiene como objetivo
acercarnos un poco más a esta música a
través de la palabra cantada, que no es otra
cosa que el reflejo de cómo vivían los
afroamericanos tras los siglos de esclavitud
a los que fueron sometidos.
En esta nota, nos referiremos a las letras
con contenido sexual, una temática
interesante por la variedad y riqueza de
sus expresiones.
Poesía, historia y sexo, tres elementos
que se han unido para echar un... poco de
luz sobre estos viejos blues.
En el seno de las sociedades norteame-
ricanas de comienzos de siglo, donde el
pensamiento y el obrar del hombre blanco
prevalecía, existía la firme convicción de
que los negros eran inmorales, carentes de
todo concepto de familia y que, reducidos
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por GABRIEL GRÄTZER
a una vida miserable, como esclavos, su vida
sexual era promiscua, llena de mujeres
«fáciles» y hombres que, por su falta de
educación, eran literalmente considerados
y tratados como salvajes.
¿Habiendo escapado de las plantaciones,
cuántas oportunidades tenía un negro de
llevar una vida digna lejos de la marginalidad
en la que matar para sobrevivir y
prostituirse para comer era casi el único
recurso?
En tiempos de esclavitud, además de
realizar las tareas de campo habituales o
trabajos forzados, los negros eran requeridos
para engendrar.
Entonces, por ejemplo, ciertas haciendas
de Virginia estaban abocadas, únicamente,
a la selección de hombres y mujeres según
su virilidad y fertilidad para engendrar
nuevos y futuros esclavos, para vender a las
plantaciones de todo el Sur de los Estados
Unidos. Se sometía a los negros al mismo
régimen de fecundación que al ganado; así
constaba en los censos en los que se contaba
por igual la cantidad de esclavos y de vacas.
Esta problemática no decreció con el fin
de la esclavitud, en 1865, tras la Guerra de
 8
la Secesión; por el contrario, se acentuó,
incluso, a lo largo de todo el siglo XX.
Si bien en ciertos ámbitos los negros
fueron lentamente insertándose en la
sociedad de los blancos, en general, la
segregación racial alcanzaba lugares
insospechados como buses, peluquerías, salas
de esparcimiento y bares. Carteles del estilo
de No black admited (no se admiten negros)
eran frecuentes. Para un blanco, entablar una
relación afectiva con un afroamericano era
delictivo y, para un negro, la muerte casi
segura de manos del temido Klu-Klux-Klan.
Como consecuencia, a través del canto,
muchos hombres y mujeres afroame-
ricanos, encontraron la posibilidad de
expresar sus insatisfacciones sociales en el
Blues. Dentro del amplio espectro de
tópicos, el sexo es uno de los más
interesantes. El slang (jerga) era la forma
más común para expresar los términos
sexuales, aun cuando ciertas letras, hoy en
día, nos pueden parecer obvias por su
terminología, en aquella época, el uso de
ese tipo de artilugios era la herramienta
para evitar la censura y mantener un código
propio protegido de los blancos.
Desde el punto de vista comercial, existe
un antes y un después del 24 de octubre de
1928, cuando Tampa Red y Georgia Tom
grabaron el Tight LikeThat (mueve esa cosa),
un éxito comercial que inició formalmente
la fiebre por los llamados Hokum Blues
(Blues Picantes), composiciones gene-
ralmente cantadas y ejecutadas en tono
humorístico e irónico con dobles sentidos y
el empleo del slang.
Aquí, un repaso por algunas de las
expresiones más comunes.
Entre las que se utilizaban para figurar el
acto sexual, encontramos rider (montador).
El Pony Blues que Charlie Patton grabó, en
1929, emplea esta palabra: «Tira de mi pony
que yo montaré a mi yegua».1
También, se solía emplear rolling (rodar):
«Dime nena, cómo quieres que rodemos (que
lo hagamos)».2
Las figuras de animales eran muy comunes
para connotar destrezas o dotes sexuales.Así
encontramos al monkey man (hombre mono).
black wolf that holler (el lobo negro que aúlla),
prowlin’Tom cat (el gato en celo) o hungry calf
(ternero hambriento) que se utilizaban para
figurar a un hombre «caliente» y deseoso de
mujeres.Esto se puede observar en ejemplos
tales como: «Tu ternero está hambriento,
necesitaré mamar».3
Con esta intención también encontramos
expresiones como el bull cow (toro) o rattle
snake daddy (la serpiente de papito).

Muy frecuentemente, los hombres se
referían a al trasero de las mujeres como
carne de cerdo (pig meat), en tanto que el
hombre podía ser llamado bumble bee
(abejorro) y obviamente tenía un «aguijón»
listo para ser usado. «Abejorro, por favor,
vuelve a mí, tienes el mejor aguijón que
cualquier abejorro pueda poseer. Pícame
por la mañana y todo el día también».4
Las comidas presentan una faceta
interesantísima. El órgano sexual femenino
era señalado muchas veces como jelly roll
(dulce en movimiento) y el masculino jelly
bean (dulce poroto), cavash (repollo) o
expresiones como digger (batata) o banana.
Tales son los casos de los blues de Bo Carter:
Don’t Mash my Digger Down so Deep (no
entierres mi batata tan profundamente)5 y
Banana in your Fruit Basket (la banana en tu
canasta de frutas).6
Si el acto sexual resultaba insatisfactorio,
se lo mencionaba como un cornbread (pan
quemado). El órgano sexual de las
adolescentes era llamado biscuit (galletita):
«Voy a cocinar mi galletita y, si no te gusta,
tendré que comer mi pan quemado».7
Si el hombre deseaba tocar los senos de
la mujer, debía «exprimir sus limones» (Let
me Roll your Lemon).8 Pero si la mujer quería
un «buen ejemplar masculino», nada mejor
que un buen trozo de bife de toro (beef man).
«Estoy buscando a mi hombre bife, él tiene
la carne más curtida de la ciudad.Tiene un
gran cuerno, una buena carne de bife,
exactamente del tipo que quiero».9
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9
Aunque a veces, «la carnicería» no le
ofrecía lo mejor a la mujer, tal como cantaba
Memphis Minnie, en 1934: «Puedo
cortarte la salchicha y tu cerdito también,
puedo hacer el corte más lindo y prolijo.
Puedo rebanarte el tocino y rebanar tu
jamón porque a los bribones como tú los
corto y... ¡adiós!».10
La homosexualidad era de práctica
común pero, desde ya, encubierta. Para
estos casos, las denominaciones iban desde
el habitual marica (sissy), hasta rótulos como
mellow (suave, dulce); freak (caprichoso) o
drug (arrastrado). «Dios, tengo mi cerdito
pulverizado, si no me puedes dar una mujer
pues mándame un marica».11
El lesbianismo se hallaba aún mucho más
reprimido y se manifestó en algunos blues
bajo la sombra del bull dyker (toro
regateador); es decir, nada de toro macho,
sino medio regateado.
Dos expresiones se asocian al travestismo:
halfy (mitad y mitad) y la más frecuente,
peach (melocotón). «No es éste mi lugar
sino, bajo el árbol de melocotones. Todos
1
Pony Blues (Charlie Patton) - 1929.
2
Rolling Mama (BlindWillie McTell) - 1932.
3
Hungry Calf Blues (Blind Boy Fuller) - 1937.
4
Bumble Bee Blues (Memphis Minnie) - 1929.
5
Don’t Masch my Digger so Deep (Bo Carter) -1936.
6
Banana in your Fruit Basket (Bo Carter) - 1934.
7
Gonna Bake my Bisquit (Memphis Minnie) - 1930.
8
Let me Roll your Lemmon (Bo Carter) - 1931.
9
Beef Man Blues (Henry Brown) - 1934.
10
Meat cutter Blues (Memphis Minnie) - 1934.
11
Sissy Man Blues (Kokomo Arnold) - 1935.
 10
en el barrio me llaman el hombre
melocotón».12
También las comidas estaban presentes
en la temática homosexual. Jim Jackson
cantó sobre ello, en 1928: «Tú me hablaste
sobre estofados y arvejas; pero yo sé qué
es lo mejor. Tú me hablas sobre pollos,
jamón y huevos o sobre pavos vestidos con
pollera; pero escuché la voz de la carne de
cerdo decir —ven aquí y relájate».13
En The Monkey and the Baboon,encontramos
otro caso de homosexualidad explícita: «El
mono y el mandril están jugando a las
escondidas. El mandril saltó sobre la espalda
del mono, sintió la tachuela afilada y dijo
—si tú me haces la del mandril, yo te hago
la del mono».14
Recorriendo diferentes títulos de Blues,
encontramos expresiones variadas:My Pencil
Don’t Write No More y Pin in your Cushion
(Mi lápiz no escribe más y mi alfiler en tu
almohadilla).15
Algunos más explícitos como Shake That
Thing (sacude esa cosa), Fucking Blues o
Shave’em on Dry (cortarla en seco) que se
refiere al sexo sin preliminares. «Ponte
contra la pared, me emborracharé y
comenzaré mi tarea. Hablamos de cortarla,
12
Peach tree man Blues (Guilford Payne) - 1923.
13
I heard the voice of a Pork chop (Jim Jackson) -1928.
14
The Monkey and the Baboon (Barbecue Bob) - 1930. una exacta radiografía sobre el modo en
15
Pin in my Cushion (Bo Carter) - 1931.
16
Shave em’ on Dry (Bessie Johnson) - 1935.
17
Elevator Woman (Sony B.Williamson I) - 1945.
18
32-20 Blues (Roberto Johnson) - 1937.
19
Rusty Can Blues (Spingback Jones) - 1935.
de cortarla en seco y, si no sabes, te enseñaré
cómo».16
Otra expresión es elevator (elevador) que
aparece en: «Nena, elévame cinco o seis»17
que indicaba el grado de erección.
El miembro masculino era comúnmente
comparado con el calibre de las pistolas.
Así, encontramos, por ejemplo, ciertos
títulos alusivos como 32-20 Blues.18
Sumando otros términos, Springback
Jones grabó, en 1935, Rusty Can Blues en la
que utiliza la sigla: D. B. A. (Dirty Black Ace,
es decir, culo negro y sucio). «¿Quieres
mostrarme tu D. B. A.? Pues entonces, la
próxima vez que te agarre, me introduciré
en tu oxidado agujero».19
La historia del Blues y del Country Blues,
en particular, está llena de historias referidas
al sexo. En todos los casos, representan una
faceta que no deja de sorprender por la
diversidad, riqueza y colorido de sus
expresiones. Bo Carter,The Hokum Boys,
Memphis Minnie o Ma Rainey, entre tantos
otros, se refirieron al sexo en estos
términos. Nunca sabremos con exactitud
qué relación directa existía entre las letras
y la realidad de quienes las escribían y las
cantaban, pero, sean experiencias propias
o no, su poesía expresó el sentir de millones
de personas y, a nosotros, nos permite hacer
que sentían y vivían el sexo en los años ‘20
y ‘30.

Panorama del Blues
Cuando en 1935, la mítica Blackie (Paloma Efron) grabó el clásico de Primrose, St. James
Infirmary Blues (Odeón 194328), ni ella, ni sus contemporáneos, imaginaron la actualidad
que tendría el Blues en Buenos Aires.
La ciudad, durante las décadas del ‘40 al
‘50, tuvo una fuerte tradición de músicos
y orquestas de Jazz que encontraron eco
en el gusto de la gente, en los grandes
salones de baile barriales. En esos años,
las ilustres visitas de los jazzeros Louis
Armstrong, Duke Ellington, Dizzy
Gillespie o Ella Fitzgerald, el suceso de
Blackie y del genial Oscar Alemán dieron
un fuerte espaldarazo a la creciente escena
local, aunque poco y nada se sabía del Blues
como género, al cual, en el mejor de los
casos, asociaban a una rama del Jazz.
Sin embargo, había dos personas que,
en silencio, estaban comenzando a
investigar sobre Blues: Guillermo
Hoeffner, quien hizo traer al país los
primeros discos, y Néstor Ortiz Oderigo
que escribió una serie de libros, el
primero de los cuales fue editado en 1944,
por la Editorial Claridad. Se tituló
Panorama de la Música Afroamericana, e
incluía algunos pasajes dedicados al Blues
como expresión folklórica anterior o
formadora del Jazz.
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11
La llegada de los años ‘60 trajo al país la
renovada corriente del Rock Blues Inglés,
a través de los discos de Cream, Davis
Spencer Group, John Mayall o, incluso,
The Rolling Stones. Fue una influencia para
los adolescentes de Buenos Aires en los
tiempos en que el gobierno de Illia traía
aires de libertad y de una gran expansión
cultural. En este período, los grupos de la
música joven dieron vida al denominado
Rock Nacional, que consistía en una
interesante conjunción de interpre-
taciones que imitaban el estilo foráneo
pero con letras cantadas en castellano.
Paralelamente, aparecieron los primeros
vestigios de Blues de manera comercial
en los discos locales de Los Gatos o Manal
y, para fines de la década del‘60, la fórmula
se repitió en los trabajos discográficos de
otras agrupaciones como Pescado Rabioso.
El 2 de julio de 1971, Osvaldo Ferrer,
uno de los verdaderos pioneros del Folk
Blues en la Argentina, registró, acompa-
ñándose en guitarra, nada menos que el
Black Snake Moan de Blind Lemon
 12

Jefferson. Esta grabación forma parte del
Volumen II de laAntigua Jazz Band (Tonodisc
LP 1022).
Los años‘70 no marcaron una evolución
en el Blues como un género con vida
propia, aunque se mantuvo sosteni-
damente dentro su forma de Rock Blues,
en especial, con Pappo’s Blues o Memphis
La Blusera, a finales de la década.
A partir de los años ‘80, el panorama
del Blues en Buenos Aires cambió y
empezó a cosechar resultados que no
fueron el fruto de modas pasajeras.
Arribaron a la ciudad innumerables
leyendas internacionales y aparecieron un
sinnúmero de bandas y solistas argentinos,
así como también surgieron algunas
disquerías especializadas, programas de
radio, espacios para escuchar esta música.
Una generación despertó a los encantos
del Blues y, si bien no se trataba de un
movimiento masivo, esto se vio plasmado
en un circuito comercial que, aunque
pequeño, terminó por construir un
panorama del Blues en la ciudad de Buenos
Aires con muchas historias, algunas poco
conocidas que valen la pena ser contadas.
De acá, de allá y de
todas partes
Shows internacionales
Durante los años ‘90, en Buenos Aires,
se presentaron en grandes teatros o en el
mítico Blues Special Club deAdrián Flores
leyendas como B. B. King, Jimmy Rogers,
Albert King, Honey Boy Edwards, Koko
Taylor, Robert Cray, James Cotton,
Hubert Sumlin’, Dave Myers, Larry
McCray, Rafful Neal, Jimmy Dawkins,
James Whealer, Phil Guy o Eddie King
que, hasta ese entonces, sólo se podían
apreciar a través de los discos.
El nuevo siglo, tras algunos años de escasa
actividad, ha sido testigo nuevamente de
la llegada a la ciudad de leyendas del Blues
de los Estados Unidos tales como Eddie
C. Campbell, Magic Slim, John Primer,

BLUES DE ACÁ
El llamado Blues Argentino o Blues Nacional, cantado en español, forjó un lenguaje propio muy
interesante, producto de una idiosincrasia muy particular, muy nuestra, con melodías y ritmos muchas
veces más cercanos al Rock que al Blues tradicional. Esta historia, que se remonta a fines de los años ‘60,
con los primeros intentos de Javier Martínez, Pappo’s Blues, Claudio Gabis,Tito Larregui (radicado en
España muchos años) o Pescado Rabioso, tuvo una lenta evolución hasta que, en la década del ‘80, se
comenzaron a sentar las bases del Blues tradicional cantado en inglés que recreaba el auténtico sonido
del Blues de los Maestros de los Estados Unidos.
En el interín, comenzaron a dar sus primeros pasos míticas bandas con una orientación definitiva hacia
el Blues, tales como Memphis la Blusera, La Mississippi Blues Band, Blind Lemon o King Size.
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Rick Estrin, John Mayall, El Blues también se aprende

Carlos de Junco, Lorenzo
Desde la inauguración de la ESCUELA DE BLUES DEL COLLEGIUM
Thompson, Mark Hummel,
MUSICUM, la escena del Blues Argentino comenzó a nutrirse
Lynwood Slim o, la más
de nuevos valores y generó un cambio evidente. El Gospel, a
reciente, Duke Robillard.
su vez, tiene varios espacios como los talleres del Gospel en
Asimismo, se ha dado un
Buenos Aires - La Experiencia o los cursos de la UFLO con
enriquecedor intercambio
el Afroamerican Music.
argentinobrasilero con la
Además, se ofrecen conciertos didácticos, workshops y charlas,
llegada de importantes
en diferentes niveles educativos o actividades sociales dentro
bluesmen como Flavio
de hospitales, cárceles o villas de la ciudad de Buenos Aires y
Guimaraes, Big Chico o los
algunas muy buenas publicaciones de métodos de Blues, a
grandes guitarristas Igor
través de Ricordi, como las de Miguel Vilanova o Sergio
Prado, Decio Caetano y Big
Fulqueris. A esto se suma, la tarea docente de muchos de los
Gilson.
músicos que, de manera particular, dictan clases.
Esta corriente de con-
ciertos que, desde los años
‘90, viene desarrollán-dose le
ha dado no sólo un gran La Escuela de
impulso a la escena local, Blues lleva ocho
sino que permite ubicar a los años formando
músicos argentinos dentro de músicos de Blues
un panorama internacional. y aportando
nuevos conecptos.
Incluso, muchos de los
shows de los artistas que han venido en crecimiento propio en relación con la
estos últimos años son producidos por verdadera esencia de esta música,
quienes, hace 15 años, eran espectadores. aprendida, directamente de la fuente.
Hoy, con una visión renovada, también
llevan esos conciertos al interior con el Hacer bandera
consiguiente beneficio que produce la Blues Argentino por el mundo
aproximación, muchas veces primeriza, de Las primeras generaciones de músicos
ese público con los Maestros del Blues de de Blues, de los años ‘60 a los ‘90, no
Estados Unidos, quienes son acompañados tuvieron una proyección internacional,
por músicos locales. salvo algunas excepciones como el caso
Para todos, se trata de una gran de Miguel Botafogo o hechos aislados
experiencia que se capitaliza en el aunque trascendentes como la invitación
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que B. B. King hizo a Pappo para compartir Esta apertura no es casual. Con un
el escenario en New York. Quizás por sonido que maduró y comenzó a sentar
razones y diferencias idiomáticas, las bases musicales en las formas y estilos
estilísticas, comerciales o simple azar del del Blues más tradicional, el acceso a los
destino, fue muy poca la atención que había mercados internacionales se facilitó
sobre los artistas argentinos fuera de enormemente y esto se vio reflejado en
nuestras fronteras. Esta situación se la valoración hacia el músico argentino
revirtió a partir de los años ‘90 con las que es invitado regularmente a los
nuevas generaciones de bluesmen. distintos países mencionados.
Así, nombres como los de Mauro Diana,
Patricio y Daniel Raffo, Miguel Vilanova, El Blues se recicla
Roberto Porzio, Adrián Jiménez, Gabriel Los Ciclos de Blues
Grätzer, Nicolás Smoljan, Adrián Flores, A diferencia de otros géneros como
Gabriel Cabiaglia, R. J. Gauna, Juan el Tango, la música Clásica o el Folklore,
Codazzi o José Luis Pardo tocan el Blues no cuenta, en la actualidad, con
acompañando a figuras del Blues un circuito propio ni un lugar establecido
internacionales o bien como solistas, con como en los años ‘90 lo fue el Blues
proyectos propios y como invitados a los Special Club o el Samovar de Rasputín.
grandes festivales, en escenarios de Estados Ni siquiera hay un festival anual al modo
Unidos, Francia, Japón, China, Rusia, que tienen las grandes ciudades del
Italia, Brasil, Colombia, Chile, Uruguay, mundo. Sin embargo, una modalidad que
Portugal, etc. ha ido ganando su lugar y continuidad
en los últimos tiempos es
Blues en Internet la de los ciclos.
El Blues no está ausente en Internet y, hoy día, es posible acceder a
biografías, discografías, videos, historia, etc.
Con diferentes caracte-
Así,canales de búsqueda a través de portales comoWikipedia, Allmusic, rísticas, todos tienen en
Weblues

Youtube o el mismo Google nos acercan a una ilimitada gama de común, a través de una
material de un gran valor. cuidada programación, esta-
En el ámbito local, recomendamos visitar:
www.lacasadelblues.com.ar, www.escueladeblues.com.ar,
blecer el Blues dentro de las
www.myspace.com,www.bluesenbuenosaires.com, actividades culturales de la
www.bluescomentado.com,www.country2.com, ciudad. Un recorrido por
www.soloenvivo.com.ar/zonablues.htm estos espacios nos revela un
Desde estas webs, es posible, a su vez, tener acceso a las páginas
personales o la información de la enorme cantidad de grupos y
perfil interesante.
solistas de todas las vertientes del Blues Argentino de todos los Contacto Bar, en Flores,
tiempos y la agenda de conciertos. ofrece, desde hace tres años,

Blues en Movimiento que de forma
ininterrumpida, realizó más de 200 shows
y jams abiertas al público.
Blues en los Barrios es un exitoso ciclo que,
con entrada gratuita, se lleva a cabo
mensualmente. Organizado entre la
ESCUELA DE BLUES y el Gobierno de la
Ciudad, por el escenario del Espacio
Cultural Julián Centeya (sede del ciclo),
han transitado algunas de las más
importantes figuras del género y algunas
nuevas bandas.
La Casona del Teatro ofrece sus
Bluesnights, que en la elegante casona de la
avenida Corrientes, desarrolla un concepto
de espectáculo más íntimo y con tendencia
a presentaciones acústicas. En otros bares
de SanTelmo, Palermo o La Boca, es posible
encontrar, de manera regular, a conocidos
nombres como Nasta Súper, Matías
Cipiliano & Dynamo Blues o Javier
Goffman.
Hay otros ciclos con interesantes
programaciones como Blues en el Centro
Cultural Borges, las jams de Blues en Mr.
Jones, los conciertos mensuales del
Auditorio J. B. Justo, el reciente Festival de
Blues de Parque Avellaneda o festivales de otros
géneros que, con años y prestigio, fueron,
paulatinamente, incluyendo Blues en su
programación, tal como ocurre en el San
Pedro Country Music Festival, los Festivales de
Jazz de Metrovías o de Jazz en el Mar.
- diciembre de 2008
15
Blues 78 rpm
El mercado discográfico
En los últimos diez años, son muchos
los discos grabados y lanzados de manera
independiente al mercado. No obstante,
la dificultad para comercializar las
producciones discográficas es un gran
inconveniente en Buenos Aires. Con una
industria que está atravesando un período
de profunda recesión, la falta de espacio
para el Blues es casi total y encontrar en
las bateas una sección dedicada a esta música
Entre los discos independientes o de pequeñas
compañías, se destacan algunas de las producciones
realizadas en los últimos 20 años:
Discografía Recomendada
Van a Pagar - Nasta Súper, 2004, CD
Dynamo Blues - Matias Cipiliano, 2006,CD
Armónica Blues - Adrián Jimenez,2006,CD
HardTimes - Fernando Goin,2006, CD
Asunto Mio - Cristina Dall, 2006, CD
TheAcoustic Blues -TheAcoustic Blues,1995,Cassette
Down Home Blues - Folk & Blues1995.Cassette
I’m Goin’ Home - Gabriel Grätzer, 1998, CD
Club Mondrian - Leo Caruso, 2008,CD
Solo Acústico - Miguel Botafogo, 1999, CD
West End Blues - Ciro Fogliatta, 2002, CD
Llegaron los Blues - Blues Special Band, 1999, CD
Guitar Jump - Daniel Raffo, 2008, CD
Muchos otros artistas se pueden sumar a esta lista con
excelentes discos como los de Black Amaya Quinteto,
Mario Elena,Lucas Sedler,Tota Blues,Uvas Amargas,
Jorge Senno,Córdoba Gospel Choir,The MojoWorkers,
Cristina Aguayo,Lejano Sur,además de los numerosos
discos de los nombres consagrados del Blues Argentino
como Memphis La Blusera, La Mississippi Blues Band,
Los Delta Blues,Mo’Blues,LaVieja Ruta,La Petrolera,
Durazno de Gala,Claudio Gabis,Alambre Gonzalez,
Las Blacanblus o Pappo’s Blues.
16

no es frecuente. Están casi extintas las

disquerías especializadas tal como lo
fueron Only Blues, La Casa del Blues o
actualmente Special Records 54. Son pocos
los sellos que editan Blues en la Argentina:
algunos como El Muro, Aqua Records,
Blues Special Records y Ricordi —que
también ha publicado algunos métodos
escritos sobre Blues— tienen pequeños y
muy valiosos catálogos de discos.
Max Hoeffner,uno de los máximos coleccionistas de Blues del mundo.
Blues with a feeling
Trabajar con el corazón de concientización sobre el verdadero
Pese a la cantidad y calidad de músicos, valor del Blues, independientemente del
la falta de estructura es grande. Sin lenguaje y de la misma evolución o formas
embargo, no impide que la pasión que que pueda tomar esta música de acuerdo
ostentan los músicos locales sea la misma con los gustos, los criterios, la personalidad
que, en los inicios del Blues en Argentina, y las influencias de cada músico.
tenía Guillermo Hoeffner y que fue el El Blues enArgentina y en Buenos Aires,
móvil para sostener su búsqueda por en particular, ofrece matices, estilos y
conocer más sobre esta música, tras expresiones muy variadas que convierten
haber introducido en el país los primeros la escena local en un interesante abanico
discos. de posibilidades y en un polo de atracción
El padre del actual coleccionista para los músicos internacionales. Cuando
internacional de discos y pintor de cuadros Blackie grabó su versión del St. James
temáticos de Blues, Max Hoeffner, sin Infirmary Blues, eran escasos los músicos
pensarlo, inició una maravillosa historia que tocaban Blues; hoy se cuentan de a
del Blues, dentro de la HistoriaArgentina, miles y forman parte de un crecimiento
que hoy, tiene escritas muchas y gloriosas que da como resultado este singular
páginas. panorama del Blues en Buenos Aires.
Toda la música contemporánea —desde
el Rock, el Pop, el Jazz— proviene del
Blues, el más relegado de los estilos y
sobre el que más desconocimiento existe.
Es mucha la tarea por hacer en materia
 17

Adrián Jiménez
Pionero de la Armónica Blues
POR NURIA GÓMEZ BELART

De chico escuchaba bandas como The Rolling Stones y, a los trece, se fascinó con MuddyWaters.
La participación de la armónica en la música siempre le llamó la atención, ya desde entonces
sabía que se trataba de un instrumento que debía ser estudiado con dedicación y seriedad.
Junto con su compañera inseparable, se abrió camino en el mundo de la música negra y hoy
es uno de los referentes de la armónica Blues de Buenos Aires.
Fue el primer armonicista que tocó en el teatro Colón y tuvo la gran oportunidad de tocar en
Chicago con grandes maestros. Unos minutos antes de salir a tocar, lleno de humildad y de
amor por la armónica, Adrián Jiménez recuerda sus orígenes y habla sobre sus experiencias.

¿Cómo empezaste? muchísimo del desarrollo del instrumento

A los 19 años, después de comprarme
mi primera armónica, tomé clases con Luis
Robinson y, con él, aprendí a dar los
primeros pasos. En cuanto a la técnica del
instrumento, era todo muy nuevo. Me pasó
los conocimientos que hasta el momento
había del instrumento.
Seguí estudiando con los discos, como
autodidacta, y a los pocos años, empezaron
a llegar artistas de Estados Unidos para
dar clínicas. En 1995, vino Bruce Ewans,
un gran armonicista de Washington.
Cuando tuve mi primer encuentro con él,
sentí que no sabía nada y que me faltaba
mucho por explorar... Hacía cinco años que
estaba tocando, incluso, había empezado a
dar clases, y cuando lo conocí, me di cuenta
de que todavía me faltaban explorar
muchas facetas de la armónica. Aprendí
- diciembre de 2008
y, gracias a ese clic, pude acceder a un
mundo nuevo de técnicas de ejecución.
¿Hay algún artista al que consideres tu referente?
Hay muchos, porque grabaciones de
armónica hay desde el ‘20 hasta la
actualidad, y cada década tuvo sus grandes
maestros. Uno de los más importantes para
mí fue Walter Horton, por el sonido y la
expresividad. Fue uno de esos artistas clave
que me marcó para seguir estudiando. Pero
hay muchos más: Sonny Terry, con ese
Para quien quiera iniciarse en la armónica,Adrián
Jiménez recomienda:
«Primero, que compren el instrumento adecuado,
podría ser una armónica Hohner, un modelo
indicado para comenzar es el Marine Band. Segundo,
que estudien y que lo hagan, tanto con un profesor,
como escuchando los discos de los grandes maestros.
La armónica tiene muchas técnicas para explorar a
través de las grabaciones originales.»
 18

sonido típicamente rural, o LittleWalter...
Estudiar y profundizar en los grandes
armonicistas permite entender mejor la
música y ejecutarla de otra manera.
También fuiste uno de los pocos músicos argentinos
de Blues que tocaron en Estados Unidos, ¿qué
recuerdo tenés de esa experiencia?
Fue increíble, viajé en 2000. Fuimos con
un grupo de músicos en un tour organizado
por un gran productor,Adrián Flores para
ver el Festival de Blues de Chicago.
Estuvimos desde la semana previa y hasta
la semana posterior al festival, en las que
hay mucho movimiento de shows y de
ciclos.
Nos la pasamos, de bar en bar,durmiendo
poco y viendo mucho. También dio para
tocar, como invitado, en varios de los
shows. Empezábamos al mediodía, a veces
en la presentación de algún artista en la
disquería de algún sello discográfico, y
nosotros llegábamos medio dormidos
porque el último show del día anterior
había terminado a las cinco de la mañana.
¿Cómo te sentías tocando en una de las mecas del
Blues?
Una de mis metas era llegar a tocar en
Chicago. Me sirvió como un testeo para
ver cómo estamos parados acá enArgentina
en relación con el Blues de allá, y pude
comprobar que muchos de nuestros
músicos tienen un gran nivel en
comparación con los de Estados Unidos.
Toqué con grandes músicos, con John
Primer, con Billy Branch, con EddieTaylor
Jr., el hermano de Buddy Hodger, Scott
Hodger, Dave Myers, y también toqué
con otros músicos increíbles menos cono-
cidos por una cuestión de popularidad
nomás.
Lo bueno fue que no sólo estuvimos en
shows en el centro de la ciudad sino que
anduvimos mucho por los bares de las
afueras de Chicago.Te puedo asegurar que
son dos mundos diferentes. Con sólo
correrse un poco del centro, la vida y la
gente cambian de un modo impresionante.
¿Qué sigue después de Chicago? ¿Tenés algún
proyecto de viajar próximamente?
Me encantaría viajar tocando por Europa,
una asignatura pendiente para mí.
Lleno de expectativas, con mucho
camino por andar, Adrián Jiménez se
despidió y se subió al escenario, donde su
compañera de ruta lo esperaba ansiosa.

Armónica Blues
Adrián Jiménez habla sobre su primera producción: Armónica Blues, publicada de manera independiente y
lanzada al mercado en 2006 como el primer disco de armónica Blues grabado y producido en el país.
«Me llevó cinco años producirlo. Fui grabando sesiones en estudio hasta tener un número importante de temas
y, sobre esa base, se hizo la selección. Hay seis instrumentales de mi autoría, tocados con armónica blusera y
cromática; el resto son versiones propias —muchas surgieron espontáneamente— de temas clásicos que
siempre me gustaron.Toqué con cerca de quince músicos que me brindaron su apoyo, y fue muy emocionante
la experiencia, de hecho ya estoy pensando en un próximo disco para empezar a grabar el año que viene.»
 19

Períodos del Desarrollo

del Blues Grabado
por GABRIEL GRÄTZER

Edison había inventado el fonógrafo en 1877, y 13 años después,

fascinado por los sonidos de los músicos negros, efectuó la primera
grabación de música afroamerica en 1890.
Transcurrido más de un siglo desde entonces, el Blues grabado encierra
misterios para quienes lo escuchan y aún, para muchos músicos, y es
una de las preguntas más recurrentes que se formulan a sí mismos de
dónde proviene determinado artista o tema, cuándo y en qué época
ubicar tal disco o cómo se reconoce un estilo a través de las grabaciones.
Pocos géneros en la historia de la música han tenido una relación tan
estrecha entre sus formas estilísticas, geográficas y comerciales con respecto
a las compañías de grabación y, en tal sentido, el nacimiento del Blues coincidió de manera casi
paralela con el desarrollo de la industria discográfica

Blues de Preguerra los nombres de las personas o compañías

(Grabaciones, fundamentalmente acústicas, pioneras en la grabación de música
efectuadas antes de la Segunda Guerra Mundial) afroamericana.
El cuarteto vocal, The Standard
1890-1920 Quartet, grabó la primera obra religiosa,
La primera grabación fue hecha en 1890, en 1892.
al cuarteto vocal Unique Quartet. Durante En un principio, se grababa de manera
los siguientes años, se registraron muy rudimentaria. La música quedaba
innumerables cuartetos vocales de música impresa sobre un papel de estaño o en
religiosa o secular, grupos de entre- cilindros, los cuales sólo podían escucharse
tenimiento, sketches, músicos de Ministrels unas pocas veces y, de los cuales, no podían
y especialmente pianistas de Ragtime. efectuarse copias. En 1902, se implementó
Edison, Berliner, Columbia, Francis la forma de impresión del surco de manera
Densmore,Victor o Robert Gordon fueron eléctrica. El Dinwiddie Colored Quartet

- diciembre de 2008
 20
fue el primer conjunto afroamericano en
grabar con dicho formato.
1920-1925
En este período, se sumaron las
grabaciones a reverendos que oficiaban
servicios con sermones y cantos (el Rev.
Calvin P. Dixon fue el primero). Pero lo
más trascendente fue el registro de las
cantantes del llamado Blues Clásico o de
Vaudeville.
La grabación del Crazy Blues por
Mammie Smith, el 14 de febrero de 1920,
para el sello Okeh, marcó el inicio de lo
que se dio a llamar la Era del Blues
Grabado. El gran impacto comercial del
disco despertó, definitivamente, el interés
de las compañías por comercializar el
Blues.
Así, se abrió el camino para que muchas
otras mujeres grabaran dentro de ese
estilo en el clásico formato de cantante y
piano con pequeña orquestación,
generalmente, de vientos y banjo.
Bessie Smith, Ma Rainey, Ida Cox, Sara
Martin,Victoria Spivey, Alberta Hunter,
Bessie Jackson fueron algunas de las
principales figuras.
En 1923, Hurd Fairfax, de la Iglesia
Bautista, se convirtió en la primera mujer
afroamericana que grabó música religiosa
para la Paramount.
1924-1933
(El Country Blues)
Fue la Era de Oro del Blues Grabado.
Durante estos años, hasta que la depresión
económica de 1929 aplacó el negocio de
las compañías, se gestaron, desarrollaron
y grabaron las más ricas y diversas formas
folklóricas en todos los estilos regionales,
instrumentales, vocales y poéticos.
Baladas, Danzas, Ragtime, Boogie-
Woogie, Gospel, Negro Spirituals y
fundamentalmente Country Blues son
algunas de las muchas formas registradas
en ese tiempo.
Ed Andrews y Dady Stovepipe
fueron, en 1924, los primeros en registrar
blues folklóricos de manera comercial. A
su vez los reverendos Claybourn y Joe
Taggart fueron los primeros guitarristas
evangelistas de Gospel en ser grabados,
en 1926.
Las compañías se expandieron al punto
de establecer una red de subsidiarias.
Columbia, Paramount, Victor, ARC,
Okeh, Vocalion, Brunswik, Gennet,
Decca, Bluebird, entre tantas otras

establecieron una clara subdivisión
comercial por regiones (Blues de Texas,
Mississippi, Costa Este, Georgia,
Alabama, Memphis, St. Louis, etc.)
representadas por músicos como Charlie
Patton, Memphis Minnie, Blind Lemon
Jefferson, Blind Willie McTell, Tampa
Red, Big Bill Broonzy, Leroy Carr, Lonnie
Johnson, Tommy Johnson o Roosevelt
Sykes.
1933-1943
Se continuó grabando Country Blues,
pero en menores proporciones. Muchos
músicos habían emigrado a las grandes
ciudades donde estaban creando un nuevo
sonido más crudo, urbano, al que se
denominó downhome (hecho en casa) y que
sería la base del futuro Blues Eléctrico.
Además, la Biblioteca del Congreso de
Washington recomenzó con sus registros
no comerciales de música folklórica para
su archivo histórico, a partir de 1933, a
través de Alan Lomax.
Se continuó, principalmente grabando
a aquellos músicos que ya eran exitosos.
Hubo, sin embargo, algunos registros
importantes de nuevos artistas como
MuddyWaters, Robert Johnson, Casey Bill
Weldon, Leadbelly, Tommy McClennan,
Blind Boy Fuller.
La comercialización del Blues comenzó
un lento proceso de urbanización, y las
formas folklóricas quedaron encerradas
dentro de un ámbito más regional.
- diciembre de 2008
21
También, se inició la denominada Era
del Gospel Moderno, gracias a las exitosas
grabaciones de Sister Rosetta Tharpe,
Thomas Dorsey o el Golden Gate Quartet,
entre otros.
BLUES DE POSTGUERRA
(Grabaciones, fundamentalmente eléctricas,
efectuadas con posterioridad a la Segunda Guerra
Mundial)
1943-1960
Los músicos de Blues estaban
definitivamente asentados en las grandes
ciudades tales como Chicago.Esto dio como
resultado el desarrollo de las más variadas
formas de Blues amplificado.
Durante parte de la década del ‘40,
todavía se alternaban grabaciones eléctricas
y acústicas promovidas por la necesidad
comercial del sello Bluebird de mantener
la esencia rural viva, pero también, de
mostrar la nueva tendencia urbana. Este
sello estaba representado en artistas como
Arthur Crudup, Sonny Boy Williamson,
Big Maceo o Washboard Sam.
f Para entonces, el mapa del Blues ya
había cambiado notablemente. Iniciada la
década del ‘50, el sonido del Blues se
encontraba definitivamente amplificado.
Así, nacieron nuevos géneros como el
Blues de Louisiana, West Coast Blues,
Rhythm & Blues, Soul Blues, Swing,
Jump, Boogie-Woogie,Texas Blues, New
Orleans Blues, Zydeco, etc.
 22
f Los sellos que dominaban la escena
eran Chess, J. O. B., Aristocrat, Decca,
Imperial, Cheker, Excello, Vee Jay,
Modern, Cobra, Parriot, entre otros.
Representaban a muchos artistas como
Little Walter, J. B. Lenoir, Muddy Waters,
Howlin’ Wolf, T-Bone Walker, John Lee
Hooker, Ruth Brown, B. B. King, Walter
Horton, Eddy Boyd, Ray Charles, Jimmy
Reed, Big Joe Turner, Louis Jordan, Slim
Harpo, Clarence Brown, Etta James y
Fats Domino.
Habiendo finalizado la Segunda Guerra
Mundial, la escasez de caucho, indispensable
para la fabricación de los discos, motivó el
uso de vinilo en su reemplazo, el cual, por
su composición más liviana dio lugar a la
aparición de discos de 45 rpm y
posteriormente a los de 33 1/3 rmp. Este
cambio permitía registrar una mayor
cantidad de canciones por lado, a diferencia
de las dos grabaciones de cuatro minutos
máximo, en los antiguos 78 rpm. El
nacimiento del long play modificó
sustancialmente la forma de comer-cializar
los músicos y en especial, el Blues.
1960-1970
f Al tiempo que los cambios sociales
fueron marcando la evolución del Blues
Eléctrico, se produjeron fusiones que
conllevaron a nuevos estilos, como el Soul
o el Funky.
El impacto que el Blues produjo como
principal elemento en la gestación del
Rock, consumido por la comunidad blanca,
provocó en la música negra un retroceso
comercial en detrimento de este último.
f Apareció el denominado Revival del
Blues Acústico, también conocido como
Folk Music, un movimiento destinado a
regrabar a los antiguos bluesmen de los
años ‘20 y ‘30, además de los registros de
nuevos músicos.
f Los sellos discográficos oscilaban entre
aquellos con lanzamientos originales o de
recopilaciones de antiguas formas esti-
lísticas. Algunas de esas compañías eran
Document Records, Arhoolie, Bluesville,
Denmark, Alligator, Stax, Motown,
Atlantic Records, Fat Posum, entre otros,
y algunos destacados artistas de la época
fueron Buddy Guy, Otis Rush, Bobby
Bland, KokoTaylor, JuniorWells, Ike &Tina
Turner, RuphusThomas, James Cotton,Taj
Mahal, Lowell Fulson, Freddie King,
Albert King, Mississippi John Hurt,
Albert Collins, Magic Sam, Jesse Fuller,
Mance Lipscomb, Juke Boy Bonner, Sonny
Terry & Brownie McGhee, James Brown,
Lightin’ Hopkins, R. L. Burnside, Bo
Diddley.
1970-
f El Blues y el Gospel ya estaban
definitivamente inmersos en el sistema
comercial global y tanto los músicos como
los consumidores de Blues se alistaban entre
quienes elegían las viejas formas y aquellos
que preferían los estilos más modernos e
 23

innovadores. El estilo más tradicional Los cambios sociales se vieron reflejados

estaba representado por músicos como
Billy Branch, Louisiana Red, John Primer,
Luther Allison, Hubert Sumlin’, Carey
Bell o Magic Slim, mientras que las nuevas
tendencias del Blues abarcaban sonidos que
expresaban los tiempos y las necesidades
comerciales actuales encarnadas en
músicos afroamericanos y blancos:
Keb’mo, Lucky Peterson, Steve Ray
Vaughan, Duke Robillard, Corey Harris,
John Hammond o Robin Ford.
En muchos aspectos, la humanidad ha
dado pasos agigantados en períodos muy
breves, y la música no escapó a la regla.
En poco más de un siglo, el Blues nació
como tal, se desarrolló y perfeccionó. Su
expansión social movió a las compañías
discográficas a edificar su imperio
comercial en torno a ellos dado el alto
grado de consumo que esta música tenía.
Las compañías fueron expandiendo el
modelo de comercialización del Blues y
aplicándolo a todos los campos de la
música.
en igual medida en el Blues cuya
evolución es innegable, pero también lo
es el hecho de que el negocio de las
grabadoras fue virando su atención hacia
otras músicas (el Rock ‘n Roll, el Gospel
Moderno, el Pop, el Soul, el Country
Blanco).Así, el Blues fue dejado a un lado
y provocó mucha confusión. Las mezclas
estilísticas y las dudosas recopilaciones de
discos pusieron al Blues en terrenos que,
aún perteneciéndole, como el del Jazz o
el Rock, lo relegaron a un lugar donde es
difícil, para el oyente común, identificarlo
como un género independiente.
Por eso, establecer de manera clara los
aspectos más salientes del Blues en cuanto
a sus formas estilísticas, las subdivisiones
regionales, los artistas principales es
necesario para poder establecer, de manera
ordenada, un recorrido que nos acerque a
la esencia de esta música y la mantenga en
un lugar independiente de otros géneros
como lo que es, la semilla que dio vida a
todas las demás músicas contemporáneas.

Blues de Preguerra Blues de Postguerra

1890-1920 1920-1925 1924-1933 1933-1943 1943-1960 1960-1970

Cuartetos vocales Blues Clásico y Vaudeville Country Blues Country Blues Blues Urbano Revival
Entreteiments Cuartetos vocales Gospel Down Home Blues Chicago Blues Folk Music
Sketches Reverendos/Sermones Negro Spirituals Boogie-Woogie Rhythm & Blues Blues Eléctrico
Piano Ragtime Ragtime Guitar Modern Blues Blues Eléctrico Soul
Ballads Biblioteca del Congreso Swing & Jump Funk
Country Blues Blanco Boogie-Woogie
Texas Blues
New Orleans

- diciembre de 2008
 24

Duke Robillard en
Buenos Aires
POR ALEJANDRA HERREN

Siempre se dice que la música derriba todo tipo de barreras y divisiones.Y, aunque puede
parecer un lugar común, hay ocasiones en las que deja de ser un mero enunciado retórico
para transformarse en un hecho constante y sonante, tal como sucedió el 10 de octubre
sobre el escenario del teatro IFT: uno de los grandes músicos del Swing y Blues de los
Estados Unidos, Duke Robillard, pasó por Buenos Aires y entregó toda su maestría musical
y su destreza guitarrística.

Con la producción de Ricardo Muñoz, Dueño de una gama de coloraturas que

la fiesta comenzó cuando la ex Blacanblus
Cristina Dall & Excipientes (Leo
Leonardi, en batería; Matías Cipiliano, en
guitarra y Mauro Ceriello, en bajo)
hicieron levantar temperatura a una
audiencia muy bien predispuesta.
Luego, el telón volvió a abrirse para
que continuara King Size, con Daniel
Raffo, en guitarra; Mauro Diana, en bajo;
Nicolás Raffeta, en teclados y Patricio
Raffo, en batería, con el agregado de dos
invitados: Ricardo Tapia, en voz y el
armonicista Luis Robinson, con los que
interpretaron algunos clásicos del género
estadounidense y local.
Finalmente, todo estalló cuando
Robillard pisó el escenario y el público
pudo apreciar en vivo al gran ídolo a quien
la mayoría sólo había podido admirar a
través de sus grabaciones.
no conoce fronteras y de un virtuosismo
apoyado en una acentuación expresiva, en
un fraseo que siempre da la impresión de
estar retrasado, como en cámara lenta, y
con una profundidad única, Robillard
maravilló al público de Buenos Aires y con
su música desdibujó las diferencias
culturales para comunicarse a través de
un lenguaje común a todos.
A los riffs, escalas, contrapuntos,
finísimos solos y un canto profundamente
sentido, se sumó en un momento la
experiencia del saxofonista EnriqueVarela,
con el que el gran músico estadounidense
dialogó improvisadamente, durante
algunas canciones, con fluidez y alegría.
También el trabajo de la banda local fue
impecable. Apoyó y siguió con criterio y
oficio, cada uno de los matices y estilos
que Duke Robillard propuso.
 25

Con composiciones propias y algunos de alcanzar, como él lo hizo, un ensamble

clásicos (Do the Memphis Grind, Gee I Whiz, perfecto con los músicos haciendo, en cada
Gonna GetYouTold, Stickin’WithYou, MyTears, momento, lo que cada Blues requería.
entre otros), la visita de Duke Robillard «Para mí —dijo Robillard—, siempre
dejó un excelente sabor de boca tanto en ha sido divertido tocar todas las bases,
quienes se dieron el gusto de acompañarlo todos los estilos, mezclarlos y ponerles mi
en escena como en quienes, sentados en propia impronta. Eso es lo que ha
sus butacas, gritaron, hicieron palmas y mantenido intacta mi fascinación con la
ovacionaron de pie a este hombre, música a lo largo de los años.Y es un camino
poseedor de una gran sencillez. que nunca termina.»
Pero la destreza de Robillard no pasa Su llegada a la Argentina, con todo ese
únicamente por la variedad de sus solos o bagaje sobre sus espaldas, resultó una
la profundidad de sus interpretaciones. verdadera clase abierta de guitarra, de
Durante muchos pasajes de la noche, se canto, de Blues, de humanidad, que a lo
lo vio cómodo y a gusto llevando las bases, largo de una hora y media de show dejó
demostrando que la calidad de un movilizados a todos con la sensación de
guitarrista no radica en la cantidad y que realmente las barreras habían
velocidad de las notas ejecutadas en un desaparecido y que se ha fortalecido
solo instrumental, sino, en la posibilidad nuestro vínculo con el Blues.
Cantante, compositor y productor, además de un
estudioso casi antropológico de las posibilidades de la
guitarra, Duke Robillard, bluesman de la Costa Este
estadounidense, se ha hecho acreedor en los últimos
años de numerosos reconocimientos: en 2006, ganó el
Grammy al mejor álbum de Blues por su Guitar
Groove-A-Rama; y en 2007, se le entregó el Rhode
Island Pell Award a la excelencia artística.
Inspirado en leyendas del Blues como T-BoneWalker, Charlie Patton o Big Joe Turner, el trabajo de
Duke Robillard abarcó a la perfección el Blues, Jazz y el Swing desde que fundó, en 1967, la
legendaria agrupación The Roomful of Blues.
El periodismo especializado suele llamarlo de maneras tan absolutas tales como «uno de los
dioses de la guitarra».Todos estos méritos han despertado en él una única pregunta, que hace
honor a su modestia y bajo perfil: «¿Me lo merezco?».Verlo tocar sobre el escenario confirma
que la respuesta es afirmativa.

- diciembre de 2008
 26
El Blues en el Cine
Imágenes Paganas
Varias películas atraviesan el universo del Blues de manera directa o tangencial; y en muchos
casos, se trata de verdaderas obras de arte.Vale la pena revolver las bateas de un video club bien
surtido en busca de estos tesoros.
En junio de 1929, en el barrio neoyor-
quino de Astoria, comenzó la filmación
del cortometraje producido por W. C.
Handy para su tema St. Louis Blues,
estelarizado por la cantante Bessie Smith.
El futuro había llegado: la máquina del
entretenimiento y el Blues tienen una
relación que lleva casi un siglo.
Lo primero que viene a la memoria,
cuando se habla de cine y Blues,
probablemente sean dos películas de la
década del‘80 que revitalizaron el vínculo
del género con el público masivo: The Blues
Brothers (Los Hermanos Caradura) y
Crossroads (Encrucijada).
The Blues Brothers -banda que combinó
la parodia y el revival musical- fue
fundada por los actores Dan Aykroyd y
John Belushi, para el mítico programa
televisivo Saturday Night Live. Llegó al cine
con una efectiva comedia, actuada por
parte de la plana mayor del género: Cab
Calloway, Ray Charles, James Brown y
Aretha Franklin, entre otros.
Este film es una pieza testimonial,
muchos de los artistas que aparecen, hasta
POR LEO CARUSO
ese momento permanecían en el olvido.
El film Crossroads aborda la figura
arquetípica del pacto con el demonio a
cambio de un don; con la forma de una
aventura iniciática para adolescentes,
muestra a un joven guitarrista tras los
pasos de un alter ego de Robert Johnson
(el mítico artista que -según cuenta la
leyenda- realizó ese famoso pacto en un
cruce de caminos). La banda sonora
pertenece a Ray Cooder.
Ray Charles y el cine
Ray Charles fue uno de los artistas de
Blues que mayor relación tuvo con la
pantalla grande. Tuvo una aparición en
Swingin’Along (1961); pero, en la película
británica Ballad in Blue (1964), es
protagonista absoluto en una ficción que
lo muestra en una gira por el Reino
Unido, mientras se desarrolla una trama
emotiva apta para todo público.
Posteriormente, grabó el tema central
de The Cincinnati Kid (1965), que contó
también con la actuación de Cab
Calloway.
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En 1967, grabó el tema principal de In la ciudad más antigua del estado de

the Heat of the Night (Al Calor de la Noche)
junto a Quincy Jones, quien compuso
todos los temas de la banda sonora. Se
trata de un policial atravesado por la
problemática del racismo en el Sur de los
Estados Unidos. Es un momento en la
historia de ese país en el cual la
perspectiva de la lucha antirracial acapara
el espacio público y cosecha el compromiso
de los artistas; esto se encuentra muy bien
retratado en el film biográfico sobre Ray
Charles (Ray, 2004).
los directores y el blues
El Blues, sus ciudades, sus leyendas, sus
climas y su bagaje cultural han sido fuente
de inspiración para muchas películas, en
las que aparecen no necesariamente a
través del papel protagónico de un artista.
Es el caso de producciones como
Midnight in the Garden of Good and Evil
(Medianoche en el Jardín del Bien y del
Mal) de Clint Eastwood (1997). Una
trama policial ambientada en Savannah,
Georgia, sitio natal de Johnny Mercer, uno
de los compositores más célebres; el nudo
del film sucede en la famosa «Casa
Mercer» en donde suenan algunas de sus
composiciones.Todo el clima de esta obra
está teñido de su influencia.
De manera similar, el clima bluesie
impera en Angel Heart (Corazón Satánico)
de Alan Parker (1987). Es una producción
que, ambientada en New Orleans, gira
en torno a las leyendas y los misteriosos
ritosVudú acompañados con el sonido de
los más sugestivos temas, entre los que se
destacan los temas del célebre pianista
de esa ciudad: Mac Rebennack, más
conocido como Dr. John.
Algo más osado sucede en O Brother,
Where Art Thou? (¿Dónde Estás, Hermano?)
de Joel y Ethan Coen (2000). En esta
fabulosa comedia, los Coen plantean una
versión del poema épico griego La Odisea.
En este caso, la escena homérica está
ubicada en una de las patrias del Blues, la
zona del Delta del Mississippi, durante la

Escena local
El Blues también desembarcó en el cine argentino: en las intervenciones de la legendaria periodista
Paloma Efron (Blackie) y el film documental Hasta que se ponga el Sol (de Aníbal E. Uset, 1973),
que muestra a los grandes del Blues local, Manal y Pappo, entre otros; en los homenajes al guitarrista
Oscar Alemán (Vida con Swing, Hernán Gaffet, 2001) y al armonicista Hugo Díaz (A los cuatro
vientos, Alejandro Larrán, 2005) donde participaron los representantes de la Escuela de Blues,
Daniel y Patricio Raffo y Adrián Jiménez, respectivamente.
Además, el Blues forma parte de la banda de sonido de la película Tres Veranos (Raúl Tosso, 1999)
compuesta por Daniel Gitelman.

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Gran Depresión. Aquí, también aparece
un personaje inspirado en Robert Johnson
que dice haber regresado de negociar con
el demonio. Este papel lo interpreta Chris
Thomas King, músico que contribuyó con
la banda sonora grabando sus propias
intervenciones.
Es muy conocida la pasión por la música
del director Martin Scorsese. Fue uno de
los editores del film Woodstock (1969), que
documenta el mítico festival que congregó
a medio millón de personas. Entre los
artistas que desfilaron, estuvo el grupo
canadiense The Band, quienes por años
acompañaron a Bob Dylan. El éxito del
grupo fue tal que Scorsese registró su último
concierto en la película The Last Waltz (El
Último Vals, 1978). Es una excelente
oportunidad para ver a grandes del Blues
como artistas invitados: Muddy Waters
junto a Pinetop Perkins en el piano, y un
genial Dr. John, entre otros.
En 2003, Scorsese convocó a otros seis
colegas para crear una serie de siete
películas (documentales y de ficción), que
abarcaran distintos aspectos del género.
Esta serie se conoció como The Blues, a
Musical Journey, y contiene las siguientes
películas: Feel Like Going Home (Martin
Scorsese), The Soul of a Man (Wim
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Wenders), The Road to Memphis (Richard La leyenda de la ciudad y la iconografía

Pearce), Warming by the Devil’s Fire
(Charles Burnett), Godfathers and Sons
(Marc Levin), Red,White & Blues (Mike
Figgis) y Piano Blues (Clint Eastwood).
el rey
La ciudad de Memphis, que se erige a
orillas del Mississippi, es la cuna de muchas
leyendas del Blues; allí nacieron Aretha
Franklin, CarlaThomas, James Carr,Anita
Ward e Isaac Hayes. Además vivieron B.
B. King y Johnny Cash y, por si fuera poco,
vivió el artista bisagra entre la magia de
la música negra y la intolerancia de la
América blanca: Elvis Presley, prota-
gonista de una infinidad de películas.
Trailers y videos
del Rey del Rock and Roll es lo que toma
Jim Jarmusch para construir una hermosa
obra de arte, Mystery Train (1989). El tren
que transportaba a Elvis desde las grandes
urbes a su querido Memphis, más la música
y los artistas de Blues, son la omnipresencia
en las tres pequeñas historias que forman
esta película. En distintos roles, mezclados
entre los actores, aparecen los bluesmen
Screamin’ Jay Hawkins, Rufus Thomas y
hasta un abogado, prestigioso defensor de
los derechos civiles de la comunidad
afroamericana, D’Army Bailey.
Quedaron muchas perlas excluidas de esta
nota,aún hay mucho más Blues por encontrar
en la pantalla grande.

Bessie Smith - St. Louis Blues (el cortometraje):

recomendados

www.youtube.com/watch?v=iQ7S2w6v2No
The Blues Brothers (trailer):
www.youtube.com/watch?v=tjGfnsjdJec
Crossroads (trailer):
www.youtube.com/watch?v=OJNl7If64Xg
InThe Heat OfThe Night (títulos, canta Ray Charles):
www.youtube.com/watch?v=TJzxHJcA8qU
Midnight in the Garden of Good and Evil (trailer):
www.youtube.com/watch?v=KT3f4zgmQdI
Angel Herat (trailer):
www.youtube.com/watch?v=rRMbG5vT2ZM
O Brother,Where ArtThou? (trailer y una escena):
www.youtube.com/watch?v=I1C2gCXo4Gs
www.youtube.com/watch?v=krwywj_gIjk&feature=related
The lastWaltz (dos momentos):
www.youtube.com/watch?v=pwd1LsJyhis (MuddyWaters)
www.youtube.com/watch?v=Yu4Fg5Me-z0 (Dr. John)

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Blues Comentado POR GUSTAVO BLUES

Precious Bryant, Fool Me Good

Precious Bryant (Precious Bussey) nació en el condado deTalbot, Georgia, el 4
de enero de 1942. Cuando tenía 6 años, empezó a tocar la guitarra guiada por
su padre quien, además, era intérprete de banjo, flauta y violín.Al poco tiempo,
ya estaba actuando, acompañada por su hermana y con el nombre de «The
Bussey Sisters», en las iglesias baptistas de la región. Luego, siguieron varias
apariciones musicales en fiestas locales y concursos de talentos de la zona, siempre bajo la influencia de
la música rural.
Descubierta por el folklorista George Mitchell, comenzó a grabar en 1969, y una década después,
participó en el Festival Folk «Chattanooche» (Columbia). Fue su primera presentación ante una audiencia
masiva y obtuvo un gran éxito. En la actualidad, toca ocasionalmente en Atlanta y Columbia.
Fool Me Good es un álbum editado en 2002, por el sello Terminus Records, y consta de 15 temas de
carácter acústico.Todos fueron grabados de una vez; es decir, sin remezclas ni ediciones posteriores.
Precious interpreta de manera magistral temas tradicionales o alguna versión, como Broke and Ain´t Got A
Dime (W. McTell). Su estilo claramente influido por Blind Boy Fuller o Etta Baker es el reflejo actual de
toda la tradición del Blues de la Costa Este y, en especial, de la zona de Georgia.
Con exquisita técnica de fingerpicking y voz melodiosa, Precious ofrece, en este trabajo, todo su buen
hacer musical; un álbum agradable de escuchar, lleno de reminiscencias y de buen Blues.

Matías Cipiliano & Dynamo Blues

Matías Cipiliano, uruguayo de nacimiento, pero argentino por adopción, se ha
dedicado a estudiar la guitarra desde su infancia y a perfeccionarse, como pocos,
en su gran pasión: el Blues.
Empuñando su guitarra Fender o su Epiphone de caja, para Matias, estos años
sobre los escenarios porteños le han servido para ganarse el respeto y la admiración
del público y sus colegas. Fueron los pasos necesarios para elaborar y madurar un
repertorio capaz de abordar los más diversos estilos del Blues.Tocados con sobriedad y gran ajuste rítmico,
desarrolló sutiles fraseos y cadencias armónicas.
Con la Dynamo, su banda, desde hace muchos años, logró plasmar todo aquello en su disco. Grabado en
2006, recorre desde temas propios cercanos al Swing como Che Rim, hasta Blues para Pochy pasando por el
infaltable shuffle en R.J.Shuffle o covers como el T. Bone Shuffle o el Fun Runch Boogie.
En igual proporción se destaca su buen gusto para resumir en pocas palabras lo que la mayoría de los
guitarristas necesitan decir con un despliegue más pirotécnico de notas.
Un disco que tiene una muy prolija producción y que no sólo marca un hito en la carrera de Matías
Cipiliano, sino que suma una joya discográfica a la creciente y muy rica escena del Blues local

www.bluescomentado.blogspot.com
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