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Las tecnologías y métodos utilizados antiguamente

para transmitir la comunicación visual se han ido


modificando sucesivamente. Esta actividad, que
hoy conocemos como diseño gráfico, abarca
muchos aspectos. Sus límites quedan difusos,
hasta el punto de confundir el campo de
actividades y competencias que debería serle
propio, incluyendo, por supuesto, sus lejanas
fuentes originales.

El desarrollo y evolución de los productos y


servicios de las empresas y particulares ha crecido
espectacularmente. Esto las obliga a competir
entre sí para ocupar un sitio en el mercado.

Es en este instante cuando surge la publicidad y,


con ella, la evolución del diseño gráfico como
forma de comunicar, atraer y salir victoriosos en la
batalla frente a los competidores.

Índice de contenidos
• Fundamentos del diseño
• Definición de diseño
• Arte y diseño: Elementos de la comunicación
• Estilos y tendencias en el diseño

• Formas básicas de composición: El signo


• Clasificación de los signos: Indicativos
• Los signos icónicos
• Clasificación de los signos
• Elementos básicos: la línea
• Las formas: definición
• La textura como elemento básico
• Espacio y formato
• El formato: DIN A4. DIN A3 y DIN A5

• Historia del color y sus principios básicos


• Historia del color
• Teoría del color. ¿Qué es el color?
• Como son percibidos los colores de los objetos
• Colores primarios, generalidades
• Círculo cromático
• Formación de los colores complementarios
• Definición de los colores cálidos y fríos
• Formas básicas que componen el color
• Efectos del color: El tamaño
• Psicología del color: El color blanco
• Simbología del color amarillo y rojo
• El color violeta
• El color un elemento expresivo
• Escalas de los colores
• Modos y modelos de color
• Modelo de color Swedish Color System NCS
• Modo de color RGB

• La tipografía y su evolución
• Concepto de tipografía, familia y fuentes
tipográficas
• Formas de una terminal: Serif o serifas
• Clasificación de las familias tipográficas
• Tipografías Romanas de transición
• Tipografía Egipcia
• Clasificaciones de las sans serif: Grotescas,
geométricas y humanísticas
• Geométricas o de palo seco
• Las inglesas o manuscritas
• La rotulación como medio de comunicación
• Tipografías más usuales para rotulación
• Variables visuales: definición, orientación y
tamaño
• Un tipo de letra para cada cuerpo de texto
• La alineación del Texto
• Kern y el track
• El color en la tipografía y en la elección del
tipo
• La cuadrícula
• Tipografía digital
• Qué es una fuente digital

• Técnicas de composición
• La composición, el concepto
• La escala
• La sección áurea
• El equilibrio en una composición
• El equilibrio simétrico
• El contraste de tono
• El contraste de escala

• Diseño publicitario
• Diseño publicitario: Las tendencias
• Clases de diseño publicitario
• Diseño de folletos y flyers publicitarios
• El cartel publicitario
• Publicidad exterior
• Packaging igual a comunicación
• El envase y el mercado
• El diseño de logotipos
• Contenidos visuales en los anuncios
• La semiología en la publicidad
• Pautas de un anuncio publicitario

• Identidad corporativa
• El comienzo del diseño corporativo
• Criterios para crear un diseño corporativo
• La cultura corporativa y sus aspectos
• El diseño del producto: Estrategias colectivas
• Interiorismo y la arquitectura corporativa
• Crear una identidad corporativa
• Comunicación externa: la marca

• Maquetación
• Definir el documento
• Clases de retículas
• Maqueta base o página maestra
• Distribución texto y las imágenes
• El cuerpo del texto
• Diferentes clases de formatos
• Las tabulaciones del texto

• Fotomecánica e impresión
• Sistemas de Impresión
• Técnicas de impresión
• Escaneado de originales
• Digitalización: profundidad de bit por píxel
• El escáner
• Definición y carácteristicas de los tipos de
escáneres
• El escáner de Tambor
• Filmación, los fotolitos
• Tipos de tintas
• Gama de tonos Pantone
• Resolución
• La rotativa
• La tipografía
• El huecograbado
• Flexografía
• La serigrafía
• El grabado y el transfer

Fundamentos del diseño

En este apartado vamos a empezar a conocer la


definición de diseño, los campos en los que se
aplica, donde se encuentra el diseño, el arte ligado
al diseño, etc.

El diseño gráfico no significa hacer un dibujo, o


una imagen, o crear una fotografía. Significa
mucho más que todos esos elementos.

Para comunicar y transmitir visualmente un


mensaje de forma efectiva, el diseñador debe
conocer los diferentes recursos gráficos de los que
dispone, junto con la imaginación, experiencia,
buen gusto y el sentido común necesarios para
combinarlos de forma correcta y adecuada.

Definición de diseño: Definimos el diseño como


un proceso o labor destinado a proyectar,
coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de
elementos para ... [ + ]
Arte y diseño: Elementos de la comunicación:
Diseñar se puede considerar un arte, pero no es
del todo exacto. Un diseño puede reunir unas
ciertas ... [ + ]
Estilos y tendencias en el diseño: En todo
proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la
información posible, retenida en su memoria, para
realizar ... [ + ]
DEFINICION DE DISEÑO

Definimos el diseño como un proceso o


labor destinado a proyectar, coordinar,
seleccionar y organizar un conjunto de
elementos para producir y crear objetos
visuales destinados a comunicar mensajes
específicos a grupos determinados. El
conjunto de elementos que implican la
creación de un diseño, se relacionan
como:

Traza, delineción de un edificio o de una


figura.
Descripción de un objeto o cosa, hecho
con las palabras.
Disposición de manchas, colores o
dibujos que caracterizan exteriormente a
diversos animales y plantas.
Proyecto y plan, diseño urbanístico.
Concepción original de un objeto u obra
destinados a la producción en serie, dentro
del mundo de la moda, industrial.
La Forma de cada uno de estos objetos.

Un diseño es una pieza con un cierto


atractivo visual, con personalidad propia y
un gran equilibrio estético.

Ámbitos de aplicación
El diseño se aplica, en todos los ámbitos y
se encuentra por todas partes. Dentro del
mundo digital, en toda la red, internet (la
web). Diseños de todo el mundo
publicitario, revistas, periódicos, libros,
manuales (diseño y maquetación).
Encontramos diseño en nuestro mobiliario,
una silla, un mueble... (diseño industrial y
ergonomia). Divisamos el diseño en el
mundo multimedia, el cine, televisión,
videos, musicales, trailers, y demás
efectos especiales.

Las posibilidades del diseño gráfico son


infinitas, ya que cada vez son más los
campos en los que se emplean elementos
creados a través del ordenador.

El diseño se podría dividir en tres grupos


principales:
La edición, diseño de todo tipo de libros,
periódicos, y revistas.
La publicidad, diseño de carteles
publicitarios, anuncios, folletos.
La identidad, diseño de una imagen
corporativa de una empresa.

Arte y diseño elementos de la


comunicación

Diseñar se puede considerar un arte, pero no es


del todo exacto. Un diseño puede reunir unas
ciertas pautas estéticas como para considerarlas
obras de arte. En los museos de arte moderno,
pueden verse carteles enre pinturas o dibujos
artísticos, y otros objetos que se crearon para una
función especial y específica, en los que puedan
incluir el arte en sí.

La belleza de un diseño puede superar en muchas


ocaciones, cualquier obra de Arte, por muy
preciada que ésta sea, siempre que siga los tres
elementos básicos de comunicación:

Un método para diseñar,


un objetivo que comunicar
y un campo visual.

Aspectos básicos
Los elementos básicos que se deben dominar y
tener en cuenta en cualquier diseño:

Lenguaje Visual: Saber comunicar el mensaje


adecuado, con los recursos oportunos,
dependiendo del grupo de personas o público al
que vaya dirigido el mensaje.

Comunicación: Conocer los procesos de


comunicación, para poder captar los mensajes que
el diseño ha de comunicar.

Percepción Visual: Estar informados, la manera


en que las personas vemos y percibimos lo que
vemos. Aspectos tan importantes, como nuestro
campo visual, el recorrido de la vista, el contraste,
la percepción de las figuras, fondos, trayectoria de
la luz.

Administración de recursos: Conocer todos los


recursos de los que se dispone, y aplicarlos lo
mejor posible.

ESTILOS Y TENDENCIAS EN EL DISEÑO


En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza
toda la información posible, retenida en su
memoria, para realizar su creación. Una serie de
imágenes, signos y demas recursos comunicativos
son asociados y entrelazados entre sí dando lugar
al diseño.

Las tendencias, son una serie de grupos de un


cierto estilo, estilísticos, que el diseño en si va
adoptando. Se encuentran en contínua evolución y
marcan el estilo de los diseños y futuras
creaciones. Ahí, entra a formar parte el estilo,
como forma de actuar, dando el toque personal al
proyecto en curso.

El minimalismo: menos es más


Definimos el minimalismo como una tendencia
surgida en Estados Unidos, en la década de los
cincuenta. El minimalismo es la sencillez en su
máximo esplendor.

Este movimiento marcó profundamente a las


bases de creatividad de arquitectos, escultores,
pintores y demás diseñadores, incluso a los
músicos a lo largo del siglo XIX.

Esta tendencia se utiliza muy a menudo en el


diseño, ya que reduce el ruido, los elementos
innecesarios, dejando lo importante y fundamental
del diseño que se quiere representar.

Formas básicas de composición: El signo

El signo es un objeto y acción que representa y


sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Del uso
del signo surge la semiótica, (del griego
"semion"), como doctrina que estudia las reglas
que gobiernan la proudcción, transmisión e
interpretación de estos símbolos.
Podemos describir la comunicación entre los
humanos, como una forma e intercambio de
transferir mensajes, la única forma de hacerlo es
por medio del uso de signos, tales como: el que se
emite a través del habla, letras, números,
fotografías, etc.

Los signos son el medio a través del cual se hace


posible la transmisión de los pensamientos,
significados e ideas. Se extrae de ellos lo que hace
posible, una situación sígnica, la comunicación
entre dos o más personas.

Clasificación de los signos: Indicativos: Los


signos pueden ser, naturales y artificiales La
primera gran división corresponde a los signos ...
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Los signos icónicos: Funcionan de acuerdo con
el principio de semejanza y en él pueden incluirse
toda clase de imágenes, dibujos, pinturas,
fotografías o ... [ + ]
Clasificación de los signos: El receptor es la
persona a la que va destinado el signo. Así que el
medio a través del cual se ha de interpretar este el
... [ + ]
Elementos básicos: la línea: Se encuentra
formada por una serie de puntos unidos entre sí,
sucesivamente, asimilando la trayectoria de la
misma, seguida ... [ + ]
Las formas: definición: La forma de los objetos
y cosas, comunican ideas por ellos mismos, llaman
la atención del receptor dependiendo de la
forma ... [ + ]
La textura como elemento básico: El tercer
elemento básico, es la textura, aporta al diseño
diseño, una mirada o una sensación, o una
superficie ... [ + ]
Espacio y formato: El espacio se puede
condiderar como el cuarto elemento fundamental
del diseño. Definición de espacio: Es la distancia o
el área entre ... [ + ]
El formato: DIN A4. DIN A3 y DIN A5: El quinto
elemento básico del diseño, es el tamaño. Cómo
es grande o pequeño es algo. En diseño, el tamaño
puede ... [ + ]

CLASIFICACION DE LOS SIGNOS: INDICATIVOS


Los signos pueden ser, naturales y artificiales

La primera gran división corresponde a los signos


naturales que se diferencian de los signos
artificiales. El rasgo diferencial entre ellos es la no
participación directa del hombre en la creación de
estos signos (naturales) y la participación directa
en la creación de dichos signos (artificiales). En
ambos casos el hombre lo interpreta, pero no
siempre los crea, ya sea como actividad
consciente o inconsciente.

Los signos naturales reciben también la


denominación de indicaciones o índices. Así el
humo como indicio de que hay fuego, las nubes
como indicio de lluvia, las arrugas de la cara como
síntomas de envejecimiento, etc.

Signos simbólicos
Los signos artificiales se dividen a su vez
enlingüísticos y no lingüísticos, incluyendo
entre los primeros los sistemas verbales (los que
sustituyen a partir de ellos: escritura, morse,
braille, etc.) de carácter natural o tradicional, (las
lenguas o idiomas).
Los no lingüísticos o signos, se oponen a los
verbales (base de todo el proceso de la
comunicación humana), se dividen en, señales,
símbolos e iconos. Los primeros influyen, según la
teoría de Schaf, de una forma o de otra sobre la
voluntad de los individuos mientras que los otros
sólo actúan de forma inmediata.

Reznikov explica que todos los signos son


fenómenos materiales que actúan directamente
sobre los órganos de los sentidos. El disparo de un
cohete como señal de ataque o el humo de una
montaña, significa un incendio. Los símbolos se
diferencian, de los signos icónicos por tres
características:
Son objetos materiales que representan ideas
abstractas.
Funcionan por alegorías o metáforas, y
van dirigidos a los sentidos.

Su representación ha de tener un cierto significado


para que puedan interpretarse bien. Ejemplos de
símbolos son (la Cruz) que representa al
Cristianismo o el de un centro sanitario (la Media
Luna) que presenta al Islamismo

Los signos icónicos

Funcionan de acuerdo con el principio de


semejanza y en él pueden incluirse toda clase de
imágenes, dibujos, pinturas, fotografías o
esculturas.
Peirce los definía como signos que tienen cierta
semejanza con el objeto a que se refieren. Así, el
retrato de una persona o un diagrama son signos
icónicos por reproducir la forma de las relaciones
reales a que se refieren. Esta definición ha tenido
aceptación gracias a la difusión hecha por su
discípulo Morris, quien señaló además que el signo
icónico tenía algunas de las propiedades del objeto
representado, es decir, de su denotado.

Sin embargo, si se observa una imagen


publicitaria, no siempre se representan todas las
propiedades, ya que muchas de ellas están
simplemente sugeridas a través de otras.

El signo icónico reproduce algunas condiciones de


la recepción del objeto, seleccionadas por un
código visual y anotadas a través de convenciones
gráficas.

Los signos icónicos ofrecen al receptor real con


toda la naturalidad de cada uno de ellos
representándose a sí mismos. No poseen las
propiedades de la realidad, sino que transcriben,
según cierto código de reconocimiento, algunas
condiciones de la experiencia. Cuatro
características tienen los signos icónicos: ser
naturales, convencionales, analógicos y de
estructura digital.
Clasificación de los signos

El receptor es la persona a la que va destinado el


signo. Así que el medio a través del cual se ha de
interpretar este el signo ha de encontrarse
familiarizado con el. Si el receptor no conoce el
símbolo que el transmisor está ejercitando,
difícilmente podrá comprender el mensaje del
signo, propiamente dicho.

Para que pueda comprenderse un mensaje,


emitido a través de un signo deben incluirse tres
aspectos: Los sintácticos, semánticos y
pragmáticos.

Sintácticos: Estudian el singo según la forma


percibida.
Semánticos: Estudian la forma en que el
significado se encuentra conectado con el
significador, la relación entre la forma y lo que
significa la forma.
Pragmáticos: Por su utilización e uso, el
resultado de estos, los efectos del mismo.
Triángulo semántico

Elementos básicos: la línea

Se encuentra formada por una serie de puntos


unidos entre sí, sucesivamente, asimilando la
trayectoria de la misma, seguida por un punto en
movimiento, por lo que tiene mucha energía y
dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al
resto de elementos juntos a ella.
El primer elemento del diseño es línea. Las líneas
se pueden utilizar de muchas maneras y según su
disposición:

Ayudan a organizar la información.


Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a
la organización de la disposición.
Pueden crear humor y el ritmo de un
movimiento.

Por ejemplo, las líneas pueden organizar la


información y los límites en una página. Las lineas
verticales u horizontales se pueden también
utilizar para dirigir a los lectores.

Cebras por Victor Vasarely

La forma y el trazo
Por su trazo las líneas pueden:

- Transportar un humor o una emoción.


- Organizar un diseño.
- Establecer las columnas del texto.
- Crear una textura.
- Crear el movimiento.
- Definir una forma.
- Llamar la atención sobre una palabra.
- Conectar trozos de información en su
disposición.
- Capitular una imagen o una palabra.

Las formas: definición

La forma de los objetos y cosas, comunican ideas


por ellos mismos, llaman la atención del receptor
dependiendo de la forma elegida. Es un elemento
esencial para un buen diseño.

Forma es cualquier elemento que utilicemos para


dar o determinar la forma.

Un ejemplo marcado por una forma sería el de una


compañía internacional que utilice un círculo en su
insignia sugiriendo la tierra. Las formas inusuales
atraen la atención porque inducen a la gente a ver
formas regulares de las imágenes.

Disposición de las formas


Hay tres maneras de que la
forma realce su disposición.
Primero, la forma ayuda a sostener interés del
lector. Las formas se pueden utilizar para romper
hacia arriba una página que contenga mucho
texto. En segundo lugar, la forma se utiliza para
organizar y para separarse. Una parte del texto se
puede poner en una forma con un fondo colorido y
agregará variedad a la página. Podemos utilizar la
forma para conducir el ojo del lector con el diseño.

Según las disposiciones, el ojo busca un lugar para


comenzar y seguir con el diseño al extremo. La
forma puede ayudarle a guardar la atención de
éste.

La textura como elemento básico

El tercer elemento básico, es la textura, aporta al


diseño diseño, una mirada o una sensación, o una
superficie. Diariamente encontramos gran
variedad de texturas, por todo el entorno que nos
rodea. La textura ayuda a crear un humor
particular para una disposición o para otras en
formas individuales.
La textura, permite crear una adptación
personalizada de la realidad añadiendo dimensión
y riqueza al diseño.

Exiten dos tipos de textura: táctil y visual.

Textura táctil y visual


Textura táctil: Por ejemplo la de una superfície
rugosa, con relieve o la de otra más fina como la
de un papel, o la suavidad del terciopelo. Son
todas aquellas perceptibles al tacto.

Textura Visual: Aquellas texturas impresas que


se parecen a la realidad, como la arena, las
piedras, rocas. Entre esta clase de textura, pueden
surgir texturas que realmente existen y otras que
son irreales.

Textura mosaico o patrón


Un patrón o mosaico sería un tipo de textura
visual. Cuando una imagen o una línea, del tipo
que sea, se repite muchas veces, acaba creando
una textura visual. Un ejemplo de ello serían los
patrones de luces, que en de la oscuridad agregan
dimensión a una superficie.

El papel que se utiliza para envolver, en el que se


repita la marca o logotipo de un comercio, es un
buen ejemplo del patrón. Los patrones pueden
hacer fondos.

Espacio y formato

El espacio se puede condiderar como el cuarto


elemento fundamental del diseño.

Definición de espacio: Es la distancia o el área


entre o alrededor de las cosas. Cuando se está
diseñando, debemos pensar donde vamos a
colocar todos los elementos y a que distancia unos
de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos,
la dimensión de éstas, el texto y lo que habrá
alrededor de ellas, etc.

Las diferentes tonalidades que emplearan los


elementos y las formas, sirven para crear
relaciones espaciales y focales, de gran interés
para el receptor. Se pueden llegar a conseguir
efectos muy variados y especiales dependiendo de
como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos
bastante espacio en blanco, se produce un
descanso para el ojo. Si dejamos mucho espacio
en blanco alrededor de algun objeto, palabra o
imagen, estamos haciendo que destaque del resto
de la composición.
Efectos que produce el espacio
Efectos que nos produce el espacio, dentro de
nuestro campo visual:

- Al utilizar espacio en blanco en una composición,


el ojo descansa.
- Utilizando una pequeña cantidad de espacio
creamos lazos entre los elementos.
- Lograremos una mayor profundidad en nuestro
diseño si superponemos un elemento con otro.
- Si utilizamos mucho espacio en blanco, alrededor
de un objeto, imagen o texto, conseguiremos que
sobresalga y destaque del resto de la composición.
- Los grandes márgenes ayudan a seguir un
diseño una de forma más fácil.
- Si utilizamos un espaciamiento desigual entre los
elementos, crearemos una página dinámica.

El formato: DIN A4. DIN A3 y DIN A5

El quinto elemento básico del diseño, es el


tamaño. Cómo es grande o pequeño es algo. En
diseño, el tamaño puede funcionar, el tamaño
puede atraer o el tamaño puede organizar.

Dentro del espacio, es importantísimo


el Formato. El formato es la forma y el tamaño
del trabajo realizado. Cuando hablamos de
formato de un archivo, hacemos referencia al
tamaño en el que será presentado e impreso.

Factores importantes en el formato


Otro factor importante, a tener en cuenta, es
utilizar el tamaño adecuado, para atraer a la clase
de público o personas receptoras de nuestro
diseño. Se puede colocar elementos grandes y
pequeños, contrastando entre ellos, o hacer una
imagen más grande y trabajarla de una manera
interesante.

Otro punto, que no se debe olvidar referente al


tamaño dentro de la organización de nuestro
diseño. Si queremos atraer la atención de los
espectadores, destacaremos el elemento más
importante diseñándolo, más grande y el menos
importante, lo colocaremos más pequeño.

Los títulos son generalmente el elemento más


grande en una página, mientras que los sutítulos y
el texto del cuerpo, son más pequeños. Objetos
más grandes parecen estar más cerca de la página
que los más pequeños, y eso se puede utilizar
para reforzar la importancia del elemento que
queremos destacar y para crear relaciones espacio
- artificiales.

Distintos formatos ISO de papel.


Dentro de los formatos de papel, encontramos los
famosos tamaños ISO, que son una serie de
formatos establecios por el ISO (International
Organization for Standardization). Estas normas
también las encontramos en tamaños DIN.

En los formatos DIN, existen los siguientes


tamaños:

DIN A4 (de 297 x 210 mm), es igual que un folio y


el papel de uso más corriente.
DIN A3 (de 420 x 297 mm), se usa normalmente
para dibujos, pequeños posters, etc. Este formato
es el doble, de un folio, en lo que se refiere a la
anchura.

Existen otros formatos de papel, por ejemplo, para


un diseño de carteles y trabajos de dimensiones
grandes, se puede usar un 4 A0 (2378 x 1682
mm, esto es igual a 4 m2), en otros diseños más
pequeños un DIN C10 (de 28 x 40 mm).
Historia del color y sus principios básicos

l color, según Sir Isaac Newton, es una sensación


que se produce en respuesta a una estimulación
nerviosa del ojo, causada por una longitud de
onda luminosa. El ojo humano interpreta colores
diferentes dependiendo de las distancias
longitudinales.

El color nos produce muchas sensaciones,


sentimientos, diferentes estados de ánimo, nos
transmite mensajes, nos expresa valores,
situaciones y sin embargo... no existe más allá de
nuestra percepción visual.

El color ha sido estudiado, por científicos, físicos,


filósofos y artistas. Cada uno en su campo y en
estrecho contacto con el fenómeno del color,
llegaron a diversas conclusiones, muy coincidentes
en algunos aspectos o bien que resultaron muy
satisfactorias y como punto de partida para
posteriores estudios.

Historia del color: El filósofo Aristóteles (384 -


322 AC) definió que todos los colores se
conforman con la mezcla de cuatro colores y
además otorgó un ... [ + ]
Teoría del color. ¿Qué es el color?: El mundo
es de colores, donde hay luz, hay color. La
percepción de la forma, profundidad o claroscuro
está ... [ + ]
Como son percibidos los colores de los
objetos: Un cuerpo opaco, es decir no
transparente absorbe gran parte de la luz que lo
ilumina y refleja una ... [ + ]
Colores primarios, generalidades: La
problemática del Color y su estudio, es muy
amplia, pudiendo ser abordada desde el campo de
la física, la ... [ + ]
Círculo cromático: El ojo humano distingue unos
10.000 colores. Se emplean, también sus tres
dimensiones físicas: saturación, brillantez y tono,
para ... [ + ]
Formación de los colores complementarios:
Los colores complementarios se forman mezclando
un color primario con el secundario opuesto en el
triángulo ... [ + ]
Definición de los colores cálidos y fríos:
Definición de colores cálidos y fríos: Se llaman
colores cálidos aquellos que van del rojo al
amarillo y ... [ + ]
Formas básicas que componen el color:
Ningún color puede ser considerado un valor
absoluto, de hecho los colores se influyen
mutuamente si se acercan ... [ + ]
Efectos del color: El tamaño: Tamaño: El círculo
central parece más pequeño si está rodeado de
círculos de mayor tamaño y más grande si por el
contrario ... [ + ]
Psicología del color: El color blanco: El color
desprende diferentes expresiones del ambiente,
que pueden transmitirnos la sensación de calma ...
[+]
Simbología del color amarillo y rojo: Por
ejemplo una invitación de un color brillante debe
evocar la imagen del mismo valor, sino y en caso
opuesto ... [ + ]
El color violeta: El violeta, es el color de la
templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite
profundidad y experiencia. Tiene que ver con lo
emocional ... [ + ]
El color un elemento expresivo: El color en su
campo gráfico, tiene varias aplicaciones
clasficándose en: color denotativo y el color ...
[+]
Escalas de los colores: El blanco, el negro y el
gris son colores acromáticos, es decir, colores sin
color. Psicológicamente son colores dado que ...
[+]
Modos y modelos de color: Diferentes círculos
cromáticos. Isaac Newton (1642 - 1726) fue el
primero que ordenó los colores construyendo un
convincente ... [ + ]
Modelo de color Swedish Color System NCS:
Modelo Swedish Natural Color System (NCS).
Desarrollado por el Instituto Escandinavo del Color
en 1960 ... [ + ]
Modo de color RGB: Modelo RGB. Este espacio
de color es el formado por los colores primarios luz
que ya se describieron con anterioridad. Es el
adecuado ... [ + ]

Historia del color

El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) definió que


todos los colores se conforman con la mezcla de
cuatro colores y además otorgó un papel
fundamental a la incidencia de luz y la sombra
sobre los mismos. Estos colores que denominó
como básicos eran los de tierra, el fuego, el agua
y el cielo.

Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519)


definió al color como propio de la materia,
adelantó un poquito más definiendo la siguiente
escala de colores básicos: primero el blanco como
el principal ya que permite recibir a todos los
demás colores, después en su clasificación seguía
amarillo para la tierra, verde para el agua, azul
para el cielo, rojo para el fuego y negro para la
oscuridad, ya que es el color que nos priva de
todos los otros. Con la mezcla de estos colores
obtenía todos los demás, aunque también observó
que el verde también surgía de una mezcla.

Isaac Newton, la luz es color

Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien


estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz
es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del
sol al pasar a través de un prisma, se dividía en
varios colores conformando un espectro.

Lo que Newton consiguió fué la descomposición de


la luz en los colores del espectro. Estos colores
son básicamente el Azul violaceo, el Azul celeste,
el Verde, el Amarillo, el Rojo anaranjado y el Rojo
púrpura. Este fenómeno lo podemos contemplar
con mucha frecuencia, cuando la luz se refracta en
el borde de un cristal o de un plástico. También
cuando llueve y hace sol, las gotas de agua de la
lluvia realizan la misma operación que el prisma
de Newton y descomponen la luz produciendo los
colores del arco iris.

Así es como observa que la luz natural está


formada por luces de seis colores, cuando incide
sobre un elemento absorbe algunos de esos
colores y refleja otros. Con esta observación dio
lugar al siguiente principio: todos los cuerpos
opacos al ser iluminados reflejan todos o parte de
los componentes de la luz que reciben.

Por lo tanto cuando vemos una superficie roja,


realmente estamos viendo una superficie de un
material que contiene un pigmento el cual absorbe
todas las ondas electromagnéticas que contiene la
luz blanca con excepción de la roja, la cual al ser
reflejada, es captada por el ojo humano y
decodificada por el cerebro como el color
denominado rojo.

Johan Goethe, reacción humana a los


colores
Johann Göethe (1749-1832) estudió y provó las
modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser
humano sufre ante la exposición a los diferentes
colores.

Para Göethe era muy importante comprender la


reacción humana a los colores, y su investigación
fue la piedra angular de la actual psicológica del
color. Desarrolló un triángulo con tres colores
primarios rojo, amarillo y azul. Tuvo en cuenta
que este triángulo como un diagrama de la mente
humana y relacionó a cada color con ciertas
emociones.

Teoría del color. ¿Qué es el color?

El mundo es de colores, donde hay luz, hay color.


La percepción de la forma, profundidad o
claroscuro está estrechamente ligada a la
percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los


objetos cuando hay luz. La luz es constituida por
ondas electromagnéticas que se propagan a unos
300.000 kilómetros por segundo. Esto significa
que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la
energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman, según su longitud de onda,


distintos tipos de luz, como infrarroja, visible,
ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son
aquellas cuya longitud de onda está comprendida
entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben


hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta
estas radiaciones electromagnéticas que el
entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".

Propiedades del color

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que


diferencia el color y por la cual designamos los
colores: verde, violeta, anaranjado.

Saturación:(saturation) es la intensidad cromática


o pureza de un color Valor (value) es la claridad u
oscuridad de un color, está determinado por la
cantidad de luz que un color tiene. Valor y
luminosidad expresan lo mismo.

Brillo (brightness) es la cantidad de luz emitida


por una fuente lumínica o reflejada por una
superficie.

Luminosidad (lightness) es la cantidad de luz


reflejada por una superficie en comparación con la
reflejada por una superficie blanca en iguales
condiciones de iluminación.

El arco iris, segun los griegos


El arco iris, tiene todos los colores del espectro
solar. Los griegos personificaron este espectacular
fenómeno luminoso en Iris, la mensajera de los
dioses, que descendía entre los hombres agitando
sus alas multicolores.

La ciencia que aplica la experiencia, explica que


los colores son componentes de la luz blanca. (luz
solar del día o luz artificial). La luz blanca no tiene
color, pero los contiene todos. Lo demostró Isaa
Newton.

Como son percibidos los colores de los objetos

Un cuerpo opaco, es decir no transparente


absorbe gran parte de la luz que lo ilumina y
refleja una parte más o menos pequeña. Cuando
este cuerto absorve todos los colores contenidos
en la luz blanca, el objeto parece negro.

Cuando refleja todos los colores del espectro, el


objeto parece blanco. Los colores absorbidos
desaparecen en el interior del objeto, los
reflejados llengan al ojo humano. Los colores que
visualizamos son, por tanto, aquellos que los
propios objetos no absorben, sinó que los
propagan.

Absorción y reflexión
Todos los cuerpos están constituidos por
sustancias que absorben y reflejan las ondas
electromagnéticas, es decir, absorben y reflejan
colores.

Cuando un cuerpo se ve blanco es porque recibe


todos los colores básicos del espectro (rojo, verde
y azul) los devuelve reflejados, generándose así la
mezcla de los tres colores, el blanco.

Si el objeto se ve negro es porque absorbe todas


las radiaciones electromagnéticas (todos los
colores) y no refleja ninguno.

El rojo de un cuerpo
El tomate nos parece de color rojo, porque el ojo
sólo recibe la luz roja reflejada por la hortaliza,
absorve el verde y el azul y refleja solamente el
rojo. Un plátano amarillo absorbe el color azul y
refleja los colores rojo y verde, los cuales sumados
permiten visualizar el color amarillo.

Colores primarios, generalidades

La problemática del Color y su estudio, es muy


amplia, pudiendo ser abordada desde el campo de
la física, la percepción fisiológica y psicológica, la
significación cultural, el arte, la industria etc. El
conocimiento que tenemos y hemos adquirido
sobre Color en la escuela elemental, hace
referencia al color pigmento y proviene de las
enseñanzas de la antigua Academia Francesa de
Pintura que consideraba como colores primarios
(aquellos que por mezcla producirán todos los
demás colores) al rojo, el amarillo y el azul. En
realidad existen dos sistemas de colores
primarios: colores primarios luz y colores
primarios pigmento.

El blanco y negro son llamados colores


acromáticos, ya que los percibimos como "no
colores".

Color de la luz luz, síntesis aditiva


Los colores producidos por luces (en el monitor de
nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.)
tienen como colores primarios, al rojo, el verde y
el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y
componen la luz blanca, por eso a esta mezcla se
le denomina, síntesis aditiva y las mezclas
parciales de estas luces dan origen a la mayoría
de los colores del espectro visible.

Color de pigmento, síntesis sustractiva

Los colores sustractivos, son colores basados en la


luz reflejada de los pigmentos aplicados a las
superfícies. Forman esta síntesis sustractiva, el
color magenta, el cyan y el amarillo. Son los
colores básicos de las tintas que se usan en la
mayoría de los sistemas de impresión, motivo por
el cual estos colores han desplazado en la
consideración de colores primarios a los
tradicionales.

La mezcla de los tres colores primarios pigmento


en teoría debería producir el negro, el color más
oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual
esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva.
En la práctica el color así obtenido no es lo
bastante intenso, motivo por el cual se le agrega
negro pigmento conformandose el espacio de color
CMYK.

Los procedimientos de imprenta para imprimir en


color, conocidas como tricomía y cuatricomía se
basan en la síntesis sustractiva.

Círculo cromático

El ojo humano distingue unos 10.000 colores. Se


emplean, también sus tres dimensiones físicas:
saturación, brillantez y tono, para poder
experimentar la percepción.

Colores primarios y secundarios

El círculo cromático se divide en tres grupos de


colores primarios, con los que se pueden obtener
los demás colores.

El primer grupo de primarios segun los artistas


diseñadores: amarillo, rojo y azul. Mezclando
pigmentos de éstos colores se obtienen todos los
demás colores.
El segundo grupo de colores
primarios: amarillo, verde y rojo. Si se mezclan
en diferentes porcentajes, forman otros colores y
si lo hacen en cantidades iguales producen la luz
blanca
El tercer grupo de colores primarios: magenta,
amarillo y cyan. Los utilizados para la impresión.

Definimos como los colores secundarios: verde,


violeta y naranja. Los colores secundarios se
obtienen de la mezcla en una misma proporción de
los colores primarios.

Los colores terciarios


Consideramos como colores terciarios: rojo
violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado,
amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo. Los
colores terciarios, surgen de la combinación en
una misma proporción de un color primario y otro
secundario.

Formación de los colores complementarios

Los colores complementarios se forman mezclando


un color primario con el secundario opuesto en el
triángulo del color. Son colores opuestos aquellos
que se equilibran e intensifican mutuamente.

Gama y combinación
Los colores complementarios son los que
proporcionan mayores contrastes en el gráfico de
colores.

Para obtener una gama de verdes: Los verdes se


obtienen mediante la mezcla de azuly marillo,
variando los porcentajes, se obtienen diferentes
resultados.

Crear una gama de azules: Los colores más


oscuros se logran mediante una combinación de
púrpura y azul. El color púrpura tiñe con
intensidad y su mezcla se debe dosificar bien.

Obtener una gama de rojos anaranjados:


Mezclando púrpura y amarillo obtendremos
diferentes tonos anaranjados.

Obtención de una gama de ocres y tierras: A partir


de un violeta medio, que crea a partir de
un púrpura y azul, es posible conseguir una
extensa gama de colores compendidos entre el
ocre amarillo y el sombra tostada, llegando a
sienas. Para conseguir esta combinación es preciso
añadir amarillo a los distintos violetas que se han
creado con los otros dos primarios.
Definición de los colores cálidos y fríos

Definición de colores cálidos y fríos:

Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo


al amarillo y los colores fríos son los que van del
azul al verde. Esta división de los colores en
cálidos y fríos radica simplemente en la sensación
y experiencia humana. La calidez y la frialdad
atienden a sensaciones térmicas subjetivas.

Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar


a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno
cálido se complementan, tal como ocurre con un
color primario y uno compuesto.

Círculo cromático de los colores cálidos y


frios con sus complementarios
Cierto personaje descubrió por casualidad los
componentes de los colores más simples, así como
un método rudimentario de pintura. Las ventajas y
la belleza de los resultados enseguida resultaron
evidentes para todos, por Edwin A. Abbott.

Formas básicas que componen el color

Ningún color puede ser considerado un valor


absoluto, de hecho los colores se influyen
mutuamente si se acercan. Los colores tienen
diferente realce según el contexto en el que se
dispongan o se encuentren.

Existen dos formas compositivas del color,


armonía y contraste.

Armonía del color

Armonizar, significa coordinar los diferentes


valores que el color adquiere en una composición.
Cuando en una composición todos los colores
tienen una parte común al resto de los colores
componentes. Armónicas son las combinaciones
en las que se utilizan modulaciones de un mismo
tono, o también de diferentes tonos, pero que en
su mezcla mantienen los unos parte de los mismos
pigmentos de los restantes.

En todas las armonías cromáticas se pueden


observar tres colores: uno dominante, otro tónico
y por último otro de mediación.

Dominante: Es el mas neutro y de mayor


extensión, sirve para destacar los otros colores
que conforman nuestra composición gráfica,
especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de


dominio, es el mas potente en color y valor, y el
que se utiliza como nota de animación o audacia
en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.)

El de mediación: Actúa como conciliador y modo


de transición entre cada uno de los dos anteriores,
suele tener una situación en el circulo cromático
cercano a la de color tónico.

Por ejemplo: en una composición armónica cuyo


color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el
tónico, el mediador puede ser el rojo si la
sensación que queremos transmitir sea de calidez,
o un azul si queremos que sea mas bien fría

El contraste
El Contraste se produce cuando
en una composición los colores
no tienen nada en común no
guardan ninguna similitud.

Existen diferentes tipos de


contraste:

De tono: Cuando utilizamos


diversos tonos cromáticos, es el mismo color de
base pero en distinto nivel de luminosidad y
saturación.

Contraste de claro/oscuro o contraste de


grises: El punto extremo está representado por
blanco y negro, observándose la proporción de
cada uno

Contraste de color: Se produce por la


modulación de saturación de un tono puro con
blanco, con negro, con gris, o con un color
complementario).

Contraste de cantidad: Es igual los colores que


utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de
un color y otra más pequeña de otro.

Contraste simultáneo: Dos elementos con el


mismo color producen el mismo contraste
dependiendo del color que exista en su fondo.

Contraste entre complementarios: Se colocan


un color primario y otro secundario opuesto en el
tríangulo de color. Para conseguir algo más
armónico, se aconseja que uno de ellos sea un
color puro y el otro esté modulado con blanco o
con negro.

Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la


unión de un color frío y otro cálido.
Efectos del color: El tamaño

Tamaño: El círculo central parece más pequeño si


está rodeado de círculos de mayor tamaño y más
grande si por el contrario lo rodean círculos más
pequeños.

Transparencia, peso y masa

Transparencia: Se visualiza el efecto de


transparencia por la aparente mezcla de tonos.

Peso y masa del Color: El color actúa por


gravitación y extensión de una superficie
cromática. Los tonos fríos y claros parecen más
livianos y menos sustanciales, los cálidos y
oscuros parecen más pesados y densos.

Colores que avanzan o retroceden

Los colores fríos avanzan si son más luminosos


que los cálidos en su entorno neutro.

Psicología del color: El color blanco

El color desprende diferentes expresiones del


ambiente, que pueden transmitirnos la sensación
de calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc.

La psicología de los colores fué estudiada por


grandes maestros a lo largo de nuestra historia,
como por ejemplo Goethe y Kandinsky.

Color Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee


frente a la luz. Es la suma o síntesis de todos los
colores, y el símbolo de lo absoluto, de la unidad y
de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado
con cualquier color reduce su croma y cambia sus
potencias psíquicas, la del blanco es siempre
positiva y afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan
la idea de pureza y modestia. El blanco crea una
impresión luminosa de vacio, positivo infinito.

El color Negro
Símbolo del error, del mal, el misterio y en
ocasiones simbolica algo impuro y maligno. Es la
muerte, es la ausencia del color. También
transmite nobleza y elegancia.

Color gris
Es el centro de todo ya que se encuentra entre la
transición entre el blanco y el negro, y el producto
de la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad,
indecisión y ausencia de energía. Muchas veces
también expresa tristeza, duda y melancolía. El
color gris es una fusión de alegrías y penas, del
bien y del mal. Da la impresión de frialdad
metálica, pero también sensación de brillantez,
lujo y elegancia.
Simbología del color amarillo y rojo

Por ejemplo una invitación de un color brillante


debe evocar la imagen del mismo valor, sino y en
caso opuesto conseguiríamos un efecto
contraproducente, transmitiendo la sensación de
falsificación. Si es de color oro, la imagen debe
combinar en concordancia con el color expuesto,
para que se tenga una visión agradable y
equilibradada de la presentación.

El color amarillo: Es el color mas intelectual y


puede ser asociado con una gran inteligencia o con
una gran deficiencia mental; Van Gogh tenia por el
una especial predilección, particularmente en los
últimos años de su crisis.

Este primario significa envidia, ira, cobardía, y los


bajos impulsos, y con el rojo y el naranja
constituye los colores de la emoción. También
evoca satanismo (es el color del azufre) y traición.
Es el color de la luz, el sol, la acción , el poder y
simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y
estimulo.

Mezclado con negro constituye un matiz verdoso


muy poco grato y que sugiere enemistad,
disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas
pasiones. Mezclado con blanco puede expresar
cobardía, debilidad o miedo y también riqueza,
cuando tiene una leve tendencia verdosa.

Los amarillos también suelen interpretarse como


joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están
relacionados con la naturaleza. Psicologicamente
se asocia con el deseo de liberación.

El color rojo: Se lo considera con una


personalidad extrovertida, que vive hacia afuera ,
tiene un temperamento vital, ambicioso y
material, y se deja llevar por el impulso, mas que
por la reflexión.

Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría,


acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza,
destrucción e impulso, asi mismo crueldad y rabia.
Es el color de los maniáticos y de marte, y
también el de los generales y los emperadores
romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal.

Como es el color que requiere la atención en


mayor grado y el mas saliente, habrá que
controlar su extensión e intensidad por su
potencia de excitación en las grandes áreas cansa
rápidamente.

Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y


alegría juvenil, y en su mezcla con el negro
estimula la imaginación y sugiere dolor, dominio y
tiranía.

Expresa sensualidad, virilidad y energía,


considerado símbolo de una pasión ardiente y
desbordada. Por su asociación con el sol y el calor
es un color propio de las personas que desean
experiencias fuertes.

Lenguaje del naranja y azul


El color naranja: Es un poco mas cálido que el
amarillo y actúa como estimulante de los tímidos,
tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y
exaltación y cuando es muy encendido o rojizo,
ardor y pasión. Utilizado en pequeñas extensiones
o con acento, es un color utilisimo, pero en
grandes áreas es demasiado atrevido y puede
crear una impresión impulsiva que puede ser
agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y
expresiva, de carácter estimulante y cualidad
dinámica positiva y energética.

Mezclado con el negro sugiere engaño,


conspiración e intolerancia y cuando es muy
oscuro , opresión.

El color azul: Simboliza, la profundidad


inmaterial y del frío. La sensación de placidez que
provoca el azul es distintan al de la calma o del
reposo terrestres propios del verde. Se lo asocia
con los introvertidos o personalidades
reconcentradas o de vida interior y esta vinculado
con la circunspección, la inteligencia y las
emociones profundas. Es el color del infinito, de
los sueños y de lo maravilloso, y simboliza la
sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego,
verdad eterna e inmortalidad. También significa
descanso.

Mezclado con blanco es pureza, fe, y cielo, y


mezclado con negro, desesperación, fanatismo e
intolerancia. No fatiga los ojos en grandes
extensiones
El color violeta

El violeta, es el color de la templanza, la lucidez y


la reflexión. Transmite profundidad y experiencia.
Tiene que ver con lo emocional y lo espriritual. Es
místico, meláncolico y se podría decir que también
representa la introversión. En su variación al
púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad.

Mezclado con negro es deslealtad, desesperación y


miseria. Mezclado con blanco: muerte, rigidez y
dolor.

Color verde
Es un color de extremo
equilibrio, porque esta
compuesto por colores de la
emoción (amarillo = cálido) y
del juicio (azul = frío) y por su
situación transicional en el
espectro. Se lo asocia con las
personas superficialmente
inteligentes y sociales que
gustan de la vanidad de la
oratoria y simboliza la primavera y la caridad.
Incita al desequilibrio y es el favorito de los
psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia
y calma, traquilidad, también porque sugiere amor
y paz y por ser al mismo tiempo el color de los
celos, de la degradación moral y de la locura.
Significa realidad, esperanza, razón, lógica y
juventud.

Aquellos que prefieren este color detestan la


soledad y buscan la compañía. Mezclado con
blanco expresa debilidad o pobreza.

Sugiere humedad, frescura y vegetación,


simboliza la naturaleza y el crecimiento.

La persona que destaca por el uso del color verde,


quiere ser respetada y competente.

El color marrón

Es un color masculino, severo, confortable. Es


evocador del ambiente otoñal y da la impresión de
gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez
porque es el color de la tierra que pisamos. Con
esto, hemos podido comprovar algunas reacciones
que producen los colores segun A. Moles y L.
Janiszewski.

El color un elemento expresivo

El color en su campo gráfico, tiene varias


aplicaciones clasficándose en: color denotativo y el
color connotativo.

El color denotativo
El color es denotativo cuando se utiliza como
representación de la figura, u otro elemento, es
decir, incorporado a las imágenes reales de la
fotografía o la ilustración. Podemos distinguir tres
categorias de color denotativo: Icónico, saturado y
fantasioso, aunque siempre reconociendo la
iconicidad de la forma que se presenta.

Color icónico: Definimos un color icónico a la


expresividad cromática como función de
aceleración identificadora: la tierra es marrón, la
cereza es roja y el cielo es azul. El color es un
elemento fundamental de la imagen realista ya
que la forma incolora aporta poca información en
el desciframiento inmediato de las imágenes. La
adición de un color natural acentúa el efecto de
realidad, permitiendo que la identificacion del
objeto o figura representada sea más rápida. Por
lo tanto el color ejerce una función de realismo
que se superpone a la forma de las cosas: una
manzana será más real si se reproduce o plasma
en su color natural.

Color saturado: Es un color alterado o


manipulado en su estado natural y real. Más
brillante, son colores más densos y más puros y
luminosos. El color saturado nace de conseguir
una exageración de los colores y captar la
atención con estas. El entorno resulta más
atractivo, alterando el color de esta forma, el cine,
la fotografía, la ilustración, carteles, etc, obedecen
a una representación gráfica cromática exagerada
que crea euforia colorista.

Color fantasioso: La fantasía y manipulación,


nace como nueva forma expresiva, por ejemplo,
las imágenes coloreadas a mano en las que no se
altera su forma, pero si el color. De esta forma se
crea un ambigüedad entre la imagen o fotografía
representada y el color expresivo que se le aplica,
creando así una fantasía, respetando las formas
pero alterando el color natural.

El color connotativo
La connotación es la acción de factores no
descriptivos, sino psicológicos, simbólicos o
estéticos que hacen suscitar un cierto ambiente y
corresponden a amplias subjetividades. Es un
elemento estético que afecta a las sutilezas
perceptivas de la sensibilidad.

Escalas de los colores

El blanco, el negro y el gris son colores


acromáticos, es decir, colores sin color.
Psicológicamente son colores dado que originan en
el observador determinadas sensaciones y
reacciones. Desde el punto de vista físico, la luz
blanca no es un color, sino la suma de todos los
colores en cuanto a pigmento, el blanco sería
considerado un color primario, ya que no puede
obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia


absoluta de la luz. Y en cuanto color sería
considerado un secundario, ya que es posible
obtenerlo a partir de la mezcla de otros.

Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas

Escalas cromáticas y acromáticas

Cromática: Los valores del tono se obtienen


mezclando los colores puros con el blanco o el
negro, por lo que pueden perder fuerza cromática
o luminosidad.

Acromática: Será siempre una escala de grises,


una modulación continua del blanco al negro. La
escala de grises se utiliza para establecer
comparativamente tanto el valor de la luminosidad
de los colores puros como el grado de claridad de
las correspondientes gradaciones de este color
puro. Por la comparación con la escala de grises
(escala test), se pone de relieve las diferentes
posiciones que alcanzan los diferentes colores
puros en materia de luminosidad.
Gamas de colores

Definimos como gamas a aquellas escalas


formadas por gradaciones que realizan un paso
regular de un color puro hacia el blanco o el
negro, una serie contínua de colores cálidos o fríos
y una sucesión de diversos colores.

- Escalas monocromas: Son aquellas en las que


hay un solo color, y se forma con todas las
variaciones de este color, bien añadiendo blanco,
negro o la mezcla de ambos(gris).

Dentro de esta escala diferenciamos:

Saturación, cuando al blanco se le añade un


cierto color hasta conseguir una saturación
determinada.
Luminosidad o del negro, cuando al color
saturado se la añade sólo negro.
Valor, cuando al tono saturado se le mezclan al
mismo tiempo el blanco y el negro, es decir , el
gris.

- Escalas cromáticas: Estas se distinguen a su


vez, en altas, medias y bajas.

Altas, cuando se utilizan las modulaciones del


valor y de saturación que contienen mucho blanco.
Medias, cuando se utilizan modulaciones que no
se alejan mucho del tono puro saturado del color.
Bajas, cuando se usan las modulaciones de valor
y luminosidad que contienen mucho negro.
Polícroma, a aquellas gamas de variaciones de
dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo
de escala sería el arco iris.

Modos y modelos de color

Diferentes círculos cromáticos. Isaac Newton


(1642 - 1726) fue el primero que ordenó los
colores construyendo un convincente círculo
cromático sobre el cual se han basado la mayoría
de los estudios posteriores.

Se han elaborado distintos modelos de color, y


existen diferencias en la construcción de los
círculos cromáticos que responden a cada modelo.
El avance que significaron los estudios de Newton
es la posibilidad de identificar objetiva y no
subjetivamente un color nominándolo por las
mezclas con las que fue creado. Muchos sistemas
de nomenclatura usados hoy derivan de este
primer intento.

Los modos e color son fórmulas matemáticas que


se calculan el color.

Actualmente, uno de los más aceptados es el


modelo de Albert Munsell (1858 - 1918) basado
en: Tono - Saturación - Valor (HSV).
Otro modelo actual destacar, el modelo CMYK
(basado en los colores Cyan Magenta Amarillo
Negro).

El modelo RGB (basado en los primarios luz rojo,


verde y azul).

El sistema de color Pantone (para definir colores


en impresos con tintas).

El CIE Color Space. Cada modelo incorpora alguna


forma de denominación precisa del color,
basándose en la medición específica de sus
atributos, ya sea en modelos geométricos,
escalas, porcentajes, grados, etc.

Matiz, valor e intensidad del color, segun


Albert Münsell

En 1905 el Profesor Albert Münsell desarrolló un


sistema mediante el cual se ubican de forma
precisa los colores en un espacio tridimensional.
Para ello define tres atributos en cada color.
También idea una hoja para la determinación de
los colores en forma numérica.

Matiz: la característica que nos permite


diferenciar entre el rojo, el verde, el amarillo, etc.
que comúnmente llamamos color.

Existe un orden natural de los matices: rojo,


amarillo, verde, azul, púrpura y se pueden mezclar
con los colores adyacentes para obtener una
variación continua de un color al otro. Por ejemplo
mezclando el rojo y el amarillo en diferentes
proporciones de uno y otro se obtienen diversos
matices del anaranjado hasta llegar al amarillo. Lo
mismo sucede con el amarillo y el verde, el verde
y el azul, etc.

Münsell define al color rojo, amarillo, verde, azul y


púrpura como matices principales y los ubicó en
intervalos equidistantes conformando el círculo
cromático. Luego introdujo cinco matices
intermedios: amarillo - rojo, verde - amarillo, azul
- verde, púrpura azul y rojo púrpura.

Valor: define la claridad de cada color o matiz.


Este valor se obtiene mezclando cada color con
blanco o bien negro y la escala varía de 0 (negro
puro) a 10 (blanco puro).

Intensidad: es el grado de partida de un color a


partir del color neutro del mismo valor. Los colores
de baja intensidad son llamados débiles y los de
máxima intensidad se denominan saturados o
fuertes. Imagine un color gris al cual le va
añadiendo amarillo y quitando gris hasta alcanzar
un amarillo vivo, esto sería una variación en el
aumento de intensidad de ese color. La variación
de un mismo valor desde el neutro (llamado color
débil) hasta su máxima expresión (color fuerte o
intenso)

Espacio de color

El matiz, el valor y la intensidad pueden variar


independientemente de una forma tal que
absolutamente todos los colores pueden ser
ubicados en un espacio tridimensional, de acuerdo
con estos tres atributos. Los colores neutros se
ubican a los largo de la línea vertical, llamada eje
neutral con el negro en la parte baja, blanco en la
parte de arriba y grises en el medio. Los matices
se muestran en varios ángulos alrededor del eje
neutral. La escala de intensidad es perpendicular
al eje y aumenta hacia fuera.
Modelo de color Swedish Color System NCS

Modelo Swedish Natural Color System (NCS).


Desarrollado por el Instituto Escandinavo del Color
en 1960, está basado en los estudios elaborados
por Hering que redujo todos los colores visibles a
la mezcla de cuatro únicos tonos: amarillo, rojo,
verde, azul más blanco y negro, creando ejes
dimensionales entre los colores opuestos.

En esta estructura se despliegan 13 escalas entre


las mezclas de colores entre sí y con el blanco y el
negro que se van incrementando en un 10% de
intensidad.

Modelo CIE Lab

Modelo Cielab La CIE (Commission Internationale


de l’Eclairage) propuso un modelo en 1931 como
estándar de medida. En 1976 se perfeccionó y fue
publicado el CIE Lab color system que cambia la
forma de notación y representa un avance sobre
los modelos anteriores, a diferencia de ellos este
modelo dimensiona la totalidad del espectro
visible.

Los tres colores de luz percibidos RGB son


medidos en el contexto de una iluminación
específica y todos los demás son considerados
como una combinación de color iluminación y
superficie reflectante. Considera el espacio en
forma uniforme y despliega tres ejes espaciales: L
(luz, blanco - negro), a (rojo - verde), b (amarillo
- azul). Este espacio tiene algunas similitudes con
el sistema sueco y también está representado en
el selector de color de Photoshop.

El color CIE Lab es independiente del dispositivo


de salida, es decir, crea colores coherentes con
independencia de los dispositivos concretos, como
monitores, impresoras u ordenadores utilizados
para crear o reproducir la imagen. El componente
de luminosidad (L) oscila entre 0 y 100. El
componente a (eje verde - rojo) y el componente
b (eje azul - amarillo) pueden estar comprendidos
entre + 120 y - 120. El modo Lab se usa sobre
todo al trabajar con imágenes Photo CD o cuando
se desea modificar los valores de luminosidad y
color de una imagen por separado.
Modo de color RGB

Modelo RGB. Este espacio de color es el formado


por los colores primarios luz que ya se
describieron con anterioridad. Es el adecuado para
representar imágenes que serán mostradas en
monitores de computadora o que serán impresas
en impresoras de papel fotográfico.

Las imágenes RGB utilizan tres colores para


reproducir en pantalla hasta 16,7 millones de
colores. RGB es el modo por defecto para las
imágenes de Photoshop. Los monitores de
ordenador muestran siempre los colores con el
modelo RGB. Esto significa que al trabajar con
modos de color diferentes, como CMYK, Photoshop
convierte temporalmente los datos a RGB para su
visualización.

El modo RGB asigna un valor


de intensidad a cada píxel que
oscile entre 0 (negro) y 255
(blanco) para cada uno de los
componentes RGB de una imagen en color. Por
ejemplo, un color rojo brillante podría tener un
valor R de 246, un valor G de 20 y un valor B de
50. El rojo más brillante que se puede conseguir
es el R: 255, G: 0, B: 0. Cuando los valores de los
tres componentes son idénticos, se obtiene un
matiz de gris. Si el valor de todos los componentes
es de 255, el resultado será blanco puro y será
negro puro si todos los componentes tienen un
valor 0. Este espacio de color tiene su
representación en el selector de color de
Photoshop.

Modo de color CMYK


El modelo CMYK se basa en la cualidad de
absorber y rechazar luz de los objetos. Si un
objeto es rojo esto significa que el mismo absorbe
todas las componentes de la luz exceptuando la
componente roja. Los colores sustractivos (CMY) y
los aditivos (RGB) son colores complementarios.
Cada par de colores sustractivos crea un color
aditivo y viceversa.

En el modo CMYK de Photoshop, a cada píxel se le


asigna un valor de porcentaje para las tintas de
cuatricromía. Los colores más claros (iluminados)
tienen un porcentaje pequeño de tinta, mientras
que los más oscuros (sombras) tienen porcentajes
mayores. Por ejemplo, un rojo brillante podría
tener 2% de cyan, 93% de magenta, 90% de
amarillo y 0% de negro.

En las imágenes CMYK, el blanco puro se genera si


los cuatro componentes tienen valores del 0%. Se
utiliza el modo CMYK en la preparación de
imágenes que se van a imprimir en cualquier
sistema de impresión de tintas. Aunque CMYK es
un modelo de color estándar, puede variar el
rango exacto de los colores representados,
dependiendo de la imprenta y las condiciones de
impresión.

La tipografía y su evolución

Definimos la tipografía como el arte o técnica de


reproducir la comunicación mediante la palabra
impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia
y eficacia, las palabras.

La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la


evolución del diseño de las mismas responde a
proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo
tipográfico se ha considerado como uno de los
miembros más activos de los cambios culturales
del hombre.

En los primeros signos de escritura, cada signo


nos expresa una idea, un concepto o una cosa;
estos signos se combinan entre sí para comunicar
ideas más complejas. Estos sistemas de escritura
son los pictogramáticos, jeroglíficos e
ideogramáticos.

El campo tipográfico, abarca la realización de


libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas,
etc... y cualquier otro documento impreso que se
comunique con otros mediante palabras.

Concepto de tipografía, familia y fuentes


tipográficas: Tipo es igual al modelo o diseño de
una letra determinada. Tipografía es el arte y la ...
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Formas de una terminal: Serif o serifas:
Existen cinco elementos puntuales, sirven para
clasificar e identificar a las diferentes las
familias ... [ + ]
Clasificación de las familias tipográficas: Las
serif se clasifican en las siguientes clases:
Romanas Antiguas, Romanas de Transición,
Romanas ... [ + ]
Tipografías Romanas de transición: Son un
tipo de familia tipográfica en proceso de las
romanas modernas. Las romanas de transición se
distinguen por ... [ + ]
Tipografía Egipcia: Se definen por las siguientes
características: - Tienen serif.- El serif es tan
grueso como los bastones, esta es la principal ...
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Clasificaciones de las sans serif: Grotescas,
geométricas y humanísticas: Las sans serif
fueron tomadas por las vanguardias del siglo XX
por ... [ + ]
Geométricas o de palo seco: Se trata de letras
de palo seco y de ojos teóricos, basados en formas
y estructuras geométricas, normalmente
monolíneas ... [ + ]
Las inglesas o manuscritas: Una familia de gran
alcurnia y nobleza, actualmente arruinada. Este
tipo caligráfico se encuentra representada a pluma
y ... [ + ]
La rotulación como medio de comunicación:
Según Cicerón, lo importante no es lo que se dice,
sino como se dice, filósofo de la antigua Roma,
quien ... [ + ]
Tipografías más usuales para rotulación: Las
interrupciones de un texto, se crean a partir de:
Los títulos, subtítulos, encabezamientos y
comienzos de ... [ + ]
Variables visuales: definición, orientación y
tamaño: Se denomina variables visuales, a las
variaciones que han sufrido los signos. Estas
variales ... [ + ]
Un tipo de letra para cada cuerpo de texto: El
denominado tipo de letra estándar, es más legible
que otro de tipo decorativo. Los tipos con serifas ...
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La alineación del Texto: La alineación del texto
es un paso importante para mantener también una
buena legibilidad. Las opciones de alineación en
un ... [ + ]
Kern y el track: Dos conceptos a tener en cuenta
antes de modificar el espacio entre letras, son el
track y el kern. Los tipógrafos han usado el track o
... [ + ]
El color en la tipografía y en la elección del
tipo: Conocer y comprender los colores y lo que
nos transmiten, es importante y básico para
trabajar ... [ + ]
La cuadrícula: Actualmente se usan dos sistemas
de medidas tipográficas, la pica y el punto (medida
inventada por Firmin Didot). Seis picas o 72 puntos
... [ + ]
Tipografía digital: La informática ha
revolucionado la tipografía, modificándola según
las necesidades de cada ilustración y uso. La
informática se está ... [ + ]
Qué es una fuente digital: Una fuente digital es
un conjunto de dibujos vectoriales que se pueden
escalar sin pérdida de calidad. Se almacenan ...
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Concepto de tipografía, familia y fuentes


tipográficas

Tipo es igual al modelo o diseño de una letra


determinada.

Tipografía es el arte y la técnica de crear y


componer tipos para comunicar un mensaje.
También se ocupa del estudio y clasificación de las
distintas fuentes tipográficas.

Fuente tipográfica es la que se define como


estilo o apariencia de un grupo completo de
carácteres, números y signos, regidos por unas
características comunes.

Familia tipográfica, en tipografía, significa un


conjunto de tipos basado en una misma fuente,
con algunas variaciones, tales, como por ejemplo,
en el grosor y anchura, pero manteniendo
características comunes. Los miembros que
integran una família se parecen entre sí pero
tienen rasgos propios.
Partes de un carácter

No existe una nomenclatura específica y que haya


sido aceptada de manera definitiva, para designar
las partes de una letra.

Partes que componen un tipo


Altura de las mayúsculas: Es la altura de las
letras de caja alta.

Altura X: Altura de las letras de caja baja, las


letras minúsculas, excluyendo los ascendentes y
los descendentes.

Anillo: Es el asta curva cerrada que forman las


letras "b, p y o".

Ascendente: Asta que contiene la letra de caja


baja y que sobresale por encima de la altura x,
tales como las letras "b, d y k".

Asta: Rasgo principal de la letra que la define


como su forma o parte mas esencial.

Astas montantes: Son las astas principales o


oblicuas de una letra, tales como la "L, B, V o A".

Asta ondulada o espina: Es el rasgo princial de


la letra "S" en mayúscula o "s" en minúscula.

Asta transversal: Rasgo horizontal de las letras


"A, H, f o t".

Brazo: Parte terminal que se proyecta


horizontalmente o hacia arriba y que no se
encuentra incluida dentro del carácter, tal como se
pronuncia en la letra "E, K y L".

Cola: Asta oblicua colgante que forman algunas


letras, tales como la " R o K ".

Descendente: Asta de la letra de caja baja que


se encuentra por debajo de la línea de base, como
ocurre con la letra "p y g".

Inclinación: Ángulo de inclinación de un tipo.

Línea base: La línea sobre la que se apoya la


altura.

Oreja: Es la terminación o terminal que se le


añade a algunas letras tales como "g, o y r".

Rebaba: Es el espacio que existe entre el carácter


y el borde del mismo.
Serif, remate o gracia: Es el trazo o termina de
un asta, brazo ocola.

Formas de una terminal: Serif o serifas

Existen cinco elementos puntuales, sirven para


clasificar e identificar a las diferentes las familias
tipográficas:

- La presencia o ausencia del serif o remate.


- La forma del serif.
- La relación curva o recta entre bastones y serifs.
- La uniformidad o variabilidad del grosor del
trazo.
- La dirección del eje de engrosamiento.

De acuerdo con esto podemos hacer un análisis y


reconocer a los dos grandes grupos
fundamentales:

Tipografías con serif: Los tipos de carácteres,


pueden incluir adornos en sus extremos o no,
estos adornos en sus terminaciones, se
denominan serif o serifas.

Tipografías sans serif o de palo seco: Es la


tipografía que no contiene estos adornos,
comunmente llamada sanserif o (sin serifas ),
éstas no tienen serif y actualmente se utilizan en
muchos tipos de publicaciones de texto impreso.

Imagen de una serifa


Imagen sin serifa o san serif

Las terminales, son las serifas inferiores de un


tipo, y las formas más comunes de una terminal
las clasificamos como: lapidaria, veneciana, de
transición, bodoniana, lineal, egipcia, de fantasía,
medieval, de escritura y adornada.
Clasificación de las familias tipográficas

Las serif se clasifican en las siguientes clases:


Romanas Antiguas, Romanas de Transición,
Romanas Modernas y Egipcias.

Las sans serif se clasifican como: Grotescas,


Neogóticas, Geométricas y humanísticas.

Familia de letras Romanas Antiguas


Se caracterizan por los siguientes detalles:

- Son letras que tienen serif.


- Su terminación es aguda y de base ancha.
- Los trazos son variables y ascendentes finos y
descendientes gruesos.
- La dirección del eje de engrosamiento es oblicua.
- El espaciado de las letras es esencialmente
amplio.
- Un peso y color intenso en su apariencia general.

Podemos incluir en este grupo de las letras


romanas antiguas: Garamond, Caslon y trajan.
Este tipo de letra cumple con las características
citadas, ya que identifica a dos etapas de su
construcción original. En la Roma antigua las
letras eran trazadas con pincel cuadrado y
posteriormente grabadas a cincel sobre la piedra.
Las letras romanas antiguas también se
denominan Garaldas, en claro homenaje a dos
grandes tipógrafos de la época del Renacimiento:
Claude Garamond y Aldus Manutius

Tipografías Romanas de transición

Son un tipo de familia tipográfica en proceso de


las romanas modernas.

Las romanas de transición se distinguen por las


siguientes características:

- Tienen serif.
- El serif es de terminación mucho más aguda que
las antiguas.
- Los trazos son varibles, al igual que las antiguas,
pero las diferencias entre finos y gruesos son más
marcadas sin llegar al contraste que marcan las
modernas. Por otro lado las minúsculas ganan
redondez
- La dirección del eje de engrosamiento está más
cerca de ser horizontal que oblicuo.

Incluiríamos en esta sección la tipografía,


Baskerville, Times, Century

Romanas modernas o didonas


Se caracterizan por los siguientes rasgos:

- Tienen serif.
- La serif es lineal.
- El serif se relaciona angularmente con el bastón
de la letra.
- Los trazos son marcadamente variables, mucho
más que en el caso de las romanas antiguas.
- La dirección del eje de engrosamiento es
horizontal.
- Las cursivas son muy inclinadas, nos hacen
referencia a la escritura caligráfica.

El grabado en cobre define esta clase de


tipografías. También las romanas modernas son
llamadas Didonas, nombre formado a partir de
Fermín Didot y Giambattista Bodoni, relevantes
tipógrafos del Siglo XIX. El lenguaje de estas
tipografías nos llevan claramente a los resultados
de la Revolución Industrial.

Incluiríamos dentro de este grupo la tipografía,


Bauer Bodoni, Didi, Caxton, Ultra Condensed.
Tipografía Egipcia

Se definen por las siguientes características:

- Tienen serif.
- El serif es tan grueso como los bastones, esta es
la principal característica que la identifica.
- Puede ser cuadrado (Lubalin Graph, Robotik) o
bien redondo (Cooper Black).
- Las relaciones entre serif y bastón pueden ser
angulares (Memphis) o bien curvas (Clarendon).
- La dirección del eje de engrosamiento es
normalmente horizontal.

Los primeros tipos de la familia Egipcia, entran en


juego hacia el año 1820, con el primer tipo la
"clarendon". El tipo clarendon es de rigurosa
actualidad, al igual que el Egyptienne usado en
fotocomposición. Ofrecen cuerpos medianos para
ser usados como textos de libros.
La italiana, una variable de la Egipcia

Consiste en una especie de egipcia muy estrecha,


denominada por algunos Colonial y por otros
Italiana. Su principal característica reside en el
hecho de presentar bastones horizontales más
gruesos que los verticales, en forma inversa a la
corriente. Es una pequeña familia, con tipos muy
armoniosos y muy adecuados para determinados
titulares.

Incluiríamos en esta sección la tipografía, Playbill.

Clasificaciones de las sans serif: Grotescas,


geométricas y humanísticas

Las sans serif fueron tomadas por las vanguardias


del siglo XX por plasmar el corazón de la época.
Hoy en dia la utilización de tipografías no es
limitada por un estilo, sino por todo lo lo contrario.
Podemos encontrar distintos diseños que
combinan con una excelente composición, tanto
romanas como de palo seco.

Tipografía grotescas
Denominadas Grotesque en Europa y Gothic en
América, son de origen decimonónico. Son las
primeras versiones de sans serif derivadas de un
tipo egipcia, sólo que en este caso se han
eliminado los remates.

Llamadas por los ingleses y americanos san serif,


indicando con ello que los bastones no presentan
ningún remate, y citadas en España, como letras
de palo seco. Las grotescas forman una familia
muy amplia de tipos, dentro de los cuales se
multiplican las variantes: en redonda, cursiva,
ancha, estrecha, fina, seminegra, supernegra...
siendo precisamente esta extensa variedad de
formas, una de las características principales de
las grotescas actuales.

El primer tipo de la familia grotesca aparece en el


año 1816, pero en la práctica no fue conocida y
difundida hasta el año 1925, cuando apareció la
famosa Futura, obra del grabador Paul Renner, un
tipo de letra que ha inspirado a todos los tipos
existentes de grotesca.

Las más representativas de este grupo: Futura


Haas o Helvética o Akzident, Univers y Franklin
Gothic
Geométricas o de palo seco

Se trata de letras de palo seco y de ojos teóricos,


basados en formas y estructuras geométricas,
normalmente monolíneas. Se emplean
deliberadamente las mismas curvas y líneas en
tantas letras como sea posible, la diferencia entre
las letras es mínima. Las mayúsculas son el
retorno de antiguas formas griegas y fenicias.

Destacamos dentro de esta família la: Futura de


Paul Renner, 1927, la Eurostile o la Industria.

Humanísticas

Este tipo de sans serif está basada en las


proporciones de las romanas. Las mayúsculas
inscripcionales y el diseño de caja baja de las
romanas de los siglos XV-XVI. No son monolíneas
y son una versión de la romana pero sin serifs.
Algunos ejemplos de estos tipos: Gill Sans, Stone
Sans, Optima.

Destacamos a Edward Johston, calígrafo relevante


de la época, con su creación en el tipo de Palo
Seco para el Metro de Londres en 1916. Significó
un gran paso en lo referente a las características
habituales hasta entonces presentes en estos
tipos.

Las inglesas o manuscritas

Una familia de gran alcurnia y nobleza,


actualmente arruinada. Este tipo caligráfico se
encuentra representada a pluma y pincel. La
familia de letra inglesa, como la gótica es una
reliquia de tiempos pasados, cuando el rey Jorge
IV de Inglaterra se le ocurrió un día del año 1700,
solicitarle al fundidor francés Firmín Didot una
letra manuscrita, imitando la inglesa manuscrita.

Las cursivas inglesas nacen de la escritura común


con pluma de acero derivada del siglo XIX.
Destacamos entre ellas: las Snell English o las
Kuenstler.

Forman parte también de los tipos de letra


manuscritos o caligráficos la del tipo Mistral,
verdadero hallazgo del grabador Excoffon, quien
consiguió un alfabeto manuscrito de caja, cuyas
letras enlazan perfectamente.
Las letras ornamentadas

Las del tipo decorativas no pertenecen a ninguna


clasificación exacta. La ornamentación de letras y
tipos alcanzó su máximo esplendor hacia la
primera mitad del siglo XIX, precisamente cuando
se inició la litografía industrial. Debido a la fácil
talla de la madera, las filigranas y
ornamentaciones invadieron al tipo.

La ornamentación tipográfica existe desde hace


muchos siglos, primero con las letras capitales
adornadas, en los tiempos del Uncial, el Carolingio
y el Gótico, más tarde con las capitales del
Renacimiento. Otra muestra precedente de
ornamentación la del antiguo Caslon.

La rotulación como medio de comunicación

Según Cicerón, lo importante no es lo que se dice,


sino como se dice, filósofo de la antigua Roma,
quien pronunció estas palabras. Marshall
MacLuhan filósofo y sociólogo de la moderna
Norteamérica, desarrolló en todas sus
consecuencias, la idea de Cicerón. Marshall afirma
que una noticia en el periódico, un incendio, un
discurso, una competición deportiva, cambia
enteramente cuando se emite por radio o se
transmite por televisión. Volviendo al inicio de las
letras, es un medio para influir en lo que
se dice y a través de cómo se dice.
Condición para influir en el "que" a través
del "como" es igual a legibilidad.
Legibilidad es término empleado en el diseño
tipográfico para definir una cualidad deseable de
una familia tipográfica. Algo legible es la facilidad
o complejidad de la lectura de una letra.

Factores que condicionan la legibilidad de


un rótulo o texto
El aspecto más importante de la tipografía, es al
público al cual va dirigido el texto y que sea capaz
de leerlo perfectamente, sin ningún inconveniente.

Para que un trabajo sea legible, un diseñador debe


saber, quién lo leerá y desde donde y a que
distancia lo leerá. En este caso debemos tener en
cuenta factores muy importantes tales como; la
luz, la distancia, la altura de colocación del texto
etc.

El diseño de la letra: Los tipos de diseño clásicos


latinos, son los que ofrecen mayor legibilidad. Las
letras redondas y minúsculas suelen ser las más
legibles.

Espaciado entre letra y letra: Un título o un


rótulo cuyas letras se peguen materialmente unas
a otra no ofrece buena legibilidad, aunque algunos
grafistas defienden esta fórmula, atentos
solamente al efecto plástico.
El tamaño de la letra: Una letra de tamaño
grande es más legible que otra de tamaño más
pequeño. Pero existe un tamaño ideal que anima y
favorece la lectura, la letra del cuerpo diez o doce.
Por ejemplo para un cartel que se observará a 10
metros, la altura de la letra debe ser , al menos de
2,5 cm, mientras que para una valla publicitaria
que deba leerse a 60 metros, la altura de la letra
deberá ser al menos de 15 cm.

La longitud de la linea: Una línea muy larga,


impresa en un cuerpo de letra más bien pequeño,
en la que se incluyen muchas palabras, entorpece
la lectura, por la dificultad que supone pasar de
una línea a otra.

La calidad de impresión: Una impresion


deficiente con fallos, remosqueados, exceso de
tinta, pisada o presión excesiva, puede perjudicar
notablemente la legibilidad.

Los colores adecuados para una tipografía son:


Los tipos negros sobre fondo blanco, reflejan
mayor legibilidad, el efecto contrario, texto blanco
sobre fondo negro, nos hacen perder visibilidad.

Tipografías más usuales para rotulación

Las interrupciones de un texto, se crean a partir


de: Los títulos, subtítulos, encabezamientos y
comienzos de una página. Se tendrá en cuenta la
importancia de las imágenes por ellas mismas, su
interés visual. De esta forma, el diseñador debe
evitar que el énfasis tipográfico entre en conflicto
con las imágenes.
Los rótulos se utilizan para captar la atención, que
sean vistosos y comunicar mensajes y emociones.
Pueden ser de distintas maneras, modernos,
pacíficos, agresivos, etc.

En la creación de un rótulo, debe existir un buen


equilibrio entre el sentido del mismo y la tipografía
con la que se ha escrito. Una buena combinación
que ayuda a expresar y evocar las emociones,
sentimientos, etc. son los rótulos con la variante
de diferentes tamaños, pesos y anchos.

La clasificación de "Maximiliam Vox, creada


alrededor de los años 50", fué muy utilizada en los
diferentes tipos de rotulación. Las san serif son
también muy usadas para los rótulos, nos indican:
innovación, evolución, avance, tecnología...

Variables visuales: definición, orientación y tamaño

Se denomina variables visuales, a las variaciones


que han sufrido los signos. Estas variales son las
siguientes: La forma, la orientación, el tamaño y el
movimiento.

La forma de un tipo puede ser mayúscula,


minúscula o versalita.

La orientación de un tipo también es una punto


importante a tener en cuenta. Por ejemplo, la
cursiva se emple para remarcar una letra dentro
de un bloque de texto, para que destaque del
resto. De la misma forma, un texto escrito todo en
cursiva, resulta pesado leerlo.

El tamaño, haciendo referencia a la anchura y


altura de un tipo de tipografía. Habitualmente se
mide en puntos (pt), y al variar estos puntos el
tipo aumenta o disminuye proporcionalmente en
altura y anchura.

Un tipo de letra para cada cuerpo de texto

El denominado tipo de letra estándar, es más


legible que otro de tipo decorativo. Los tipos con
serifas son más legibles que las de palo seco.

El espacio entre letras o palabras no tiene que


ser ni muy amplio, ni demasidado reducido, para
que tengan una buena visibilidad y legibilidad.

El tamaño, si el tipo es demasiado grande, o


pequeña, cansa mucho al lector y reduce la
legibilidad. También ocurre con las columnas,
donde un ancho corto, cansa al usuario, ya que
tiene que cambiar de línia constantemente.

Un texto, todo en negrita es muy denso y también


dificulta la lectura.

Un problema que puede surgir con el espacio entre


las palabras, es que puede desestructurar la línea
y entorpecer la lectura y la estética cuando las
palabras distan mucho unas de otras. Hay que
encontrar una medida razonable, que dependerá
del tipo de escrito que estemos componiendo.

Interlineado
El interlineado es el término tipográfico que
describe el espacio vertical entre líneas. La
interlínea se usa para dar mayor legibilidad a las
líneas de un texto, cuando éstas son largas y
están compuestas en un cuerpo pequeño

La alineación del Texto

La alineación del texto es un paso importante para


mantener también una buena legibilidad. Las
opciones de alineación en un diseño de una página
tradicional son: Alinear a la izquierda, alinear a la
derecha, centrar, justificar y alineaciones
asimétricas.
El texto alineado a la
izquierdaes el
recomendable para textos
largos. Crea una letra y un
espacio entre palabras muy
equilibrado y uniforme.
Esta clase de alineación de
textos es probablemente la
más legible.

Alineación a la derecha se encuentra en sentido


contrario del lector porque resulta difícil encontrar
la nueva línea. Este método puede ser adecuado
para un texto que no sea muy extenso

El texto justificado, alineado a derecha e


izquierda. Puede ser muy legible, si el diseñador
equilibra con uniformidad el espacio entre letras y
palabras, evitando molestos huecos denominados
ríos que no rompan el curso del texto.

Las alineaciones centradasproporcionan al


texto una apariencia muy formal y son ideales
cuando se usan mínimamente. Se debe evitar
configurar textos demasiado largos con esta
alineación

Alineaciones asimétricas se utilizan cuando el


diseñador quiere romper el texto en unidades de
pensamiento lógicas, o para dar más
expresivaidad a la página.
Kern y el track

Dos conceptos a tener en cuenta antes de


modificar el espacio entre letras, son el track y el
kern.

Los tipógrafos han usado el track o tracking para


alterar la densidad visual del texto o el espacio
global entre un grupo selecionado de caracteres.
Esta alteración afecta a todos los caracteres, como
regla general, cuanto más grande es el cuerpo
más apretado debe ser el track. El track ajusta el
espacio que existe entre los carácteres, abriendo
los cuerpos más pequeños y cerrando los mas
grandes.

El Kern o kerning es el espacio existente entre


dos caracteres individuales, para cuando dos de
estos carácteres se encuentran demasiado juntos
o separados. El kern es proporcional, ya que es
del mismo tamaño en puntos que el cuerpo de los
carácteres. Si un texto es de 10 puntos, el kern
mide 10 puntos.

Características de las familias tipográficas


En una familia tipográfica, existen carácteres que
se diferencian entre sí, clasficándolos de la
siguiente forma:

- El grosor en el trazo: Los trazos que


componen los tipos, pueden ser pesados o ligeros,
segun su grosor pueden afectar o no a la
legibilidad. El grosor de un trazo puede ser,
redonda, negra o supernegra, fina o extrafina.

- Inclinación del eje vertical o cursivas: Son


las denomiadas cursivas o itálicas. La cursiva en la
tipografía debe utilizarse con prudencia, porque
abusar de este carácter inclinado dificulta la
lectura.

- Porporción entre ejes vertical y horizontal


ancho: Son en redonda, cuando son iguales,
estrecha cuando el horizontal es menor que el
vertical, y expandida cuando el horizontal es
mayor. Cuando hay mucho texto, es ideal y
aconsejable utilizar tipografías estrechas para
ahorrar espacio.

- Mayúsculas a caja baja: Un texto escrito en


letras mayúsculas, provoca lentitud en la lectura y
ocupa más espacio

El color en la tipografía y en la elección del tipo

Conocer y comprender los colores y lo que nos


transmiten, es importante y básico para trabajar
con los tipos y en el mundo del diseño gráfico.
Normalmente, cuando nos encontramos diseñando
una presentación y partimos de poco espacio,
utilizamos el color para enfatizar las letras.

Para conseguir una buena legibilidad cuando se


diseña con tipos y color deberemos equilibrar
cuidadosamente las tres propiedades del color
(tono, valor e intensidad) y determinar el
contraste adecuado entre las letras y su fondo.
Cuando se combinan tipos y color, el equilibrio
entre estas características es importantísimo.

El color tipográfico es una ilusión óptica, creada


por las propias proporciones y formas de los
diseños tipográficos. Éstas nos hacen percibir la
sensación de un color distinto, aunque esté
impreso en el mismo color. Aunque las palabras
estén impresas en el mismo color, cada una de
ellas puede poseer un tono diferente, debido a las
características propias de sus diseños tipográficos.

Como impacta el color


Recordamos que los colores pueden dividirse en
dos grupos: colores fríos y cálidos.

Los colores cálidos van desde el rojo al amarillo, y


son colores muy impactatnes, ya que destacan
mucho sobre un fondo. El rojo o el naranja son
colores muy vistosos y llamativos, por este motivo
se usa el color rojo en los semáforos y muchas
señales de peligro.

Los colores fríos, son los verdes hasta los azules,


tienen la característica de que son muy relajantes.
Se utilizan en la decoración infantil, centros de
estudio, hospitales.

El blanco, gris y negro, no nuede incluirse en los


grupos de cálidos y fríos.

Los tonos marrones, tostados cremas y ocres,


representan añoranza y son perfectos para
representar productos naturales y clásicos. En
publicidad se emplea en anuncios en blanco y
negro o escala de grises, para resaltar el producto
o elemento protagonista.

Los colores primarios (Magenta, Cian y Amarillo)


se utilizan en productos infantiles, porque aportan
alegría y juventud. Y además estos colores, en los
niños les recuerdan a los dulces.

Las tipografías doradas o plateadas sobre fondos


oscuros nos evocan elegancia y sofisticación, y son
muy adecuadas, si se trata de un proyecto donde
se debe incluir el lujo, la elegancia o poder.

La cuadrícula

Actualmente se usan dos sistemas de medidas


tipográficas, la pica y el punto (medida inventada
por Firmin Didot).

Seis picas o 72 puntos equivalen


aproximadamente a una pulgada y doce puntos
equivalen a una pica. Los puntos sirven para
especificar el cuerpo de un tipo, formado por la
altura de las mayúsculas, más un pequeño espacio
por encima o debajo de las letras. Las picas se
utilizan para medir la longitud de las lineas.

La cuadrícula tipográfica, se utiliza para organizar


todos los elementos tipográficos y demás
ilustraciones que integraran la página. La
configuración de la cuadrícula, depende de la
información que se ha de transmitir y las
propiedades físicas de cada elemento tipográfico.
Las cuadrículas tipográficas de formato estándar,
tienen módulos cuadrados, columnas de texto,
márgenes, lineas de contorno y medianiles (el
espacio que queda en blanco entre dos columnas
de texto).

Para organizar el diseño de una retícula, primero


deberemos trabajar con los elementos más
pequeños y a partir de ahí, iremos ascendiendo.
Tipografía digital

La informática ha revolucionado la
tipografía, modificándola según las
necesidades de cada ilustración y
uso. La informática se está
aplicando en el proceso de la
impresión, diseño gráfico y el
diseño de páginas web. Por un
lado, la multitud de aplicaciones informáticas
relacionadas con el diseño gráfico y la editorial
han hecho posible el diseño y la creación de
nuevas fuentes tipográficas, de forma cómoda y
fácil.
Por otra parte, ha sido necesario rediseñar muchas
de las fuentes ya existentes para su correcta
aplicación en el proceso digital, para mejorar la
visualización y lectura en pantalla, y hacer que se
ajusten a la rejilla de píxeles de la pantalla del
monitor.

Elegir una fuente digital para un


documento
Esta es una de las partes más crítica del proceso
de diseño. Todo el aspecto y significado aparente
de una composición o trabajo, cambia con un tipo
de letra u otro. Al primer golpe de vista, la
tipografía y el color dicen más que el mismo texto.
Según John Mc Wade, la tipografía es el punto
flaco más habitual de la mayoría de los
diseñadores.

En cuanto al color, el lector idenfica los colores


con mucha más rapidez que cualquier otro
atributo, acepta o rechaza determinados colores
muy fácilmente. Aplicar el color con cierta
discrección en algunas partes del texto, puede
mejorar mucho su captación y aportar distinción.
Incluso puede crear la impresión de mayor
variedad de fuentes. Pero el color, usado
inadecuadamente, puede tener un impacto
negativo, actuar como distracción y dar un
aspecto vulgar.

En cuanto al tipo de letra, el criterio que podemos


seguir es sobre todo nuestro propio gusto.
Conviene que tengamos en cuenta algunos
principios, en especial la legibilidad. Este criterio
es especialmente importante para textos largos.
Para bloques de texto más cortos tenemos más
libertad de elección, y para los títulos podemos
emplear la fuente que queramos, en función de la
impresión que nos interese crear o trasladar.

Qué es una fuente digital

Una fuente digital es un


conjunto de dibujos vectoriales
que se pueden escalar sin
pérdida de calidad. Se
almacenan principalmente en
archivos de tipo TrueType (TT) o
Postscript Tipo1 (PS1). Son
tecnologías de fuente escalable
que mantienen buena calidad independientemente
de la resolución.

Este tipo de fuentes son reconocidas en la mayoría


de sistemas operativos. Cada fuente TT se
almacena en un solo fichero, mientras que la PS1
requiere dos ficheros separados, uno para la
impresora y otro para su visualización en pantalla.
Este fichero contiene, además, la información
necesaria para hacer corresponder cada imagen al
carácter correspondiente, y también para el
espaciado de los caracteres.

Fonts especiales para la pantalla digital


La legibilidad de los carácteres es una propiedad
marcada por el propio diseño de los tipos de letra.

De los diferentes tipos de letras que podemos


emplear, algunos están especialmente pensados
para ser vistos en el monitor de un ordenador. Se
ha tenido un interés especial al diseñarlas, para
que sean fácilmente legibles en el caso, de que las
visualizemos en pantallas con baja resolución.

Se trata de la colección de fuentes, tales, como la


Verdana, Tahoma, Trebuchet y Georgia. Las
fuentes ornamentales o caligráficas no deben
emplearse más allá de unas pocas líneas, puesto
que causarían de fatiga visual.
Técnicas de composición

La composicion se define como


una distribución o disposición de
todos los elementos que
incluiremos en un diseño o
composición, de una forma
perfecta y equilibrada.

En un diseño lo primero que se


debe elegir son todos los elementos que
aparecerán en el, luego debemos distribuirlos,
para colocarlos con el espacio disponible. Los
elementos pueden ser tanto imágenes, como
espacios en blanco, etc. Es muy importante, tener
en cuenta de que forma situaremos estos
elementos, en nuestra composición, para que
tengan un equilibrio formal y un peso igualado.

El peso de un elemento, se determina no sólo por


su tamaño, que es bastante importante, si no por
la posición en que este ocupe respecto del resto
de elementos. Por ejemplo, si queremos hacer
destacar un elemento en concreto, lo colocaremos
en el centro.

La composición, el concepto: En toda


composición, los elementos que se sitúan en la
parte derecha, poseen mayor peso visual, y nos
transmiten una ... [ + ]
La escala: Decimos que existe una escala cuando
se da una relación matemática (proporción) entre
las dimensiones de distintos elementos. Una
escala, por ... [ + ]
La sección áurea: La regla o sección áurea es
una proporción entre medidas. Se trata de la
división armónica de una recta en media y
extrema razón ... [ + ]
El equilibrio en una composición: Cada forma o
figura representanda sobre un papel se comporta
como un peso, un peso visual, porque ejerce una
fuerza ... [ + ]
El equilibrio simétrico: En una composición se
puede conseguir el equilibrio a través del uso de
líneas y formas. Todos los pesos deberán estar ...
[+]
El contraste de tono: El contraste actúa a través
de la atracción o excitación del público
observador, mediante la combinacion diferentes
intensidades o ... [ + ]
El contraste de escala: El contraste de escala se
consigue a través de la contraposición de
diferentes elementos a diferentes escalas de las
normales, o ... [ + ]

La composición, el concepto

En toda composición, los elementos que se sitúan


en la parte derecha, poseen mayor peso visual, y
nos transmiten una sensación de avance. En
cambio los que se encuentran en la parte
izquierda, nos proporcionan una sensación de
ligereza.
Esto también se observa, si lo aplicamos en la
parte superior de un documento, posee mayor
ligereza visual, mientras que los elementos que
coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán
mayor peso visual.

Actualmente no existe una composición perfecta.


Cada composición dependerá de su resultado final,
para todo ello, es necesario conocer todos los
aspectos y formas para obtener un resultado con
un cierto equilibrio.

Las proporciones, la forma, el tamaño.

Uno de los formatos más conocidos e utilizados es


el DINA-4. Podemos limitar las proporciones de
nuestra composición a través del color.

También existe las formas, las angulares y


alargadas amplían el campo de visión, mientras
que formas angulares cortas, nos transmiten la
sensación de timidez y humildad.

Las formas redondas (modelo curvilíneo y


rectangular), la proporción y la simetría, suelen
combinarse, las formas en sus variantes también
son simétricas. Estas formas crean armonía,
suavidad y perfección. Por ejemplo las formas
simples y regulares son las que se perciben y
recuerdan con mayor facilidad. Las formas
simétricas, en el mundo de la naturaleza, un
ejemplo del orden geométrico sobre la formación
de sus estructuras vivientes.

El tamaño de un elemento, en relación al resto,


también presenta diferentes definiciones. Las
formas grandes, anchas o altas, se perciben cómo,
más fuertes, pero las más pequeñas, finas o
cortas, simbolizan la debilidad y delicadeza.

La escala

Decimos que existe una escala cuando se da una


relación matemática (proporción) entre las
dimensiones de distintos elementos. Una escala,
por tanto, se puede representar mediante un
número o una fórmula.

La escala normalmente se usa en cartografía,


planos, mapas... para poder representar una
medida proporcional al tamaño real. Es cuando
citamos, por ejemplo, este plano está en escala
1:10. Este concepto hace referencia a que, para
realizar el plano, se ha aplicado un factor de
reducción determinado (en este caso, dividir por
diez), para poderlo dibujar en un lugar más
pequeño, sin que pierda sus proporciones.

Algo más que medidas


En el diseño gráfico, las propiedades de los
elementos visuales son relativas, dependen del
resto de elementos presentes en la composición.
En este caso, la escala hace referencia a la
relación entre los tamaños y otras características
de las piezas que forman el diseño con sus
vecinas.

"Otras características" hace referencia al aspecto


global de un elemento: por elemplo, si se usan
colores más vivos, oscuros o contrastados, la
"presencia" o sensación visual de tamaño resulta
mayor que la de otros elementos más pálidos,
claros o difuminados.

La proporción relativa entre elementos debe ser


equilibrada, usando una escala correcta. En una
composición gráfica la escala se usa tanto para
distribuir el espacio como para equilibrar las
proporciones de los elementos.

La sección áurea

La regla o sección áurea es una proporción entre


medidas. Se trata de la división armónica de una
recta en media y extrema razón. Esto hace
referencia a que el segmento menor es al
segmento mayor, como este es a la totalidad de la
recta. O cortar una línea en dos partes desiguales
de manera que el segmento mayor sea a toda la
línea, como el menor es al mayor.

De esta forma se establece una relación de


tamaños con la misma proporcionalidad entre el
todo dividido en mayor y menor, esto es un
resultado similar a la media y extrema razón. Esta
proporción o forma de seleccionar
proporcionalmente una línea se llama proporción
áurea, se adopta como símbolo de la sección
áurea (Æ), y la representación en números de
esta relación de tamaños se llama número de oro
= 1,618.

A lo largo de la historia de las artes visuales han


surgido diferentes teorías sobre la composición.
Platón decía: es imposible combinar bien dos
cosas sin una tercera, hace falta una relación
entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón
para esta relación es el todo. La suma de las
partes como todo es la más perfecta relación de
proporción.
Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el
mismo principio pero dice que la simetría consiste
en el acuerdo de medidas entre los diversos
elementos de la obra y estos con el conjunto.
Inventó una fórmula matemática, para la división
del espacio dentro de un dibujo, conocida como la
sección áurea, y se basaba en una proporción
dada entre los lados mas largos y los más cortos
de un rectángulo. Dicha simetría está regida por
un modulo común, que es el número. Definido de
otra forma, bisecando un cuadro y usando la
diagonal de una de sus mitades como radio para
ampliar las dimensiones del cuadrado hasta
convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la
proporción a:b = c:a.

Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al


crear una composición, si colocamos los elementos
principales del diseño en una de las líneas que
dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio
entre estos elementos y el resto del diseño.

El equilibrio en una composición

Cada forma o figura


representanda sobre un papel se
comporta como un peso, un peso visual, porque
ejerce una fuerza óptica.

Los elementos de nuestra composición gráfica


pueden ser imaginados como los pesos de una
balanza. Una composición se encuentra en
equilibrio si los pesos de los distintos elementos
que la forman se compensan entre sí.

Este criterio se aplica principalmente al diseño


global, es decir, a la disposición de los elementos
sobre la superfície de trabajo. Normalmente se
busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se
provoca un desequilibrio intencionado para
conseguir unos resultados específicos en un
diseño.

Definimos el equilibrio como una apreciación


subjetiva, en la cual, los elementos de una
composición no se van a desprender.

El equilibrio simétrico
En una composición se puede conseguir el
equilibrio a través del uso de líneas y formas.
Todos los pesos deberán estar compensados para
obtener el equilibrio ideal.

Como medición del peso de las formas y líneas


que utilizamos en una composición, se observa la
importancia que tienen los objetos dentro del
diseño o creación que queremos representar,
intentando equilibrar los elementos de mayor
importancia con los de menor importancia, y los
de mayor peso con los de menor.

Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y


asimétrico

El equilibro simétrico se produce cuando al dividir


una composición en dos partes iguales, existe
igualdad de peso en ambos lados. No se
encuentran elementos que sobresalgan más que el
resto en importancia y peso.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el


mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen
simetría axial bilateral, en la que el eje es el
cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos
simétricamente respecto al eje. Esta regularidad
constituye, a nivel de percepción, un factor
estético de armonía.

La creación de un diseño simétrico nos transmite


una sensación de orden.
El equilibrio asimétrico
Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una
composición en dos partes iguales, no existen las
mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc,
pero existe un equilibrio entre dos elementos.

En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los


pesos a un lado y otro del eje, el efecto es
variado.

La asimetría nos transmite agitación, tensión,


dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de
equilibrio una masa grande cerca del centro se
equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

El contraste de tono

El contraste actúa a través de la


atracción o excitación del público
observador, mediante la combinacion
diferentes intensidades o niveles de contraste, en
el color, el tamaño, la textura, etc. Pueden
proporcionar mayor significado a una composición.

El contraste de tono se basa en la utilización de


tonos muy contrastados, la combinación de claro-
oscuro, el mayor peso lo tendrá el elmento con
mayor oscuridad. Para que este perdiera
protagonismo en el diseño, tendríamos que
disminuir la intesidad del tono y redimensionarlo,
después, para que no perdiese equilibrio en la
composición. Este tipo de contraste es uno de los
más utilizados en composiciones gráficas.

El contraste de colores
El tono es una de las dimensiones del color más
importantes. El contraste más efectivo se obtiene
combinando los diferentes tonos. El contraste
creado entre dos colores será mayor cuanto más
alejados se encuentren del círculo cromático. Los
colores opuestos contrastan mucho más, mientras
que los análogos apenas lo hacen, perdiendo
importancia visual ambos.
El contraste de escala

El contraste de escala se consigue a través de la


contraposición de diferentes elementos a
diferentes escalas de las normales, o el uso de
medidas irreales.

Utilizando este recurso, la percepción del elemento


se encuentra alterado. Esta clase de contraste es
utilizado en la fotografía y pintura, para atraer la
atención del espectador de forma muy efectiva y
eficaz.

El contraste de contornos
El contraste de contornos irregulares destacan de
forma importante sobre los regulares o más
conocidos. Este tipo de contraste es ideal para
captar la atención del usuario observador a
determinados elementos de una composición.

No obstante, no hay que abusar del uso de este


tipo de contraste, sobre todo si se combinan con
otros tipos de contraste, ya que pueden ser un
centro de atracción visual demasiado fuerte y
potente. Además, acaban creando mucha tensión
en el espacio que les rodea.
Diseño publicitario

El diseño publicitario comprende la


creación, maquetación y diseño de
publicaciones impresas, tales cómo;
revistas, periódicos, libros, flyers, trípticos, ... y
también el soporte para otros medios visuales,
tales como la televisión o internet.

A lo largo del tiempo han ido apareciendo diversos


métodos y formas de comunicación, desde los
grafitis, (las famosas pintadas en la pared que
realizaban los romanos para comunicar alguna
noticia), los carteles, las primeras publicaciones de
prensa (diarios) y luego las revistas. Después ya
se extendió a la televisión, la radio, internet, el
móvil, ...

En esta fase desarrollo de los medios de


comunicación, es cuando se une a su vez al
desarrollo del mercado, los productos de mercado,
las empresas, seran puntos fuertes que
defenderán en gran medida de los diferentes
medios.

Durante la historia, el diseño publicitario ha ido


evolucionando. En un principio toda la técnica se
elaboraba de forma manual. Hoy en dia se usan
tecnologías más avanzadas de diseño y
producción.

Antes de llevar a cabo un diseño publicitario, un


diseñador y el resto del equipo de trabajo deben
tener en cuenta cuatro puntos muy importantes:
- el producto a diseñar,
- a quien va dirigido,
- los medios por los cuales se va a realizar la
publicidad y
- la competencia.

Diseño publicitario: Las tendencias: El diseño


publicitario se encuentra en un punto imposible de
determinar, ya que se encuentra reproducido en ...
[+]
Clases de diseño publicitario: En el ámbito
publicitario, que es muy amplio, cada vez son más
los elementos que se utilizan para conseguir y
transmitir ... [ + ]
Diseño de folletos y flyers publicitarios: Los
flyers, denominados también, "Volantes" son
folletos de pequeñas dimensiones y gramajes
reducidos y ... [ + ]
El cartel publicitario: Por el tamaño se entiende
que es un poster o cartel, aquel diseño impreso
que sobrepase el tamaño DIN A3. El diseño de un
cartel ... [ + ]
Publicidad exterior: Se entiende por publicidad
exterior, aquella que se realiza al exterior de los
edificios y en los diferentes medios de difusión ...
[+]
Packaging igual a comunicación: Definimos
como packaging o packages a todos los envases,
etiquetados o envoltorios de los productos
comerciales ... [ + ]
El envase y el mercado: Con el nacimiento del
nuevo sistema de autoservicio se hace más
importante el envase. Y como otras muchas
variables de marketing ... [ + ]
El diseño de logotipos: Actualmente, todas las
marcas constan de un logotipo para identificar
mejor sus productos o servicios. Con ello se
consigue, que ... [ + ]
Contenidos visuales en los anuncios: Los
contenidos visuales de un anuncio, son los
diferentes elementos que se han utilizado para
formar el ... [ + ]
La semiología en la publicidad: La semiología
fue definida y estudiada por Saussure en Ginebra,
en 1908, como "la ciencia que estudia la vida de
los ... [ + ]
Pautas de un anuncio publicitario: Los
anuncios tienen diferentes fases a tener en
cuenta, para hacer efectivo el modo en el cual se
quiere comunicar ... [ + ]

Diseño publicitario: Las tendencias

El diseño publicitario se encuentra en un punto


imposible de determinar, ya que se encuentra
reproducido en muchos ámbitos, con sus variables
y tendencias.

La labor de un diseñador gráfico, es la de


transmitir ideas mediante el uso de cualquier
elemento, ya sea un texto, una imagen. No
obstante la utilización de un elemento u otro, se
encuentra marcado por las tendencias.

Las tendencias son las preferencias sobre los


gustos, compartidos por diferentes grupos de
personas, las cuales, coinciden al representar un
diseño marcado por un estilo, que influye sobre el
resto. En cada proceso, el diseñador deberà
emplear distintos diseños del resto y dependiendo
del elemento que se va a diseñar. Los diseños
realizados por un mismo individuo, se encuentran
marcados por su estilo personal, que lo diferencia
del resto.

La moda es otro de los elementos por el cual se


encuentra marcado el diseño. Cada época tiene su
moda. En gran medida son los grandes
diseñadores quienes dictan o determinan las
modas.

Clases de diseño publicitario

En el ámbito publicitario, que es


muy amplio, cada vez son más los
elementos que se utilizan para
conseguir y transmitir la publicidad
de una empresa, o de un nuevo producto, o
cualquier otro ingrediente de última creación,
fabricación etc.

Destacamos como clases de diseño publicitario:


- Folletos y flyers
- Cátalogos
- Carteles y posters
- Vallas publicitarias
- Packagin, envases y etiquetas
- Logotipos d'empresa.

Diseño de catálogos publicitarios


Son las publicaciones que nos ofrecen información
sobre una serie de productos o servicios, de una
empresa. Es el mejor medio que tiene una
empresa para ofrecer publicidad sobre sus
productos directamente al consumidor, aunque
esta sea un poco elevada de costo, permite
enseñar de una forma correcta todos los
contenidos deseados por la empresa, sin limitar
calidad ni espacio en la publicación de sus
productos.

La forma de diseñarlo en la calidad del papel, la


posibilidad de utilizar muchas imagenes y
extendernos en los textos, nos puede permitir
idear la creación de un producto eficazmente
atractivo, un escaparate sobre papel que despierte
el interés y la atención de nuestro público
objetivo. Si se trata de una empresa con un cierto
prestigio, se cuidarán municiosamente hasta el
último detalle, en cuanto a la calidad del papel, las
imágenes, etc. Si se trata de productos más
corrientes y ofertados, se optará por un diseño
menos elegante y más sencillo.

Partes de un catálogo

Las partes que comprenden un catálogo: El


contenido, la portada y la contraportada.

En el resto de publicaciones, revistas, periódicos


etc., la portada y contraportada son las partes
más vistosas que deben contener la información
más relevante y atractiva. Esto hace que el diseño
guarde especial cuidado en estas zonas.

El objetivo principal del diseño de un catálogo


publicitario, es conseguir de una forma eficaz, que
los contenidos del mismo, lleguen al público u
consumidor, que sean de su agrado, y les
parezcan atractivos de una forma clara, ordenada
y estética.
Diseño de folletos y flyers publicitarios

Los flyers, denominados también, "Volantes"


son folletos de pequeñas dimensiones y
gramajes reducidos y que se utilizan para
transmitir información publicitaria sobre productos
y servicios de una empresa.

Los folletos son elementos que pueden


encontarse también incluidos en un mailing.
Presentan el producto o servicio de forma
detallada e ilustrada, destacando las ventajas y las
características de la oferta. Su formato o tamaño,
varía en función de las necesidades del producto y
del desarrollo creativo.

Según la dimensión y plegado del flyer, puede


clasificarse en:

- Volante: Contiene una sóla hoja y dos caras


- Díptico: Compuesto por una hoja, un plisado y 4
caras
- Tríptico: Compuesto por una hoja, dos plisados y
6 caras
Eventualmente una hoja podria plisarse más
veces.

Los flyers, se encuentran dentro de la categoría de


folletos, y son pequeños panfletos de reducido
tamaño. Son también los que normalmente se
reparten en grandes cantidades, a los clientes o
consumidores que circulan a pie.

Como es un folleto publicitario


Sin tener en cuenta el número de páginas que
tenga, un folleto puede presentar en su formato
formas y tamaños muy diferentes, sin dejar a un
lado las normas generales de una buena
composición.

Los plegados más habituales de un folleto, son el


doblado tipo rollo. Se pliegan cada una de las
hojas dentro de otra, y para ello es muy
importante tener en cuenta el grosor del papel, ya
que se nos podría abrir el tríptico y quedaría
abierto.

La parte del folleto que se encuentra en primer


lugar, es lo que denominamos "la portada", debe
impactar lo suficiente como para que el receptor le
despierte el suficiente interés, para ilustrarse de la
información del folleto. El diseñador deberá crear
un diseño uniforme y relacionando unas páginas
con otras, para evitar que se pierda el atractivo y
equilibrio de la publicación.

La información que muestra los folletos, es de


forma temporal, y suelen incluirse diseños muy
atractivos e innovadores, para que el cliente
centre su atención en ellos.

El cartel publicitario

Por el tamaño se entiende que es un poster o


cartel, aquel diseño impreso que sobrepase el
tamaño DIN A3.

El diseño de un cartel publicitario o un poster es


uno de los retos más atractivos que un diseñador
puede encontrar. Un cartel o un poster están
hechos para captar la atención a las personas
mientras, éstas, se encuentran en movimiento y
para que sean visibles desde grandes distancias e
impactantes por su gran dimensión.

Características de los carteles o posters

Gráficamente un cartel debe presentar un correcto


equilibrio de todos los elementos que contiene.
Las imágenes, gráficos, fotos y textos deben
representar una línea de comunicación que
permita al ojo humano (y al cerebro) dirigirse de
un punto de información a otro. Esto crea
movimiento y dinamismo. Los puntos de
información no son colocados por casualidad, sinó
que son creados por el diseñador para influir en el
lector

El diseño de posters y carteles


En un cartel, los textos y los tipos de letras son
elementos importantes que deben ser realzados
usando distintos colores, y a ser posible colores
muy llamativos y diferentes tamaños. Esto
ayudará a los clientes a leer el cartel con facilidad.

También debemos seleccionar un tipo de letra


ancha, negrita y con un tamaño de letra grande
(mínimo 16 puntos) para los encabezamientos.

Si el cartel tiene distintos encabezamientos,


utilizaremos dos o más tamaños de letra.

El color del texto debe encontrarse contrastado


con el color de fondo: si el fondo es oscuro, utilizar
letra clara y viceversa. Cuanto menor sea el
contenido, mejor, y si tiene que aparecer mucha
información, intentaremos que los datos sean
gráficos.

Publicidad exterior
Se entiende por publicidad exterior, aquella
que se realiza al exterior de los edificios y en
los diferentes medios de difusión móviles
existentes.

La publicidad exterior intenta llegar a las


personas, cuando estas se encuentran fuera de
sus hogares. Es una publicidad de grandes
tamaños, y han ser vistas a grandes distancias y
alturas.

Podemos relacionar las siguientes formas de


publicidad exterior:

- Vallas publicitarias: Son las que encontramos


en zonas abiertas, grandes centros comerciales,
carreteras. Se encuentran colocadas en soportes
especiales, y su medida alcanza los 4 y 8 metros
de longitud.

- En eventos especiales: Parecidas a las vallas


publicitarias, pero con la diferencia, de que estas
se realizan, cuando concurre algun evento
específico y puntual. Por ejemplo, la celebración
de un partido de fútbol, o bien una concentración
de motos, coches, carreras etc.

- En la vía pública: Se colocan en las superficies,


ubicadas en las estaciones de metro, estaciones
de tren, o bien en las paradas de los autobuses.
Esta clase de publicidad, mantiene un tamaño más
reducido, ya que se visualizan desde una distancia
más cercana.
- En vehículos de transporte terrestre y
aérea: La de vehículos se plasma, en los medios
de transporte público, en el propio vagón de
metro, autobuses, taxis, etc.
El medio de publicidad aérea, es aquella publicidad
que se realiza a través de las avionetas, que
transportan colgando de su cola, carteles de tela y
otros materiales ligeros con mensajes
publicitarios.

La publicidad exterior, es muy utilizada y para que


estos mensajes publicitarios consigan un óptimo
resultado, se deben tener en cuenta una serie de
pautas importantes, al componerla.

- Deben ser de gran tamaño y un cierto atractivo


para ser vistas a grandes distancias.
- Han de contener textos muy cortos, claros y
directos, para que se puedan visualizar y leerse
con rapidez, al primer golpe de vista.
- La marca o empresa que publicita debe ser
grande y claro.
- Los colores que se utilicen serán puros y
llamativos
Packaging igual a comunicación

Definimos como packaging o packages a todos los


envases, etiquetados o envoltorios de los
productos comerciales.

Estos envases tienen dos funciones, la de guardar


y embalar el producto para atraer al público por
medio de su imagen. Es importante tener en
cuenta ambos aspectos, no sirve de nada si un
producto, no se encuentra bien envasado por muy
atractivo que sea su etiquetado, o bien que este
sea a su vez, un producto de máxima calidad, si
su etiquetado no lo transmite como tal.

Diseño del envase

Hoy en dia, nos encontramos con muchos


productos semejantes o similares en los centros
comerciales, haciendo de esto un mercado muy
competitivo. Ante tal competencia es cuando,
opera el packaging, como medio de atracción al
consumidor final.

El packaging o packages, se considera uno de los


elementos principales para colocar en un nivel u
otro un producto, a través de la imagen y calidad
que se transmite de el.

En primer lugar, es muy importante saber antes


de diseñar un envase de un producto, a que
público va dirigido, las tendencias del mercado, los
materiales a utilizar para el envase, la comodidad
del consumidor, etc. El objetivo final, es destacar
el producto que se está ofreciendo.

El packaging se aplica en gran variedad de formas


y formatos dependiendo del envase. Citaríamos de
entre los existentes hoy en dia: La etiqueta de una
botella, una lata de cocacola, una caja de
tetrabick, una bolsa de embalaje, una etiqueta en
formato pegatina, etc...

El envase y el mercado
Con el nacimiento del nuevo sistema de
autoservicio se hace más importante el envase. Y
como otras muchas variables de marketing, el
envase contribuye a la imagen del producto. Por
ejemplo algunos envasadores de productos de
alimentación, han cambiado el envase metálico
por uno de cristal. El de cristal aporta mejor
imagen de producto, como, selecto, caro,
artesano, tradicional y exquisito.

Funciones para el diseño de un envase


- Una primera función es vender el producto. El
envase tiene que captar la atención del
consumidor en el estante del supermercado.

- Proporcionar información al consumidor. En la


mayoría de los países la legislación exige que los
productos reflejen claramente ciertos datos.

- Conservación del producto.

- Garantía. El envase asegura que recibiremos una


cierta cantidad de un fabricante identificado.

- Facilitar el transporte y la manipulación del


producto.

Un ejemplo y de gran éxito sobre el envasado, fué


el de Tetrapark. Consiste en fabricar un envase
hermético que permite conservar bebidas con bajo
coste y peso. Además por su forma permite el
almacenamiento y el transporte de la forma más
compacta posible. Al guardar los Tetrapark no se
dejan espacios libres

La imagen del diseño del envase

El diseño, es la imagen que transmite el envase.


Un punto fundamental para conseguir el éxito, en
el supermercado, es la imagen que transmite el
producto. Algunas bebidas han rediseñado su
envase, redondeando sus diferentes formas,
cambiando los colores, el diseño de los dibujos,
para lograr una reposición como una opción para
las mujeres.

Un envase efectivo, ha de ser sencillo, comunicar


con rapidez de que producto se trata, encontrarse
correctamente impreso, hacer frente a la
competencia, reflejar la imagen del producto y si
el envase es rediseñado que este mantenga cierto
lazo visual con su pasado, de manera que siga
siendo familiar para el consumidor. Para crear y
diseñar un envase y determinar sus ventajas, se
ha de tener presentes tres factores: la marca, el
producto y el consumidor.

El diseño de logotipos

Actualmente, todas las marcas


constan de un logotipo para
identificar mejor sus productos o
servicios. Con ello se consigue,
que las personas identifican el
logotipo, asociándolo con rapidez a
la empresa que pertenece.

Diferenciamos logotipo, imagotipo y anagrama de


una empresa:

-Definiremos, que se trata de un logotipo, cuando


este se encuentre compuesto por imágenes y
letras.
- Se habla de un imagotipo, cuando solo se
representa a través de una imagen, simbolo de la
propia empresa.
- Hablamos de anagrama, cuando solo incluye
texto.

El logotipo y los banners publicitarios en


internet
Una manera de publicitar una empresa es a través
de las páginas web. Hoy en dia, internet se
considera la vía con más futuro, y una alternativa
económica, rápida, sencilla, y que permite
prescindir de la movilidad geográfica, factor muy
importante. Cualquiera puede visualizar una
empresa y sus productos, desde la distancia que
quiera, a través de internet.

En la actualidad, existen muchas empresas que ya


tienen su propia página web, donde incluyen sus
productos, ofertas, servicios etc. Uno de los
recursos utilizados en internet, son los banners
publicitarios. Son imágenes o el mismo logotipo de
la empresa, dinámico, animado y en movimiento.
Normalmente se suelen crear con los datos de la
empresa y alguna oferta de interés sobre algún
producto.

Contenidos visuales en los anuncios

Los contenidos visuales de un anuncio, son los


diferentes elementos que se han utilizado para
formar el mismo.

El componente visual está formado por imágenes


que representan, entre otros, al objeto anunciado.
La función principal de estas imágenes, será la de
servir de apoyo al componente verbal "el texto",
aunque en muchas ocasiones es el componente
visual el elemento principal del anuncio (nunca
mejor dicho: una imagen vale más que mil
palabras).

Por ejemplo, si se quiere anunciar alimentos, o


cualquier otra composición culinaria, estos se
encuentran preparados y dispuestos por grandes
chefs profesionales de la cocina. Los alimentos se
encuentran cuidadosamente adornados con el fin
de que reflejen la idea o imagen que se quiere
transmitir: hielo, sensación de frescor, comida
elaborada casera, etc.

Anuncios con personajes famosos


Para realizar anuncios donde aparecen modelos,
personas humanas, tanto hombres como mujeres,
se utiliza el gran recurso de escoger modelos
profesionales con gran experiencia, naturalidad y
gran atractivo físico, con la finalidad de atraer al
consumidor a comprar o consumir el producto
publicitado.
Se utilizan, zonas de escenario alegres y
muy bien iluminados. El que salga una
persona famosa en un anuncio, es un
éxito garantizado segun los estudios de
marketing, ya que se juega con la
popularidad del personaje.

La semiología en la publicidad

La semiología fue definida y estudiada por


Saussure en Ginebra, en 1908, como "la ciencia
que estudia la vida de los signos en el seno de la
vida social", haciéndola depender de la psicología
general y siendo su rama más importante la
lingüística.

Semiología viene las palabras griegas semeion


(signo) y logos (estudio). Por tanto, puede decirse
símplemente que la semiología es el estudio de los
signos.

La semiología es considerada una ciencia joven


que comienza a tener importancia dentro del
análisis teórico de los medios de comunicación
social propios del siglo XX. Interesa más el
funcionamiento de estos signos, su agrupación o
no agrupación en diferentes sistemas, que el
origen o formación de los mismos.

La semiótica se define como la ciencia que


estudia las propiedades generales de los sistemas
de signos, como base para la comprensión de toda
actividad humana. Oficialmente no hay diferencia
entre ambos conceptos, aunque el uso vincule
más semiología a la tradición europea y semiótica
a la tradición anglo-americana. Sin embargo, el
uso de "semiótica" tiende a generalizarse.

El signo es algo muy complejo y abarca


fenómenos sumamente heterogéneos que, por
otro lado, tienen algo en común: ser portadores
de una información o de un valor significativo. El
signo se encuentra compuesto por un significado,
la imagen mental (que varía según la cultura) y un
significante, que no siempre es lingüístico. Puede
incluir una imagen.

Pautas de un anuncio publicitario

Los anuncios tienen diferentes


fases a tener en cuenta, para
hacer efectivo el modo en el cual
se quiere comunicar el mensaje.
Para ello, antes de realizar un
anuncio publicitario hay que
pensar el mensaje que se va a
comunicar y a través de que
medio, (verbal, escrito, etc) y durante cuanto
tiempo. Además, es conveniente, aunque no
imprescindible, seguir algunas pautas:

- En anuncios de productos culinarios, es más


efectivo mostrar el plato completamente acabado,
que no los elementos o ingredientes que lo
forman.
- Si se utilizan personas en el anuncio, se puede
optar por escoger personajes famosos, ya que
incrementan el nivel de captación y atención del
producto publicitado.

- La composición del anuncio, deberá ser lo


mas simple posible, para captar el centro de
atención.

- Los colores que emplearemos en el anuncio


juegan un papel muy importante, porque llaman la
atención y hacen que se fijen en el anuncio.

- Algunos temas de la historia resultan aburridos,


por lo que a veces es mejor optar por animales,
bebés o imágenes de contenido erótico, que
agraden al público.

- En lo que se refiere a modelos humanos, el


rostro nunca se representará más grande de su
tamaño natural.

El orden de lectura de un anuncio


El orden de la lectura de los anuncios, es el
siguiente: Primero la imagen, después el titular,
y por último el texto.

Por este motivo, la imagen se encuentra colocada


siempre en un punto central superior y el titular y
texto, por debajo de ella. Todos estos puntos son
muy importantes para obtener un buen resultado
final.

No obstante, podemos observar toda la


composición en su conjunto, aunque no se
encuentre cada elemento colocado de la forma
más común a su lectura e interpretación, no
quiere decir que sea un proyecto fallido, el
resultado final puede ser victorioso.

Identidad corporativa

La identidad corporativa de una


empresa o marca se define como
un conjunto de atributos y valores
que toda empresa o cualquier
individuo, posee: su personalidad,
su razón de ser, su espíritu o
alma... La imagen que refleje la empresa a través
de la personalidad, la hará identificarse de las
demás, y colocarse en mayor o menor escala. La
propia empresa se dará a conocer a través de sus
propias normas y comportamientos, la cultura de
la empresa.

Todas las empresas, aunque no comuniquen nada,


emiten contínuamente mensajes a su alrededor.
La imagen visual es uno de los medios prioritarios,
que más utilizan las empresas para transmitir y
manifestar su identidad, monstrándola al público.

El comienzo del diseño corporativo: Peter


Behrens fué un diseñador muy reconocido a nivel
mundial. Creó y cambió el estilo gráfico de AEG, en
la ... [ + ]
Criterios para crear un diseño corporativo:
Antes de realizar un proceso de diseño de una
identidad corporativa de una empresa, debemos
tener en ... [ + ]
La cultura corporativa y sus aspectos: La
cultura corporativa de una empresa, es la imagen
que el público tiene de ella. Una empresa, puede
conseguir ... [ + ]
El diseño del producto: Estrategias
colectivas: Las empresas, cuando diseñan
cualquier producto tienen en cuenta dos
estrategias; colectivas e ... [ + ]
Interiorismo y la arquitectura corporativa: El
interiorismo corporativo, son todos los lugares,
espacios donde se anuncian o venden los
productos que ... [ + ]
Crear una identidad corporativa: Para crear
una identidad corporativa de debe planificar y
estudiar la visión estratégica.Transmitir
estímulos ... [ + ]
Comunicación externa: la marca: Muchas
veces sucede que el carácter de una marca no se
proyecta adecuadamente a los difererentes
elementos que forma la ... [ + ]

El comienzo del diseño corporativo

Peter Behrens fué un diseñador muy reconocido a


nivel mundial. Creó y cambió el estilo gráfico de
AEG, en la Alemania de 1907 con su identidad
corporativa. Combinó varios elementos de diseño
gráfico moderno, unificándolo en un solo diseño.
Este relevante diseñador, a parte de crear el
logotipo también adaptó ese logo a todos los
elementos corporativos de la empresa.

Más tarde la Escuela de diseño, arquitectura e


industria "la Bauhaus" fué fundada en 1919, en
Weimar, por Walter Gropius, trasladada en 1925 a
Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. La escuela
Bauhaus surge con el fin unir el arte con la
industria o diseño industrial, con la finalidad de
que los diseñadores tuviesen concoimiento de
ambos temas.

El espiritu y las enseñanzas de esta institución


puede decirse que se extendieron por todo el
mundo.

Escuela Bauhaus
La historia de la identidad corporativa se ha ido
formando a través de las primeras casas
comerciales, Braun y Olvetti, las cuales empezaron
a trasladar la imagen unitaria en todos los
elementos corporativos de la empresa. Estas
marcas, fueron las primeras en resaltar, lo
importante que es tener un logotipo
representativo, para que se reconozca a través de
los medios.
Criterios para crear un diseño corporativo

Antes de realizar un proceso de diseño de una


identidad corporativa de una empresa, debemos
tener en cuenta y estudiar los siguientes puntos:

- Como vamos a mejorar las funciones y


prestaciones a través del diseño y de la estética
externa. Debemos intentar crear un diseño, lo más
bello y ergonómico posible.

- La propia entidad, la empresa, debe abrirse por


si sola el mercado, no perseguirlo.

- Saber señalizar el nivel de costumbre o


adaptación de la identidad que persigue y que
pretende asentar. El producto, por sí mismo, ya
aporta una información.

- La consecución de la imagen que se traslada del


producto. El propio producto tiene su propia
imagen y se clasifica en determinados grupos
dentro de la sociedad de consumo.

Definición de identidad corporativa


corporativo equivalente a asociado, colectivo,
igual... Es un conjunto de elementos unificados
entre ellos. Es decir, todos ellos crean una unidad
total.

Identidad corporativa: Es todo el conjunto de


unidad e igualdad entre todos los elementos que
constituyen una empresa. Es la unidad entre su
perfil interior y exterior.

Diseño corporativo: Definimos como diseño


corporativo la representación física del concepto,
la idea y el conjunto de unidad. El diseño gráfico
es el que se encarga de transmitir la visión de una
empresa a través de sus productos e imagen
corporativa.

La cultura corporativa y sus aspectos

La cultura corporativa de una empresa, es la


imagen que el público tiene de ella. Una empresa,
puede conseguir un buen índice de ventas en el
mercado, e incrementar su volumen de ingresos, a
través de su imagen corporativa, y darse a
conocer por todo el mundo, si transmite una
buena imagen. De la misma manera puede
crearse el efecto contrario, puede llegar a
desaparecer si su imagen no es satisfactoria.

Algunos de los aspectos que debemos tener en


cuenta, a la hora de crear un imagen corporativa,
serán los siguientes: comunicación visual, el
diseño y lanzamiento del producto, interiorismo y
la arquitectura corporativa.

La comunicación visual de la identidad


Este apartado, trata de recoger todas las medidas
gráficas del diseño, a lo que denominamos "El
Manual corporativo de la empresa". En estos
manuales, se desarrolla el diseño del logotipo, los
colores utilizados, el anagrama, la tipografía
utilizada, test de reducción del logotipo, el diseño
y aplicación de todos los elementos corporativos,
tarjeta de visita, sobres, papel de carta, cd Roms,
camisetas, papel de embalaje, cajas etc, todo los
elementos que intervienen tanto a nivel interno de
la empresa como externo.

A este tipo de manuales corporativos también se


les denomina, La biblia del diseño de la empresa.

Una de las primeras marcas que confeccionó su


primer manual de identidad corporativa o
denominados en aquella época, Libros Rojos, fué
la marca Olivetti.
El diseño del producto: Estrategias colectivas

Las empresas, cuando diseñan cualquier producto


tienen en cuenta dos estrategias; colectivas e
individuales.

Las estrategias colectivas: El objetivo principal


de una empresa, son sus productos, a través de
ellos, se materializa la cultura corporativa de la
empresa.
Se diseñan e ilustran los manuales corporativos,
que marcan la normativa siguiendo los
reglamentos del diseño corporativo de la empresa,
con todo esto se da mucho más fuerza e
importancia al producto que se está diseñando.

Es muy importante el capital que se invierte en la


personalización de la empresa y sus productos,
esto hace que la propia empresa transmita un
fuerte sentido de unidad, buena solidez y más
atración al público exterior.
Estrategias individuales
Las estrategias individuales: Estas estrategias,
consisten en captar y reunir a grandes
diseñadores, artistas, famosos etc, cuya imagen
debe suplantar a la de la empresa, que esta
influya en el mercado.

Se escoge a una persona que transmita


credibilidad, y que su perfil encaje con el de la
empresa y sus productos. Esta planificación
supone una gran inversión, para una empresa.
Interiorismo y la arquitectura corporativa

El interiorismo corporativo, son todos los


lugares, espacios donde se anuncian o venden los
productos que fabrica y distribuye una empresa.
Supermercados, grandes centros comerciales,
expositores, stands, etc.

Arquitectura corporativa, este nivel pocas


empresas llegan a plasmarlo o idenficarlo, consiste
en personalizar el edificio que forma la empresa.
Se utilizan dos clases de identificación de un
edificio corporativo, el que se identifica con la
imagen de la propia empresa, o bien con el propio
edificio corporativo.

Estructura de la identidad corporativa


La estructura de una identidad corporativa puede
ser:

- Estructura de marcas: A través de esta


estructura, se trabaja por medio de una serie de
marcas, que pueden ser individuales e
independientes entre si, con la sociedad
- Estructura monolítica: Se utilizan un nombre y
estilo visual únicos en todas sus manifestaciones.

- Estructura de respaldo: Esta clase de estructura


consta de una serie de actividades o empresas a
las que respalda con el nombre y la identidad del
grupo.

Crear una identidad corporativa

Para crear una identidad corporativa de debe


planificar y estudiar la visión
estratégica.Transmitir estímulos sensoriales y
unas comunicaciones que evoquen a esa visión de
identidad.

Actualmente, para llevar a cabo un proyecto de


identidad, se rigen por los siguientes puntos: El
personal interior de diseño, los estudios ajenos del
diseño gráfico, los asesores de identidad
estratégica y de comunicación y por último las
agencias de publicidad.

Lo más importante, es llegar a crear una estética


de empresa, que exprese y transmita el carácter
de la esta, a través de los elementos más
atractivos y característicos, que la identifiquen,
con lo que definiríamos finalmente como su
marca.

El Estilo
El estilo, es una calidad o forma característica, una
manera de expresarse. Los estilos diferencian las
marcas de otros productos y servicios,
estableciendo relaciones entre ellos. Normalmente
los estilos facilitan la distinción de varias líneas de
productos.

La estimulación de un sentido por otro sentido, se


denomina sinestesia, fenómeno que integra
elementos primarios, tales como formas, texturas,
aromas, colores, materiales etc, todo ello expresa
un estilo estético.

Es importante que en todos los diseños que realiza


una persona, se encuentre identificado su estilo,
aunque estos, a veces deban integrarse a las
exigencias de una empresa, siempre quedará
fijado en todos los buenos diseños el estilo de la
persona que los hizo.
Comunicación externa: la marca

Muchas veces sucede que el carácter de


una marca no se proyecta
adecuadamente a los difererentes
elementos que forma la identidad.
Cuando esto ocurre, se dice que se ha producido
un fallo en la proyección.

Estos errores, pueden surgir por muchos aspectos


o elementos. Por ejemplo que no se hayan
seleccionado adecuadamente los elementos que
representaran el carácter de la empresa. Otras
veces, la imagen es correcta, pero la actividad de
la empresa, e incluso la competitividad del
mercado, hace que deba renovarse o adaptarse.

Por este motivo, muchas empresas regidas por


grandes marcas, crean filiales u otra marcas
orientadas hacia ciertos grupos de población, de
este modo no es tan probable que exista un fallo
de proyección.

Definición de marca
La marca, es todo aquello que los consumidores
reconocen como tal. Es un producto dotado con un
aspecto que atrae a los cosumidores, haciendo
que estos sean elejidos, por encima del resto.

El nombre que reciben los productos y


organizaciones es conocido como marca o marca
corporativa. Ante la necesidad de representar
visualmente tal marca, existen los logotipos o
logos, que proporcionan la imagen de la marca
corporativa.

Maquetación

Maquetación, composición de
una página, compaginación de
diferentes elementos. Son
términos diferentes, que se
utilizan para hacer referencia a
una misma cosa; la forma de
ocupar el espacio del plano
mesurable, la página.
Todo diseñador gráfico, cuando inicia su trabajo,
se encuentra con el problema de cómo disponer el
conjunto de elementos de diseño impresos (texto,
titulares, imágenes) dentro de un determinado
espacio, de tal manera que se consiga un
equilibrio estético entre ellos.

Maquetar un diseño consiste en dar un formato a


los documentos, a todo el conjunto de elementos
que lo componen, las imágenes, los textos, etc
Definir el documento: Antes de empezar a
maquetar, en primer lugar debemos definir el
documento. Para definir un documento, lo primero
que debemos hacer ... [ + ]
Clases de retículas: Una vez estudiado y
demostrado que una maquetación realizada a
través del sistema reticular, aporta y favorece la
credibilidad de lo ... [ + ]
Maqueta base o página maestra: Son muchas
las definiciones que se le pueden dar: página
maestra, maqueta base, master, plantilla, etc.
Estamos hablando ... [ + ]
Distribución texto y las imágenes: La
distribución de los espacios y de los diversos
elementos que componen el documento, es una de
las tareas más ... [ + ]
El cuerpo del texto: Algunos expertos afirman
que el orden de lectura de los documentos es de la
siguiente forma: - Titular.- Imagen.- Pies de la ...
[+]
Diferentes clases de formatos: El formato se
define como el tamaño de un impreso, expresado
en relación con el número de hojas que
comprende cada pliego ... [ + ]
Las tabulaciones del texto: Las composiones se
encuentran ilustradas por los textos, las imágenes
o formas. Dentro de todo este conjunto de ...
[+]
Definir el documento

Antes de empezar a maquetar, en primer lugar


debemos definir el documento. Para definir un
documento, lo primero que debemos hacer es
definir el área sobre la cual se desarrollará el
trabajo (el papel).

Exiten dos carecterísticas muy impotantes sobre el


papel: la primera es el tamaño y la segunda la
orientación. Este puede ser horizontal o vertical y
el tamaño puede cambiar entre diversas medidas,
siendo la más corriente y habitual la DIN A4.

Para maquetar los documentos, los profesionales


usan dos herramientas, muy útiles para ellos: el
programa QuarkXpress y Adobe InDesign.

La retícula compositiva

Todos los trabajos de maquetación, deben llevar


una guía a través de una estructura estudiada y
de tamaños fijos. Para ello usamos, la retícula
compositiva, que consiste en una guía en los
elementos de la maquetación en papel, con la
finalidad de conseguir, un orden y estética. Las
retículas se subdividen a su vez en superficies
bidimensionales o tridimensionales, en campos
más pequeños en forma de una reja.

La retícula compositiva, se puede definir como una


plantilla, muy útil, cuando necesitamos componer
un documento con muchas páginas , que tenga un
orden, que sea claro y legible.

El dilema de un diseñador de editorial se


encuentra en cómo encontrar el equilibrio entre el
orden que impone la estructura reticular, y la
necesidad de evitar la monotonía e inyectar una
cierta dosis de creatividad a la maquetación.

Una retícula impone orden, uniformidad y


coherencia. Una página con retícula transmite
estructura y una cierta mecánica, frente a algo
desordenado, desestructurado o caótico.

Clases de retículas

Una vez estudiado y demostrado que una


maquetación realizada a través del sistema
reticular, aporta y favorece la credibilidad de lo
que se está leyendo, expresa orden y nos
translada orden y confianza.

La retícula hace también que, la lectura se efectúe


con mayor rapidez, se visualicen los contenidos a
distancias más lejanas y se retenga con más
facilidad en nuestra memoria la información que
estamos recibiendo.

Retículas simples, de 2 y 4 columnas y de


3 a 6 columnas

Las retículas simples se encuentran casi en todos


los etiquetados, envasados, periódicos, etc.

La retícula de 2 y 4 columnas: Es una retícula muy


utilizada por los diseñadores, ya que les permite
componer una distribución equilibrada, aunque en
alguna ocasión, puedan surgir algunas
composiciones demasiado simétricas.

La retícula de 3 y 6 columnas: Habitualmente se


considera esta retícula como la más acertada para
el diseño de los folletos publicitarios. Proporciona
anchas y columnas muy legibles, y además se
tiene la opción, que la de tres columnas se puede
subdividir a su vez en 6 columnas.
Maqueta base o página maestra

Son muchas las definiciones que se le pueden dar:


página maestra, maqueta base, master, plantilla,
etc.

Estamos hablando de la primera página, donde


aparece el estilo y todas las características ideadas
para toda la publicación. De esta forma, todas las
páginas que forman una revista, catálogo o bien
un libro, tendrán siempre el mismo estilo y
presentación.

Una retícula base, se encuentra compuesta por las


siguientes partes, dependiendo de la composición
que se esté diseñando:

- La orientación del papel.


- El número de columnas y el tamaño de estas.
- La separación existente entre ellas (el medianil).
- El color y formato del texto (tipografía y
tamaño), los titulares, cabeceras, pies de imagen,
etc.
- El uso de las imágenes como fondo en todas las
páginas (marca de agua) y demás elementos
ornamentales, tales como los filetes decorativos,
etc.
El uso de la retícula base
Estas páginas se suelen hacer antes de realizar
una publicación. Se hace en las dos páginas, tanto
en la derecha como en la izquierda, a páginas
enfrentadas para poder observar el resultado final
que tendría todo el conjunto de la publicación.

El diseño de estas plantillas, reduce eficazmente el


tiempo que se tardaría en diseñar la publicación
sin ellas. El resto de las páginas, que se maqueten
posteriores a estas, cogerán automáticamente el
mismo estilo y formato.

Distribución texto y las imágenes

La distribución de los espacios y de los diversos


elementos que componen el documento, es una de
las tareas más importantes a la hora de maquetar.

Habitualmente, se utiliza la antigua práctica de


dibujar sobre papel, es decir, se realizan pequeños
bocetos a grandes rasgos y de posibles
distribuciones del espacio, hasta llegar a escoger
la alternativa más adecuada al diseño.
Los dos elementos que se dispone, en el momento
de maquetar son:

- Los textos: Titulares, bloques de textos,


subtitulares y pies de foto
- Las imágenes: Fotografías, otras ilustraciones y
los espacios en blanco.

Titulares y pie de imagen


El titular de un documento se considera el
ingrediente más importante de una composición,
porque es el primero en el que se fija el lector. Su
labor es captar la atención del público, e incitarle a
que se introduzca dentro del tema.

Normalmente, al titular se le suele dar un tamaño


mayor que el del cuerpo de texto y, de esta forma,
se consigue el efecto que se persigue; captar la
atención del lector de forma inmediata.

El pie de la imagen. Se colocan debajo de las


imágenes aportando una información adicional de
estas. Este texto debe ser breve y que aporte la
información necesaria para identificar la
información sobre la imagen.
El cuerpo del texto

Algunos expertos afirman que el orden de lectura


de los documentos es de la siguiente forma:

- Titular.
- Imagen.
- Pies de la imagen.
- Texto, este en último término si los tres primeros
elementos son intresantes para el lector.

Los pie de las fotografías tienen más importancia


que el texto en muchas ocasiones, por lo que los
elementos de la maquetación deben ser analizados
y estudiados hasta en el último detalle.

Subtítulos, imágenes y espacios


Los subtítulos: se colocan debajo de los títulos
principales, y aportan una información
complementaria a la del primer titular principal.

Los subtítulos, se crearon, por que los titulares


suelen ser muy resumidos y escuetos, y no
aportan toda la información necesaria para captar
la atención del lector.

Las imágenes: son los elementos de la


composición que más atraen la atención del lector,
ya que visualmente son más rápidas y atractivas
de ver que el texto. Estas a su vez, deben
contener la información relacionada con el texto
que las acompaña, ya que de lo contrario,
podríamos confundir al público lector.

Los espacios: Los espacios que se encuentran en


blanco, no significan nada, pero la composición
permite que el texto se lea de una forma más
clara y que la composición produzca un efecto
visual agradable.
Diferentes clases de formatos

El formato se define como el tamaño de un


impreso, expresado en relación con el número de
hojas que comprende cada pliego o indicando la
longitud y anchura de la plana. Todo esto se
resume al espacio que se dispone para realizar un
diseño.

Para escoger el formato que se le quiere dar a un


documento, es preciso observar los márgenes de
este, no es lo mismo diseñar en relación a un
margen superior, que a un derecho o a 4
márgenes.

Los formatos, pueden tener las siguientes


estructuras:

- De una columna: Suele emplearse para libros,


mostrando solo el texto, o sólo una imagen, o bien
una imagen acompañada de texto.

- De dos columnas: Tiene más posibilidades de


combinación entre textos e imágenes, también es
el que se utiliza habitualmente en los libros.

- De tres columnas: Otro formato muy utilizado,


sobre todo para la combinación de imágenes y
textos de diferentes tamaños, se utiliza mucho en
publicaciones.

- De cuatro columnas: La utilizan habitualmente


periódicos y revistas. Facilitan mucho la
composición cuando existe mucho texto.
Los márgenes

En un documento existen cuatro márgenes: el


margen superior, el inferior, el interior y el
margen exterior.

La medida de estos márgenes no es fija en ningún


caso, aunque en el campo de autoedición o
maquetación de profesionales, estos por defecto
presentan unos márgenes predefinidos para cada
clase de publicación que realizan.

Si se quiere aplicar una buena medida, es posible


aplicar la regla aurea que se explicó con
anterioridad, o bien la siguiente norma que
consiste en:

1- Aplicar un espaciado al margen superior


2- El 0,75 de este, se lo aplicaremos al margen
interior.
3- El doble del margen interior, se lo aplicaremos
al margen exterior
4- El doble del margen superior, al margen
inferior.
Las tabulaciones del texto

Las composiones se encuentran ilustradas por los


textos, las imágenes o formas. Dentro de todo
este conjunto de ilustraciones, se debe tener en
cuenta la alineación del texto:

- Alineación del texto a la izquierda: Es la forma


más natural y recomendada, pra textos largos.
Crea una letra y un espaciado entre palabras muy
uniforme y facilina la lectura de los documentos.

- Alineación del texto a la derecha: Esta forma


dificulta mucho la lectura, por lo que se aconseja
que use, para textos pequeños y poco extensos.

- Alineación del texto justificado: El texto resulta


más legible, si los espacios entre letras y palabras
son uniformes, y si los huecos que normalmente
deja la justificación no entorpecen la lectura del
documento.

- Alineaciones centradas: Son ideales para textos


muy cortos, por ejemplo para frases célebres,
poemas, citas etc.

- Alineaciones asimétricas: Se utilizan para dar a


la página un aspecto más expresivo, son muy
atractivas, pero muy costosas de leer en grandes
extensiones de texto.

Trabajar con imágenes


Incluir imágenes o ilustraciones en nuestros
documentos proporciona mucha fuerza a los
mismos, con el aporte de belleza, dinamismo y
atención para los lectores.

La colocación de las imágenes y su tamaño


respecto al texto, puede hacer que varíe el orden
de lectura de un documento. Por este motivo, es
importante tener en cuenta el número de
imágenes, su tamaño y la colocación de las
mismas, a la hora de diseñar la retícula
compositiva.

Una forma muy utilizada y acertada es la de


componer formas asimétricas a través de las
imágenes, rompiendo a su vez la monotonía de las
composiciones.
Fotomecánica e impresión

La fotomecánica es el
procedimiento de impresión
obtenido a base de clichés
fotográficos, siendo un cliché una
imagen fotográfica, realizada
mediante la cámara oscura.

Dentro del procedimiento de la


fotomecánica, interviene el
fotolito. Definimos el fotolito, como
una película positiva que sirve
para inciar el proceso de la impresión en offset,
hace de sustituto del cliché.

De una forma más clara y quizas senzilla,


definiríamos la fotomecánica como el proceso de
separación de los cuatro colores básicos (cyan,
magenta, amarillo y negro), cada uno de ellos con
su porcentaje. En el proceso de fotomecánica se
obtienen cuatro positivos, uno diferente para cada
color, y una prueba de color que se utilizará
posteriormente al proceso de impresión.

Sistemas de Impresión: Gracias a las nuevas y


modernas tecnologías en impresión, el diseño
gráficopuede afrontar grandes retos. El proceso de
impresión ... [ + ]
Técnicas de impresión: El proceso de impresión,
se basa en la obtención de las páginas o pliegos
impresos, según la maqueta. Para reproducir el
número de ... [ + ]
Escaneado de originales: Cuando hablamos de
escaneado o de realizar la digitalización de un
original debemos tener en cuenta los siguientes
elementos: La ... [ + ]
Digitalización: profundidad de bit por píxel:
El bit es la cantidad de información binaria que
conforma una imagen. La profundidad de bit
define la ... [ + ]
El escáner: Los escáneres, funcionan utilizando el
principio básico de la transferencia de la luz. Se
coloca en la superficie de cristal del escaner, la ...
[+]
Definición y carácteristicas de los tipos de
escáneres: Escáneres domésticos: Esta clase de
escáners tienen una área de lectura de unas
dimensiones ... [ + ]
El escáner de Tambor: El escáner de tambor ha
sido tradicionalmente el dispositivo de
reproducción electrónica de imágenes y
posteriormente de ... [ + ]
Filmación, los fotolitos: Las pruebas de color
son simulaciones de impresión que se obtienen a
partir de los fotolitos ya filmados en cuatricomía (a
... [ + ]
Tipos de tintas: Para la elección de las tintas y
los colores adecuados para cada tipo de trabajo
deberemos conocer las características de cada
tinta, y ... [ + ]
Gama de tonos Pantone: Actualmente, para la
impresion de trabajos profesionales se emplean
tonos PANTONE, y si a su vez se emplea la tinta y
el color ... [ + ]
Resolución: La resolución y la lineatura de una
filmación definen el grosor del punto, en que se
filman las tramas. Una trama es la transformación
de la ... [ + ]
La rotativa: La rotativa, se utiliza para crear una
plancha por el proceso de filmación, serigrafía o
por técnicas digitales. De esta forma la impresión
de ... [ + ]
La tipografía: Es un proceso de impresión en
relieve, la superficie donde se encuentra la imagen
imprimible se eleva sobre el fondo sin dibujo ...
[+]
El huecograbado: El huecograbado se utiliza
desde mucho tiempo antes de que surgiera la
invención del grabado moderno, donde las
imágenes se tallaban en ... [ + ]
Flexografía: Deriva de la tipografía y utiliza
planchas fleixbles y tintas fluidas que secan por
evaporación. Las formas están hechas de caucho o
... [ + ]
La serigrafía: Es una técnica muy empleada de
impresión en publicidad. Puede ser de dos formas
en función de la superficie a imprimir: plana o ...
[+]
El grabado y el transfer: El grabado es uno de
los métodos mas utilizados para la impresión de
pequeñas superficies no planas (juguetes,
maquetas ... [ + ]

Sistemas de Impresión

Gracias a las nuevas y


modernas tecnologías en
impresión, el diseño
gráficopuede afrontar
grandes retos. El proceso de
impresión más utilizado hoy
en dia es el OFFSET.
Un diseño, desde que se crea y se imprime en
papel, sigue unos determinados pasos, tales
como: preimpresión, impresión y, finalmente, la
encuadernación (en muchos casos).

La preimpresión.
La fase de preimpresión, consiste en optimizar el
trabajo. Esta tarea se realiza mediante el
escaneado, filmación, las pruebas de color, etc.

Primero debemos obtener los textos a imprimir,


asegurarnos que tengan las características de
estilo, tamaño, tipo,... adecuados y que ocupen el
lugar previsto. Luego recogeremos las imágenes
aportadas por el cliente, optimizándolas para el
trabajo al que van destinadas, modificando sus
medidas, formato y contenido, obteniendo las
imágenes finales sobre el soporte adecuado.

En el siguiente proceso, se ensamblan los textos y


las imágenes en páginas completas, y estas en
pliegos para adaptar el conjunto a la forma
impresora.

Finalmente se obtienen los fotolitos con las


imágenes y los textos ensamblados, y la obtención
de las formas impresoras (planchas, pantallas,
clichés,...).

Presentación de un fotolito
Técnicas de impresión

El proceso de impresión, se basa en la obtención


de las páginas o pliegos impresos, según la
maqueta. Para reproducir el número de copias que
deseamos, utilizaremos uno de los siguientes
sistemas de impresión:

- Sistema de Impresión Offset: son máquinas


de pliegos o rotativas con uno o más colores y que
utilizan planchas preparadas.

- Sistema de Impresión por Huecográfica en


rotativas utilizando cilindros grabados.

- Sistema de Impresión flexográfica en


rotativas o en máquinas de pliegos para el cartón
por medio de clichés de fotopolímero en diversos
soportes: papel, cartón, plastico, ...

- Impresión por serigrafía: este sistema se


realiza a a través de unas pantallas de tela sobre
diversos soportes.

- Impresión digital con una forma impresora


variable sobre papel.

En estos procesos, de impresión se realizan con


equipos que utilizan varias técnicas y soportes. Es
muy importante tener en cuenta el control de
parámetros tales como, viscosidad, tiro, y color de
la tinta, espesor, porosidad, encolado y otros del
papel, registro, densidad, trapping, ganancia de
impresión, ...

La postimpresion: encuadernación
La otra fase del proceso gráfico la Postimpresión.
En esta etapa se realizan las siguientes
operaciones:

- La encuadernación industrial de libros en rústica


o en tapa dura.

- La encuadernación de alto prestigio y lujo o con


algunos elementos mecánicos auxiliares,
recuperando libros defectuosos de las lineas de
encuadernación.
Estos procesos se realizan, a través de equipos
adecuados dentro de las lineas de encuadernación,
de guillotinado, o bien de libros o revistas. Es
importante regular los parámetros tales como, la
viscosidad, temperatura, dirección de fibra,
humedad relativa, presión, etc.

Escaneado de originales

Cuando hablamos de escaneado o de realizar la


digitalización de un original debemos tener en
cuenta los siguientes elementos: La resolución,
halftone, bit, interpolación y digitalizador.

La resolución de una imagen

La definición de resolución está muy relacionada


con la calidad de la imagen, ya que se determina
el número de muestreos de la imagen por unidad
de superficie, a mayor número de muestreos
mayor detalle. La resolución, es la densidad de
puntos o píxeles de una imagen y se mide en
puntos por pulgada (ppp o ppi en inglés).

En las dos imágenes siguientes se puede observar


como influye la resolución, según los píxeles por
pulgada y la calidad de la visualización de la
imagen.

Halfatone

Halfatone: Una imagen es halftone si para su


reproducción utiliza una matriz de puntos que dan
impresión de tono contínuo.

Interpolación: Es el método por el cual, el


escaner aporta una mayor resolución de la que es
capaz ópticamente. Podemos definirlo también
como la repetición de los píxeles que el escáner
capta de forma óptica.

Digitalizador: Es el dispositivo que convierte los


datos analógicos a digitales.
Digitalización: profundidad de bit por píxel

El bit es la cantidad de información binaria que


conforma una imagen. La profundidad de bit
define la cantidad o gama de colores y tonalidades
que poseerá la imagen digital, ya sea en color o en
blanco y negro, determinada por la cantidad de
información (bit), que se le asigna a cada píxel
durante la fase de digitalización.

Podemos visualizar la profundidad del bit entre


varias imágenes.
El escáner

Los escáneres, funcionan utilizando el principio


básico de la transferencia de la luz. Se coloca en la
superficie de cristal del escaner, la imagen a
digitalizar, enfrentada al bloque lector y al cabezal
lector compuesto por el CCD, el sistema de
iluminación y un conjunto de lentes se desplazan
barriendo la imagen.

La luz reflejada, se convierte en energía eléctrica


por los sensores, y la velocidad del movimiento del
cabezal lector es la que proporciona una mayor
resolución. Cuanto menor sea la velocidad del
lector, más información se extraerá de la imagen
digitalizada.

Tipos de escáneres
Existen diferentes tipos de escáneres:

- Escáneres planos
- Escáneres domésticos
- Los semiprofesionales
- Escáneres profesionales
- De transparencias
- Escáneres de mano
- Escáneres de tambor
- Digitalizadores de vídeo
- Cámaras digitales

El escáner plano

Escáner plano o de sobremesa, es uno de los más


utilizados. Normalmente se suelen utilizar para
escanear imágenes o textos planos aunque
también para objetos tridimensionales.

Definición y carácteristicas de los tipos de escáneres

Escáneres domésticos: Esta


clase de escáners tienen una
área de lectura de unas dimensiones de 22 x 28
cm, y una resolución real de escaneado de 300 a
400 ppp. No obstante, por interpolación pueden
llegar a resoluciones de hasta 1600 ppp.

Escáneres semi-profesionales: Son


prácticamente iguales que los escáners
domésticos, con la excepción de que la resolución
real u óptica de los semi-profesionales, alcanza los
1200 ppp, y con una resolución interpolada de
2600 ppp.

Escáneres profesionales: Estos escáneres son


los denominados planos y suelen competir con el
escáner de tambor. Se diferencian de los semi-
profesionales en los sistemas de eliminación de
ruido electrónico, alto rango dinámico y altos
niveles de resolución.

Escáneres de transparencias: Son los que


permiten escanear varios formatos de película
transparente, sea negativa, positiva, color o
blanco y negro.

Su tamaño de escaneado va desde el 35 mm.


hasta placas de 9x12 cm. También existen
escáners multiformato que acogen todas las
medidas.

Escáneres de mano: Tienen poca resolución y


hay que tener buen pulso para que la lectura sea
correcta. Porporcionan una resolución máxima de
hasta 400 ppp y un área de escaneado de 9 x 12
cm.

El escáner de Tambor

El escáner de tambor ha sido tradicionalmente el


dispositivo de reproducción electrónica de
imágenes y posteriormente de digitalización.

Hoy en dia sigue siendo el sistema de más calidad


y resolución sobre todo para la realización de
ampliaciones.

Partes de escáner de Tambor


Dan una resolución de hasta 4000 ppp, pueden
reconocer originales opacos o transparentes y
utilizan un cilindro de cristal donde se coloca el
original. Un sistema de transmisión fotomecánico
recorre la imagen punto por punto, obteniendo así
una gran resolución. Produce y devuelve una
imagen con colores primarios, pero ésta puede ser
convertida en CMYK, mientras el lector recorre la
imagen.

Montaje de originales en el cilindro de


exploración
Los originales (opacos y transparentes) se colocan
en la superficie del tambor de exploración, si se
trata de diapositivas, se puede añadir en la cara
de contacto del original y el tambor un aceite,
denominado anti - anillos de Newton; es muy
importante realizar una limpieza a fondo del
cilindro de exploración.

Definimos anillos de Newton ,como el efecto óptico


consistente en la formación de anillos concéntricos
de diferentes colores, que aparece al superponer
dos materiales plásticos. Aparecen en función de
la humedad o temperatura ambiente, así como del
tipo y calidad de los materiales.

Filmación, los fotolitos

Las pruebas de color son simulaciones de


impresión que se obtienen a partir de los fotolitos
ya filmados en cuatricomía (a cuatro colores).

Esta clase de prueba cuenta con gran precisión y


fiabilidad, ya que parte de los mismos fotolitos que
se emplearán posteriormente en la imprenta.

La filmación es un proceso que consiste, en


imprimir un documento en un fotolito a través de
una filmadora y un proceso fotográfico.

Los fotolitos son imprescindibles en cualquier


tarea o trabajo de imprenta que desee hacerse a
gran calidad y que contenga varios colores. Los
fotolitos son unas transparencias donde aparece la
imagen en alta resolución.

El fotolito en tinta plana y por cuatricomía


Existen varias maneras de filmar para imprimir en
color: tintas planas y cuatricomía. La cuatricomía,
obtiene las impresiones a partir de cuatro
fotolitos, cada uno de los cuatro colores básicos
(Cyan, Magenta, Amarillo y Negro).

En el caso de las tintas planas, sólo se utiliza un


fotolito para cada uno de los colores planos que se
deseen obtener.

Para preparar un documento correctamente para


su filmación, se deberá tener en cuenta el empleo
de las tintas.

Actualmente esto no supone


ninguna complicación ya
que en todos los utensilios
informáticos, existe la opción
de seleccionar el
modo de color CMYK.
Tipos de tintas

Para la elección de las tintas y los colores


adecuados para cada tipo de trabajo deberemos
conocer las características de cada tinta, y cual es
la mas adecuada para la clase de impresión.

A parte de la tinta habitual CMYK o CMAN,


podemos encontrar: RVZ, MSB o MSD, LAB, MUTI-
INK, DIC, FOTOCOLTONE, PANTONE, TOYO,
TRUEMACH y MEDIO-TONO.

- RVZ es la síntesis aditiva, la suma de los tres


colores, dan como resultado el blanco y se utiliza
normalmente para trabajos que serán visualizados
únicamente en pantalla.

- MSB o HSD es otro modo matemático de


calcular el color, trabaja en base a los conceptos
Matiz (Color actual), Saturación (Pureza de un
color, cuanto más grises contiene un color, menor
es su saturación.) y Brillo (Claridad-oscuridad en
el color).

- LAB, sigue el criterio de la luminosidad, trabaja


entre los rangos de colores: 1 (que va del rojo al
verde) y el 2 (que va del azul al amarillo).

- MULTI-INK, este sistema permite conseguir


cualquier color de cuatricomía a partir de colores
planos.

- MEDIO-TONO descompone la imágen en


configuraciones de puntos de tamaño variable.
Este proceso se realiza para que la impresión de la
tonalidad de los colores, sea posible.

- TOYO y PANTONE, son dos catálogos de tintas


planas.

- FOCOTONE o TRUEMATCH, es un catálogo de


750 colores con tonos conseguibles por el sistema
de cuatricomía.
Gama de tonos Pantone

Actualmente, para la
impresion de trabajos
profesionales se emplean
tonos PANTONE, y si a su
vez se emplea la tinta y el
color acorde a la gama, los
resultados son óptimos. De
esta forma, si se quiere
imprimir desde otro lugar, los colores serán
exactamente iguales, ya que hablamos de colores
fijos.

Clases de gama pantone


Dentro de la gama de las tintas PANTONE,
podemos encontrar de diferentes tipos, cada una
para cada clase de papel.

Relacionamos, algunas de ellas:

- Pantone Solid Coated, se emplea para papel


Couché (El de revista).

- Pantone Solid Mate, se utiliza sobre papeles


mate, sin brillo.

- Pantone Solid Uncoated, adecuada para papel


no Couché.

- Pantone Pastel Uncoated, son colores pastel


para papel no Couché.
- Pantone Metálic Coated, estos colores
tienen un efecto metálico y se utilizan en papel
Couché.

- Pantone Solid to Process Coated, permite


conseguir esos colores mediante cuatricomía.

- Pantone Solid To Hexacrome Coated, esta


combinación hace una filmación de las imágenes
de alta calidad y utiliza dos tintas adicionales al
CMYK, naranja y verde o magenta claro y cian
claro.

Resolución

La resolución y la lineatura de una filmación


definen el grosor del punto, en que se filman las
tramas.

Una trama es la transformación de la imagen de


continua a discontinua, para que mediante la
impresión por cualquier procedimiento, se consiga
la gradación de las diversas tonalidades, a pesar
de recibir toda ella una capa del mismo espesor.

La unidad de medida lineal utilizada para la


resolución de las imágenes, son los píxels por
pulgada (p/p) o por centímetro, que indican los
píxels o celdas por pulgada lineal. Cuanto mayor
sea la resolución mayor será la calidad de la
imagen, pero también ocupará mayor volumen de
información. La resolución óptima de las imágenes
para su posterior impresión es de 300 p/p o 120
p/cm.

Lineatura y trapping
La lineatura es la densidad de la trama de
semitonos y el trapping indica el grado de
aceptación de una tinta sobre otra impresa
anteriormente y todavía húmeda, en la impresión
multicolor simultánea.

La lineatura se mide en líneas por pulgada (lpi o


lpp). Cuando mayor es la Lineatura, el punto es
menor, y esta exige una alta resolución por parte
de la filmadora.

Tramar las imágenes es una necesidad por la


limitación de la impresión, para poder conseguir el
efecto óptico de una imagen de tono continuo.

La rotativa

La rotativa, se utiliza para crear una plancha por


el proceso de filmación, serigrafía o por técnicas
digitales. De esta forma la impresión de los pliegos
de papel se hace por medio de unas maquinarias
de impresión circular (cilindro contra cilindro) y
que admiten papel de bobina.

Se utiliza mucho para la impresión de diarios,


sobre todo en grandes tiradas de offset.

En los rodillos se depositan los colores que


componen la cuatriomía y se disponen
paralelamente desde una bandeja de entrada de
los pliegos de papel, pasando por los rodillos de
estampación y finalizando en la bandeja de salida.

Engranajes de una rotativa

La tipografía

Es un proceso de impresión en relieve, la


superficie donde se encuentra la imagen
imprimible se eleva sobre el fondo sin dibujo.

Esta superficie elevada, se entinta a través de


unos rodillos y se presiona finalmente sobre el
papel para lograr la impresión. El fondo, en un
plano inferior al de la zona impresa, no toma
contacto con los rodillos.

La tipografía tradicional, imprimía todo el texto


con tipos de metal y las ilustraciones con
grabados, estos elementos se unen para formar en
el interior una moldura rígida que se introduce en
la prensa.

Los elementos impresores, son en forma de


relieve, y están formados por letras individuales,
sueltas o líneas bloque, lineas, filetes, grabados,
etc. En la antiguedad había dos formas para
duplicar los moldes: la estereotipia (utilizada para
la impresión de periódicos y de libros de bajo
coste) y la galvanotipia (que permitía duplicar un
molde tipográfico, a cambio de una cascarilla que
se rellenaba de plomo o plástico.

Rotativa tipográfica
Clases de máquinas tipográficas
Pueden ser de varios tipos:

- De presión plana: El molde y el papel son


superficies planas.
- De presión planocilíndrica: El molde es plano y el
papel se enrrolla a un cilindro, el cual ejerce la
presión sobre el molde.
- De presión cilíndrica: El papel va en bobinas y la
impresión es contínua, se reconoce con el nombre
de rotativas.

El huecograbado

El huecograbado se utiliza
desde mucho tiempo antes de
que surgiera la invención del grabado moderno,
donde las imágenes se tallaban en planchas y se
imprimían en prensas de lecho plano

Puede ser de dos tipos, en pliegos o de bobinas, el


primero se utiliza para libros y fotografías de gran
calidad, mientras que el de bobina se utiliza para
tiradas largas de revistas o catalógos.

La forma del huecograbado, tiene las zonas


impresoras en hueco con respecto a las no
impresoras. Para poder recoger la tinta líquida de
impresión, éstas zonas impresoras están formadas
por celdillas, similar a un panel de abejas,
denominadas alveolos.

La calcografía
Dentro del huecograbado, encontramos la
calcografia, es decir todos los procedimientos
manuales y químicos de grabado con planchas de
cobre o cinc.

Es un proceso mediante el cual se imprime con


prensas calcográficas, una especie de planchas
grabadas en hueco. Las formas de impresión
pueden ser manuales, (xilografía) o realizadas por
incisiones químicas (aguafuerte, aguatinta).

Las formas calcográficas pueden ser:

- Planas: se obtienen por grabado manual o


químico, y se emplean en la impresión calcográfica
con tintas grasas consistentes.
- Cilíndricas: Son cilindros con una capa
electrolítica de cobre que se graba con los
procedimientos de formas en hueco

Flexografía

Deriva de la tipografía y utiliza planchas fleixbles y


tintas fluidas que secan por evaporación. Las
formas están hechas de caucho o fotopolímeros, y
la imagen se encuentra en relieve al igual que en
el sistema tipográfico.

El sistema de impresión flexográfico es directo,


esto quiere decir que la plancha flexográfica una
vez entintada, transfiere directamente la tinta al
soporte, por ello cuando vemos esta plancha
observamos que los textos de la imagen se leen al
revés para que en el soporte impreso se lean
correctamente.

Las planchas tienen un área en alto relieve que


imprime directamente sobre el sustrato con una
ligera presión denominada "presión al beso". A
diferencia de las pesadas planchas metálicas
empleadas por la imprenta en sistema offset, las
planchas flexograficas son adaptables y
desplazables.

Cliché flexográfico

Muchos libros de bolsillo se imprimen mediante el


procedimiento flexográfico. Este sistema de
impresión, se encuentra muy utilizado por el
packaging, en especial por los envases de "Tetra
bick"

La serigrafía
Es una técnica muy empleada de impresión en
publicidad. Puede ser de dos formas en función de
la superficie a imprimir: plana o cilíndrica.

La plana imprime desde pequeños formatos, hasta


vallas publicitarias, carteles etc. La cilíndrica se
utiliza para la decoración de envases, botellas,
latas, etc.

El resultado final a imprimir, servirá de negativo


para la grabación de las pantallas, (El fotolito) del
mismo modo que en la filmación ofsset.

Los bastidores donde se aplica la emulsión, se


denominan pantallas. Las mismas pantallas
dosifican la tinta mediante un sistema de regleta o
rasqueta que presiona a la tinta para que esta
circule por la zona de imagen de la pantalla.

Impresión offset
La impresión se realiza mediante unas planchas
tratadas que se encuentran situadas sobre unos
cilindros, dos por cada color (Cian, Magenta,
Amarillo y Negro) dando lugar a una impresión a
color a dos caras.

El offset, se basa en el principio físico de repulsión


agua-aceite y no se mezclan, por eso el método
usa tinta con base de aceite y agua. Los
elementos impresores aceptan la tinta grasa y
rechazan el agua, y los blancos rechazan la tinta y
aceptan el agua.
La imagen a imprimir, una vez es colocada en la
placa, recibe la tinta y el resto absorbe el agua,
así la imagen entintada es transferida al otro
rodillo, que lo transfiere al sustrato.

El sistema offset es el más utilizado por los


impresores por la combinación de buena calidad y
economía.

El grabado y el transfer

El grabado es uno de
los métodos mas utilizados para
la impresión de pequeñas superficies no planas
(juguetes, maquetas, elementos de merchandising
de pequeño tamaño, etc.)

Usan un sistema de placas metálicas, de 10 x 10


cm con un topolímero (elemento sensible a la luz).
La impresión tiene lugar con máquinas que
emplean un tampón especial de caucho, que pisa
la placa previamente entintada.

El transfer es un procedimiento muy reciente,


que consiste en aplicar un calco por efecto del
calor, previamente impreso, sobre superficies
únicamente textiles.

La impresión digital: plotters


La impresión digital ha crecido de una forma
asombrosa en los ultimos años, por la creciente
demanda sobre trabajos de grandes dimensiones,
por la calidad y la eficacia en el servicio.

Las impresoras de inyección de tinta, las


impresoras láser y los plotters son considerados
elementos habituales para los diseñadores.

Estas máquinas tienen la capacidad de incluir


nuevas tintas: gris, plateado, dorado etc. Para dar
unos nuevos e innovadores matices a las
imágenes y mejorar las gradiaciones.

La superficie de impresión es el papel. El tamaño


oscila desde el DIN A-4 hasta el B0+ (más de un
metro), y un grosor de hasta 15 cm.

Impresión digital de gran formato