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Formas teatrales

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Formas teatrales

Drama:
Drama (del griego , hacer o actuar) Suele llamarse "drama" únicamente al que incluye elementos, especialmente cuando tiene el llamado "final trágico", pero el término abarca también las obras cómicas...De hecho, desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) el drama incluye la tragedia y la comedia. Posteriormente, el drama se divide en géneros realistas y géneros no realistas; entre los primeros quedaron inscriptas la tragedia y la comedia ya existentes agregándose en el siglo XX la pieza y, entre los segundos, el melodrama, la obra didáctica y la tragicomedia, reconocidos como tales desde el Renacimiento. Además, a esto se suma la farsa considerada como género imposible. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro, siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos, formando parte entonces, de lo que se considera como género literario, siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje, la ausencia de un mediador entre el mundo creado o realidad ficticia y el lector, su posibilidad virtual de ser dramatralizado, etc.

Dramatización:
Es la acción y efecto de dramatizar. Este verbo, a su vez, hace referencia a dar forma y condiciones dramáticas o a exagerar con apariencias afectadas, de acuerdo a lo señalado por el diccionario de la Real Academia Española (RAE). Una dramatización es, en general, una representación de una determinada situación o hecho. Lo dramático está vinculado al drama y éste al teatro, por lo que una dramatización puede ser tanto trágica como cómica. Las dramatizaciones ayudan a la creatividad del actor que representa una escena y al espectador que puede vincular dicha representación con la vida real. En este sentido, las dramatizaciones pueden ayudar a comprender la realidad ya que suponen un recorte específico de situaciones verídicas. La psicología suele apelar a las dramatizaciones para que los integrantes de un grupo terapéutico puedan expresarse sin inhibiciones y proyectar sus sentimientos y creencias. La dramatización, de esta manera, ayuda a ensayar soluciones ya que la representación puede asemejarse a las situaciones reales.

Teatro Kabuki
El término significa "extraordinario" y se utiliza para designar a un género teatral japonés que alterna el diálogo, la danza y la música. Es una de las formas antiguas de teatro japonés, junto con el teatro Noh, el Bunraku etc...El Kabuki fue creado al final del periodo Edo, durante el Siglo XVI. Contrariamente a lo que se nos tiene acostumbrado, el Kabuki era un arte contemplado tanto por las clases altas como por las clases más bajas de una sociedad que, como la japonesa, estaba claramente dividida.

tanto budistas como shintoístas.Teatro de marioneta: Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco de trapo. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. por último. aunque también se interpreta como ³realización´. según creen los lingüistas [cita requerida]. tendencias.El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. emociones. peso. chillona y falsa. al mismo tiempo que movían los muñecos. Teatro isabelino: . el Noh conserva influencias de antiguas fiestas de Japón provenientes de la religión Shinto[1]. vacilación. llamadas kagura y shushi. entre otras.Por estos elementos pedagógicos. respectivamente. madera o cualquier otro material. por el ti-ti que hacían los actores con un pito. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. Estas ceremonias primitivas fueron la base para la constitución de este tipo de teatro. Se suele usar indistintamente el nombre de marioneta y el de títere. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. eso es una elección estilística. fiestas musicales combinadas con actos juglarescos llamados sangaku o sarugaku. y no una condición sine qua non del mimo corporal. y. resistencia y sorpresa. En esto se diferencia de la pantomima. une marionette era un clérigo que en las representaciones religiosas donde aparecía la Virgen. que reciben el nombre de imayo y kusenai. rituales o ceremonias esotéricas. todas ellas influenciadas por las doctrinas del budismo Zen. cantos populares interpretados por profesiones. En francés. Su nombre significa literalmente ³talento´ o ³habilidad´. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. La palabra marioneta indica sobre todo el habla de estos personajillos. la poesía. El teatro Noh: El teatro Noh es la más antigua expresión teatral existente en Japón. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. Además. La palabra títere es onomatopéyica. En este medio. Mimo corporal: El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico revivido por Étienne Decroux (1898 . En este tipo de representación se sincronizan la danza. salvo los personajes malvados que hablan con voz grave pero igualmente falsa. dudas. Las marionetas hablan siempre con una voz aguda. danzas en conmemoración del cambio de las estaciones o dengaku. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. que son. usado para representar obras de teatro. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. pensamientos. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. la recitación coral y la mímica.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. que data desde la antigüedad griega y romana. aportaba su voz haciéndola aguda para que pareciese femenina.

tal como lo demuestra el título que reúne toda su producción teatral: Máscaras des nudas. Constituido desde siempre por compañías ambulantes que viajaban de ciudad en ciudad. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. el adulterio (el triángulo marido-mujer-amante es un esquema recurrente). incluyendo el de su sucesor. . Pirandello introdujo también la innovación técnica del ³teatro en el teatro´. hablándose entonces de "teatro jacobino". que no existe una compañía establecida en una determinada ciudad. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I (‚ 1625). tanto en su aspecto técnico como de contenido. Como en la nueva novela. alrededor de 1950. que revolucionó la forma dramática tradicional. ideológicos y geográficos ( es curioso observar que los más importantes autores vanguardistas han nacido fuera de Francia. Este autor arranca la máscara detrás de la cual cada uno defiende sus propias convicciones. aún hoy el sistema teatral italiano se basa sobre el mecanismo de la ³tournée´. las relaciones sociales y la incomunicabilidad. con el pasaje de la máscara de la comedia del arte al personaje ³caracterizado´. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra Ubú rey de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896±1948) con su libro El teatro y su doble.El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra ([reina desde 1558 hasta]-1603). El Teatro de vanguardia: es un movimiento teatral que surge paralelamente a la antinovela o nueva novela. Teatro italiano: El teatro italiano tiene raíces remotas: sus orígenes se remontan a la cultura latina y griega. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. y eran muy pocos los que conocían el italiano. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. Los temas de este tipo de obras son la familia. en Francia. no puede hablarse de escuela o de movimiento.Después de 1861. e incluso más allá. En Italia. Pero fue Pirandello (1867-1936) quien imprimió el verdadero gran cambio del teatro italiano. escondiendo su verdadera identidad. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). Carlos I. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. la comedia tuvo su último gran autor en Goldoni. los ciudadanos de la Italia unificada utilizaban aún principalmente los dialectos. llevando al absurdo los roles impuesto por la sociedad burguesa. es decir.En la segunda mitad del siglo XIX se afirma cada vez más el drama burgués. y desnuda la verdad. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (15641616).

artísticos y sociales. tal y como sucedía en el teatro de Giraudoux. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. el teatro del absurdo no es un movimiento o una escuela y los autores presentan un panorama heterogéneo. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. escribir. 1950 y 1960 y. Anouilh. el que surgió a partir de la obra de aquellos. que se define por la experimentación y búsqueda permanente de un lenguaje teatral universal que escapa a las fronteras de la palabra para profundizar en las posibilidades expresivas del cuerpo.Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. escuchar o hablar sino. las antipiezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. El teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. sustentado siempre en los impulsos verdaderos generados por los estados emotivos del alma. el arte dramático y otras. en la habilidad de comunicar. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. En lugar de personajes bien caracterizados. desde un enfoque global.Sin embargo. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. el fomento de la creatividad. Y lo que es más importante. sobre todo. la didáctica de las lenguas. en general. psicomotores. integrando elementos de . la expresión artística o la educación emocional. Teatro del absurdo : es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos durante las décadas de 1940. perceptivos. la semiótica teatral. Teatro físico: El Teatro Físico es un género teatral contemporáneo. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. Teatro en la educación: El teatro en el ámbito de la educación forma parte de las técnicas pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de expresión y comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las habilidades lingüísticas de leer. la expresión corporal. Se nutre de diferentes técnicas corporales en la preparación de sus actores. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria.Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. Sartre y Camus. el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras Tomando como punto de partida lo absurdo de la vida. la animación lectora. La incoherencia. visto de forma palpable y no como evocación.

aunque con efectos cómicos protagonizados. que tiene un objetivo que perseguir (el amor. debido a que los actores que las interpretaban vestían atuendos de piel de cabra.La tragicomedia como género dramático surge en la transición al renacimiento. el final será negativo. Tragicomedia: La Tragicomedia es un subgénero dramático que mezcla elementos trágicos y cómicos. fundamentalmente. Lope se niega a obedecer las unidades.otras disciplinas como la danza. las artes marciales. La tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe tragicómico. Sófocles y Eurípides. es decir que parece que lo acercan cada vez más a su objetivo. etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una serie de obstáculos para llegar a su fin. el yoga. por generar una catársis en el espectador. la ambición. inexpugnable e inevitable contra el destino o los dioses. moviéndose casi siempre (recordemos la "Orestiada" de Esquilo que tiene una reconciliación al final) hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. el final será positivo y alcanzará su objetivo. Su creador fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro aristotelico. y contra la cual se rebela con orgullo insolente o hybris. meditación dinámica. la justicia. y se presenta ya muy clara en Shakespeare en Inglaterra y en una gran cantidad de obras del Siglo de Oro Español. También existen las tragedias de sublimación.según Aristóteles. en anunciado siempre por diversos oráculos. el sino.[1] Las tragedias acaban generalmente en la muerte o en la destrucción física. El taller está destinado a intérpretes (de danza o teatro) que deseen redescubrir la intensidad de acto interpretativo. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. como es el caso de Antígona de Sófocles. etc. Se le nombró así desde la Celestina ante la imposibilidad de ubicar a este tipo de obras dentro de los dos grandes géneros conocidos (tragedia y comedia) no porque fuera una mescolanza de ambos. la fatalidad. un trono. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frínico. entonces se crea la tragicomedia. que más que obstáculos son como pruebas superadas. potenciar su energía físico -visual y acceder a la trama íntima e intensa del actor/intérprete consigo mismo en escena. Su etimología deriva de la palabra griega /"Trágos "/. parece que le impiden llegar a su objetivo. y se consolidó con la tríada de los grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. Si los obstáculos se presentan como positivos. Tragedia: La tragedia es una forma dramática cuyos personajes protagónicos se ven enfrentados de manera misteriosa.En la Grecia clásica. aunque algunos eruditos mantienen la antigua etimología «canto en el sacrificio de un macho cabrío». en las que el personaje principal es mostrado como un héroe que desafía las adversidades con la fuerza de sus virtudes. La tragicomedia no tiene que ver con una combinación de lo trágico y lo cómico. moral y económica del personaje principal. macho cabrío. la acrobaciala. Las tragedias clásicas se caracterizan. . quien es sacrificado así a esa fuerza que se le impone. el hado o fatum. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. es decir. La traducción más habitual es «canto del macho cabrío». ganándose de esta manera la admiración del espectador. por el coro. la música. si los obstáculos son negativos. por su relación con antiguos sacrificios rituales.

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