Formas teatrales

Drama:
Drama (del griego , hacer o actuar) Suele llamarse "drama" únicamente al que incluye elementos, especialmente cuando tiene el llamado "final trágico", pero el término abarca también las obras cómicas...De hecho, desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) el drama incluye la tragedia y la comedia. Posteriormente, el drama se divide en géneros realistas y géneros no realistas; entre los primeros quedaron inscriptas la tragedia y la comedia ya existentes agregándose en el siglo XX la pieza y, entre los segundos, el melodrama, la obra didáctica y la tragicomedia, reconocidos como tales desde el Renacimiento. Además, a esto se suma la farsa considerada como género imposible. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro, siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos, formando parte entonces, de lo que se considera como género literario, siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje, la ausencia de un mediador entre el mundo creado o realidad ficticia y el lector, su posibilidad virtual de ser dramatralizado, etc.

Dramatización:
Es la acción y efecto de dramatizar. Este verbo, a su vez, hace referencia a dar forma y condiciones dramáticas o a exagerar con apariencias afectadas, de acuerdo a lo señalado por el diccionario de la Real Academia Española (RAE). Una dramatización es, en general, una representación de una determinada situación o hecho. Lo dramático está vinculado al drama y éste al teatro, por lo que una dramatización puede ser tanto trágica como cómica. Las dramatizaciones ayudan a la creatividad del actor que representa una escena y al espectador que puede vincular dicha representación con la vida real. En este sentido, las dramatizaciones pueden ayudar a comprender la realidad ya que suponen un recorte específico de situaciones verídicas. La psicología suele apelar a las dramatizaciones para que los integrantes de un grupo terapéutico puedan expresarse sin inhibiciones y proyectar sus sentimientos y creencias. La dramatización, de esta manera, ayuda a ensayar soluciones ya que la representación puede asemejarse a las situaciones reales.

Teatro Kabuki
El término significa "extraordinario" y se utiliza para designar a un género teatral japonés que alterna el diálogo, la danza y la música. Es una de las formas antiguas de teatro japonés, junto con el teatro Noh, el Bunraku etc...El Kabuki fue creado al final del periodo Edo, durante el Siglo XVI. Contrariamente a lo que se nos tiene acostumbrado, el Kabuki era un arte contemplado tanto por las clases altas como por las clases más bajas de una sociedad que, como la japonesa, estaba claramente dividida.

dudas. llamadas kagura y shushi. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. pensamientos. por último. todas ellas influenciadas por las doctrinas del budismo Zen. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. Teatro isabelino: . une marionette era un clérigo que en las representaciones religiosas donde aparecía la Virgen. Mimo corporal: El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico revivido por Étienne Decroux (1898 . está enseñado como una técnica de interpretación corporal. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. danzas en conmemoración del cambio de las estaciones o dengaku. La palabra marioneta indica sobre todo el habla de estos personajillos. La palabra títere es onomatopéyica. madera o cualquier otro material. entre otras. En esto se diferencia de la pantomima. la recitación coral y la mímica. el Noh conserva influencias de antiguas fiestas de Japón provenientes de la religión Shinto[1]. En este tipo de representación se sincronizan la danza. que son. Las marionetas hablan siempre con una voz aguda. al mismo tiempo que movían los muñecos. En francés. respectivamente. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. Se suele usar indistintamente el nombre de marioneta y el de títere. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. según creen los lingüistas [cita requerida]. eso es una elección estilística. usado para representar obras de teatro. Además. salvo los personajes malvados que hablan con voz grave pero igualmente falsa. emociones.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. peso. aunque también se interpreta como ³realización´. y no una condición sine qua non del mimo corporal. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía.Teatro de marioneta: Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco de trapo. En este medio. la poesía. por el ti-ti que hacían los actores con un pito. chillona y falsa. fiestas musicales combinadas con actos juglarescos llamados sangaku o sarugaku. Estas ceremonias primitivas fueron la base para la constitución de este tipo de teatro. tendencias. aportaba su voz haciéndola aguda para que pareciese femenina. tanto budistas como shintoístas. Su nombre significa literalmente ³talento´ o ³habilidad´. y. vacilación. rituales o ceremonias esotéricas.El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. El teatro Noh: El teatro Noh es la más antigua expresión teatral existente en Japón. que reciben el nombre de imayo y kusenai. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. resistencia y sorpresa. que data desde la antigüedad griega y romana. cantos populares interpretados por profesiones.Por estos elementos pedagógicos.

e incluso más allá. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. que revolucionó la forma dramática tradicional. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. no puede hablarse de escuela o de movimiento.Después de 1861. con el pasaje de la máscara de la comedia del arte al personaje ³caracterizado´.En la segunda mitad del siglo XIX se afirma cada vez más el drama burgués. y eran muy pocos los que conocían el italiano. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (15641616). sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. y desnuda la verdad. que no existe una compañía establecida en una determinada ciudad. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I (‚ 1625). el adulterio (el triángulo marido-mujer-amante es un esquema recurrente). Los temas de este tipo de obras son la familia. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). . Como en la nueva novela. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). hablándose entonces de "teatro jacobino".El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra ([reina desde 1558 hasta]-1603). En Italia. en Francia. ideológicos y geográficos ( es curioso observar que los más importantes autores vanguardistas han nacido fuera de Francia. Carlos I. las relaciones sociales y la incomunicabilidad. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra Ubú rey de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896±1948) con su libro El teatro y su doble. Pero fue Pirandello (1867-1936) quien imprimió el verdadero gran cambio del teatro italiano. El Teatro de vanguardia: es un movimiento teatral que surge paralelamente a la antinovela o nueva novela. llevando al absurdo los roles impuesto por la sociedad burguesa. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. Teatro italiano: El teatro italiano tiene raíces remotas: sus orígenes se remontan a la cultura latina y griega. aún hoy el sistema teatral italiano se basa sobre el mecanismo de la ³tournée´. Pirandello introdujo también la innovación técnica del ³teatro en el teatro´. tal como lo demuestra el título que reúne toda su producción teatral: Máscaras des nudas. alrededor de 1950. tanto en su aspecto técnico como de contenido. es decir. escondiendo su verdadera identidad. los ciudadanos de la Italia unificada utilizaban aún principalmente los dialectos. Constituido desde siempre por compañías ambulantes que viajaban de ciudad en ciudad. la comedia tuvo su último gran autor en Goldoni. incluyendo el de su sucesor. Este autor arranca la máscara detrás de la cual cada uno defiende sus propias convicciones.

en la habilidad de comunicar. Anouilh. las antipiezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. integrando elementos de . en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. la semiótica teatral. En lugar de personajes bien caracterizados. sustentado siempre en los impulsos verdaderos generados por los estados emotivos del alma. el teatro del absurdo no es un movimiento o una escuela y los autores presentan un panorama heterogéneo. Sartre y Camus.Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. Teatro físico: El Teatro Físico es un género teatral contemporáneo. sobre todo. que se define por la experimentación y búsqueda permanente de un lenguaje teatral universal que escapa a las fronteras de la palabra para profundizar en las posibilidades expresivas del cuerpo.Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. La incoherencia. la didáctica de las lenguas. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. el arte dramático y otras. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. psicomotores.Sin embargo. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. la animación lectora. desde un enfoque global. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. Y lo que es más importante. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. el que surgió a partir de la obra de aquellos. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. Teatro del absurdo : es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos durante las décadas de 1940. El teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. tal y como sucedía en el teatro de Giraudoux. escuchar o hablar sino. la expresión corporal. el fomento de la creatividad. artísticos y sociales. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. perceptivos. Teatro en la educación: El teatro en el ámbito de la educación forma parte de las técnicas pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de expresión y comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las habilidades lingüísticas de leer. 1950 y 1960 y. el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras Tomando como punto de partida lo absurdo de la vida. escribir. Se nutre de diferentes técnicas corporales en la preparación de sus actores. visto de forma palpable y no como evocación. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. en general. la expresión artística o la educación emocional.

La traducción más habitual es «canto del macho cabrío». en las que el personaje principal es mostrado como un héroe que desafía las adversidades con la fuerza de sus virtudes. la fatalidad. es decir que parece que lo acercan cada vez más a su objetivo. Las tragedias clásicas se caracterizan. moviéndose casi siempre (recordemos la "Orestiada" de Esquilo que tiene una reconciliación al final) hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. inexpugnable e inevitable contra el destino o los dioses. Tragedia: La tragedia es una forma dramática cuyos personajes protagónicos se ven enfrentados de manera misteriosa. las artes marciales. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. el final será positivo y alcanzará su objetivo. . debido a que los actores que las interpretaban vestían atuendos de piel de cabra. la música. la ambición. etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una serie de obstáculos para llegar a su fin. Sófocles y Eurípides. Su creador fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro aristotelico. que más que obstáculos son como pruebas superadas. aunque con efectos cómicos protagonizados.En la Grecia clásica. Su etimología deriva de la palabra griega /"Trágos "/. El taller está destinado a intérpretes (de danza o teatro) que deseen redescubrir la intensidad de acto interpretativo. es decir.según Aristóteles. el final será negativo. fundamentalmente. que tiene un objetivo que perseguir (el amor. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. macho cabrío. el hado o fatum. el yoga. y se consolidó con la tríada de los grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. parece que le impiden llegar a su objetivo. la justicia. La tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe tragicómico. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frínico. ganándose de esta manera la admiración del espectador.[1] Las tragedias acaban generalmente en la muerte o en la destrucción física.La tragicomedia como género dramático surge en la transición al renacimiento. la acrobaciala. como es el caso de Antígona de Sófocles. potenciar su energía físico -visual y acceder a la trama íntima e intensa del actor/intérprete consigo mismo en escena. La tragicomedia no tiene que ver con una combinación de lo trágico y lo cómico. moral y económica del personaje principal. entonces se crea la tragicomedia. por el coro. etc. en anunciado siempre por diversos oráculos. Se le nombró así desde la Celestina ante la imposibilidad de ubicar a este tipo de obras dentro de los dos grandes géneros conocidos (tragedia y comedia) no porque fuera una mescolanza de ambos. por generar una catársis en el espectador. quien es sacrificado así a esa fuerza que se le impone. y se presenta ya muy clara en Shakespeare en Inglaterra y en una gran cantidad de obras del Siglo de Oro Español. y contra la cual se rebela con orgullo insolente o hybris. meditación dinámica. Lope se niega a obedecer las unidades. Si los obstáculos se presentan como positivos. Tragicomedia: La Tragicomedia es un subgénero dramático que mezcla elementos trágicos y cómicos. También existen las tragedias de sublimación.otras disciplinas como la danza. un trono. si los obstáculos son negativos. el sino. por su relación con antiguos sacrificios rituales. aunque algunos eruditos mantienen la antigua etimología «canto en el sacrificio de un macho cabrío».

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