Formas teatrales

Drama:
Drama (del griego , hacer o actuar) Suele llamarse "drama" únicamente al que incluye elementos, especialmente cuando tiene el llamado "final trágico", pero el término abarca también las obras cómicas...De hecho, desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) el drama incluye la tragedia y la comedia. Posteriormente, el drama se divide en géneros realistas y géneros no realistas; entre los primeros quedaron inscriptas la tragedia y la comedia ya existentes agregándose en el siglo XX la pieza y, entre los segundos, el melodrama, la obra didáctica y la tragicomedia, reconocidos como tales desde el Renacimiento. Además, a esto se suma la farsa considerada como género imposible. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro, siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos, formando parte entonces, de lo que se considera como género literario, siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje, la ausencia de un mediador entre el mundo creado o realidad ficticia y el lector, su posibilidad virtual de ser dramatralizado, etc.

Dramatización:
Es la acción y efecto de dramatizar. Este verbo, a su vez, hace referencia a dar forma y condiciones dramáticas o a exagerar con apariencias afectadas, de acuerdo a lo señalado por el diccionario de la Real Academia Española (RAE). Una dramatización es, en general, una representación de una determinada situación o hecho. Lo dramático está vinculado al drama y éste al teatro, por lo que una dramatización puede ser tanto trágica como cómica. Las dramatizaciones ayudan a la creatividad del actor que representa una escena y al espectador que puede vincular dicha representación con la vida real. En este sentido, las dramatizaciones pueden ayudar a comprender la realidad ya que suponen un recorte específico de situaciones verídicas. La psicología suele apelar a las dramatizaciones para que los integrantes de un grupo terapéutico puedan expresarse sin inhibiciones y proyectar sus sentimientos y creencias. La dramatización, de esta manera, ayuda a ensayar soluciones ya que la representación puede asemejarse a las situaciones reales.

Teatro Kabuki
El término significa "extraordinario" y se utiliza para designar a un género teatral japonés que alterna el diálogo, la danza y la música. Es una de las formas antiguas de teatro japonés, junto con el teatro Noh, el Bunraku etc...El Kabuki fue creado al final del periodo Edo, durante el Siglo XVI. Contrariamente a lo que se nos tiene acostumbrado, el Kabuki era un arte contemplado tanto por las clases altas como por las clases más bajas de una sociedad que, como la japonesa, estaba claramente dividida.

En este medio. aunque también se interpreta como ³realización´.Teatro de marioneta: Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco de trapo. que data desde la antigüedad griega y romana. une marionette era un clérigo que en las representaciones religiosas donde aparecía la Virgen.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. Además. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. la poesía. al mismo tiempo que movían los muñecos. rituales o ceremonias esotéricas. fiestas musicales combinadas con actos juglarescos llamados sangaku o sarugaku. por el ti-ti que hacían los actores con un pito. Su nombre significa literalmente ³talento´ o ³habilidad´. En esto se diferencia de la pantomima. resistencia y sorpresa. aportaba su voz haciéndola aguda para que pareciese femenina. salvo los personajes malvados que hablan con voz grave pero igualmente falsa. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. tendencias. madera o cualquier otro material. todas ellas influenciadas por las doctrinas del budismo Zen. que son. Las marionetas hablan siempre con una voz aguda. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. danzas en conmemoración del cambio de las estaciones o dengaku. La palabra marioneta indica sobre todo el habla de estos personajillos. entre otras. tanto budistas como shintoístas. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. el Noh conserva influencias de antiguas fiestas de Japón provenientes de la religión Shinto[1]. que reciben el nombre de imayo y kusenai. emociones. En francés. En este tipo de representación se sincronizan la danza. chillona y falsa. respectivamente. Se suele usar indistintamente el nombre de marioneta y el de títere. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. usado para representar obras de teatro.El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. llamadas kagura y shushi. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. según creen los lingüistas [cita requerida]. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. eso es una elección estilística. la recitación coral y la mímica. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. Mimo corporal: El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico revivido por Étienne Decroux (1898 . Teatro isabelino: . pensamientos. cantos populares interpretados por profesiones. El teatro Noh: El teatro Noh es la más antigua expresión teatral existente en Japón. peso. La palabra títere es onomatopéyica. Estas ceremonias primitivas fueron la base para la constitución de este tipo de teatro. vacilación. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. y no una condición sine qua non del mimo corporal. por último.Por estos elementos pedagógicos. y. dudas.

y desnuda la verdad. ideológicos y geográficos ( es curioso observar que los más importantes autores vanguardistas han nacido fuera de Francia. no puede hablarse de escuela o de movimiento. aún hoy el sistema teatral italiano se basa sobre el mecanismo de la ³tournée´. que revolucionó la forma dramática tradicional. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I (‚ 1625). Como en la nueva novela. llevando al absurdo los roles impuesto por la sociedad burguesa. que no existe una compañía establecida en una determinada ciudad. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). hablándose entonces de "teatro jacobino". El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. Pirandello introdujo también la innovación técnica del ³teatro en el teatro´. Constituido desde siempre por compañías ambulantes que viajaban de ciudad en ciudad. alrededor de 1950. Este autor arranca la máscara detrás de la cual cada uno defiende sus propias convicciones.El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra ([reina desde 1558 hasta]-1603). escondiendo su verdadera identidad. El Teatro de vanguardia: es un movimiento teatral que surge paralelamente a la antinovela o nueva novela. tal como lo demuestra el título que reúne toda su producción teatral: Máscaras des nudas. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. Pero fue Pirandello (1867-1936) quien imprimió el verdadero gran cambio del teatro italiano. es decir. Los temas de este tipo de obras son la familia. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (15641616). con el pasaje de la máscara de la comedia del arte al personaje ³caracterizado´. y eran muy pocos los que conocían el italiano. . e incluso más allá.En la segunda mitad del siglo XIX se afirma cada vez más el drama burgués. tanto en su aspecto técnico como de contenido. en Francia. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra Ubú rey de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896±1948) con su libro El teatro y su doble. Carlos I. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. los ciudadanos de la Italia unificada utilizaban aún principalmente los dialectos. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. incluyendo el de su sucesor.Después de 1861. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. el adulterio (el triángulo marido-mujer-amante es un esquema recurrente). las relaciones sociales y la incomunicabilidad. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). la comedia tuvo su último gran autor en Goldoni. Teatro italiano: El teatro italiano tiene raíces remotas: sus orígenes se remontan a la cultura latina y griega. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. En Italia.

que se define por la experimentación y búsqueda permanente de un lenguaje teatral universal que escapa a las fronteras de la palabra para profundizar en las posibilidades expresivas del cuerpo. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. el arte dramático y otras. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. La incoherencia. Teatro físico: El Teatro Físico es un género teatral contemporáneo. sustentado siempre en los impulsos verdaderos generados por los estados emotivos del alma. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. en general. Y lo que es más importante. la expresión corporal. integrando elementos de . la expresión artística o la educación emocional. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. escribir. las antipiezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. la animación lectora. visto de forma palpable y no como evocación. Teatro en la educación: El teatro en el ámbito de la educación forma parte de las técnicas pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de expresión y comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las habilidades lingüísticas de leer. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. el teatro del absurdo no es un movimiento o una escuela y los autores presentan un panorama heterogéneo. 1950 y 1960 y. la semiótica teatral. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. desde un enfoque global. psicomotores.Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. Se nutre de diferentes técnicas corporales en la preparación de sus actores. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria.Sin embargo. el fomento de la creatividad. en la habilidad de comunicar. el que surgió a partir de la obra de aquellos. El teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras Tomando como punto de partida lo absurdo de la vida. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. escuchar o hablar sino.Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. tal y como sucedía en el teatro de Giraudoux. Anouilh. Teatro del absurdo : es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos durante las décadas de 1940. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. Sartre y Camus. En lugar de personajes bien caracterizados. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. perceptivos. artísticos y sociales. la didáctica de las lenguas. sobre todo.

La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frínico. en anunciado siempre por diversos oráculos. es decir. el hado o fatum. como es el caso de Antígona de Sófocles. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. la acrobaciala. aunque con efectos cómicos protagonizados. Las tragedias clásicas se caracterizan. Su etimología deriva de la palabra griega /"Trágos "/.En la Grecia clásica. parece que le impiden llegar a su objetivo. por generar una catársis en el espectador. Sófocles y Eurípides. que más que obstáculos son como pruebas superadas. Se le nombró así desde la Celestina ante la imposibilidad de ubicar a este tipo de obras dentro de los dos grandes géneros conocidos (tragedia y comedia) no porque fuera una mescolanza de ambos. quien es sacrificado así a esa fuerza que se le impone. por el coro. la fatalidad. ganándose de esta manera la admiración del espectador. entonces se crea la tragicomedia. debido a que los actores que las interpretaban vestían atuendos de piel de cabra. el final será negativo. La tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe tragicómico. La traducción más habitual es «canto del macho cabrío». la ambición. el sino. un trono.[1] Las tragedias acaban generalmente en la muerte o en la destrucción física. la justicia. por su relación con antiguos sacrificios rituales. inexpugnable e inevitable contra el destino o los dioses. moviéndose casi siempre (recordemos la "Orestiada" de Esquilo que tiene una reconciliación al final) hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. macho cabrío. potenciar su energía físico -visual y acceder a la trama íntima e intensa del actor/intérprete consigo mismo en escena. fundamentalmente. y se presenta ya muy clara en Shakespeare en Inglaterra y en una gran cantidad de obras del Siglo de Oro Español. etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una serie de obstáculos para llegar a su fin. meditación dinámica. Tragedia: La tragedia es una forma dramática cuyos personajes protagónicos se ven enfrentados de manera misteriosa.La tragicomedia como género dramático surge en la transición al renacimiento. las artes marciales. moral y económica del personaje principal. Lope se niega a obedecer las unidades. si los obstáculos son negativos. La tragicomedia no tiene que ver con una combinación de lo trágico y lo cómico. el final será positivo y alcanzará su objetivo. y se consolidó con la tríada de los grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. y contra la cual se rebela con orgullo insolente o hybris. Tragicomedia: La Tragicomedia es un subgénero dramático que mezcla elementos trágicos y cómicos. También existen las tragedias de sublimación. en las que el personaje principal es mostrado como un héroe que desafía las adversidades con la fuerza de sus virtudes. el yoga. Si los obstáculos se presentan como positivos. aunque algunos eruditos mantienen la antigua etimología «canto en el sacrificio de un macho cabrío». Su creador fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro aristotelico. El taller está destinado a intérpretes (de danza o teatro) que deseen redescubrir la intensidad de acto interpretativo.otras disciplinas como la danza. es decir que parece que lo acercan cada vez más a su objetivo. que tiene un objetivo que perseguir (el amor.según Aristóteles. etc. . la música. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo.