Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
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Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

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Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

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Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

por ejemplo. pasando por todos los valores intermedios. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable. Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. con un desarrollo muy suave. por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. Pueden. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. Para modificar su forma. . incluso. cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto. Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. basta cambiar de posición uno de sus puntos de control.Está muy asociada al ser humano. que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas. En el diseño web. También son enormemente versátiles. siendo útiles. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas).

Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. escultura y arquitectura). artes visuales (pintura. pintura barroca. De tal modo que. siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. se ha acuñado el término barroco y. de un color intermedio entre ellos. música barroca o literatura barroca. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí. por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas. la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. se designan habitualmente como arquitectura barroca. • • Movimiento literario Movimiento pictórico . disponible en casi todas las aplicaciones gráficas. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. JPG. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo. PNG.Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. etc. por ejemplo. Es tal vez la forma gráfica más humana. efecto que aumenta con el tamaño del objeto.

Por tanto. el narizon de raul Según Chilvers. diseño se define como el proceso previo de configuración mental. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. tales como anuncios publicitarios. como la música pop. "pre-figuración". Art pop. Pierre Soulages. dibujos. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. arquitectura y otras disciplinas creativas. Serge Poliakoff. comic books y objetos culturales «mundanos». Hans Hartung. el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. lo hecho es la obra. Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. El arte pop. en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Nicholas de Stael. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel).• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). signado "lo por venir". A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. signare. Tachisme. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. bocetos o esquemas trazados en cualquiera . buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. derivado de la palabra francesa tache . olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo. Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes. ingeniería.mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. lo por hacer es el proyecto. designio. es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte. y Georges Mathieu. pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso. el porvenir visión representada gráficamente del futuro. a menudo a través del uso de la ironía. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo.[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural. el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea. Tachismo El Tachismo (en idioma español.

síntesis. Los ángulos interiores opuestos son iguales. en geometría. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide). un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. El nombre romboide se aplica a otra figura. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. Triángulo Un triángulo. dos a dos. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. es un cilindro. repitiendo infinitos rectángulos. esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. Si un rombo es a la vez un rectángulo. RECTANGULO En geometría plana. llamado centro. esta distancia se denomina radio. Sus dos diagonales son iguales. es también un caso especial de rectángulo. un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. respecto de un eje que contenga a un lado. Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). o también. o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. al tener los cuatro lados iguales. Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana.de los soportes. . ordenación y transformación. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. • • • Sus lados paralelos son iguales.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. es un caso especial de rombo. por tanto. De modo similar. El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. es un paralelogramo. La circunferencia sólo posee longitud. entonces es un cuadrado. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. es decir. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo.

El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro. la palabra círculo tiene varias acepciones. escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados.CIRCULO Un circulo. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles. son equiláteros.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. con la particularidad de que todos ellos son iguales. llamado centro. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana. Los triángulos formados. En castellano. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor). El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. cuyos puntos son equidistantes del centro. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. es menor o igual que la longitud del radio. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados. al unir el centro con todos los vértices. iguales dos a dos. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. . Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. y sólo posee longitud. cerrada. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. en geometría. Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia.

HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. Está formado por cuatro caras. que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie. doce aristas y seis vértices. # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. doce aristas. treinta aristas y doce vértices. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros. Permanece estable sobre su base. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. seis aristas y cuatro vértices. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. Está formado por seis caras. LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. Está formado por ocho caras. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos.El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. Tiene veinte caras. ocho vértices. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. ancho y alto). encierran un volumen finito. .

PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación. En un dibujo. Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular. . CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. Perspectiva del Campidoglio. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. Es también la ilusión visual que. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. percibida por el observador. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). con los puntos del círculo. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. en Roma. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. poliedro. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. ni sus ángulos iguales. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. que tienen un punto en común llamado vértice. Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral. en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. lo más simple de representar en perspectiva paralela es. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. africanos y aborígenes. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . y que influyen en su percepción o en su juicio. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. En esta perspectiva. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. un cubo. sólo vemos en fuga las líneas de profundidad. es como si miramos desde una terraza hacia abajo.Por analogía. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. Como ejemplo. El abrigo. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. presionadas por las amenazas bélicas constantes. Veamos cómo se hace. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). por eso decimos que es también vista de pájaro. entre otros. por ejemplo. Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. ubicado sobre la línea del horizonte. Edad Media . En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. tal como los pueblos amerindios. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. como construcción predominante en las sociedades primitivas. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto. Ésta es la que más se aproxima a la visión real.

Guatemala y el Perú. síntesis. el Clasicismo. edificios y monumentos. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. . semiología. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. el poder secular vuelve al poder. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá. estanques y caminos. obras de riego. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. espiritual. con el avance científico representado por el Renacimiento. mayas). EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo.se hace un objetivo importante para el periodo. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. al aire libre. palacios y otros edificios públicos. aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal. con murallas. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. zapotecas. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. social . juegos de pelotas. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. En América precolombina la arquitectura solo floreció en México. Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. Comienzan a surgir los estados nación y. A medida que el poder secular se sometía al poder papal. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica. La idea de progreso del hombre científico. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. El Barroco. aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. escalonadas en terrazas. en mayor o menor grado. En este momento surge el manierismo. los mexicanos (aztecas. los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. aunque hubiera ayudado en este progreso. Europa asistió a un gran avance tecnológico. en un primer momento.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. torreones. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración.

El encadenamiento hacia atrás (en inglés. cuando se utilizan . POR ENCADENAMIENTO. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. pero aun más importante que aquello. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos. así. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. CONCEPTO DISEÑO. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada. un marco de trabajo. En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. el diseño estructurado. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. innovativo. inédito. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba". Por medio del enfoque de arriba a abajo. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. eso sí. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo. el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. conforme el diseño progresa. la cual es predominantemente hacia abajo. estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. los niveles de abstracción. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente.materia. el sistema se descompone en subsistema. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. es un trabajo creativo. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. así como un punto de vista es esencial. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema.

con una buena dosis de técnica. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas. Pero. -En la Penetración. en dirección o ambas cosas. la situación espacial es un poco vaga.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible. C. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. comienzan a tocarse. B. E. . Cuando una gorma se sobrepone a otra. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. sin embargo. como en el distanciamiento. La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. Pese a ello. habrán de coincidir. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. Con el desarrollo de los materiales. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. tamaño y dirección. -En la Sustracción. -En el Toque. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura.. la penetración. el resultado es una sustracción. Dicen que el mejor canto es un empotramiento. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. H.. porque se convierten en una forma nueva. surge una forma nueva y más pequeña. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición. o una mas cercana y otra mas lejana. hasta que el sistema quede ensamblado. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. Las fisuras resultan un arte particular. -En la Superposición. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. es obvio que una forma esta delante o encima de otra. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible. un factor estético de armonía. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. F. G. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. existe igualdad de peso en ambos lados. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. Ambas pierden una parte de su contorno.jerarquías hacia abajo. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. Al buscar una línea de ascensión a una pared. Como resultado de la intersección. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento. aunque puedan estar muy cercanas. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. A. cubriendo una porción de la cual queda debajo D. Ambas formas se convierten en una. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. esto es. la sustracción o la intersección. Esta regularidad constituye. esto se ha modificado en gran medida. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. Toque: Si acercamos ambas formas. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. a nivel de percepción. la unión. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. -En la Unión. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. los resultados no son tan simples como se creen. -En la Coincidencia. nunca será igualada por una ruta de otras características. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva. Puede no recordarnos las formas originales.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. Ninguna variación espacial es posible. pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. en la que el eje es el cuerpo del insecto. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima.

Los puntos P y P' equidistan del eje . La asimetría nos transmite agitación. salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. tensión. en la proporción del rostro a lo alto. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3. pero existe un equilibrio entre dos elementos. TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO.El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales. peso etc. en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje. hasta la altura de las cejas. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil. el efecto es variado. dinamismo. al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño.5:2. he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí. como veremos).5 centímetros así que como ya hemos visto. alegría y vitalidad. lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. yo en el ejemplo que os muestro. En el equilibrio asimétrico. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona. no existen las mismas dimensiones en tamaño. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría.5 partes. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. La simetría axial (también llamada rotacional. Bien. como son 3. . bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel). Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. color.5 partes. de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características.

Así que como veis tenemos un encaje perfecto. así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2.5 x 3 = 7.5 : 3. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.5 = 3 cm . además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS. . de anchura. esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ . vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente).5 cm de altura y 7.5 y 2. veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO.5 cm . pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10. los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma. Pero hay mucho más. Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR. En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda. lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro. pero es que aún podemos obtener más referencias. con un número de referencias que parece abrumador en principio. luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos.5 cm . la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.divido 10.5 veces la medida de la frente: 2. Como veis.5 partes respectivamente. Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad.

altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados. enfín. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?.altura . Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. con la particularidad de que todos ellos son iguales. Bien. ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas….Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. iguales dos a dos. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados..

pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª.ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. son equiláteros. pero ángulos son distintos de 90º. El área de esta figura se calcula . al unir el centro con todos los vértices. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro.diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor). Los triángulos formados.apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro. siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro.

Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. En una carta a Huygens. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados.[28] Respecto a los grabados. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. También llamada sombra propia. retratos. casi 400 grabados y cerca de 2. . Entre ellas: Zona de iluminación clara. dando lugar al estilo llamado tenebrismo. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural". aunque no sin generar cierta polémica. En las superficies curvas tiene una transición suave.Área del círculo = 3'14. OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea". de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental. y se mantiene oscura.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra.[26] A principios del siglo XX. se caracteriza por medios tonos luminosos.radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. Zona proyectada. También llamada medio tono opaco. dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan. 1633. en especial con Caravaggio. da más vida al dibujo. Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra.000 dibujos.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. Zona de reflejo. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. es la zona que no recibe ningún rayo de luz. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra. Zona oscura. Esta técnica realza el volumen de los objetos. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. expresiones faciales.

aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. 1632.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos. podría hablarse de un desarrollo similar. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida. más posiblemente. pero ricas en detalles. en ocasiones representando temas bíblicos. En las obras ejecutadas en su madurez. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio. Óleo sobre tabla. de Joos van Craesbeeck. suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida. especialmente a partir de finales de la década de 1640. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro. Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra.[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones. especialmente en vestiduras y joyería. más "áspero". En Leiden.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. la cifra estimada es más estable. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior. o haciéndose muecas a sí mismo. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. independientemente de la riqueza o la edad del retratado.[36] En cuanto al grabado. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas. por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines.[34] A lo largo de su carrera. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. Períodos. temas y estilo El rapto de Europa.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos.suelen aparecer de forma visible en sus pinturas. su amante Hendrickje. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. o. y se aproxima a las 300 piezas. de enorme profundidad psicológica. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez. al igual que los .[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos.[35] Estilísticamente. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento. históricos o mitológicos. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato.[37] Leiden (1625-1631) "El fumador". que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. el paisaje y la pintura narrativa. pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos.000 dibujos que se le atribuyen. muy populares en su época. su hijo Titus.

(1637-1647).[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. A lo largo de la siguiente década.[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década. Comúnmente."tronie". Durante sus primeros años en Ámsterdam. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático. A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636). A partir de 1640. (1633). género popularmente holandés. 1642. esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. Del mismo modo. 1641.[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños. "Los tres árboles". Simultáneamente. Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico.[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados. Nicolaes Tulp". también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq". y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y. 1643). En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores. "La fiesta de Belshazzar" (c. Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido.[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634. fechado en 1632). técnicas y estilos.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa". La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se . las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos. considerando el mayor trabajo de pincelada. devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio". "La lección de anatomía del Dr.[44] Al mismo tiempo. se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. De esta época son obras como "Susana y los viejos". fuertemente contrastadas y en grandes formatos. quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle.[43] Detalle de La ronda de noche. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos.

los síndicos del gremio de pañeros. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715.[46] A pesar de toda la especulación desatada. el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra. . La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería. Anunciación (Leonardo. Después de sucesivas restauraciones. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum. Uffizi). OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo. la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana. disponiéndose para salir de misión. pintada con 56 años en 1662. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento. De cualquier modo. la lección de anatomía del Doctor Tulp.habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen. pintado a los 26 años y una de sus obras tardías.

El cuadro pudo ser terminado. pintó Madona Benois. El estilo de la composición ha . en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. es otra de sus obras de este periodo. Leonardo pintó Santa Ana. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. en 1482. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. y una segunda versión hecha algunos años más tarde. autentificadas o que se le atribuyen. Pero. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. El otro es un trabajo mucho más grande. la Adoración de los Magos. pintada hacia el 1510. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda. Década de 1480 En la década de 1480. La obra representa a Lisa Gherardini. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. Otra obra destacable es La Virgen. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. Rafael y Andrea del Sarto. Desgraciadamente. y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. el Niño Jesús y santa Ana. La Virgen del clavel. a petición de Lorenzo de Médici. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición.[57] Entre 1478 y 1482. Otra pintura que parece datar de este periodo. en Pontormo y Antonio da Correggio.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres.A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato. La Gioconda. El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Uno de ellos es pequeño. y que ha sido copiada muchas veces.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. que topó con la incomprensión del prior del convento. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer.[8] y a través de ellos. Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. La dama del armiño. el Niño y san Juanito.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. esposa de Francesco del Giocondo. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir. con los elementos del paisaje y el drama personal. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. Liana Bortolon. Ginebra de Benci. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo.[56] En estas dos Anunciaciones. y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. Fue un cuadro muy complejo.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista. pese a tener sólo cuatro personajes. Fechada hacia 1474-1476. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. ambas atribuida a Leonardo[59] ). Por un lado. 217 centímetros de largo. la Virgen. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. dos de las obras nunca fueron terminadas. aprendía sólo a morir». el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores. que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. En 1480. es La Anunciación. es una de las obras de arte más reproducidas. el interés por la fisonomía. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio.[8] A pesar de todo. Entre las cualidades. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. la utilización que hacía de la luz. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa.[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. La Última Cena y La Virgen de las rocas. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. de la botánica y la geología.

el 29 de diciembre de 1479.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». Además de sus notas. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. Leonardo no fue un pintor prolífico pero. el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista. característica del llamado «perfil griego». Otros dibujos. existen numerosos estudios de sus pinturas. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. junto con el de la Sagrada Familia. las montañas.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. el Niño Jesús y santa Ana. llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. fue un dibujante muy productivo. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.[ . un estudio de las proporciones del cuerpo humano. las cuales se han asociado con Salai. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista. aunque exagerados. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle.[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante. la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. el Jefe del ángel. pero un cuadro bastante próximo es La Virgen. más allá. con una cara poco habitual. a menudo minuciosos. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color. el Niño Jesús y santa Ana. Este tema de Santa Ana. en cambio. en la que usó como modelo a Salai.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que. La Virgen de las Rocas y La Virgen. muestran estudios sobre ropas. donde se puede observar el río. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. perfil característico de muchas estatuas griegas.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia. el castillo Montelupo y.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos.

8 de enero de 1337) fue un notable pintor. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida".Florencia. en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo. 1267 .Giotto Presunto retrato de Giotto. Cuando Giotto promediaba la treintena. se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. . Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. en la parte alta de las paredes del templo. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. Según Vasari. Giotto di Bondone. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos. dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto. Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. escultor y arquitecto italiano del Trecento. Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. Un primer ciclo. principalmente trabajos religiosos. mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. atribuido a Paolo Uccello. percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". hundió su pincel en pintura roja y. llena de sangre y fuerza vital. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. Así. su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. con un solo trazo continuo.

1490). Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. Con poca luz se ve en blanco y negro. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático. una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. Color El color es un aspecto importante en la pintura. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone. . A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. entre 1297 y 1299. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. porque se aniquilan cuando están mezcladas. desarrolla temas bíblicos. tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. acerca de la vida de San Francisco de Asís. con el color complementario como contraste. Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. tintes. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. Más adelante.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. “parten” de un color dominante básico. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. Vistos los excelentes resultados. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. mientras que el negro es la ausencia de color. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. magenta y amarillo. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. y de atribución bastante dudosa. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante.

desde el verdoso al violáceo." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático. . rojo. de confianza. verde o azul. dan sensación de actividad. filósofo. . estableciendo una ley sobre la viscosidad. Usados juntos producen sensación de armonía. los análogos del rojo. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. dede el verdoso al violáceo). más conocidos como los Principia. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza. el fuego. a menudo.. inventor. serían rojo violáceo y rojo anaranjado.. Los colores cálidos. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. O también gama de azules. desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. seriedad y distanciamiento. También contribuyó en otras áreas de la matemática. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes. naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar.) y fríos. Es.Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. son los colores vecinos del círculo cromático los cuales. en relación con la longitud de onda de su radiación. azules y violetas (colores asociados con el agua. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos. . las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro. el púrpura y el violeta. Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. . . amistad y acogimiento. Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire.. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro. de dinamismo. CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria.). alquimista y matemático inglés. El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. su nivel de pureza. teólogo. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII). Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz.La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado. que utilizó para formular sus leyes de la física. En un sentido más específico.Para desaturar un color sin que varíe su valor. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813). su desarrollo de una ley de convección térmica. de alegría. De un color puro se dice que es un "color muy vivo". y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. lo que daría un color neutro. Así. es decir. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire. y su obra como la culminación de la revolución científica. verdes. autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica.Los colores puros del espectro están completamente saturados.. tiene un color como común denominador. calificado como el científico más grande de todos los tiempos. Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos. rojos. También se define como la variación cualitativa del color.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario.

Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida.000º Kelvin). porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. El naranja puro de arriba señalado con una X. simboliza la naturaleza y el crecimiento. el diablo y el mal. fidelidad. profundidad y también experiencia. aflicción. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. revolución. fuego. el sol. dignidad. oro. pasión. la intensidad del color naranja. voluntad y estimulo. y se deja llevar por el impulso. tristes o linfáticos. ambicioso y material. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. saturación y luminosidad. calor.000º Kelvin). lasitud. alegría. . Mezclado con blanco es frivolidad. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. Mezclado con negro es deslealtad. el poder y simboliza arrogancia. desesperación y miseria. lógica y juventud. la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. inocencia. Lumniosidad. Simboliza sangre. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. disimulo. va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación. Van Gogh tenia por el una especial predilección. se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. y simboliza la sabiduría. tristeza. significa paz o rendición. frescura y vegetación. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. Es el color del infinito. En la escala inferior. desesperación. y el símbolo de lo absoluto. que vive hacia afuera . pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. que al mismo tiempo pierde saturación. la acción . al mezclarse proporcionalmente con blanco. fuerza. cobardía. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo. No fatiga los ojos en grandes extensiones. ardor y pasión. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. cuando tiene una leve tendencia verdosa. opresión. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental. debilidad o miedo y también riqueza. Este primario significa envidia. acción. desde los más altos a los oscuros. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. fanatismo e intolerancia. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento. verdad eterna e inmortalidad. tiene un temperamento vital. pierde brillantez. También significa descanso. de la unidad y de la inocencia.En los ejemplos de arriba. esperanza. pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. Mezclado con blanco: muerte. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. y mezclado con negro. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10. Sugiere humedad. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. Es el color de los maniáticos y de marte. mas que por la reflexión. En su variación al púrpura. y alegría juvenil. Es el color de la luz. Los tonos rojos de las imágenes superiores. de la degradación moral y de la locura. y cielo. crimen. es un color utilisimo. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. fuerza. Significa realidad. dominio y tiranía. disputa. brutalidad. tienen que adaptarse a otra característica. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . A medida que se le agrega negro. es realeza. suntuosidad. y los bajos impulsos. fe. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. Verde:Es un color de gran equilibrio. razón. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. Mezclado con blanco es pureza . Mezclado con el negro sugiere engaño. recelo y bajas pasiones. destrucción e impulso. de los sueños y de lo maravilloso. Es la suma o síntesis de todos los colores. Características de tono. tienen distintos "valores" de luminosidad. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. rigidez y dolor. particularmente en los últimos años de su crisis. ira. la inteligencia y las emociones profundas. desconfianza. misticismo. Violeta: Significa martirio. en el segundo. asi mismo crueldad y rabia. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. Alude a la claridad u oscuridad de un tono.

Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. Químicamente muy rica. En la vida más normal. De hecho. del bien y del mal. la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. que no dejan escapar radicación alguna. a largo plazo. tiende a amarillear ligeramente. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. como la trementina. es la ausencia del color. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul. además representaba el yin femenino. Negro:El color más oscuro. sobre todo durante una época. tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. Simboliza neutralidad. De hecho. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. un notable elemento curativo.Gris: No es un color. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. opaca o transparente. pintura o tinta son capaces de reproducir. Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". También transmite nobleza y elegancia. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. Símbolo del error y del mal.[17] . no por evaporación sino por oxidación. y el producto de la mezcla de ambos. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . Por esta y por otras razones. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. la vida no sería posible. No reflejan nada. Su capacidad de soportar capas sucesivas. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato. Es la muerte. Usado de una manera conveniente. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe. rojo y verde. sino la transición entre el blanco y el negro. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. debidamente combinados. Estos aceites se secan más lentamente que otros. La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. visibles e invisibles. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas. los amarillos. sin embargo. Estiliza y acerca. la razón por la cual se impuso. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. Entre los chinos y los egipcios. Entre los primeros. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Conocida desde las más antiguas civilizaciones. Sólo los cuatro elementos. el negro fue signo de fertilidad. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. y los hombres el azul. Sin la luz solar. la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Mediante los diversos rayos de la luz solar. luz visible incluida. no emiten luz. los colores existen en todas las sustancias del Universo. a la vez. el negro puro es la ausencia de color y de luz. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias. Este poderoso agente natural es. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". Pese a la consideración negativa del negro. mate o brillante. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas .

sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo. Armonía cromática La Armonía cromática. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. aunque muchas témperas modernas contienen plástico. es concebida hoy. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. o Armonía de los colores. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga. que actúa como otro verdadero tono. permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. Asimismo se denomina así al efecto . Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. como Cascara de Huevo y Lino. Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc.Caja de acuarelas.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela. Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. Según el pintor Paul Signac: «. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes. como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor.. procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. realismo y facilidad de trabajar tu arte. Puedes dejar de trabajarlo por horas. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner.

más los dos colores acromáticos. SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista. . En el Modelo de color RYB (Red. ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. desde la Antigüedad griega. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. obteniendo: Verde (S). Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. el complementario del color verde es el color magenta. o negro). Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. únicos. azul-verdoso. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). blanco. Así en el sistema RGB (del inglés Red. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. Colores secundarios. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. COLORES PRIMARIOS. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. Hoy. azul). la extensión cromática. Yellow.estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. Blue. rojo. Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia. el rojo y el azul. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). amarillo. azul-violeta. unidos por su diámetro. La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. Green. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. Colores primarios. el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. rojo-violeta y amarilloanaranjado. Blue = rojo. la complementariedad. hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. verde. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. el acorde cromático y la coloración acorde. Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. entre los que destacan: el ajuste cromático. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja). Colores intermedios. rojo-anaranjado.

rojo. El magenta es el color opuesto al verde. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. El cian es el color opuesto al rojo. azul y verde. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. Lápices de colores dispuestos cromáticamente. Materiales necesarios: . azul. Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático. aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. Esta estrella muestra los colores complementarios. cian y verde. anaranjado. violeta. Círculo cromático con degragadado. Y así sucesivamente con todos los colores. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. El círculo cromático es una clasificación de los colores. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo. rojo. magenta.

ROMANTICISMO. Antes de tratar el tema de la armonía. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. Las gamas. incluso ideales. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo. podemos distinguir entre gamas y escalas. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo. que está generalmente azul. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye. NEOCLASICISMO. La gama tiene un sentido más restrictivo. BARROCO... por el contrario. Normalmente. tal como a pintura del paisaje). las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. que pueden estar alejados pero también muy próximos. amarillo. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores.. pero también más rico y preciso. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza.- Block de dibujo. RENACIMIENTO. Las escalas son esquemáticas. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. etc. Lapicero y goma de borrar. pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo. Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien. Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. IMPRESIONISMO Y CUBISMO .. Témperas (cyan. Compás y regla. armonía. se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura. e igual ocurre con la palabra gama. Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie. en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre. magenta. rojo. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo. blanco y negro) y pinceles. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo).

Norte de África. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. búfalos. En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. Italia y Europa oriental. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla.000 años. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia. . mamuts. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación. se concentra sobre todo. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci.[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5. el uso de luz y sombra. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . donde destacó la figura el pintor Giotto. Miguel Ángel. caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. en los colores y en las formas. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas. leones. en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino. Se encuentran dibujados rinocerontes. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. fechada por algunos historiadores de unos 32. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. que habían dominado el arte durante casi un siglo.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. ya no parecían adecuadas. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. la Virgen María y la vida de santos.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. también en esta época apareció la técnica del óleo. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro. el sfumato y el claroscuro. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña. fueron realizadas con ocre de arcilla. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia. Rafael Sanzio y Tiziano.

Finalmente se designó como expresionismo. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. en los Estados Unidos. sin correcciones racionales. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. pero que nunca seguían un razonamiento lógico. utilizando imágenes para expresar sus emociones.Hipnotizador (1912). el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. muestran una inspiración violenta. en el Reino Unido. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. el impresionismo con Manet a la cabeza. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. indistintamente. en la década de los años 1920. la cultura o a tópicos sociales. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico.[ principios del siglo XX. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. Buscaba descubrir una verdad. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. James Ensor y Edvard Munch.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. rebelde y apasionada. A diferencia de los fauves. expresión de la interioridad de la conciencia. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones. a cualquier tendencia de vanguardia. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909. sin interesarse por los detalles concretos. Rubens y Rembrandt. El Surrealismo (en francés: surréalisme. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. destacan Velázquez . CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. el arte gótico o el barroco. desarrollando imágenes casi monocromas. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. Constable y Turner. en torno a la personalidad del poeta André Breton. de Bohumil Kubišta. espontánea. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. Las obras expresionistas. . el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. característica de muchos artistas nórdicos. ya de un modo preciso. la pintura abstracta es heredera del cubismo. asimismo. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. se considera la primera fase del cubismo. el término expresionismo era utilizado para referirse. En Francia el pintor más importante fue Delacroix. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. sur [sobre. está el método de Cézanne. con escrituras automáticas. representados con tanta fuerza. en el cual se funden angustia y simbolismo.

Pintura renacentista Ticiano. el ornamental (siglo I). Generalmente al fresco. se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. por su parte. Amor sagrado y amor profano. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. se aplicase sobre su momia. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. Pintura de El Fayum. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. en general. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I.ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. La pintura romana. h. se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. de origen helenístico. que llega hasta comienzos del imperio. La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. el arquitectónico. como el de la pareja imperial. de detallada decoración. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. escenográfico o teatral. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. Estos retratos. Ahora. y el del ilusionismo arquitectónico. únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Se .

La cara oculta de la modernización. políticos. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. rechazan lo que trae consigo la vida diaria.centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. el aislamiento. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. . Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Posimpresionismo Visión tras el sermón. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. la aglomeración. Expresionismo. no les importa el objeto. Paul Gaugin. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. y esto es lo que plasman. Ven colores que conforman cosas. morales e intelectuales. la alineación. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. 1888. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. pinceladas distinguibles y temas de la vida real. Tanto el Impresionismo. la masificación. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. La angustia existencial es el principal motor de su estética. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. Simbolismo. creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. paralelo al post-impresionismo. una aplicación compacta de la pintura. la actividad industrial y la degradación.

Su fórmula era la forma-color. disposición y orden de los hilos en un tejido. Cézanne ya habría marcado el camino. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S.. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. aunque temporalmente también acepta el litro. pintura o escultura. de formas. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado.Cubismo. Boccioni. donde la tradición artística lo impregnaba todo. que parece correr sobre una estela de metralla. . sino una pintura de volúmenes. la rapidez. las que son utilizadas por los artistas. que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. Quieren crear un arte nuevo. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. lana. así como las sensaciones que causan. Él cree que la naturaleza no se dibuja. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. Por eso. Jean Metzinger y Albert Gleizes. • Textura (gráficos por computadora). Futurismo. La textura es expresiva. las naturales: algodón. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. especialmente en Italia. pero aparece en la forma. que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. que son captadas por el sentido del tacto. seda y lino. la energía. el movimiento y la deshumanización. que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. Y una vez creadas. • Textura del tejido. En física. la velocidad. sino que se manifiesta a través del color. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. pero con anterioridad. • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. la belleza de la velocidad. el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. acorde con la mentalidad moderna. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon. Un automóvil de carreras. Carrá. hay que relacionarlas entre sí. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. un automóvil rugiente. que será el punto de partida. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición.. Gira en torno a la figura de Marinetti. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos. calidad general del sonido de una composición musical. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). existen varios tipos de fibras. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. surgiendo aquí el problema de los planos. Textura de la pintura. Fernand Leger. Balla o Severini. una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. entrelazamiento .

Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. del que se conservan muy pocos. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . en jade y obsidiana. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes. Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Suelen ser cilindros. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco. los hombros. Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades. como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás.Puede ser una escultura. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. El otro estilo. La talla de las piedras semipreciosas. o parte de él. Coba y Chichén Itzá. y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). Figuras humanas. Incluye la cabeza. la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística. Palenque. a una representación escultórica de esta parte del cuerpo. crema o anaranjado.). Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. llamado códice. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I).Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. dibujo o grabado. logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos. suponen una valiosa aportación al arte maya. también llamado tronco. Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -. Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Nueva Esparta. pintura. el nacimiento de los brazos y el pecho.C.

que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. para producir individualmente. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. pero con menor precio y calidad. según la leyenda que se dance o se cuente. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. asociaciones o en cooperativas. • • . bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. que son muy comunes en la artesanía maya. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. con poca capacidad para llegar al mercado. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales».manual creativa. Para muchas personas. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. con apariencia similar a los productos artesanos. identificándose en algunos casos la organización en comités. Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. ya que es una característica de la artesanía. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. bienes y servicios". • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. pero cada vez son menos. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. para producir socialmente. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles.

Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. pero con menor precio y calidad. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. para producir individualmente.Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. para producir socialmente. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. con apariencia similar a los productos artesanos. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. pero cada vez son menos. con poca capacidad para llegar al mercado. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. según la leyenda que se dance o se cuente. ya que es una característica de la artesanía. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. bienes y servicios". Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. que son muy comunes en la artesanía maya. asociaciones o en cooperativas. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. . Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. Para muchas personas. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. identificándose en algunos casos la organización en comités.

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