Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
• •

Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

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Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

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Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

Pueden. que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas. capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable. basta cambiar de posición uno de sus puntos de control. Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas). que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. con un desarrollo muy suave. . cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto.Está muy asociada al ser humano. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). En el diseño web. Para modificar su forma. por ejemplo. pasando por todos los valores intermedios. También son enormemente versátiles. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. incluso. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. siendo útiles.

disponible en casi todas las aplicaciones gráficas.Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. efecto que aumenta con el tamaño del objeto. • • Movimiento literario Movimiento pictórico . PNG. etc. la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí. de un color intermedio entre ellos. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. artes visuales (pintura. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. se designan habitualmente como arquitectura barroca. escultura y arquitectura). la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar. pintura barroca. por ejemplo. JPG. se ha acuñado el término barroco y. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. De tal modo que. por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo. música barroca o literatura barroca. Es tal vez la forma gráfica más humana. siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge.

Pierre Soulages.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. comic books y objetos culturales «mundanos». el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). "pre-figuración". designio. Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. derivado de la palabra francesa tache . el narizon de raul Según Chilvers. Por tanto. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras. Serge Poliakoff. buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). bocetos o esquemas trazados en cualquiera .mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes. en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. El arte pop. Tachisme. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. Hans Hartung. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. signado "lo por venir". diseño se define como el proceso previo de configuración mental. arquitectura y otras disciplinas creativas. el porvenir visión representada gráficamente del futuro. el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso. olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo. a menudo a través del uso de la ironía. es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte. ingeniería. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. tales como anuncios publicitarios. y Georges Mathieu. Art pop. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. lo por hacer es el proyecto.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación.[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural. Nicholas de Stael. lo hecho es la obra.• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX. dibujos. Tachismo El Tachismo (en idioma español. como la música pop. signare.

. Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. Si un rombo es a la vez un rectángulo. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. Sus dos diagonales son iguales. o también. por tanto. • • • Sus lados paralelos son iguales. en geometría. repitiendo infinitos rectángulos.de los soportes. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide). al tener los cuatro lados iguales. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. síntesis. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. La circunferencia sólo posee longitud. o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. es un caso especial de rombo. esta distancia se denomina radio. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). entonces es un cuadrado. dos a dos. un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. Los ángulos interiores opuestos son iguales. Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. ordenación y transformación. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). es un paralelogramo. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. RECTANGULO En geometría plana. De modo similar. es un cilindro. respecto de un eje que contenga a un lado. es también un caso especial de rectángulo. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. Triángulo Un triángulo. es decir. El nombre romboide se aplica a otra figura. llamado centro. un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo.

la palabra círculo tiene varias acepciones. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. es menor o igual que la longitud del radio. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. En castellano. Los triángulos formados. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. llamado centro. son equiláteros. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. con la particularidad de que todos ellos son iguales. iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados. . Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados. al unir el centro con todos los vértices. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor). Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. en geometría. cuyos puntos son equidistantes del centro. cerrada. la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida. y sólo posee longitud.CIRCULO Un circulo.

Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie. Está formado por ocho caras.El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. ocho vértices. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. doce aristas. que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. treinta aristas y doce vértices. # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. Tiene veinte caras. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros. Está formado por cuatro caras. Permanece estable sobre su base. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos. Está formado por seis caras. encierran un volumen finito. seis aristas y cuatro vértices. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva. doce aristas y seis vértices. LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. . ancho y alto).

percibida por el observador. en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo. la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. Perspectiva del Campidoglio. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular. . Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. poliedro.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O. CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. Es también la ilusión visual que. con los puntos del círculo. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. ni sus ángulos iguales. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. que tienen un punto en común llamado vértice. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. en Roma. En un dibujo. Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral.

sólo vemos en fuga las líneas de profundidad. y que influyen en su percepción o en su juicio. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . como construcción predominante en las sociedades primitivas. El abrigo. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. Veamos cómo se hace. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. presionadas por las amenazas bélicas constantes. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En esta perspectiva. por eso decimos que es también vista de pájaro. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. es como si miramos desde una terraza hacia abajo. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. por ejemplo. africanos y aborígenes. entre otros. también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto.Por analogía. Ésta es la que más se aproxima a la visión real. Como ejemplo. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. un cubo. ubicado sobre la línea del horizonte. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). tal como los pueblos amerindios. El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. lo más simple de representar en perspectiva paralela es. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Edad Media . La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente.

a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. obras de riego. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. escalonadas en terrazas. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. espiritual.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. . el Clasicismo. juegos de pelotas. Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá.se hace un objetivo importante para el periodo. social . Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX. los mexicanos (aztecas. Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos. En este momento surge el manierismo. semiología. mayas). aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. A medida que el poder secular se sometía al poder papal. En América precolombina la arquitectura solo floreció en México.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. con murallas. en un primer momento. aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. en mayor o menor grado. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal. al aire libre. estanques y caminos. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. Comienzan a surgir los estados nación y. El Barroco. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica. Guatemala y el Perú. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. el poder secular vuelve al poder. EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. zapotecas. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. torreones. los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. con el avance científico representado por el Renacimiento. palacios y otros edificios públicos. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. síntesis. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). aunque hubiera ayudado en este progreso. La idea de progreso del hombre científico. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. edificios y monumentos. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. Europa asistió a un gran avance tecnológico.

inédito. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada.materia. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. cuando se utilizan . El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. CONCEPTO DISEÑO. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. POR ENCADENAMIENTO. así como un punto de vista es esencial. la cual es predominantemente hacia abajo. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. eso sí. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos. a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. innovativo. es un trabajo creativo. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. así. el sistema se descompone en subsistema. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema. el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. los niveles de abstracción. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño. el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. un marco de trabajo. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba". este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. el diseño estructurado. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. pero aun más importante que aquello. Por medio del enfoque de arriba a abajo. El encadenamiento hacia atrás (en inglés. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. conforme el diseño progresa. estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval.

La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. Ambas formas se convierten en una. la sustracción o la intersección. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. como en el distanciamiento. F. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. existe igualdad de peso en ambos lados. el resultado es una sustracción. E. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. G. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura. aunque puedan estar muy cercanas. Cuando una gorma se sobrepone a otra. Las fisuras resultan un arte particular. es obvio que una forma esta delante o encima de otra.. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. Pese a ello. la situación espacial es un poco vaga.. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento.jerarquías hacia abajo. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Como resultado de la intersección. surge una forma nueva y más pequeña. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. Pero. B. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. comienzan a tocarse. . -En el Toque. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. a nivel de percepción. Toque: Si acercamos ambas formas. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. C. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. en la que el eje es el cuerpo del insecto. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. Ambas pierden una parte de su contorno.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. en dirección o ambas cosas. nunca será igualada por una ruta de otras características. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. esto es. los resultados no son tan simples como se creen. -En la Penetración. un factor estético de armonía. -En la Unión. -En la Coincidencia. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. Al buscar una línea de ascensión a una pared. Puede no recordarnos las formas originales. con una buena dosis de técnica. -En la Superposición. Con el desarrollo de los materiales. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. habrán de coincidir. la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. porque se convierten en una forma nueva. Ninguna variación espacial es posible. la penetración. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición. H. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. o una mas cercana y otra mas lejana. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima. -En la Sustracción. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. la unión. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. A. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas. pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible. esto se ha modificado en gran medida. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura. tamaño y dirección. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. Dicen que el mejor canto es un empotramiento. sin embargo. cubriendo una porción de la cual queda debajo D. hasta que el sistema quede ensamblado. Esta regularidad constituye.

en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.5 partes. siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza.5:2. Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión. La simetría axial (también llamada rotacional. pero existe un equilibrio entre dos elementos. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona.5 centímetros así que como ya hemos visto. pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. como son 3. La asimetría nos transmite agitación. en la proporción del rostro a lo alto. En el equilibrio asimétrico. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características.5 partes. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . como veremos). Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre. .El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales. salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. Los puntos P y P' equidistan del eje . al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía. he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10. el efecto es variado. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. tensión. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3. bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel).Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil. Bien. color. no existen las mismas dimensiones en tamaño. que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño. alegría y vitalidad. dinamismo. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría. TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO. peso etc. yo en el ejemplo que os muestro. hasta la altura de las cejas.

veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3.5 = 3 cm . En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.5 cm de altura y 7.5 cm .5 y 2. de anchura. vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO.5 x 3 = 7. Como veis. lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.5 veces la medida de la frente: 2. Así que como veis tenemos un encaje perfecto. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda. además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ .5 cm . así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2. la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS. Pero hay mucho más.5 : 3. pero es que aún podemos obtener más referencias.5 partes respectivamente. esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente). luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos. .divido 10. Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR. con un número de referencias que parece abrumador en principio. pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro. los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma.

altura . El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. enfín. iguales dos a dos..Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. con la particularidad de que todos ellos son iguales. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. Bien. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados.

al unir el centro con todos los vértices. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro. Los triángulos formados. El área de esta figura se calcula . pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª.ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia.apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base.altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro. siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro. pero ángulos son distintos de 90º. son equiláteros. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor).

Zona de reflejo. de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental.[26] A principios del siglo XX. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. También llamada sombra propia. En una carta a Huygens. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. es la zona que no recibe ningún rayo de luz. OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea". Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. y se mantiene oscura. casi 400 grabados y cerca de 2. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados. También llamada medio tono opaco. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación.radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. en especial con Caravaggio. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural". Entre ellas: Zona de iluminación clara.Área del círculo = 3'14. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. 1633. dando lugar al estilo llamado tenebrismo. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. se caracteriza por medios tonos luminosos. dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. expresiones faciales. aunque no sin generar cierta polémica. Zona proyectada. retratos. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. Zona oscura. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.[28] Respecto a los grabados. . Esta técnica realza el volumen de los objetos. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta.000 dibujos. da más vida al dibujo. En las superficies curvas tiene una transición suave.

En Leiden.000 dibujos que se le atribuyen. Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines. especialmente en vestiduras y joyería. independientemente de la riqueza o la edad del retratado.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos. su hijo Titus. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida. En las obras ejecutadas en su madurez. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca. 1632.[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt.[34] A lo largo de su carrera. o haciéndose muecas a sí mismo. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad. en ocasiones representando temas bíblicos.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia. muy populares en su época. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. el paisaje y la pintura narrativa. y se aproxima a las 300 piezas. más posiblemente. Períodos. pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos. históricos o mitológicos. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas. especialmente a partir de finales de la década de 1640. al igual que los .[37] Leiden (1625-1631) "El fumador". más "áspero". de enorme profundidad psicológica. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados.suelen aparecer de forma visible en sus pinturas. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas. que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior. pero ricas en detalles. de Joos van Craesbeeck.[36] En cuanto al grabado. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. Óleo sobre tabla.[35] Estilísticamente.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2. temas y estilo El rapto de Europa. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra. podría hablarse de un desarrollo similar. o. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida. la cifra estimada es más estable. su amante Hendrickje. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones.

Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico.[44] Al mismo tiempo. [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq". "Los tres árboles". (1637-1647).[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y. fechado en 1632). Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático. las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. A partir de 1640.[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634. A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636). (1633). estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. fuertemente contrastadas y en grandes formatos. En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores.[43] Detalle de La ronda de noche. considerando el mayor trabajo de pincelada. A lo largo de la siguiente década. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se . cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. 1642. Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos."tronie". técnicas y estilos. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. "La lección de anatomía del Dr. devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio". pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano.[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos. 1641. y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas.[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens. quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". Nicolaes Tulp". 1643). Simultáneamente. Durante sus primeros años en Ámsterdam. "La fiesta de Belshazzar" (c. género popularmente holandés. las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños. De esta época son obras como "Susana y los viejos". Comúnmente. Del mismo modo. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa".[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década.

la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana. De cualquier modo. . pintado a los 26 años y una de sus obras tardías. con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen.habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. Después de sucesivas restauraciones. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. Uffizi). la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento. Anunciación (Leonardo. disponiéndose para salir de misión. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum. pintada con 56 años en 1662. OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House. donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo. los síndicos del gremio de pañeros. la lección de anatomía del Doctor Tulp.[46] A pesar de toda la especulación desatada. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol.

pintada hacia el 1510. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. de la botánica y la geología. y que ha sido copiada muchas veces. El estilo de la composición ha .[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. la Virgen. El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. con los elementos del paisaje y el drama personal.[57] Entre 1478 y 1482. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. La obra representa a Lisa Gherardini. Ginebra de Benci. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. La dama del armiño. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio. el Niño Jesús y santa Ana. la utilización que hacía de la luz.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. Liana Bortolon.[8] A pesar de todo. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. es otra de sus obras de este periodo. Uno de ellos es pequeño. Década de 1480 En la década de 1480. ambas atribuida a Leonardo[59] ). En 1480. el interés por la fisonomía. El otro es un trabajo mucho más grande. Desgraciadamente. y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. Otra obra destacable es La Virgen. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda. la Adoración de los Magos. El cuadro pudo ser terminado. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. La Gioconda. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. esposa de Francesco del Giocondo. La Última Cena y La Virgen de las rocas.[56] En estas dos Anunciaciones. que topó con la incomprensión del prior del convento.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». aprendía sólo a morir».A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. es una de las obras de arte más reproducidas. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. Pero. Entre las cualidades. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. La Virgen del clavel. el Niño y san Juanito. 217 centímetros de largo. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato. autentificadas o que se le atribuyen. que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos. Leonardo pintó Santa Ana. Por un lado. Rafael y Andrea del Sarto. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. Fechada hacia 1474-1476. Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. dos de las obras nunca fueron terminadas. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. y una segunda versión hecha algunos años más tarde. en 1482. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. Otra pintura que parece datar de este periodo.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos. pese a tener sólo cuatro personajes. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. Fue un cuadro muy complejo.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres. a petición de Lorenzo de Médici. pintó Madona Benois. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. en Pontormo y Antonio da Correggio. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. es La Anunciación. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer. en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena.[8] y a través de ellos.

pero un cuadro bastante próximo es La Virgen. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio. hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. perfil característico de muchas estatuas griegas. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color. fue un dibujante muy productivo. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. en la que usó como modelo a Salai. el Niño Jesús y santa Ana.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. muestran estudios sobre ropas. la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. el Jefe del ángel. donde se puede observar el río. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista.[ . el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista. Además de sus notas. aunque exagerados. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. característica del llamado «perfil griego». existen numerosos estudios de sus pinturas. Este tema de Santa Ana. las montañas. más allá. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. Leonardo no fue un pintor prolífico pero.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle. junto con el de la Sagrada Familia.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen. La Virgen de las Rocas y La Virgen. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. el Niño Jesús y santa Ana.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo. un estudio de las proporciones del cuerpo humano. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia. llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. en cambio. a menudo minuciosos. el castillo Montelupo y. Otros dibujos. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. el 29 de diciembre de 1479.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». con una cara poco habitual. las cuales se han asociado con Salai.

percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. . Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. Un primer ciclo. en la parte alta de las paredes del templo. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. principalmente trabajos religiosos. dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto. su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. llena de sangre y fuerza vital. Giotto di Bondone. Así. atribuido a Paolo Uccello. Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Según Vasari. fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. 8 de enero de 1337) fue un notable pintor. hundió su pincel en pintura roja y. 1267 . Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. escultor y arquitecto italiano del Trecento. con un solo trazo continuo. se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida". Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo. Cuando Giotto promediaba la treintena.Florencia.Giotto Presunto retrato de Giotto.

inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. Color El color es un aspecto importante en la pintura. tintes. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. mientras que el negro es la ausencia de color. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. y de atribución bastante dudosa. con el color complementario como contraste. acerca de la vida de San Francisco de Asís.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. entre 1297 y 1299.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático. una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. Con poca luz se ve en blanco y negro. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. “parten” de un color dominante básico. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. . otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores.1490). Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. Vistos los excelentes resultados. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. desarrolla temas bíblicos. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. magenta y amarillo. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. porque se aniquilan cuando están mezcladas. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. Más adelante. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes.

verde o azul.. lo que daría un color neutro. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire. Es. rojo. el fuego. más conocidos como los Principia. autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica. Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz. son los colores vecinos del círculo cromático los cuales. desde el verdoso al violáceo. donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. que utilizó para formular sus leyes de la física. También se define como la variación cualitativa del color. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. en relación con la longitud de onda de su radiación. Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes. de confianza. y su obra como la culminación de la revolución científica. Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos. rojos. su desarrollo de una ley de convección térmica. inventor. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas. seriedad y distanciamiento. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire. tiene un color como común denominador. serían rojo violáceo y rojo anaranjado. . Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. filósofo. es decir.La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado.. De un color puro se dice que es un "color muy vivo". Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. azules y violetas (colores asociados con el agua. su nivel de pureza. dede el verdoso al violáceo). . naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar. y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. calificado como el científico más grande de todos los tiempos. verdes.Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. teólogo. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. En un sentido más específico. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. estableciendo una ley sobre la viscosidad. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza. de alegría.Los colores puros del espectro están completamente saturados. . los análogos del rojo. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813). amistad y acogimiento.Para desaturar un color sin que varíe su valor. El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. a menudo. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII). Así. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro.).. O también gama de azules. . CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria. . las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro. alquimista y matemático inglés. También contribuyó en otras áreas de la matemática. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes. dan sensación de actividad. Los colores cálidos." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario.) y fríos.. Usados juntos producen sensación de armonía. el púrpura y el violeta. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo. de dinamismo.

de la degradación moral y de la locura. brutalidad. significa paz o rendición. Simboliza sangre. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. lasitud. disputa. la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. y los bajos impulsos. Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Este primario significa envidia. suntuosidad. Significa realidad. en el segundo. Es el color del infinito.000º Kelvin). el diablo y el mal. tristeza. pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. razón. pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. Verde:Es un color de gran equilibrio.000º Kelvin). fanatismo e intolerancia. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. y cielo. oro. En su variación al púrpura. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. frescura y vegetación. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. de los sueños y de lo maravilloso. cuando tiene una leve tendencia verdosa. simboliza la naturaleza y el crecimiento. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color. ardor y pasión. tienen distintos "valores" de luminosidad. destrucción e impulso. la inteligencia y las emociones profundas. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. verdad eterna e inmortalidad. Es la suma o síntesis de todos los colores. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . el sol. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. al mezclarse proporcionalmente con blanco. tiene un temperamento vital. y alegría juvenil. calor. que vive hacia afuera . tienen que adaptarse a otra característica. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. También significa descanso. Mezclado con blanco es frivolidad. desconfianza. ambicioso y material. opresión. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. la intensidad del color naranja. Sugiere humedad. y se deja llevar por el impulso. acción. desesperación. voluntad y estimulo. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3. Violeta: Significa martirio. Mezclado con blanco: muerte. A medida que se le agrega negro. pasión. desde los más altos a los oscuros. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. Es el color de los maniáticos y de marte. .En los ejemplos de arriba. fe. va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. El naranja puro de arriba señalado con una X. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. es un color utilisimo. No fatiga los ojos en grandes extensiones. esperanza. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. En la escala inferior. particularmente en los últimos años de su crisis. Mezclado con el negro sugiere engaño. habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. saturación y luminosidad. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. asi mismo crueldad y rabia. aflicción. porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. rigidez y dolor. cobardía. tristes o linfáticos. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. dignidad. la acción . que al mismo tiempo pierde saturación. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10. inocencia. debilidad o miedo y también riqueza. y simboliza la sabiduría. fuego. fidelidad. es realeza. alegría. y mezclado con negro. Los tonos rojos de las imágenes superiores. pierde brillantez. Van Gogh tenia por el una especial predilección. lógica y juventud. y el símbolo de lo absoluto. revolución. Mezclado con blanco es pureza . Es el color de la luz. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. de la unidad y de la inocencia. disimulo. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. misticismo. el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental. dominio y tiranía. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. fuerza. el poder y simboliza arrogancia. ira. desesperación y miseria. Características de tono. crimen. Mezclado con negro es deslealtad. mas que por la reflexión. fuerza. profundidad y también experiencia. Lumniosidad. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento. recelo y bajas pasiones. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo.

Este poderoso agente natural es. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. del bien y del mal. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. Estiliza y acerca. debidamente combinados. no emiten luz. Es la muerte. Conocida desde las más antiguas civilizaciones. sino la transición entre el blanco y el negro. Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". los amarillos. un notable elemento curativo. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias. Químicamente muy rica. además representaba el yin femenino. y el producto de la mezcla de ambos. que no dejan escapar radicación alguna. a largo plazo. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. Simboliza neutralidad. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul. es la ausencia del color.[17] . Sólo los cuatro elementos. y los hombres el azul. Símbolo del error y del mal. la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. opaca o transparente. De hecho.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Su capacidad de soportar capas sucesivas. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya. el negro puro es la ausencia de color y de luz. Estos aceites se secan más lentamente que otros. Sin la luz solar. los colores existen en todas las sustancias del Universo. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. mate o brillante. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". De hecho. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que. el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. También transmite nobleza y elegancia. de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas. luz visible incluida. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. tiende a amarillear ligeramente. sobre todo durante una época. sin embargo. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. Por esta y por otras razones. Negro:El color más oscuro. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. no por evaporación sino por oxidación. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas . La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. rojo y verde.Gris: No es un color. Pese a la consideración negativa del negro. No reflejan nada. como la trementina. tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. Entre los primeros. naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. visibles e invisibles. el negro fue signo de fertilidad. Mediante los diversos rayos de la luz solar. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe. Usado de una manera conveniente. pintura o tinta son capaces de reproducir. la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. la vida no sería posible. En la vida más normal. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. la razón por la cual se impuso. a la vez. Entre los chinos y los egipcios. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades.

como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). Según el pintor Paul Signac: «. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística. Asimismo se denomina así al efecto . En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga.. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. que actúa como otro verdadero tono. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. como Cascara de Huevo y Lino. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo. procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor. realismo y facilidad de trabajar tu arte. Armonía cromática La Armonía cromática. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. es concebida hoy. o Armonía de los colores. pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc.Caja de acuarelas. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución.. permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. Puedes dejar de trabajarlo por horas. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras.

ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. azul-violeta. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja). Blue. Hoy. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. rojo-anaranjado. Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. obteniendo: Verde (S). blanco. Green. En el Modelo de color RYB (Red. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. o negro). La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia. el rojo y el azul. o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). el complementario del color verde es el color magenta. verde. que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. Así en el sistema RGB (del inglés Red. que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. amarillo. Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). el acorde cromático y la coloración acorde. los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. Blue = rojo.estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. más los dos colores acromáticos. entre los que destacan: el ajuste cromático. rojo-violeta y amarilloanaranjado. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. . unidos por su diámetro. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. la complementariedad. azul). Colores secundarios. Yellow. el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. Colores intermedios. Colores primarios. el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. la extensión cromática. SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista. desde la Antigüedad griega. COLORES PRIMARIOS. únicos. rojo. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. azul-verdoso.

El cian es el color opuesto al rojo. rojo. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. Y así sucesivamente con todos los colores. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Círculo cromático con degragadado. rojo. azul y verde. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Lápices de colores dispuestos cromáticamente. aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. Esta estrella muestra los colores complementarios. anaranjado. El magenta es el color opuesto al verde. Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores. violeta. el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. azul.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. magenta. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Materiales necesarios: . cian y verde. El círculo cromático es una clasificación de los colores. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo.

. La gama tiene un sentido más restrictivo. en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre.- Block de dibujo. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza. Las gamas. amarillo. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. Normalmente. podemos distinguir entre gamas y escalas. rojo. blanco y negro) y pinceles.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo. que está generalmente azul. las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. incluso ideales. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo). Lapicero y goma de borrar. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo. pero también más rico y preciso.. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie. tal como a pintura del paisaje)... Antes de tratar el tema de la armonía. ROMANTICISMO. Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. e igual ocurre con la palabra gama. BARROCO. Compás y regla. Las escalas son esquemáticas. que pueden estar alejados pero también muy próximos. NEOCLASICISMO. armonía. etc. RENACIMIENTO. Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo. por el contrario. magenta. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales. Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien. Témperas (cyan. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. IMPRESIONISMO Y CUBISMO . se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura.

[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5. fechada por algunos historiadores de unos 32. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino. En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. búfalos.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. Miguel Ángel. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. leones. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador.000 años. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. el sfumato y el claroscuro. caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña. donde destacó la figura el pintor Giotto. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios. Italia y Europa oriental. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. también en esta época apareció la técnica del óleo. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. ya no parecían adecuadas. que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. la Virgen María y la vida de santos. el uso de luz y sombra. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas. mamuts. Norte de África. que habían dominado el arte durante casi un siglo. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. fueron realizadas con ocre de arcilla.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero. Rafael Sanzio y Tiziano. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia. se concentra sobre todo. en los colores y en las formas. . También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro.

espontánea.[ principios del siglo XX. se considera la primera fase del cubismo. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. desarrollando imágenes casi monocromas. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. Las obras expresionistas. rebelde y apasionada. CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. Finalmente se designó como expresionismo. En Francia el pintor más importante fue Delacroix. característica de muchos artistas nórdicos. con escrituras automáticas. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. utilizando imágenes para expresar sus emociones. Constable y Turner. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. Rubens y Rembrandt. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica. en torno a la personalidad del poeta André Breton. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. expresión de la interioridad de la conciencia. sur [sobre. Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes. sin correcciones racionales. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. la cultura o a tópicos sociales. James Ensor y Edvard Munch. el término expresionismo era utilizado para referirse. muestran una inspiración violenta. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. indistintamente. estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. en los Estados Unidos. destacan Velázquez . el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. ya de un modo preciso. A diferencia de los fauves. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico. sin interesarse por los detalles concretos. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. el arte gótico o el barroco. el impresionismo con Manet a la cabeza. la pintura abstracta es heredera del cubismo. Buscaba descubrir una verdad. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. de Bohumil Kubišta. en el cual se funden angustia y simbolismo. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. representados con tanta fuerza. en el Reino Unido. asimismo.Hipnotizador (1912). en la década de los años 1920. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. . a cualquier tendencia de vanguardia. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. pero que nunca seguían un razonamiento lógico. está el método de Cézanne. éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. El Surrealismo (en francés: surréalisme.

se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. y el del ilusionismo arquitectónico. que llega hasta comienzos del imperio. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. Amor sagrado y amor profano. Estos retratos. de detallada decoración. La pintura romana. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. escenográfico o teatral.ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. Ahora. el arquitectónico. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. h. Pintura renacentista Ticiano. se aplicase sobre su momia. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. Se . Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. en general. el ornamental (siglo I). Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. de origen helenístico. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. Pintura de El Fayum. Generalmente al fresco. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. por su parte. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. como el de la pareja imperial. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla.

no les importa el objeto. la alineación. Ven colores que conforman cosas. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. el aislamiento. Tanto el Impresionismo. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos. Paul Gaugin. la masificación. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. 1888. Posimpresionismo Visión tras el sermón. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste.centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. paralelo al post-impresionismo. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. Expresionismo. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. la actividad industrial y la degradación. una aplicación compacta de la pintura. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. morales e intelectuales. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. rechazan lo que trae consigo la vida diaria. la aglomeración. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Simbolismo. creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. . pinceladas distinguibles y temas de la vida real. políticos. La angustia existencial es el principal motor de su estética. y esto es lo que plasman. La cara oculta de la modernización.

Fernand Leger.Cubismo. de formas. Textura de la pintura. la belleza de la velocidad. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. Por eso. seda y lino. el movimiento y la deshumanización. un automóvil rugiente. la rapidez. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. Y una vez creadas. Un automóvil de carreras. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista.. existen varios tipos de fibras. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. aunque temporalmente también acepta el litro. calidad general del sonido de una composición musical. sino una pintura de volúmenes. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. En física. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. pintura o escultura. acorde con la mentalidad moderna. la velocidad. En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. Boccioni. • Textura (gráficos por computadora). que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. pero aparece en la forma. fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon. pero con anterioridad. Jean Metzinger y Albert Gleizes. entrelazamiento . • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo.. sino que se manifiesta a través del color. así como las sensaciones que causan. Su fórmula era la forma-color. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Cézanne ya habría marcado el camino. las que son utilizadas por los artistas. Gira en torno a la figura de Marinetti. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos. que será el punto de partida. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. • Textura del tejido. . que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. Quieren crear un arte nuevo. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. que son captadas por el sentido del tacto. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. lana. La textura es expresiva. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición. Carrá. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. que parece correr sobre una estela de metralla. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. donde la tradición artística lo impregnaba todo. Futurismo. el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. Él cree que la naturaleza no se dibuja. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. disposición y orden de los hilos en un tejido. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. surgiendo aquí el problema de los planos. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. Balla o Severini. la energía. hay que relacionarlas entre sí. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. especialmente en Italia. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. las naturales: algodón. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado.

Incluye la cabeza. Figuras humanas. la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Suelen ser cilindros. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). crema o anaranjado. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco. La talla de las piedras semipreciosas. como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. también llamado tronco. Palenque. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. dibujo o grabado. Nueva Esparta. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I). la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística. Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos.Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. llamado códice. platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades.). los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes. el nacimiento de los brazos y el pecho. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. suponen una valiosa aportación al arte maya. los hombros. logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia. Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. en jade y obsidiana. Coba y Chichén Itzá. excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. El otro estilo.C. a una representación escultórica de esta parte del cuerpo.Puede ser una escultura. o parte de él. Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. del que se conservan muy pocos. pintura. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial.

en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. para producir socialmente. identificándose en algunos casos la organización en comités.manual creativa. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. pero con menor precio y calidad. asociaciones o en cooperativas. según la leyenda que se dance o se cuente. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. con poca capacidad para llegar al mercado. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Para muchas personas. • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. bienes y servicios". • • . pero cada vez son menos. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. ya que es una característica de la artesanía. que son muy comunes en la artesanía maya. con apariencia similar a los productos artesanos. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. para producir individualmente.

También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. Para muchas personas. según la leyenda que se dance o se cuente. pero con menor precio y calidad. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. asociaciones o en cooperativas. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. con poca capacidad para llegar al mercado. para producir socialmente. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. . en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. ya que es una característica de la artesanía. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. que son muy comunes en la artesanía maya. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. con apariencia similar a los productos artesanos. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. para producir individualmente. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. pero cada vez son menos. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. identificándose en algunos casos la organización en comités. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. bienes y servicios". Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable.Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes.

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