Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
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Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

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Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

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Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. basta cambiar de posición uno de sus puntos de control. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. incluso. pasando por todos los valores intermedios. que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. con un desarrollo muy suave. También son enormemente versátiles. cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto. Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. En el diseño web. siendo útiles. Pueden.Está muy asociada al ser humano. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas). . Para modificar su forma. por ejemplo. por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma.

por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo. PNG. la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar. • • Movimiento literario Movimiento pictórico . de un color intermedio entre ellos. etc. por ejemplo. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo.Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Es tal vez la forma gráfica más humana. disponible en casi todas las aplicaciones gráficas. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. se ha acuñado el término barroco y. De tal modo que. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí. se designan habitualmente como arquitectura barroca. la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. artes visuales (pintura. siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. escultura y arquitectura). JPG. música barroca o literatura barroca. efecto que aumenta con el tamaño del objeto. pintura barroca.

derivado de la palabra francesa tache . el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Tachisme.[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural. el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. bocetos o esquemas trazados en cualquiera . Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. Tachismo El Tachismo (en idioma español. el porvenir visión representada gráficamente del futuro. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes. "pre-figuración". El arte pop. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense).• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras. como la música pop. pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso. Art pop. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. comic books y objetos culturales «mundanos». designio. signado "lo por venir". el narizon de raul Según Chilvers.mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. lo por hacer es el proyecto. es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte. arquitectura y otras disciplinas creativas. en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). dibujos. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. Pierre Soulages. Serge Poliakoff. buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos. tales como anuncios publicitarios. Nicholas de Stael. diseño se define como el proceso previo de configuración mental. Por tanto. Hans Hartung. y Georges Mathieu. signare. ingeniería. lo hecho es la obra. a menudo a través del uso de la ironía.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación. olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo.

de los soportes. Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo. por tanto. esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). ordenación y transformación. esta distancia se denomina radio. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana. llamado centro. El nombre romboide se aplica a otra figura. respecto de un eje que contenga a un lado.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. es un paralelogramo. El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. . o también. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. es decir. al tener los cuatro lados iguales. Si un rombo es a la vez un rectángulo. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. Sus dos diagonales son iguales. dos a dos. Triángulo Un triángulo. Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. síntesis. es un caso especial de rombo. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. es también un caso especial de rectángulo. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. • • • Sus lados paralelos son iguales. RECTANGULO En geometría plana. es un cilindro. De modo similar. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. en geometría. un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. Los ángulos interiores opuestos son iguales. repitiendo infinitos rectángulos. al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide). La circunferencia sólo posee longitud. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. entonces es un cuadrado.

El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana. Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia. la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. . Los triángulos formados. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles.CIRCULO Un circulo.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. llamado centro. iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. cuyos puntos son equidistantes del centro. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. son equiláteros. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor). escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados. es menor o igual que la longitud del radio. y sólo posee longitud. con la particularidad de que todos ellos son iguales. en geometría. cerrada. la palabra círculo tiene varias acepciones. En castellano. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. al unir el centro con todos los vértices. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados.

treinta aristas y doce vértices.El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. Permanece estable sobre su base. Está formado por cuatro caras. HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. Está formado por seis caras. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. Está formado por ocho caras. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. ancho y alto). encierran un volumen finito. radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. . doce aristas. doce aristas y seis vértices. LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos. ocho vértices. seis aristas y cuatro vértices. Tiene veinte caras. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie.

Es también la ilusión visual que. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. en Roma. con los puntos del círculo. en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular. Perspectiva del Campidoglio. poliedro. ni sus ángulos iguales. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. . la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. percibida por el observador. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. que tienen un punto en común llamado vértice. CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral. En un dibujo.

En esta perspectiva. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. ubicado sobre la línea del horizonte.Por analogía. un cubo. La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente. por eso decimos que es también vista de pájaro. es como si miramos desde una terraza hacia abajo. tal como los pueblos amerindios. Veamos cómo se hace. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. entre otros. Como ejemplo. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). como construcción predominante en las sociedades primitivas. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. africanos y aborígenes. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. Edad Media . El abrigo. por ejemplo. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. Ésta es la que más se aproxima a la visión real. la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. y que influyen en su percepción o en su juicio. también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. presionadas por las amenazas bélicas constantes. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. lo más simple de representar en perspectiva paralela es. sólo vemos en fuga las líneas de profundidad.

escalonadas en terrazas. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente.se hace un objetivo importante para el periodo.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. obras de riego. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. mayas). Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. semiología. Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá. Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. zapotecas. palacios y otros edificios públicos. el poder secular vuelve al poder. torreones. El Barroco.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. en un primer momento. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita. en mayor o menor grado. Guatemala y el Perú. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. social . En este momento surge el manierismo. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). . con murallas. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. Comienzan a surgir los estados nación y. A medida que el poder secular se sometía al poder papal. los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. síntesis. al aire libre. En América precolombina la arquitectura solo floreció en México. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica. juegos de pelotas. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. edificios y monumentos. con el avance científico representado por el Renacimiento. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. el Clasicismo. los mexicanos (aztecas. aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. La idea de progreso del hombre científico. espiritual. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro. estanques y caminos. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX. Europa asistió a un gran avance tecnológico. aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. aunque hubiera ayudado en este progreso.

innovativo. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos. así. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. así como un punto de vista es esencial. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. el diseño estructurado. este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente. estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. cuando se utilizan . el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema. conforme el diseño progresa. eso sí. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos.materia. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. CONCEPTO DISEÑO. ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. los niveles de abstracción. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. es un trabajo creativo. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. el sistema se descompone en subsistema. En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. pero aun más importante que aquello. la cual es predominantemente hacia abajo. El encadenamiento hacia atrás (en inglés. Por medio del enfoque de arriba a abajo. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. inédito. POR ENCADENAMIENTO. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño. a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. un marco de trabajo. estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba".

la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. como en el distanciamiento. Pero. Como resultado de la intersección. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. tamaño y dirección. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. en la que el eje es el cuerpo del insecto. Esta regularidad constituye. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. la situación espacial es un poco vaga. surge una forma nueva y más pequeña. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible. -En el Toque. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. Ambas pierden una parte de su contorno. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. es obvio que una forma esta delante o encima de otra.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. B.jerarquías hacia abajo. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. Ninguna variación espacial es posible. comienzan a tocarse. -En la Unión. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. nunca será igualada por una ruta de otras características. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. -En la Penetración. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. habrán de coincidir. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura. Puede no recordarnos las formas originales. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición.. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima. -En la Superposición. -En la Sustracción. aunque puedan estar muy cercanas. en dirección o ambas cosas. a nivel de percepción. pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra. H. o una mas cercana y otra mas lejana. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. Con el desarrollo de los materiales. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. hasta que el sistema quede ensamblado.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. G. un factor estético de armonía.. esto es. Al buscar una línea de ascensión a una pared. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. esto se ha modificado en gran medida. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. F. porque se convierten en una forma nueva. existe igualdad de peso en ambos lados. . Pese a ello. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. Las fisuras resultan un arte particular. Cuando una gorma se sobrepone a otra. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. con una buena dosis de técnica. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. la unión. C. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. Toque: Si acercamos ambas formas. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. cubriendo una porción de la cual queda debajo D. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. la sustracción o la intersección. E. los resultados no son tan simples como se creen. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento. el resultado es una sustracción. la penetración. Ambas formas se convierten en una. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. sin embargo. Dicen que el mejor canto es un empotramiento. -En la Coincidencia. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. A.

El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría. al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. . alegría y vitalidad. en la proporción del rostro a lo alto. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. yo en el ejemplo que os muestro. Los puntos P y P' equidistan del eje . pero existe un equilibrio entre dos elementos. no existen las mismas dimensiones en tamaño. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza. Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre.5 partes. Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño.5 partes. bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel). he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10. el efecto es variado. salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel. Bien. TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO. En el equilibrio asimétrico. dinamismo. como veremos). color. La simetría axial (también llamada rotacional. peso etc. de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características. como son 3.5 centímetros así que como ya hemos visto. hasta la altura de las cejas. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil. tensión. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3.5:2. lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. La asimetría nos transmite agitación. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje.

lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro.5 x 3 = 7. además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS.5 : 3. la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS. vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ.5 cm . Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda.5 veces la medida de la frente: 2. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente).5 partes respectivamente.5 cm . esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO. Como veis. de anchura.divido 10. pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro. veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3.5 = 3 cm . Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad. los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma.5 y 2. En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda. así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ .5 cm de altura y 7. . luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos. con un número de referencias que parece abrumador en principio. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10. pero es que aún podemos obtener más referencias. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ. Pero hay mucho más. Así que como veis tenemos un encaje perfecto. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.

. con la particularidad de que todos ellos son iguales. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . iguales dos a dos. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…. Bien. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?. ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. enfín.altura . El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base.

son equiláteros. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base.diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados.apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. El área de esta figura se calcula . pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor).altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor. al unir el centro con todos los vértices. pero ángulos son distintos de 90º. Los triángulos formados.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia. siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro.ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro.

Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990.000 dibujos.[28] Respecto a los grabados. En una carta a Huygens. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. es la zona que no recibe ningún rayo de luz.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural". dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. También llamada medio tono opaco. aunque no sin generar cierta polémica. Esta técnica realza el volumen de los objetos.Área del círculo = 3'14. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra. OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea". casi 400 grabados y cerca de 2. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. y se mantiene oscura.[26] A principios del siglo XX. retratos. de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental. También llamada sombra propia. Entre ellas: Zona de iluminación clara. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta. . Zona de reflejo. Zona proyectada. Zona oscura. en especial con Caravaggio. da más vida al dibujo. dando lugar al estilo llamado tenebrismo. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. En las superficies curvas tiene una transición suave.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación.radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. se caracteriza por medios tonos luminosos. 1633. expresiones faciales.

más "áspero". de enorme profundidad psicológica. podría hablarse de un desarrollo similar. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida.[35] Estilísticamente. que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. 1632. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca. especialmente a partir de finales de la década de 1640. más posiblemente. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato. En Leiden. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida. suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad. aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje.000 dibujos que se le atribuyen. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos. Óleo sobre tabla. independientemente de la riqueza o la edad del retratado. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas. pero ricas en detalles. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos. Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman. Períodos.[37] Leiden (1625-1631) "El fumador".[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. al igual que los .suelen aparecer de forma visible en sus pinturas.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro.[34] A lo largo de su carrera. especialmente en vestiduras y joyería. por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines. o. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio. pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos. históricos o mitológicos. En las obras ejecutadas en su madurez. su hijo Titus. de Joos van Craesbeeck. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez. su amante Hendrickje. muy populares en su época. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. temas y estilo El rapto de Europa. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones. o haciéndose muecas a sí mismo. el paisaje y la pintura narrativa. la cifra estimada es más estable. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. y se aproxima a las 300 piezas.[36] En cuanto al grabado. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. en ocasiones representando temas bíblicos.

Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido. esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq".[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. (1633). A partir de 1640.[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634.[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década. fuertemente contrastadas y en grandes formatos. Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico. pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos. considerando el mayor trabajo de pincelada. Comúnmente. 1643). "La lección de anatomía del Dr. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se . las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños. fechado en 1632). Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas. Nicolaes Tulp". La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. A lo largo de la siguiente década. técnicas y estilos. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens. Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636). Durante sus primeros años en Ámsterdam.[43] Detalle de La ronda de noche. Del mismo modo. estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. (1637-1647).[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados. Simultáneamente. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa". cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores.[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. 1642. "Los tres árboles". devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio"."tronie". De esta época son obras como "Susana y los viejos". y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional.[44] Al mismo tiempo. 1641. [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. "La fiesta de Belshazzar" (c. género popularmente holandés. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos.

Después de sucesivas restauraciones. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House. el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra. disponiéndose para salir de misión. Uffizi).habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. pintado a los 26 años y una de sus obras tardías. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum. con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen.[46] A pesar de toda la especulación desatada. Anunciación (Leonardo. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo. la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana. los síndicos del gremio de pañeros. donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería. pintada con 56 años en 1662. De cualquier modo. la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. la lección de anatomía del Doctor Tulp. .

A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. Uno de ellos es pequeño.[56] En estas dos Anunciaciones. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir. dos de las obras nunca fueron terminadas. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos.[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. en 1482. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. Entre las cualidades. El cuadro pudo ser terminado. Otra pintura que parece datar de este periodo. y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. el Niño y san Juanito. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista. Ginebra de Benci. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. La dama del armiño. la Virgen. pese a tener sólo cuatro personajes. Por un lado.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto.[8] y a través de ellos. con los elementos del paisaje y el drama personal. la utilización que hacía de la luz. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. el Niño Jesús y santa Ana. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. es una de las obras de arte más reproducidas. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. esposa de Francesco del Giocondo. Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. La obra representa a Lisa Gherardini. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda. Leonardo pintó Santa Ana. de la botánica y la geología. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres. y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. pintada hacia el 1510. y que ha sido copiada muchas veces. Fue un cuadro muy complejo. La Virgen del clavel. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. aprendía sólo a morir».[8] A pesar de todo. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. a petición de Lorenzo de Médici. La Gioconda. El otro es un trabajo mucho más grande. que topó con la incomprensión del prior del convento. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. es La Anunciación. autentificadas o que se le atribuyen. 217 centímetros de largo. En 1480. pintó Madona Benois. es otra de sus obras de este periodo. Rafael y Andrea del Sarto. en Pontormo y Antonio da Correggio. La Última Cena y La Virgen de las rocas. el interés por la fisonomía.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». y una segunda versión hecha algunos años más tarde. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. Otra obra destacable es La Virgen. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. ambas atribuida a Leonardo[59] ). El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. Década de 1480 En la década de 1480. Pero. Fechada hacia 1474-1476.[57] Entre 1478 y 1482. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo. la Adoración de los Magos. El estilo de la composición ha . que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos. Liana Bortolon. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. Desgraciadamente.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel.

el Niño Jesús y santa Ana. La Virgen de las Rocas y La Virgen.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». con una cara poco habitual. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista. Otros dibujos. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. en la que usó como modelo a Salai. aunque exagerados. Leonardo no fue un pintor prolífico pero. un estudio de las proporciones del cuerpo humano. las cuales se han asociado con Salai.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color. la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. pero un cuadro bastante próximo es La Virgen. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante. característica del llamado «perfil griego».[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. donde se puede observar el río. junto con el de la Sagrada Familia. el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista. el Jefe del ángel. Este tema de Santa Ana.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen. Además de sus notas. fue un dibujante muy productivo. perfil característico de muchas estatuas griegas. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. existen numerosos estudios de sus pinturas.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo. hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena.[ . las montañas. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi. el Niño Jesús y santa Ana. el castillo Montelupo y. más allá. el 29 de diciembre de 1479. muestran estudios sobre ropas. a menudo minuciosos. en cambio.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese.

Un primer ciclo. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos. Cuando Giotto promediaba la treintena. dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto. con un solo trazo continuo. mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. escultor y arquitecto italiano del Trecento. llena de sangre y fuerza vital. hundió su pincel en pintura roja y. Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Así. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. Giotto di Bondone. su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo. Según Vasari. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. . fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. 1267 .Florencia. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. atribuido a Paolo Uccello. en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo. se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís.Giotto Presunto retrato de Giotto. en la parte alta de las paredes del templo. 8 de enero de 1337) fue un notable pintor. principalmente trabajos religiosos. percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida".

El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. desarrolla temas bíblicos. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. Más adelante. Vistos los excelentes resultados. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. Con poca luz se ve en blanco y negro. Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. acerca de la vida de San Francisco de Asís. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. mientras que el negro es la ausencia de color. Color El color es un aspecto importante en la pintura. otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. magenta y amarillo. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. porque se aniquilan cuando están mezcladas. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. entre 1297 y 1299. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas. “parten” de un color dominante básico. tintes.1490). Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. con el color complementario como contraste. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. . En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. y de atribución bastante dudosa. TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético.

calificado como el científico más grande de todos los tiempos. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes.Los colores puros del espectro están completamente saturados. dan sensación de actividad. rojos. . amistad y acogimiento. inventor. Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos. Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz. Así. el púrpura y el violeta. Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo. que utilizó para formular sus leyes de la física. . filósofo. dede el verdoso al violáceo).. verdes. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas. En un sentido más específico. su desarrollo de una ley de convección térmica. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. De un color puro se dice que es un "color muy vivo". Es. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. estableciendo una ley sobre la viscosidad.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario. verde o azul. alquimista y matemático inglés. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria. Usados juntos producen sensación de armonía. teólogo. los análogos del rojo. su nivel de pureza. es decir.) y fríos. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro. más conocidos como los Principia. O también gama de azules. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire. a menudo. También se define como la variación cualitativa del color. Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. rojo. en relación con la longitud de onda de su radiación.Para desaturar un color sin que varíe su valor. . tiene un color como común denominador. .). Fue también un pionero de la mecánica de fluidos. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII). de dinamismo.Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. . desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes. autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. de confianza. las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. lo que daría un color neutro. azules y violetas (colores asociados con el agua. el fuego. Los colores cálidos.La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado. de alegría.. También contribuyó en otras áreas de la matemática. donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. desde el verdoso al violáceo. y su obra como la culminación de la revolución científica. serían rojo violáceo y rojo anaranjado. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813). Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. seriedad y distanciamiento... son los colores vecinos del círculo cromático los cuales." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático.

que al mismo tiempo pierde saturación. Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida. significa paz o rendición. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. cuando tiene una leve tendencia verdosa. debilidad o miedo y también riqueza. en el segundo. el poder y simboliza arrogancia. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental. A medida que se le agrega negro. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. desconfianza. asi mismo crueldad y rabia. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. fuerza. va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación. disimulo. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . desesperación. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color. Es el color de la luz. de los sueños y de lo maravilloso. cobardía. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. destrucción e impulso. es un color utilisimo. Simboliza sangre. Significa realidad.En los ejemplos de arriba. Sugiere humedad. Mezclado con blanco es frivolidad. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. el sol. lasitud. . desesperación y miseria. profundidad y también experiencia. En la escala inferior. verdad eterna e inmortalidad. fanatismo e intolerancia. fidelidad. fe. que vive hacia afuera . revolución. crimen. pasión. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. Mezclado con negro es deslealtad. y cielo. Violeta: Significa martirio. Los tonos rojos de las imágenes superiores. y se deja llevar por el impulso. habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo. la inteligencia y las emociones profundas. y el símbolo de lo absoluto. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. mas que por la reflexión. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. es realeza. Es el color del infinito. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. al mezclarse proporcionalmente con blanco. y los bajos impulsos. opresión. y mezclado con negro. el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. voluntad y estimulo. Lumniosidad. Mezclado con blanco: muerte. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. razón. El naranja puro de arriba señalado con una X. aflicción. suntuosidad. de la degradación moral y de la locura. alegría. misticismo. inocencia. tristes o linfáticos. tiene un temperamento vital. se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. ira. También significa descanso. el diablo y el mal. fuego. frescura y vegetación. pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10. No fatiga los ojos en grandes extensiones. pierde brillantez. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. acción. fuerza. Verde:Es un color de gran equilibrio. de la unidad y de la inocencia. Características de tono. Mezclado con el negro sugiere engaño. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. dignidad. la intensidad del color naranja. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3. simboliza la naturaleza y el crecimiento. oro. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. tienen distintos "valores" de luminosidad.000º Kelvin). pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. saturación y luminosidad. Van Gogh tenia por el una especial predilección. calor. y simboliza la sabiduría. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. Mezclado con blanco es pureza .000º Kelvin). la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. brutalidad. En su variación al púrpura. tienen que adaptarse a otra característica. rigidez y dolor. desde los más altos a los oscuros. ardor y pasión. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. la acción . y alegría juvenil. dominio y tiranía. recelo y bajas pasiones. lógica y juventud. disputa. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. Es la suma o síntesis de todos los colores. porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. Este primario significa envidia. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. tristeza. Es el color de los maniáticos y de marte. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. particularmente en los últimos años de su crisis. ambicioso y material. esperanza.

debidamente combinados. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". Pese a la consideración negativa del negro. y el producto de la mezcla de ambos. la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. Estiliza y acerca. Químicamente muy rica. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . Usado de una manera conveniente. Conocida desde las más antiguas civilizaciones. Entre los primeros. el negro fue signo de fertilidad. La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. sin embargo. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. En la vida más normal. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. el negro puro es la ausencia de color y de luz. no por evaporación sino por oxidación. Es la muerte. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul. un notable elemento curativo. La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas. la vida no sería posible. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. es la ausencia del color. y los hombres el azul. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. sobre todo durante una época. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya. Símbolo del error y del mal. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que. opaca o transparente. a largo plazo. sino la transición entre el blanco y el negro. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal.Gris: No es un color. Mediante los diversos rayos de la luz solar. del bien y del mal. Sin la luz solar. También transmite nobleza y elegancia. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. la razón por la cual se impuso. además representaba el yin femenino. Este poderoso agente natural es. la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. Negro:El color más oscuro. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. Por esta y por otras razones. el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades. tiende a amarillear ligeramente. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas .[17] . Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. De hecho. los colores existen en todas las sustancias del Universo. visibles e invisibles. como la trementina. luz visible incluida. tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. Entre los chinos y los egipcios. que no dejan escapar radicación alguna. no emiten luz. Sólo los cuatro elementos. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato. naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. los amarillos. mate o brillante. a la vez. No reflejan nada. Estos aceites se secan más lentamente que otros. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. Simboliza neutralidad. Su capacidad de soportar capas sucesivas. rojo y verde. pintura o tinta son capaces de reproducir.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. De hecho. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe.

Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . es concebida hoy. Puedes dejar de trabajarlo por horas. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. Asimismo se denomina así al efecto . Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela.Caja de acuarelas. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes. aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga.. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. o Armonía de los colores. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. Según el pintor Paul Signac: «. Armonía cromática La Armonía cromática. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. como Cascara de Huevo y Lino. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución. realismo y facilidad de trabajar tu arte. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística.. que actúa como otro verdadero tono.

el rojo y el azul. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Blue = rojo. más los dos colores acromáticos. que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. rojo-violeta y amarilloanaranjado. blanco. el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. entre los que destacan: el ajuste cromático. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. Colores primarios. la extensión cromática. Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. verde. En el Modelo de color RYB (Red. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. COLORES PRIMARIOS. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. amarillo. los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. únicos. Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. rojo. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. Hoy. hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). azul-violeta. ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. azul). desde la Antigüedad griega. unidos por su diámetro. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. Green. o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios.estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. obteniendo: Verde (S). Colores intermedios. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). Así en el sistema RGB (del inglés Red. o negro). SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista. Yellow. el acorde cromático y la coloración acorde. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. Blue. el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. . rojo-anaranjado. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. la complementariedad. Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. Colores secundarios. La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. el complementario del color verde es el color magenta. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. azul-verdoso. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja). Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia.

Círculo cromático con degragadado. Lápices de colores dispuestos cromáticamente. El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Materiales necesarios: . aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Y así sucesivamente con todos los colores. El cian es el color opuesto al rojo. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. anaranjado. cian y verde. El magenta es el color opuesto al verde. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. Esta estrella muestra los colores complementarios. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. azul. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. rojo. rojo. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. magenta. Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. violeta. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. azul y verde. El círculo cromático es una clasificación de los colores.

. Lapicero y goma de borrar. podemos distinguir entre gamas y escalas. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte. ROMANTICISMO. Antes de tratar el tema de la armonía. La gama tiene un sentido más restrictivo. magenta. RENACIMIENTO. Témperas (cyan.. rojo.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza. que pueden estar alejados pero también muy próximos. Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye. Compás y regla. Normalmente. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales.- Block de dibujo. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo. Las escalas son esquemáticas. amarillo. NEOCLASICISMO. se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo). tal como a pintura del paisaje). pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo. por el contrario. las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie.. que está generalmente azul. Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. e igual ocurre con la palabra gama. Las gamas. armonía.. Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. etc. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. BARROCO. incluso ideales. pero también más rico y preciso. IMPRESIONISMO Y CUBISMO . en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre. blanco y negro) y pinceles.

Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. en los colores y en las formas. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. se concentra sobre todo.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. donde destacó la figura el pintor Giotto. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios. Miguel Ángel. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. . fueron realizadas con ocre de arcilla. Italia y Europa oriental. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña.[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años. Norte de África. también en esta época apareció la técnica del óleo. leones. y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas. el uso de luz y sombra. que habían dominado el arte durante casi un siglo. ya no parecían adecuadas. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. mamuts. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. Rafael Sanzio y Tiziano. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . fechada por algunos historiadores de unos 32. la Virgen María y la vida de santos.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. el sfumato y el claroscuro. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. búfalos. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia. en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino. Se encuentran dibujados rinocerontes.

éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. el arte gótico o el barroco. Rubens y Rembrandt. estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909. en la década de los años 1920. James Ensor y Edvard Munch. con escrituras automáticas. a cualquier tendencia de vanguardia. el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. en el Reino Unido. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes. muestran una inspiración violenta. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. característica de muchos artistas nórdicos. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. . se considera la primera fase del cubismo. En Francia el pintor más importante fue Delacroix. el impresionismo con Manet a la cabeza. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico. desarrollando imágenes casi monocromas. Constable y Turner. sin interesarse por los detalles concretos. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. Finalmente se designó como expresionismo.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. la cultura o a tópicos sociales. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950. en los Estados Unidos. El Surrealismo (en francés: surréalisme. ya de un modo preciso. Las obras expresionistas. la pintura abstracta es heredera del cubismo.Hipnotizador (1912). en el cual se funden angustia y simbolismo. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica.[ principios del siglo XX. espontánea. indistintamente. representados con tanta fuerza. en torno a la personalidad del poeta André Breton. pero que nunca seguían un razonamiento lógico. sin correcciones racionales. asimismo. de Bohumil Kubišta. A diferencia de los fauves. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. destacan Velázquez . el término expresionismo era utilizado para referirse. Buscaba descubrir una verdad. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. utilizando imágenes para expresar sus emociones. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. sur [sobre. expresión de la interioridad de la conciencia. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. rebelde y apasionada. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. está el método de Cézanne.

se empleaba en edificios públicos para denotar realismo.ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. de detallada decoración. como el de la pareja imperial. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. Se . son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. Amor sagrado y amor profano. h. La pintura romana. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Pintura de El Fayum. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. Estos retratos. se aplicase sobre su momia. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. el arquitectónico. Pintura renacentista Ticiano. el ornamental (siglo I). por su parte. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. y el del ilusionismo arquitectónico. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. Generalmente al fresco. nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. que llega hasta comienzos del imperio. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. Ahora. de origen helenístico. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. en general. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. escenográfico o teatral.

creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. el aislamiento. morales e intelectuales. Ven colores que conforman cosas. Paul Gaugin. una aplicación compacta de la pintura. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. y esto es lo que plasman. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. Expresionismo. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. la alineación. no les importa el objeto. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. La cara oculta de la modernización. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. la masificación. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. 1888. Posimpresionismo Visión tras el sermón. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. rechazan lo que trae consigo la vida diaria. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. pinceladas distinguibles y temas de la vida real. políticos. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos.centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. . paralelo al post-impresionismo. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Tanto el Impresionismo. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. Simbolismo. la actividad industrial y la degradación. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. La angustia existencial es el principal motor de su estética. la aglomeración. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880.

la belleza de la velocidad. Su fórmula era la forma-color. que será el punto de partida. la energía. sino una pintura de volúmenes. • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Él cree que la naturaleza no se dibuja. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. existen varios tipos de fibras. pero con anterioridad. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. entrelazamiento . que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. disposición y orden de los hilos en un tejido. el movimiento y la deshumanización. seda y lino. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. aunque temporalmente también acepta el litro. pintura o escultura. pero aparece en la forma. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. así como las sensaciones que causan. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. que son captadas por el sentido del tacto. acorde con la mentalidad moderna. que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. La textura es expresiva. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado. Por eso.Cubismo. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición. un automóvil rugiente. la velocidad. Balla o Severini. la rapidez. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Boccioni. sino que se manifiesta a través del color. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. Y una vez creadas. las que son utilizadas por los artistas. calidad general del sonido de una composición musical. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. Cézanne ya habría marcado el camino. surgiendo aquí el problema de los planos. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. Fernand Leger. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. Jean Metzinger y Albert Gleizes. especialmente en Italia. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos. el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. • Textura del tejido.. de formas. que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. lana. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. hay que relacionarlas entre sí. En física. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. . • Textura (gráficos por computadora). George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. Quieren crear un arte nuevo. Gira en torno a la figura de Marinetti. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. que parece correr sobre una estela de metralla. las naturales: algodón.. Un automóvil de carreras. En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. Futurismo. Carrá. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Textura de la pintura. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. donde la tradición artística lo impregnaba todo. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon.

como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d. Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. pintura.Puede ser una escultura. y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). dibujo o grabado. el nacimiento de los brazos y el pecho. Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. llamado códice.Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos. o parte de él. Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. del que se conservan muy pocos. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún. los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. también llamado tronco. Figuras humanas. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades. los hombros. Nueva Esparta. Palenque. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia. Incluye la cabeza. El otro estilo. excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. suponen una valiosa aportación al arte maya. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Suelen ser cilindros. Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. La talla de las piedras semipreciosas. Coba y Chichén Itzá. la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística. crema o anaranjado. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco.). la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales.C. en jade y obsidiana. La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. a una representación escultórica de esta parte del cuerpo. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I). Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes.

un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. con poca capacidad para llegar al mercado. bienes y servicios". con apariencia similar a los productos artesanos. • • . Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. identificándose en algunos casos la organización en comités. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada.manual creativa. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. para producir individualmente. asociaciones o en cooperativas. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. Para muchas personas. para producir socialmente. pero cada vez son menos. que son muy comunes en la artesanía maya. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. ya que es una característica de la artesanía. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. según la leyenda que se dance o se cuente. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. pero con menor precio y calidad. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles.

asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. asociaciones o en cooperativas. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales».Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. pero cada vez son menos. para producir individualmente. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. pero con menor precio y calidad. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. . bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. ya que es una característica de la artesanía. que son muy comunes en la artesanía maya. Para muchas personas. para producir socialmente. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. según la leyenda que se dance o se cuente. con apariencia similar a los productos artesanos. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. identificándose en algunos casos la organización en comités. con poca capacidad para llegar al mercado. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. bienes y servicios".