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Figuras Geometricas Planas

Figuras Geometricas Planas

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Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
• •

Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

• •

Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

• • • •

Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. Pueden. En el diseño web. Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable. cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. incluso. También son enormemente versátiles. pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas). . Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas. siendo útiles.Está muy asociada al ser humano. que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. con un desarrollo muy suave. basta cambiar de posición uno de sus puntos de control. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). pasando por todos los valores intermedios. por ejemplo. Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. Para modificar su forma.

la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas. artes visuales (pintura. • • Movimiento literario Movimiento pictórico . siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. música barroca o literatura barroca. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. De tal modo que. etc. por ejemplo. se ha acuñado el término barroco y. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí. PNG. Es tal vez la forma gráfica más humana. escultura y arquitectura). Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. se designan habitualmente como arquitectura barroca. de un color intermedio entre ellos. la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar.Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo. JPG. efecto que aumenta con el tamaño del objeto. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. disponible en casi todas las aplicaciones gráficas.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo. pintura barroca.

• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX. Pierre Soulages. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. Nicholas de Stael. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. ingeniería. signado "lo por venir". lo por hacer es el proyecto. el narizon de raul Según Chilvers. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). en la búsqueda de una solución en cualquier campo. designio. bocetos o esquemas trazados en cualquiera . olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo. signare. el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. El arte pop. como la música pop. buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). Tachismo El Tachismo (en idioma español. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. el porvenir visión representada gráficamente del futuro. Por tanto. Art pop. Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. "pre-figuración". A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras. pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso. el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. a menudo a través del uso de la ironía. derivado de la palabra francesa tache . y Georges Mathieu. comic books y objetos culturales «mundanos». Hans Hartung. dibujos. Serge Poliakoff. Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes.[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. tales como anuncios publicitarios. arquitectura y otras disciplinas creativas.mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. lo hecho es la obra. Tachisme. diseño se define como el proceso previo de configuración mental. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación.

dos a dos. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). es también un caso especial de rectángulo. un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. Triángulo Un triángulo. Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. al tener los cuatro lados iguales. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. La circunferencia sólo posee longitud. De modo similar. RECTANGULO En geometría plana. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. es un caso especial de rombo. es un paralelogramo. es decir. respecto de un eje que contenga a un lado. síntesis. Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo. un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide). Los ángulos interiores opuestos son iguales. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. El nombre romboide se aplica a otra figura. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. esta distancia se denomina radio. en geometría. Si un rombo es a la vez un rectángulo. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio.de los soportes. un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. entonces es un cuadrado. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. . ordenación y transformación. o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana. esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). repitiendo infinitos rectángulos. es un cilindro. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. llamado centro. • • • Sus lados paralelos son iguales. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. Sus dos diagonales son iguales. y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. por tanto. o también.

llamado centro. Los triángulos formados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados. En castellano. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. . en geometría. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor). y sólo posee longitud. con la particularidad de que todos ellos son iguales. iguales dos a dos. cerrada. la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana. cuyos puntos son equidistantes del centro. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. son equiláteros. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. la palabra círculo tiene varias acepciones. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. al unir el centro con todos los vértices.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. es menor o igual que la longitud del radio. Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro.CIRCULO Un circulo. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.

Está formado por ocho caras. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. Está formado por cuatro caras. LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. Permanece estable sobre su base. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos. ancho y alto). # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. doce aristas y seis vértices. Tiene veinte caras. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. ocho vértices. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. Está formado por seis caras. HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. doce aristas. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. treinta aristas y doce vértices. seis aristas y cuatro vértices.El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie. . radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros. encierran un volumen finito.

la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. . PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. percibida por el observador. en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo. Perspectiva del Campidoglio. En un dibujo. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. ni sus ángulos iguales. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O. en Roma. que tienen un punto en común llamado vértice. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. poliedro. con los puntos del círculo. Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. Es también la ilusión visual que. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas.

también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. presionadas por las amenazas bélicas constantes. la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. Veamos cómo se hace. Ésta es la que más se aproxima a la visión real. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. En esta perspectiva. por eso decimos que es también vista de pájaro. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. tal como los pueblos amerindios. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. es como si miramos desde una terraza hacia abajo. ubicado sobre la línea del horizonte. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Edad Media . un cubo. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. y que influyen en su percepción o en su juicio. entre otros. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. africanos y aborígenes. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad.Por analogía. El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. Como ejemplo. lo más simple de representar en perspectiva paralela es. como construcción predominante en las sociedades primitivas. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto. por ejemplo. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. sólo vemos en fuga las líneas de profundidad. El abrigo.

aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. zapotecas. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. semiología. . Comienzan a surgir los estados nación y. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. edificios y monumentos. juegos de pelotas. El Barroco. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. La idea de progreso del hombre científico. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos. en un primer momento. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. en mayor o menor grado. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. torreones. En este momento surge el manierismo. Guatemala y el Perú.se hace un objetivo importante para el periodo. mayas). los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. estanques y caminos. con el avance científico representado por el Renacimiento. social . a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. el poder secular vuelve al poder. A medida que el poder secular se sometía al poder papal. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. con murallas. aunque hubiera ayudado en este progreso. los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. síntesis. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. En América precolombina la arquitectura solo floreció en México. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. al aire libre. espiritual. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá. Europa asistió a un gran avance tecnológico. escalonadas en terrazas. palacios y otros edificios públicos. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. los mexicanos (aztecas. el Clasicismo. obras de riego. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal.

eso sí. así. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. es un trabajo creativo. Por medio del enfoque de arriba a abajo. un marco de trabajo. los niveles de abstracción. el diseño estructurado. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada. POR ENCADENAMIENTO. el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba". estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. inédito. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. El encadenamiento hacia atrás (en inglés. CONCEPTO DISEÑO. el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. pero aun más importante que aquello. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. la cual es predominantemente hacia abajo. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. innovativo. estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. el sistema se descompone en subsistema. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. cuando se utilizan . a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos.materia. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. conforme el diseño progresa. así como un punto de vista es esencial.

pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible. o una mas cercana y otra mas lejana. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. existe igualdad de peso en ambos lados. Dicen que el mejor canto es un empotramiento.. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. E. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. Como resultado de la intersección. sin embargo. hasta que el sistema quede ensamblado.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. -En la Superposición. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. F. -En la Sustracción. C. Ambas formas se convierten en una. un factor estético de armonía. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. Ninguna variación espacial es posible. esto se ha modificado en gran medida. Pese a ello. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. Al buscar una línea de ascensión a una pared. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. habrán de coincidir. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas. en la que el eje es el cuerpo del insecto. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. con una buena dosis de técnica. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. Pero. -En la Penetración. porque se convierten en una forma nueva. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura.jerarquías hacia abajo. en dirección o ambas cosas. surge una forma nueva y más pequeña. nunca será igualada por una ruta de otras características. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. como en el distanciamiento. A. -En la Unión. G. comienzan a tocarse. la situación espacial es un poco vaga. Ambas pierden una parte de su contorno. a nivel de percepción. -En la Coincidencia. Toque: Si acercamos ambas formas. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. Cuando una gorma se sobrepone a otra. es obvio que una forma esta delante o encima de otra. la penetración. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. el resultado es una sustracción. Puede no recordarnos las formas originales. -En el Toque. la sustracción o la intersección. tamaño y dirección. los resultados no son tan simples como se creen.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible. Esta regularidad constituye. Con el desarrollo de los materiales.. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. esto es. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. aunque puedan estar muy cercanas. la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. . cubriendo una porción de la cual queda debajo D. H. la unión. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. Las fisuras resultan un arte particular. La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima. B.

que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . La asimetría nos transmite agitación. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. tensión. . no existen las mismas dimensiones en tamaño. al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona.5 centímetros así que como ya hemos visto. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil. dinamismo.5 partes. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. en la proporción del rostro a lo alto. pero existe un equilibrio entre dos elementos. Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión. he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3. TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO.El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales. En el equilibrio asimétrico. de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características. Los puntos P y P' equidistan del eje . La simetría axial (también llamada rotacional. peso etc.5 partes. hasta la altura de las cejas. yo en el ejemplo que os muestro. como veremos). salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría. en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel. Bien. como son 3. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje. bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel). alegría y vitalidad.5:2. siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza. color. Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre. lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. el efecto es variado.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí.

5 : 3. los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10.divido 10.5 cm . con un número de referencias que parece abrumador en principio. Así que como veis tenemos un encaje perfecto. además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS.5 veces la medida de la frente: 2. esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ. Como veis.5 cm . luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos. lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro.5 x 3 = 7. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda.5 y 2. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente). veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3. la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ . Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ. .5 cm de altura y 7. Pero hay mucho más. Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO. así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2.5 partes respectivamente.5 = 3 cm . pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro. de anchura. En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda. pero es que aún podemos obtener más referencias.

La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. iguales dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base.. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . enfín. ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados. altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados.Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. con la particularidad de que todos ellos son iguales.altura . Bien.

El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor.diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª. pero ángulos son distintos de 90º.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro. siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor).ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. al unir el centro con todos los vértices. Los triángulos formados. son equiláteros.apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro. El área de esta figura se calcula .

dando lugar al estilo llamado tenebrismo. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.Área del círculo = 3'14.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. casi 400 grabados y cerca de 2. 1633.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación. expresiones faciales.[26] A principios del siglo XX. OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea". También llamada medio tono opaco. Zona proyectada. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. Esta técnica realza el volumen de los objetos.radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental. . es la zona que no recibe ningún rayo de luz. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. Zona oscura. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. aunque no sin generar cierta polémica. retratos. También llamada sombra propia.000 dibujos. dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos.[28] Respecto a los grabados. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural". Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. se caracteriza por medios tonos luminosos. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990. Zona de reflejo. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. En una carta a Huygens. Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra. da más vida al dibujo. En las superficies curvas tiene una transición suave. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan. y se mantiene oscura. Entre ellas: Zona de iluminación clara. en especial con Caravaggio.

Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman. su amante Hendrickje. que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento.[36] En cuanto al grabado. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca. podría hablarse de un desarrollo similar. de enorme profundidad psicológica. 1632.000 dibujos que se le atribuyen. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas. más "áspero". aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida. suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados. Óleo sobre tabla. más posiblemente. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos. o. históricos o mitológicos.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.[37] Leiden (1625-1631) "El fumador". pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos. Períodos. independientemente de la riqueza o la edad del retratado. En las obras ejecutadas en su madurez. por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines.[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt. muy populares en su época. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones. la cifra estimada es más estable. especialmente a partir de finales de la década de 1640.suelen aparecer de forma visible en sus pinturas. su hijo Titus. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2. en ocasiones representando temas bíblicos. En Leiden.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro. de Joos van Craesbeeck. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos. especialmente en vestiduras y joyería.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas. temas y estilo El rapto de Europa.[35] Estilísticamente. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio. y se aproxima a las 300 piezas. o haciéndose muecas a sí mismo. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. pero ricas en detalles.[34] A lo largo de su carrera. al igual que los . el paisaje y la pintura narrativa. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia.

devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio". [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. considerando el mayor trabajo de pincelada.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas. (1637-1647). La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se . esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. A partir de 1640. y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional. 1643). las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos. quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". Durante sus primeros años en Ámsterdam. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa". Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido. De esta época son obras como "Susana y los viejos".[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados.[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década. A lo largo de la siguiente década. cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. 1642. técnicas y estilos. Nicolaes Tulp". las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños. fechado en 1632). género popularmente holandés.[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático. 1641. también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq".[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634. Simultáneamente.[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y. fuertemente contrastadas y en grandes formatos. pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. (1633). A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636). Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico. "La fiesta de Belshazzar" (c. Comúnmente. "Los tres árboles"."tronie". La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. "La lección de anatomía del Dr. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos.[43] Detalle de La ronda de noche. Del mismo modo.[44] Al mismo tiempo. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento.

Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. pintado a los 26 años y una de sus obras tardías. donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería. disponiéndose para salir de misión. Anunciación (Leonardo. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo. Después de sucesivas restauraciones. con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen. la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. los síndicos del gremio de pañeros. OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House. pintada con 56 años en 1662. De cualquier modo.[46] A pesar de toda la especulación desatada. . Uffizi). el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra.habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. la lección de anatomía del Doctor Tulp.

Pero. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda.[8] A pesar de todo. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. La Gioconda. Ginebra de Benci. de la botánica y la geología. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. Liana Bortolon. El otro es un trabajo mucho más grande. y que ha sido copiada muchas veces. La Última Cena y La Virgen de las rocas. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. esposa de Francesco del Giocondo. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». en 1482. en Pontormo y Antonio da Correggio. cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. Década de 1480 En la década de 1480. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato.A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. pintó Madona Benois. y una segunda versión hecha algunos años más tarde. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. Por un lado.[57] Entre 1478 y 1482. El estilo de la composición ha . Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres. El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. la Adoración de los Magos.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer. el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores. que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. En 1480. pese a tener sólo cuatro personajes. la utilización que hacía de la luz. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir. ambas atribuida a Leonardo[59] ). que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt.[8] y a través de ellos.[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. Otra obra destacable es La Virgen.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. es La Anunciación. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. La Virgen del clavel. La dama del armiño. Otra pintura que parece datar de este periodo. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. autentificadas o que se le atribuyen. el Niño Jesús y santa Ana. la Virgen. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. con los elementos del paisaje y el drama personal. es una de las obras de arte más reproducidas. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista. Desgraciadamente. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. Uno de ellos es pequeño. El cuadro pudo ser terminado. el interés por la fisonomía. aprendía sólo a morir». y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. La obra representa a Lisa Gherardini. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. Fechada hacia 1474-1476. pintada hacia el 1510. en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. a petición de Lorenzo de Médici. Rafael y Andrea del Sarto. Fue un cuadro muy complejo. 217 centímetros de largo. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena.[56] En estas dos Anunciaciones. es otra de sus obras de este periodo. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. dos de las obras nunca fueron terminadas. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. el Niño y san Juanito.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. Leonardo pintó Santa Ana. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa. que topó con la incomprensión del prior del convento. Entre las cualidades.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos.

a menudo minuciosos. característica del llamado «perfil griego». pero un cuadro bastante próximo es La Virgen. Este tema de Santa Ana. más allá. Otros dibujos. un estudio de las proporciones del cuerpo humano.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. La Virgen de las Rocas y La Virgen. el Niño Jesús y santa Ana. el Jefe del ángel. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color.[ . hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. las cuales se han asociado con Salai. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio. el castillo Montelupo y. las montañas. en cambio. el 29 de diciembre de 1479. la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista. junto con el de la Sagrada Familia. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. en la que usó como modelo a Salai. donde se puede observar el río. el Niño Jesús y santa Ana. existen numerosos estudios de sus pinturas. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. aunque exagerados. Leonardo no fue un pintor prolífico pero.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. Además de sus notas. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante. con una cara poco habitual.[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi. muestran estudios sobre ropas. perfil característico de muchas estatuas griegas. el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. fue un dibujante muy productivo.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo.

fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida". Así. se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto. Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. hundió su pincel en pintura roja y. atribuido a Paolo Uccello. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo.Florencia. mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. llena de sangre y fuerza vital. en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo.Giotto Presunto retrato de Giotto. . su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. Según Vasari. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Cuando Giotto promediaba la treintena. 1267 . con un solo trazo continuo. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. Giotto di Bondone. escultor y arquitecto italiano del Trecento. en la parte alta de las paredes del templo. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. Un primer ciclo. principalmente trabajos religiosos. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos. percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. 8 de enero de 1337) fue un notable pintor.

tintes. otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores. Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. magenta y amarillo. se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. Vistos los excelentes resultados.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. mientras que el negro es la ausencia de color. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. y de atribución bastante dudosa. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. acerca de la vida de San Francisco de Asís. Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. “parten” de un color dominante básico. con el color complementario como contraste. . una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. Color El color es un aspecto importante en la pintura. desarrolla temas bíblicos. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. entre 1297 y 1299.1490). tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. Con poca luz se ve en blanco y negro. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. Más adelante. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. porque se aniquilan cuando están mezcladas. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante.

más conocidos como los Principia. . a menudo. calificado como el científico más grande de todos los tiempos.Para desaturar un color sin que varíe su valor. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. Es.. tiene un color como común denominador. . es decir. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro. desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes. Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz. teólogo. También contribuyó en otras áreas de la matemática. las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro. De un color puro se dice que es un "color muy vivo". su desarrollo de una ley de convección térmica. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. dan sensación de actividad. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo.. lo que daría un color neutro. de confianza.Los colores puros del espectro están completamente saturados. . Los colores cálidos. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. amistad y acogimiento. CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria. naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire. rojo. dede el verdoso al violáceo). ." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII).Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas. inventor. O también gama de azules. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. estableciendo una ley sobre la viscosidad. Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. de dinamismo. verde o azul. En un sentido más específico. Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. . Así. El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813).) y fríos. desde el verdoso al violáceo.). verdes. filósofo. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza. donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. que utilizó para formular sus leyes de la física. el fuego. rojos.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos.. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire. Usados juntos producen sensación de armonía. También se define como la variación cualitativa del color. serían rojo violáceo y rojo anaranjado.. su nivel de pureza. en relación con la longitud de onda de su radiación. son los colores vecinos del círculo cromático los cuales. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes. seriedad y distanciamiento.La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado. Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos. el púrpura y el violeta. autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica. azules y violetas (colores asociados con el agua. alquimista y matemático inglés. los análogos del rojo. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. y su obra como la culminación de la revolución científica. de alegría.

se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. desesperación. crimen. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. No fatiga los ojos en grandes extensiones. que vive hacia afuera . También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Sugiere humedad. esperanza. oro. frescura y vegetación. ira. fuerza. alegría. de la degradación moral y de la locura. desesperación y miseria. la intensidad del color naranja. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. fe. y los bajos impulsos. tienen que adaptarse a otra característica. mas que por la reflexión. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. dominio y tiranía. y el símbolo de lo absoluto. cuando tiene una leve tendencia verdosa. y se deja llevar por el impulso. suntuosidad. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental. tristeza. Es el color del infinito. Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. El naranja puro de arriba señalado con una X. desconfianza. es un color utilisimo. destrucción e impulso. verdad eterna e inmortalidad. que al mismo tiempo pierde saturación. la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. Mezclado con el negro sugiere engaño. y simboliza la sabiduría. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. Simboliza sangre. porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. y alegría juvenil. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. de la unidad y de la inocencia. En la escala inferior. Es el color de la luz. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Significa realidad. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. Es el color de los maniáticos y de marte. En su variación al púrpura. significa paz o rendición. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. También significa descanso. la inteligencia y las emociones profundas. ardor y pasión.000º Kelvin). disputa. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3. pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. calor. tristes o linfáticos. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. acción. la acción . Mezclado con negro es deslealtad. pierde brillantez. habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. dignidad. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. fuego. particularmente en los últimos años de su crisis. Mezclado con blanco: muerte. tienen distintos "valores" de luminosidad. Este primario significa envidia. Verde:Es un color de gran equilibrio. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. Mezclado con blanco es pureza . Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. Características de tono. lasitud. el sol. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo. Lumniosidad. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. desde los más altos a los oscuros. debilidad o miedo y también riqueza. opresión. al mezclarse proporcionalmente con blanco. el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. saturación y luminosidad. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. lógica y juventud. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. rigidez y dolor. pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. fidelidad. profundidad y también experiencia.000º Kelvin). asi mismo crueldad y rabia. misticismo. Es la suma o síntesis de todos los colores. disimulo. el diablo y el mal. recelo y bajas pasiones. pasión. . fuerza. fanatismo e intolerancia. y cielo. el poder y simboliza arrogancia. revolución. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. es realeza. razón. Mezclado con blanco es frivolidad. cobardía. aflicción. Violeta: Significa martirio. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10. va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación.En los ejemplos de arriba. brutalidad. simboliza la naturaleza y el crecimiento. Los tonos rojos de las imágenes superiores. ambicioso y material. Van Gogh tenia por el una especial predilección. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color. A medida que se le agrega negro. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . tiene un temperamento vital. en el segundo. inocencia. y mezclado con negro. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. de los sueños y de lo maravilloso. voluntad y estimulo. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento.

visibles e invisibles. En la vida más normal. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe. a largo plazo. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. De hecho. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya. Simboliza neutralidad. los colores existen en todas las sustancias del Universo. debidamente combinados. como la trementina. el negro puro es la ausencia de color y de luz. los amarillos. opaca o transparente. la vida no sería posible. de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas.[17] . Su capacidad de soportar capas sucesivas. sino la transición entre el blanco y el negro. un notable elemento curativo. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". De hecho. no emiten luz. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". Pese a la consideración negativa del negro. sin embargo. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. la razón por la cual se impuso. Negro:El color más oscuro. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. sobre todo durante una época. a la vez. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades. La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. del bien y del mal. la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. además representaba el yin femenino. rojo y verde. naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. Estos aceites se secan más lentamente que otros. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. es la ausencia del color. y los hombres el azul. tiende a amarillear ligeramente. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. mate o brillante. Usado de una manera conveniente. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas . Es la muerte. y el producto de la mezcla de ambos. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. Entre los chinos y los egipcios. Por esta y por otras razones.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. que no dejan escapar radicación alguna. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro.Gris: No es un color. Entre los primeros. Sin la luz solar. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. Químicamente muy rica. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul. También transmite nobleza y elegancia. Estiliza y acerca. Conocida desde las más antiguas civilizaciones. luz visible incluida. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. Símbolo del error y del mal. Mediante los diversos rayos de la luz solar. No reflejan nada. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. Sólo los cuatro elementos. no por evaporación sino por oxidación. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. Este poderoso agente natural es. el negro fue signo de fertilidad. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que. pintura o tinta son capaces de reproducir. el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato.

realismo y facilidad de trabajar tu arte. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo. como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen.. es concebida hoy. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. o Armonía de los colores. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). Según el pintor Paul Signac: «.Caja de acuarelas. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor.. Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. Asimismo se denomina así al efecto . Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga. como Cascara de Huevo y Lino. Armonía cromática La Armonía cromática. aunque muchas témperas modernas contienen plástico.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes. Puedes dejar de trabajarlo por horas. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. que actúa como otro verdadero tono. Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística.

azul). Así en el sistema RGB (del inglés Red. Colores primarios. Blue. verde. entre los que destacan: el ajuste cromático. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). únicos. o negro). que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. . el acorde cromático y la coloración acorde. azul-verdoso. blanco. azul-violeta. unidos por su diámetro. o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. desde la Antigüedad griega. La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. la complementariedad. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. En el Modelo de color RYB (Red. Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. Hoy. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. Green. Colores secundarios. la extensión cromática. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa.estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. obteniendo: Verde (S). Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia. hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. amarillo. Colores intermedios. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. rojo. Blue = rojo. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. el rojo y el azul. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Yellow. SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. más los dos colores acromáticos. azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. el complementario del color verde es el color magenta. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. rojo-violeta y amarilloanaranjado. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. rojo-anaranjado. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. COLORES PRIMARIOS. el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja).

El cian es el color opuesto al rojo. Y así sucesivamente con todos los colores. magenta. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. violeta. aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. Lápices de colores dispuestos cromáticamente. cian y verde. Esta estrella muestra los colores complementarios. rojo. el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. azul.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. El círculo cromático es una clasificación de los colores. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Materiales necesarios: . Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Círculo cromático con degragadado. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. anaranjado. azul y verde. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. rojo. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. El magenta es el color opuesto al verde. El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático.

armonía. rojo. incluso ideales. podemos distinguir entre gamas y escalas. BARROCO. Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie. Normalmente. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza. ROMANTICISMO. se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura... Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo. RENACIMIENTO. etc. pero también más rico y preciso. Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo). Témperas (cyan.. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales. Compás y regla.. Las escalas son esquemáticas. Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. que está generalmente azul. e igual ocurre con la palabra gama. IMPRESIONISMO Y CUBISMO . NEOCLASICISMO.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo.- Block de dibujo. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. La gama tiene un sentido más restrictivo. magenta. que pueden estar alejados pero también muy próximos. las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo. Las gamas. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. Lapicero y goma de borrar. pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo. tal como a pintura del paisaje). por el contrario. Antes de tratar el tema de la armonía. en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre. blanco y negro) y pinceles. amarillo.

Norte de África. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña. se concentra sobre todo. caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. leones. la Virgen María y la vida de santos. donde destacó la figura el pintor Giotto. fechada por algunos historiadores de unos 32. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. Miguel Ángel. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero. .[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5. que habían dominado el arte durante casi un siglo. mamuts. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. también en esta época apareció la técnica del óleo. Se encuentran dibujados rinocerontes.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación. en los colores y en las formas. Rafael Sanzio y Tiziano. el uso de luz y sombra. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . el sfumato y el claroscuro. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia. fueron realizadas con ocre de arcilla. búfalos. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro. ya no parecían adecuadas. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino.000 años. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. Italia y Europa oriental.

En Francia el pintor más importante fue Delacroix. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. . Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. indistintamente. sin interesarse por los detalles concretos. en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. la pintura abstracta es heredera del cubismo. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. pero que nunca seguían un razonamiento lógico. de Bohumil Kubišta. representados con tanta fuerza. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. con escrituras automáticas. muestran una inspiración violenta. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. espontánea. sur [sobre. ya de un modo preciso. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes. James Ensor y Edvard Munch. en el Reino Unido. Rubens y Rembrandt. el arte gótico o el barroco. asimismo.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. Finalmente se designó como expresionismo. Constable y Turner. sin correcciones racionales. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. El Surrealismo (en francés: surréalisme. se considera la primera fase del cubismo. la cultura o a tópicos sociales. desarrollando imágenes casi monocromas. CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. Las obras expresionistas. rebelde y apasionada. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. en la década de los años 1920. está el método de Cézanne. característica de muchos artistas nórdicos. utilizando imágenes para expresar sus emociones. A diferencia de los fauves. destacan Velázquez . estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. en los Estados Unidos. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950. el impresionismo con Manet a la cabeza. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico. a cualquier tendencia de vanguardia. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. expresión de la interioridad de la conciencia. el término expresionismo era utilizado para referirse.[ principios del siglo XX. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones.Hipnotizador (1912). en el cual se funden angustia y simbolismo. el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol.

La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. se aplicase sobre su momia. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. de origen helenístico. Ahora. de detallada decoración. únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. Estos retratos. y el del ilusionismo arquitectónico. Amor sagrado y amor profano. el arquitectónico. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La pintura romana. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. que llega hasta comienzos del imperio. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. el ornamental (siglo I). por su parte. en general. se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras.ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. escenográfico o teatral. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Generalmente al fresco. Pintura de El Fayum. como el de la pareja imperial. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. Se . Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. Pintura renacentista Ticiano. h. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. El Impresionismo parten del análisis de la realidad.

Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Simbolismo. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. la aglomeración. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. morales e intelectuales. La angustia existencial es el principal motor de su estética. la actividad industrial y la degradación. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Paul Gaugin. La cara oculta de la modernización. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. una aplicación compacta de la pintura. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. 1888. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. Expresionismo. y esto es lo que plasman. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. Ven colores que conforman cosas. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. .centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. políticos. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. la alineación. no les importa el objeto. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. rechazan lo que trae consigo la vida diaria. Posimpresionismo Visión tras el sermón. la masificación. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. paralelo al post-impresionismo. el aislamiento. pinceladas distinguibles y temas de la vida real. Tanto el Impresionismo. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880.

fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon. que será el punto de partida. las que son utilizadas por los artistas. acorde con la mentalidad moderna. hay que relacionarlas entre sí. Gira en torno a la figura de Marinetti. de formas. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. el movimiento y la deshumanización. Quieren crear un arte nuevo. la rapidez. entrelazamiento . Boccioni. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. existen varios tipos de fibras. especialmente en Italia. la velocidad.Cubismo. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). que parece correr sobre una estela de metralla. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. Jean Metzinger y Albert Gleizes. Futurismo. una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. la energía. Su fórmula era la forma-color. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. • Textura (gráficos por computadora). Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. así como las sensaciones que causan. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. pero con anterioridad. calidad general del sonido de una composición musical. que son captadas por el sentido del tacto. Por eso. seda y lino. La textura es expresiva. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. Y una vez creadas. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado.. sino que se manifiesta a través del color. Cézanne ya habría marcado el camino. la belleza de la velocidad. donde la tradición artística lo impregnaba todo. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Balla o Severini. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. pintura o escultura. Un automóvil de carreras. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. Carrá. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. Textura de la pintura. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición. lana. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. sino una pintura de volúmenes. . un automóvil rugiente.. En física. aunque temporalmente también acepta el litro. • Textura del tejido. Él cree que la naturaleza no se dibuja. disposición y orden de los hilos en un tejido. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. surgiendo aquí el problema de los planos. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Fernand Leger. las naturales: algodón. pero aparece en la forma. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones.

Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Figuras humanas. platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. del que se conservan muy pocos. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco. pintura. después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. suponen una valiosa aportación al arte maya. también llamado tronco. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I). La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -. la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. El otro estilo. dibujo o grabado. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos. o parte de él.Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. Suelen ser cilindros. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia.Puede ser una escultura. Coba y Chichén Itzá. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún. los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística.). logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes. Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades. Nueva Esparta. Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. en jade y obsidiana. Incluye la cabeza. a una representación escultórica de esta parte del cuerpo. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. llamado códice.C. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . La talla de las piedras semipreciosas. Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. crema o anaranjado. el nacimiento de los brazos y el pecho. los hombros. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Palenque.

la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. según la leyenda que se dance o se cuente. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. ya que es una característica de la artesanía. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros.manual creativa. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. identificándose en algunos casos la organización en comités. para producir socialmente. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. asociaciones o en cooperativas. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. Para muchas personas. • • . un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. pero cada vez son menos. pero con menor precio y calidad. con apariencia similar a los productos artesanos. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. con poca capacidad para llegar al mercado. • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. que son muy comunes en la artesanía maya. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». para producir individualmente. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. bienes y servicios".

ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. con poca capacidad para llegar al mercado. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. . para producir socialmente. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. para producir individualmente. pero con menor precio y calidad. pero cada vez son menos. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. bienes y servicios". un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie.Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. asociaciones o en cooperativas. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. ya que es una característica de la artesanía. que son muy comunes en la artesanía maya. Para muchas personas. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. según la leyenda que se dance o se cuente. con apariencia similar a los productos artesanos. identificándose en algunos casos la organización en comités. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales.

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