Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
• •

Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

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Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

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Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable.Está muy asociada al ser humano. basta cambiar de posición uno de sus puntos de control. Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. incluso. cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto. Pueden. con un desarrollo muy suave. . por ejemplo. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). También son enormemente versátiles. pasando por todos los valores intermedios. En el diseño web. que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. siendo útiles. por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. Para modificar su forma. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas). que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas.

de un color intermedio entre ellos. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar. artes visuales (pintura. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. efecto que aumenta con el tamaño del objeto. Es tal vez la forma gráfica más humana. disponible en casi todas las aplicaciones gráficas. la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. música barroca o literatura barroca. escultura y arquitectura). se ha acuñado el término barroco y. pintura barroca. por ejemplo. por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo.Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas. • • Movimiento literario Movimiento pictórico . etc. PNG. De tal modo que. Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. JPG. se designan habitualmente como arquitectura barroca. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí.

el porvenir visión representada gráficamente del futuro. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. lo hecho es la obra. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. a menudo a través del uso de la ironía. pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso.mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. como la música pop. buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. "pre-figuración". Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes. Serge Poliakoff. comic books y objetos culturales «mundanos». lo por hacer es el proyecto. Hans Hartung. diseño se define como el proceso previo de configuración mental. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. tales como anuncios publicitarios. el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. bocetos o esquemas trazados en cualquiera . Pierre Soulages. signado "lo por venir". A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. y Georges Mathieu. en la búsqueda de una solución en cualquier campo. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. el narizon de raul Según Chilvers. Por tanto. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). derivado de la palabra francesa tache .[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural. El arte pop. ingeniería. Tachisme.• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX. Nicholas de Stael. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. arquitectura y otras disciplinas creativas. Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo. Tachismo El Tachismo (en idioma español. designio.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación. dibujos. signare. Art pop. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras.

o también. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo. esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). en geometría.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. esta distancia se denomina radio. síntesis.de los soportes. es un paralelogramo. Sus dos diagonales son iguales. repitiendo infinitos rectángulos. El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. Los ángulos interiores opuestos son iguales. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. De modo similar. • • • Sus lados paralelos son iguales. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. Triángulo Un triángulo. Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. El nombre romboide se aplica a otra figura. al tener los cuatro lados iguales. un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). es un cilindro. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. ordenación y transformación. RECTANGULO En geometría plana. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. . Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. es también un caso especial de rectángulo. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. es decir. respecto de un eje que contenga a un lado. es un caso especial de rombo. por tanto. dos a dos. llamado centro. La circunferencia sólo posee longitud. o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. entonces es un cuadrado. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. Si un rombo es a la vez un rectángulo. y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud. al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide).

pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. y sólo posee longitud. Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados. En castellano. cerrada. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. llamado centro. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. cuyos puntos son equidistantes del centro. iguales dos a dos. con la particularidad de que todos ellos son iguales. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. es menor o igual que la longitud del radio. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana. la palabra círculo tiene varias acepciones. la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base.CIRCULO Un circulo. Los triángulos formados. son equiláteros. . El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro. al unir el centro con todos los vértices.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. en geometría. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor).

que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. Permanece estable sobre su base. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. treinta aristas y doce vértices. HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva. doce aristas. Está formado por seis caras. Está formado por cuatro caras. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos. LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. doce aristas y seis vértices. seis aristas y cuatro vértices. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. ancho y alto). ocho vértices. encierran un volumen finito. Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. .El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. Tiene veinte caras. Está formado por ocho caras. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros.

Perspectiva del Campidoglio. con los puntos del círculo. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. en Roma. Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral. PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular. en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo. Es también la ilusión visual que. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas. percibida por el observador. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. ni sus ángulos iguales. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto. que tienen un punto en común llamado vértice. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. . la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. En un dibujo. poliedro. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias.

Veamos cómo se hace. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. Ésta es la que más se aproxima a la visión real. presionadas por las amenazas bélicas constantes. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. tal como los pueblos amerindios. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. El abrigo. también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. es como si miramos desde una terraza hacia abajo. sólo vemos en fuga las líneas de profundidad. Como ejemplo. En esta perspectiva. Edad Media . por eso decimos que es también vista de pájaro. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). un cubo. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. y que influyen en su percepción o en su juicio. la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar.Por analogía. como construcción predominante en las sociedades primitivas. La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. entre otros. ubicado sobre la línea del horizonte. africanos y aborígenes. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto. por ejemplo. pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. lo más simple de representar en perspectiva paralela es.

a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. palacios y otros edificios públicos. Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX. el poder secular vuelve al poder.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. estanques y caminos. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá. al aire libre. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. espiritual.se hace un objetivo importante para el periodo. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. con murallas. aunque hubiera ayudado en este progreso. torreones. . El Barroco. EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. Guatemala y el Perú. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. edificios y monumentos. síntesis. social . En este momento surge el manierismo. con el avance científico representado por el Renacimiento. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. En América precolombina la arquitectura solo floreció en México. juegos de pelotas. Europa asistió a un gran avance tecnológico. el Clasicismo. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. La idea de progreso del hombre científico. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro. en un primer momento. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita. mayas). Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos. aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). obras de riego. en mayor o menor grado. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. escalonadas en terrazas. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. los mexicanos (aztecas. zapotecas. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. semiología. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica. Comienzan a surgir los estados nación y. A medida que el poder secular se sometía al poder papal.

estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. cuando se utilizan . estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. el sistema se descompone en subsistema. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. conforme el diseño progresa. innovativo. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. un marco de trabajo. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo.materia. así. ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema. el diseño estructurado. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. la cual es predominantemente hacia abajo. el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. inédito. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba". así como un punto de vista es esencial. eso sí. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. Por medio del enfoque de arriba a abajo. CONCEPTO DISEÑO. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. es un trabajo creativo. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente. POR ENCADENAMIENTO. el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. los niveles de abstracción. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. pero aun más importante que aquello. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada. El encadenamiento hacia atrás (en inglés.

Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. un factor estético de armonía.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. hasta que el sistema quede ensamblado. Toque: Si acercamos ambas formas.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible. la penetración. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. la situación espacial es un poco vaga. Cuando una gorma se sobrepone a otra. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. -En la Sustracción. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. Dicen que el mejor canto es un empotramiento. existe igualdad de peso en ambos lados. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. a nivel de percepción. como en el distanciamiento. o una mas cercana y otra mas lejana. Pese a ello. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. Ambas pierden una parte de su contorno. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. Las fisuras resultan un arte particular. Con el desarrollo de los materiales. B. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. comienzan a tocarse. habrán de coincidir. la unión. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. -En el Toque. G. sin embargo. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición. tamaño y dirección. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. en la que el eje es el cuerpo del insecto. Puede no recordarnos las formas originales. porque se convierten en una forma nueva. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva.jerarquías hacia abajo. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. Esta regularidad constituye. con una buena dosis de técnica. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima. es obvio que una forma esta delante o encima de otra. H. -En la Coincidencia. -En la Unión. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. . C. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. los resultados no son tan simples como se creen. E. Ambas formas se convierten en una. A. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. -En la Superposición. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. el resultado es una sustracción. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento. la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. Como resultado de la intersección. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. -En la Penetración. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. Pero. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. Al buscar una línea de ascensión a una pared. Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. esto es. en dirección o ambas cosas. cubriendo una porción de la cual queda debajo D. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. esto se ha modificado en gran medida.. aunque puedan estar muy cercanas. nunca será igualada por una ruta de otras características. la sustracción o la intersección. F. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. surge una forma nueva y más pequeña. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura. Ninguna variación espacial es posible. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas.. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible.

el efecto es variado. bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel). TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO.5 partes.5 centímetros así que como ya hemos visto.5:2. como son 3. .El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales.5 partes. de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. en la proporción del rostro a lo alto. tensión. como veremos). dinamismo. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje. lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. hasta la altura de las cejas. en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí. salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona. color. no existen las mismas dimensiones en tamaño. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño. Los puntos P y P' equidistan del eje . Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre. pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil. La simetría axial (también llamada rotacional. En el equilibrio asimétrico. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . pero existe un equilibrio entre dos elementos. yo en el ejemplo que os muestro. La asimetría nos transmite agitación. siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza. alegría y vitalidad. Bien. peso etc. al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía.

. además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS. Pero hay mucho más.5 = 3 cm .5 cm . veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes. Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR.divido 10.5 x 3 = 7. con un número de referencias que parece abrumador en principio. esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ. lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro. la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS.5 : 3. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda. los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma. En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda.5 cm de altura y 7. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente). luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos. pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro.5 cm . pero es que aún podemos obtener más referencias. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ . Así que como veis tenemos un encaje perfecto. Como veis.5 y 2. de anchura.5 partes respectivamente. Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad.5 veces la medida de la frente: 2. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ. así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2.

Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados.altura .Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…. ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. iguales dos a dos. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. con la particularidad de que todos ellos son iguales. altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?. enfín. Bien.

siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro.altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor).diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. Los triángulos formados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro. al unir el centro con todos los vértices. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª. son equiláteros. El área de esta figura se calcula . pero ángulos son distintos de 90º.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro.apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales.

radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. expresiones faciales. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas.000 dibujos. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural".[28] Respecto a los grabados. casi 400 grabados y cerca de 2. También llamada medio tono opaco. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental. se caracteriza por medios tonos luminosos.[26] A principios del siglo XX. 1633. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. También llamada sombra propia. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990. . En las superficies curvas tiene una transición suave. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. dando lugar al estilo llamado tenebrismo. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra. da más vida al dibujo. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados. aunque no sin generar cierta polémica.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación. es la zona que no recibe ningún rayo de luz. dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Zona de reflejo. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. Esta técnica realza el volumen de los objetos.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra. En una carta a Huygens. y se mantiene oscura. OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea". Zona oscura. en especial con Caravaggio. Entre ellas: Zona de iluminación clara. retratos. Zona proyectada.Área del círculo = 3'14.

Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca. En Leiden.[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento. muy populares en su época. el paisaje y la pintura narrativa. al igual que los . Períodos. 1632. especialmente en vestiduras y joyería. más posiblemente. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. y se aproxima a las 300 piezas. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas.[36] En cuanto al grabado. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida. en ocasiones representando temas bíblicos.[34] A lo largo de su carrera. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato. históricos o mitológicos.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. independientemente de la riqueza o la edad del retratado. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia. la cifra estimada es más estable. su hijo Titus.000 dibujos que se le atribuyen.[37] Leiden (1625-1631) "El fumador". Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos. En las obras ejecutadas en su madurez. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior. su amante Hendrickje. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad. aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. de Joos van Craesbeeck. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez. o. pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos. podría hablarse de un desarrollo similar. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones. Óleo sobre tabla. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida. Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2. especialmente a partir de finales de la década de 1640.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos.suelen aparecer de forma visible en sus pinturas. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos.[35] Estilísticamente. pero ricas en detalles. que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. temas y estilo El rapto de Europa. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio. suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados. de enorme profundidad psicológica.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas. más "áspero". o haciéndose muecas a sí mismo.

fechado en 1632). esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. Del mismo modo. A partir de 1640. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa". considerando el mayor trabajo de pincelada. Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico. fuertemente contrastadas y en grandes formatos. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". (1633).[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. 1643). técnicas y estilos. género popularmente holandés. Simultáneamente. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. De esta época son obras como "Susana y los viejos".[43] Detalle de La ronda de noche. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se . "Los tres árboles". 1642. las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños.[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década.[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636).[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas. "La lección de anatomía del Dr. también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq". Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido. quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional. pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. "La fiesta de Belshazzar" (c. Comúnmente.[44] Al mismo tiempo. A lo largo de la siguiente década. Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático. Durante sus primeros años en Ámsterdam.[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados."tronie". En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores. devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio". (1637-1647). se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos. Nicolaes Tulp". 1641.

habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento. Después de sucesivas restauraciones. la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. la lección de anatomía del Doctor Tulp. el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra. pintado a los 26 años y una de sus obras tardías. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum. De cualquier modo. disponiéndose para salir de misión. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. pintada con 56 años en 1662. . con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen. donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería. Uffizi). OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House. Anunciación (Leonardo. los síndicos del gremio de pañeros.[46] A pesar de toda la especulación desatada. la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo.

y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. Otra pintura que parece datar de este periodo.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. de la botánica y la geología. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. en 1482. autentificadas o que se le atribuyen. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista.A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. el Niño Jesús y santa Ana. que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos. ambas atribuida a Leonardo[59] ). La Última Cena y La Virgen de las rocas. Década de 1480 En la década de 1480. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa. El estilo de la composición ha . El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo. aprendía sólo a morir». cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. La Virgen del clavel. 217 centímetros de largo. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio. Liana Bortolon. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. esposa de Francesco del Giocondo. pintada hacia el 1510. es otra de sus obras de este periodo. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. Fechada hacia 1474-1476. que topó con la incomprensión del prior del convento. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte.[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. en Pontormo y Antonio da Correggio. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Por un lado. El cuadro pudo ser terminado. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. y una segunda versión hecha algunos años más tarde.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores. Leonardo pintó Santa Ana. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer. dos de las obras nunca fueron terminadas. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. con los elementos del paisaje y el drama personal. la Adoración de los Magos. Uno de ellos es pequeño. El otro es un trabajo mucho más grande. En 1480. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda. y que ha sido copiada muchas veces. el Niño y san Juanito. la utilización que hacía de la luz. a petición de Lorenzo de Médici. y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. La obra representa a Lisa Gherardini. el interés por la fisonomía.[56] En estas dos Anunciaciones. Desgraciadamente. La dama del armiño. Otra obra destacable es La Virgen. es una de las obras de arte más reproducidas. pese a tener sólo cuatro personajes. es La Anunciación. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro.[57] Entre 1478 y 1482. Fue un cuadro muy complejo.[8] y a través de ellos.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. Pero. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.[8] A pesar de todo. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. Ginebra de Benci.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». la Virgen. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. pintó Madona Benois. La Gioconda. Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. Entre las cualidades. Rafael y Andrea del Sarto.

las cuales se han asociado con Salai. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. Otros dibujos. aunque exagerados. el Niño Jesús y santa Ana. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi. en cambio. Leonardo no fue un pintor prolífico pero.[ . el Niño Jesús y santa Ana. llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517. la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos. el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista. característica del llamado «perfil griego». donde se puede observar el río. a menudo minuciosos. existen numerosos estudios de sus pinturas.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo. las montañas. pero un cuadro bastante próximo es La Virgen.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio. perfil característico de muchas estatuas griegas.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que.[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante. fue un dibujante muy productivo. junto con el de la Sagrada Familia. el Jefe del ángel. muestran estudios sobre ropas. con una cara poco habitual.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. el 29 de diciembre de 1479.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». el castillo Montelupo y. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color. más allá.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle. La Virgen de las Rocas y La Virgen. hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. Este tema de Santa Ana.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. un estudio de las proporciones del cuerpo humano. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. en la que usó como modelo a Salai. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista. Además de sus notas. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia.

Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. en la parte alta de las paredes del templo. en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo. principalmente trabajos religiosos. escultor y arquitecto italiano del Trecento. su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Un primer ciclo. Según Vasari. hundió su pincel en pintura roja y. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo. Así. 1267 . Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales.Giotto Presunto retrato de Giotto. llena de sangre y fuerza vital. Giotto di Bondone.Florencia. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. Cuando Giotto promediaba la treintena. diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida". con un solo trazo continuo. mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto. Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. atribuido a Paolo Uccello. fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. 8 de enero de 1337) fue un notable pintor. .

se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. con el color complementario como contraste. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. magenta y amarillo. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. Vistos los excelentes resultados. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético. Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. tintes. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas. TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático. desarrolla temas bíblicos. una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. y de atribución bastante dudosa.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores. inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. mientras que el negro es la ausencia de color. Color El color es un aspecto importante en la pintura. “parten” de un color dominante básico. Más adelante. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. entre 1297 y 1299. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. . Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone.1490). Con poca luz se ve en blanco y negro. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. porque se aniquilan cuando están mezcladas. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. acerca de la vida de San Francisco de Asís.

Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. inventor. . Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos.Los colores puros del espectro están completamente saturados. tiene un color como común denominador. a menudo. seriedad y distanciamiento. autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica. rojo. desde el verdoso al violáceo. el fuego. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. O también gama de azules. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro.. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire. y su obra como la culminación de la revolución científica. de alegría. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII). donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. teólogo. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. de dinamismo. más conocidos como los Principia. que utilizó para formular sus leyes de la física. amistad y acogimiento. serían rojo violáceo y rojo anaranjado. . alquimista y matemático inglés. su nivel de pureza. dede el verdoso al violáceo). su desarrollo de una ley de convección térmica. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos. rojos. y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas.) y fríos. dan sensación de actividad. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. azules y violetas (colores asociados con el agua. filósofo. CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria. desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes.Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. Es. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz. estableciendo una ley sobre la viscosidad. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire.. de confianza. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. Usados juntos producen sensación de armonía." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático. son los colores vecinos del círculo cromático los cuales. el púrpura y el violeta. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813). . . Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. verdes.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario.. También contribuyó en otras áreas de la matemática. calificado como el científico más grande de todos los tiempos. naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar.. En un sentido más específico. . De un color puro se dice que es un "color muy vivo". las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro.). lo que daría un color neutro. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo.La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes. los análogos del rojo. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas.Para desaturar un color sin que varíe su valor. verde o azul. Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. Así. También se define como la variación cualitativa del color. en relación con la longitud de onda de su radiación. es decir. Los colores cálidos.

de la unidad y de la inocencia. desconfianza. se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. pasión. la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. frescura y vegetación. brutalidad. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. También significa descanso. fe. misticismo. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . esperanza. lasitud. pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. debilidad o miedo y también riqueza. la inteligencia y las emociones profundas. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. ardor y pasión. y simboliza la sabiduría. En su variación al púrpura. voluntad y estimulo. asi mismo crueldad y rabia. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. Mezclado con el negro sugiere engaño. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10. disimulo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. es un color utilisimo. acción. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. dominio y tiranía. de los sueños y de lo maravilloso. que vive hacia afuera . el sol. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. Los tonos rojos de las imágenes superiores. la intensidad del color naranja. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. No fatiga los ojos en grandes extensiones. porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. mas que por la reflexión. y se deja llevar por el impulso. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3. Simboliza sangre. opresión. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color.En los ejemplos de arriba. Mezclado con blanco es frivolidad. saturación y luminosidad. simboliza la naturaleza y el crecimiento. y el símbolo de lo absoluto. calor. cuando tiene una leve tendencia verdosa. alegría. fuerza. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. verdad eterna e inmortalidad. fanatismo e intolerancia. revolución. fidelidad. Verde:Es un color de gran equilibrio. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. desesperación. tristeza. fuerza. en el segundo. oro. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. Es el color del infinito. Mezclado con negro es deslealtad. Es el color de la luz. Características de tono. Este primario significa envidia. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo. cobardía. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental. Sugiere humedad. desde los más altos a los oscuros. Lumniosidad. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. rigidez y dolor. pierde brillantez. la acción . razón. Es el color de los maniáticos y de marte. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. ira. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento. recelo y bajas pasiones. el poder y simboliza arrogancia. y mezclado con negro. tienen distintos "valores" de luminosidad. lógica y juventud. Mezclado con blanco: muerte. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. aflicción. que al mismo tiempo pierde saturación. de la degradación moral y de la locura. desesperación y miseria. A medida que se le agrega negro. Mezclado con blanco es pureza . el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. destrucción e impulso. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. ambicioso y material. tristes o linfáticos. Significa realidad. particularmente en los últimos años de su crisis. y cielo. al mezclarse proporcionalmente con blanco. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. . El naranja puro de arriba señalado con una X. y los bajos impulsos. disputa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia.000º Kelvin). va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación. fuego. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. y alegría juvenil. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Van Gogh tenia por el una especial predilección. inocencia. Violeta: Significa martirio. significa paz o rendición. tienen que adaptarse a otra característica. profundidad y también experiencia. dignidad. En la escala inferior. tiene un temperamento vital. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. crimen.000º Kelvin). habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Es la suma o síntesis de todos los colores. es realeza. pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. suntuosidad. el diablo y el mal.

un notable elemento curativo. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. rojo y verde. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas . el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. a la vez. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. la vida no sería posible. Es la muerte. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. y el producto de la mezcla de ambos. De hecho. es la ausencia del color. También transmite nobleza y elegancia. Sin la luz solar. la razón por la cual se impuso. los amarillos. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul.[17] . la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. que no dejan escapar radicación alguna. pintura o tinta son capaces de reproducir. Químicamente muy rica. opaca o transparente. como la trementina. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. Usado de una manera conveniente. del bien y del mal. En la vida más normal. Mediante los diversos rayos de la luz solar. naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . Estos aceites se secan más lentamente que otros. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. Por esta y por otras razones. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe. Pese a la consideración negativa del negro. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. y los hombres el azul. sobre todo durante una época. Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". No reflejan nada. De hecho. luz visible incluida. visibles e invisibles. no por evaporación sino por oxidación. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya. Negro:El color más oscuro. el negro puro es la ausencia de color y de luz. sin embargo. tiende a amarillear ligeramente. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Sólo los cuatro elementos. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. Este poderoso agente natural es. Entre los chinos y los egipcios. a largo plazo.Gris: No es un color. los colores existen en todas las sustancias del Universo. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". Conocida desde las más antiguas civilizaciones. Símbolo del error y del mal. de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas. no emiten luz. sino la transición entre el blanco y el negro. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. Su capacidad de soportar capas sucesivas. debidamente combinados. Entre los primeros. además representaba el yin femenino.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. el negro fue signo de fertilidad. Estiliza y acerca. tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. Simboliza neutralidad. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. mate o brillante. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que.

realismo y facilidad de trabajar tu arte. procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. que actúa como otro verdadero tono. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución.. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. es concebida hoy. aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Asimismo se denomina así al efecto . Puedes dejar de trabajarlo por horas. como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner. Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. Según el pintor Paul Signac: «.Caja de acuarelas. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste.. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. Armonía cromática La Armonía cromática. o Armonía de los colores. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo. pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. como Cascara de Huevo y Lino. sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística.

Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Yellow. La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). más los dos colores acromáticos. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). Hoy. Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. únicos. COLORES PRIMARIOS. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. o negro). el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. verde. rojo-violeta y amarilloanaranjado. hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). Blue = rojo. Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. amarillo. Colores intermedios. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja). el acorde cromático y la coloración acorde. Así en el sistema RGB (del inglés Red. azul-violeta. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. obteniendo: Verde (S). el rojo y el azul. azul-verdoso. Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. la complementariedad. que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. la extensión cromática. azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. azul). los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. . o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. blanco. entre los que destacan: el ajuste cromático. unidos por su diámetro. rojo-anaranjado. desde la Antigüedad griega. La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. rojo. En el Modelo de color RYB (Red. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. Colores secundarios. Green. Colores primarios. Blue. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista.estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. el complementario del color verde es el color magenta.

Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. violeta. Esta estrella muestra los colores complementarios. El magenta es el color opuesto al verde. magenta. azul. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. El círculo cromático es una clasificación de los colores. rojo. cian y verde. Materiales necesarios: . Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. azul y verde. El cian es el color opuesto al rojo. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático. Y así sucesivamente con todos los colores. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). rojo. El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. anaranjado. Círculo cromático con degragadado. Lápices de colores dispuestos cromáticamente. el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.

Lapicero y goma de borrar. tal como a pintura del paisaje). Normalmente. que está generalmente azul. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales. podemos distinguir entre gamas y escalas.. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie. que pueden estar alejados pero también muy próximos.. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo. Antes de tratar el tema de la armonía. e igual ocurre con la palabra gama. Témperas (cyan. magenta. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. NEOCLASICISMO. IMPRESIONISMO Y CUBISMO . Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien.- Block de dibujo. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte. Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. rojo. RENACIMIENTO. pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo. etc. ROMANTICISMO.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo. en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre. se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura. BARROCO. incluso ideales.. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo. por el contrario. amarillo. Compás y regla. La gama tiene un sentido más restrictivo. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo). Las gamas. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye. las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. armonía. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos.. pero también más rico y preciso. Las escalas son esquemáticas. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. blanco y negro) y pinceles.

en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino. el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel. ya no parecían adecuadas.000 años.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. que habían dominado el arte durante casi un siglo. fueron realizadas con ocre de arcilla. Norte de África. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro. y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . En Alemania destacó el pintor y humanista Durero. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. leones. fechada por algunos historiadores de unos 32. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. .[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci. Italia y Europa oriental. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. en los colores y en las formas. mamuts. donde destacó la figura el pintor Giotto. Rafael Sanzio y Tiziano. que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. búfalos. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. también en esta época apareció la técnica del óleo. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. la Virgen María y la vida de santos.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. se concentra sobre todo. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. el uso de luz y sombra. caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. Se encuentran dibujados rinocerontes.

Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. James Ensor y Edvard Munch. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico. A diferencia de los fauves. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. Buscaba descubrir una verdad. el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. se considera la primera fase del cubismo. característica de muchos artistas nórdicos. asimismo. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. En Francia el pintor más importante fue Delacroix. expresión de la interioridad de la conciencia. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. el término expresionismo era utilizado para referirse. Finalmente se designó como expresionismo. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes. indistintamente. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. en los Estados Unidos. destacan Velázquez . El Surrealismo (en francés: surréalisme. en torno a la personalidad del poeta André Breton. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. en la década de los años 1920. representados con tanta fuerza. Constable y Turner. desarrollando imágenes casi monocromas.Hipnotizador (1912). en el Reino Unido. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950.[ principios del siglo XX. sin correcciones racionales. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. espontánea.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. el arte gótico o el barroco. el impresionismo con Manet a la cabeza. ya de un modo preciso. de Bohumil Kubišta. el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. Las obras expresionistas. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. a cualquier tendencia de vanguardia. pero que nunca seguían un razonamiento lógico. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. utilizando imágenes para expresar sus emociones. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. Rubens y Rembrandt. sin interesarse por los detalles concretos. la cultura o a tópicos sociales. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica. rebelde y apasionada. sur [sobre. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. . El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. con escrituras automáticas. está el método de Cézanne. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. muestran una inspiración violenta. en el cual se funden angustia y simbolismo. la pintura abstracta es heredera del cubismo. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909.

ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. Ahora. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. de detallada decoración. Generalmente al fresco. el arquitectónico. en general. Pintura renacentista Ticiano. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. La pintura romana. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras. Se . únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. Pintura de El Fayum. h. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. Estos retratos. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. se aplicase sobre su momia. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. y el del ilusionismo arquitectónico. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. el ornamental (siglo I). se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. como el de la pareja imperial. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. Amor sagrado y amor profano. escenográfico o teatral. que llega hasta comienzos del imperio. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. de origen helenístico. La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. por su parte.

el aislamiento. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. Tanto el Impresionismo. Paul Gaugin. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Ven colores que conforman cosas. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. la masificación. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. pinceladas distinguibles y temas de la vida real. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. Simbolismo. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. rechazan lo que trae consigo la vida diaria. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. no les importa el objeto. La cara oculta de la modernización. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Posimpresionismo Visión tras el sermón. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. 1888. una aplicación compacta de la pintura. políticos. la aglomeración. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. paralelo al post-impresionismo. . Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. Expresionismo. morales e intelectuales. creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. la alineación. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. la actividad industrial y la degradación. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. y esto es lo que plasman.

En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. La textura es expresiva. existen varios tipos de fibras. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. disposición y orden de los hilos en un tejido. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. un automóvil rugiente. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. seda y lino. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. Su fórmula era la forma-color. pero aparece en la forma. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. entrelazamiento . que será el punto de partida. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado. la belleza de la velocidad. Y una vez creadas. Por eso. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. sino que se manifiesta a través del color. Fernand Leger. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. Boccioni. Futurismo. Balla o Severini. que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. acorde con la mentalidad moderna. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición. Cézanne ya habría marcado el camino. Carrá. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. • Textura (gráficos por computadora). La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). las naturales: algodón. Quieren crear un arte nuevo. Un automóvil de carreras. el movimiento y la deshumanización. Gira en torno a la figura de Marinetti. la velocidad. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. especialmente en Italia. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S.Cubismo. hay que relacionarlas entre sí. En física. Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos.. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. . el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. pero con anterioridad. donde la tradición artística lo impregnaba todo. • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. la energía. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. pintura o escultura. lana. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. las que son utilizadas por los artistas. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. • Textura del tejido. calidad general del sonido de una composición musical. la rapidez. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. aunque temporalmente también acepta el litro. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. Jean Metzinger y Albert Gleizes. de formas. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. así como las sensaciones que causan. que son captadas por el sentido del tacto. que parece correr sobre una estela de metralla. fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon. Él cree que la naturaleza no se dibuja. sino una pintura de volúmenes.. Textura de la pintura. que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. surgiendo aquí el problema de los planos. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él.

Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades.C. Figuras humanas. pintura. La talla de las piedras semipreciosas. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I). excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . el nacimiento de los brazos y el pecho. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. Suelen ser cilindros. Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d.Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Palenque. y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). a una representación escultórica de esta parte del cuerpo. llamado códice. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos. como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento. Incluye la cabeza.Puede ser una escultura. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco. La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. los hombros. del que se conservan muy pocos. Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -. en jade y obsidiana. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística. platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. crema o anaranjado. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún.). o parte de él. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes. dibujo o grabado. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. también llamado tronco. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia. Coba y Chichén Itzá. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). suponen una valiosa aportación al arte maya. El otro estilo. Nueva Esparta. logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores.

que son muy comunes en la artesanía maya. Para muchas personas. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. pero cada vez son menos. pero con menor precio y calidad. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. identificándose en algunos casos la organización en comités. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. • • . para producir individualmente. con poca capacidad para llegar al mercado. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». ya que es una característica de la artesanía. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. para producir socialmente. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. según la leyenda que se dance o se cuente. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. con apariencia similar a los productos artesanos. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. bienes y servicios". asociaciones o en cooperativas.manual creativa. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles.

para producir individualmente. con apariencia similar a los productos artesanos. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. según la leyenda que se dance o se cuente. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. Para muchas personas. ya que es una característica de la artesanía. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. que son muy comunes en la artesanía maya. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. identificándose en algunos casos la organización en comités. con poca capacidad para llegar al mercado. pero con menor precio y calidad. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». asociaciones o en cooperativas. pero cada vez son menos. para producir socialmente. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. . bienes y servicios". entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable.Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto.

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