Conceptos de Arte Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta

el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez. Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor, línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes
Arquitectura
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Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y provoquen placer estético. Arte y ciencia de diseñar construcciones. Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter. Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como comunicación y expresión. Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Danza

Escultura

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Es el arte de tallar, esculpir o moldear. Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional. Toda materia moldeable dentro del entorno fisico

Música
Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas. Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o pintura histórica). Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo). Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia. Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

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Pintura

Literatura

Cinematografía

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
Por Luciano Moreno
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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella. Las principales propiedades de la línea son: • • • • • Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular. La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador. Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades: Línea recta Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal. Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino como una simple línea plana (atributo noshade). La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible. Línea curva Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

También son enormemente versátiles. Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos. que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas. . En el diseño web. cambiar de cóncavas a convexas alrededor de un punto. el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. los puntos inicial y final de la curva y dos puntos de control (manejadores) que definen su forma.Está muy asociada al ser humano. por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier figura. Este tipo de curvas fue desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault. con un desarrollo muy suave. pasando por todos los valores intermedios. Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. Es más común encontrarlas como partes integrantes de formas más complejas. para suavizar la dureza de una forma rectangular en uno o más de sus lados (como los botones). basta cambiar de posición uno de sus puntos de control. capaces de adaptarse a casi cualquier forma imaginable. siendo útiles. pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a curvaturas muy fuerte (curvas complejas). incluso. Para modificar su forma. que buscaba una familia de curvas representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves que deseaban dar a sus automóviles. por ejemplo. Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes. Pueden.

etc. aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí. la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música. se ha acuñado el término barroco y.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias. De tal modo que. CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo. efecto que aumenta con el tamaño del objeto. disponible en casi todas las aplicaciones gráficas. Trazo Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. por ejemplo. • • Movimiento literario Movimiento pictórico .Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por medio de píxeles. JPG. escultura y arquitectura). la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar. se designan habitualmente como arquitectura barroca. artes visuales (pintura. PNG. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo. para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII. pintura barroca. música barroca o literatura barroca. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas. por medio del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo. siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF. Es tal vez la forma gráfica más humana. de un color intermedio entre ellos.

A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). en la búsqueda de una solución en cualquier campo. donde se manifiesta que a partir de la propia persona. a menudo a través del uso de la ironía. Pierre Soulages. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet. buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes. Serge Poliakoff. separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras. el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea. y Georges Mathieu. arquitectura y otras disciplinas creativas. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). pues como se dice "cada mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en este proceso. lo hecho es la obra. Tachisme. "pre-figuración". el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. ingeniería. olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo. Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Concepto Diseño Utilizado habitualmente en el contexto de las artes. diseño se define como el proceso previo de configuración mental. tales como anuncios publicitarios. dibujos.mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. signare. Por tanto. Art pop. comic books y objetos culturales «mundanos». Tachismo El Tachismo (en idioma español. goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo. derivado de la palabra francesa tache .• • • • • • • • Movimiento escultórico Movimiento arquitectónico Movimiento musical Movimientos literarios Movimientos pictóricos Movimientos escultóricos Estilos arquitectónicos Géneros musicales SURREALISMO MODERNO El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX.[1] El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía. lo por hacer es el proyecto. el narizon de raul Según Chilvers.Pop Art El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación. Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo. signado "lo por venir". como la música pop. Nicholas de Stael. bocetos o esquemas trazados en cualquiera . designio. el porvenir visión representada gráficamente del futuro.[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural. Hans Hartung. El arte pop. es por ello que la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte. Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos.

repitiendo infinitos rectángulos.[1] [2] En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor. durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. o es una modificación de lo existente inspiración abstracción. es decir. es también un caso especial de rectángulo. Los puntos de intersección de las rectas son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. Un rombo con un ángulo interno de 45° suele llamarse losange. o también. • • • Sus lados paralelos son iguales. De modo similar. dos a dos. Figuras Geometricas Planas CUADRADO En geometría euclidiana. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos). un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. síntesis. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. El perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. Sus dos diagonales son iguales. al tener los cuatro lados iguales. ROMBO El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud. Triángulo Un triángulo. es un paralelogramo. llamado centro. Circunferencia Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo. El cuerpo de revolución generado por un rectángulo. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también paralelogramo no rectangular. .de los soportes. Dos lados contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo. Dado que sus cuatro ángulos internos son rectos. Romboide Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo. un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). respecto de un eje que contenga a un lado. en geometría. y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define) Se puede pavimentar el plano. RECTANGULO En geometría plana. esta figura no recibe un nombre especial (aparte de ser un paralelogramo). es un caso especial de rombo. al cuadrilátero que tiene dos pares de lados consecutivos iguales (véase deltoide). entonces es un cuadrado. Un cuadrado es un cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y. ordenación y transformación. es un cilindro. El nombre romboide se aplica a otra figura. Los ángulos interiores opuestos son iguales. Si un rombo es a la vez un rectángulo. El segmento de recta formado por dos radios alineados se llama diámetro. por tanto. un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales. un paralelogramo que no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan a la circunferencia. esta distancia se denomina radio. El área de un rectángulo es igual al producto de dos de sus lados contiguos. La circunferencia sólo posee longitud.

con la particularidad de que todos ellos son iguales. llamado centro. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2 Trapecio: El trapecio es un polígono de cuatro lados. son equiláteros. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base x altura) / 2 (tipos de triángulos: Isósceles. La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. Los triángulos formados.altura Pentágono: El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales. cerrada. Es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. mientras que se denomina circunferencia[2] a la curva geométrica plana. la palabra círculo tiene varias acepciones. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º. . En castellano.altura] / 2 Paralelogramo: El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2 Hexágono: El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales. escaleno y equilátero) Cuadrado: El cuadrado es un polígono de cuatro lados. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. iguales dos a dos. siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan del centro. y sólo posee longitud. cuyos puntos son equidistantes del centro. al unir el centro con todos los vértices. en geometría.CIRCULO Un circulo.altura Rombo: El rombo es un polígono de cuatro lados iguales. es menor o igual que la longitud del radio. es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base. FIGURAS GEOMETRICAS Triangulo: El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del trapecio = [(base mayor + base menor). la primera:[1] una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2 Circulo: El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado Rectángulo: El rectángulo es un polígono de cuatro lados.

LOS POLIEDROS Llamados solidos platónicos o poliedros regulares. Está formado por ocho caras. Está formado por seis caras. Permanece estable sobre su base. treinta aristas y doce vértices. ocho vértices. Gira libremente cuando se sujeta por vértices opuestos. ancho y alto). # Caras: 6 # Vértices: 8 # Aristas: 12 Área = 6a2 Volumen = a3 TETRAEDRO: Formado por tres triángulos equiláteros. Está formado por cuatro caras. Cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas. OCTAEDRO: Formado por ocho triángulos equiláteros. doce aristas. HEXAEDRO O CUBO: Formado por seis cuadrados. que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen. Unas definiciones posibles son las siguientes: * Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que pueden ser planas o curva.El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del círculo = 3'14. seis aristas y cuatro vértices. Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. encierran un volumen finito. ICOSAEDRO: Formado por veinte triangulo equiláteros. Es el que tiene mayor volumen en relación con su superficie. * Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo. Tiene veinte caras. doce aristas y seis vértices. Es el que tiene menor volumen de los cinco en comparación con su superficie. . radio al cuadrado SOLIDOS GEOMETRICOS La definición de sólidos geométricos es un tema complicado.

en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo. PRIMA: Un prisma es un cuerpo geométrico. y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base. Los poliedros irregulares son 3: * Ortoedro * Prisma * Pirámide ORTOEDRO: Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo entonces se le denomina ortoedro recto. Perspectiva del Campidoglio. Es también la ilusión visual que. . Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular. ni sus ángulos iguales. que tienen un punto en común llamado vértice. para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral.POLIEDROS IRREGULARES Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares. perpendiculares a la base CONO: Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de línea recta que unen un punto O. sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este. ROTULACION Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. En un dibujo. CILINDRO: Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas. percibida por el observador. poliedro. limitado por dos caras iguales y paralelas (bases). la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. PIRAMIDE: Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las caras laterales son triángulos isósceles. PERSPECTIVA La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una generatriz y su longitud se denota con g. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo se llama altura. ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. con los puntos del círculo. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando las literales del mismo. Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación.

La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. un cubo.Por analogía. Como ejemplo. En esta perspectiva. PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO Es aquel que se mira desde lo alto. DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente. El abrigo. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior . pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. lo más simple de representar en perspectiva paralela es. Antigüedad A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban. La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente. Perspectiva oblicua Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental. será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. por ejemplo. sólo vemos en fuga las líneas de profundidad. Ésta es la que más se aproxima a la visión real. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. es como si miramos desde una terraza hacia abajo. y que influyen en su percepción o en su juicio. en donde vemos que las cabezas de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños. como construcción predominante en las sociedades primitivas. El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. Edad Media . africanos y aborígenes. equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. las demás las vemos paralelas al plano del cuadro. tal como los pueblos amerindios. los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). ubicado sobre la línea del horizonte. Veamos cómo se hace. Antigüedad clásica La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. presionadas por las amenazas bélicas constantes. PERSPECTIVA FRONTAL La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga. también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador. entre otros. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS Prehistoria Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. por eso decimos que es también vista de pájaro.

A medida que el poder secular se sometía al poder papal. social . Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos.Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. el Clasicismo. que comienza en los tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro. aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. Comienzan a surgir los estados nación y. en mayor o menor grado. de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal. los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra. El Barroco. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. Edad Moderna Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas. semiología. . Europa asistió a un gran avance tecnológico. con murallas. los mexicanos (aztecas. edificios y monumentos. levantaron vastos conjuntos de construcción armónica.un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden. síntesis. lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. Arquitectura barroca El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que. con el avance científico representado por el Renacimiento. aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado.se hace un objetivo importante para el periodo. mayas). En América precolombina la arquitectura solo floreció en México. La idea de progreso del hombre científico. aunque hubiera ayudado en este progreso. escalonadas en terrazas. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales. estanques y caminos. potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita. al aire libre. En este momento surge el manierismo. no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado. juegos de pelotas. EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios. caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios). los bloques de piedra eran a veces colosales y los asentaban sin argamasa. en un primer momento. Guatemala y el Perú. Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. Edad Contemporánea La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá. a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica. Arquitectura neoclásica A finales del siglo XVIII e inicios del XIX. torreones. Siglos XVII y XVIII Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. Manierismo Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos. el poder secular vuelve al poder. especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante. a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Renacimiento El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico. obras de riego. zapotecas. espiritual. palacios y otros edificios públicos.

ARQUITECTURA GOTICA Gótico Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Estos resultados se obtienen con el uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas. así como un punto de vista es esencial. Con el fin de reducir este encadenamiento hacia atrás. inédito. pero aun más importante que aquello. conforme el diseño progresa. así. un marco de trabajo. POR ENCADENAMIENTO. en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño. poniéndosele mayor consideración a los detalles específicos. backtracking) resulta fundamental en este tipo de diseño. estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de funciones. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas que sean suficientes para la instrumentación del sistema. una decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el principio de la bóveda por aristas o crucería. Por medio del enfoque de arriba a abajo. EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO Durante los últimos años. el diseño estructurado. innovativo. los conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. los niveles de abstracción. eso sí. Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia arriba". el diseño de productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo. es un trabajo creativo. La estrategia hacia arriba requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar entidades más sofisticadas. a las interfaces con el usuario ya la naturaleza global del problema a resolver. el desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. el sistema se descompone en subsistema. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba. estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del ambiente de programación existente. se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el sistema. pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. La ventaja primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente. varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la programación. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales. la cual es predominantemente hacia abajo.materia. acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema. estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos. cuando se utilizan . En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación. este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento hacia atrás del mismo. El encadenamiento hacia atrás (en inglés. Floreció en Europa del siglo XII al XVI. el diseñador primero intenta identificar al conjunto primitivo de objetos. puede resultar aparente que una decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel. mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema. CONCEPTO DISEÑO. Aunque estas técnicas son nombradas como metodologías de diseño.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa. esto se ha modificado en gran medida. El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial. y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente visibles. el resultado es una sustracción. El espacio que las mantenía separadas queda anulado. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible. una se cruza sobre la otra y parece estar por encima. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura. las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte asimismo en invisible. Puede no recordarnos las formas originales. pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. Cuando una gorma se sobrepone a otra. pero con la manipulación de colores es posible colocar una forma sobre la otra. G.. esto es. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Ambas formas se convierten en una. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. -En la Coincidencia. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si. Interrelación de Formas Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. -En la Sustracción. surge una forma nueva y más pequeña. La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre roca. H. Ninguna variación espacial es posible. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas. Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño. la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final. sin embargo. igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. cubriendo una porción de la cual queda debajo D. la situación espacial es un poco vaga. E. . la unión. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor. comienzan a tocarse. Con el desarrollo de los materiales. la sustracción o la intersección. DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales. solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura. las fisuras resultaron ser las guías de todos los aperturistas de antaño. Dicen que el mejor canto es un empotramiento.la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible.ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo. la mano o el pie no se puedan salir de su emplazamiento. en dirección o ambas cosas. conseguir incluso mayor seguridad y reposo en los movimientos. la limpieza y la rapidez de colocar protecciones. un factor estético de armonía. existe igualdad de peso en ambos lados. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes.. o una mas cercana y otra mas lejana. aunque puedan estar muy cercanas. nunca será igualada por una ruta de otras características. tamaño y dirección. Toque: Si acercamos ambas formas. ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma que sólo con la fuerza de mantener esa posición. No hay una relación obvia de arriba y debajo de ellas. a nivel de percepción. C. Esta regularidad constituye. no habrá coincidencia real y se producirán la superposición. Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas -El Distanciamiento. F. Pero. Como resultado de la intersección. los resultados no son tan simples como se creen. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada. Al buscar una línea de ascensión a una pared. la penetración. en la que el eje es el cuerpo del insecto. con los posibles efectos espaciales ya mencionados. -En la Unión. es obvio que una forma esta delante o encima de otra. Superposición: Si acercamos aun mas las formas. -En la Superposición. hasta que el sistema quede ensamblado. -En la Penetración. con una buena dosis de técnica. -En el Toque. porque se convierten en una forma nueva. como en el distanciamiento. Pese a ello. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. Las fisuras resultan un arte particular. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se cruzan entre si. A. B. cuyas alas poseen simetría axial bilateral. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que sea. habrán de coincidir.jerarquías hacia abajo. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo canto con las manos y. Ambas pierden una parte de su contorno. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva.

Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre. no existen las mismas dimensiones en tamaño. ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil.5:2. peso etc. como son 3. en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel. al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje. color. radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje. En el equilibrio asimétrico. que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño. dinamismo.El equilibrio asimétrico Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales. al que llamo “figura 1”: Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía. como veremos). . de modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características. TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO. PROPORCIONES Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona. tensión.5 partes. Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3. pues muchas figuras que mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. el efecto es variado. yo en el ejemplo que os muestro. La asimetría nos transmite agitación. siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza. en la proporción del rostro a lo alto. bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel).5 partes.5 centímetros así que como ya hemos visto. En ellos se puede mover el deslizador verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original. hasta la altura de las cejas. he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10. Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP' La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí. Bien. La simetría axial (también llamada rotacional. alegría y vitalidad. Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P' verificando que: • • El segmento PP' es perpendicular a . pero existe un equilibrio entre dos elementos. Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”. Los puntos P y P' equidistan del eje . lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar. salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera. La simetría axial En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría.

los sacais enseguida porque la mecánica es siempre la misma.5 = 3 cm .5 y 2.5 x 3 = 7.5 : 3. lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro. con un número de referencias que parece abrumador en principio. . además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS. así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2. esto sería suficiente ya para abordar las proporciones. pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro. y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.5 veces la medida de la frente: 2. Como veis.5 cm .5 partes respectivamente. por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda. Pero hay mucho más. pero es que aún podemos obtener más referencias. (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente). veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”: Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3. Así que como veis tenemos un encaje perfecto.5 cm de altura y 7. que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10. y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ. tendremos la primera de ellas que nos vá a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ . En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda. luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos. la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS. de anchura. por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO. Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR. vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto: Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ.divido 10. Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad.5 cm .

iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”: - ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE FIGURAS PLANAS TRIÁNGULO El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. con la particularidad de que todos ellos son iguales.Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal. enfín. pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá ese tabique ¿verdad?.. Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula: Área del triángulo = (base . La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados. ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del cuadrado = lado al cuadrado RECTÁNGULO El rectángulo es un polígono de cuatro lados. altura) / 2 CUADRADO El cuadrado es un polígono de cuatro lados.altura . El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rectángulo = base. Bien. Además sus cuatro ángulos son de 90 grados cada uno. otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas….

Los triángulos formados. pero sus cuatro ángulos son distintos de 90ª.ROMBO El rombo es un polígono de cuatro lados iguales.diagonal menor) / 2 TRAPECIO un polígono de cuatro lados. son equiláteros. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del hexágono = (perímetro.altura] / 2 PARALELOGRAMO mayor + El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos. al unir el centro con todos los vértices. siendo puntos que equidistan mediante la fórmula: ésta el lugar geométrico de los del centro.apotema) / 2 CÍRCULO El círculo es la región delimitada por una circunferencia. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del paralelogramo = base.altura PENTÁGONO El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del pentágono = (perímetro. El área de esta figura se calcula mediante la fórmula: Área del rombo = (diagonal mayor. pero ángulos son distintos de 90º. El área de esta figura se calcula fórmula: El trapecio es sus cuatro mediante la Área del trapecio = [(base base menor). El área de esta figura se calcula .apotema) / 2 HEXÁGONO El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.

casi 400 grabados y cerca de 2. en especial con Caravaggio.[28] Respecto a los grabados.[25] si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación. Esta técnica realza el volumen de los objetos. Zona oscura. .radio al cuadrado Claroscuro El claroscuro es una técnica artística (en pintura. Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras: Una propia sobre la zona que no recibe la luz y proyecta otra que reproduce sus contornos. También llamada sombra propia. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento. y se mantiene oscura. Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno cuando son iluminados. da más vida al dibujo. pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta. En una carta a Huygens. En las superficies curvas tiene una transición suave. Zonas del claroscuro Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. 1633. expresiones faciales. coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas. Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra. Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa Zona de penumbra.[26] A principios del siglo XX.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el Proyecto de Investigación Rembrandt. En paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990. retratos. Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. es la zona que no recibe ningún rayo de luz. se caracteriza por medios tonos luminosos. aunque no sin generar cierta polémica. de cualquier modo Rembrandt representa la fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental.Área del círculo = 3'14. va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises. Entre ellas: Zona de iluminación clara. Zona proyectada. También llamada medio tono opaco. Zona de reflejo.000 dibujos. algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas. Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan. dando lugar al estilo llamado tenebrismo. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura. la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural". OBRAS DE REMBRANT "Cristo en la tormenta en el lago de Galilea".

de enorme profundidad psicológica. la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. históricos o mitológicos. Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad.[31] Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos.[32] Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro. entre los cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas. aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. pero ricas en detalles. podría hablarse de un desarrollo similar.[35] Estilísticamente. Rembrandt haría suyos los géneros del retrato. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca.generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte. mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra. su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior. muy populares en su época.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2. y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su vida.[30] En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt. la cifra estimada es más estable. el paisaje y la pintura narrativa. de Joos van Craesbeeck. temas y estilo El rapto de Europa.[34] A lo largo de su carrera. Períodos. 1632. que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.[37] Leiden (1625-1631) "El fumador". en ocasiones representando temas bíblicos.[36] En cuanto al grabado. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida. Investigaciones más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas. Rembrandt también cultivó este tipo de retratos. Óleo sobre tabla. independientemente de la riqueza o la edad del retratado. o. su hijo Titus. pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos. y se aproxima a las 300 piezas. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos. más posiblemente. especialmente a partir de finales de la década de 1640. el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento. más "áspero". suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados. que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación. En Leiden. al igual que los . por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia. especialmente en vestiduras y joyería. su amante Hendrickje.000 dibujos que se le atribuyen. una gran superficie vacía puede sugerir un espacio. En las obras ejecutadas en su madurez. y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez.suelen aparecer de forma visible en sus pinturas. o haciéndose muecas a sí mismo. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones.

género popularmente holandés. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. 1642.[43] Detalle de La ronda de noche. Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos."tronie". Simultáneamente. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y. "La fiesta de Belshazzar" (c. pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano.[42] Segundo período en Ámsterdam (1636-1650) A finales de la década. tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa".[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh. Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido. fuertemente contrastadas y en grandes formatos. las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. "La lección de anatomía del Dr. 1643). cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial. también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning Cocq". quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo barroco de Rubens. Comúnmente. devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio". (1633).[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados. las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento.[44] Al mismo tiempo. técnicas y estilos. Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico. esta obra constituye el primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor. reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso". Del mismo modo. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se .[38] En 1629 pintó "Judas arrepentido. (1637-1647). se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. Durante sus primeros años en Ámsterdam. Nicolaes Tulp". las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños. estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza. A lo largo de la siguiente década. De esta época son obras como "Susana y los viejos". "Los tres árboles". y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional. 1641. A partir de 1640. fechado en 1632).[40] [editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636) Un típico retrato de 1634. considerando el mayor trabajo de pincelada. En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche" —su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores. obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos. [editar] La ronda de noche Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. A esta época pertenecen "El cegamiento de Sansón" (1636).[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas. Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático.

con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen. la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana. pintada con 56 años en 1662. los síndicos del gremio de pañeros. De cualquier modo.[48] Período tardío (1650-1669) Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento.[46] A pesar de toda la especulación desatada. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen. Uffizi). donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería. la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. disponiéndose para salir de misión. la lección de anatomía del Doctor Tulp. OBRAS DE LEONARDO DA VINCI Cartón de Burlington House. Después de sucesivas restauraciones. se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol.habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. Se seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. pintado a los 26 años y una de sus obras tardías. Anunciación (Leonardo. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum. . el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra.

pese a tener sólo cuatro personajes. Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. sobrecapa o repintes es un hecho muy raro en una pintura de esta época. la Virgen. asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo. pintó Madona Benois. otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato.[54] [Nota 10] Sus pinturas son célebres. esposa de Francesco del Giocondo. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. Ginebra de Benci.[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo. 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto.[56] En estas dos Anunciaciones. el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa. Otra pintura que parece datar de este periodo. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda. Liana Bortolon. y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios. Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena. El cuadro pudo ser terminado. Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato. su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras. La Virgen del clavel. pintada hacia el 1510. Primeras obras El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. En 1480. La obra representa a Lisa Gherardini. Otra obra destacable es La Virgen. incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. han sido copiadas e imitadas por los estudiantes. aprendía sólo a morir». Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer. Rafael y Andrea del Sarto. y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. el Niño Jesús y santa Ana. ambas atribuida a Leonardo[59] ).[57] Entre 1478 y 1482. un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. y que ha sido copiada muchas veces. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel. la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. El estilo de la composición ha . Pero. el Niño y san Juanito. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio. La Gioconda. es La Anunciación. cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480. el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. el interés por la fisonomía. Fue un cuadro muy complejo. una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. Leonardo pintó Santa Ana.[Nota 12] Entre 1499 y 1500. dos de las obras nunca fueron terminadas. y una segunda versión hecha algunos años más tarde. Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen. se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía. 217 centímetros de largo. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición. [8] [58] La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones. para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido. Uno de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. Fechada hacia 1474-1476. El otro es un trabajo mucho más grande.[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos. de la botánica y la geología. Desgraciadamente.[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel.A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años. a petición de Lorenzo de Médici. autentificadas o que se le atribuyen. Entre las cualidades. el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal. la utilización que hacía de la luz. en Pontormo y Antonio da Correggio. en 1482. es otra de sus obras de este periodo. y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. El estado de conservación destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones. que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos. que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. con los elementos del paisaje y el drama personal. Uno de ellos es pequeño. La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo. La dama del armiño. Década de 1480 En la década de 1480. La Última Cena y La Virgen de las rocas.[8] y a través de ellos.[29] Es una obra maestra en su concepción y caracterización. es una de las obras de arte más reproducidas. aparece igualmente en otra gran obra inacabada. Por un lado.[Nota 11] al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada». que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. la Adoración de los Magos. fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores.[8] A pesar de todo. con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista. y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó. que topó con la incomprensión del prior del convento. los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir.

aunque exagerados. junto con el de la Sagrada Familia. existen numerosos estudios de sus pinturas. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces. el castillo Montelupo y. pero un cuadro bastante próximo es La Virgen. Este tema de Santa Ana. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino. en la que usó como modelo a Salai. hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales.[67] Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473. a menudo minuciosos. el 29 de diciembre de 1479.[ . en cambio. parecen estar basados en la observación de modelos vivos. donde se puede observar el río. el Niño Jesús y santa Ana.[8] Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que. predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante. las cuales se han asociado con Salai. más allá. fue un dibujante muy productivo. con una cara poco habitual. perfil característico de muchas estatuas griegas. llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza. del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo.sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese.[66] Dibujos Dibujo preliminar de La Virgen. Leonardo no fue un pintor prolífico pero. el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista. Además de sus notas. La Virgen de las Rocas y La Virgen. que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color.[67] en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista. característica del llamado «perfil griego». las montañas. un estudio de las proporciones del cuerpo humano. las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle. uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi. Otros dibujos. el Jefe del ángel. el Niño Jesús y santa Ana. La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia. muestran estudios sobre ropas.[13] [67] Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio.

en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo. mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano. a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte. Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue. Primeras obras conocidas Escenas de la vida de San Francisco. se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís.Florencia. llena de sangre y fuerza vital. 8 de enero de 1337) fue un notable pintor. Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros. Según Vasari. Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero. Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el lienzo. 1267 . Así. fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia. Giotto di Bondone. atribuido a Paolo Uccello. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. . diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida". Cuando Giotto promediaba la treintena. con un solo trazo continuo. escultor y arquitecto italiano del Trecento. con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo". dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto.Giotto Presunto retrato de Giotto. hundió su pincel en pintura roja y. principalmente trabajos religiosos. Un primer ciclo. en la parte alta de las paredes del templo. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos.

TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR En artes visuales. De él se convirtió como tradición artística independiente con solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone Battista Alberti (c. Color El color es un aspecto importante en la pintura. los pintores refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático. tintes. con el color complementario como contraste. Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone. Más adelante. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. inicialmente dentro de una controversia partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks. Una fractura complementaria esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas.realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII. desarrolla temas bíblicos. Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz. porque se aniquilan cuando están mezcladas. teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color. . Vistos los excelentes resultados. La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. generado como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color. que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. acerca de la vida de San Francisco de Asís. entre 1297 y 1299. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua. una tradición de la “teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo. otros creen las yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los colores. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. 1704) y la naturaleza de supuesto colores primarios. La armonía se ha buscado en combinaciones con excepción de estos dos. Un esquema de color triadic adopta cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores. mientras que el negro es la ausencia de color. El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. magenta y amarillo. Con poca luz se ve en blanco y negro. como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. y de atribución bastante dudosa. Algunos teóricos y artistas creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un contraste o una tensión fuerte. La rueda del color se ha adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos. Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas. “parten” de un color dominante básico.1490).1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c. una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia. relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético.

de alegría. hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor. rojos. . lo que daría un color neutro. Es. inventor. amistad y acogimiento. su argumentación sobre la posibilidad de que la luz estuviera compuesta por partículas. Usados juntos producen sensación de armonía. en lugar de provenir del prisma (como había sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII). El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático. . es decir. estableciendo una ley sobre la viscosidad." COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático. a menudo. alquimista y matemático inglés. desarrollando el teorema del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes. Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático. Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la gama de azules. naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar. si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza.Para desaturar un color sin que varíe su valor. y su propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. el fuego. Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos.La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario. de confianza.Los colores puros del espectro están completamente saturados. El matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813). . Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial. que describe la tasa de enfriamiento de los objetos expuestos al aire. rojo. También se define como la variación cualitativa del color. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad. dijo que "Newton fue el más grande genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que rija el mundo.) y fríos. por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde. Así.. Saturación o Intensidad Es la sensación más o menos intensa de un color. seriedad y distanciamiento. calificado como el científico más grande de todos los tiempos. filósofo. dede el verdoso al violáceo)..Isaac Newton Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de marzo de 1727 GR)) fue un físico. los análogos del rojo. tiene un color como común denominador. dan sensación de actividad. las características esenciales de los colores son: Tono o matiz Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro.. CARACTERÍSTICAS del COLOR Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria. Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz. De un color puro se dice que es un "color muy vivo". . autor de los Philosophiae naturalis principia mathematica..La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado. O también gama de azules. Los colores cálidos. verdes. serían rojo violáceo y rojo anaranjado. desde el verdoso al violáceo. donde describió la ley de gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre. el púrpura y el violeta. sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire.). en relación con la longitud de onda de su radiación. su desarrollo de una ley de convección térmica. verde o azul. La máxima saturación de un color es aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de blanco y negro. teólogo. . En un sentido más específico. más conocidos como los Principia. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos. azules y violetas (colores asociados con el agua. Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes. que utilizó para formular sus leyes de la física. de dinamismo. su nivel de pureza. También contribuyó en otras áreas de la matemática. son los colores vecinos del círculo cromático los cuales. y su obra como la culminación de la revolución científica.

Es el color de la luz. crimen. El naranja puro de arriba señalado con una X. disputa. debilidad o miedo y también riqueza. En su variación al púrpura. En la escala inferior. acción. disimulo. cuando tiene una leve tendencia verdosa. calor. pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. y se deja llevar por el impulso. lógica y juventud. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma. y el símbolo de lo absoluto. Este primario significa envidia. simboliza la naturaleza y el crecimiento. tienen que adaptarse a otra característica. tiene un temperamento vital. el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los casos. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Simboliza sangre. fuerza. Van Gogh tenia por el una especial predilección. cobardía. oro. Mezclado con blanco puede expresar cobardía. Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos. A medida que se le agrega negro. desesperación y miseria. el sol. particularmente en los últimos años de su crisis. y cielo. También significa descanso. la intensidad del color naranja. mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3.En los ejemplos de arriba. opresión. Violeta: Significa martirio. rigidez y dolor. la del blanco es siempre positiva y afirmativa. se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento. Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida. voluntad y estimulo. Mezclado con el negro sugiere engaño. fanatismo e intolerancia. Mezclado con negro es deslealtad. Es el color de los maniáticos y de marte. verdad eterna e inmortalidad. habrá que controlar su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo. y los bajos impulsos. tienen distintos "valores" de luminosidad. porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. misticismo. razón. va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación. es un color utilisimo. fuerza. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de color (10.000º Kelvin). pierde brillantez.000º Kelvin). pasión. fidelidad. y alegría juvenil. pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco. la acción . desesperación. brillantez o valor Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra. Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas. Características de tono. Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania. Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente. Significa realidad. Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad. es realeza. Los tonos rojos de las imágenes superiores. desconfianza. Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo. la inteligencia y las emociones profundas. esperanza. dominio y tiranía. que al mismo tiempo pierde saturación. inocencia. revolución. el poder y simboliza arrogancia. aflicción. . Sugiere humedad. mas que por la reflexión. Mezclado con blanco es frivolidad. ira. conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro . Es el color del infinito. Mezclado con blanco: muerte. Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad de un color. No fatiga los ojos en grandes extensiones. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza. en el segundo. de la unidad y de la inocencia. tristeza. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. de la degradación moral y de la locura. Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Verde:Es un color de gran equilibrio. desde los más altos a los oscuros. también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. frescura y vegetación. dignidad. significa paz o rendición. fe. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. el diablo y el mal. recelo y bajas pasiones. y en su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor. tristes o linfáticos. fuego. Mezclado con blanco es pureza . de los sueños y de lo maravilloso. ambicioso y material. alegría. Lumniosidad. que vive hacia afuera . saturación y luminosidad. lasitud. y mezclado con negro. brutalidad. asi mismo crueldad y rabia. dá como resultado valores más altos o claros de ese color. la denominada temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. profundidad y también experiencia. al mezclarse proporcionalmente con blanco. El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que apareciendo filtrados de amarillo. y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. ardor y pasión. y simboliza la sabiduría. destrucción e impulso. Es la suma o síntesis de todos los colores. suntuosidad. PSICOLOGÍA DEL COLOR Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental.

naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo. debidamente combinados. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que. Por esta y por otras razones. la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque. luz visible incluida. es la ausencia del color.[17] . los colores existen en todas las sustancias del Universo. Usado de una manera conveniente. las mujeres sitúan el rojo en primer lugar. Mediante los diversos rayos de la luz solar. Estos aceites se secan más lentamente que otros. no por evaporación sino por oxidación. De hecho. Sólo existe (en teoría) en los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros". de manera que pueda ser asimilada por los organismos vivos : animales y plantas. Pese a la consideración negativa del negro. para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades. y los hombres el azul. Entre los chinos y los egipcios. Sin la luz solar. a la vez.Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. que no dejan escapar radicación alguna.Gris: No es un color. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco. rojo y verde. Cromoterapia La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través de los colores en que se divide el espectro de la luz solar. Símbolo del error y del mal. como la trementina. permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas . tiene que ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal. sino la transición entre el blanco y el negro. además representaba el yin femenino. haciendo permeable al ser humano según la información que recibe. la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. También transmite nobleza y elegancia. el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social. la vida no sería posible. La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades. En la vida más normal. Es la muerte. y el producto de la mezcla de ambos. sobre todo durante una época. opaca o transparente. el negro puro es la ausencia de color y de luz. mate o brillante. a largo plazo. Este poderoso agente natural es. si se controla cuidadosamente los tiempos de secado. y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes. se basa en el hecho de que los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente. Simboliza neutralidad. los amarillos. la razón por la cual se impuso. el sistema naturista ha venido venciendo muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". un notable elemento curativo. se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Químicamente muy rica. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco. No reflejan nada. Negro:El color más oscuro. La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso de enfermedad. el aceite puede considerarse como el medio más flexible. del bien y del mal. tiende a amarillear ligeramente. el negro fue signo de fertilidad. sin embargo. Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul. Entre los primeros. La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. el negro es el color neutro más oscuro que un aparato. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial para que el ojo humano considere "negro" ese tono. no emiten luz. Estiliza y acerca. visibles e invisibles. sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas . Su capacidad de soportar capas sucesivas. se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso. pintura o tinta son capaces de reproducir. La ciencia demuestra que cada una de ellas tiene un espectro propio. la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra. Sólo los cuatro elementos. Óleo LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS El dos de mayo de Francisco de Goya. De hecho. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. Conocida desde las más antiguas civilizaciones. desde los simples átomos a las más lejanas galaxias.

Arte en Crayon de Madera Esta técnica se basa utilizando crayones de madera. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela. Según el pintor Paul Signac: «. las sombras no son negras… Puedes trabajarlo en un papel con textura. como Cascara de Huevo y Lino. obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas. Las tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la sombra. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. puedes combinar tonos (como amarillo y rojo. como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores.[19] Témpera La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes. procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. es concebida hoy. días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura. Armonía cromática La Armonía cromática. ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. sobre todo en los ámbitos pictóricos y en los de la Iconolingüística.. o Armonía de los colores.Caja de acuarelas. determinados rosas violáceos de los cielos de Turner. que actúa como otro verdadero tono. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución. realismo y facilidad de trabajar tu arte. Esta técnica se trata de pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras. los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Acuarela La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua.. porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor. pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Asimismo se denomina así al efecto . Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco). Puedes dejar de trabajarlo por horas. a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.

el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. En el Modelo de color RYB (Red. que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color. la complementariedad. Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos. los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK. el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores luz) y el negro es la ausencia de los tres. rojo-violeta y amarilloanaranjado. verde. COLORES PRIMARIOS. Hoy. ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si. Blue. obteniendo: Verde (S). Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes relacionadas con ella. más los dos colores acromáticos. blanco. entre los que destacan: el ajuste cromático. Colores intermedios. el complementario del color verde es el color magenta. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición. Colores terciarios Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja). Estas ocho posibilidades son los tres colores primarios. Colores secundarios. Blue = rojo. Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %. rojo-anaranjado. violeta (S) y naranja o anaranjado (S). el acorde cromático y la coloración acorde. la extensión cromática. Así en el sistema RGB (del inglés Red. La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Estos resultan de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo. los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios. el rojo y el azul. azul-verdoso. primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso. SECUNDARIOS Y TERCIARIOS Colores elementales Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la vista. Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo. o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. unidos por su diámetro. Yellow. Colores primarios. únicos. rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta). que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura. al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris. Green. .estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. desde la Antigüedad griega. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I). rojo. azul-violeta. La tradición de la Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. azul). Suelen emplearse también las designaciones armonía del color y armonía del colorido. o negro). hasta alcanzar su actual conceptualización en la perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. amarillo.

El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. azul. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores. Y así sucesivamente con todos los colores. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro. pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático. anaranjado. magenta. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises" HEXÁGONO DE LOS COLORES A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático. Círculo cromático con degragadado. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo. cian y verde. El magenta es el color opuesto al verde. como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo). aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo. El cian es el color opuesto al rojo. El círculo cromático es una clasificación de los colores. violeta. rojo. haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores. Materiales necesarios: . Aunque depende del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. • • • El amarillo es el color opuesto al azul. rojo. el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. Esta estrella muestra los colores complementarios. azul y verde.Círculo cromático Círculo cromático escalonado. Lápices de colores dispuestos cromáticamente.

que pueden estar alejados pero también muy próximos. Esquema de trabajo: Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace: ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR Bien. y que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales. incluso ideales. RENACIMIENTO. podemos distinguir entre gamas y escalas. por el contrario. blanco y negro) y pinceles. pero también más rico y preciso. en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de puesto hacia rojo). Y resulta curioso que estemos usando términos relacionados con la música: composición. pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro color (por ejemplo.. rojo. Compás y regla. e igual ocurre con la palabra gama. IMPRESIONISMO Y CUBISMO . Normalmente. que está generalmente azul. Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. se vinculan más a las experiencias propias de la práctica de la pintura.. Perspectiva aérea del color Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte.) y las diferencias que pueden existir a partir de otros parámetros como la saturación o el brillo. amarillo. ROMANTICISMO. magenta. Dentro de la escala se incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza. y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto también disminuye.. BARROCO. Antes de tratar el tema de la armonía. tal como a pintura del paisaje). Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie. Témperas (cyan. armonía. ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el color del fondo.. NEOCLASICISMO. Las escalas son esquemáticas.- Block de dibujo. Lapicero y goma de borrar. etc. en una gama se presentan los dos términos entre los que discurre. las diferencias que existen entre los colores o tonos propiamente dichos (azul. Las gamas. La gama tiene un sentido más restrictivo. contraste entre el objeto y sus disminuciones del fondo.

En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». fechada por algunos historiadores de unos 32. e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios.[4] La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo. se desarrolló la perspectiva lineal y i el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo. que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. fueron realizadas con ocre de arcilla. . en los colores y en las formas. el sfumato y el claroscuro. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos. En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica. incluso teatral y dramática mediante el claroscuro. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII. y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.[4] La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . Miguel Ángel. también en esta época apareció la técnica del óleo. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia.La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea. Se encuentran dibujados rinocerontes. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco.[3] Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5. búfalos. eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. en muestras inferiores se han encontrado en Portugal. donde destacó la figura el pintor Giotto. que habían dominado el arte durante casi un siglo. se concentra sobre todo. las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición. ya no parecían adecuadas. la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña. la Virgen María y la vida de santos. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero. Rafael Sanzio y Tiziano. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia.000 años. el uso de luz y sombra. leones. en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino. la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor. Norte de África. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci. Italia y Europa oriental. mamuts. de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense.

pero que nunca seguían un razonamiento lógico. que la apariencia normal de las cosas y las personas queda distorsionada. Thomas Cole y en España Francisco de Goya. es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores. la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. sin interesarse por los detalles concretos. en los Estados Unidos. indistintamente. en torno a la personalidad del poeta André Breton. de Bohumil Kubišta. con escrituras automáticas. consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado.[5] A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. sur [sobre. utilizando imágenes para expresar sus emociones. en la década de los años 1920. ya de un modo preciso. Buscaba descubrir una verdad. Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo. Constable y Turner. Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color. esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones. en el Reino Unido. desarrollando imágenes casi monocromas.[ principios del siglo XX. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. el fauvismo que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos. rebelde y apasionada. expresión de la interioridad de la conciencia. éstas han sido definidas como corrientes dentro de las artes. en el cual se funden angustia y simbolismo. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela. por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo. el término expresionismo era utilizado para referirse. El Surrealismo (en francés: surréalisme. el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. particularmente en la época contemporánea en la que numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. la pintura abstracta es heredera del cubismo. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX. el impresionismo con Manet a la cabeza. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950. representados con tanta fuerza.Hipnotizador (1912). Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909. Finalmente se designó como expresionismo. A diferencia de los fauves. la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincente Van Gogh. el cubismo con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales. el arte gótico o el barroco. característica de muchos artistas nórdicos. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema del cuadro estados mentales. estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza. sin correcciones racionales. CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES Los estilos artísticos son innumerables. asimismo. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética. destacan Velázquez . . James Ensor y Edvard Munch. muestran una inspiración violenta. Rubens y Rembrandt. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en la historia de la expresión pictórica. el expresionismo que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad. Las obras expresionistas. En Francia el pintor más importante fue Delacroix. se considera la primera fase del cubismo. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. la cultura o a tópicos sociales. a cualquier tendencia de vanguardia. espontánea. está el método de Cézanne. Cuando estos estilos son adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en torno a las artes.

nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y. Impresionismo y Pintura Impresionista El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. 1513-1514 La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora. por su parte. puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun vivía. el ornamental (siglo I). El Impresionismo parten del análisis de la realidad. las pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. Amor sagrado y amor profano. h. La pintura romana. Pintura de El Fayum. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. el arquitectónico. son representaciones relativamente realistas de personas de cierta relevancia política o social. la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica. La segunda ilustración corresponde a una joven mujer escribiendo. Generalmente al fresco. se aplicase sobre su momia. en general. de origen helenístico. escenográfico o teatral. y el del ilusionismo arquitectónico. que llega hasta comienzos del imperio. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona fallecida. bien representado por las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya. y presenta espacios arquitectónicos que se completan con paisajes ajardinados y figuras. el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes.ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA a su esposa Julia Domna. como el de la pareja imperial. Se . únicamente tras el fallecimiento del dueño de la casa. Estos retratos. Suele hablarse de cuatro estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones. se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. de detallada decoración. la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. Pintura renacentista Ticiano. Los modelos eran siempre jóvenes e idealizados. se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino.

Paul Gaugin. creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. 1888. El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880. morales e intelectuales. La cara oculta de la modernización. pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Tanto el Impresionismo. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. no les importa el objeto. Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Posimpresionismo Visión tras el sermón. la alineación. una aplicación compacta de la pintura. reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. pinceladas distinguibles y temas de la vida real. Simbolismo. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas. . La angustia existencial es el principal motor de su estética. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne. políticos. paralelo al post-impresionismo. como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos. se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas. la actividad industrial y la degradación. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. y esto es lo que plasman. la masificación. el aislamiento. sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Ven colores que conforman cosas. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. la aglomeración. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales. rechazan lo que trae consigo la vida diaria. Pintura Expresionista El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Pintura Simbolista El término simbolista procede del ámbito literario. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos. Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. Expresionismo.

. • • Volumen El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. la rapidez. donde la tradición artística lo impregnaba todo. Arte futurista El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. DEFINICIÓN DE VOLUMEN Efigie Una efigie es la representación de una persona en una moneda. Pintura y escultura cubista Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907. una imagen bitmap aplicada sobre una superficie en gráficos por computadora. existen varios tipos de fibras. el movimiento y la deshumanización. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado. que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene. pero aparece en la forma. de formas. Y una vez creadas.. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos. significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador. que parece correr sobre una estela de metralla. Futurismo. es más hermoso que la Victoria de Samotracia En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Un automóvil de carreras. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser extensos. Boccioni. Las de algodón y lino son fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon. Quieren crear un arte nuevo. pintura o escultura. así como las sensaciones que causan. En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una distancia o tensor métrico. defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro. la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. la energía. Por otra parte también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. Fernand Leger. • Textura del tejido. los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Él cree que la naturaleza no se dibuja. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris. también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección. pero con anterioridad. Jean Metzinger y Albert Gleizes. seda y lino. • Textura (gráficos por computadora). surgiendo aquí el problema de los planos. Su fórmula era la forma-color. que son captadas por el sentido del tacto. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación. Gira en torno a la figura de Marinetti. las naturales: algodón. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). entrelazamiento . XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Trabajarán artistas como los pintores Russolo. Textura Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos. para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. un automóvil rugiente. la belleza de la velocidad. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Se puede referir específicamente a: Textura de la música. lana. Carrá.. la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada. que se utiliza comúnmente en la vida práctica. sino que se manifiesta a través del color. que será el punto de partida. hay que relacionarlas entre sí. En física. calidad general del sonido de una composición musical. aunque temporalmente también acepta el litro.Cubismo. disposición y orden de los hilos en un tejido. Textura de la pintura. las que son utilizadas por los artistas. que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. acorde con la mentalidad moderna. sensación de la tela basado en la pintura y su método de aplicación. que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli. que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista. La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico. especialmente en Italia. Por eso. La textura es expresiva. Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza. la velocidad. Cézanne ya habría marcado el camino. Balla o Severini. sino una pintura de volúmenes. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición.

del que se conservan muy pocos. o parte de él. Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -.). y los artesanos de la necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al mundo de los muertos (Xibalbá). llamado códice. Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún. Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. suponen una valiosa aportación al arte maya. ARTES POPULARES DE GUATEMALA Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos. en jade y obsidiana. después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Incluye la cabeza. Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de tres habitaciones de un edificio (790 d. Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria.Puede ser una escultura. excéntricos y collares alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares de las tumbas más principescas. Torso Torso puede designar: • • al cuerpo humano excluyendo las extremidades. como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza es distinta a las demás. los hombros. logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas. la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y perfección. platos y fuentes de distintas dimensiones donde la pintura cubría casi la totalidad de la superficie. A esta lejana isla llegaban para enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica . Coba y Chichén Itzá. Palenque. La técnica era similar a la de los murales aunque jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el pulimento.C. Mundo de las Artesanías Trabajo artesano en arcilla. a una representación escultórica de esta parte del cuerpo.Busto Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano. Suelen ser cilindros. el nacimiento de los brazos y el pecho. los ceramistas reflejaron diversos aspectos relacionados con temas similares. Los murales más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Cerámica y lítica De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y cortesanas en sus composiciones. La talla de las piedras semipreciosas. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. recuerda la técnica utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y pintadas. Nueva Esparta. Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla (cuarto I). Los perfiles de los dibujos se realizaban en negro sobre un fondo monocromo. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco. La cerámica polícroma —asociada con el mundo funerario— fue la más extendida. Figuras humanas. crema o anaranjado. El otro estilo. también llamado tronco. dibujo o grabado. la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras. pintura. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una variada muestra de tipos físicos diferentes.

ya que es una característica de la artesanía. asociaciones o en cooperativas. pero con menor precio y calidad. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. • • . Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. Para muchas personas. para producir socialmente. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. • Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. identificándose en algunos casos la organización en comités. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. • Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin.manual creativa. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. con poca capacidad para llegar al mercado. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. bienes y servicios". ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. con apariencia similar a los productos artesanos. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. según la leyenda que se dance o se cuente. que son muy comunes en la artesanía maya. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. pero cada vez son menos. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». Máscaras Ceremoniales de Guatemala • • En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. para producir individualmente.

para producir socialmente. entre estos lugares está el Museo de Máscaras Ceremoniales. ya que es una característica de la artesanía. Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste. Hay muchos lugares que prodecuen máscaras. Cestería La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable. asi como vivos colores que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas. ya que se utilizan como su nombre lo indica en ceremonias. Especialmente las mujeres son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía. según la leyenda que se dance o se cuente.Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria. También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales». . para producir individualmente. ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás. Para muchas personas. Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos. en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante. con poca capacidad para llegar al mercado. bienes y servicios". que son muy comunes en la artesanía maya. identificándose en algunos casos la organización en comités. Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles. pero con menor precio y calidad. pero cada vez son menos. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales. la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes. bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como "toda técnica mecánica aplicada. y Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin. con apariencia similar a los productos artesanos. y Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. asociaciones o en cooperativas. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros. que se realiza en talleres individuales o de pocas personas. un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. Eutimio Tovar Rodríguez en "La artesanía su importancia económica y social"1 ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica manual creativa. Máscaras Ceremoniales de Guatemala y y y y En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales.

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